Loading article…
建築の歴史は、さまざまな伝統、地域、全体的な様式傾向、および年代を通して建築の変化をたどります。これらのすべての伝統の始まりは、人間がシェルターと保護という最も基本的なニーズを満たすことだと考えられています。 [ 1 ]「建築」という用語は一般的に建物を指しますが、その本質ははるかに広く、現在では都市計画、土木工学、海軍、軍事、[ 2 ]およびランドスケープアーキテクチャなどの専門的な実践形態とみなされる分野を含みます。
建築のトレンドは、とりわけ19世紀、20世紀、21世紀における技術革新によって影響を受けた。鉄、鋳鉄、タイル、鉄筋コンクリート、ガラスの改良や使用は、例えばアール・ヌーヴォーの出現を助け、ボザール様式をより壮大にした。[ 3 ]
人類とその祖先は少なくとも数十万年前から様々な種類の住居を作っており、住居作りはヒト科動物の進化の初期に存在していた可能性がある。すべての大型類人猿は、頻度や複雑さの程度は異なるものの、睡眠のために「巣」を作る。チンパンジーは、枝を束ねて編んだ巣を定期的に作る。[ 4 ]これらの巣は天候によって変化する（涼しいときは寝床が厚くなり、風が強い日や雨の日にはより大きく丈夫な支柱で作られる）。[ 5 ]オランウータンは現在、屋根、毛布、枕、「二段ベッド」を備えた、ヒト以外のすべての大型類人猿の中で最も複雑な巣を作る。[ 6 ]
巣作りの習慣は、道具の使用よりも人間の創造性や建築スキルの進化にとってさらに重要であったと主張されている。なぜなら、ホミニンは、特殊な適応状況においてだけでなく、信号伝達の形態としても巣を作る必要があったからである。[ 7 ]巣やシェルターを巧みに構築するための、非常に掴みやすい手などの樹上生活の特徴を保持することは、予測不可能な環境や変化する気候において初期のホミニンにも有利であっただろう。[ 5 ]多くのホミニン、特にアルディピテクス[ 8 ]やアウストラロピテクス[ 9 ]のような初期のホミニンは、そのような特徴を保持しており、利用可能な場合は木に巣を作ることを選択した可能性がある。200万年前に「ホームベース」が発達したことも、シェルターや保護された貯蔵庫を構築する進化を促進した可能性がある。[ 10 ]巣作りの複雑さに関わらず、岩陰の機会が与えられない限り、初期のホミニンは依然として多かれ少なかれ「開放的」な状態で眠っていた可能性がある。[ 7 ]これらの岩陰は、巣や炉以上の手を加えることなくそのまま使用できたかもしれないし、確立された拠点の場合、特に後期の人類では、岩絵（ラスコーの場合）やその他の種類の美的構造物（ネアンデルタール人のブリュニケル洞窟の場合）で個性化できたかもしれない。 [ 11 ]開けた地面で寝る場合、オランダの動物行動学者アドリアーン・コルトラントはかつて、人類は捕食者を遠ざけるために棘のある茂みで一時的な囲いを作った可能性があると提唱し、ライオンが棘のある枝の近くにいると食べ物を嫌がるようになることを示す実験を用いてこれを支持した。[ 12 ]
2000年、東京の明治大学の考古学者は秩父村近くの丘の中腹で五角形に並んだ柱穴を2つ発見したと主張し、それを約50万年前のホモ・エレクトスによって建てられた2つの小屋と解釈した。[ 13 ]現在、目的を持って建てられた最古の構造物は、フランスのテラ・アマタ遺跡にあり、約40万年前の人工火の最古の証拠もそこにある。[ 14 ]この時代の住居は朽ちやすい性質のため、炉や住居の基礎を構成する可能性のある石以外に住居の証拠を見つけるのは難しい。スーダンのワディ・ハルファ近くのアルキン8遺跡には、テントのアンカーストーンであったと思われる10万年前の砂岩の円形構造物がある。[ 15 ]ヨルダン東部では、土壌に残る柱穴の跡から、約2万年前に柱と藁葺きの低木でできた家があったことが分かります。[ 16 ]骨、特にマンモスの骨が保存しやすい地域では、構造物の痕跡がはるかに容易に保存されます。例えば、2万4千年前から1万5千年前のマルタ・ブレト文化や、1万5千年前のメジリッチのマンモスの骨の住居などが挙げられます。旧石器時代後期は、一般的に解剖学的現代人の拡大と文化的な成長（この時期に絶滅に向かっていたネアンデルタール人の文化的な成長も含む）が特徴であり、現在、この時期以前に建てられた住居に関するデータは不足していますが、この時代の住居は、メジリッチのように彫刻されたマンモスの牙が住居の「正面」を形成していた可能性があるなど、美的改変の兆候がより一般的に見られるようになります。[ 17 ]
建築の進歩は、人類史における主要な革新のいくつかが起こった新石器時代（紀元前10,000年～2000年）の重要な部分である。例えば、植物や動物の家畜化は、新しい経済と人々と世界との新たな関係、コミュニティの規模と永続性の増加、物質文化の大規模な発展、そして人々がこれらのコミュニティで共に生活することを可能にする新しい社会的および儀式的解決策をもたらした。個々の構造物の新しい様式と、それらが集落に組み合わさることで、新しい生活様式と経済に必要な建物が提供され、変化の不可欠な要素でもあった。[ 21 ]
先史時代のあらゆる時代に属する多くの住居跡や、住居の粘土模型が発掘され、忠実な復元が可能になったものの、それらには芸術と関連付けられる要素はほとんど含まれていなかった。ただし、壁面装飾や、新石器時代と銅器時代の儀式や芸術に共通する出土品は例外である。
南アジアと南西アジアでは、紀元前 10,000 年以降まもなく新石器文化が現れ、最初はレバント(先土器新石器時代 Aと先土器新石器時代 B ) で始まり、そこから東と西に広がっていきました。紀元前 8000 年までに南東アナトリア、シリア、イラクに初期の新石器文化があり、食料生産社会は紀元前 7000 年までに南東ヨーロッパで、紀元前 5500 年頃には中央ヨーロッパで初めて現れました (その最古の文化複合体には、スターチェヴォ・コロス (クリス)、線帯土器文化、ヴィンチャが含まれます)。[ 22 ] [ 23 ] [ 24 ] [ 25 ]
新石器時代の集落や「都市」には以下のようなものがある。
アッシリアの宮殿には、東側にアパートメントが並ぶ大きな公共の中庭と、南側に一連の大きな宴会場がありました。これは、王の栄光のために建てられ装飾されたアッシリアの宮殿の伝統的なプランとなりました。[ 32 ]一部の宮殿からは、大量の象牙の家具が発見されています。
メソポタミアは、日干しレンガ造りの建物とジッグラトの建設で最もよく知られています。ジッグラトは各都市で目立つ場所を占め、巨大な階段状にそびえ立つ人工の塚の上に神殿が建てられています。この塚は、平坦な川の谷の中で神殿を際立った位置に上げるためであったことは間違いありません。大都市ウルクには多くの宗教区域があり、それまで知られていたどの建物よりも大きく野心的な神殿が数多くありました。[ 33 ]
ジッグラトという言葉は、日干しレンガでできた頑丈な階段状の塔に付けられたアッカド語のziqqurratumを英語化したものです。これは動詞zaqaru (「高い」) に由来します。これらの建物は、地上と天を結ぶ山のようだと表現されています。レナード・ウーリーによって発掘されたウルのジッグラトは、底辺が 64 メートル× 46 メートルで、元々は高さ約 12 メートル、3 階建てでした。ウル・ナンム(紀元前 2100 年頃) の時代に建設され、ナボニドゥス(紀元前 555 ～ 539年) の時代に再建され、その際に高さが恐らく 7 階建てに増築されました。[ 34 ]
古代エジプトに対する現代のイメージは、現存する記念碑的な建築物の痕跡に大きく影響を受けている。多くの様式やモチーフは、紀元前3100年頃のファラオ国家の黎明期に確立された。古代エジプトで最も象徴的な建造物はピラミッドであり、これは古王国時代と中王国時代（紀元前2600年頃～1800年頃）にファラオの墓として建てられた。しかし、カルナック神殿複合体のような印象的な神殿も存在する。
古代エジプト人は死後の世界を信じていました。また、魂（カーと呼ばれる）が死後の世界で永遠に生きるためには、肉体が永遠に無傷でなければならないと信じていました。そのため、死者を損傷や墓荒らしから守る方法を考え出す必要がありました。こうしてマスタバが誕生しました。マスタバは平らな屋根を持つ日干しレンガ造りの建造物で、約30メートル下に棺を納める地下室がありました。古代エジプトの神官であり建築家でもあったイムホテプは、ファラオ・ジョセルの墓を設計する必要がありました。そのため、彼は5つのマスタバを積み重ね、こうして最初のエジプトのピラミッド、サッカラのジョセル王のピラミッド（紀元前2667年～2648年頃）を建造しました。これは階段ピラミッドです。最初の滑らかな側面を持つピラミッドは、紀元前2613年～2589年頃に統治したファラオ・スネフェルによって建造されました。最も印象的なのは、スネフェル王の息子クフ王（紀元前2589年頃～2566年頃）のために建造されたギザの大ピラミッドで、古代世界の最後の現存する驚異であり、エジプト最大のピラミッドです。ピラミッドに使用された石のブロックはモルタルで固定され、構造全体は高度に磨かれた白い石灰岩で覆われ、頂上は金で飾られていました。今日私たちが見るものは、実際にはピラミッドのコア構造です。内部には、狭い通路が王家の埋葬室に通じていました。ピラミッドは古代エジプトと強く結びついていますが、マヤ文明など他の文明でも建造されていました。
資源の不足と神官への権力の移行により、古代エジプト人はピラミッドから離れ、神殿が宗教建築の中心となった。ピラミッドと同様に、古代エジプトの神殿もまた壮大で記念碑的なものであった。それらは、朽ちやすい素材で作られた小さな祠から大きな複合施設へと発展し、新王国時代（紀元前1550年頃～1070年頃）には、広間と中庭からなる巨大な石造建築物となった。神殿は、石でできた一種の「宇宙」、つまり神が自身と世界を再生できる創造の原初の丘の複製を表していた。入口は、地平線の丘を象徴する二重の門（塔門）で構成されていた。内部には、原始的なパピルスの茂みを象徴する柱廊が並んでいた。その後、徐々に狭くなる一連の通路が続き、神の崇拝像が置かれた聖域にたどり着いた。古代、神殿は主に赤、青、黄、緑、オレンジ、白といった鮮やかな色彩で彩られていた。エジプトの砂漠気候のおかげで、これらの彩色された表面の一部、特に内部は良好な状態で保存されている。
古代エジプト建築に特有の建築要素として、古王国時代末期に導入されたカベットコーニス（凹面モールディング）がある。これは、ほぼすべての正式なファラオ建築の頂上を強調するために広く用いられた。その使用頻度の高さから、後に多くのエジプト復興様式の建築物や装飾品にも用いられることになる。[ 42 ] [ 39 ]
