ディスコ

ディスコ
テキサス州アーリントンのディスコの天井
文体の起源	フィラデルフィアの魂 ファンク サイケデリックソウル ポップ
文化的起源	1960年代後半から1970年代前半、フィラデルフィアとニューヨーク市[1]
派生形	ユーロポップ ダンスポップ[2] [3] [4] 家（ガレージハウス） ポストディスコ ポストパンク ヒップホップ ニューウェーブ シンセポップ アシッドジャズ
サブジャンル
イタロディスコ コズミックディスコ ユーロディスコ スペースディスコ ハイNRG ディスコポロ ニューディスコ
フュージョンジャンル
ダンスパンク ダンスロック フランスの家 ディスコポップ ファンキーハウス フューチャーファンク ディスコラップ
地域の情勢
フィリピン ヨーロッパ（イタリア ポーランド​
地元の風景
ニューヨーク市 フィラデルフィア マイアミ ワシントン D.C. サンフランシスコ ロサンゼルス モントリオール
その他のトピック
ディスコ アーティストリスト オールドスクールヒップホップ

ディスコは、 1960 年代後半にアメリカの都会のナイトライフシーンから生まれたダンス ミュージックのジャンルおよびサブカルチャーです。そのサウンドは、4 つ打ちのビート、シンコペーションされたベースライン、ストリング セクション、金管楽器とホルン、エレクトリック ピアノ、シンセサイザー、エレクトリックリズム ギターによって特徴付けられます。

ディスコという会場は主にフランスで発明されたもので、1960年大晦日にフランス人駐在員オリヴィエ・コクランがマンハッタンのイースト55丁目416番地に会員制のレストラン兼ナイトクラブ「ル・クラブ」をオープンしたことでアメリカに持ち込まれた。 ^[5]

ディスコ音楽というジャンルは、1960年代後半から1970年代中期から後半にかけて、ニューヨーク市（特にブルックリン）とフィラデルフィアで、アフリカ系アメリカ人、ヒスパニック系およびラテン系アメリカ人、ゲイのアメリカ人、イタリア系アメリカ人の間で人気の会場の音楽をミックスして始まった^{[6] 。ディスコは、当時の}ロック音楽の優位性とダンス音楽の汚名に対する1960年代のカウンターカルチャーの反応と見ることができます。 ^[要出典] 70年代のディスコが米国で人気を博した時期には、「ザ・バンプ」、「ザ・ハッスル」、「ザ・ウォーターゲート」、「ザ・バスストップ」など、いくつかのダンススタイルが開発されました。^[7]

1970年代には、ディスコミュージックは主に米国および欧州のアーティストによってさらに発展した。有名なアーティストにはビージーズ、 ABBA 、ドナ・サマー、グロリア・ゲイナー、ジョルジオ・モロダー、バカラ、ジャクソンズ、マイケル・ジャクソン、ボニーM、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、リック・ジェームス、ELO、^[8] アヴェレージ・ホワイト・バンド、チャカ・カーン、シック、KCアンドザ・サンシャイン・バンド、テルマ・ヒューストン、シスター・スレッジ、シルベスター、トランプス、バリー・ホワイト、ダイアナ・ロス、クール&ザ・ギャング、ヴィレッジ・ピープルなどがいる。^{[9] [10]}パフォーマーが世間の注目を集める一方で、舞台裏で活動していたレコードプロデューサーもこのジャンルの発展に重要な役割を果たした。 1970年代後半までには、米国の大都市のほとんどでディスコクラブが盛んになり、マンハッタンのスタジオ54などのクラブではDJがダンスレコードをミックスしていた。スタジオ54はセレブに人気の場所だった。ナイトクラブの常連客は、ダンス中の動きやすさを考慮して、主にゆったりとしたゆったりとしたパンツやドレスなど、高価で派手な衣装を着ていた。ディスコシーンではドラッグのサブカルチャーも盛んで、特にコカインやクアルーダなど、大音量の音楽と点滅する光に合わせて踊る体験を高めるドラッグが盛んだった。クアルーダはディスコのサブカルチャーで非常に一般的だったため、「ディスコビスケット」というあだ名がつけられた。ディスコクラブは、この時代の大衆史における性革命の反映として、乱交と関連づけられていた。サタデーナイトフィーバー（1977年）やサンキュー、フライデー（1978年）などの映画は、ディスコが主流になる一因となった。

ディスコは、1979年7月12日の悪名高いディスコ・デモリッション・ナイト以降、米国のポピュラー音楽における主要なトレンドとしては衰退し、 1980年代初頭には米国での人気も急激に低下し続けました。しかし、 1980年代を通じてイタリアや一部のヨーロッパ諸国では​​人気が衰えず、この時期にはインド^[11]や中東^[12]を含む他の場所でも流行し始め、ディスコの要素がガザルやベリーダンスなどの地域のフォークスタイルと融合しました。ディスコは最終的に、エレクトロニック・ダンス・ミュージック、ハウス・ミュージック、ヒップホップ、ニューウェーブ、ダンス・パンク、ポスト・ディスコの発展に重要な影響を与えるようになりました。このスタイルは1990年代以降に数回のリバイバルを遂げており、アメリカとヨーロッパのポップミュージック全体でディスコの影響は依然として強いままです。 2010年代初頭からリバイバルが進行しており、 2020年代初頭には非常に人気が高まっています。この復活に貢献したアルバムには、『コンフェッションズ・オン・ア・ダンスフロア』、『ランダム・アクセス・メモリーズ』、『フューチャー・ノスタルジア』、そしてカイリー・ミノーグのアルバム『ディスコ』などがある。^{[13] [14] [15] [16]}デュア・リパ、ブルーノ・マーズ、シルク・ソニックなどの現代のアーティストがこのジャンルの人気を継続し、まったく新しい若い世代に広めている。^{[17] [18]}

「ディスコ」という用語は、フランス語で「レコードの図書館」を意味する「bibliothèque」に由来する「discothèque」という単語の省略形です。1950 年代には英語でも「discotheque」という単語は同じ意味を持っていました。1940 年代初頭のナチス占領下でパリのナイトクラブがレコードをかけるようになった後、フランス語で「Discothèque」がパリのナイトクラブの一種を指すようになりました。クラブによっては、これを正式名称として使用していました。1960 年には、英語の雑誌でパリのナイトクラブを表すのにも使用されました。

オックスフォード英語辞典は、ディスコを「ダンスホール、ナイトクラブ、または同様の場所で、録音された音楽を演奏して踊る場所で、通常、大きなダンスフロア、精巧な点滅する色とりどりのライト、強力な増幅されたサウンドシステムを備えている」と定義しています。最も古い例は、1952年に特定の場所の名前として使用されたもので、他の例は1960年以降にさかのぼります。この項目には「現在ではやや時代遅れ」という注釈が付けられています。[ ^19]また、ディスコを「主にナイトクラブで踊ることを目的とした、1970年代半ばから後半にかけて特に人気があった、リズミカルなポップミュージックのジャンル」と定義し、1975年以降に使用され、ディスコの短縮形としての語源を説明しています。^[20]

1964年の夏、アメリカでは「ディスコドレス」と呼ばれる短い袖なしのドレスが一時的に大流行した。このドレスを「ディスコ」という略語で表現した最初の例は、1964年7月12日のソルトレイクシティ・トリビューン紙である。また、同年9月にはプレイボーイ^{誌がロサンゼルスのナイトクラブを表現するためにこの略語を使用した。 [21]}

ヴィンス・アレッティはディスコをサウンドや音楽ジャンルとして初めて説明した人物の一人である。彼は1973年9月13日のローリングストーン誌に掲載された特集記事「ディスコテーク・ロック '72: パーティー!」を執筆した。^[22]

この音楽は、エレクトリックピアノとエレクトリックギターで演奏される「チキンスクラッチ」リズムギターのバックグラウンド「パッド」の上に、高らかに響き渡る、しばしばリバーブのかかったボーカル（しばしばホーンでダブリングされる）を重ねたものが一般的である。ディスコでは、リードギターが使われることはロックほど多くない。「「ルースタースクラッチ」の音は、ギターの弦をフレットボードに軽く押し当て、すぐに離してわずかにミュートされたポーカー[音]が得られるまで、ブリッジのすぐ近くを絶えずかき鳴らすことで得られる。」^{[23]他のバックキーボード楽器には、}ピアノ、エレクトリックオルガン（初期）、ストリングシンセサイザー、フェンダーローズエレクトリックピアノ、ウーリッツァーエレクトリックピアノ、ホーナークラビネットなどの電気機械式キーボードがある。ドナ・サマーズの1977年の曲「I Feel Love」はジョルジオ・モロダーがプロデュースし、ビートにはモーグ・シンセサイザーが目立つように使われており、シンセサイザーが使用された最初のディスコ曲の一つであった。^[24]

リズムは、ベースギターで演奏される目立つシンコペーションされたベースライン（オクターブの分割、つまりオクターブの音が次々に鳴らされるものを多用する）と、ドラムキット、アフリカ/ラテンパーカッション、シモンズやローランドのドラムモジュールなどの電子ドラムを使用するドラマーによって作られる。フィリーダンスとサルソウルディスコでは、バイオリン、ビオラ、チェロ、トランペット、サックス、トロンボーン、フリューゲルホルン、フレンチホルン、イングリッシュホルン、オーボエ、フルート、ティンパニ、シンセストリングス、ストリングセクション、またはフルストリングオーケストラなど、さまざまなオーケストラ楽器によるソロラインとハーモニーパートでサウンドが豊かになった。^[要出典]

ディスコソングの大半は、バスドラムによる安定した4つ打ちのビート、オフビートでのオープンヒスハイハットを伴う8分音符または16分音符のハイハットパターン、そして重厚でシンコペーションされたベースラインから成っている。 ^{[25] [26] 1975年の}ハロルド・メルヴィン&ザ・ブルーノーツの曲「バッド・ラック」で、アール・ヤングのハイハットが大きすぎるという録音ミスがあり、これがディスコで大音量のハイハットが定着したと言われている。^[25]ルンバ、サンバ、チャチャチャなどの他のラテンリズムもディスコレコーディングに見られ、メレンゲに重ねられたルンバのビートなどのラテンポリリズムは一般的である。8分音符パターンはリズムギターなどの他の楽器によってサポートされることが多く、明示的に存在するというよりは暗示されることがある。

曲ではシンコペーションがよく使われます。シンコペーションとは、予期しないビートを強調することです。一般的に、ディスコやその他のダンスソングとロックやポップソングの違いは、ダンスミュージックではバスドラムが少なくとも1拍に1回は4つ床に当たることです（4/4拍子では1小節に4拍）。 ^[要出典]ディスコはさらに、4分音符を16分音符に分割する特徴があります（上の写真の2番目のドラムパターンに示すように、典型的なロックドラムパターンに倣っています）。

通常「ディスコ サウンド」として知られるオーケストラ サウンドは、弦楽器セクションとホルンが直線的なフレーズを演奏し、高揚する、しばしばリバーブのかかったボーカルや楽器のフィルと調和し、エレクトリック ピアノとチキン スクラッチ ギターがバックグラウンドの「パッド」サウンドを生み出してハーモニーの進行を決定づけるという特徴に大きく依存しています。通常、すべてのパートの重複と追加楽器の使用により、豊かな「サウンドの壁」が生まれます。ただし、ディスコには、楽器を減らして透明感のある、よりミニマリスト的な趣向もあります。

ハーモニー的には、ディスコ音楽には通常、メジャーセブンとマイナーセブンのコードが含まれており^{[要出典]、}ポップミュージックよりもジャズでよく見られます。^[27]

「ディスコ サウンド」は、1970 年代の他の多くのポピュラー音楽ジャンルよりも制作コストがはるかに高かった。1960年代後半のファンクやソウル ミュージックのシンプルな 4 人編成のバンド サウンドや、小さなジャズ オルガン トリオとは異なり、ディスコ ミュージックには、複数のコード楽器 (ギター、キーボード、シンセサイザー)、複数のドラムまたはパーカッション楽器 (ドラムキット、ラテン パーカッション、電子ドラム)、ホーン セクション、弦楽オーケストラ、さまざまな「クラシック」ソロ楽器 (フルート、ピッコロなど) を含む大規模なバンドが含まれることが多かった。

