実験的なロック

ロックンロールの黎明期には、アバンギャルドとは関連付けられていないものの、多くのアーティストがこのメディアを実験し、このジャンルの定番となる革新的な技術を生み出した。1930年、レス・ポールはオーバーダビングの初期の革新者となり、当初は改造したディスク旋盤を使用して1枚のディスクに複数の世代の音を録音することでマルチトラック録音を作成し、 ^{[ 23 ] [ 24 ]}後にビング・クロスビーから最初のAmpex 300シリーズのテープレコーダーの1つを贈られ、テープ技術を使用するようになった。^{[ 25 ]} 1940年代初頭から1950年代にかけて、キング・レコード、サン・レコード、スタックスなどのレーベル^{[ 26 ]}は、ジャズ、リズム・アンド・ブルース、初期のロックンロールの発展において重要な役割を果たした。これらのジャンルは当初、大手レコード会社によって軽視されていたが、アトランティックはステレオ録音を最初に行ったレーベルであり、サンのサム・フィリップスとチェスはスラップバック・エコーと即席のエコー・チャンバーを導入した。^{[ 27 ]}さらに、独立系レーベルは、当時米国で疎外されていたアフリカ系アメリカ人ミュージシャンにとって、しばしば唯一のプラットフォームであった。 ^{[ 28 ]}

当時、ギターアンプはしばしば低忠実度で、ボリューム（ゲイン）を設計限界を超えて上げたり、軽微な損傷を受けたりすると、しばしば歪みが発生しました。^{[ 29 ]} 1935年から1945年の間に、ボブ・ダン^{[ 30 ]} 、ジュニア・バーナード^{[ 30 ]} 、エルモア・ジェームス、バディ・ガイなどのギタリストが、初期の歪みベースのギターサウンドを実験しました。^{[ 31 ]}初期のロック音楽では、ゴリー・カーターの「Rock Awhile」（1949年）とジョー・ヒル・ルイスの「Boogie in the Park」（1950年）が、数年後のチャック・ベリーのサウンドに似た、オーバードライブのかかったエレキギターのスタイルを特徴としていました。^{[ 32 ] [ 33 ] [ 34 ]} 1950 年までに、エレキ ギタリストはこの種の歪みを模倣するためにアンプやスピーカーを「改造」し始めました。^{[ 35 ]}これは、 1951 年 3 月にリリースされたIke Turner and the Kings of Rhythm の曲「Rocket 88 」などの人気レコーディングでフィーチャーされているアンプの偶発的な損傷にも触発されたものです。この曲では、ギタリストのWillie Kizart が輸送中にスピーカー コーンがわずかに損傷した真空管アンプを使用しました。 ^{[ 36 ] [ 37 ] [ 38 ]}その後のロック ミュージックの歪みの発展は、1950 年代を通じて、 Howlin' WolfのバンドのWillie Johnson 、 ^{[ 29 ]} Guitar Slim、^{[ 39 ]} Chuck Berry、^{[ 40 ]} James CottonのバンドのPat Hare 、 Johnny Burnette TrioのPaul Burlison、Link Wrayなどのギタリストによって開拓されました。^{[ 41 ] [ 42 ] [ 43 ] [ 44 ]}

1951年3月26日、レス・ポールは当時の妻メアリー・フォードと共演した「How High The Moon」をリリースし、ビルボードチャートに25週間（1951年3月26日から）ランクインし、そのうち9週間は1位を獲得した。 ^{[ 45 ]}当時、この曲にはフランジング、ディレイ、フェージング、可変速などのスタジオ技術に加え、オーバーダビングが多用されていた。^{[ 24 ] [ 46 ]}レス・ポールのレコーディング技術の進歩は、バディ・ホリーなどのアーティストによる彼の技術の採用に見られた。1958年、ホリーはオーバーダビングを用いて楽器やハーモニーを追加した「Words of Love」と「Listen to Me」をリリースした。^{[ 47 ]}

その後、1954年4月にリリースされたジョニー・“ギター”・ワトソンのシングル「スペース・ギター」は、過剰なギター演奏とリバーブやエコー効果の多用を特徴としており、ボ・ディドリー^{[ 48 ]}、アイク・ターナー^{[ 48 ]}、フランク・ザッパ^{[ 49 ]}、ジミ・ヘンドリックス^{[ 50 ]}などのアーティストに影響を与えた。