インド亜大陸における最初の都市文明は、主にモヘンジョダロとハラッパ（現在のパキスタンとインド共和国の西部諸州）に起源を持つインダス文明に遡ることができます。最も古い集落は、新石器時代のバローチスターン州メルガルで見られます。この文明の都市は、焼きレンガ造りの建物、精巧な排水・給水システム、手工芸品（カーネリアン製品、印章彫刻）による都市計画で知られていました。この文明は、冶金（銅、青銅、鉛、錫）の専門知識を活かし、新石器時代から銅器時代、そしてそれ以降へと発展しました。 [ 45 ]彼らの都市中心部は、おそらく3万人から6万人の人口を抱えるまでに成長し、[ 46 ]文明全体では100万人から500万人の人口を抱えていた可能性があります。[ 47 ]
紀元前 5 世紀のアテネにおける古典時代の到来以来、古典的な建築様式は西洋の建築、ひいては文明そのものに対する理解に深く織り込まれてきた。 [ 54 ]紀元前 850 年頃から紀元後 300 年頃まで、古代ギリシャ文化はギリシャ本土、ペロポネソス半島、エーゲ海の島々で栄えた。しかし、古代ギリシャ建築は神殿で最もよく知られており、その多くは地域全体に見られ、パルテノン神殿はその代表例である。後に、それらは 18 世紀後半から 19 世紀にかけての新古典主義建築家のインスピレーション源となった。最も有名な神殿は、アテネのアクロポリスにあるパルテノン神殿とエレクテイオン神殿である。古代ギリシャの重要な建築物のもう 1 つのタイプは劇場である。神殿と劇場はどちらも、複雑な錯視とバランスの取れた比率の組み合わせを使用していた。
古代ギリシャの神殿は通常、各辺に数段の連続した階段がある基壇（クレピドーマと呼ばれる）、祭祀像のあるセラ（またはナオス）、柱、エンタブラチュア、正面と背面にそれぞれ1つずつある2つのペディメントで構成されています。紀元前4世紀までに、ギリシャの建築家と石工は、すべての建物の規則体系であるオーダー（ドーリア式、イオニア式、コリント式）を開発しました。これらは柱（特に柱頭）によって最も簡単に識別できます。ドーリア式の柱は頑丈で基本的ですが、イオニア式の柱はより細く、柱頭の角に4つの渦巻き（ヴォリュートと呼ばれる）があり、コリント式の柱はイオニア式の柱とよく似ていますが、柱頭は完全に異なり、アカンサスの葉と4つの渦巻きで装飾されています。[ 48 ]柱の他に、フリーズもオーダーによって異なっていました。ドーリア式のフリーズにはメトープとトリグリフがあり、グッタが描かれているのに対し、イオニア式とコリント式のフリーズは、レリーフのある大きな連続した帯で構成されている。
柱の他に、神殿はペディメント、フリーズ、メトープ、トリグリフに彫刻で豪華に装飾されていました。古代ギリシャの建築家や芸術家が使用した装飾には、パルメット、植物模様や波模様の渦巻き、ライオンのマスカロン（主に側壁のコーニス）、歯飾り、アカンサスの葉、ブクラニア、花飾り、卵と矢、レ・ド・クール、ビーズ、メアンダー、ペディメントの角のアクロテリアなどがあります。古代ギリシャの装飾は、帯状に連続して使用されることがよくあります。これらは後にエトルリア、ローマ、そしてルネサンス、バロック、新古典主義など、ギリシャ・ローマ美術と建築を復活させようとした中世以降の様式でも使用されることになります。
古代や中世の建物の考古学的遺構を見ると、それらが灰褐色で石灰岩とコンクリートでできていると認識しやすく、古代の建物は単色だったと推測しがちです。しかし、古代や中世の世界では、建築は多色でした。最も象徴的な古代の建物の1つであるアテネのパルテノン神殿（紀元前447～432年頃）には、鮮やかな赤、青、緑で彩色された細部がありました。古代の神殿以外にも、中世の大聖堂は完全に白ではありませんでした。ほとんどの大聖堂は、柱頭や柱に彩色が施されていました。[ 55 ]建物や美術品に色を付けるこの習慣は、初期ルネサンス期に放棄されました。これは、レオナルド・ダ・ヴィンチやミケランジェロを含む他のルネサンス期の芸術家たちが、中世の放置と絶え間ない劣化のために、当初は色彩豊かだったにもかかわらず白くなってしまった古代ギリシャ・ローマの遺跡に触発された色彩パレットを推進したためです。古代世界で使用されていた顔料は繊細で、特に風化の影響を受けやすかった。適切な手入れをしないと、雨、雪、土などの要因にさらされた色は時間とともに消え、こうして古代の建物や美術品は、今日やルネサンス期のように白くなった。[ 56 ]
ケルト建築とは、最も広い意味では、かつてヨーロッパの大部分、現代のフランス、ドイツ、ブリテン諸島などを含む地域に居住していたケルト民族に関連する様式や構造を指します。[ 60 ]ケルト人は居住していたさまざまな地域で統一された標準的な建築様式を持っていなかったため、この建築を厳密に定義することは困難です。しかし、ケルト建築の一般的な特徴は、例えばドイツやフランスなどの中央ヨーロッパの建造物に見られ、これらの地域のケルト人の物質文化や建築様式についての洞察を与えてくれます。
ケルト人の建造物の多くは、特に初期の時代には木材で作られており、石や他の材料ほど良好な状態で残っていません。[ 61 ] ケルト人はしばしば円形の家や集落を建設し、円形の小屋（または円形の家）が最も一般的な住居構造でした。[ 62 ] ケルト人は、堀、土塁、柵を含む丘陵要塞などの防御構造物を作ることに長けていました。[ 63 ] 後期の時代、特に鉄器時代には、ケルト人の一部の集団が、神殿、聖堂、より恒久的な住居などの石造建築物を建設し始めました。[ 64 ]
ケルト遺跡の中で最も有名なものの1つは、ドイツのシュヴァーベン・ジュラ山脈にあるホイネブルク[65]です。ホイネブルクは、ハルシュタット時代後期からラ・テーヌ時代初期にかけてのケルト人の大規模な集落であり、権力の中心地でした。この遺跡は、大規模な土塁や木製の柵などの要塞で有名で、ケルト人が防御建築を重視していたことを示しています。モン・ラソワは、フランス東部のブルゴーニュ地方、コート・ドール県のモンバール近郊にあるもう1つの重要なケルト考古遺跡です[ 66 ]。この遺跡は、ラ・テーヌ時代（紀元前450年頃から紀元前1年頃）のケルト人のオッピダ（要塞集落）の中で最大かつ最も重要なものの1つとして注目されています。モン・ラソワは、ローマ征服直前のガリアにおけるケルト部族の都市計画、建築、社会政治組織に関する重要な洞察を与えてくれる。ドイツのヘッセン州にあるグラウベルク・ケルト丘陵要塞[ 67 ]またはオッピドゥムは、要塞化された集落といくつかの墳丘からなり、「後期ハルシュタット期と初期ラ・テーヌ期の君主の居城」[ 68 ] [ 69 ]である。 1990年代の考古学的発見により、この遺跡はヨーロッパで最も重要な初期ケルト中心地のひとつに位置づけられている。ケルトの埋葬、彫刻、記念碑的建築に関する前例のない証拠を提供している[ 70 ] 。
古代アラブ民族であるナバテア人は、岩をくり抜いて作られた神殿や墓で有名な建築様式を持っており、最も有名なのはヨルダンのペトラで発見されたものです。 [ 71 ]部分的に保存されている別の遺跡は、サウジアラビアのヘグラ（マダイン・サーリフ）にあります。紀元前1世紀から紀元後2世紀にかけてのナバテア人の建築遺構のほとんどは、非常に目立ち、保存状態も良好で、現代のヨルダンにあるペトラには500以上のモニュメントがあり、ヘグラの砂漠の風景には110の保存状態の良い墓があります。
古代ローマの建築は、世界で最も影響力のある建築様式の一つです。その遺産は中世から近世初期にかけて顕著に見られ、ローマ建築は現代においても新古典主義建築やポストモダン建築において再利用され続けています。特にギリシャ様式とエトルリア様式の影響を強く受けており、共和政時代（紀元前509年～紀元前27年）には、ギリシャとエトルリアの原型を基に、様々なタイプの神殿が開発されました。
ローマ軍が征服した場所には必ず町や都市が建設され、帝国は拡大し、建築や工学の成果も発展していった。最も重要な建造物はイタリアにあるが、ローマの建築家たちは西方属州や東方属州でも創造性を発揮し、その最良の例は現在の北アフリカ、トルコ、シリア、ヨルダンに残っている。レプティス・マグナ（現在のリビア、西暦216年建造）のセプティミウス・セウェルス帝の凱旋門のように、四方に破風を持つ壮大な建造物や、テベステ（現在のアルジェリア、西暦214年頃建造）のカラカラ帝の凱旋門のように、四方に一対の柱、突出したエンタブラチュア、神々の胸像をあしらったメダリオンを持つ建造物も登場した。帝国は複数の民族や文化から成り立っていたため、ローマ様式と地元の伝統が融合した建造物も存在する。一例として、パルミラ凱旋門（現在のシリア、紀元212～220年頃建造）が挙げられる。その一部のアーチには、ロゼットを囲む円の中に4つの楕円形が繰り返し配置された帯状の模様が施されており、これは東洋起源のものである。
ローマの建築における数々の業績の中には、ドーム（神殿のために作られたもの）、浴場、別荘、宮殿、墓などがある。最も有名な例はローマのパンテオンで、現存するローマのドームとしては最大であり、中央には大きなオクルスがある。もう一つの重要な革新は、アーケード、水道橋、その他の建造物に使用された丸い石造りのアーチである。ギリシャのオーダー（ドーリア式、イオニア式、コリント式）に加えて、ローマ人はさらに2つのオーダーを発明した。トスカーナ式はドーリア式の影響を受けているが、溝のない柱と、トリグリフやグッタのないよりシンプルなエンタブラチュアが特徴である。一方、コンポジット式は混合オーダーで、イオニア式の柱頭の渦巻きとコリント式のアカンサスの葉を組み合わせたものである。
紀元前30年から15年の間に、建築家であり技術者でもあったマルクス・ウィトルウィウス・ポッリオは、数世紀にわたって世界中の建築家に影響を与えた重要な論文『建築論』を出版した。古代から現存する唯一の建築に関する論文として、ルネサンス以降、建築理論に関する最初の書物、そして古典建築の規範に関する重要な資料とみなされてきた。[ 76 ]
ギリシャ人と同じように、ローマ人も円形闘技場を建設しました。史上最大の円形闘技場であるローマのコロッセオは、約5万人の観客を収容できました。彼らの精密さと技術的進歩を示すもう1つの象徴的なローマの建造物は、南フランスにあるポン・デュ・ガールで、現存するローマ水道橋の中で最も高いものです。[ 77 ] [ 73 ]
ヨーロッパ人がアメリカ大陸を「発見」する3000年以上前から、北米、中米、南米には複雑な社会が既に存在していた。中でも最も複雑な社会はメソアメリカにあり、特にマヤ文明、オルメカ文明、アステカ文明が有名だが、南米のインカ文明も同様である。建造物や構造物は、しばしば天文学的な特徴や東西南北の東西南北の方角に合わせて配置されていた。