ディスコソングは、熟練したアレンジャーやオーケストレーターによって編曲・作曲され、レコードプロデューサーは、マルチトラック録音技術やエフェクトユニットを使用して、全体のサウンドに独創的なタッチを加えました。非常に多くの楽器やセクションを含む複雑な編曲を録音するには、指揮者、コピーライター、レコードプロデューサー、ミキシングエンジニアを含むチームが必要でした。ディスコソングには、64トラックものボーカルと楽器が使用されていたため、ミキシングエンジニアはディスコの制作プロセスで重要な役割を果たしました。ミキシングエンジニアとレコードプロデューサーは、アレンジャーの指示の下、これらのトラックを、ビルドとブレイクを備えた、詩、ブリッジ、リフレインの流動的な構成に編集しました。ミキシングエンジニアとレコードプロデューサーは、独特のサウンドの洗練されたディスコミックスを作成することで、「ディスコサウンド」の開発に貢献しました。

初期のレコードは「標準」の3分バージョンだったが、トム・モールトンが曲を長くする方法を思いつき、クラブのダンサーたちのレベルを引き上げ、より長く踊らせられるようにした。彼は、当時の45回転のビニールシングルを長くするのは不可能だと気付いた。良質の音楽を5分以上収録するのが普通だったからだ。リマスター/マスタリングエンジニアのホセ・ロドリゲスの助けを借りて、彼はシングルを7インチではなく10インチのディスクにプレスした。彼らは次のシングルを、標準的なアルバムと同じフォーマットの12インチのディスクにカットした。モールトンとロドリゲスは、これらの大きなレコードには、はるかに長い曲やリミックスを収録できることを発見した。12インチシングルレコードは「マキシシングル」としても知られ、すぐにディスコジャンルのDJにとって標準フォーマットとなった。^[28]

1970 年代後半までには、米国のほとんどの主要都市でディスコ クラブ シーンが盛んになりました。最も大きなシーンはニューヨーク市で顕著でしたが、フィラデルフィア、サンフランシスコ、マイアミ、ワシントン DCでも同様に盛んでした。シーンの中心はディスコ、ナイトクラブ、プライベートロフトパーティーでした。

1970年代の有名なディスコとしては、ニューヨークの「クリスコ・ディスコ」、「ザ・サンクチュアリ」、「レビティカス」、「スタジオ54」、「パラダイス・ガレージ」、フィラデルフィアの「アルテミス」、ロサンゼルスの「スタジオ・ワン」、シカゴの「デュガンズ・ビストロ」、アトランタの「ザ・ライブラリー」などがあった。^{[29] [30]}

1970 年代後半、マンハッタンのミッドタウンにあるスタジオ 54 は、おそらく世界で最も有名なナイトクラブでした。このクラブは、ディスコ音楽とナイトクラブ文化全般の成長に大きな役割を果たしました。スティーブ ルーベルとイアン シュレーガーによって運営され、クラブ内での快楽主義で悪名高かった。バルコニーは性行為の場として知られ、麻薬の使用が蔓延していました。ダンスフロアには、動くコカイン スプーンを含む「月の男」の絵が飾られていました。

1940年代に遡るニューヨークのもう一つのナイトクラブ「コパカバーナ」は、1970年代後半にディスコを取り入れて復活し、バリー・マニロウ の同名の曲の舞台となった。

ワシントン D.C.では、もともと「ゲイバー」としてのみ考えられていた「ザ・ピア」（「ピア9」）や「ジ・アザー・サイド」などの大型ディスコクラブが、1970年代後半に首都圏のゲイやストレートの大学生の間で特に人気を博しました。

1979年までに、米国には15,000～20,000軒のディスコクラブがあり、その多くは郊外のショッピングセンター、ホテル、レストランにオープンしました。2001クラブのフランチャイズは、米国で最も多作なディスコクラブチェーンでした。^[31]ディスコクラブのフランチャイズ化の試みは他にも数多く行われましたが、この時期に成功したのは2001クラブだけでした。^[32]

強力で低音重視のハイファイ サウンドシステムは、ディスコクラブ体験の重要な部分と見なされていました。ロフトパーティーの主催者であるデビッド・マンキューソは、1970年代初頭にツイーターアレイ（高音域を発する小型スピーカーのクラスターを床より上に配置）とベース補強（追加のサブウーファーセットを地上レベルに配置する）の技術を導入し、適切なタイミングで高音と低音を増幅しました。そして、10年後にはリチャード・ロングなどのサウンドエンジニアがガレージなどの会場でこれらの革新の効果を倍増させました。" ^[33]

ディスコのダンスフロアの典型的な照明デザインには、ビートに合わせて渦巻いたり点滅したりする多色のライト、ストロボライト、照明付きダンスフロア、ミラーボールなどがあります。

ディスコ時代のディスク ジョッキー(DJ)は、オープンリール式のテープ マシンを使用して既存の曲をリミックスし、パーカッション ブレイク、新しいセクション、新しいサウンドを追加することがよくありました。DJ はダンサーの好みに合わせて曲とグルーブを選択し、DJ ミキサーを使用して曲から曲へと切り替え、マイクを使用して曲を紹介したり観客に話しかけたりしました。基本的な DJ セットアップには、リバーブ、イコライザー、エコー効果ユニットなどの独自のサウンド操作を提供する他の機器が追加されました。これらの機器を使用すると、DJ は曲のベースライン以外をすべてカットし、DJ ミキサーのクロスフェーダーを使用して別の曲の冒頭をゆっくりとミックスするなどの効果を加えることができました。著名な米国のディスコ DJ には、 The Sanctuary のFrancis Grasso、The LoftのDavid Mancuso、Chicago WarehouseのFrankie Knuckles、Paradise GarageのLarry Levan、The GalleryのNicky Siano、Walter Gibbons、Karen Mixon Cook、Jim Burgess、John "Jellybean" Benitez 、 Studio 54の Richie Kulala 、Rick Salsalini などがいます。

DJ の中には、レコーディング スタジオでディスコ ソングを制作するレコード プロデューサーもいる。たとえば、ラリー レヴァンは DJ であると同時に多作なレコード プロデューサーでもあった。レコードの売上はナイトクラブのダンス フロアでの DJ のプレイに左右されることが多かったため、DJ はレコード レーベル向けに制作される特定の種類のディスコ ミュージックの開発と普及にも影響力を持っていた。

初期のディスコでは、ダンサーは「ハング・ルーズ」または「フリースタイル」のアプローチで踊っていました。最初は、多くのダンサーが独自のダンススタイルとダンスステップを即興で作りました。ディスコ時代の後半には、「バンプ」、「ペンギン」、「ブーガルー」、「ウォーターゲート」、「ロボット」などの人気のダンススタイルが開発されました。1975年10月までにハッスルが君臨しました。それは非常に様式化され、洗練され、そして露骨に性的でした。そのバリエーションには、ブルックリンハッスル、ニューヨークハッスル、ラテンハッスルなどがありました。^[30]

ディスコ時代には、多くのナイトクラブでディスコ ダンス コンテストが開催されたり、無料のダンス レッスンが提供されたりしていました。都市によっては、ディスコ ダンスのインストラクターやダンス スクールがあり、「タッチ ダンス」、「ハッスル」、「チャチャ」などの人気のディスコ ダンスの踊り方を教えるところもありました。ディスコ ダンス指導の先駆者は、1973 年にサンフランシスコで活躍したカレン ラストガーテンです。彼女の著書「ディスコ ダンス完全ガイド」(ワーナー ブックス、1978 年) は、人気のディスコ ダンスをダンス形式として命名、分類、体系化し、ディスコ フリースタイル、パートナー、ライン ダンスを区別した初めての書籍です。この本は、ニューヨーク タイムズのベストセラー リストで 13 週間トップにランクされ、中国語、ドイツ語、フランス語に翻訳されました。

シカゴでは、コカコーラ社のスポンサー支援を受けて、ディスコダンスのテレビ番組「ステップ・バイ・ステップ」が始まりました。ドン・コーネリアスが全国放送のダンス/音楽テレビ番組「ソウル・トレイン」で使用したのと同じスタジオで制作された「ステップ・バイ・ステップ」の視聴者は増え、番組は成功しました。ロビンとレジーのダイナミックなダンスデュオが番組をリードしました。2人は1週間、ディスコクラブでダンサーにディスコダンスを教えました。この指導番組は土曜日の朝に放送され、根強いファンがいました。視聴者は金曜日は徹夜して翌朝セットに向かい、最新の個人用ステップを身につけて土曜日の夜にディスコに戻る準備をしていました。番組のプロデューサーであるジョン・リードとグレッグ・ロゼリは、ロビンとレジーとともに定期的にディスコイベントに出演し、新しいダンスの才能を発掘したり、「ディスコナイト・アット・ホワイトソックス・パーク」などの今後のイベントを宣伝したりしました。

カリフォルニア州サクラメントでは、ディスコキングのポール・デール・ロバーツがギネス世界記録に載るためにダンスを披露した。彼は205時間、つまり8日半に及ぶダンスを披露した。その後もダンスマラソンが続き、ロバーツは短期間ながらディスコダンスの世界記録を保持した。^[34]

1970 年代の著名なプロのダンス グループには、パンズ ピープルやホット ゴシップなどがありました。多くのダンサーにとって、1970 年代のディスコ ダンスの重要なインスピレーションの源は、映画『サタデー ナイト フィーバー』（1977 年）でした。さらに、映画『フェーム』（1980 年）、『ディスコ ダンサー』（1982 年）、『フラッシュダンス』（1983 年）、 『ラスト デイズ オブ ディスコ』 （1998 年）などの音楽とダンス スタイルからも影響を受けました。ディスコ ダンスへの関心は、ダンス フィーバー（1979 年）などのダンス コンテスト TV 番組の誕生にもつながりました。

ディスコファッションは1970年代後半に非常に流行した。ディスコに行く人たちは、地元のディスコクラブで夜遊びをするために、華やかで高価で派手なファッションを着ることが多かった。女性の中には、ホルストンドレスのような透け感のあるゆったりとしたドレスや、ゆったりとしたフレアパンツを着る人もいた。背中の開いたホルターネックのトップス、ディスコパンツ、「ホットパンツ」、体にぴったりフィットするスパンデックスのボディウェアや「キャットスーツ」など、タイトで露出度の高いセクシーな服を着る女性もいた。[35] 男性は、カラフルな模様と尖った非常に幅広の襟、できれば胸元が開いている光沢のあるポリエステルのキアナシャツを着る。男性は^ピエールカルダンのスーツ、ベスト付きのスリーピーススーツ、レジャースーツと呼ばれるパンツとマッチしたダブルニットのポリエステルシャツジャケットを着ることが多かった。男性用のレジャースーツは、一般的にウエストやお尻など体の一部にフィットするデザインで、パンツの下部はベルボトムスタイルでフレアになっており、動きやすさを確保しています。^[35]

ディスコ時代、男性は手の込んだ身だしなみを整え、流行の服を選ぶことに時間を費やした。これは、当時の性別の固定観念からすると「女性らしい」とみなされる活動だった。^[35]女性ダンサーは、照明の下でキラキラと光るグリッターのメイクやスパンコール、金色のラメの服を着ていた。 ^[35]大胆な色彩は男女ともに人気があった。男女ともに厚底靴やブーツ、女性にはハイヒールが人気の履物だった。^[35] ネックレスやメダリオンは一般的なファッションアクセサリーだった。あまり一般的ではないが、ディスコダンサーの中には奇抜な衣装を着たり、女装したり、体を金色や銀色のペンキで覆ったり、露出度の高い服を着てほぼ裸になる人もいた。こうした珍しい格好は、招待客のみのニューヨーク市のロフトパーティーやディスコクラブでよ​​く見られた。^[35]

ディスコクラブシーンのダンスとファッションの側面に加えて、クラブドラッグのサブ カルチャーも盛んでした。特に、大音量で重低音の音楽と点滅する色とりどりの光に合わせて踊る体験を高めるドラッグ、例えばコカイン^[36]（「ブロー」という愛称）、亜硝酸アミル（「ポッパー」）^[37] 、そして「...もう1つの典型的な1970年代のクラブドラッグであるクアルーデは、運動協調を停止させ、手足が「ゼリー」になったような感覚を与えます。」^[38]クアルーデはディスコクラブで非常に人気があったため、「ディスコビスケット」という愛称で呼ばれていました。[ ^39]