ロック音楽には常に実験的な要素が存在していたが、このジャンルが現代美術、アバンギャルド、そしてより広い芸術界からの影響を広く取り入れるようになったのは、1960年代前半から中頃になってからのことだった。^{[ 51 ] [ 52 ]}ビートルズ、ザ・フー、ローリング・ストーンズ、キンクス、10cc、ザ・ムーブ、ヤードバーズ、ピンク・フロイドなどのイギリスのアーティストたちは、美術学校に通い、そこでアバンギャルドなアイデアを得て、それを伝統的なロックンロールの枠組みに取り入れた。^{[ 53 ] [ 54 ]}ピート・タウンゼントは、美術学校で学んだ自己破壊芸術などの前衛的なアイデアから、ザ・フーでのギター破壊にインスピレーションを得た。 ^{[ 55 ]}一方、シド・バレットのようなミュージシャンは、フリー・インプロヴィゼーションなどの前衛音楽運動、特にAMMのキース・ロウのプリペアド・ギター・テクニックから影響を受け、ジッポー・ライターをギター・スライドとして使用することで、ピンク・フロイドでのサイケデリックなフリー・フォーム・ギター演奏に取り入れた。^{[ 56 ]}さらに、ロック・ミュージシャンは、ビート・ジェネレーションなどの以前のカウンター・カルチャー運動や、同時代の実験映画、文学、音楽の発展からも影響を受けた。その他の初期の影響としては、アヴァンギャルドやフリージャズ^{[ 57 ]}、ミュジック・コンクレート[ ^{58 ] 、}そして作曲家イーゴリ・ストラヴィンスキー、ジョン・ケージ、カールハインツ・シュトックハウゼン、ルチアーノ・ベリオの作品^{[ 59 ]}が挙げられる。その後、アヴァンギャルドとロック音楽を融合させようとする初期の試みは、ザ・ドラッズ、ザ・ファッグス、デイヴィッド・アレン・トリオ、ザ・マザーズ・オブ・インヴェンション、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドといったアンダーグラウンド・ミュージック・グループによって行われた。ニコ、ニヒリスト・スパズム・バンド、ソフト・マシーン、ザ・ゴッズ、レッド・クレイオラ、^{[ 60 ]}ハプシャシュ・アンド・ザ・カラード・コート、シルバー・アップルズ、^{[ 61 ]}ユナイテッド・ステイツ・オブ・アメリカ、クロマニョン、フィフティ・フット・ホース、ザ・スパーム、パーソン・サウンド、ピンク・フロイドは、前衛音楽、サウンド・コラージュ、詩の要素を作品に取り入れた。^{[ 62 ] [ 63 ] [ nb 1 ] [ 65 ]} ローリング・ストーンズ^{[ 66 ]}やビートルズのような商業的に成功したイギリスのバンドも、後者の曲「カーニバル・オブ・ライト」や「レボリューション9」^{[ 67 ]}のように、前衛的な影響を音楽に取り入れた。

東海岸：ニューヨークのロウアー・イースト・サイドの風景

1963年、ニューヨークのビジュアルアーティストでアンダーグラウンド映画プロデューサーのアンディ・ウォーホルは、地元のコンセプチュアルアーティストであるウォルター・デ・マリア、ラリー・プーンス、ラ・モンテ・ヤング[ ^{69 ] 、}パティ・ミュシャ、ジャスパー・ジョーンズ、グロリア・グレイブス^{[ 69 ]}、ルーカス・サマラスらと共に、短命に終わった前衛バンド、ザ・ドラッズ^{[ 68 ]}を結成した。その後、エド・サンダースとトゥリ・クプファーバーグがロウアー・イースト・サイドで影響力のあるアンダーグラウンド・ロックバンド、ザ・ファッグスを結成した[ ^{70 ] [ 71 ]。彼ら}は後に「ビート・ジェネレーションと実験的ロックの間のギャップを埋める」のに貢献したと評された。彼らの曲はビート詩とフォーク音楽をロックンロールと融合させたもので^{[ 72 ]} 、ピーター・スタンフェルとスティーブ・ウェバーが1963年に結成したニューヨークのフォークを基盤とするホーリー・モーダル・ラウンダーズと頻繁にコラボレーションし、二人は後に短期間バンドに加わった。ザ・ファッグスは、ルー・リード、デヴィッド・ピール^{[ 73 ]}、イギー・ポップ^{[ 74 ]}、そしてゴッズ^{[ 75 ] [ 76 ]}などの初期のアンダーグラウンドや実験的なロックバンドに初期から影響を与えた。