メソアメリカの建築の多くは文化交流を通じて発展しました。例えば、アステカ人はマヤの建築から多くを学びました。多くの文化が、動物、神々、王が装飾的に彫られた一枚岩の神殿やピラミッドを備えた都市全体を建設しました。これらの都市のほとんどには、政府の建物や神殿、そして高台にある公共の球技場、トラチトリがある中央広場がありました。古代エジプトと同様に、ここにもピラミッドが建設され、一般的に階段状になっていました。おそらく埋葬室としては使用されませんでしたが、頂上には重要な宗教施設がありました。[ 80 ]内部は、これらの威厳ある建造物の儀式的な存在感やそこで行われる公共の儀式よりも重要ではなかったため、部屋は少なかったです。そのため、台座、祭壇、行列用の階段、彫像、彫刻はすべて重要でした。[ 83 ]
インカ建築は、紀元前2世紀に創始されたティワナク様式に端を発する。インカ人は地形や土地の資源を建築設計に取り入れ、首都クスコには今も多くの例が残っている。有名なマチュピチュ王宮は、サクサイワマンやオリャンタイタンボとともに、その現存する好例である。インカ人はまた、西アフリカ大陸沿いに道路網を整備し、その沿道に独特の建築物を配置することで、国境地帯における帝国の支配力を視覚的に誇示した。ムイスカ族などの他の民族は、石材を主体とした壮大な建築物を建設するのではなく、木材や粘土などの素材を用いた建築物を建てた。
インダス文明の衰退後、南アジアの建築はダルマ時代に入り、古代インドの建築様式が発展し、中世にはイスラム様式や、その後の世界各地の伝統との融合とともに、様々な独自の形態へと発展していった。
仏教建築は紀元前4世紀から2世紀にかけてインド亜大陸で発展し、まず中国に、そしてアジア各地に広まった。初期仏教の宗教建築には、僧院（ヴィハーラ）、仏舎利を祀る場所（ストゥーパ）、そして後に寺院と呼ばれるようになった祠堂や祈祷堂（チャイティヤ、チャイティヤ・グリハとも呼ばれる）の3種類の建造物がある。最も象徴的な仏教建築はストゥーパで、仏舎利を納めたドーム型の構造物で、仏陀を記念する瞑想の場として使われた。ドームは空の無限の空間を象徴していた。[ 84 ]
仏教は伝来後、スリランカの建築に大きな影響を与え、[ 85 ]古代スリランカの建築は主に宗教的なもので、25 種類以上の仏教寺院の様式がありました。[ 86 ]寺院は、建物の配置を概説するManjusri Vasthu Vidya Sastraを使用して設計されました。
グプタ帝国の崩壊後、仏教は主にパーラ朝の支配下でベンガル地方に存続し、[ 87 ]その時代のイスラム以前のベンガル建築に大きな影響を与えた。 [ 88 ]
インド亜大陸全域で、ヒンドゥー教の建築は、単純な岩窟寺院から壮大な寺院へと発展しました。西暦4世紀から5世紀にかけて、ヒンドゥー教の寺院はさまざまな神々や地域の信仰に合わせて変化し、6世紀または7世紀には、より大規模な寺院が、聖なる5つの峰を持つメール山を象徴する、そびえ立つレンガ造りまたは石造りの建造物へと発展しました。初期の仏教のストゥーパの影響を受けたこの建築は、集団礼拝のために設計されたものではなく、信者が供物を捧げたり儀式を行ったりするための場所が設けられていました。[ 89 ]
寺院、彫像、家屋、市場、庭園、都市計画などの建造物に関するインドの建築様式の多くは、ヒンドゥー教の文献に記述されているとおりである。[ 90 ] [ 91 ]建築の指針はサンスクリット語の写本に残っており、場合によっては他の地域の言語にも残っている。これらには、ヴァーストゥ・シャーストラ、シルパ・シャーストラ、ブリハット・サンヒター、プラーナやアガマの建築に関する部分、マナサーラなどの地域の文献が含まれる。[ 92 ] [ 93 ]
この建築様式は古典時代に出現して以来、グルジャラ族、ドラヴィダ族、デカン地方、オリヤー族、ベンガル人、アッサム人など、様々な中世の建築様式に大きな影響を与えてきた。
この北インド建築様式は、ヒンドゥー教とジャイナ教の礼拝所や集会所で見られます。11世紀から13世紀にかけてチャウルキヤ（ソーランキ）朝時代に出現しました。[ 95 ]やがてジャイナ教徒の間で人気が高まり、より広い地域や世界中に広まりました。[ 96 ]これらの建造物には、外壁に鋭く彫られた像が多数突き出ていることや、主塔に複数のウルシュリンガの小尖塔があることなど、独特の特徴があります。
ヒマラヤには、パハリ族、シナチベット族、カシミール族など、さまざまな民族が住んでいます。宗教や民族的背景が異なるため、建築様式にもさまざまな影響が見られます。ヒマラヤでは物流が困難で生活ペースも遅いため、職人たちは時間をかけて精巧な木彫りや絵画、装飾的な金属細工や石像を作り、それが宗教建築物や公共建築物、軍事建築物にも反映されています。これらの様式は、チベットやカシミールからアッサムやナガランドまで、さまざまな形で存在しています。[ 97 ]寺院、モスク、公共建築物には、傾斜した層状の屋根が共通して見られます。[ 98 ]
これはインド亜大陸南部とスリランカで生まれた建築様式です。これには、ガルバグリハ（聖域）の上にヴィマナと呼ばれる低いピラミッド型の塔がある独特のスタイルのヒンドゥー教寺院が含まれます。北部では、通常は上昇するにつれて内側に曲がるシカラと呼ばれるより高い塔があります。また、地理的な地域によって傾斜屋根がある場合とない場合がある世俗的な建物も含まれます。タミル地方では、このスタイルはサンガム時代と、その地を支配した偉大な王朝のスタイルに影響を受けています。このスタイルは、西のケララ州では、西の貿易やモンスーンなどの地理的要因の影響を受け、傾斜屋根になるなど変化しています。[ 101 ]さらに北では、カルナータ・ドラヴィダ様式は、さまざまな影響に基づいて変化しており、12の異なる王朝の支配者の芸術的傾向を多く伝えています。[ 102 ]
古代カリンガ地方は、現在のインド東部のオリッサ州、西ベンガル州、アンドラプラデーシュ州北部に相当する。その建築は、オリッサのソマヴァンシ王朝の庇護の下、9世紀から12世紀にかけて最盛期を迎えた。数百もの像で豪華に彫刻されたカリンガ寺院は、通常、馬蹄形などの繰り返し模様が特徴である。寺院複合施設の保護壁の内側には、デウルまたはデウラと呼ばれる特徴的な湾曲した塔と、ジャグモハンと呼ばれる祈祷堂を備えた3つの主要な建物がある。[ 104 ]
中国文化と儒教文化は、中華圏（主にベトナム、韓国、日本）の芸術と建築に大きな影響を与えてきた。[ 105 ]
今日中国文化として認識されているものは、新石器時代（紀元前1万年～2000年）に起源を持ち、中国中部の仰韶文化、龍山文化、良渚文化の遺跡群にそのルーツを持つ。現在の中国東北部の一部にも、原中国文化の特徴を示す新石器時代の紅山文化の遺跡が存在する。中国固有の信仰体系には、自然崇拝、アニミズム、英雄崇拝が含まれていた。一般的に、風や大地の神などの自然神を崇拝するために屋外の祭壇（壇）が用いられ、英雄や亡くなった祖先を祀るために正式な建物（廟）が建てられた。
中国の初期の建築物のほとんどは木造建築だった。建物の正面には、偶数個ずつ並んだ柱と持ち送りによって支えられた柱が並び、柱間の中央空間が最大の内部開口部となっていた。瓦葺きの屋根は木造建築の上にしっかりと載せられ、壁はレンガまたは土を固めて造られていた。
紀元1世紀頃に仏教が中国に伝来したことで、宗教的慣習の新たな時代が到来し、建築様式も新たなものとなった。インドの岩窟寺院を基にした洞窟寺院が中国に出現した。仏教によってもたらされたもう一つの新たな建築様式は、中国式のストゥーパ（塔）またはパゴダである。インドでは、ストゥーパは著名な人物や師を記念するために建てられた。そのため、仏教の伝統では、この構造が偉大な師であるブッダを記念するために採用された。中国のパゴダはインドのストゥーパと同様の象徴性を持ち、主に来世での功徳を願う皇帝の庇護のもとに建てられた。仏教は6世紀から8世紀にかけて最盛期を迎え、中国全土に前例のない数の寺院が建てられた。4,600以上の公式寺院と40,000以上の非公式寺院が建てられた。それらは含まれる回廊の数によって大きさが異なり、6 から 120 まで様々である。各回廊は独立した主要な建物 (ホール、パゴダ、またはパビリオン) で構成され、門の建物によって守られた長方形の敷地内の屋根付き回廊に囲まれていた。[ 106 ]
韓国の建築、特に朝鮮王朝時代以降は、明・清の影響が顕著に見られる。[ 107 ]
伝統的に、日本の建築は壁の代わりに木材と襖（引き戸）でできており、内部空間をさまざまな用途に合わせて変更することができました。6世紀半ばに隣国の百済王国を通じて仏教が伝来すると、簡素さを重視した大規模な木造寺院の建設が始まり、建築の多くは中国や他のアジア文化から輸入されました。この世紀末までに、日本は大陸式の寺院を建設するようになり、特に斑鳩の法隆寺として知られる寺院が有名です。[ 108 ]西洋建築とは対照的に、日本の建造物では基礎などの特定の要素を除いて石材はほとんど使用されません。壁は軽くて薄く、決して荷重を支えることはなく、多くの場合移動可能です。[ 76 ]
From the start of the 9th century to the early 15th century, Khmer kings rules over a vad Hindu-Buddhist empire in Southeast Asia. Angkor, in present-day Cambodia, was its capital city, and most of its surviving buildings are east-facing stone temples, many of them constructed in pyramidal, tiered form consisting of five square structures with towers, or prasats, that represent the sacred five-peaked Mount Meru of Hindu, Jain and Buddhist doctrine. As the residences of gods, temples were made of durable materials such as sandstone, brick or laterite, a clay-like substance that dries hard.[110]
Cham architecture in Vietnam also follows a similar style.[109]
Traditional Sub-Saharan African architecture is diverse, varying significantly across regions. Included among traditional house types, are huts, sometimes consisting of one or two rooms, as well as various larger and more complex structures.