ポール・グーテンバーグは「コカインと1970年代のディスコ文化の関係はいくら強調してもしすぎることはない」と述べている。 ^[36] 1970年代、裕福な有名人によるコカインの使用は、コカインの「魅力化」と「ソフトドラッグ」という広く信じられた見方につながった。^[40] LSD、マリファナ、および「スピード」（アンフェタミン）もディスコクラブで人気があり、これらの薬物の使用は「ダンスフロア体験の快楽主義的品質に貢献した」。^{[41]ディスコダンスは通常、}酒類販売許可のあるナイトクラブやダンスクラブで行われたため、ダンサーはアルコール飲料も消費した。一部の使用者は、より強い効果を得るために、アルコールとクアルーダなどの他の薬物の摂取を意図的に組み合わせた。

ピーター・ブラウンシュタインによれば、「ディスコで摂取された大量の薬物は、ディスコ時代の次の文化的現象、すなわち乱交と公然わいせつを生んだ。ダンスフロアは誘惑の中心的舞台であったが、実際のセックスは通常ディスコの奥深く、トイレの個室、出口の階段などで行われた。また、ディスコは快楽主義者の夜遊びメニューの一種の「メインコース」となった。」^[38]セントナイトクラブでは、ゲイの男性ダンサーと常連客の多くがクラブ内でセックスをしていた。1980年当時、HIV-AIDSはまだ特定されていなかったため、彼らは通常、無防備なセックスをしていた。 ^[42]セントでは、「ダンサーは警察のいない2階のバルコニーに駆け落ちしてセックスをしていた。」^[42]ディスコでの乱交や公然わいせつは、1970年代のより自由な性表現を模索する幅広い傾向の一部であり、この時代は「スワッピングクラブ、ホットタブ、キーパーティー」とも関連付けられています。^[43]

リチャード・ダイアーは論文「ディスコの擁護」（1979年）で、エロティシズムはディスコの3つの主な特徴の1つであると主張している。 ^[44]ロック音楽が、男性の性的快楽を他の人よりも重視する非常に男根中心のエロティシズムを持つのに対し、ダイアーはディスコは男根中心ではない全身エロティシズムを特徴としていると述べている。^[44]さまざまな打楽器、リズムを操る意欲、そして聴き手を遮ることなくフレーズを延々と繰り返すことを通じて、ディスコは男女ともに全身にエロティシズムを復活させ、全身エロティシズムを実現した。^[44]これにより、ペニスによって定義されないセクシュアリティの表現や、ペニスとの関係によって定義されない体のエロティックな快楽が可能になった。^[44]ディスコのリズムによって表現される性的解放は、ディスコが発展したクラブ空間にもさらに表れている。

ピーター・シャピロの著書『モジュレーション：電子音楽の歴史：音に響く言葉』では、ディスコが大胆なサウンドを生み出すために利用する技術を通してエロティシズムについて論じている。^{[45]シャピロによれば、ディスコ音楽は「}ストーンウォール以降の文化における快楽は政治である」という精神に付随するものである。彼は、ディスコ独特の機械的なサウンドを生み出す技術をエロティシズムに結び付ける「メカノエロティシズム」が、ディスコというジャンルを自然主義や異性愛から離れた新たな次元の現実に設定したと説明している。ランディ・ジョーンズとマーク・ジェイコブセンは、BBCラジオの『ダンスの政治：ディスコはいかに世界を変えたか』でこの意見に賛同し、ヒップに重点を置いた自由なダンススタイルを「ストーンウォールの反乱でもたらされた解放の火花を祝う新しい種類の交わり」と表現している。^[46]ニューヨーク州では同性とのダンスを含む公共の場での同性愛行為を禁止する法律があったため、ディスコのエロティシズムは抵抗と性的自由の表現として機能した。^[47]

彼はドナ・サマーズのシングル「Love to Love You Baby」（1975年）と「I Feel Love」（1977年）を、合成ベースラインとバックグラウンドと、オルガスムスの模擬音との間に常に存在する関係の例として挙げている。サマーズの声がトラックに響き渡り、ディスコの「機械セックスの美学」を通じて自らを解放しようとした、ドラッグに熱中し、性的に解放されたディスコファンに例えている。^{[48]シャピロはこれを}ハイNRGやダブディスコのようなサブジャンルを生み出す影響と見ており、これにより、強烈なシンセベースラインや、体の明らかなエロティックな部分ではなく、体全体に働きかける代替的なリズムテクニックを通じて、エロティシズムとテクノロジーをさらに探求することが可能になったとしている。

ニューヨークのナイトクラブ、ザ・サンクチュアリは、専属DJのフランシス・グラッソが率いており、この性的自由の好例である。ビル・ブリュースターとフランク・ブロートンは、ディスクジョッキーとクラブ文化の歴史の中で、ザ・サンクチュアリを「解放されたばかりのゲイの男性でいっぱいになり、ダンスミュージックと大量の薬と薬の重厚な調合物で揺さぶられ（かき混ぜられ）、肉欲の祭典となる」と表現している。^[49]ザ・サンクチュアリは「アメリカで最初の完全に抑制されていないゲイディスコ」であり、ダンスフロアでの性行為は禁止されていたが、隣接する建物の暗い隅、トイレ、廊下はすべて乱交のような性的行為に利用されていた。^[49]

音楽、ドラッグ、解放された精神が三位一体となって肉欲の祭典を創り出すと描写することで、ブリュースターとブロートンは、ダンス、セックス、そして聖域内の肉体的な振動に貢献したその他の具現化された動きの刺激として、これら3つすべてを煽っている。これは、ディスコ音楽がディスコで体験されたこの性的解放を促進する役割を果たしたという主張を裏付けるものである。近年の中絶の合法化、抗生物質とピルの導入は、生殖から快楽と享受へのセックスに関する文化の変化を促進した。こうして、ディスコの周囲に非常にセックスに肯定的な枠組みが育まれた。^[50]

さらに、ニューヨーク州では同性愛が違法であることに加え、1973年までアメリカ精神医学会は同性愛を病気と分類していた。^[49]この法律と分類が相まって、公共の場でのクィアネスの表現を大いに思いとどまらせたと理解でき、ディスコの解放的な力学はクィアの人々に自己実現の場を提供したと見ることができる。デイビッド・マンキューソのクラブ/ハウスパーティー、ザ・ロフトは、「最近まで女性がいない限り2人の男性が一緒に踊ることは違法であり、女性は公共の場で少なくとも1つの女性らしい衣服を着用することが法的に義務付けられており、ゲイバーを訪れる男性は通常保釈金を持ち歩いていた国では、パンセクシュアルな態度が革命的だった」と評された。^[51]

ディスコは主に、ライブバンドの代わりにレコードをかけ始めたクラブのダンスフロアで人気の音楽から発展しました。最初のディスコでは主にスウィングミュージックがかけられていました。その後、アップテンポのリズムアンドブルースがアメリカのクラブで人気となり、ノーザンソウルやグラムロックのレコードがイギリスで人気になりました。1940年代初頭、ナチス占領下のパリのナイトクラブではジャズのレコードをかけるようになりました。

レジーン・ジルベルベルグは、1953年にパリの「ウィスキー・ア・ゴーゴー」で世界初のディスコを開き、クラブDJを務めたと主張した。彼女はダンスフロアに色とりどりのライトと2台のターンテーブルを設置し、音楽に途切れることなくレコードをかけられるようにした。^{[52] 1959年10月、}西ドイツのアーヘンにあるスコッチ・クラブのオーナーは、オープニングの夜に生バンドを雇う代わりにレコードプレーヤーを設置することにした。常連客は感心しなかったが、たまたまクラブのオープニングを取材していた若い記者が衝動的にレコードプレーヤーを操作し、自分がかけたいレコードを紹介した。後にクラウス・キリーニは、これが世界初のナイトクラブDJだったと主張した。^[21]

1960年代、ディスコダンスはヨーロッパの流行となり、アメリカのマスコミはこれを熱狂的に取り上げた。^[21]当時、ヨーロッパのディスコ文化がアメリカで人気を博し、ダンスに適したリズムの音楽ジャンルがいくつか人気を博し、リズム・アンド・ブルース（1940年代に始まった）、ソウル（1950年代後半から1960年代）、ファンク（1960年代半ば）、ゴーゴー（1960年代半ばから1970年代。ゴーゴーはもともと「ディスコ」というよりも、音楽クラブを意味していた）といったサブジャンルに発展した。アフリカ系アメリカ人ミュージシャンが主に演奏していた音楽ジャンルは、初期のディスコに多大な影響を与えた。

また、1960 年代には、モータウンレコード レーベルは独自のアプローチを開発しました。そのアプローチは、「1) 洗練されたメロディとコード進行によるシンプルな構成の曲、2) 執拗な 4 ビートのドラム パターン、3)インプレッションズのスタイルに漠然と由来するゴスペル風のバックグラウンド ボイスの使用、4) ホルンとストリングスの定期的かつ洗練された使用、5) ポップとゴスペル音楽の中間に位置するリード シンガー、6) ポピュラー音楽界で最も器用で知識が豊富で優秀な伴奏ミュージシャンのグループ (モータウンのベーシストは長い間、白人ロック ベーシストの羨望の的でした)、7) 電子的なリミッティングとイコライジング (高音域の周波数をブースト) に大きく依存したトレブリー スタイルのミキシングで、製品全体に独特のサウンドを与え、特に AM ラジオでの放送に効果的」と説明されています。^{[53]モータウンは}エディ・ケンドリックスのようなアーティストによるディスコ要素のあるヒット曲を数多く生み出した（1973年の「Keep on Truckin'」、^[54] 1974年の「Boogie Down」）。

1960年代の終わりには、黒人、イタリア人、ラテン系のミュージシャンや観客が、ヒッピーやサイケデリックのサブカルチャーからいくつかの特徴を取り入れた。それは、大音量で圧倒的な音を出す音楽会場の使用、フリーフォームなダンス、奇抜な照明、カラフルな衣装、幻覚剤の使用などだった。^{[55] [56] [57]さらに、}ヒッピーたちのポジティブさ、皮肉のなさ、真剣さが、MFSBのアルバム『Love Is the Message』のようなプロトディスコ音楽に影響を与えた。^{[55] [58]}ジミ・ヘンドリックス の成功もあって、1960年代後半のロック音楽で人気だったサイケデリックな要素がソウルや初期ファンク音楽に取り入れられ、サイケデリック・ソウルというサブジャンルが形成された。例としては、チェンバース・ブラザーズ、ジョージ・クリントンと彼のパーラメント・ファンカデリック集団、スライ＆ザ・ファミリー・ストーン、ノーマン・ホイットフィールドとテンプテーションズの作品などが挙げられます。

テンプテーションズのサイケデリック・ソウルの曲に見られる長いイントロと詳細なオーケストレーションも、シネマティック・ソウルと見なされている。1970年代初頭、カーティス・メイフィールドとアイザック・ヘイズは、実際に映画のサウンドトラック用に作曲されたシネマティック・ソウルの曲、「スーパーフライ」（1972年）と「シャフトのテーマ」（1971年）でヒットを記録した。後者は初期のディスコソングと見なされることもある。^[59] 1960年代半ばから1970年代初頭にかけて、フィラデルフィア・ソウルとニューヨーク・ソウルは、豪華なパーカッション、豪華なストリングス・オーケストラの編曲、高価なレコード制作プロセスを備えたサブジャンルとして発展した。1970年代初頭、ギャンブルとハフによるフィラデルフィア・ソウルの作品は、1960年代後半のよりシンプルな編曲から、豪華なストリングス、ドキドキするベースライン、スライドするハイハットのリズムを特徴とするスタイルに進化した。これらの要素はディスコ ミュージックの典型的な要素となり、1970 年代初頭に制作されたヒット曲のいくつかに見られます。

• オージェイズ（MFSBがバックバンド）の「ラブ・トレイン」は1972年にリリースされ、 1973年3月にビルボードホット100でトップを獲得した。
• ハロルド・メルヴィン＆ザ・ブルー・ノーツの「The Love I Lost」（1973年）
• オージェイズの「Now That We Found Love」 （1973年）、後にサード・ワールドの1978年のヒット曲となった
• MFSBの「TSOP (The Sound of Philadelphia)」は、ザ・スリー・ディグリーズのボーカルで、ソウル・トレインのテーマ曲として書かれた無言の曲で、 1974 年にビルボード・ホット 100で 1 位を獲得しました。

