日本の建築

日本建築は、地面から少し離れた位置に建てられ、瓦屋根または茅葺き屋根の木造建築が代表的です。壁の代わりに襖などの伝統的な間仕切りが使用され、さまざまな場面に合わせて空間の内部構成をカスタマイズできました。伝統的に、人々は通常、座布団などを使って床に座っていました。椅子や高いテーブルが広く使用されるようになったのは、20世紀になってからです。しかし、19世紀以降、日本は西洋、近代、ポストモダン建築の多くを建築やデザインに取り入れ、今日では最先端の建築デザインとテクノロジーのリーダーとなっています。

日本の最も古い建築は、先史時代に狩猟採集民のニーズに合わせて作られたシンプルな竪穴式住居と倉庫に見られました。朝鮮を経由して漢王朝時代の中国から影響を受け、より複雑な穀物倉庫と儀式用の埋葬室が導入されました。

6 世紀に日本に仏教が伝来したことで、複雑な木工技術を用いた大規模な寺院建築が促進されました。中国の隋と唐の影響を受け、奈良に最初の常設都が築かれました。その市松模様の街路レイアウトは、中国の首都長安を設計のテンプレートとして使用しました。

平安時代（794-1185）の894年、日本は遣唐使を廃止して中国文化と距離を置くようになり、日本の風土や美意識に合った国風文化が花開いた。この時代の貴族の住居の建築様式である寝殿造りは、日本建築の独自性を明確に示し、その後の日本建築の特徴を決定づけた。その特徴としては、扉で開閉できる壁の少ない開放的な構造、襖やすだれ、靴を脱いで高床式で家に入る構造、椅子やベッドを使わず畳の上に直接座ったり寝たりすることなどがあげられる。^{[1] [2] [3]}

鎌倉時代（1185-1333）に武士階級が台頭すると寝殿造りは変化し、室町時代（1333-1573）には書院造りが登場した。この様式はその後の日本の建築様式に永続的な影響を与え、近代日本住宅の基礎となった。その特徴は襖と呼ばれる引き戸と障子と呼ばれる紙製の窓が全面に採用され、部屋のいたるところに畳が敷かれていたことである。[ ^{4] [5]}

茶道の伝来により、貴族階級の過剰な装飾に対する対極として、簡素で控えめなデザインが重視されるようになった。安土桃山時代（1568-1600年）には、茶室の影響を受けて数寄屋造りの別荘が登場した。当初は大名や公家の別荘の建築様式であったが、江戸時代（1683-1807年）には料亭や茶室に応用され、後には住宅にも応用された。^[6]

1868年の明治維新の間、日本の建築史は2つの重要な出来事によって根本的に変えられました。1つ目は、 1868年の神仏分離令で、これは正式に仏教と神道、仏教寺院と神社を分離し、千年以上続いた両者の関係を断ち切りました。^[7]第二に、その頃日本は他の先進国と競争するために激しい西洋化の時代を経ました。当初、海外の建築家と様式が日本に輸入されましたが、徐々に日本は自国の建築家を育て、独自のスタイルを表現し始めました。西洋の建築家のもとで学んだ建築家たちは、国際様式のモダニズムを日本に持ち込みました。しかし、日本の建築家が国際舞台で印象を与えたのは、最初は丹下健三のような建築家の作品によって、次にメタボリズムのような理論的運動によって、第二次世界大戦後になってからでした。

日本の伝統的な建築には、住宅、城、寺社など、それぞれの時代や用途において日本独自の様々な様式、特徴、技法が見られます。その一方で、特に古代においては他のアジア諸国と同様に中国文化の影響を強く受けたため、アジア諸国の建築に共通する特徴も持っています。^[8]

また、日本の気候の多様性や、最初の文化の輸入から最後の文化の輸入までの千年もあって、結果は非常に異質なものとなっているが、それでも実質的に普遍的な特徴もいくつか見受けられる。まず第一に、材料の選択である。ほぼすべての構造物に常にさまざまな形の木材（板、わら、樹皮、紙など）が使われている。西洋建築や一部の中国建築とは異なり、寺院の台座や塔の基礎など、特定の用途を除いて石の使用は避けられている。

全体的な構造はほぼ常に同じです。柱とまぐさが緩やかに湾曲した大きな屋根を支え、壁は紙のように薄く、多くの場合は可動式で、決して荷重を支えるものではありません。アーチや樽型屋根はまったくありません。切妻と軒の曲線は中国よりも緩やかで、柱状のエンタシス（中央の凸部）は限られています。^[8]

屋根は視覚的に最も印象的な構成要素であり、建物全体の半分の大きさを占めることも少なくありません。^[8]わずかに湾曲した軒は壁をはるかに超えてベランダを覆っており、そのため寺社の場合、軒の重量は「軒」と呼ばれる複雑な支柱システムで支える必要があります。住宅構造ではより単純な解決策が採用されています。特大の軒は内部に特徴的な薄暗さを与え、建物の雰囲気に貢献しています。建物の内部は通常、中央にある「母屋」と呼ばれる単一の部屋で構成され、そこからそれほど重要でない他のスペースが離れています。

内部空間の区分は流動的で、部屋の大きさは衝立や可動式の障子を使って変更できる。したがって、メインホールが提供する大きな単一の空間は、必要に応じて分割できる。^[8]たとえば、いくつかの壁を取り除き、さまざまな部屋を一時的につなげて、さらに何人かのゲストのためのスペースを作ることができる。内部と外部の分離自体は、ある程度絶対的なものではなく、壁全体を取り除いて、住居や寺院を訪問者に開放することもできる。ベランダは、部外者には建物の一部のように見えるが、建物内にいる人には外界の一部のように見える。したがって、構造物はある程度、その環境の一部になっている。建物が周囲の自然環境に溶け込むように配慮されている。^[8]

建築モジュールの使用により、建物のさまざまな部分間の比率が一定に保たれ、全体的な調和が保たれます。^[8]（建物の比率については、kenの記事も参照）。

日光東照宮のように、あらゆる空間が重厚に装飾されている場合でも、装飾はそれに従う傾向があり、したがって基本的な構造を隠すのではなく強調する傾向がある。^[8]

これらの特徴は、神聖な建築物と俗世の建築物の両方に共通しており、俗人の建物を寺院に、あるいはその逆に変えることが容易でした。これは、例えば法隆寺で起こりました。そこでは、貴人の邸宅が宗教的な建物に改造されました。

