多色

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  紀元前530年頃の古代ギリシャのコレー（古代ギリシャの王座）のペプロスに残る、刺繍模様を描いた塗料の痕跡。大理石製、アクロポリス博物館、アテネ、ギリシャ。
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  ペプロス・コレーの多色装飾、紀元前530年頃、パロス産大理石、アクロポリス博物館
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  パエストゥムのヘラ神殿の屋根の縁から彫られ彩色された断片、紀元前520年頃、イタリア国立考古学博物館^{[ 11 ]}
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  アマトスの石棺、紀元前475年頃～450年頃、石灰岩、メトロポリタン美術館（ニューヨーク市） 
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  タナグラ出土、紀元前325～300年、青と金で彩色された衣服をまとった女性のテラコッタ像、ベルリン古代美術コレクション、ドイツ
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  若い女性のテラコッタ像、カオリンと彩色の痕跡あり、紀元前3世紀～2世紀、リービークハウス、ドイツ^{[ 12 ]}
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  ヘレニズム時代のコレー像に残る赤い塗料の痕跡、パオロ・オルシ考古学博物館、シラクサ、シチリア島
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  葦画家による嘆きの場面を描いた白地のレキュトス、紀元前420～410年頃、大英博物館
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  ハデスとペルセポネ、紀元前340年頃、大理石に顔料、アイガイ王家の墓博物館、ヴェルギナ、ギリシャ^{[ 13 ]}
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  ギリシャ、マケドニア地方、アギオス・アタナシオスにある古代の墓の正面、紀元前325年～300年頃
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  パルメットの墓（ギリシャ、ミエザ）、紀元前3世紀前半^{[ 14 ]}
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  ペラにあるヘレン誘拐の家から出土した鹿狩りのモザイク画、古代マケドニア、紀元前4世紀後半
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  ペプロス・コレによる多色復元
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  アイギナ島アファイア神殿出土のトロイアの弓兵像に施された復元された多色装飾
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  ジャック・イニャス・ヒトルフによるシチリア島セリヌンテのエンペドクレス神殿の復元図、1830年（ 1851年出版）^{[ 15 ]}
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  ジャック・イニャス・ヒトルフによる、1859年以前に再建されたシチリア島セリヌンテのT神殿の正面立面図。

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  女性の彫刻で飾られたエトルリアの葬儀用骨壺。前面パネルには二人の戦士が戦う様子を描いたレリーフが施されている。多色テラコッタ製、紀元前150年頃。
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  ポンペイで発見された、紀元前1世紀から紀元後1世紀にかけてのリウィア像に残る塗料の痕跡
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  ヴィーナスとその恋人マルスを描いたアンテフィックス、紀元前1世紀～紀元後1世紀、彩色テラコッタ、メトロポリタン美術館
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  ミトラス神が雄牛を殺す場面と、カウテスとカウトパテスが松明を持つ場面を描いたレリーフ、ローマ、紀元200年頃、金箔を施した石膏。
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  ポンペイ出土のいわゆる「ビキニ姿のヴィーナス」像。ギリシャ神話のヴィーナスの対応女神アフロディーテを描いたもので、大理石製、金箔と彩色痕跡あり、紀元1世紀、MANN
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  ドゥラ・エウロポス出土のローマ時代の盾、3世紀半ば、彩色された木と皮、イェール大学美術館、ニューヘイブン、アメリカ合衆国^{[ 16 ]}
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  ポンペイ、ヴェッティ家の家にある、イクシオンの処罰を描いたローマ時代のフレスコ画
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  ネプチューンとアンフィトリテのローマ時代のモザイク、c。紀元前 70 年、モザイク、Casa di Nettuno e Anfitrite、ヘルクラネウム考古学公園、エルコラーノ、イタリア^{[ 17 ]}
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  ヘルクラネウムのテレフォス浮彫の家から出土した柱。赤い塗料が保存されている。
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  カリギュラの頭部を多色で再現した実験的な作品。 「色彩の神々」展より。