ディスコの形成に貢献し、（アンダーグラウンドの）ディスコクラブやパーティーのダンスフロアで人気となったその他の初期のディスコトラックには、以下のものがあります。

• チャカチャスの「ジャングル・フィーバー」は1971年にベルギーで最初にリリースされ、その後1972年に米国でリリースされ、同年にビルボードホット100で8位に達した。
• マヌ・ディバンゴの「ソウル・マコッサ」は1972年にフランスで初めてリリースされ、ニューヨークのアンダーグラウンド・ディスコ・シーンで取り上げられ、その後アメリカでも正式にリリースされ、1973年にはホット100で35位に達した。
• フォー・シーズンズの「ザ・ナイト」は1972年にリリースされたが、すぐには人気が出なかった。しかし、ノーザン・ソウルのシーンに受け入れられ、1975年にイギリスでヒットした^[60]。
• 「愛のテーマ」は、バリー・ホワイト指揮によるラブ・アンリミテッド・オーケストラによるもので、1973年7月に『Under the Influence of... Love Unlimited』に収録されたインストゥルメンタル曲で、同年11月にシングルとして発表された。その後、バリー・ホワイトは自身のデビューアルバムにこの曲を収録した。
• 「サウンド・ユア・ファンキー・ホーン」KC＆ザ・サンシャイン・バンド^[61] 1974年
• 1974年のジョージ・マクレーの「Rock Your Baby」
• 1974年のBTエクスプレスの「Do It」
• 1974年のエディ・ケンドリックスの「ブギー・ダウン」
• 1974年のエルヴィス・プレスリーの「If You Talk In Your Sleep」。

初期のディスコは、サルソウル レコード(ケン、スタンレー、ジョセフ カイア)、ウエスト エンド レコード(メル シェレン)、カサブランカ(ニール ボガート)、プレリュード(マーヴィン シュラクター)などのレコード プロデューサーやレーベルによって支配されていました。このジャンルは、ダンス ソングの楽しみを広げたいと考えたトム モールトンによっても形作られ、 3 分間の 45 rpm シングルから、はるかに長い 12 インチ レコードへと拡張ミックスまたは「リミックス」が生み出されました。「ディスコ サウンド」として知られるようになるサウンドを確立するのに貢献した他の影響力のある DJ やリミキサーには、デビッド マンキューソ、ニッキー シアーノ、シェップ ペティボーン、ラリー レヴァン、ウォルター ギボンズ、シカゴを拠点とするフランキー ナックルズなどがいます。フランキー ナックルズは重要なディスコ DJ であっただけでなく、 1980 年代の ハウス ミュージックの発展にも貢献しました。

ディスコは、1971年にドン・コーネリアスが司会を務めた音楽/ダンスのバラエティ番組『ソウル・トレイン』の一部としてテレビで放送され、その後、 1975年にマーティ・アンジェロの『ディスコ・ステップ・バイ・ステップ・テレビ番組』、スティーブ・マーカスの『ディスコ・マジック/ディスコ77』、エディ・リベラの『ソープ・ファクトリー』 、そしてデニー・テリオが司会を務めたマーヴ・グリフィンの『ダンス・フィーバー』で取り上げられました。デニー・テリオは、俳優のジョン・トラボルタに映画『サタデー・ナイト・フィーバー』(1977年)の役のためにダンスを教えたことで知られています。また、サウスカロライナ州コロンビアを拠点とする『ダンス』でも取り上げられました。

1974年、ニューヨーク市のWPIX-FMが初のディスコラジオ番組を放送した。^[62]

1970年代には、1960年代の重要なカウンターカルチャーであるヒッピー運動が衰退しつつあった。前10年間の経済的繁栄は衰退し、失業率、インフレ、犯罪率は急上昇した。人種暴動という形で頂点に達した公民権運動への反発、ベトナム戦争、マーティン・ルーサー・キング・ジュニア牧師とジョン・F・ケネディの暗殺、ウォーターゲート事件などの政治問題は、多くの人々に幻滅と絶望感を残した。^[要出典] 1970年代の初めは、アメリカ国民の意識の変化が特徴的だった。フェミニスト運動、アイデンティティ政治、ギャングなどの台頭がこの時代を大きく形作った。ディスコ音楽とディスコダンスは、ネガティブな社会的、経済的問題からの逃避を提供した。^[63]ディスコミュージックの非パートナーダンススタイルは、あらゆる人種や性的指向の人々がダンスフロアの雰囲気を楽しむことを可能にした。^[64]

サイモン・フリスは著書『大衆文化の美しいもの』の中で、ディスコの社交性と1960年代のカウンターカルチャーにおけるそのルーツを強調している。「ディスコが生まれたニューヨークのアンダーグラウンドダンスシーンの原動力は、単にその都市の複雑な民族文化や性文化だけではなく、ヒッピーとしか言いようのない1960年代のコミュニティ、喜び、寛大さの概念でもあった」と彼は言う。「最高のディスコ音楽には、驚くほど強力な集団的陶酔感が含まれていた。」^[65]

ディスコの爆発的な普及は、ニューヨークのDJ、デイビッド・マンキューソの自宅で開かれたプライベートダンスパーティーに端を発するとよく言われている。このパーティーは、招待制の非営利のアンダーグラウンドクラブ「ザ・ロフト」として知られ、他の多くのクラブに影響を与えた。 ^[66]彼は1970年のバレンタインデーにマンハッタンの自宅で「ラブ・セイヴズ・ザ・デイ」という最初の大規模なパーティーを企画した。数ヶ月後、パーティーは毎週開催されるようになり、マンキューソは1990年代まで定期的にパーティーを開催し続けた。^[67]マンキューソは、演奏される音楽はソウルフルでリズミカルで、希望や救済、誇りの言葉を伝えるものでなければならないと要求した。^[51]

マンキューソが初めて非公式のハウスパーティーを開催したとき、ゲイコミュニティ（ロフトの参加者の多くを占めていた）はゲイバーやダンスクラブで嫌がらせを受けることが多く、多くのゲイが保釈金を持ってゲイバーに来ていた。しかし、ロフトや他の初期のプライベートディスコでは、マンキューソのアンダーグラウンドでありながら合法的な方針のおかげで、警察の介入を恐れることなく一緒に踊ることができた。ヴィンス・アレッティはそれを「人種的にも性別的にも完全に混ざり合ったパーティーに行くようなもので、誰かが他の人より重要だという意識はまったくなかった」と表現し、アレックス・ロスナーは「黒人が60％、ゲイが70％くらいだったと思う...性的指向も人種も経済グループも混ざっていた。音楽が共通項となる真の混在だった」と繰り返した。^[51]

映画評論家のロジャー・エバートは、ディスコの活気に満ちたダンスの動きが大衆に受け入れられたことを「70年代後半の政治的、音楽的な雰囲気の全般的な憂鬱と単調さ」からの逃避と呼んだ。^[68] ディスコをテーマにした映画『サタデー・ナイト・フィーバー』について書いたポーリン・ケイルは、この映画とディスコ自体が「深くロマンチックなもの、動きたい、踊りたい、そして自分がなりたい自分になりたいという欲求」に触れたと述べた。「涅槃はダンスであり、音楽が止まると、普通の人に戻る」^[69]

1960年代後半、ヘビーなビートのアップテンポなソウルと、それに関連したダンススタイルやファッションがイギリスのモッズシーンに取り入れられ、ノーザン・ソウル・ムーブメントが形成された。マンチェスターのツイステッド・ホイールなどの会場で始まったこの音楽は、シャトー・インプニー（ドロイッチ）、カタコンブ（ウォルヴァーハンプトン）、ブラックプール・メッカのハイランド・ルームズ、ゴールデン・トーチ（ストーク・オン・トレント）、ウィガン・カジノなど、イギリスの他のダンスホールやナイトクラブに急速に広がった。1970年代初頭に好まれるビートがよりアップテンポで熱狂的になると、ノーザン・ソウル・ダンスはよりアスレチックになり、後のディスコやブレイクダンスのダンススタイルにいくぶん似たものになった。スピン、宙返り、空手キック、バックドロップを特徴とするクラブでのダンススタイルは、リトル・アンソニー・アンド・ジ・インペリアルズやジャッキー・ウィルソンなど、ツアー中のアメリカのソウルバンドのステージパフォーマンスにインスピレーションを受けることが多かった。

1974年、イギリスには推定25,000台の移動式ディスコと40,000人のプロのディスクジョッキーがいた。移動式ディスコは、特別なイベントで音楽を提供するために自分の機材を持ち込んだ雇われたDJだった。グラムロックのトラックが人気で、例えばゲイリー・グリッターの1972年のシングル「ロックンロールパート2」は、ラジオではあまり放送されなかったものの、イギリスのダンスフロアでは人気となった。^[70]

1974年から1977年にかけて、ディスコ音楽の人気が高まり、多くのディスコソングがチャートのトップを飾った。ヒューズ・コーポレーションの「ロック・ザ・ボート」（1974年）は、全米でナンバーワンシングルとなり、ミリオンセラーとなったが、これはナンバーワンに到達した初期のディスコソングの1つである。同年、カール・ダグラスが歌い、ビドゥがプロデュースした「カンフー・ファイティング」がリリースされ、イギリスとアメリカの両方でナンバーワンとなり、その年のベストセラーシングル^[71]となり、世界中で1100万枚のレコードを売り上げ、史上最も売れたシングルの1つとなり、 ^{[72] [73]、}ディスコの普及に大きく貢献した。^{[72]その年のもう一つの注目すべきディスコの成功は、}ジョージ・マックレーの「ロック・ユア・ベイビー」である。 ^[74]これはイギリス初のナンバーワンディスコシングルとなった。^{[75] [74]}

イギリス北西部では、 1960年代後半に始まり1974年にピークを迎えたノーザンソウルの爆発的な流行により、この地域はディスコを受け入れるようになりました。ディスコは、この地域のディスクジョッキーがニューヨークから持ち帰ったものです。一部のDJが米国から来た新しいサウンドに移行したことで、シーンは分裂し、1960年代のソウルを放棄し、ソウルよりもディスコに近い傾向のある現代のソウルサウンドを推進する人も現れました。

1975年、グロリア・ゲイナーは初の片面ビニール アルバムをリリースした。このアルバムにはジャクソン5の「ネヴァー・キャン・セイ・グッバイ」（実はこの曲がアルバムタイトルにもなっている）のリメイクと、「ハニー・ビー」、ディスコバージョンの「リーチ・アウト（アイル・ビー・ゼア） 」の2曲が収録されている。このアルバムは1974年11月にビルボードのディスコ/ダンスチャートで初めて1位を獲得した。1978年後半、ゲイナーのナンバーワン・ディスコソングは「アイ・ウィル・サバイブ」で、これは女性の強さの象徴であり、ゲイのアンセムと見なされていた。^[76] 1983年のディスコヒット「アイ・アム・ホワット・アイ・アム」のリメイクも同様である。1979年、彼女はシングル「レット・ミー・ノウ（アイ・ハブ・ア・ライト）」をリリースし、これは公民権運動の中で人気を博した。また、1975年には、ヴィンセント・モンタナ・ジュニアのサルソウル・オーケストラがラテン風のオーケストラ・ダンス曲「サルソウル・ハッスル」を発表し、ビルボード・ダンス・チャートで4位にランクインした。1976年のヒット曲は「タンジェリン」と「ナイス・アンド・ナースティ」で、最初の曲は1941年の曲のカバーだった。^[要出典]

ヴァン・マッコイの 1975 年の「ザ・ハッスル」や、ジョー・テックスのユーモラスな1977 年の「エイント・ゴナ・バンプ・ノー・モア (ウィズ・ノー・ビッグ・ファット・ウーマン) 」などの曲は、人気のディスコダンス「ザ・バンプ」と「ザ・ハッスル」に名前を与えました。その他の注目すべき初期の成功したディスコ曲には、バリー・ホワイトの「ユーアー・ザ・ファースト、ザ・ラスト、マイ・エブリシング」(1974 年)、ラベルの「レディ・マーマレード」(1974 年)、ディスコテックスとセックス・オー・レッツの「ゲット・ダンシン」(1974 年)、アース・ウィンド・アンド・ファイアーの「シャイニング・スター」(1975 年)、シルバー・コンベンションの「フライ、ロビン、フライ」(1975 年) と「ゲット・アップ・アンド・ブギー」(1976 年)、ヴィッキー・スー・ロビンソンの「ターン・ザ・ビート・アラウンド」(1976 年)などがあります。そして、アンドレア・トゥルー（ディスコ全盛期とほぼ同時期の ポルノ黄金時代の元ポルノ女優）の「モア、モア、モア」（1976年）である。