先史時代には、紀元前5000年頃から紀元後8世紀初頭までの 縄文時代、弥生時代、古墳時代が含まれます。

縄文時代の3つの段階において、人口は主に原始的な農耕技術を持つ狩猟採集民であり、彼らの行動は主に気候条件の変化やその他の自然刺激によって決定されました。初期の住居は竪穴住居で、浅い穴と土を固めた床、草の屋根で構成され、貯蔵瓶の助けを借りて雨水を集めるように設計されていました。この時代の後半には、気候が寒冷化し降雨量が増えたため人口が減少し、それが儀式への関心につながりました。同心円状の石の環状列石はこの時期に初めて現れました。^[9]

弥生時代、日本人は中国の漢王朝と交流し始め、漢王朝の知識と技術が彼らに影響を与え始めた。^[9]日本人は穀物倉庫として高床式の倉庫を建て始め、この時期に登場し始めたのこぎりやのみなどの金属製の道具を使って建設した。静岡県登呂市に復元された高床式の倉庫は、厚い板を丸太小屋風に四隅で接合し、8本の柱で支えた木箱である。屋根は茅葺きだが、竪穴住居の典型的な寄棟屋根とは異なり、シンプルなV字型の切妻屋根である。^{[10]この時代の高床式構造のデザインは、漢族ではなく、中国東部沿岸部や台湾から来た}稲作を行う オーストロネシア語族との接触によるものだとする著者もいる。^{[11] [12]}

古墳時代は、多くの部屋がある埋葬塚や古墳（古墳は文字通り「古い塚」を意味する）の出現を特徴づけた。朝鮮半島の同様の塚は、日本の影響を受けたと考えられている。^{[13]この時代初期の「}前方後円墳」として知られる墓は、既存の地形を利用して整形し、人工の堀を追加して、三角形と円が相互につながった独特の鍵穴の形を形成することが多かった。アクセスは垂直のシャフトを介して行われ、埋葬が完了すると封鎖された。部屋の中には棺と副葬品を置く場所があった。塚は埴輪と呼ばれるテラコッタの像で飾られることが多かった。この時代の後半には、塚は平地に設置されるようになり、規模が大幅に拡大した。奈良と大阪には数多くの古墳があるが、その中でも最も有名なのは仁徳天皇陵とされる大仙古墳である。この古墳は32ヘクタールの広さがあり、2万体の埴輪で飾られていたと考えられている。^[9]

古墳時代の終わりごろには、仏教の火葬儀式が普及するにつれて、墓での埋葬は衰退していった。^[9]

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  佐賀県吉野ヶ里町の復元された高床建物、2世紀または3世紀
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  吉野ヶ里の復元竪穴住居跡
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  静岡県塘路町の復元穀物倉庫
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  吉野ヶ里の高床式建物の復元
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  大仙陵古墳大阪府5 世紀

飛鳥時代の建築の変化に最も大きく貢献したのは仏教の導入でした。新しい寺院が信仰の中心となり、墓の埋葬習慣は急速に禁止されました。^[9]また、仏教は恒久的な神社の考え方をもたらし、神道建築に現在の語彙の多くを与えました。

日本に現存する最古の建造物の中には、この時代に建てられた仏教寺院がある。世界最古の木造建築物は、奈良の北東にある法隆寺にある。7世紀初頭に聖徳太子の私寺として建てられたもので、 41の独立した建物から構成されている。最も重要な金堂と五重塔は、屋根付きの回廊に囲まれたオープンエリアの中央に建っている。金堂は中国の礼拝堂のスタイルで、柱と梁の構造の2階建てで、入母屋、つまり陶磁器の瓦屋根で覆われている。^{[14] [15]}

現在の奈良県である平城京は、708年に日本初の常設の首都として建設されました。市松模様の街路や建物の配置は、中国の首都長安をモデルにしています。この都市はすぐに日本における仏教信仰の重要な中心地となりました。^[16]これらの寺院の中で最も壮大だったのは東大寺で、中国の唐と隋の寺院に匹敵するものとして建てられました。^[17]本堂に祀られている高さ16.2メートルの仏像または大仏（752年に完成）は、東大寺が朝廷が支援する仏教の中心地であり、日本中に仏教が広められた場所であったのと同様に、仏陀の真髄を表す姿である盧舎那仏です。オリジナルの像はわずかな断片のみが残っており、現在の堂と中央の大仏は江戸時代の再建です。なだらかな丘の中腹にある本堂（大仏殿）の周りには、法華堂（法華経堂）^{[9] 、}正倉院と呼ばれる蔵、隣接する興福寺など、いくつかの副堂が集まっています。興福寺は、752年の寺の落成式で使用された道具や、政府の文書、皇室が所有していた多くの世俗的な品々が保管されているため、美術史の宝庫として非常に重要です。^[18]

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  奈良県斑鳩町法隆寺の金堂と五重塔7世紀建立
  
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  奈良県斑鳩法起寺 塔706 年建立
  
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  奈良県奈良市薬師寺の五重塔。730年に建立。
  
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  奈良県東大寺 法華堂創建
  743 年
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  奈良県東大寺の正倉院
  8世紀建立
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  奈良県唐招提寺の金色堂8世紀建立
  

全国に広がる仏教寺院のネットワークは建築や文化の探究のきっかけとなったが、同時に僧侶の権力と影響力の増大にもつながった。桓武天皇はこの影響から逃れるため、まず長岡京、次に平安京（現在の京都）に都を移すことを決意した。都市の配置は奈良に似ており、中国の先例に触発されていたが、宮殿、寺院、住居には日本の地元の趣味の例が見られるようになった。^[19]

石、モルタル、粘土などの重い材料は建築材料として使われなくなり、シンプルな木製の壁、床、間仕切りが普及しました。杉などの在来種は木目が目立つため内装仕上げ材として人気があり、松やカラマツは構造材としてよく使われました。レンガの屋根瓦やヒノキと呼ばれるヒノキの一種が屋根に使われました。^[20]この時期に、屋根の排水問題に対する日本独自の解決策である隠し屋根が採用されました。 ^[21]

都の建物が大型化するにつれ、伝統的な大きさと比率の尺度である間（けん）に従って等間隔に並べられた柱に依存する建築様式が生まれた。皇居の紫宸殿は、寝殿造りとして知られる後の貴族建築様式の先駆けとなった様式を示している。この様式は、中庭を定義する腕のように配置した左右対称の建物が特徴である。この庭園は、借景を利用して、広い景観と調和しているように見えた。建物のサイズが徐々に大きくなるにつれて、標準的な測定単位が確立され、レイアウトと庭園のデザインが洗練されていった。^[19]

894年、遣唐使が廃止されて日本は中国文化と距離を置くようになり、日本の風土や美意識に合った国風文化が花開いた。この時代の貴族の住居の建築様式である寝殿造りは、日本建築の独自性を示すものであり、その後の日本建築の特質を決定づけるものとなった。その特徴としては、扉や襖・すだれで開閉する壁の少ない開放的な構造、靴を脱いで高床式で家の中に入る構造、椅子やベッドを使わず畳の上に座ったり寝たりすること、陶器の瓦ではなく檜皮を集成材とした屋根、柱に塗装を施さない自然の風合いなどがあげられる。^{[1] [2] [3]}日本の気候や美意識に合わせて発展した和洋と呼ばれる仏教建築様式が確立されました。 ^[22]