西アフリカの多くの地域では、尖った屋根と中庭のある長方形の家が伝統的に見られ、時には複数の部屋と中庭から構成されています（ガーナのアシャンティ族のように日干しレンガのレリーフで装飾されている場合もあれば、ナイジェリアのヨルバ族のように彫刻された柱で装飾されている場合もあり、特に宮殿や富裕層の住居で見られます）[ 111 ] [ 112 ] [ 113 ]。西アフリカとマダガスカルで広く見られる、尖った屋根を持つ規則的な長方形の住居の他に、ドーム型の屋根を上に乗せた石の円形の家や、円錐形の屋根を持つ円形の家など、他のタイプの家もあります。アメリカにも存在した最初のタイプは、特に南部アフリカの特徴です。これらは、南アフリカと東アフリカの一部に住むバントゥー語を話すグループによって使用され、泥、柱、茅、牛糞で作られていました（長方形の家は、コンゴ大都市圏と中央アフリカのバントゥー語を話す人々の間でより一般的でした）。円錐形の屋根を持つ円形の小屋は、特にスーダンと東アフリカで広く普及していますが、コロンビアとニューカレドニア、西スーダンと西アフリカのサヘル地域にも存在し、そこでは複合施設として配置されることもあります。 [ 114 ]カメルーンの草原地帯の人々、例えばバミレケ族の間には、独特の伝統的な木造建築様式が存在します。
西アフリカのいくつかの社会、例えばベニン王国（および他のエド族の王国）、ヨルバ王国、ハウサ王国、ジェンネ・ジェノ（マリのイスラム以前の都市）[ 115 ] [ 116 ]などの遺跡では、町や都市は大きな日干しレンガやアドベの壁[117]で囲まれ、時にはスンボのエレド（ナイジェリアのヨルバ王国イジェブ）やベニンの城壁（ナイジェリアのベニン王国）[ 118 ] [ 119]のような巨大な堀や土塁で囲まれていた。中世の南部アフリカでは、グレート・ジンバブエやカミのような要塞化された石造りの集落の伝統があった。
懲罰遠征によって破壊されたナイジェリア南西部の有名なベニン市（ベニン王国の首都）は、粘土を積み上げた家々が集まった大きな複合施設で、屋根はこけら板やヤシの葉で葺かれていました。宮殿には一連の儀式用の部屋があり、真鍮の銘板で装飾されていました。宮殿は、中世初期に建設が始まったと考えられている、壮大な土塁と壁の複合施設に囲まれていました。 [ 118 ] [ 119 ] [ 120 ] [ 121 ]
In the Western Sahel region, Islamic influence was a major contributing factor to architectural development from the later ages of the Kingdom of Ghana. At Kumbi Saleh, locals lived in domed-shaped dwellings in the king's section of the city, surrounded by a great enclosure. Traders lived in stone houses in a section which possessed 12 beautiful mosques, as described by al-bakri, with one centered on Friday prayer.[122] The king is said to have owned several mansions, one of which was sixty-six feet long, forty-two feet wide, contained seven rooms, was two stories high, and had a staircase; with the walls and chambers filled with sculpture and painting.[123]
Sahelian architecture initially grew from the two cities of Djenné and Timbuktu. The Sankore Mosque in Timbuktu, constructed from mud on timber, was similar in style to the Great Mosque of Djenné. The rise of kingdoms in the West African coastal region produced architecture which drew on indigenous traditions, utilizing wood, mud-brick and adobe. Though later acquiring Islamic influences, the style also had roots in local pre-Islamic building styles, such as those found in ancient settlements like Jenne-Jeno, Dia, Mali, and Dhar Tichitt,[124] some of which employed a traditional sahelian style of cylindrical mud brick.[115]
エチオピアの建築（現代のエリトリアを含む）は、アクスム様式から発展し、エチオピア国家の拡大とともに新たな伝統を取り入れた。国内中央部と南部では、住宅建築に木材や丸みを帯びた構造が多く取り入れられ、こうした様式的な影響は教会や修道院の建設にも表れた。中世を通じて、アクスム建築とその影響、そしてその一枚岩建築の伝統は存続し、特に中世初期（後期アクスム時代）とザグウェ時代（ラリベラの岩窟教会が彫られた時代）にその影響が最も強かった。中世を通じて、特に10世紀から12世紀にかけて、エチオピア全土、特にアクスム帝国の中心地であった最北部のティグレ地方で、岩をくり抜いて教会が建てられた。エチオピアの岩窟建築で最も有名な例は、町周辺で見られる赤い火山凝灰岩を彫って作られたラリベラの11のモノリス教会である。[ 125 ]エチオピアの近世初期には、16世紀と17世紀にポルトガルのイエズス会宣教師が到着したことで、バロック、アラブ、トルコ、グジャラート様式などの新しい多様な影響が取り入れられるようになった。
ソマリアの伝統的な建築は、中世のスルタン国や都市国家の時代から少なくとも2000年前に遡ります。その建築様式には、石造りの都市、城、要塞、モスク、寺院、水道橋、灯台、塔、墓などが含まれます。イスラム教がソマリアに伝来すると、アラビア半島やペルシャからイスラム建築の影響がもたらされ、乾式石積みなどの材料から珊瑚石、日干しレンガ、石灰岩へと建築様式が変化しました。
アダル王国、モガディシュ王国、アジュラン王国、ゲレディ王国など、中世ソマリアの歴代王国や都市国家が築いた収益性の高い商業ネットワークにより、ソマリア内陸部や沿岸地域に数十もの石造りの都市が建設された。14世紀初頭にモガディシュを訪れたイブン・バットゥータは、この街を「果てしなく広がる街」と呼び、 15世紀にモガディシュを通過したヴァスコ・ダ・ガマは、この街を「4階建てか5階建ての家々が立ち並び、中心部には大きな宮殿がある大都市」と記している。
オセアニアの建物のほとんどは、木材やその他の植物素材で作られた小屋です。芸術と建築はしばしば密接に結びついており、例えば、倉庫や集会所は精巧な彫刻で装飾されていることが多く、そのため、この議論では両者をまとめて取り上げます。太平洋諸島の建築は多様で、時には大規模なものでした。建物は、それを建設した社会の構造や関心事を反映しており、象徴的な細部が数多く含まれています。技術的には、オセアニアの建物のほとんどは、竹の紐で結び付けられた柱の単純な集合体に過ぎず、複雑な接合や杭打ちの方法が知られていたのはカロリン諸島だけでした。
海洋の重要な考古遺跡の一つに、ミクロネシア連邦のナン・マドールがある。ナン・マドールは、1628年頃までポンペイ島の約2万5千人の住民を統一していたサウデルール王朝の儀式と政治の中心地であった。 [ 126 ]ポンペイ本島とテムウェン島の間にあるこの島は、紀元1世紀か2世紀にはすでに人間の活動の場となっていた。8世紀か9世紀には小島の建設が始まり、特徴的な巨石建築の建設は紀元1180年から1200年にかけて始まった。[ 127 ]
イスラムの征服の規模の大きさから、イスラム建築はイスラム教の創始（7世紀）から現在に至るまで、幅広い建築様式を包含しています。初期のイスラム建築は、ローマ、ビザンツ、ペルシャ、メソポタミアの建築、および7世紀と8世紀に初期のイスラム教徒の征服によって征服された他のすべての土地の影響を受けていました。 [ 133 ] [ 134 ]さらに東では、イスラムが東南アジアに広がるにつれて、中国とインドの建築の影響も受けました。この広大で長い歴史により、ウマイヤ朝、アッバース朝、ペルシャ、ムーア、ファーティマ朝、マムルーク朝、オスマン帝国、インド・イスラム（特にムガル）、中国・イスラム、サヘル建築など、多くの地域的な建築様式が生まれました。
イスラム建築の特徴的な建造物には、モスク、マドラサ、墓、宮殿、浴場、要塞などがあります。イスラム教の宗教建築の注目すべきタイプには、列柱モスク、ドーム型モスクと霊廟、アーチ型のイワンを持つ建造物、中央の中庭を囲むように建てられたマドラサなどがあります。世俗建築では、保存されている歴史的な宮殿の主要な例として、アルハンブラ宮殿とトプカプ宮殿があります。イスラム教は偶像崇拝を奨励していないため、建築はアラビア語のカリグラフィー（コーランの詩やその他の詩を含む）や、場面や物語の挿絵ではなく、幾何学模様、ムカルナス、アラベスクなどのより抽象的なモチーフで装飾される傾向があります。[ 135 ] [ 136 ] [ 137 ] [ 138 ]
中世の世俗建築の現存例は、ヨーロッパ各地で主に防衛目的で使用されてきた。城や城壁は、中世の非宗教建築の最も顕著な現存例である。この時期には、この地域で新しい様式の公共建築、軍事建築、宗教建築が次々と出現し始めた。
ビザンチン建築家は、城壁、宮殿、競馬場、橋、水道橋、教会を建設しました。彼らは、バシリカ（最も普及したタイプであり、最も発展したタイプ）を含む多くのタイプの教会を建設しました。初期の時代以降、最も一般的なレイアウトは、5 つのドームを持つ正方形の十字形であり、モスクワ、ノヴゴロド、キエフだけでなく、ルーマニア、ブルガリア、セルビア、北マケドニア、アルバニアでも見られます。地元のインスピレーションによる修正と適応を通じて、ビザンチン様式は、すべての東方正教国の建築様式の主要なインスピレーション源として使用されます。[ 144 ]例えば、ルーマニアのブランコヴェネスク様式は、ビザンチン建築に大きく基づいていますが、ルーマニア独自の特性も持っています。
パルテノン神殿が古代ギリシャ建築で最も有名な建造物であるのと同様に、アヤソフィアは正教会の象徴的な教会であり続けている。ギリシャやローマの神殿では、外壁が神殿の最も重要な部分であり、そこで犠牲が捧げられた。神殿が建てられた神の崇拝像が安置されていた内部は、一般の人々の立ち入りが制限されることが多かった。しかし、キリスト教の典礼は教会の内部で行われ、ビザンチン様式の外観は通常、装飾がほとんど、あるいは全くない。[ 145 ]
ビザンチン建築は、大理石の柱、格天井、金色の背景を持つモザイクの多用を含む豪華な装飾を特徴としていました。[ 146 ]ビザンチン建築家が使用した建築材料は、古代ギリシャ人が非常に高く評価していた大理石ではなくなりました。彼らは主に石とレンガを使用し、窓には薄いアラバスターのシートも使用しました。 [ 147 ]モザイクは、レンガの壁やフレスコ画が耐えられない他の表面を覆うために使用されました。プロトビザンチン時代のモザイクの優れた例は、テッサロニキ（ギリシャ）のハギオス・デメトリオス、ラヴェンナ（イタリア）のサンタポリナーレ・ヌオーヴォ聖堂とサン・ヴィターレ聖堂、イスタンブールのアヤソフィアにあります。
封建関係の形成当初から、アルメニアの建築と都市計画は新たな段階に入った。古代アルメニアの都市は経済的に衰退し、アルタシャトとティグラナケルトだけがその重要性を維持した。ドヴィンとカリン（エルズルム）の都市の重要性は高まった。大アルメニア王アルシャク2世によるアルシャカヴァンの建設は完全には完了しなかった。キリスト教は、当初は古くからの建築の伝統に支えられていた宗教建築に新たな息吹を吹き込んだ。
4～5世紀の教会は主にバシリカである（カサフ、4～5世紀、アシュタラク、5世紀、アフツ、4世紀、イェグヴァルド、5世紀）。アルメニア建築のバシリカの中には、いわゆる「西型」のバシリカ教会に属するものもある。その中でも最も有名なのは、テコル（5世紀）、イェレルク（4～5世紀）、ドヴィン（470）、ツィツェルナヴァンク（4～5世紀）の教会である。[ 151 ] 3つの身廊を持つイェレルク・バシリカは、6段の基壇の上に建っており、おそらくキリスト教以前の神殿の跡地に建てられたものと思われる。その他の例としては、カルヌート（5世紀）、イェグヴァルド（5世紀）、ガルニ（4世紀）、ゾヴニ（5世紀）、ツァグカヴァンク（6世紀）、ドヴィナ（553～557年）、タリン（5世紀）、タナアト（491年）、ジャルヤリス（4～5世紀）、レルナケルト（4～5世紀）のバシリカが挙げられる。
カロリング建築とは、特にカール大帝（768～814年）とその後継者たちの治世下におけるカロリング帝国の様式を指します。ローマ建築様式の復興とみなされ、ローマ帝国の古典的な遺産と新しいキリスト教の理想が融合したものです。[ 157 ]
教会はローマのバシリカ様式に倣い、長方形の身廊、側廊、後陣を備えていた。アーヘンにあるカール大帝の宮廷礼拝堂はその代表例であり、八角形の形状は初期キリスト教建築とビザンチン建築の影響を受けている。
カロリング朝の建築家は、ローマ建築に触発されて、樽型ヴォールトや交差ヴォールトを用いて、大きくて安定した屋根を作り上げました。アーヘンの宮廷礼拝堂（792～797年）は、リブヴォールトで知られています。[ 158 ]
柱、アーチ、エンタブラチュアはローマ建築から取り入れられた。教会は神聖な秩序を表現するように設計され、カロリング帝国のキリスト教的帝国主義の理想を反映していた。
オットー朝建築は、オットー朝の治世（紀元919年頃～1024年）に発展した。この様式は、カロリング朝様式の継続と、ビザンチン様式やロマネスク様式の新たな要素の融合によって特徴づけられる。[ 159 ]
オットー朝時代の教会は、多くの場合バシリカ様式を維持しつつ、二重の側廊や追加の礼拝堂を設けることで拡張した。