ハリー・ウェイン・ケイシー（別名「KC」）とリチャード・フィンチによって結成されたマイアミのKCアンドザ・サンシャイン・バンドは、1975年から1977年にかけて、「Get Down Tonight 」、「That's the Way (I Like It)」、「(Shake, Shake, Shake) Shake Your Booty」、「I'm Your Boogie Man」、「Boogie Shoes」、「Keep It Comin' Love 」など、ディスコを代表するトップ5シングルを次々と発表した。この時期、イングリッシュ・エレクトリック・ライト・オーケストラなどのロックバンドは、1975年のヒット曲「 Evil Woman 」に見られるように、ディスコミュージックの定番となったバイオリンの音を曲に取り入れていたが、このジャンルは正確にはオーケストラロックと呼ばれていた。

トム・モールトンなどの他のディスコプロデューサーは、ダブミュージック（1970年代にニューヨーク市へのジャマイカ人移住の増加に伴って登場）のアイデアとテクニックを取り入れ、支配的だった「4つ打ち」スタイルに代わる音楽を提供した。DJラリー・レヴァンはダブとジャズのスタイルとリミックステクニックを利用して、このジャンルの火付け役となったハウスミュージックの初期バージョンを制作した。^[77]

ノーマン・ホイットフィールドは、モータウン・レコードのプロデューサー兼ソングライターとして影響力を持ち、マーヴィン・ゲイ、ヴェルヴェレッツ、テンプテーションズ、グラディス・ナイト・アンド・ザ・ピップスなどのヒット曲を多数手がけた革新的な「サイケデリック・ソウル」の楽曲制作で有名です。1968年のテンプテーションズのアルバム「クラウド・ナイン」の制作頃から、彼はサイケデリックな影響を取り入れ、より長く、ダンス向きのトラックを制作し始め、精巧でリズミカルな楽器パートを多用するようになりました。こうした長いサイケデリック・ソウルの曲の一例として「Papa Was a Rollin' Stone」が挙げられます。この曲は1972年に約7分のシングル・エディットと約12分の12インチ・バージョンとして登場しました。1970年代初頭までに、ホイットフィールドの作品の多くはファンクやディスコ寄りの方向に進化し、ザ・アンディスピューテッド・トゥルースのアルバムや、ジャクソン5の1973年のアルバム『GIT: Get It Together』で聴くことができます。ホイットフィールドがサイケデリック・ソウルの制作テクニックを試すために結成したモータウンのレコーディング・バンド、ザ・アンディスピューテッド・トゥルースは、1971年の曲「Smiling Faces Sometimes」で成功を収めました。彼らのディスコ・シングル「You + Me = Love」(第43位)はホイットフィールドがプロデュースし、1976年に 米国のダンス・チャートで第2位になりました。

1975年、ホイットフィールドはモータウンを離れ、自身のレーベルであるホイットフィールド・レコードを設立し、「You + Me = Love」もこのレーベルからリリースされた。ホイットフィールドは、1976年の映画『カー・ウォッシュ』のアルバム・サウンドトラックに収録されているローズ・ロイスの「カー・ウォッシュ」(1976年)など、さらにいくつかのディスコヒットをプロデュースした。1977年、1970年以来モータウンと契約していたシンガー、ソングライター、プロデューサーのウィリー・ハッチがホイットフィールドの新しいレーベルと契約し、1982年に「イン・アンド・アウト」という曲でディスコシングルをヒットさせた。

モータウンの他のアーティストもディスコに目を向けた。ダイアナ・ロスは、 1976年にヒットしたセルフタイトルアルバムからの「 Love Hangover 」でディスコサウンドを取り入れた。1980年のダンスクラシック「 Upside Down」と「I'm Coming Out 」は、グループChicのナイル・ロジャースとバーナード・エドワーズが作詞作曲しプロデュースした。ロスを有名にしたグループ、シュープリームスは、彼女抜きでディスコクラブでヒット曲をいくつか出したが、最も有名なのは1976年の「 I'm Gonna Let My Heart Do the Walking」と、解散前の最後のヒットシングルとなった1977年の「You're My Driving Wheel」である。

ディスコジャンルの曲をプロデュースしてほしいというモータウンの要請を受け、マーヴィン・ゲイはディスコを嫌っていたにもかかわらず、1978年に「Got to Give It Up」をリリースした。彼はディスコジャンルの曲はレコーディングしないと誓い、実際にはパロディとしてこの曲を書いた。しかし、ゲイの曲の多くにはディスコの要素があり、「I Want You」（1975年）もその1つである。スティーヴィー・ワンダーは、 1974年に亡くなった影響力のあるジャズ界のレジェンド、デューク・エリントンへのトリビュートとして、1977年にディスコシングル「Sir Duke 」をリリースした。スモーキー・ロビンソンは1972年にモータウンのグループ、ミラクルズを脱退してソロ活動を開始し、1975年に3枚目のソロアルバム「A Quiet Storm」をリリースした。このアルバムは「 Quiet Storm 」という音楽プログラミング形式とR&Bのサブジャンルを生み出し、その名前の由来となった。このアルバムにはディスコシングル「 Baby That's Backatcha」が収録されている。ディスコヒットを出した他のモータウンのアーティストとしては、ロビンソンの元グループであるミラクルズの「Love Machine」（1975年）、エディ・ケンドリックスの「Keep On Truckin'」（1973年）、オリジナルズの「Down to Love Town」（1976年）、ハロルド・メルヴィン・アンド・ザ・ブルー・ノーツの曲「Don't Leave Me This Way 」（1976年）のカバーを出したテルマ・ヒューストンなどがいた。レーベルは1980年代まで、リック・ジェームスの「Super Freak」（1981年）、コモドアーズの「Lady (You Bring Me Up)」（1981年）などヒット曲をリリースし続けた。

モータウンを離れたソロアーティストの何人かは、その後ディスコソングで成功を収めた。モータウン初の女性スーパースターで、代表曲「マイ・ガイ」（スモーキー・ロビンソン作詞）を出したメアリー・ウェルズは、1964年に突如レーベルを離れた。彼女は1980年にディスコソング「ジゴロ」でチャートに短期間復帰した。テンプテーションズのリードシンガー、デヴィッド・ラフィンの兄、ジミー・ラフィンもモータウンと契約し、1966年に最も成功しよく知られた曲「ホワット・ビカムズ・オブ・ザ・ブロークンハートド」をシングルとしてリリースした。ラフィンは最終的に1970年代半ばにレコードレーベルを離れたが、1980年にビージーズのロビン・ギブが作詞・プロデュースしたアルバム「サンライズ」のディスコソング「ホールド・オン（トゥ・マイ・ラブ） 」で成功を収めた。モータウンの抗議歌「ウォー」（1970年）で知られるエドウィン・スターは、1979年にディスコ曲「コンタクト」と「ハッピー・ラジオ」で再びチャートに登場した。キキ・ディーはアメリカでモータウンと契約した最初の白人イギリス人歌手となり、1枚のアルバム「グレート・エクスペクテーションズ」（1970年）と2枚のシングル「ザ・デイ・ウィル・カム・ビトゥウィーン・サンデー・アンド・マンデー」（1970年）と「ラヴ・メイクス・ザ・ワールド・ゴー・ラウンド」（1971年）をリリースした。後者は彼女にとって初のチャート入り（全米チャート87位）となった。彼女はすぐに同社を離れ、エルトン・ジョンのロケット・レコード・カンパニーと契約し、1976年にジョンとのディスコデュエットで最大かつ最も有名なシングル「ドント・ゴー・ブレイキング・マイ・ハート」をリリースした。この曲はモ​​ータウンサウンド、特にマーヴィン・ゲイがタミー・テレルやキム・ウェストンと録音した様々なデュエットを、愛情たっぷりのディスコ風に模倣することを意図していた。

モータウンのレコードレーベルを離れたグループの多くは、ディスコソングでヒットチャート入りを果たした。1970年代初頭のモータウンを代表するバンドの1つであるジャクソン5は、「 I Want You Back」（1969年）や「ABC」（1970年）、さらにはディスコソング「Dancing Machine」（1974年）などのヒット曲を出した後、1975年にレコード会社を離れた（ただしジャーメイン・ジャクソンはレーベルに残った）。「ジャクソンズ」に改名（モータウンが「ジャクソン5」という名前を所有していたため）した彼らは、エピックレーベルから「Blame It on the Boogie」（1978年）、「Shake Your Body (Down to the Ground)」（1979年）、「Can You Feel It?」（1981年）などのディスコソングを出して成功を収めた。

アイズレー・ブラザーズは、同社での短い在籍期間中に1966年に「 This Old Heart of Mine (Is Weak for You) 」という曲をプロデュースし、「 It's a Disco Night (Rock Don't Stop)」(1979) などのヒットディスコ曲をリリースした。マーヴィン・ゲイより前に「 I Heard It Through the Grapevine 」(1967)の最もヒットしたバージョンをレコーディングしたグラディス・ナイト&ザ・ピップスは、ディスコ時代に「Baby, Don't Change Your Mind」(1977) や「Bourgie, Bourgie」(1980) などの商業的に成功したシングル曲をリリースした。デトロイト・スピナーズもモータウン・レーベルと契約し、1970年にスティーヴィー・ワンダーがプロデュースした曲「イッツ・ア・シェイム」で成功を収めた。その後すぐに、同じデトロイト出身のアレサ・フランクリンの助言でアトランティック・レコードに移籍し、「ラバーバンド・マン」（1976年）などのディスコ曲をリリースした。1979年には、エルトン・ジョンの「アー・ユー・レディ・フォー・ラヴ」のカバーや、フォー・シーズンズの曲「ワーキング・マイ・ウェイ・バック・トゥ・ユー」とマイケル・ゼイガーの「フォーギヴ・ミー・ガール」のメドレーをリリースして成功を収めた。フォー・シーズンズ自身は、西海岸を拠点とするR&Bやソウル・アーティストのための短命の子会社であるモータウンのモウエスト・レーベルと短期間契約し、そこでグループは1枚のアルバム「カメレオン」（1972年）を制作したが、米国ではほとんど商業的に成功しなかった。しかし、1975年にイギリスでシングル「The Night」がリリースされ、ノーザン・ソウル界での人気により、イギリスのシングル・チャートで7位に達した。フォー・シーズンズは1974年にモータウンを離れ、ワーナー・カーブ・レコードで「 December, 1963 (Oh, What a Night)」(1975年)という曲でディスコ・ヒットを記録した。

これまでで最も成功したユーロディスコバンドは、ABBA (1972-1982) でした。主に英語で歌うこのスウェーデンの4人組は、「Waterloo」(1974)、「Take a Chance on Me」(1978)、「Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)」(1979)、「Super Trouper」(1980)、そして彼らの代表的な大ヒット曲「Dancing Queen」(1976) などのシングルで成功を収めました。

1970年代、西ドイツのミュンヘンで、音楽プロデューサーのジョルジオ・モロダーとピート・ベロッテが、ドナ・サマーの一連のヒット曲でディスコ音楽に決定的な貢献を果たし、「ミュンヘン・サウンド」として知られるようになった。^{[79] 1975年、サマーは「} Love to Love You Baby 」という歌詞をモロダーとベロッテに提案し、2人はその歌詞を完全なディスコソングに仕上げた。一連の模擬オーガズムの発声を含んだ最終製品は、当初はリリースの予定はなかったが、モロダーがクラブでプレイしたところセンセーションを巻き起こし、リリースした。この曲は国際的なヒットとなり、多くのヨーロッパ諸国と米国（第2位）のチャートにランクインした。これは、ポップミュージックにおける生々しい女性の性欲表現の到来と評されている。約17分の12インチシングルがリリースされた。 12インチシングルは、現在でもディスコのスタンダードとなっている。^{[80] [81]} 1976年、ドナ・サマーズの「Could It Be Magic」は、ディスコをさらに主流にした。1977年夏、モロダーとベロッテは、「Can't We Just Sit Down (And Talk It Over)」のB面として「 I Feel Love 」をリリースし、主にエレクトロニックな制作でダンスミュージックに革命を起こし、世界中で大成功を収め、Hi-NRGというサブジャンルを生み出した。^{[80]ジョルジオ・モロダーは}、オールミュージックで「ディスコサウンドの主要な設計者の一人」と評された。 ^[82]モロダーが当時成功していたディスコミュージックのプロジェクトとしては、ミュンヘン・マシーン（1976年 - 1980年）もある。