空海（弘法大師の諡号で最もよく知られている、774-835）は、真言宗を学ぶために中国に渡り、806年に日本に伝えた。真言宗の信仰の中心にあるのは、さまざまな曼荼羅、つまり精神世界を描いた図であり、寺院の設計に影響を与えた。^[9]この新しい宗派のために建てられた寺院は、首都の朝廷や在家信者から遠く離れた山中に建てられた。これらの場所の不規則な地形は、設計者に寺院建設の問題を再考させ、そうすることでより土着的な設計要素を選択することを余儀なくさせた。^[23]

この頃、仏教寺院の建築様式が神社の建築様式に影響を与え始めた。例えば、神社では仏教寺院と同様に、通常は未塗装の木材に特徴的な朱色を塗るようになった。 [ ^23]

平安時代後期には、民家様式の民家が初めて記録に残る。民家は地元の資材や労働力を使用し、主に木造で、土間と茅葺き屋根が特徴であった。^[24]

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  京都宇治平等院鳳凰堂1053
  年建立
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  宇治上神社、京都府宇治市
  1060年建立
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  厳島 神社 本殿広島県 廿日市市
  1168 年建立
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  一乗寺塔兵庫県加西市1171年建立
  
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  鳥取県三朝市三佛寺投入堂
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  典型的な民家風の合掌造り農家

鎌倉時代（1185–1333）とそれに続く室町時代（1336–1573）の間に、日本の仏教建築は技術的な進歩を遂げ、中国のものとは異なっていました。耐震性、大雨や夏の暑さや日差しからの保護などの現地の要件に応えて、この時代の棟梁は独自の建築様式で応え、^[25]大仏様と禅宗様の様式を生み出しました。^{[26] [27] [28]}和洋様式は大仏様と禅宗様と組み合わされて新和洋様式と節中様様式を生み出し、14世紀以降は純粋な和洋様式の寺院の数は減少しました。 ^[29]

鎌倉時代は、日本の権力が朝廷から鎌倉幕府に移ったことから始まった。源平合戦（1180-1185）の間、奈良と京都の多くの伝統的な建造物が被害を受けた。例えば、興福寺と東大寺は1180年に平氏の平重衡によって焼き払われた。これらの寺社の多くは、後に鎌倉幕府によって再建され、将軍の権威を強化した。^[9]

鎌倉時代の建築は平安時代ほど精巧なものではなかったが、軍事秩序との関連から簡素さが特徴であった。新しい住宅は狭い堀や柵で囲まれた建物を伴う武家造りの様式を採用した。防御が優先され、建物は庭の周りではなく、一つの屋根の下に集められた。平安時代の家の庭はしばしば訓練場となった。^[30]

1333年に鎌倉幕府が滅亡した後、足利幕府が成立し、後に室町京都に本拠地を置いた。幕府が朝廷に近かったため、社会の上層部では競争が起こり、贅沢な品物やライフスタイルを求める傾向が生まれた。貴族の住宅は、シンプルな武家造りから、それ以前の寝殿造りに似せて作られた。この派手な建築の好例は、京都の金閣寺で、シンプルな構造と素朴な樹皮の屋根とは対照的に、漆と金箔で装飾されている。 ^[30]

室町時代になると、貴族の住宅の主流であった寝殿造りが衰退し、武家住宅の武家造から発展した書院造が主流となった。書院造はその後の日本の住宅にも影響を与え、現代の日本の住宅の基礎となっている。古い建築様式では、畳は部屋の一部にしか敷かれていなかったが、書院造では部屋全体に畳が敷かれた。この様式では、部屋を仕切るために襖が用いられ、木製の雨戸の内側には、日光を通す紙を木枠に貼った障子と呼ばれる内窓が設けられた。室内には、さまざまなものを飾るための床の間や違い棚が設けられた。^{[4] [5]}

上流階級の過剰な贅沢を抑制するために、禅僧は茶道を導入しました。建築においては、茶室のデザインはシンプルなディテールと素材で控えめなものになりました。^[30]典型的な茶室の大きさは4.5畳です。 [ ^{31] [32]}

庭園では、禅の原理により水の代わりに砂や砂利が使用され、龍安寺のような枯山水庭園が作られました。 [ 33 ^]

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  兵庫県 大野市浄土寺浄土堂建久4年（1194 年）
  
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  和歌山県 高野山壇上伽藍 不動堂建久
  1197 年（1197 年）建立
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  京都三十三間堂
  1266年建立
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  山口県下関高山寺仏殿
  1320 年建立
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  東京・聖福寺、1407年完成
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  銀閣寺、京都
  15世紀に建立
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  和歌山県岩出の根来寺塔1547年建立。
  
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  京都の龍安寺枯山水庭園
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  京都天龍寺の庭園

安土桃山時代（1568-1600年）には、長い内戦の末、日本は統一の道を歩んだ。織田信長と豊臣秀吉の統治が特徴で、彼らは権力の象徴として城を建てた。信長は政権の所在地である安土に、秀吉は桃山に城を建てた。室町時代の応仁の乱は、日本の城郭建築の隆盛をもたらした。安土桃山時代には、各藩が1つの城を持つことが許されていた。典型的には、中央の塔または天守（天守、文字通り、天守は天守の防御を意味し、周囲を庭園と要塞化された建物が囲む）で構成されていた。これらはすべて巨大な石垣に囲まれ、深い堀に囲まれていた。城の暗い内部は芸術家によって装飾されることが多く、空間は襖や幟で仕切られていた。^[9]

室町時代の書院造りは洗練され続けた。ベランダは住宅の内部と高度に整備された外部の庭園を繋ぐものとなった。襖や屏風は絵画で高度に装飾されるようになり、棚や床の間（床の間）のある内部の部屋には芸術作品（通常は掛け軸）が展示されることが多かった。^[9]

この時期には、茶室の影響を受けて数寄屋造りの別荘が登場した。 [ ^6]

松本城、熊本城、姫路城（通称白鷺城）は、この時代を代表する城郭の好例である。一方、京都の二条城は、皇居の建築と城郭建築が融合した例であり、前世紀の中国の影響をより反映したスタイルを生み出している。^[33]

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  兵庫県姫路市にある姫路城。1618年に完成。
  
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  長野県松本市にある松本城。
  1600年に完成。
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  1600年に完成した熊本城の石垣。
  
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  京都二条城二の丸御殿
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  17世紀の六面の屛風