西壁（記念碑的な要塞のようなファサード）は、オットー朝の教会の特徴的な要素となった。ゲルンローデの聖キリアクス教会は、塔と大きな入口を備えた象徴的な西壁を特徴としている。最初の教会の塔は西壁から発展した。[ 160 ]
オットー朝はヴォールト建築の技術を発展させ、地下聖堂をより広く活用した。マクデブルク大聖堂（1200年頃）はこの時代の代表的な建造物の一つであり、帝国の権力とキリスト教信仰の象徴であった。
オットー朝の建築は、ビザンチン様式と地元の伝統を融合させた精巧なモザイク、フレスコ画、彫刻で知られていました。当時の写本もまた、オットー朝の視覚文化の豊かさを示しています。[ 161 ]
オットー朝の支配者たちは、アーヘン宮殿に代表されるカロリング朝の遺産を受け継ぎつつ、より洗練された壮麗な宮殿を建設した。ゴスラーの皇帝宮殿をはじめとする数々の帝国建築は、皇帝の権威を強化する役割を果たした。
The term 'Romanesque' is rooted in the 19th century, when it was coined to describe medieval churches built from the 10th to 12th century, before the rise of steeply pointed arches, flying buttresses and other Gothic elements. This style of architecture emerged nearly simultaneously in multiple countries (France, Germany, Italy, Spain).[169] For 19th-century critics, the Romanesque reflected the architecture of stonemasons who evidently admired the heavy barrel vaults and intricate carved capitals of the ancient Romans, but whose own architecture was considered derivative and degenerate, lacking the sophistication of their classical models.
Scholars in the 21st century are less inclined to understand the architecture of this period as a 'failure' to reproduce the achievements of the past, and are far more likely to recognise its profusion of experimental forms, as a series of creative new inventions. At the time, however, research has questioned the value of Romanesque as a stylistic term. On the surface, it provides a convenient designation for buildings that share a common vocabulary of rounded arches and thick stone masonry, and appear in between the Carolingian revival of classical antiquity in the 9th century and the swift evolution of Gothic architecture after the second half of the 12th century. One problem, however, is that the term encompasses a broad array of regional variations, some with closer links to Rome than others. It should also be noted that the distinction between Romanesque architecture and its immediate predecessors and followers is not at all clear. There is little evidence that medieval viewers were concerned with the stylistic distinctions that we observe today, making the slow evolution of medieval architecture difficult to separate into neat chronological categories. Nevertheless, Romanesque remains a useful word despite its limitations, because it reflects a period of intensive building activity that maintained some continuity with the classical past, but freely reinterpreted ancient forms in a new distinctive manner.[21]
Romanesque cathedrals can be easily differentiated from Gothic and Byzantine ones, since they are characterized by the wide use of thick piers and columns, round arches and severity. Here, the possibilities of the round-arch arcade in both a structural and a spatial sense were once again exploited to the full. Unlike the sharp pointed arch of the later Gothic, the Romanesque round arch required the support of massive piers and columns. In comparison to Byzantine churches, Romanesque ones tend to lack complex ornamentation both on the exterior and interior. An example of this is the Périgueux Cathedral (Périgueux, France), built in the early 12th century and designed on the model of St. Mark's Basilica in Venice, but lacking mosaics, leaving its interior very austere and minimalistic.[170]
Gothic architecture began with a series of experiments, which were conducted to fulfil specific requests by patrons and to accommodate the ever-growing number of pilgrims visiting sites that housed precious relics. Pilgrims in the high Middle Ages (circa 1000 to 1250 AD) increasingly travelled to well-known pilgrimage sites, but also to local sites where local and national saints were reputed to have performed miracles. The churches and monasteries housing important relics therefore wanted to heighten the popularity of their respective saints and build appropriate shrines for them. These shrines were not merely gem-encrusted reliquaries, but more importantly took the form of powerful architectural settings characterised by coloured light emitting from the large areas of stained glass. The use of stained glass, however, is not the only defining element of Gothic architecture and neither are the pointed arch, the ribbed vault, the rose window or the flying buttress, as many of these elements were used in one way or another in preceding architectural traditions. It was rather the combination and constant refinement of these elements, along with the quick response to the rapidly changing building techniques of the time, that fuelled the Gothic movement in architecture.
Consequently, it is difficult to point to one element or the exact place where Gothic first emerged; however, it is traditional to initiate a discussion of Gothic architecture with the Basilica of St Denis (circa 1135–1344) and its patrons, Abbot Suger, who began to rebuild the west front and the choir of the church. As he wrote in his De Administratione, the old building could no longer accommodate the large volumes of pilgrims who were coming to venerate the relics of St Denis, and the solution for this twofold: a west façade with three large portals and the innovative new choir, which combined an ambulatory with radiating chapels that were unique as they were not separated by walls. Instead a row of slim columns was inserted between the chapels and the choir arcade to support the rib vaults. The result enabled visitors to circulate around the altar and come within reach of the relics without actually disrupting the altar space, while also experiencing the large stained-glass windows within the chapels. As confirmed by Suger, the desire for more stained-glass was not necessarily to bring more daylight into the building but rather to fill the space with a continuous ray of colorful light, rather like mosaics or precious stones, which would make the wall vanish. The demand for ever more stained-glass windows and the search for techniques that would support them are constant throughout the development of Gothic architecture, as is evident in the writings of Suger, who was fascinated by the mystical quality of such lighting.[21]
Brick Gothic was a specific style of Gothic architecture common in Northeast and Central Europe especially in the regions in and around the Baltic Sea, which do not have resources of standing rock. The buildings are essentially built using bricks.