ボニーM (1974-1986) は、レコードプロデューサーのフランク・ファリアンが指揮を執った、西インド諸島出身の歌手とダンサー4人からなる西ドイツのユーロディスコグループです。ボニーMは、「 Daddy Cool」(1976)、「Ma Baker」(1977)、「Rivers Of Babylon 」(1978)などの曲で世界的にヒットしました。西ドイツのユーロディスコで成功したもう1つのグループは、シルバー・コンベンション(1974-1979) です。ドイツのグループ、クラフトヴェルクもユーロディスコに影響を与えました。

フランスでは、ダリダは1975年に「J'attendrai」（「私は待つ」）をリリースし、カナダ、ヨーロッパ、日本でもヒットした。ダリダはディスコにうまく適応し、ヨーロッパでトップ10にランクインした曲を少なくとも12曲リリースした。 「フレンチディスコの王」として再出発したクロード・フランソワは、ビージーズの曲「マサチューセッツ」のフランス語版「La plus belle wouldn't choose du monde」をリリースし、カナダとヨーロッパでヒットし、「Alexandrie Alexandra」は彼の埋葬の日に死後にリリースされ、世界的ヒットとなった。セローニの初期の曲、「Love in C Minor」（1976年）、「Supernature」（1977年）、「Give Me Love」（1978年）は米国とヨーロッパでヒットした。もう一つのユーロディスコアーティストはフランスの歌姫アマンダ・リアで、彼女のユーロディスコサウンドは「エニグマ（ギヴ・ア・ビット・オブ・ムム・トゥ・ミー） 」（1978年）で最もよく聞かれます。フランスのプロデューサー、アレック・コスタンディノスは、ユーロディスコグループ「ラブ・アンド・キッス」（1977年 - 1982年） を結成しました。

イタリアでは、ラファエラ・カラーは、ラ・ビオンダ、エルマナス・ゴッジ、オリバー・オニオンズと並んで、最も成功したユーロディスコアーティストでした。彼女の最大の国際的シングルは「Tanti Auguri」（「最高の願い」）で、これはゲイの聴衆の間で人気曲になりました。この曲は、スペイン語のタイトル「Para hacer bien el amor hay que venir al sur」（この曲はスペインで録音され、テープに録音されたため、南ヨーロッパを意味します）としても知られています。この曲のエストニア語版「Jätke võtmed väljapoole」は、アンネ・ヴェスキによって歌われました。 「愛し合うには、まずあなたが」というタイトルの曲は、彼女にとって国際的に成功したもう1つの曲で、スペイン語では「En el amor todo es empezar」、ドイツ語では「Liebelei」、フランス語では「Puisque tu l'aimes dis le lui」、英語では「Do It, Do It Again」として知られている。この曲は彼女にとって唯一の全英シングルチャート入りを果たし、9位にランクインしたが、彼女は依然として一発屋である。^[83] 1977年、彼女は別のヒットシングル「Fiesta」（英語では「The Party」）を録音した。これは元々スペイン語で録音されたもので、ヒットチャートに上った後、フランス語とイタリア語でも録音された。「A far l'amore comincia tu」は、1977年に トルコのポップスター、アイダ・ペカンによって「Sakın Ha」としてトルコ語でカバーされた。

近年、カラは1974年にアドリアーノ・チェレンターノの実験的な意味 不明な歌「Prisencolinensinainciusol」（1973年）のテレビパフォーマンスで女性のダンスソリストとして登場したことで新たな注目を集めている。^[84]彼女のダンスをフィーチャーしたリミックスビデオは、2008年にインターネットで話題になった。 ^{[85] [要出典]} 2008年には、彼女の唯一のイギリスでのヒットシングル「Do It, Do It Again」のパフォーマンスビデオがドクター・フーのエピソード「Midnight」で取り上げられた。ラファエラ・カラはボブ・サンクラーと新しいシングル「Far l'Amore 」を制作し、2011年3月17日にYouTubeでリリースされた。この曲はヨーロッパのさまざまな国でヒットチャートに入った。^[86]また、ヨーロッパの著名なディスコバンドには、 Spargo（バンド）、Time Bandits（バンド）、オランダの Luv'がいる。

ユーロディスコは、ディスコの人気が米国で急激に衰え、米国の大手レコード会社やプロデューサーに見捨てられた後も、幅広い主流のポップミュージックシーンの中で進化を続けました。^[87]イタロディスコの影響を通じて、 1980年代初頭の初期ハウスミュージックや、 90年代初頭のユーロダンスを含むその後のエレクトロニックダンスミュージックの進化にも役割を果たしました。

1977年12月、映画『サタデー・ナイト・フィーバー』が公開された。この映画は大ヒットし、サウンドトラックは史上最も売れたアルバムの1つとなった。この映画のアイデアは、1976年のニューヨーク・マガジン^[88]に掲載された「新しいサタデー・ナイトの部族儀式」と題された記事に端を発しており、この記事は1970年代半ばのニューヨークのディスコ文化を記録したものとされていたが、後に捏造だったことが明らかになった。^[89]批評家の中には、この映画がディスコを「主流化」させ、異性愛者の白人男性に受け入れられやすくしたと言う者もいた。^[90]多くの音楽史家は、この映画とサウンドトラックの成功によってディスコ時代の寿命が数年延びたと考えている。

郊外のディスコ文化とジョン・トラボルタ演じるトニー・マネロのキャラクターを中心に構成されたサタデー・ナイト・フィーバーは、ダンスフロアを家父長制の男らしさと異性愛の求愛の場として作り変える文化的現象となった。この変化はディスコを、特に郊外と中流アメリカの観客をターゲットにした、認識された大衆市場の利益と一致させた。^[64]

『サタデー・ナイト・フィーバー』におけるダンスフロアの描写は、ストレート男性文化による再盗用を示し、男性が腕前を披露し、異性のパートナーを求める場所に変えた。同映画はラテン系の社交ダンスであるハッスルを普及させ、ディスコでのダンス交流におけるストレートなカップルの中心的存在を強調した。特に、ビージーズが主流を占めるサウンドトラックは、ディスコをその多様で包括的な起源から逸脱した、甲高いホワイトポップの新たな化身として提示する危険を冒した。^[64] 『サタデー・ナイト・フィーバー』の成功は前例のないもので、興行収入とアルバム販売の記録を破った。残念ながら、その影響は単なる人気にとどまらなかった。同映画は、簡単に再現できるディスコのテンプレートを確立したが、その見方は完全に脱クィア化されたものだった。物語を郊外の異性愛文化の従来の理想に当てはめるように狭めることで、同映画はディスコの歪んだ商品化に貢献した。

ビージーズはバリー・ギブのファルセットを使って、「ユー・シュッド・ビー・ダンシング」、「ステイン・アライヴ」、 「ナイト・フィーバー」、「モア・ザン・ア・ウーマン」、「ラヴ・ユー・インサイド・アウト」、「トラジディ」などのヒット曲を生み出した。ビージーズの弟であるアンディ・ギブは、「アイ・ジャスト・ウォント・トゥ・ビー・ユア・エブリシング」、「(ラブ・イズ)・シック・ザン・ウォーター」、「シャドウ・ダンシング」など、同様のスタイルのソロシングルを出した。

1978年、ドナ・サマーのマルチミリオンセラーとなったビニールシングルのディスコバージョン「マッカーサー・パーク」は、ビルボードホット100チャートで3週間1位を獲得し、最優秀女性ポップボーカルパフォーマンスのグラミー賞にノミネートされた。彼女のダブルライブアルバム『Live and More』の「マッカーサー・パーク組曲」の一部として収録されたこのレコーディングは、アルバムでは8分40秒の長さだった。より短い7インチビニールシングルバージョンの「マッカーサー・パーク」は、サマーがホット100で1位を獲得した最初のシングルであったが、曲のバラード第2楽章は含まれていない。サマーによる2013年の「マッカーサー・パーク」のリミックスはビルボードダンスチャートで1位を獲得し、50年連続でチャートの1位を獲得した曲となった。^[91] 1978年半ばから1979年後半にかけて、サマーは「ラストダンス」、「ヘヴン・ノウズ」（ブルックリン・ドリームスとの共演）、「ホット・スタッフ」、「バッド・ガールズ」、「ディム・オール・ザ・ライツ」、「オン・ザ・レディオ」などのシングルをリリースし続け、これらはすべてビルボードのポップチャートでトップ5以上にランクインする大成功を収めた。

シックというバンドは、1960年代後半のニューヨーク出身の「ストリートヒッピー」を自称するギタリストのナイル・ロジャースとベーシストのバーナード・エドワーズを中心に結成された。1978年に発売された彼らの人気シングル「Le Freak」は、このジャンルの象徴的な曲とみなされている。シックの他のヒット曲には、「Good Times」（1979年）、「I Want Your Love」（1979年）、「Everybody Dance 」（1979年）などがあり、よくサンプリングされている。このグループは、ディスコ運動のロックバンドとして、ヒッピー運動の理想である平和、愛、自由を体現していると自認していた。彼らが書いた曲はすべて、「深い隠された意味」、つまりDHMを与えることを念頭に置いて書かれた^{[92] 。}

シルベスターは、高揚するファルセットの声で知られる、派手で公然とゲイであることを公言する歌手で、1978年後半に「ユー・メイク・ミー・フィール（マイティ・リアル） 」で最大のディスコヒットを記録した。彼の歌唱スタイルは歌手プリンスに影響を与えたと言われている。当時、ディスコはゲイのパフォーマーに最もオープンな音楽形式の一つであった。^[93]

ヴィレッジ・ピープルは、ディスコのゲイの聴衆をターゲットに、ジャック・モラリとアンリ・ベロロによって結成された歌とダンスのグループです。彼らは、ステージ上で男性に典型的な職業や少数民族の衣装を身にまとって演奏することで知られ、1978 年のヒット曲「マッチョ・マン」で主流の成功を収めました。他の曲には「 YMCA」(1979 年) や「イン・ザ・ネイビー」(1979 年)などがあります。

また、トランプスの「ディスコ・インフェルノ」（1976年）（1978年、サタデー・ナイト・フィーバーのサウンドトラックの人気により再発）、ヒートウェーブの「ブギーナイツ」（1977年）、エヴリン・「シャンパン」・キングの「シェイム」（1977年）、テイスト・オブ・ハニーの「ブギー・ウギー・ウギー」（1978年）、シェリル・リンの「ガット・トゥ・ビー・リアル」（1978年）、アリシア・ブリッジスの「アイ・ラブ・ザ・ナイトライフ」（1978年）、パトリック・ヘルナンデスの「ボーン・トゥ・ビー・アライヴ」（1978年）、アース・ウィンド・アンド・ファイアーの「セプテンバー」（1978年）と「ブギー・ワンダーランド」（1979年）、 ピーチズ＆ハーブの「シェイク・ユア・グルーヴ・シング」（1978年）、シスター・スレッジの「ウィー・アー・ファミリー」と「「He's the Greatest Dancer」（ともに1979年）、マクファデンとホワイトヘッドの「Ain't No Stoppin' Us Now」（1979年）、アニタ・ワードの「Ring My Bell」（1979年）、クール＆ザ・ギャングの「Ladies' Night」（1979年）と「Celebration」（1980年）、ウィスパーズの「And the Beat Goes On」（1979年）、ステファニー・ミルズの「What Cha Gonna Do with My Lovin'」（1979年）、リップス社の「Funkytown」（1980年）、ブラザーズ・ジョンソンの「Stomp!」（1980年）、ジョージ・ベンソンの「Give Me the Night」（1980年）、ドナ・サマーの「Sunset People」（1980年）、そしてウォルター・マーフィーのクラシック音楽を主流にしようとしたさまざまな試み、最も有名なのはディスコソング「Aベートーヴェンの交響曲第5番にインスピレーションを受けて作曲された『ベートーヴェンの交響曲第5番』（1976年）である。