徳川幕府は江戸（後の東京）を首都とした。幕府は堂々とした城郭を築き、その周囲に行政機関や地方の大名の屋敷を建てた。街はこれらの建物の周囲に道路や運河のネットワークで結ばれ、発展していった。1700年までに人口は100万人にまで膨れ上がった。住宅建築のためのスペースが不足していたため、家屋は2階建て、石の台座の上に建てられることが多かった。^[33]

町家は平安時代から存在していたが、江戸時代に洗練され始めた。町家は一般的に道路に面した奥行きの狭い敷地に建てられ（敷地の幅は所有者の富の指標となることが多い）、1階には作業場や店舗が設けられていた。屋根には茅葺きではなく瓦が使用され、露出した木材には火災から建物を守るため漆喰が塗られることが多かった。^[34]松平忠政の上屋敷や大曽根下屋敷など、領主の富と権力を示す派手な建物が建てられた。

江戸は壊滅的な火災に見舞われ、1657年の明暦の大火は都市計画の転換点となった。当初、延焼を防ぐ方法として、幕府は市内の川沿いに少なくとも2か所石積みの堤防を築いた。時が経つにつれて、これらは取り壊され、防火帯として、また運河から降ろした品物を保管する倉庫として使われた土蔵に置き換えられた。土蔵は、木材でできた構造フレームに、壁、扉、屋根を何層にも重ねた土器で覆って建てられた。土器の屋根の上には、瓦屋根を支える木材の枠組みがあった。^[35]出島のオランダ人居留地で学んだ日本人は、石とレンガで建てることを主張したが、地震に弱いという理由でそれは実行されなかった。^[36] 後期の町家や土蔵は、外壁の漆喰が黒っぽいのが特徴である。この色は、焼いた石灰と砕いた牡蠣の殻に墨汁を加えて作られました。 ^[37]

江戸の民間建築のすっきりとしたラインは、住宅建築の数寄屋様式に影響を与えました。京都郊外の桂離宮や修学院離宮は、この様式の良い例です。これらの建築は、シンプルなラインと装飾を持ち、天然の木材を使用しています。 ^[38]数寄屋様式は、別荘だけでなく、料亭や茶室にも適用され、後に住宅にも適用されました。^[6]

参勤交代の末期には、大名に江戸に住居を維持することを要求する法律が廃止され、その結果江戸の人口が減少し、それに伴って幕府の収入も減少した。^[39]

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  島根県松江市にある松江城の天守。1607年に建てられた。
  
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  青森県弘前市弘前城天守1611年竣工
  
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  滋賀県彦根市にある彦根城。1622年に完成。
  
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  京都清水寺本堂1633年建立
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  滋賀県大津 延暦寺根本中堂1641年建立
  
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  栃木県 日光市東照宮陽明門
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  京都桂離宮の松琴亭内部
  17世紀に建てられた
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  高知県高知市にある高知城の天守。1748年に建てられた。
  
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  兵庫県姫路市にある圓教寺の三つの堂。18世紀に完成。
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  上階まで黒塗りの町家

徳川幕府の末期には、軍事や貿易、特に海軍や産業施設に関連した建物に西洋建築の影響が見られるようになった。明治天皇が復位した後（明治維新として知られる）、日本は急速に西洋化を進め、学校、銀行、ホテルなど新しいタイプの建物が必要となった。^[40] 明治初期の建築は、当初、香港などの中国の条約港の植民地建築の影響を受けていた。長崎では、英国人貿易商トーマス・グラバーが地元の大工の技術を使って、まさにそのような様式で自宅を建てた。彼の影響は、建築家トーマス・ウォーターズ [ja]のキャリアに役立ち、ウォーターズは1868年に大阪造幣局を設計した。中央にペディメントのある 柱廊玄関のある、レンガと石でできた長くて低い建物だった。^[41]東京では、ウォーターズは東京初のレンガ造りの建物と考えられている商業博物館を設計した。^[42]

東京では、 1872 年に築地地区が全焼した後、政府は銀座地区を近代化のモデルに指定しました。政府は、耐火レンガ造りの建物、新橋駅と築地の外国人居留地、および重要な政府庁舎を結ぶより大きくてより優れた道路の建設を計画しました。この地区の設計は、英国の建築家トーマス ジェームズ ウォーターズによって提供され、大蔵省の建設局が建設を担当しました。翌年、西洋風の銀座が完成しました。「レンガ街」の建物は、最初は売りに出され、後に賃貸されましたが、家賃が高かったため、多くの建物が空き家のままでした。それでも、当時の流行をリードしていた新聞社や雑誌社の存在により、この地区は「文明開化」の象徴として繁栄しました。この地区は、現代のマーケティング手法の例であるウィンドウ ディスプレイでも知られていました。銀座の「レンガ街」は、日本の他の多くの都市の近代化計画のモデルとなりました。

初期の西洋建築の代表例の一つは、1883年に完成した東京の2階建ての大きな建物である鹿鳴館であり、明治時代の西洋化の象徴として物議を醸した。外務大臣井上馨の依頼で外国人の宿泊所として建てられたこの建物は、明治日本の著名な外国政府顧問（おやとい外国人 ）であるジョサイア・コンドルによって設計された。凌雲閣は日本初の西洋風の高層ビルで、1890年に浅草に建てられた。しかし、皇居宮殿などの新しい建物には、庭園の噴水などの象徴的な西洋の要素はあるものの、伝統的な建築様式がまだ採用されていた。 ^[43]

ウォーターズの新古典主義建築とは対照的に、日本の大工たちは主に木材を使った擬洋風建築 [44] を開発した。^その好例が、 1876年に建てられた長野県の開智小学校である。棟梁の立石清重は東京に赴き、西洋建築の流行様式を視察し、伝統的な建築手法でそれを学校に取り入れた。伝統的な倉造りの建物に似た方法で建てられたこの木造の建物は、内外ともに漆喰塗りで、八角形の中国風の塔を組み込んでおり、隅には石のような隅石がある^[45] 。壁の土台には伝統的ななまこ塗りが使われ、建物が石の土台の上に建っているような印象を与えている^[46] 。もう一つの例は、1872年に建てられた東京の第一国立銀行の建物である^[47]。

日本政府はまた、日本で働き、新しい日本の建築家を指導するために外国人建築家を招聘した。これらのうちの一人、イギリス人建築家ジョサイヤ・コンドル [ja]は、辰野金吾、曽禰達三、片山東熊など、明治時代の日本の最も著名な建築家の多くを育てた。辰野の初期の作品はジョン・ラスキンの影響を受けたヴェネツィア様式であったが、日本銀行（1896年）や東京駅（1914年）など後期の作品はよりボザール様式の雰囲気を持っている。^[48]一方、片山はフランスの第二帝政様式の影響をより強く受けており、それは奈良国立博物館（1894年）や京都国立博物館（1895年）に見ることができる。^[49]