18世紀にヨーロッパの磁器が伝来すると、色彩豊かな陶器の置物が大変人気を博しました。磁器は9世紀に中国で開発されました。その製法は他国には秘密にされ、15世紀になってようやく日本とベトナムで模倣に成功しました。18世紀には、錬金術師のヨハン・フリードリヒ・ベトガーと物理学者のエーレンフリート・ヴァルター・フォン・チルンハウスが1709年にヨーロッパ初の磁器を製造し、ドイツの窯元がようやく磁器の製造方法を確立しました。翌年にはマイセン磁器工場が設立され、ヨーロッパを代表する磁器メーカーとなりました。その後、他の窯元も製法を盗んだり、独自の磁器技術を開発したりしました。もう一つ非常に有名な工場はセーヴル窯で、18世紀、19世紀、20世紀にフランスのエリート層向けに素晴らしい磁器を生産しました。^{[ 44 ]}

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  ロココ–象頭の花瓶 (花瓶 à tête d'éléphant)、セーヴル磁器工場製、c. 1756年– 頃1762 年、ソフトペースト磁器、メトロポリタン美術館  
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  ロココ–壁取り付け用燭台 (ブラ ド シュミネ)、セーヴル磁器工場製、c. 1761年、ソフトペースト磁器と金銅、メトロポリタン美術館 
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  ロココ様式の香水瓶、チェルシー磁器工場製、1761年頃、軟質磁器、磨き金彩、メトロポリタン美術館所蔵 
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  ロココ様式の猿の群れの一部であるシンゲリー人形、マイセン磁器工場製、1765年頃、磁器、エナメル、金彩、シカゴ美術館、シカゴ、アメリカ合衆国 
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  ロココ様式―音楽のレッスン、チェルシー磁器工場製、1765年頃、軟質磁器、メトロポリタン美術館所蔵 
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  ルイ16世様式–花瓶（デュプレシス・レクティフィエ・グレック）、デザインはジャン＝クロード・シャンベラン・デュプレシスによるものとされる、彩色装飾はヴァンサン・タイランディエ、金彩はジャン＝ピエール・ブーランジェ、セーヴル磁器工場製、1780年、彩色金彩硬質磁器、金メッキブロンズ、アムステルダム国立美術館、オランダ 

古代ギリシャの建築や彫刻に多色装飾の証拠が発見されているにもかかわらず、新古典主義建築のほとんどは白またはベージュのファサードと黒い金属細工で構成されている。1840年頃、フランスの建築家ジャック・イニャス・ヒトルフはシチリア建築の研究を発表し、色彩に関する広範な証拠を記録した。「多色装飾論争」は10年以上にわたって激しく繰り広げられ、ヨーロッパ中の新古典主義建築家にとって大きな課題となった。^{[ 15 ]}

18世紀にローマの都市ポンペイとヘルクラネウムでフレスコ画が発見されたため、18世紀から19世紀にかけて建てられた多くの新古典主義様式の邸宅の内部は、色彩豊かなポンペイ様式のフレスコ画で装飾されています。これらのフレスコ画には、しばしば「ポン​​ペイ赤」として知られる鮮やかな赤色が用いられています。ポンペイ様式の絵画が流行した結果、部屋は鮮やかな色のブロックで仕上げられるようになりました。例としては、ケンブリッジシャーのヒンクストン・ホールのポンペイ・ルーム、アシャッフェンブルクのポンペイアヌム、マルメゾン城のジョゼフィーヌ皇后の寝室、ランブイエ城のナポレオンの浴室などが挙げられます。19世紀初頭には、画家たちは大理石模様や木目を模した効果を生み出すこともできるようになりました。

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  帝国様式–ランブイエ城のナポレオンの浴場、ランブイエ、フランス、ゴダールとジャン・ヴァセロによって描かれた、1806 年 
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  帝政様式-花瓶、セーヴル磁器工場製、1814年、硬質磁器、プラチナの背景、金メッキのブロンズ金具、ルーブル美術館^{[ 48 ]} 
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  新古典主義–グランド フォンテーヌのプット (レオポルド ロベール通り)、ラ ショー ド フォン、スイス、マクシミリアン ルイ ブルジョワ作、1888 年 
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  新古典主義様式のポンペイ様式の壁、ルーマニア、ブカレスト、ニコラエ・フィリペスク通り45番地、建築家または画家不明、1890年頃 
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  アテネアカデミーの正面玄関前にある、多色装飾が施された格天井。1885年完成。
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  新古典主義-パリ国立シルクの多色ファサード、ヤコブ・イグナス・ヒトルフ作、1840 ^{[ 49 ]} 