During the Renaissance, Italy consisted of many states, and intense rivalry between them generated an increase in technical and artistic developments. The Medici family, an Italian banking family and political dynasty, is famous for its financial support of Renaissance art and architecture.
The period began in around 1452, when the architect and humanist Leon Battista Alberti (1404–1472) completed his treatise De Re Aedificatoria (On the Art of Building) after studying the ancient ruins of Rome and Vitruvius's De Architectura. His writings covered numerous subjects, including history, town planning, engineering, sacred geometry, humanism and philosophies of beauty, and set out the key elements of architecture and its ideal proportions. In the last decades of the 15th century, artists and architects began to visit Rome to study the ruins, especially the Colosseum and the Pantheon. They left behind precious records of their studies in the form of drawings. While humanist interest in Rome had been building up over more than a century (dating back at least to Petrarch in the 14th century), antiquarian considerations of monuments had focused on literary, epigraphic and historical information rather than on the physical remains. Although some artists and architects, such as Filippo Brunelleschi (1377–1446), Donatello (circa 1386–1466) and Leon Battista Alberti, are reported to have made studies of Roman sculpture and ruins, almost no direct evidence of this work survives. By the 1480s, prominent architects, such as Francesco di Giorgio (1439–1502) and Giuliano da Sangallo (circa 1445–1516), were making numerous studies of ancient monuments, undertaken in ways that demonstrated that the process of transforming the model into a new design had already begun. In many cases, drawing ruins in their fragmentary state necessitated a leap of imagination, as Francesco himself readily admitted in his annotation to his reconstruction of the Campidoglio, noting 'largely imagined by me, since very little can be understood from the ruins.[183]
Soon, grand buildings were constructed in Florence using the new style, like the Pazzi Chapel (1441–1478) or the Palazzo Pitti (1458–1464). The Renaissance begun in Italy, but slowly spread to other parts of Europe, with varying interpretations.[176]
Since Renaissance art is an attempt of reviving Ancient Rome's culture, it uses pretty much the same ornaments as the Ancient Greek and Roman. However, because most if not all resources that Renaissance artists had were Roman, Renaissance architecture and applied arts widely use certain motifs and ornaments that are specific to Ancient Rome. The most iconic one is the margent, a vertical arrangement of flowers, leaves or hanging vines, used at pilasters. Another ornament associated with the Renaissance is the round medallion, containing a profile of a person, similar to Ancient cameos. Renaissance, Baroque, Rococo, and other post-medieval styles use putti (chubby baby angels) much more often compared to Greco-Roman art and architecture. An ornament reintroduced during the Renaissance, that was of Ancient Roman descent, that will also be used in later styles, is the cartouche, an oval or oblong design with a slightly convex surface, typically edged with ornamental scrollwork.
The Baroque emerged from the Counter Reformation as an attempt by the Catholic Church in Rome to convey its power and to emphasize the magnificence of God. The Baroque and its late variant the Rococo were the first truly global styles in the arts. Dominating more than two centuries of art and architecture in Europe, Latin America and beyond from circa 1580 to circa 1800. Born in the painting studios of Bologna and Rome in the 1580s and 1590s, and in Roman sculptural and architectural ateliers in the second and third decades of the 17th century, the Baroque spread swiftly throughout Italy, Spain and Portugal, Flanders, France, the Netherlands, England, Scandinavia, and Russia, as well as to central and eastern European centres from Munich (Germany) to Vilnius (Lithuania). The Portuguese, Spanish and French empires and the Dutch treading network had a leading role in spreading the two styles into the Americas and colonial Africa and Asia, to places such as Lima, Mozambique, Goa and the Philippines.[193] Due to its spread in regions with different architectural traditions, multiple kinds of Baroque appeared based on location, different in some aspects, but similar overall. For example, French Baroque appeared severe and detached by comparison, preempting Neoclassicism and the architecture of the Age of Enlightenment.[184] Hybrid Native American/European Baroque architecture first appeared in South America (as opposed to Mexico) in the late 17th century, after the indigenous symbols and styles that characterize this unusual variant of Baroque had been kept alive over the preceding century in other media, a very good example of this being the Jesuit Church in Arequipa (Peru).[194]
The first Baroque buildings were cathedrals, churches and monasteries, soon joined by civic buildings, mansions, and palaces. Being characterized by dynamism, for the first time walls, façades and interiors curved,[195] a good example being San Carlo alle Quattro Fontane in Rome. Baroque architects took the basic elements of Renaissance architecture, including domes and colonnades, and made them higher, grander, more decorated, and more dramatic. The interior effects were often achieved with the use of quadratura, or trompe-l'œil painting combined with sculpture: the eye is drawn upward, giving the illusion that one is looking into the heavens. Clusters of sculpted angels and painted figures crowd the ceiling. Light was also used for dramatic effect; it streamed down from cupolas and was reflected from an abundance of gilding. Solomonic columns were often used, to give an illusion of upwards motion and other decorative elements occupied every available space. In Baroque palaces, grand stairways became a central element.[196] Besides architecture, Baroque painting and sculpture are characterized by dynamism too. This is in contrast with how static and peaceful Renaissance art is.
Besides the building itself, the space where it was placed had a role too. Both Baroque and Rococo buildings try to seize viewers' attention and to dominate their surroundings, whether on a small scale such as the San Carlo alle Quattro Fontane in Rome, or on a massive one, like the new facade of the Santiago de Compostela Cathedral, designed to tower over the city. A manifestation of power and authority on the grandest scale, Baroque urban planning and renewal was promoted by the church and the state alike. It was the first era since antiquity to experience mass migration into cities, and urban planners took idealistic measures to regulate them. The most notable early example was Domenico Fontana's restructuring of Rome's street plan of Pope Sixtus V. Architects had experimented with idealized city schemes since the early Renaissance, examples being Leon Battista Alberti (1404–1472) planning a centralized model city, with streets leading to a central piazza, or Filarete (Antonio di Pietro Aver(u)lino, c.1400-c.1469) designing a round city named Sforzinda (1451–1456) that he based on parts of the human body in the idea that a healthy city should reflect the physiognomy of its inhabitants. However, none of these idealistic cities has ever been built. In fact, few such projects were put into practice in Europe as new cities were prohibitively costly and existing urban areas, with existing churches and palaces, could not be demolished. Only in the Americas, where architects often had a clean space to work with, were such cities possible, as in Lima (Peru) or Buenos Aires (Argentina). The earliest Baroque ideal city is Zamość, built north-east of Kraków (Poland) by the Italian architect Bernardo Morando (c.1540-1600), being a centralized town focusing on a square with radiating streets. Where entire cities could not be rebuilt, patrons and architects compensated by creating spacious and symmetrical squares, often with avenues and radiating out at perpendicular angles and focusing on a fountain, statue or obelisk. A good example of this is the Place des Vosges (formerly Place Royale), commissioned by Henry IV probably after plans by Baptiste du Cerceau (1545–1590). The most famous Baroque space in the world is Gianlorenzo Bernini's St. Peter's Square in Rome.[197] Similar to ideal urban planning, Baroque gardens are characterized by straight and readapting avenues, with geometric spaces.
![Door of the Hôtel de Chenizot [fr], Paris, by Pierre Vigné de Vigny [fr], 1719](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/d/db/Porte_de_l%27h%C3%B4tel_de_Chenizot.jpg/500px-Porte_de_l%27h%C3%B4tel_de_Chenizot.jpg)
The name Rococo derives from the French word rocaille, which describes shell-covered rock-work, and coquille, meaning seashell. Rococo architecture is fancy and fluid, accentuating asymmetry, with an abundant use of curves, scrolls, gilding and ornaments. The style enjoyed great popularity with the ruling elite of Europe during the first half of the 18th century. It developed in France out of a new fashion in interior decoration, and spread across Europe.[202] Domestic Rococo abandoned Baroque's high moral tone, its weighty allegories and its obsession with legitimacy: in fact, its abstract forms and carefree, pastoral subjects related more to notions of refuge and joy that created a more forgiving atmosphere for polite conversations. Rococo rooms are typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy. Even the grander salons used for entertaining were more modest in scale, as social events involved smaller numbers of guests.
Characteristic of the style were Rocaille motifs derived from the shells, icicles and rock-work or grotto decoration. Rocaille arabesques were mostly abstract forms, laid out symmetrically over and around architectural frames. A favourite motif was the scallop shell, whose top scrolls echoed the basic S and C framework scrolls of the arabesques and whose sinuous ridges echoed the general curvilinearity of the room decoration. While few Rococo exteriors were built in France, a number of Rococo churches are found in southern Germany.[203] Other widely-user motifs in decorative arts and interior architecture include: acanthus and other leaves, birds, bouquets of flowers, fruits, elements associated with love (putti, quivers with arrows ans arrowed hearts), trophies of arms, medallions with faces, many many flowers, and Far Eastern elements (pagodes, dragons, monkeys, bizarre flowers, bamboo, and Chinese people).[204] Pastel colours were widely used, like light blue, mint green or pink. Rococo designers also loved mirrors (the more the better), an example being the Hall of Mirrors of the Amalienburg (Munich, Germany), by Johann Baptist Zimmermann. Generally, mirrors are also featured above fireplaces.
![Egyptian inspiration/mix of Egyptian Revival and Art Deco - Le Louxor Cinema [fr], Paris, by Henri Zipcy, 1919-1921](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/9/97/Paris_10e_Cin%C3%A9ma_Le_Louxor_965.jpg/500px-Paris_10e_Cin%C3%A9ma_Le_Louxor_965.jpg)
The interactions between East and West brought on by colonialist exploration have had an impact on aesthetics. Because of being something rare and new to Westerners, some non-European styles were really appreciated during the 17th, 18th and 19th centuries. Some nobles and kings built little structures inspired by these styles in the gardens of their palaces, or fully decorated a handful of rooms of palaces like this. Because of not fully understanding the origins and principles that govern these exotic aesthetics, Europeans sometimes created hybrids of the style which they tried to replicate and which were the trends at that time. A good example of this is chinoiserie, a Western decorative style, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese arts, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was something hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques.