1920年、若い建築家のグループが最初のモダニズム建築家の組織を結成しました。彼らは分離派と呼ばれ、文字通り「分離派」と呼ばれ、ウィーン分離派に一部影響を受けました。これらの建築家は、歴史的なスタイルや装飾への依存を懸念し、代わりに芸術的な表現を奨励しました。彼らは表現主義やバウハウス^[50]などのヨーロッパの運動から影響を受け、国際モダニズム様式の導入への道を切り開きました。 ^[51]

大正から昭和初期にかけて、二人のアメリカ人建築家が日本で働いていた。一人目はフランク・ロイド・ライトで、帝国ホテル（1913-1923）とヨドコウ迎賓館（1924）を設計したが、どちらも地元で採掘された大谷石を使用している。^{[52]ライトには、1930年に}甲子園ホテルを建設した遠藤新など、多くの日本人弟子がいた。

2人目はアントニン・レーモンド。ライトの下で帝国ホテルの設計に携わった後、東京で独立。東京女子大学などの初期の作品にはライトの影響が見られるものの、^[53]すぐに現場打ち鉄筋コンクリートの使用を試み、日本の伝統的な建築手法を彷彿とさせるディテールを描き出した。^[54] 1933年から1937年までブルーノ・タウトが日本に滞在した。彼の著作、特に桂離宮に関する著作は、日本の伝統的な建築を再評価し、より幅広い読者に広めた。^[55]

明治時代と同様に、ヨーロッパで活動する日本人建築家たちは海外での経験を積んでいた。その中には、パリのル・コルビュジエのアトリエで働いた前川國男や坂倉準三、ヴァルター・グロピウスのもとで働いた山口文三や倉田親忠などがいた。^[55]

建築家の中には、公共建築の作品で名声を築いた者もいる。レーモンドと同時代の村野藤吾は合理主義の影響を受け、東京の森五商店ビル（1931年）や山口県宇部市公会堂（1937年）を設計した。同様に、吉田鉄郎の合理主義近代建築には、東京中央郵便局（1931年）や大阪中央郵便局（1939年）がある。^[51]

日本ではモダニズムに反抗したのが、いわゆる帝冠様式（ていかんようしき）であった。この様式の建物は、渡辺均設計の東京帝国博物館（1937年）や名古屋市役所、愛知県庁舎など、日本風の屋根を持つのが特徴であった。軍国主義が強まる政府は、主要な建物は「日本様式」で設計することを主張し、モダニズム設計の機会は山口文三設計の黒部ダム第二発電所（1938年）などのインフラ整備に限られていた[ 56 ^]。^[57]

第二次世界大戦中および戦後には、鹿鳴館など明治、大正、昭和時代の建物が多数失われました。建築家の谷口吉郎（1904-79）と土川本氏は1965年に名古屋近郊に明治村を設立し、救出された多数の建物を復元しました。同様の博物館に江戸東京たてもの園があります。

植民地当局は多数の公共建築物を建設し、その多くが現存している。例えば、台北市中正区中心部のケタガラン大道の大規模な構想には、総督府、台湾総督府博物館、台湾大学病院、台北迎賓館、司法院、勧業銀行、三井物産の建物が建ち並んでいる。また、啓東街には小規模な住宅も数多く見られる。

日本統治下の韓国では、駅や市庁舎などの公共建築物も様々な様式で建てられました。最大の日本統治時代の建物である巨大な総督府庁舎は1995年に取り壊されましたが、多くの植民地時代の建物が保存されています。その中には、現在のソウル図書館となっている旧京城市庁舎、現在の旧ソウル駅となっている旧京城駅、現在の韓国銀行本店となっている辰野金吾設計の旧朝鮮銀行、現在の新世界百貨店本店となっている旧三越百貨店支店などがあります。

1904年から1905年の日露戦争で大連を制圧した後、日本は「大広場」に近代的な建物を建ててロシアが建設した都市の建設を続けた。傀儡国家の満州国が征服され建国されると、首都新京の建設計画に莫大な資金と労力が投入された。植民地時代に建てられた多くの公的建物は、満州国の八大省、皇居、関東軍司令部、大同大道 など、今日でも残っている。

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  1919年に建てられた台北の総統府
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  1921年に建てられた台北の国立台湾大学病院
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  台北にある台北ゲストハウス。1901年に建てられました。
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  1915年に建てられた台北の統制院ビル
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  1915年に建てられた台北の国立台湾博物館の建物
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  1934年に建てられた台北の司法院ビル
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  1915年に建てられた台北の専売局ビル
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  1937年に建てられた台北の旧大阪商船（現商船三井）事務所ビル
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  台中にある台中県庁舎。1913 年に建てられた。
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  台中市役所（1911年建造）
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  1916年に建てられた台南の国立台湾文学館の建物
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  ソウル市立図書館、1925年に建てられた
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  満州国会議事堂、長春
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  ユジノサハリンスク博物館、1937年に完成
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  中国銀行大連支店、1909年に妻木頼仲が設計
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  京都国立博物館、片山東熊設計、1895年建造
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  日本銀行、東京、辰野金吾、1896年建造
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  大阪府立中之島図書館、大阪、野口孫一 [ja]、1904年建造
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  帝国ホテル、東京、フランク・ロイド・ライト、1913年から1924年にかけて建設
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  住友ビル、大阪、長谷部栄吉 、 1924年建築
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  東京の国会議事堂、矢橋健吉、大隈義邦 、 1936年建造
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  愛知県庁舎、西村好時、渡辺仁 、 1938年建築
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  黒部ダム第二発電所、山口文三 [ja]、1938年建設
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  釜山の正蘭閣、1943年に建てられた

戦後、連合国最高司令官ダグラス・マッカーサー元帥の影響下で、日本の政治と宗教生活は非武装で民主的な国となるよう改革された。1947年に新憲法が制定されたが、朝鮮戦争が始まるまで日本（米国の同盟国）は工業製品の製造によって経済成長を遂げることはなかった。^[58] 1946年、慢性的な住宅不足に対処するためにプレハブ住宅協会が結成され、前川國男などの建築家が設計を提出した。しかし、1951年に公営住宅法が可決されるまで、民間部門による住宅建設は政府によって法的に支援されることはなかった。^[59]また、1946年には、戦災復興委員会が13の日本の都市の復興案を提示した。建築家丹下健三は広島と前橋の案を提出した。^[60]