1965年後半までに、ウォーホルは自身のマルチメディア・アート・パフォーマンス・シリーズ「Exploding Plastic Inevitable」の音楽を担当するバンドを探し始めた。ウォーホルは、最終的にヴェルヴェット・アンダーグラウンドを選ぶ前に、ザ・ファッグスやホーリー・モーダル・ラウンダーズ^{[ 77 ]}を一時的に検討した。ヴェルヴェット・アンダーグラウンドは、 1965年12月にビートニクのたまり場であるカフェ・ビザールで、バーバラ・ルービンがジェラール・マランガを通じてウォーホルに紹介​​したバンドである。 ^{[ 78 ] [ nb 2 ]}彼らは、ラ・モンテ・ヤング、ジョン・ケージ、シアター・オブ・エターナル・ミュージック などの前衛芸術家の影響、ミニマリズム、ドローン・ミュージックをロックの楽器編成と融合させた。これらのパフォーマンス・アート・ハプニングは、前衛音楽とポピュラー音楽の間のギャップを埋めることを目的としており、ウォーホルの映画の上映、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドの実験的なロック音楽、ウォーホルのファクトリーの常連によるダンスやパフォーマンス・アートをミックスしていた。^{[ 79 ]}

さらに、独立系レコードレーベルのESP-Diskは、初期のニューヨークのカウンターカルチャーやアンダーグラウンドミュージックシーンにおいて重要な勢力となり、Fugs、Godz、Pearls Before Swine [ ^{14 ] 、}そして後にCromagnonといった初期のアヴァンギャルドロックアーティストと契約を結んだ。実験的なロックミュージックから影響を受けた東海岸のサイケデリックアクトには、The Deep、The Tea Company、Blues Magoosなどがあった。1966年、ESPはVelvet Undergroundの初期の録音であるインストゥルメンタル曲「Noise」をリリースした。この曲は、様々なアーティストのコンピレーションアルバム『The East Village Other』（別名Electric Newspaper）に収録されている^{[ 80 ]}。同時期に、ルー・リードはフルクサスアーティストのヘンリー・フリントにギターを教え、レッスンを行った。フリントは後に短命に終わったアヴァンギャルドロックバンド、The Insurrectionsを結成した。^{[ 81 ] [ 82 ] [ 20 ]}さらに、フリントは短期間ヴェルヴェット・アンダーグラウンドと共演し、 1966年9月のコンサートでジョン・ケイルの代役としてヴァイオリンを演奏した。^{[ 83 ]} 1967年3月、バンドはアンディ・ウォーホルがプロデュースした影響力のあるデビュー・アルバム『ヴェルヴェット・アンダーグラウンド＆ニコ』をリリースし、 1968年には『ホワイト・ライト/ホワイト・ヒート』が続いた。^{[ 84 ]}同年後半、シメオン・コックスとダニー・テイラーによって結成されたニューヨークのバンド、シルバー・アップルズは、デビュー・アルバムでオシレーターの音を初期のエレクトロニック・ロックに取り入れた。^{[ 85 ]}

生産技術の開発

1960年代初頭、ギターのディストーションは現代ロック音楽に不可欠なものとなり、リンク・レイ、マーティ・ロビンスのバンドのグラディ・マーティン^{[ 86 ]} 、キンクスのデイヴ・デイヴィス^{[ 87 ]}、ローリング・ストーンズのキース・リチャーズ^{[ 88 ]}などのミュージシャンによってさらに発展させられた。グラディ・マーティンとキース・リチャーズはロック音楽におけるファズ・ディストーションの使用を先駆的に普及させた^{[ 88 ] [ 86 ]} 。初期のロック音楽の実験の他の形態には、ウィリー・ジョンソン、ジョニー・ワトソン、リンク・レイなどのブルースやロックンロールのギタリストによって先駆的に行われたギター・フィードバックの意図的な使用が含まれる。AllMusicのリッチー・アンターバーガーによれば、商業ロックレコードで意図的にフィードバックを使用した最初の例は、1964年に録音されたビートルズの「アイ・フィール・ファイン」のイントロダクションである。 ^{[ 89 ]}ジェイ・ホジソンは、ジョン・レノンがセミ・アコースティック・ギターをアンプに立てかけたことで生み出されたこのフィードバックが、フィードバック歪みを披露した「最初のチャート・トップ」だったことに同意している。 ^{[ 90 ]}ザ・フーの1965年のヒット曲「エニウェイ、エニハウ、エニウェア」と「マイ・ジェネレーション」では、ピート・タウンゼントによるフィードバック操作がフィーチャーされており、前者は長いソロ、後者はアンプの前でギターを揺らして脈打つようなノイズを作り出している。 1965年までに、フィードバックはザ・モンクス^{[ 91 ]}、フランク・ザッパ、ジェファーソン・エアプレイン、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドによって広く使用され、その後、グレイトフル・デッド、ジミ・ヘンドリックス、マイケル・ヨンカーズのようなアンダーグラウンドの音楽アーティストによっても使用されるようになった。ヨンカーズのフィードバックの使用は、 Dazed誌によって同時代の誰よりもはるかに過激であると評された。 ^{[ 92 ] [ 53 ] [ 54 ]}