「多ければ多いほど良い」というのが、ヴィクトリア朝時代に信奉された美的原則でした。陶磁器、家具、カトラリー、食器、ファッション、建築、書籍の挿絵、時計など、ヴィクトリア朝時代のデザインの多くの種類にマキシマリズムが見られます。装飾への欲求があったにもかかわらず、特に家具など、多くのものは少数の色で装飾されています。陶磁器は多色装飾が広く普及した分野でした。多色陶磁器は、物品だけでなく、建築や一部の家具、タイルなどにも用いられました。

このページのギャラリーに掲載されている19世紀の物品や建築物は、疑いなく印象的です。今日、私たちはそれらの装飾、色彩、様式に魅了されています。しかし、1960年代にポストモダニズムが台頭し、人々がモダニズムに疑問を抱き、近代以前の過去のものを評価し始めるまで、ヴィクトリア朝のデザインに対する評価は芳しくありませんでした。20世紀初頭、そしてそれらが作られた当時でさえ、ヴィクトリア朝時代は、これまで作られた中で最も醜いものを生み出した時代だと評する人もいました。「美的怪物」や「装飾的忌まわしいもの」といった表現が当時から使われており、状況は悪化する一方でした。 19世紀末、ミントン社で働いていた著名な陶磁器デザイナー、マルク＝ルイ・ソロン（1835-1913）は、この時代は「全く悪趣味の痕跡が残っている」とコメントしたが、これは珍しいことではなかった。 ^{[ 50 ]}時が経つにつれ、否定的な意見は悪化するばかりだった。近代建築の先駆者であるアドルフ・ロースとル・コルビュジエは、このような作品は単に悪いだけでなく、あまりにも侮辱的であるため、違法にすべきだと考えた。^{[ 51 ]}

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  ロココ・リバイバル様式の香炉（ブリュレ・パルファム）、ジャコブ・プティ作、1834年頃～1848年頃、硬質磁器、彩色および金彩、パリ装飾美術館所蔵 
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  ロココ様式復興期のボトル2点、ジャコブ・プティ作、1840年頃、硬質磁器、彩色・金彩、パリ装飾美術館所蔵
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  ロココ様式復興期の円錐形花瓶一対と時計、ニコラ・ビュガール作？、19世紀半ば、硬質磁器、彩色および金彩、パリ装飾美術館所蔵
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  フランシスク・デュレ作、パリのルーブル宮殿、サロン・デ・セプト・シュミネの天井にある新古典主義の彫刻装飾、1851年^{[ 52 ]}
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  ルーブル宮殿サロン・カレの天井にある新古典主義の彫刻装飾、ピエール＝シャルル・シマール作、1851年^{[ 53 ]}
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  モナコ、モンテカルロオペラ座のボザール様式のモザイク、シャルル・ガルニエ設計、1879年
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  アメリカ合衆国インディアナ州ケンドールビルにある、正体不明の建物の多色装飾が施された建築細部。建築家不明、1892年。
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  フランス、ナントのラ・シガールの内装。エミール・リボーディエールが設計し、エミール・ゴーシェの彫刻とジョルジュ・ルヴローの絵画で装飾されている。1895年。

多色レンガ積みは、1860年代に登場した建築用レンガ積みの様式で、さまざまな色（茶色、クリーム色、黄色、赤、青、黒）のレンガを模様状に組み合わせて建築の特徴を際立たせるものです。これらの模様は、窓のアーチの周りに作られたり、壁面に施されたりしました。これは、隅石の効果を再現するためによく使用されました。初期の例では帯状模様が特徴でしたが、後期の例では複雑な斜め、交差、階段状の模様が見られ、場合によってはレンガで文字が書かれることもありました。^{[ 54 ]}より複雑な装飾には、細部のある釉薬をかけた陶器の要素も使用されました。