1949年、丹下は広島平和記念資料館の設計コンペで優勝し、国際的な評価を得た。このプロジェクト（1955年完成）は、高松の香川県庁舎（1958年）や旧倉敷市役所（1960年）など、一連の委託作品につながった。この頃、丹下と前川はともに日本建築の伝統と地域性の影響に興味を持っていた。香川では、平安時代のデザイン要素とインターナショナル・スタイルが融合し、それがよく表れていた。^[61]

1955年、ル・コルビュジエは日本政府から東京の国立西洋美術館の設計を依頼された。彼は前川、坂倉、吉阪隆正という3人の教え子の助けを受けた。設計はアフマダーバードのル・コルビュジエ美術館をモデルにしており、両美術館とも四角くピロティの上に建てられている。^[62]

丹下の影響もあって、1960年の世界デザイン会議が東京で開催された。メタボリズム運動を代表する日本のデザイナーの小グループが、マニフェストと一連のプロジェクトを発表した。グループには、建築家の菊竹清訓、大高正人、黒川紀章、槇文彦が含まれていた。もともとバーントアッシュスクールとして知られていたメタボリストたちは、再生と再生の理念を掲げ、過去の視覚的表現を拒否し、個人、家、都市はすべて単一の有機体の一部であるという考えを推進した。グループのメンバーは数年後にはそれぞれの方向に進んだが、彼らの出版物は永続的であったため、海外での存在感は長かった。メタボリズムの国際的なシンボルであるカプセルは、1960年代後半にアイデアとして登場し、1972年に東京の黒川の中銀カプセルタワーで実証された。 ^[63]

1960年代、日本では清水建設や鹿島建設などの大手建設会社が台頭し、拡大しました。日建設計は、メタボリズムデザインの要素を建物に取り入れる総合企業として登場しました。^[64]

1964年の東京夏季オリンピックでは、新しいデザインが大きく推進されました。会場が建設され、1961年から1964年にかけて丹下健三によって建設された国立代々木競技場は、神社の伝統的な要素を思い起こさせる吊り屋根のデザインで有名なランドマーク的建造物となりました。その他の建造物には、日本武道館、駒沢体育館などがあります。オリンピックは、第二次世界大戦の破壊からの日本の再興を象徴し、日本の建築に対する新たな自信を反映しました。

1960年代には、建築の世界をメタボリズムの観点から見なかった建築家もいた。例えば、篠原一男は小規模な住宅プロジェクトを専門とし、空間、抽象、象徴の観点からシンプルな要素を持つ伝統的な建築を探求した。アンブレラハウス（1961年）では、土間（土を敷いた内部の床）と居間と寝室の畳の空間的な関係を探求した。この関係は、キッチンエリアに土を敷いた土間のある家（1963年）でさらに探求された。白い家（1966年）のデザインを固定するために屋根を使用した彼のデザインは、フランク・ロイド・ライトのプレーリーハウスと比較されている。篠原はこれらの抽象化を「3つのスタイル」として探求したが、これは60年代初頭から70年代半ばまで続くデザインの時代だった。^[65]

丹下健三のもとで働いていた磯崎新は、当初はメタボリズム運動に興味を持ち、空中都市（1961年）や未来都市（1962年）といった革新的な理論的プロジェクトを手がけた。しかし、すぐにこの運動から離れ、ジェームズ・スターリングの作品に似たマニエリスム的なアプローチへと移行した。この傾向は、数学的なグリッド、コンクリート構造、露出した設備を備えた福岡相互大分支店（1967年）で特に顕著であった。群馬県立博物館（1971-74年）では、外壁パネルと窓枠で表現された二次グリッドが立方体の要素（一部は12メートル四方）を重ねる実験を行った。このパネルのリズムは、東京西洋美術館のコルビュジエのディテールに影響されたのかもしれない。^[66]

日本の都市にはヨーロッパのような広場や広場がなく、街路の日常的な営みと人々の関係が強調されることが多い。槇文彦は建築と都市の関係に関心を持った多くの建築家の一人で、これは大阪府立体育センター（1972年）や東京のスパイラル（1985年）などの作品に見ることができる。同様に、会田健文（ArchiTextとして知られるグループのメンバー）はメタボリズム運動の考えを否定し、都市記号学を探求した。^[67]

70年代後半から80年代前半にかけて、安藤忠雄の建築と理論的な著作は、批判的地域主義という考え方、つまり建築の中で地域や国の文化を促進するという考え方を探求した。安藤のこの解釈は、日本の住宅と自然を再び結びつけるという彼の考えによって示された。彼はこの関係はモダニズム建築で失われたと考えていた。彼の最初のプロジェクトは、囲まれた中庭のある小さな都市住宅だった（1976年の大阪の東邸など）。彼の建築はコンクリートの使用を特徴としているが、彼にとって、時間とともに変化する光とコンクリートや他の材料との相互作用を作品の中で利用することは重要だった。^{[68]自然との融合に関する彼の考えは、}六甲山の急峻な敷地にある六甲ハウジング1（1983年）や北海道トマムの水上の教会（1988年）などのより大規模なプロジェクトにうまく反映された。^[69]

80年代後半には、いわゆる「篠原派」の建築家による最初の作品が発表された。この中には、都市生活と現代都市に興味を持っていた伊東豊雄と長谷川逸子も含まれていた。伊東は、光や風などの自然要素とテクノロジーを融合させた「風の塔」（1986年）などのプロジェクトで、都市の「都市遊牧民」のダイナミズムとモビリティに焦点を当てた。長谷川は、彼女が「もう一つの自然としての建築」と呼ぶものに焦点を当てた。藤沢の湘南台文化センター（1991年）は、自然環境と新しいハイテク素材を組み合わせたものだった。^[70]

80年代後半の非常に個性的な建築家には、高松伸の記念碑的な建築物や高崎正治の「宇宙的」な作品などがある。^[71] 1970年代にオーストリアの建築家ギュンター・ドメーニヒと仕事をした高崎は、ドメーニヒの有機的な建築を共有している。1991年に鹿児島県に建設されたコンクリート造りのゼロ・コスモロジー・ハウスには、中央に瞑想的な卵形の「ゼロ空間」がある。^[72]

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  神奈川県立図書館・音楽堂（横浜市）1954年建築
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  長崎二十六聖人記念館と記念碑、1962年建立
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  神戸ポートタワー、神戸、1963年建設
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  東邸、大阪、1976年建築
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  キリンプラザ（大阪）1987年建設（現在は取り壊し）
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  ゼロハウス、鹿児島、1991年建築

平成時代は、それまで日本経済を牽引してきたいわゆる「バブル経済」の崩壊とともに始まった。商業建築の依頼は事実上枯渇し、建築家はプロジェクト提供を政府や都道府県の組織に頼るようになった。^[73]