Chinese art was not the only foreign style with which Europeans experimented. Another was the Islamic one. Examples of this include the Garden Mosque of the Schwetzingen Palace in Germany (the only surviving example of an 18th-century European garden mosque), the Royal Pavilion in Brighton, or the Moorish Revival buildings from the 19th and early 20th centuries, with horseshoe arches and brick patterns. When it come to the Orient, Europeans also had an interest for the culture of Ancient Egypt. Compared to other cases of exoticism, the one with the land of pharaohs is the oldest one, since Ancient Greeks and Romans had this interest during Antiquity. The main periods when Egyptian Revival monuments were erected were the early 19th century, with Napoleon's military campaigns in Egypt, and the 1920s, when the Tomb of Tutankhamun was discovered in 1922, which caused an Egyptomania that lead to Art Deco sometimes using motifs inspired by Ancient Egypt. During the late 18th and early 19th century, Neoclassicism sometimes mixed Greco-Roman elements with Egyptian ones. Because of its association with pharaohs, death and eternity, multiple Egyptian Revival tombs or cemetery entry gates were built in this style. Besides mortuary structures, other buildings in this style include certain synagogues, like the Karlsruhe Synagogue or some Empire monuments built during the reign of Napoleon, such as the Egyptian portico of the Hôtel Beauharnais or the Fontaine du Fellah. During the 1920s and 1930s, Pre-ColumbianMesoamerican architecture was of great interest for some American architects, particularly what the Mayans built. Several of Frank Lloyd Wright's California houses were erected in a Mayan Revival style, while other architects combined Mayan motifs with Art Deco ones.[213]
Neoclassical architecture focused on Ancient Greek and Roman details, plain, white walls and grandeur of scale. Compared to the previous styles, Baroque and Rococo, Neoclassical exteriors tended to be more minimalist, featuring straight and angular lines, but being still ornamented. The style's clean lines and sense of balance and proportion worked well for grand buildings (such as the Panthéon in Paris) and for smaller structures alike (such as the Petit Trianon).
Excavations during the 18th century at Pompeii and Herculaneum, which had both been buried under volcanic ash during the 79 AD eruption of Mount Vesuvius, inspired a return to order and rationality, largely thanks to the writings of Johann Joachim Winckelmann.[224][225] In the mid-18th century, antiquity was upheld as a standard for architecture as never before. Neoclassicism was a fundamental investigation of the very bases of architectural form and meaning. In the 1750s, an alliance between archaeological exploration and architectural theory started, which will continue in the 19th century. Marc-Antoine Laugier wrote in 1753 that 'Architecture owes all that is perfect to the Greeks'.[226]
The style was adopted by progressive circles in other countries such as Sweden and Russia. Federal-style architecture is the name for the classicizing architecture built in North America between c. 1780 and 1830, and particularly from 1785 to 1815. This style shares its name with its era, the Federal Period. The term is also used in association with furniture design in the United States of the same time period. The style broadly corresponds to the middle-class classicism of Biedermeier style in the German-speaking lands, Regency style in Britain and to the French Empire style. In Central and Eastern Europe, the style is usually referred to as Classicism (German: Klassizismus, Russian: Классицизм), while the newer Revival styles of the 19th century until today are called neoclassical.
Étienne-Louis Boullée (1728–1799) was a visionary architect of the period. His utopian projects, never built, included a monument to Isaac Newton (1784) in the form of an immense dome, with an oculus allowing the light to enter, giving the impression of a sky full of stars. His project for an enlargement of the Royal Library (1785) was even more dramatic, with a gigantic arch sheltering the collection of books. While none of his projects were ever built, the images were widely published and inspired architects of the period to look outside the traditional forms.[227]
Similarly with the Renaissance and Baroque periods, during the Neoclassical one urban theories of how a good city should be appeared too. Enlightenment writers of the 18th century decried the problems of Paris at that time, the biggest one being the big number of narrow medieval streets crowded with modest houses. Voltaire openly criticized the failure of the French Royal administration to initiate public works, improve the quality of life in towns, and stimulate the economy. 'It is time for those who rule the most opulent capital in Europe to make it the most comfortable and the most magnificent of cities. There must be public markets, fountains which actually provide water and regular pavements. The narrow and infected streets must be widened, monuments that cannot be seen must be revealed and new ones built for all to see', Voltaire insisted in a polemical essay on 'The Embellishments of Paris' in 1749. In the same year, Étienne La Font de Saint-Yenne, criticized how Louis XIV's great east façade of the Louvre, was all but hidden from views by a dense quarter of modest houses. Voltaire also said that in order to transform Paris into a city that could rival ancient Rome, it was necessary to demolish more than it was to build. 'Our towns are still what they were, a mass of houses crowded together haphazardly without system, planning or design', Marc-Antoine Laugier complained in 1753. Writing a decade later, Pierre Patte promoted an urban reform in quest of health, social order, and security, launching at the same time a medical and organic metaphor which compared the operations of urban design to those of the surgeons. With bad air and lack of fresh water its current state was pathological, Patte asserted, calling for fountains to be placed at principal intersections and markets. Squares are recommended promote the circulation of air, and for the same reason houses on the city's bridges should be demolished. He also criticized the location of hospitals next to markets and protested continued burials in overcrowded city churchyards.[228] Besides cities, new ideas of how a garden should be appeared in 18th century England, making place for the English landscape garden (aka jardin à l'anglaise), characterized by an idealized view of nature, and the use of Greco-Roman or Gothic ruins, bridges, and other picturesque architecture, designed to recreate an idyllic pastoral landscape. It was the opposite of the symmetrical and geometrically planned Baroque garden (aka jardin à la française).
The 19th century was dominated by a wide variety of stylistic revivals, variations, and interpretations. Revivalism in architecture is the use of visual styles that consciously echo the style of a previous architectural era. Modern-day Revival styles can be summarized within New Classical architecture, and sometimes under the umbrella term traditional architecture.
The idea that architecture might represent the glory of kingdoms can be traced to the dawn of civilisation, but the notion that architecture can bear the stamp of national character is a modern idea, that appeared in the 18th century historical thinking and given political currency in the wake of the French Revolution. As the map of Europe was repeatedly changing, architecture was used to grant the aura of a glorious past to even the most recent nations. In addition to the credo of universal Classicism, two new, and often contradictory, attitudes on historical styles existed in the early 19th century. Pluralism promoted the simultaneous use of the expanded range of style, while Revivalism held that a single historical model was appropriate for modern architecture. Associations between styles and building types appeared, for example: Egyptian for prisons, Gothic for churches, or Renaissance Revival for banks and exchanges. These choices were the result of other associations: the pharaohs with death and eternity, the Middle Ages with Christianity, or the Medici family with the rise of banking and modern commerce.
Whether their choice was Classical, medieval, or Renaissance, all revivalists shared the strategy of advocating a particular style based on national history, one of the great enterprises of historians in the early 19th century. Only one historic period was claimed to be the only one capable of providing models grounded in national traditions, institutions, or values. Issues of style became matters of state.[231]
The most well-known Revivalist style is the Gothic Revival one, that appeared in the mid-18th century in the houses of a number of wealthy antiquarians in England, a notable example being the Strawberry Hill House. German Romantic writers and architects were the first to promote Gothic as a powerful expression of national character, and in turn use it as a symbol of national identity in territories still divided. Johann Gottfried Herder posed the question 'Why should we always imitate foreigners, as if we were Greeks or Romans?'.[232]
In art and architecture history, the term Orientalism refers to the works of the Western artists who specialized in Oriental subjects, produced from their travels in Western Asia, during the 19th century. In that time, artists and scholars were described as Orientalists, especially in France.
In India, during the British Raj, a new style, Indo-Saracenic, (also known as Indo-Gothic, Mughal-Gothic, Neo-Mughal, or Hindoo style) was getting developed, which incorporated varying degrees of Indian elements into the Western European style. The Churches and convents of Goa are another example of the blending of traditional Indian styles with western European architectural styles. Most Indo-Saracenic public buildings were constructed between 1858 and 1947, with the peaking at 1880.[233] The style has been described as "part of a 19th-century movement to project themselves as the natural successors of the Mughals".[234] They were often built for modern functions such as transport stations, government offices, and law courts. It is much more evident in British power centres in the subcontinent like Mumbai, Chennai, and Kolkata.[235]
![The CEC Palace on Victory Avenue, Bucharest, Romania, by Paul Gottereau [ro], 1897-1900](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/2/2b/Palacio_CEC%2C_Bucarest%2C_Ruman%C3%ADa%2C_2016-05-29%2C_DD_91-93_HDR.jpg/500px-Palacio_CEC%2C_Bucarest%2C_Ruman%C3%ADa%2C_2016-05-29%2C_DD_91-93_HDR.jpg)
![Cantacuzino Palace, Bucharest, by Ion D. Berindey [ro], 1898-1906](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/8/84/The_Cantacuzino_Palace_from_Bucharest_%28Romania%29.jpg/500px-The_Cantacuzino_Palace_from_Bucharest_%28Romania%29.jpg)
![Anker Building, Bucharest, by Leonida Negrescu [ro], c.1900](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/b/b7/Building_at_the_intersection_of_Calea_Victoriei_with_Strada_Franklin%2C_Bucharest%2C_circa_1900%2C_by_Leonida_Negrescu.jpg/500px-Building_at_the_intersection_of_Calea_Victoriei_with_Strada_Franklin%2C_Bucharest%2C_circa_1900%2C_by_Leonida_Negrescu.jpg)
![Hôtel Roxoroid de Belfort, Paris, 1911, by André Arfvidson [fr]](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/8/8e/29_avenue_Bugeaud_Paris.jpg/500px-29_avenue_Bugeaud_Paris.jpg)
![Villa, Antwerp, Belgium, by Michel De Braey [nl], 1913](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/2/27/Della_Faillelaan_23%2C_Antwerpen.jpg/500px-Della_Faillelaan_23%2C_Antwerpen.jpg)
The Beaux-Arts style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Due to the fact that international students studied here, there are buildings from the second half of the 19th century and the early 20th century of this type all over the world, designed by architects like Charles Girault, Thomas Hastings, Ion D. Berindey or Petre Antonescu. Today, from Bucharest to Buenos Aires and from San Francisco to Brussels, the Beaux-Arts style survives in opera houses, civic structures, university campuses commemorative monuments, luxury hotels and townhouses. The style was heavily influenced by the Paris Opéra House (1860–1875), designed by Charles Garnier, the masterpiece of the 19th century renovation of Paris, dominating its entire neighbourhood and continuing to astonish visitors with its majestic staircase and reception halls. The Opéra was an aesthetic and societal turning point in French architecture. Here, Garnier showed what he called a style actuel, which was influenced by the spirit of the time, aka Zeitgeist, and reflected the designer's personal taste.