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  ウィリアム・バターフィールド作、ロンドン、マーガレット・ストリートのオール・セインツ教会の内部、1850～1859年^{[ 55 ]}
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  英国バーミンガム、エッジバストン、アンプトンロード12番地、ジョン・ヘンリー・チェンバレン作、1855年^{[ 56 ]}
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  ペルノ ビスケット工場の詳細(Rue Courtepée no. 10–18)、ディジョン、フランス、1879
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  （現在の）スリナム大使館のファサード（パリ、ラネラ通り94番地）、建築家不明、1885年
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  ミニム通り No. 58、ヴァンセンヌ、フランス、ビクター・フランシオーネ作、1905 ^{[ 57 ]}

In the Kingdom of Romania, the Romanian Revival style appeared at the end of the 19th century. It is the Romanian equivalent of the National Romantic style that was popular at the same time in Northern Europe. The movement is heavily inspired by Brâncovenesc architecture, a style that was popular in Wallachia in the late 17th and early 18th centuries. Interiors of houses in this style built before WW1 are often decorated with a variety of bright colours. In the case of a few buildings, the polychrome extends on the exterior too, through the use of colorful glazed ceramic tiles. The style became more popular in the 20th century. A Romanian Revival house that stands out through its variety of colours is the Gheorghe Petrașcu House (Piața Romană no. 5) in Bucharest, by Spiru Cegăneanu, 1912^[58]

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  Gheorghe Ionescu-Gion House (Strada Logofătul Udriște no. 11), Bucharest, Romania, by Ion N. Socolescu, 1889^[59]
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  Central Girls' School, Bucharest, by Ion Mincu, 1890^[60]
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  Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House (Piața Romană no. 5), Bucharest, by Spiru Cegăneanu, 1912^[61]
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  Ceiling of the Gheorghe Petrașcu House, Bucharest, by Spiru Cegăneanu, 1912^[62]

At the beginning of the 20th century, before the world wars, Revivalism (including Neoclassicism and the Gothic Revival) and eclecticism of historic styles were very popular in design and architecture. Many of the things said about the 19th century are still in this period. Many of the buildings from this period have their interiors decorated with colours, through tiles, mosaics, stuccos, or murals. When it comes to exteriors, most polychrome facades are decorated with ceramic tiles.

Art Nouveau was also in fashion during the 1900s all over the Western world. However, it fragmented by 1911 and from then it steadily faded, until it disappeared with WW1. Some regular Art Nouveau buildings have their facades decorated with colourful glazed ceramic ornaments. The colours used are often more earthy and faded compared to the intense ones used by Neoclassicism. Compared to other movements in design and architecture, Art Nouveau was one with different versions in multiple countries. The Belgian and French form is characterized by organic shapes, ornaments taken from the plant world, sinuous lines, asymmetry (especially when it comes to objects design), the whiplash motif, the femme fatale, and other elements of nature. In Austria, Germany and the UK, it took a more stylized geometric form, as a form of protest towards revivalism and eclecticism. The geometric ornaments found in Gustav Klimt's paintings and in the furniture of Koloman Moser are representative of the Vienna Secession (Austrian Art Nouveau). In some countries, artists found inspiration in national tradition and folklore. In the UK for example, multiple silversmiths used interlaces taken from Celtic art. Similarly, Hungarian, Russian, and Ukrainian architects used polychromatic folkloric motifs on their buildings, usually through colourful ceramic ornaments.

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  Rococo Revival –Boulangerie (Boulevard Beaumarchais no. 28), Paris, 1900, by Benoit et fils^[63]
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  French Art Nouveau –Bijouterie Fouquet, Musée Carnavalet, Paris, by Alphonse Mucha, c.1900^[64]
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  French Art Nouveau –Vase, by Clément Massier, c.1900, lusterware, Jason Jacques Gallery, New York^[65]
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  French Art Nouveau –Avenue Gallieni no. 14, Courbevoie, France, by Eugène Coulon, 1903–1904
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  French Art Nouveau –Entrance decorated with glazed tiles of the Les Chardons Building (Rue Eugène-Manuel no. 2), Paris, 1903, by Charles Klein^[66]
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  Ukrainian Art Nouveau –Poltava Reginal Administrative Building, Poltava, Ukraine, by Vasyl Krychevsky, 1903–1907^[67]
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  Austrian Art Nouveau –Putto with two cornucopias with floral cascades, by Michael Powolny, designed in c.1907, produced in 1912, ceramic, Kunstgewerbemuseum Berlin, Berlin, Germany^[68]
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  Russian Revival –Window of the Church of the Theotokos of Tikhvin, Moscow, by Nikolay Martyanov, 1911–1912
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  Moorish Revival –Ceiling in the Filitti House (Calea Dorobanților no. 18), Bucharest, by Ernest Doneaus, c.1910^[69]
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  Beaux Arts –Stucco with putti on a ceiling in Piața Romană no. 3, Bucharest, by Siegfired Kofsinski and C. Crețoiu, 1912