湘南台文化センターの要素を基に、長谷川逸子は日本各地で数多くの文化施設やコミュニティセンターの設計を手掛けた。その中には、すみだ文化センター（1995年）や袋井コミュニティセンター（2001年）などがあり、そこで彼女は設計プロセスに一般の人々を参加させながら、外壁を通して内部に差し込む光について独自のアイデアを探求した。^{[74] 1995年の}せんだいメディアテークのコンペで優勝した伊東豊雄は、ガラスで覆われた7階建ての建物を支える「海藻のような」柱で、近代都市における流体力学についての以前の考えを引き継いだ。^[75]この時期の後期の作品、例えば2007年の東京の多摩美術大学図書館は、彼の初期の作品の工学的な美学ではなく、より表現力豊かな形態を示している。^[76]

安藤忠雄はコンクリート建築で有名になったが、1992年のセビリア万博の日本館の設計から10年をスタートさせた。この建物は「世界最大の木造建築」と称賛された。その後も、兵庫県香美市にある木の文化博物館（1994年）や西条の光明寺（2001年）などのプロジェクトでコンクリート建築を使い続けた。^{[77] [78]}

イギリスの事務所であるフォーリン・オフィス・アーキテクツは、1994年に横浜国際港ターミナルの設計国際コンペで優勝した。この建物は周囲の街から浮かび上がる波打つ構造で、建物の上を歩くことも、中に入ることもできる。^[79]クライン・ダイサム・アーキテクチャーは、日本で確固たる地位を築くことに成功した数少ない外国人建築家の1つである。2004年に山梨県小淵沢に建設された共同浴場「もくもく湯」は、円形のプールと脱衣室が連続して連なり、平らな屋根と色のついた垂直の木材で覆われている。^[80]

1995年の神戸地震の後、坂茂は「紙の家」と名付けられた避難所を迅速に建設するために使用できる段ボールの筒を開発した。また、その救援活動の一環として、彼は高さ5メートルの段ボールの筒58本を使用して、傘のように開く張力のある屋根を持つ教会を設計した。教会はローマカトリックのボランティアによって5週間で建てられた。^[81]ノマディック博物館では、坂は輸送用コンテナで作られた壁を4段に積み上げ、コーナーでツイストコネクタで接続して、固体と空洞のチェッカーボード効果を生み出した。補助スペースは紙の筒とハニカムパネルで作られた。博物館は分解できるように設計されており、その後ニューヨークからサンタモニカ、東京、メキシコに移動した。^[82]

歴史家で建築家の藤森照信が1980年代に東京で発見されたいわゆる建築的珍品について研究したことは、アトリエ・ワンの創設者のような若い世代の建築家の作品に影響を与えた。塚本由晴と鹿島桃代は2001年に出版した著書『Made in Tokyo』のために、東京の「ダメな」建築を調査した。彼らの作品は、東京の文脈を遮断するのではなく、むしろそれを受け入れることを目指している。東京の彼らのオフィスは狭い敷地にあるが、彼らは大きな窓と広々としたポーチで東京を歓迎している。^[83]

藤本壮介の建築は、基本的な構成要素を巧みに組み合わせて幾何学的な原始主義を生み出している。彼の建築は周囲の地形に非常に敏感で、北海道の一連の住宅や児童養護施設もその例である。^[84]

伊東豊雄のもとで働いていた妹島和世と西沢立衛の二人は、1995年にSANAAという共同組合を結成した。彼らは、居住者の流動性と動きを露わにする軽量で透明な空間を創り出すことで知られている。2001年に東京・渋谷にオープンした彼らのディオール店は、伊藤のメディアテークを彷彿とさせ、外壁にクールホワイトのアクリル板を張り、光をフィルタリングして店内の内容を部分的に見せていた。^[85]彼らの流動性のダイナミクスは、 2010年に完成したローザンヌ連邦工科大学のロレックス ラーニング センターに表れている。この建物は、2日間で一気に流し込まれた連続したコンクリートのシェル屋根の下に、波打つ床面を備えている。そのプランは、テーブルや中庭で区切られた生物学的な細胞のようである。^[86] 2009年に彼らはロンドンのサーペンタイン・ギャラリー・パビリオンを設計したが、これは細い柱で支えられた反射する浮遊するアルミニウム屋根で構成されていた。^[87]

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  光の教会、大阪府茨木市、1989年建造
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  1992年セビリア博覧会の日本館
  1992年に建設
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  兵庫県香美市木の文化博物館
  1994年建造
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  横浜国際港ターミナル
  1994年から2002年にかけて建設
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  紙の教会、神戸
  1995年建設
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  山梨フルーツ博物館
  1996年建造
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  多摩美術大学図書館、東京
  2007年建設

日本のインテリアデザインには、神道、道教、禅仏教、侘び寂びの世界観、特定の宗教的人物、西洋から派生した独特の美学があります。この美学は、西洋のスタイル、特にモダニズムに影響を与えています。

一般的に日本の美学として認識されているものは、日本の神道と中国の道教の理想に由来しています。^[88]日本文化は非常に多様ですが、インテリアの面では、その美学はシンプルさとミニマリズムの1つです。

The specific idea that a room's true beauty is in the empty space within the roof and walls came from Laozi, a philosopher and the founder of Taoism, who held to the "aesthetic ideal of emptiness",^[88] believing that the mood should be captured in the imagination, and not so heavily dictated by what is physically present.^[88] Japanese design is based strongly on craftsmanship, beauty, elaboration, and delicacy. The design of interiors is very simple but made with attention to detail and intricacy. This sense of intricacy and simplicity in Japanese designs is still valued in modern Japan as it was in traditional Japan.^[89]

Interiors are very simple, highlighting minimal and natural decoration. Traditional Japanese interiors, as well as modern, incorporate mainly natural materials including fine woods, bamboo, silk, rice straw mats, and paper shōji screens. Natural materials are used to keep simplicity in the space that connects to nature. Natural color schemes are used and neutral palettes including black, white, off-white, gray, and brown.^[90]

Impermanence is a strong theme in traditional Japanese dwellings.^[88] The size of rooms can be altered by interior sliding walls or screens, the already mentioned shōji. Cupboards built smoothly into the wall hide futon, mattresses pulled out before going to bed, allowing more space to be available during the day. The versatility of these dwellings becomes more apparent with changes of seasons. In summer, for example, exterior walls can be opened to bring the garden and cooling breezes in. The minimal decoration also alters seasonally, with a different scroll hanging or new flower arrangement.