1960年代を通して、マルチトラック録音とミキシングボードの技術の進歩は、著名なアーティストに複雑で重層的な楽曲制作を促した。ジョー・ミーク^{[ 93 ]} 、フィル・スペクター、ビーチ・ボーイズのブライアン・ウィルソン、ビートルズのプロデューサーであるジョージ・マーティン、エンジニアのジェフ・エメリックといったプロデューサーたちは、レコーディングスタジオを楽器として開拓することに貢献した^{[ 58 ] [ nb 3 ]}。 1966年には、ビーチ・ボーイズの『ペット・サウンズ』やフランク・ザッパの『フリーク・アウト！ 』 ^{[ 95 ]}といった影響力のあるアルバムのリリースが、多くのロックバンドに型破りなアプローチやレコーディングスタジオの技術を音楽に取り入れるよう促した。同年8月、ビートルズは影響力のあるアルバム『リボルバー』をリリースし、特に最後のトラック「トゥモロー・ネバー・ノウズ」で、当時の制作技術をさらに発展させた。1967年までに、 『ペット・サウンズ』 ^{[ 96 ]}と『フリーク・アウト！』^{[ 97 ]}の革新は、ビートルズの『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』に影響を与えた。ビートルズの『サージェント・ペパーズ・ロンリー・ハーツ・クラブ・バンド』は、ポピュラー音楽における先進的で型破りなスタジオ技術の普及に大きく貢献した。^{[ 98 ] [ nb4 ] [ 101 ] [ 102 ] [ 103 ]}

西海岸：カリフォルニア州ロサンゼルスとサンフランシスコのシーン

スチュアート・ローゼンバーグによれば、最初の「注目すべき」実験的ロックグループは、作曲家フランク・ザッパが1964年に結成したマザーズ・オブ・インヴェンションである。^{[ 2 ]}グリーンは、同グループのデビューアルバム『Freak Out!』が「アヴァンギャルド・ロック」スタジオアルバムの出現を告げるものだと認めている。また、ローゼンバーグはヴェルヴェット・アンダーグラウンドを「マザーズ・オブ・インヴェンションの初期の録音よりもさらにポピュラーカルチャーからかけ離れている」と評している。^{[ 104 ] [ 105 ] [ 106 ] [注5 ]}作家ケリー・フィッシャー・ロウによれば、ザッパは「反テクスチャ的な側面を取り入れ、アルバムの録音そのものに注目を集める」ことで、実験的ロックの「方向性を定めた」。^{[ 101 ]}彼の 1968 年のアルバムWe're Only in It for the Money は、ローリング ストーン誌の 1968 年 4 月のレビューでバレット ハンセンによって、当時リリースされた中で最も「先進的な」ロック アルバムであると称賛されたが、必ずしも「最高」ではなかった。^{[ 108 ] 1969年}に、フランク ザッパのレコード レーベルStraight Recordsがプロデュースしリリースしたキャプテン ビーフハートのアルバム^Trout Mask Replicaは、実験的ロック ミュージックの基礎となる瞬間を刻み、ガーディアン紙は、「Trout Mask Replica は、ほぼすべての実験的ロック ミュージックが評価される基準であり、恐ろしく難解なリスニングとしての評判は、時間の経過やその影響力によっても衰えることはない」と述べている。^{[ 110 ]} Pitchfork は、このアルバムが「アヴァンギャルド ロックの比類なき基準を確立した」と述べている。^{[ 111 ]}西海岸のその他のアンダーグラウンド実験ロックバンドには、Vito & the Hands、The Gas Company、^{[ 13 ]} The Inrhodes、The Urban Renewal Project、The United States of America、The Ethix、Fifty Foot Hoseなどがあった。^{[ 112 ] [ 113 ]}最も影響力があったバンドの中には、1969 年にサンフランシスコで結成されたThe Residentsがあった。 ^{[ 114 ]}