During the interwar period and the middle of the 20th century, Modernism was in fashion. To Modernists, form was more important than ornament, so solid blocks of strong colour were often used to emphasize shape and create contrast. Primary colours and black and white were preferred. This is really the case of the Dutch De Stijl movement, which began in 1917. The style involved reducing an object (whether a painting or a design) to its essentials, using only black, white and primary colours, and a simple geometry of straight lines and planes. Gerrit Rietveld's Red and Blue Chair (1917–1918) and Rietveld Schröder House in Utrecht (1924) show this use of colour. Polychromy in Modernist design was not limited to De Stijl. The Unité d'habitation, a residential housing typology developed by Le Corbusier, has some flat colourful parts.

Some Art Deco objects, buildings and interiors stand out through their polychromy and use of intense colours. Fauvism, with its highly saturated colours, like the paintings of Henri Matisse, was an influence for some Art Deco designers. Another influence for polychromy were the Ballets Russes. Leon Bakst's stage designs filled Parisian artistic circles with enthusiasm for bright colours.^[70]

Despite their lack of ornamentation, multiple Mid-century modern designs, like Lucienne Day's textiles, Charles and Ray Eames's Hang-It-All coat hanger (1953), or Irving Harper's Marshmallow sofa (1956), are decorated with colours. Aside from individual objects, mid-century modern interiors were also quite colourful. This was also caused by the fact that after WW2, plastics became increasingly popular as a material for kitchenware and kitchen units, light fixtures, electrical appliances and toys, and by the fact that plastic could be produced in a wide range of colours, from jade green to red.^[71]

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  De Stijl –Red and Blue Chair, by Gerrit Rietveld, 1917, lacquered wood, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio, US
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  De Stijl –Panel of polychrome bricks on the exterior of the Vakantiehuis De Vonk, a house in Noordwijkerhout, the Netherlands, by Theo van Doesburg, 1917–1919^[72]
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  Mix of Egyptian Revival and Art Deco: Le Louxor Cinema, Paris, by Henri Zipcy, 1919–1921^[73]
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  Mix of Pueblo Revival and Art Deco (Pueblo Deco): KiMo Theater, Albuquerque, US, by the Boller Brothers, 1927
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  Art Deco –Floor in the entrance hall of Bulevardul Hristo Botev no. 26, Bucharest, unknown architect, 1930s
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  Art Deco –Marble facing in the entrance hall of Strada Pitar Moș no. 27–29, Bucharest, by Sandy Herivan, 1931–1933^[74]
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  Art Deco –Mosaics on the facade of Quai Louis-Blériot no. 40, Paris, by Marteroy & Bonnel, 1932^[75]
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  International Style –Unité d'habitation, Marseille, France, by Le Corbusier, 1952^[76]
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  Mid-century modern –Marshmallow sofa, by Irving Harper for George Nelson Associates, 1956, metal frame with round discs of covered foam, unknown location^[77]
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  Fusterlandia, Havana, Cuba, by José Rodríguez Fuster, 1975^[78]
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  Dona i Ocell, by Joan Miró, 1983, glazed tile mosaic, Barcelona, Spain^[79]

The use of vivid colours continued with Postmodernism, in the 1970s, 1980s and 1990s. Compared to Mid-century modern objects, which often had intense colours but were monochrome, Postmodern design and architecture stand out through the use of a variety of colours on single objects or buildings. Postmodern architects working with bold colors included Robert Venturi (Allen Memorial Art Museum addition; Best Company Warehouse), Michael Graves (Snyderman House; Humana Building), and James Stirling (Neue Staatsgalerie; Arthur M. Sackler Museum), among others. In the UK, John Outram created numerous bright and colourful buildings throughout the 1980s and 1990s, including the "Temple of Storms" pumping station. Aside from architecture, bright colours were present on everything, from furniture to textiles and posters. Neon greens and yellows were popular in product design, as were fluorescent tones of scarlet, pink, and orange used together. Injection-moulded plastics gave designers new creative freedom, making it possible to mass-produce almost any shape (and colour) quickly and cheaply.^[80]