The Japanese aesthetic developed further with the celebration of imperfection and insufficiency, characteristics resulting from the natural ageing process or darkening effect.^[91] Shinto, the indigenous religious tradition of Japan, provides a basis for the appreciation of these qualities, holding to a philosophy of appreciation of life and the world. Sei Shōnagon was a trend-setting court lady of the tenth century who wrote in 'The Pillow Book' of her dislike for "a new cloth screen with a colourful and cluttered painting of many cherry blossoms",^[91] preferring instead to notice "that one's elegant Chinese mirror has become a little cloudy".^[91] Her taste was not out of place in the ancient Japanese court. In the twelfth century a Buddhist monk, Yoshida Kenkō, exerted his influence on Japanese aesthetic sensibility resulting from his philosophy of life. He asked, "Are we to look at cherry blossoms only in full bloom, the moon only when it is cloudless? ...Branches about to blossom or garden strewn with faded flowers are worthier of our admiration."^[91] The incomplete is also praised by Kenkō, "uniformity and completeness are undesirable".^[91] Underpinning or complementing these aesthetic ideals, is the valuing of contrast; when imperfection or the impoverished is contrasted with perfection or opulence, each is emphasised and thus better appreciated.^[91]

Japanese interior design is very efficient in the use of resources. Traditional and modern Japanese interiors have been flexible in use and designed mostly with natural materials. The spaces are used as multifunctional rooms. The rooms can be opened to create more space for a particular occasion or for more privacy, or vice versa closed-off by pulling closed paper screens called shōji.^[92]

Japanese Zen interior designs draw inspiration from elements of nature as they have immense respect for nature. Their designs have a strong connection with natural elements such as wood, plants, natural lighting and more.

A large portion of Japanese interior walls are often made of shōji screens that can be pushed open to join two rooms together, and then close them allowing more privacy. The shōji screens are made of paper attached to thin wooden frames that roll away on a track when they are pushed. Another important feature of the shōji screen, besides privacy and seclusion, is that they allow light through. This is an important aspect to Japanese design. Paper translucent walls allow light to be diffused through the space and create light shadows and patterns.

Tatami mats are rice straw floor mats often used to cover the floor in Japan's interiors; in modern Japanese houses there are usually only one or two tatami rooms. Another way to connect rooms in Japan's interiors is through sliding panels made of wood and paper, like the shōji screens, or cloth. These panels are called fusuma and are used as an entire wall. They are traditionally hand painted.^[92]

Tatami are the basis of traditional Japanese architecture, regulating a building's size and dimensions. They originated in ancient Japan when straw was laid on bare earth as a softener and warmer. In the Heian period (794–1185), this idea developed into moveable mats that could be laid anywhere in the house to sit or sleep on before becoming a permanent floor covering in the fifteenth century.^[88] Tatami are suitable for the Japanese climate because they let air circulate around the floor.^[88][92]

Bamboo is prominently used and even expected in the Japanese house, used both for decorative and functional purposes. Bamboo blinds, sudare, replace shoji in summer to prevent excess heat inside and also offer greater ventilation. Country dwellings and farmhouses often use it for ceilings and rafters.^[88] The natural properties of bamboo, its raw beauty with the knots and smooth surface, correspond to Japanese aesthetic ideals of imperfection, contrast and the natural.

The use of paper, or washi, in Japanese buildings is a main component in the beauty and atmosphere of the Japanese interior, the way variation of shadow combines to create a "mystery of shadows".^[88] A range of papers are used for various purposes in the home.

Wood is generally used for the framework of the home, but its properties are valuable in the Japanese aesthetic, namely its warmth and irregularity.

A recessed space called tokonoma is often present in traditional as well as modern Japanese living rooms. This is the focus of the room and displays Japanese art, usually a painting or calligraphy.

After the Meiji Restoration of 1868, Japan's relations to Euro-American powers became more prominent and involved.^[93] This spilled into a broader interacting with the modern world, which in terms of interior design, resulted in the introduction of western style interiors, while the vernacular style came to be more associated with tradition and the past.^[93] The typical interiors found in Japanese homes and western homes in the late nineteenth and early twentieth centuries were vastly different with almost opposing attitudes to furniture, versatility of space and materials.^[93]

Many public spaces had begun to incorporate chairs and desks by the late nineteenth century, department stores adopted western-style displays; a new "urban visual and consumer culture" was emerging.^[93] In the domestic sphere, the manner and dress of inhabitants were determined by the interior style, Japanese or Western. One of the examples is the Hōmei-Den of the Meiji era Tokyo Imperial Palace, which fused Japanese styles such as the coffered ceiling with western parquet floor and chandeliers.

There was a push by bureaucrats for Japan to develop into a more "modern" (Western) culture. The modernising of the home was considered the best way to change the daily life of the people.^[93] Much of the reason for modernisation was a desire to "present a 'civilised' face to the world, thus helping to secure Japan's position as a modern nation in the world order".^[93] Even with governmental encouragement to transform the home, the majority of Japanese people still lived in fairly traditional style dwellings well into the 1920s,^[93] partly due to economic situation in the early 1910s that meant western style was out of reach for the majority of people. It was also difficult to incorporate furniture into traditional dwellings due to their small size and intended flexible use of space, a flexibility made difficult to maintain when bulky furniture was involved; it was impractical, but aesthetically incongruent too.

Some of the earliest influence on the West came in the form of Japanese art, which gained popularity in Europe in particular, in the latter part of the nineteenth century.^[94] In terms of architecture and interior design though, the influence on the West is much more centered on the United States of America.^[95]

Before the twentieth century, very little of the West's knowledge of the Japanese building was gained in Japan. Instead it was gained through exhibitions the Japanese partook in such as the 1876 Centennial International Exhibition in Philadelphia.^[95] The early influence of such exhibitions was more in the creation of an enthusiasm for things Japanese instead of something more authentic.^[95] The result was exuberant Japanese decoration, the simplicity of Japanese design lost in the clutter of Victorian ostentation.^[95]

During the twentieth century though, a number of now renowned architects visited Japan including Frank Lloyd Wright, Ralph Adams Cram, Richard Neutra and Antonin Raymond. These architects, among others, played significant roles in bringing the Japanese influence to Western modernism.^[95] Influence from the Far East was not new in America at this time. During the eighteenth and a large part of the nineteenth centuries, a taste for Chinese art and architecture existed and often resulted in a "superficial copying". The Japanese influence was different however. The modernist context, and the time leading up to it, meant that architects were more concerned with "the problem of building, rather than in the art of ornamenting".^[95] The simplicity of Japanese dwellings contrasted the oft-esteemed excessive decoration of the West. The influence of Japanese design was thus not so much that it was directly copied but rather, "the west discovered the quality of space in traditional Japanese architecture through a filter of western architectural values".^[96] The culture that created traditional Japanese architecture is so far removed from Western values philosophies of life that it could not be directly applied in a design context.

• Shinto architecture
• Japanese Buddhist architecture
• Japanese-Western Eclectic Architecture
• Japanese garden
• Architecture of Tokyo
• List of Japanese architects
• Architectural forgery in Japan
• Housing in Japan
• Giboshi

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