1960年代後半から1970年代初頭にかけて、実験的なロック音楽は、アメリカやイギリスのアヴァンギャルド・ロックバンドの影響を受けたシーンの出現とともに、世界中でさらに広まった。ドイツのクラウトロック・シーンは、 1968年の学生運動から部分的に生まれ、当初はKommune 1を中心としており、ドイツの若者が国の過去の伝統[5]とは異なる^{独自のカウンター}カルチャー的アイデンティティ^を模索する中で形作られた。^{[123 ] [ 62 ]これは}最終的に、形式的なロックの慣習を^拒否し、主にミニマリズム^、アヴァンギャルド、シュトックハウゼンなどの現代クラシック作曲家^{、そしてヴェルヴェット・}アンダーグラウンドやフランク・ザッパなどのアメリカの実験的ロック・アーティストに影響を受けた実験的ロック[5][123]を発展させるバンドへとつながった。^{[ 62 ] [ 62 ]} Can、Faust [ ^{124 ] 、} Neu!アモン・デュールII、アッシュ・ラ・テンペル、クラフトワーク、タンジェリン・ドリーム、ポポル・ヴーは、サイケデリック・ロックの要素をエレクトロニック・ミュージック、ファンク、ジャズの即興演奏と融合させた。^{[ 125 ] [ 123 ] [ 62 ]}

Canの1971年のアルバム『Tago Mago』は、実験的ロック音楽の「ジャンルを決定づける」作品と評されている。^{[ 126 ]}イギリスの雑誌『Uncut』は、このアルバムを『Ege Bamyasi』（1972年）と『Future Days 』（1973年）とともに「実験的ロックの試金石」として挙げている。^{[ 127 ]}

ソ連支配下のチェコスロバキアでは、プラハ・アンダーグラウンドがプラスチック・ピープル・オブ・ザ・ユニバースと地下出版作家のエゴン・ボンディに率いられ、当時禁止されていたヴェルヴェット・アンダーグラウンドやフランク・ザッパなどのアメリカのアーティストに触発されて実験的なロック音楽を制作した。プラスチック・ピープル・オブ・ザ・ユニバースは後に逮捕され、彼らの裁判は憲章77の創設につながり、この運動は後に政権を終わらせたベルベット革命に貢献した。 ^{[ 128 ]}

イギリスでは、アートロックバンドのロキシー・ミュージック^{[ 129 ]}が登場した。ボーカルのブライアン・フェリーは短期間アートスクールに通い^{[ 130 ]} 、キーボーディストのブライアン・イーノは、頻繁にコラボレーションしていたデヴィッド・ボウイと共に、ドイツのクラウトロックシーンから影響を受け、イーノは影響力のあるデビューアルバムとセカンドアルバムをリリースし、その後、1970年代後半にボウイのベルリン三部作が続いた^{[ 131 ]} 。Bandcamp Dailyによると、ロック・イン・オポジション運動を先導したイギリスのグループ、ヘンリー・カウは「過去60年間のアヴァンギャルドで実験的なロックに不可欠」である^{[ 132 ] 。}

アメリカでは、ニューヨーク市のアーティストであるTelevision、Patti Smith、Richard Hell and the Voidoids、Talking Headsなどが、 CBGBやMax's Kansas Cityなどの地元の会場を中心とした初期のニューヨーク市のパンクロックシーンから登場し、彼らの音楽は初期パンクの生々しいエネルギーと地元の芸術や前衛シーンからの影響を融合させ、「アートパンク」の発展に貢献した。^{[ 133 ]}同時期の他の動きとしては、 Mirrors、Electric Eels、the Styrenes、Rocket from the Tombs 、そして後にPere Ubuが先導した初期のクリーブランドパンクシーン^{[ 134 ]}、そして1974年にメリーランド州ユニオンタウンで兄弟のJadとDavid Fairによって結成されたHalf Japaneseなどがある。 ^{[ 135 ]}