Beaux-Arts façades were usually imbricated, or layered with overlapping classical elements or sculpture. Often façades consisted of a high rusticated basement level, after it a few floors high level, usually decorated with pilasters or columns, and at the top an attic level and/or the roof. Beaux-Arts architects were often commissioned to design monumental civic buildings symbolic of the self-confidence of the town or city. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. However, it was not just a revival of the Baroque, being more of a synthesis of Classicist styles, like Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassicism etc.[243][244][245]
![Paleis voor Volksvlijt, Amsterdam, Netherlands, by Cornelis Outshoorn [nl], 1859–1964](https://img-server.japedia.wiki/wikipedia/commons/thumb/4/49/De_Binnen_Amstel_gezien_naar_het_in_1866_gedempte_Amstelgrachtje%2C_thans_Maarten_Jansz_Kosterstraat%2C_en_het_Paleis_voor_Volksvlijt_op_het_Frederiksplein.jpg/500px-De_Binnen_Amstel_gezien_naar_het_in_1866_gedempte_Amstelgrachtje%2C_thans_Maarten_Jansz_Kosterstraat%2C_en_het_Paleis_voor_Volksvlijt_op_het_Frederiksplein.jpg)
Because of the Industrial Revolution and the new technologies it brought, new types of buildings appeared. By 1850 iron was quite present in daily life at every scale, from mass-produced decorative architectural details and objects of apartment buildings and commercial buildings to train sheds. A well-known 19th century glass and iron building is the Crystal Palace from Hyde Park (London), built in 1851 to house the Great Exhibition, having an appearance similar to a greenhouse. Its scale was daunting.
The marketplace pioneered novel uses of iron and glass to create an architecture of display and consumption that made the temporary display of the world fairs a permanent feature of modern urban life. Just after a year after the Crystal Palace was dismantaled, Aristide Boucicaut opened what historians of mass consumption have labelled the first department store, Le Bon Marché in Paris. As the store expanded, its exterior took on the form of a public monument, being highly decorated with French Renaissance Revival motifs. The entrances advanced subtly onto the pavemenet, hoping to captivate the attention of potential customers. Between 1872 and 1874, the interior was remodelled by Louis-Charles Boileau, in collaboration with the young engineering firm of Gustave Eiffel. In place of the open courtyard required to permit more daylight into the interior, the new building focused around three skylight atria.[251]
Popular in many countries from the early 1890s until the outbreak of World War I in 1914, Art Nouveau was an influential although relatively brief art and design movement and philosophy. Despite being a short-lived fashion, it paved the way for the modern architecture of the 20th century. Between c. 1870 and 1900, a crisis of historicism occurred, during which the historicist culture was critiqued, one of the voices being Friedrich Nietzsche in 1874, who diagnosed 'a malignant historical fervour' as one of the crippling symptoms of a modern culture burdened by archaeological study and faith in the laws of historical progression.
Focusing on natural forms, asymmetry, sinuous lines and whiplash curves, architects and designers aimed to escape the excessively ornamental styles and historical replications, popular during the 19th century. However, the style was not completely new, since Art Nouveau artists drew on a huge range of influences, particularly Beaux-Arts architecture, the Arts and Crafts movement, aestheticism and Japanese art. Buildings used materials associated in the 19th century with modernity, such as cast-iron and glass. A good example of this is the Paris Metro entrance at Porte Dauphine by Hector Guimard (1900). Its cast-iron and glass canopy is as much sculpture as it is architecture. In Paris, Art Nouveau was even called Le Style Métro by some. The interest for stylized organic forms of ornamentation originated in the mid 19th century, when it was promoted in The Grammar of Ornament (1854), a pattern book by British architect Owen Jones (architect) (1809–1874).
Whiplash curves and sinuous organic lines are its most familiar hallmarks, however the style can not be summarized only to them, since its forms are much more varied and complex. The movement displayed many national interpretations. Depending on where it manifested, it was inspired by Celtic art, Gothic Revival, Rococo Revival, and Baroque Revival. In Hungary, Romania and Poland, for example, Art Nouveau incorporated folkloric elements. This is true especially in Romania, because it facilitated the appearance of the Romanian Revival style, which draws inspiration from Brâncovenesc architecture and traditional peasant houses and objects. The style also had different names, depending on countries. In Britain it was known as Modern Style, in the Netherlands as Nieuwe Kunst, in Germany and Austria as Jugendstil, in Italy as Liberty style, in Catalonia as Modernisme, in Romania as Arta 1900, and in Japan as Shiro-Uma. It would be wrong to credit any particular place as the only one where the movement appeared, since it seems to have arisen in multiple locations.[259][260][261][262]
Rejecting ornament and embracing minimalism and modern materials, Modernist architecture appeared across the world in the early 20th century. Art Nouveau paved the way for it, promoting the idea of non-historicist styles. It developed initially in Europe, focusing on functionalism and the avoidance of decoration. Modernism reached its peak during the 1930s and 1940s with the Bauhaus and the International Style, both characterised by asymmetry, flat roofs, large ribbon windows, metal, glass, white rendering and open-plan interiors.[266]
Art Deco, named retrospectively after an exhibition held in Paris in 1925, originated in France as a luxurious, highly decorated style. It then spread quickly throughout the world - most dramatically in the United States - becoming more streamlined and modernistic through the 1930s. The style was pervasive and popular, finding its way into the design of everything from jewellery to film sets, from the interiors of ordinary homes to cinemas, luxury streamliners and hotels. Its exuberance and fantasy captured the spirit of the 'roaring 20s' and provided an escape from the realities of the Great Depression during the 1930s.[271]
Although it ended with the start of World War II, its appeal has endured. Despite that it is an example of modern architecture, elements of the style drew on ancient Egyptian, Greek, Roman, African, Aztec and Japanese influences, but also on Futurism, Cubism and the Bauhaus. Bold colours were often applied on low-reliefs. Predominant materials include chrome plating, brass, polished steel and aluminium, inlaid wood, stone and stained glass.
The International Style emerged in Europe after World War I, influenced by recent movements, including De Stijl and Streamline Moderne, and had a close relationship to the Bauhaus. The antithesis of nearly every other architectural movement that preceded it, the International Style eliminated extraneous ornament and used modern industrial materials such as steel, glass, reinforced concrete and chrome plating. Rectilinear, flat-roofed, asymmetrical and white, it became a symbol of modernity across the world. It seemed to offer a crisp, clean, rational future after the horrors of war. Named by the architect Philip Johnson and historian Henry-Russell Hitchcock (1903–1987) in 1932, the movement was epitomized by Charles-Edouard Jeanneret, or Le Corbusier and was clearly expressed in his statement that 'a house is a machine for living in'.[276]
Supposedly based on social equality, Brutalism was inspired by Le Corbusier's 1947-1952 Unité d'habitation in Marseille. It seems the term was originally coined by Swedish architect Hans Asplund (1921–1994), but Le Corbusier's use of the description béton brut, meaning raw concrete, for his choice of material for the Unité d'habitation was particularly influential. The style flourished from the 1950s to the mid-1970s, mainly using concrete, which although new in itself, was unconventional when exposed on facades. Before Brutalism, concrete was usually hidden beneath other materials.[285]
Not one definable style, Postmodernism is an eclectic mix of approaches that appeared in the late 20th century in reaction against Modernism, which was increasingly perceived as monotonous and conservative. As with many movements, a complete antithesis to Modernism developed. In 1966, the architect Robert Venturi (1925–2018) had published his book, Complexity and Contradiction in Architecture, which praised the originality and creativity of Mannerist and Baroque architecture of Rome, and encouraged more ambiguity and complexity in contemporary design. Complaining about the austerity and tedium of so many smooth steel and glass Modernist buildings, and in deliberate denunciation of the famous Modernist 'Less is more', Venturi stated 'Less is a bore'. His theories became a majore influence on the development of Postmodernism.[286]
Deconstructivism in architecture is a development of postmodern architecture that began in the late 1980s. It is characterized by ideas of fragmentation, non-linear processes of design, an interest in manipulating ideas of a structure's surface or skin, and apparent non-Euclidean geometry,[298] (i.e., non-rectilinear shapes) which serve to distort and dislocate some of the elements of architecture, such as structure and envelope. The finished visual appearance of buildings that exhibit the many deconstructivist "styles" is characterised by a stimulating unpredictability and a controlled chaos.
Important events in the history of the Deconstructivist movement include the 1982 Parc de la Villettearchitectural design competition (especially the entry from the French philosopher Jacques Derrida and the American architect Peter Eisenman[299] and Bernard Tschumi's winning entry), the Museum of Modern Art's 1988 Deconstructivist Architecture exhibition in New York, organized by Philip Johnson and Mark Wigley, and the 1989 opening of the Wexner Center for the Arts in Columbus, designed by Peter Eisenman. The New York exhibition featured works by Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelblau, and Bernard Tschumi. Since the exhibition, many of the architects who were associated with Deconstructivism have distanced themselves from the term. Nonetheless, the term has stuck and has now, in fact, come to embrace a general trend within contemporary architecture.[300]
Contemporary architecture is the architecture of the 21st century. No single style is dominant.[301] Contemporary architects work in several different styles, from postmodernism, high-tech architecture and new references and interpretations of traditional architecture like New Classical architecture[302][303] to highly conceptual forms and designs, resembling sculpture on an enormous scale. Some of these styles and approaches make use of very advanced technology and modern building materials, such as tube structures which allow construction of buildings that are taller, lighter and stronger than those in the 20th century, while others prioritize the use of natural and ecological materials like stone, wood and lime.[304] One technology that is common to all forms of contemporary architecture is the use of new techniques of computer-aided design, which allow buildings to be designed and modeled on computers in three dimensions, and constructed with more precision and speed.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite journal}}: CS1 maint: DOI inactive as of July 2025 (link){{cite book}}: ISBN / Date incompatibility (help)In 806–811, the Armenian architect, Oton Matsaetsi, built the church of Germigny-des-Prés in France.
{{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link){{cite book}}: ISBN / Date incompatibility (help)