ディスコ人気の絶頂期には、多くの非ディスコアーティストがディスコの要素を取り入れた曲をレコーディングした。例えばロッド・スチュワートは1979年に「Da Ya Think I'm Sexy? 」をレコーディングした。 ^[94]主流のロックアーティストでさえディスコの要素を取り入れた。プログレッシブ・ロック・グループのピンク・フロイドは、ディスコ風のドラムとギターを「Another Brick in the Wall, Part 2」（1979年）で使用し、^[95]アメリカとイギリスの両方で彼らの唯一のナンバーワンシングルとなった。イーグルスは「ワン・オブ・ジー・ナイツ」（1975年）^[96]と「ディスコ・ストラングラー」（1979年）、ポール・マッカートニー＆ウイングスは「シリー・ラヴ・ソングス」（1976年）と「グッドナイト・トゥナイト」（1979年）、クイーンは「アナザー・ワン・バイツ・ザ・ダスト」（1980年）、ローリング・ストーンズは「ミス・ユー」（1978年）と「エモーショナル・レスキュー」（1980年）、スティーヴン・スティルスはアルバム「サラフェア・ギャップ」 （1978年）、エレクトリック・ライト・オーケストラは「シャイン・ア・リトル・ラヴ」と「ラスト・トレイン・トゥ・ロンドン」（ともに1979年）、シカゴは「ストリート・プレイヤー」（1979年）、キンクスは「（ウィッシュ・アイ・クッド・フライ・ライク）スーパーマン」（1979年）、グレイトフル・デッドは「シェイクダウン・ストリート」、ザ・フーは「エミネンス・フロント」（1982年）、J・ガイルズ・バンドは「カム・バック」（1980年）に続いて、ハードロックグループのKISSも「 I Was Made for Lovin' You」（1979年）で参入し、 ^[97]リンゴ・スターのアルバム「Ringo the 4th」（1978年）には強いディスコの影響が見られる。

ディスコサウンドは、イージーリスニング歌手バーブラ・ストライサンドがドナ・サマーとデュエットした1979年の全米ナンバーワンヒット曲「No More Tears (Enough Is Enough)」など、他のジャンルのアーティストにも取り入れられました。カントリーミュージックでは、より主流の市場にアピールしようと、アーティストはポップ/ディスコの影響を音楽に加え始めました。ドリー・パートンは、ディスコ風の曲を収録したアルバム「Heartbreaker」と「Great Balls of Fire 」で、ポップ/ダンスチャートへのクロスオーバーを成功させました。特に、「Baby I'm Burnin'」のディスコリミックスは、ビルボードダンスクラブソングチャートで最高15位に達し、最終的にその年最大のクラブヒットの1つとなりました。^[98] さらに、コニー・スミスは1977年にアンディ・ギブの「I Just Want to Be Your Everything」をカバーし、ビル・アンダーソンは1978年に「Double S」を録音し、ロニー・ミルサップは1979年に「Get It Up」をリリースし、ブルース歌手トミー・タッカーの曲「Hi-Heel Sneakers」をカバーした。

1970年代には、既存の非ディスコ曲、スタンダード曲、テレビテーマ曲が頻繁に「ディスコ化」された。例えば、『アイ・ラブ・ルーシー』のテーマ曲（ウィルトン・プレイス・ストリート・バンドにより「ディスコ・ルーシー」として録音）、『アクアレラ・ド・ブラジル』（リッチー・ファミリーにより「ブラジル」として録音）、『ベイビー・フェイス』（ウィング・アンド・ア・プレイヤー・ファイフ・アンド・ドラム隊により録音）などである。ディスコ時代を象徴するようになった豊かなオーケストラ伴奏はビッグバンド時代の記憶を呼び起こした。ビッグバンド時代には、1945年の曲「テンプテーション」を1975年に再録音したペリー・コモや、1979年にディスコ曲のアルバム『エセル・マーマン・ディスコ・アルバム』をリリースしたエセル・マーマンなど、ビッグバンドのアレンジを録音してディスコ化したアーティストが数人登場した。

『ローレンス・ウェルク・ショー』の司会者、マイロン・フローレンは、「クラリネット・ポルカ」の録音「ディスコ・アコーディオン」をリリースした。同様に、ボビー・ヴィントンは「ペンシルバニア・ポルカ」を「ディスコ・ポルカ」という曲にアレンジした。イージーリスニングのアイコン、パーシー・フェイスは、彼の最後の録音の1つとして、ディスコ・パーティー（1975年）と題したアルバムをリリースし、1976年には「夏の場所のテーマ」のディスコバージョンを録音した。クラシック音楽でさえディスコ用にアレンジされており、有名なものとしては、ウォルター・マーフィーの「ベートーヴェンの5番目の交響曲」（1976年、ベートーヴェンの交響曲第5番の第1楽章に基づく）や「フライト76」（1976年、リムスキー＝コルサコフの「熊蜂の飛行」に基づく）、ルイス・クラークのフックト・オン・クラシックスシリーズのアルバムとシングルが挙げられる。

当時のオリジナルのテレビ テーマソングの多くも、ディスコの影響を強く受けており、例えば『SWAT』（1975年）、『ワンダーウーマン』（1975年）、『チャーリーズ・エンジェル』 （ 1976年）、『NBC サタデー・ナイト・アット・ザ・ムービーズ』（1976年）、『ラブ・ボート』 （1977年）、 『ドナヒュー・ショー』（1977年）、『CHiPs』（1977年）、『プロフェッショナル』（1977年）、『ダラス』（1978年）、『NBC スポーツ放送』（1978年）、『コジャック』（1977年）、『ハリウッド・スクエアーズ』（1979年）などがある。

ディスコのジングルは、ピュリナの1979年のキャットフード「グッドミューズ」のコマーシャル^[99]やピッツバーグのアイアンシティブリューイングカンパニーの「ICライト」のコマーシャルなど、多くのテレビコマーシャルにも登場しました。

ディスコ スタイルのパロディがいくつか作られました。テネシー州メンフィスのラジオ DJ だったリック ディーズは、「Disco Duck」(1976 年) と「Dis-Gorilla」(1977 年)を録音しました。フランク ザッパは、 1976 年のアルバムZoot Alluresの「Disco Boy 」と、 1979 年のアルバムSheik Yerboutiの「 Dancin' Fool」でディスコ ダンサーのライフスタイルをパロディ化しました。「ウィアード アル」ヤンコビックの1983 年のデビュー アルバムには、「Gotta Boogie」というディスコ ソングが収録されています。これは、ディスコの動きがアメリカの俗語「booger」に似ていることをもじったものです。コメディアンのビル コスビーは、1977 年のアルバムDisco Bill全体をディスコ パロディに捧げました。1980 年、Mad Magazine は、このジャンルの 6 つのフルレングスのパロディを収録したMad Discoというソノシートをリリースしました。ディスコを批判するロックンロールの曲には、ボブ・シーガーの「オールド・タイム・ロックンロール」や、特にザ・フーの「シスター・ディスコ」（どちらも1978年）などがあるが、ザ・フーの「エミネンス・フロント」（4年後）にはディスコの雰囲気があった。

1970年代の終わりまでに、特に米国では、ロック音楽ファンやミュージシャンの間で反ディスコ感情が高まった。 ^{[100] [101]ディスコは無神経で}消費主義的で過剰生産で現実逃避的であると批判された。^[102]「ディスコは最悪だ」や「ディスコに死を」というスローガン^{[100]がよく使われるようになった。}ロッド・スチュワートやデヴィッド・ボウイなど、音楽にディスコの要素を加えたロックアーティストは、売国奴だと非難された。^{[103] [104]}

アメリカやイギリスのパンク・サブカルチャーはディスコに対して敵対的であることが多かったが[ ^100]、イギリスではブロムリー・コンティンジェントやジョーダンなど初期のセックス・ピストルズファンの多くがディスコを好み、ソーホーのルイーズやケンジントンのソンブレロなどのナイトクラブによく集まっていた。前者のハウス・アンセムであったダイアナ・ロスのトラック「ラブ・ハングオーバー」は、多くの初期のイギリスのパンクたちのお気に入りとして挙げられていた^[105] 。 映画『グレート・ロックンロール・スウィンドル』とそのサウンドトラック・アルバムには、同名のグループによる 「ブラック・アラブス」と題されたセックス・ピストルズの曲のディスコ・メドレーが収録されている。

しかし、デッド・ケネディーズのジェロ・ビアフラは「サタデー・ナイト・ホロコースト」という曲の中で、ディスコを、政府の政策に対する無関心と現実逃避の点で、ワイマール時代のドイツのキャバレー文化に例えている。ディーヴォのマーク・マザーズボーは、ディスコは「素晴らしい体つきだが頭脳のない美しい女性のようなもの」であり、当時の政治的無関心の産物だと述べた。^[106]ニュージャージーのロック評論家ジム・テスタは「プット・ア・バレット・スルー・ザ・ジュークボックス」という、パンクの戦闘への呼びかけと見なされていたディスコを激しく非難する長文の歌詞を書いた。^[107] 1970年代末にディスコに触発されてプログレッシブ・ロックのミュージシャンからエレクトロニック・アーティストに転身する直前のスティーヴ・ヒレッジは、ディスコへの愛を認めてロックファンを失望させ、「まるで彼らの飼い猫を殺したようだ」と回想している。^[108]

反ディスコ感情は、いくつかのテレビ番組や映画で表現された。シンシナティの番組「WKRP」で繰り返し取り上げられたテーマは、ディスコ音楽に対する敵対的な態度だった。1980年のコメディ映画「エアプレーン！ 」のあるシーンでは、迷​​い込んだ飛行機が翼でラジオ塔を切り裂き、ディスコ専門のラジオ局を破壊している。^{[109] 1979年7月12日は、シカゴの}コミスキー・パークで行われた野球のダブルヘッダーで行われた反ディスコのデモ「ディスコ・デモリション・ナイト」により、「ディスコが死んだ日」として知られるようになった。^[110]ロック局のDJであるスティーブ・ダールとギャリー・マイヤーは、シカゴ・ホワイトソックスのオーナー、ビル・ベックの息子であるマイケル・ベックとともに、ホワイトソックスのダブルヘッダーの試合の合間に、センターフィールドでディスコレコードを爆発させるなど、不満を抱くロックファンのためのプロモーションイベントを開催した。第2試合が始まろうとしていたとき、騒々しい群衆がフィールドになだれ込み、火をつけたり、座席や芝生の一部を剥がしたりした。シカゴ警察は多数の逮捕者を出し、フィールドが甚大な被害を受けたため、ホワイトソックスは第2試合を第1試合で勝利していたデトロイト・タイガースに没収された。

ディスコの人気はディスコ・デモリション・ナイト以降急速に衰退した。1979年7月12日、米国の音楽チャートのトップ6はディスコソングだった。^{[111] 9月22日までに、米国のトップ10チャートには、}ハーブ・アルパートのインストルメンタル曲「ライズ」を除いてディスコソングは入っておらず、ディスコのニュアンスが少し入ったスムーズジャズだった。^[111]メディアの中には、祝賀ムードでディスコは死に、ロックが復活したと宣言する者もいた。^{[111]女性初のディスコDJである} カレン・ミクソン・クックは、人々は今でも毎年7月12日にディスコに敬意を表して黙祷を捧げていると述べた。ダールは2004年のインタビューで、「おそらく当時はディスコは衰退しつつあった。しかし、ディスコ・デモリション・ナイトが終焉を早めたと思う」と述べた。^[112]

反ディスコ運動は、他の社会的要因やラジオ業界の要因と相まって、『ディスコ・デモリション・ナイト』以降の数年間にポップ・ラジオの様相を変えた。1980年代から、カントリー・ミュージックはポップ・チャートでゆっくりと上昇し始めた。カントリー・ミュージックが主流の人気に上り詰めたことを象徴するのは、1980年の商業的に成功した映画『アーバン・カウボーイ』である。 1970年代後半のパワー・ポップの継続的な人気とオールディーズの復活もディスコの衰退と関係があり、1978年の映画『グリース』はこの傾向を象徴するものである。偶然にも、両方の映画の主演はジョン・トラボルタであり、彼は1977年に『サタデー・ナイト・フィーバー』で主演しており、この映画は今でもその時代を代表するディスコ映画の1つである。

ディスコ人気の衰退期には、いくつかのレコード会社が倒産、再編、売却された。1979年、MCAレコードはABCレコードを買収し、そのアーティスト数名を吸収した後、レーベルを閉鎖した。ミッドソング・インターナショナル・レコードは1980年に営業を停止した。RSOレコードの創設者ロバート・スティグウ​​ッドは1981年にレーベルを離れ、TKレコードも同年に閉鎖された。サルソウル・レコードは2000年代も存続しているが、主に再発ブランドとして使用されている。^[113] カサブランカ・レコードは1980年代にレコードのリリースを減らし、1986年に親会社のポリグラムによって閉鎖された。