1970年代後半までに、より広範なパンクロック運動の影響を受けたいくつかの展開が現れた。イギリスでは、これは急成長したポストパンク運動によって代表される。ドイツのクラウトロックシーンと同様に、アーティストはロックの慣習を避け、ファンク、ダブ、アヴァンギャルドジャズなどの音楽ジャンルの影響を好んだ。この時期の実験的なロックバンドには、This Heat [ ^{136 ]}、Public Image Ltd ^{[ 137 ]}、The Fall ^{[ 138 ] [ 139 ]}などがあった。アメリカでは、ニューヨークのノーウェーブシーンは^、ニューウェーブの商業性を拒否した実験的なロックバンドで構成されており[ ^{7 ]} 、 Village Voiceのライター、スティーブ・アンダーソンによれば、彼らは「反抗する伝統を奪うことで^、ロックの先駆者の力と神秘性を弱体化させる」ような、攻撃的な還元主義を追求した。^{[ 140 ]}アンダーソンは、ノー・ウェーブ・シーンは「ニューヨーク最後の様式的にまとまったアヴァンギャルド・ロック運動」を表していたと主張している。 ^{[ 140 ]}インダストリアル・ミュージック・シーンは、アインシュテュルツェンデ・ノイバウテン、キャバレー・ヴォルテール、ナース・ウィズ・ウンド、スロッビング・グリッスルなどのバンドを生み出した。^{[ 141 ]}

日本では、大阪、神戸、京都、関西地方の他の地域で、ニューヨークのノーウェーブの地域的な延長である「関西ノーウェーブ」が発展した。^{[ 142 ]}アーティストには、Aunt Sally、INU、Hide、Jojo Hiroshige、SSなどが含まれる。このシーンは、灰野敬二、Boredoms、不失者、ゲロゲリゲゲゲ、Ruins 、花たらしなどのアーティストが率いるジャパノイズシーンの出現につながり、ハーシュノイズなどの現代ノイズミュージックのスタイルの発展に貢献した。^{[ 143 ] [ 144 ]}

1980年代までに、注目すべき実験的なロックグループには、 Material、Swans、The Work、Last Exit、Sonic Youth、John Zorn ^{[ 145 ]}、Massacre ^{[ 146 ]}などが含まれていた。Pitchforkは後に、 Birthday Partyのようなグループを「アヴァンギャルド ロックのアイコン」と評した。^{[ 147 ]}ジャーナリストのDavid Stubbsによると、Sonic Youth ほどロックとアヴァンギャルドの間のギャップを埋めようと努力した主要なロックグループは他にない。彼らは即興演奏やノイズ、そして Velvet Underground のサウンドを取り入れた。^{[ 148 ] [ 146 ]}

その後、イギリスのシューゲイザー・ムーブメントの革新性は、ガーディアン紙のライター、ジュード・ロジャースによって、イギリス国外でより好意的に受け止められたと評され、「アメリカではシューゲイザーへの反発はなかった。この音楽は、実験的なロックの継続的な遺産の一部と見なされ、後のスペース・ロックやポスト・ロックなどのジャンルに繋がった」と述べている。^{[ 149 ]} 1990年代には、伝統的なロック音楽の定型に対する反動として、ポスト・ロックのアーティストは、標準的なロックの楽器編成にエレクトロニクスと、アンビエント・ミュージック、IDM、クラウトロック、ミニマリズム、ジャズなどのさまざまなスタイルの影響を組み合わせた。^{[ 8 ]}実験的なロックのその他の発展には、ブルータル・プログレ、ノイズ、マス・ロックの影響を受けたUS Maple、Lightning Bolt、Laddio Bolocko、Storm & Stress、^{[ 150 ]}、Arab on Radarなどのアーティストが含まれる。^{[ 151 ] [ 152 ]}レジデンツやレッド・クレイオラなどの長きにわたり活動を続けるアメリカのアヴァンギャルド・ロック・バンドは、21世紀に入っても音楽を発表し続けた。^{[ 114 ] [ 153 ]}

2015年、The Quietusのブライアン・ブルッセーは、「実験的ロック」という用語に不確実性があることを指摘し、「すべてのロックバンドが、何らかのポスト、クラウトロック、サイケデリック、ノイズといった接頭辞を自分たちのジャンルに付けているようだ」と述べた。^{[ 154 ]} 2020年、Tokyo Weekenderはマスロックを「30年近くにわたり、プログレッシブで実験的なロック音楽の最も顕著な柱の1つ」と評した。^{[ 155 ]}

2010年代後半から2020年代初頭にかけて、ロンドンのブリクストンでウィンドミル・シーンが出現し、ポストパンクの影響を受け、会場ウィンドミルを中心に展開した。^{[ 156 ]}このシーンの「エクスペリメンタル・ロック」と呼ばれるアーティストには、ブラック・ミディなどがいる。^{[ 157 ] [ 158 ]}