An artist well known for her polychrome artworks is Niki de Saint Phalle, who produced many sculptures painted in bold colours. She devoted the later decades of her life to building a live-in sculpture park in Tuscany, the Tarot Garden, with artworks covered in vibrant colourful mosaics.^[81]

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  Proust armchair, by Studio Alchimia, 1978, wood and fabric, Indianapolis Museum of Art, Indianapolis, US^[82]
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  Sheraton chair with applied decoration, by Robert Venturi for Knoll, 1978–1984, bent laminated wood, Milwaukee Art Museum, Milwaukee, US^[83]
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  Plaza dressing table and stool, by Michael Graves for the Memphis Group, 1981, painted wood, natural rosehips, mirrors, and bulbs, Museum of Decorative Arts, Paris
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  Carlton Bookcase, by Ettore Sottsass for the Memphis Group, 1981, wood veneer and plastic laminate, Museum of Decorative Arts, Paris
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  Super Lamp, by Martine Bedin for the Memphis Group, 1981, glazed stoneware, rubber and chrome-plated steel, Museum of Decorative Arts, Berlin, Germany
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  Neue Staatsgalerie, Stuttgart, Germany, by James Stirling, 1984^[84]
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  Louis XVI, lowboy, by Robert Venturi for Arc International, c.1985, laminated wood, Indianapolis Museum of Art^[85]
• 
  Isle of Dogs Pumping Station, London, John Outram, 1988^[86]
• 
  No 1 Poultry, London, by James Stirling, designed in 1988 but built in 1997^[87]
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  Oudhof (Rokin no. 99), Amsterdam, Netherlands, by Mart van Schijndel, 1988–1990^[88]
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  Main hall of the Judge Business School, University of Cambridge, England, by John Outram, 1995^[89]
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  Duncan Hall, Rice University, US, by John Outram, 1996^[90]
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  L'Ange Protecteur, by Niki de Saint Phalle, 1997, unknown materials, Zürich Hauptbahnhof, Zürich, Switzerland

Polychrome building facades later rose in popularity as a way of highlighting certain trim features in Victorian and Queen Annearchitecture in the United States. The rise of the modern paint industry following the American Civil War also helped to fuel the (sometimes extravagant) use of multiple colors.

The polychrome facade style faded with the rise of the 20th century's revival movements, which stressed classical colors applied in restrained fashion and, more importantly, with the birth of modernism, which advocated clean, unornamented facades rendered in white stucco or paint. Polychromy reappeared with the flourishing of the preservation movement and its embrace of (what had previously been seen as) the excesses of the Victorian era and in San Francisco, California in the 1970s to describe its abundant late-nineteenth-century houses. These earned the endearment 'Painted Ladies', a term that in modern times is considered kitsch when it is applied to describe all Victorian houses that have been painted with period colors.

John Joseph Earley (1881–1945) developed a "polychrome" process of concrete slab construction and ornamentation that was admired across America. In the Washington, D.C. metropolitan area, his products graced a variety of buildings –all formed by the staff of the Earley Studio in Rosslyn, Virginia. Earley's Polychrome Historic District houses in Silver Spring, Maryland were built in the mid-1930s. The concrete panels were pre-cast with colorful stones and shipped to the lot for on-site assembly. Earley wanted to develop a higher standard of affordable housing after the Depression, but only a handful of the houses were built before he died; written records of his concrete casting techniques were destroyed in a fire. Less well-known, but just as impressive, is the Dr. Fealy Polychrome House that Earley built atop a hill in Southeast Washington, D.C. overlooking the city. His uniquely designed polychrome houses were outstanding among prefabricated houses in the country, appreciated for their Art Deco ornament and superb craftsmanship.

Native American ceramic artists, in particular those in the Southwest, produced polychrome pottery from the time of the Mogollon cultures and Mimbres peoples to contemporary times.^[91]