ディスコ時代に人気があったグループの多くは、その後、音楽の嗜好の変化に適応しようとしたグループでさえ、成功を維持するのに苦労した。例えばビージーズは、自分たちが作曲し、他のアーティストに演奏させた曲が多数ヒットしたにもかかわらず、トップ10入りしたのは1曲（1989年の「 One」）で、トップ40入りした曲は3曲しかなく、バンド自体も1980年代と1990年代の曲ではディスコから大きく離れていた。シックは、1979年8月に「 Good Times 」がチャートのトップに立った後、再びトップ40入りすることはなかった。ディスコの衰退によって落ちぶれなかった数少ないグループの中で、クール・アンド・ザ・ギャング、ドナ・サマー、ジャクソンズ、グロリア・ゲイナーは特に目立っている。彼らは初期にディスコサウンドの定義に貢献したにもかかわらず、^[114] 1980年代以降も、より洗練されてはいるものの、人気があり踊れる曲を、さらに別の世代の音楽ファンに作り続けた。アース・ウィンド・アンド・ファイアーも反ディスコの流行を生き残り、その後も数年間ほぼ同じペースでヒットシングルを出し続けたほか、1990年代まで続いたR&Bチャートヒットの連続も続いた。

ディスコ・デモリション・ナイト（1978年12月）の6か月前、人気のプログレッシブ・ロック・ラジオ局WDAI（WLS-FM）が突然ディスコ一色の放送形式に切り替え、何千人ものシカゴのロックファンの支持を失い、ダールは失業した。世論の変化を乗り越え、この時点でも高い視聴率を維持していたWDAIは、1980年5月にトップ40とロックのハイブリッド形式に短期間切り替えるまでディスコを放送し続けた。当時WDAIと競合していた別のディスコ局WGCI-FMは、後にR&Bやポップソングをこの形式に取り入れ、最終的に今日まで続くアーバン・コンテンポラリー局へと進化した。後者は、シカゴ・ハウスのジャンルをラジオで流すのにも貢献した。^[要出典]

米国におけるディスコの衰退の原因として挙げられているのは、1970年代末の経済的、政治的変化、参加者の享楽主義的なライフスタイルによる燃え尽き症候群などである。 ^[115]ディスコ・デモリション・ナイト以降、社会評論家の中には「ディスコは最悪」運動を暗黙のうちにマッチョで偏見に満ち、非白人および非異性愛文化への攻撃だと評する者もいる。^{[100] [104] [110]}また、この運動はより広範な文化的「反発」、つまり保守主義への動きとも関連しており、^{[116]保守主義は1980年の保守派}ロナルド・レーガン大統領の選出とともに米国政治にも波及し、 1954年以来初めて共和党が米国上院を掌握し、同時期に 宗教右派が台頭した。

1979年1月、ロック評論家のロバート・クリストガウは、この運動の背後には同性愛嫌悪、そしておそらく人種差別があると主張した。 ^[103]この結論はジョン・ロックウェルも支持した。クレイグ・ワーナーは「ディスコ反対運動は、ファンカリストとフェミニスト、進歩主義者と清教徒、ロッカーと反動主義者の不道徳な同盟を代表していた。それにもかかわらず、ディスコへの攻撃は、最も醜悪な、認知されていない人種差別、性差別、同性愛嫌悪に立派な声を与えた」と書いた。^[117] ファンジン「パンク」の創刊者レッグス・マクニールはインタビューで「ヒッピーは常に黒人になりたかった。私たちは『ブルースなんかクソくらえ、黒人の経験なんかクソくらえ』と言っていた」と語ったと引用されている。彼はまた、ディスコは同性愛者と黒人の「不道徳な」結合の結果であると述べた。^[118]

ディスコ・デモリション・ナイトの先鋒を務めたスティーブ・ダールは、このプロモーションに人種差別や同性愛嫌悪の含みはないと否定し、「歴史的に見て、そういったことをすべて結びつけるのはとても簡単です。しかし、私たちはそうは考えていません」と述べた。 ^[104]これは「ただ子供たちが音楽ジャンルを軽蔑しているだけ」だった。 [ ^{119]ディスコに対するイギリスの}パンクロック批評家は、黒人支持/反人種差別のレゲエジャンルや、より同性愛支持のニューロマンティック運動を非常に支持していたことが指摘されている。^[100]クリストガウとジム・テスタは、ディスコを批判するのには正当な芸術的理由があると述べた。^{[103] [107]}

1979年、米国の音楽業界は数十年で最悪の不況に見舞われ、大衆的な人気にもかかわらずディスコが非難された。プロデューサー志向のサウンドは、業界のアーティスト志向のマーケティングシステムとうまく融合するのに苦労していた。^[120] A&Mレコードのハロルド・チャイルズ上級副社長は、ロサンゼルス・タイムズ紙に「ラジオはロック製品を切実に求めている」と語り、「彼らは皆、白人のロックンロールを探している」と語ったと伝えられている。^[110] グロリア・ゲイナーは、ロック音楽のプロデューサーが金を失い、ロックミュージシャンがスポットライトを失っていたため、音楽業界はディスコの破壊を支持したと主張した。^[121]

ディスコは、ハウス、テクノ、ユーロダンスなどのエレクトロニックダンスミュージックのジャンルの発展に重要な役割を果たしました。 1976年にジョルジオ・モロダーがドナ・サマーのためにプロデュースしたユーロディスコの曲「I Feel Love 」は、反復的なシンセサイザーループと連続した4つ打ちのベースドラム、オフビートのハイハットを組み合わせた最初の曲であり、10年後にテクノとハウスの主な特徴となったため、エレクトロニックダンスミュージックのマイルストーンであり青写真であると評されています。^{[79] [80] [122]}

1980年代初頭、スタジオのセッションミュージシャンの大規模なアンサンブル（ホーンセクションとオーケストラの弦楽セクションを含む）によって演奏される複雑なアレンジメントを特徴とする従来のディスコサウンドは段階的に廃止され始め、ギターと簡素化されたバックグラウンドを伴うより速いテンポと合成効果により、ダンスミュージックはhi-NRGに始まるエレクトロニックとポップのジャンルへと移行しました。人気の衰えにもかかわらず、いわゆるクラブミュージックとヨーロッパスタイルのディスコは、Anekaの「Japanese Boy」、ウェザーガールズの「It's Raining Men」、ステイシーQの「Two of Hearts」、デッドオアアライブの「You Spin Me Round (Like a Record)」、ローラブラニガンの「Self Control」、ボルティモラの「Tarzan Boy」などの曲により、1980年代前半から中期にかけて比較的成功を収めました。しかし、 1990年代以降、 ニューディスコと呼ばれる伝統的なスタイルのディスコの復活が人気を博しました。

ハウスミュージックはディスコの影響を強く受けており、エレクトロニックダンスミュージックや現代のクラブカルチャーの形成に大きな成功を収めたハウスミュージックは、「ディスコの復讐」とよく言われる。^[123]初期のハウスミュージックは、一般的にダンスミュージックで、反復的な4つ打ちのビート、主にドラムマシンによるリズム、^[124]オフビートのハイハットシンバル、シンセサイザーのベースラインが特徴だった。ハウスはディスコミュージックに似た特徴をいくつか備えていたが、よりエレクトロニックでミニマルであり、^[124]ハウスの反復的なリズムは曲自体よりも重要だった。また、ハウスではディスコサウンドの重要な部分である豪華なストリングセクションは使用されていなかった。

ディスコ人気の高まりは、DJの役割の発展と並行して起こった。DJは、複数のレコード用ターンテーブルとDJミキサーを使用して、ダンスを中断させるような音楽の中断なしに、曲から曲へと連続的でシームレスなミックスを作成するところから発展した。その結果生まれたDJミックスは、ミュージシャンによるライブパフォーマンスを重視していた1960年代の以前のダンスミュージックの形式とは異なっていた。ディスコ時代の曲は、一般的に新しい曲への移行に簡単に使用できるシンプルなビートやリフで始まりと終わりがマークされていたため、ダンスミュージックのアレンジにも影響を与えた。DJの発展は、ビートマッチングやスクラッチなどの新しいターンテーブル技術の影響も受けており、これらのプロセスは、1978年に初めて販売されたTechnics SL-1200 MK 2などの新しいターンテーブル技術の導入によって促進された。この技術は、正確な可変ピッチコントロールとダイレクトドライブモーターを備えていた。 DJ は熱心なレコード収集家であることが多く、中古レコード店で無名のソウルレコードやビンテージ ファンク レコードを探し回っていました。DJ は、クラブの観客に珍しいレコードや新しいアーティストを紹介するのに貢献しました。

1970年代には、個人のDJがより目立つようになり、パラダイスガレージのレジデントDJであるラリー・レヴァン、ジム・バージェス、ティー・スコット、フランシス・グラッソなどの一部のDJがディスコシーンで有名になりました。たとえば、レヴァンはクラブファンの間でカルト的な支持者を生み出し、彼らは彼のDJセットを「サタデー・マス」と呼んでいました。一部のDJは、リール式テープレコーダーを使用して曲のリミックスやテープ編集を行いました。リミックスを作成していた一部のDJは、DJブースからレコードプロデューサーに転身し、バージェスが代表的です。スコットはいくつかの革新を成し遂げました。彼は、音源として3つのターンテーブルを使用した最初のディスコDJであり、ビートを合わせた2枚のレコードを同時に再生した最初のディスコDJであり、ミックスに電子効果装置を使用した最初のディスコDJであり、有名な映画のセリフを、通常はパーカッションブレイクにミックスした革新者でもありました。これらのミキシング技術は、 WKTUやWBLSのテッド・カリアーなどのラジオDJにも応用された。グラッソは、DJを「職業として奴隷制から解放し、音楽の料理長にした」ことで特に有名である。^[125]彼がシーンに登場してからは、DJは観客に手取り足取り付き従い、彼らのあらゆる曲のリクエストに応える責任はなくなった。代わりに、主体性と知名度が増したDJは、自分の技術的、創造的スキルを使って、毎晩の革新的なミックスのスペシャルを作り上げ、自分のサウンドと美学を洗練させ、自分の評判を築くことができるようになった。^[126]

ポストディスコサウンドとそれに関連するジャンルは、1970年代から1980年代初頭にかけて、R&Bやポストパンクのミュージシャンがディスコのより電子的で実験的な側面に焦点を当て、ブギー、イタロディスコ、オルタナティブダンスを生み出したことから始まりました。カシフやスティーヴィーワンダーの「ワンマンバンド」スタイルやパーラメント・ファンカデリックのオルタナティブなアプローチなど、ディスコ以外のさまざまな影響とテクニックを取り入れ、シンセサイザー、キーボード、ドラムマシンによって駆動されました。ポストディスコのアーティストには、D.トレイン、パトリス・ラッシェン、ESG、ビル・ラズウェル、アーサー・ラッセルなどがいます。ポストディスコはダンスポップに大きな影響を与え、古典的なディスコと後のエレクトロニックダンスミュージックの架け橋となりました。^[127]

ディスコサウンドは初期のヒップホップに強い影響を与えました。初期のヒップホップの曲のほとんどは、既存のディスコベースギターのラインを分離し、MCの韻をダビングして作成されました。シュガーヒルギャングは、シックの「グッドタイムズ」をベースとして、1979年の曲「ラッパーズディライト」を作成しました。この曲は、米国および世界中でラップミュージックを初めて普及させた曲と一般に考えられています。

シンセサイザーとクラウトロックの影響がそれまでのディスコの基盤に取って代わり、アフリカ・バンバータがシングル「Planet Rock」をリリースした際に新しいジャンルが誕生し、Planet Patrolの「 Play at Your Own Risk」(1982 年)、C-Bankの「One More Shot」(1982 年)、Cerroneの「Club Underworld」(1984 年)、Shannonの「Let the Music Play」(1983 年)、Freeezの「IOU」(1983 年)、Midnight Starの「Freak-a-Zoid」(1983 年)、Chaka Khanの「I Feel For You」(1984 年) などの曲を含むヒップホップ エレクトロニック ダンスのトレンドが生まれました。

ハウス ミュージックは、 1980 年代初頭にシカゴで生まれたエレクトロニック ダンス ミュージックのジャンルです(シカゴ ハウスも参照)。デトロイトではよりハードでインダストリアルなテクノに発展し、ニューヨーク (ガレージ ハウスも参照)、ニューアークなど、アメリカの他の都市にも急速に広がり、各都市で独自の地域シーンが生まれました。

1980年代半ばから後半にかけて、ハウスミュージックはヨーロッパだけでなく、南米やオーストラリアの主要都市でも人気を博した。^[128]ヨーロッパにおける初期のハウスミュージックの商業的成功には、MARRSの「 Pump Up The Volume」 （1987年）、 House Master Boyz and the Rude Boy of Houseの「House Nation」（1987年）、S'Expressの「Theme from S'Express」（1988年）、Coldcutの「 Doctorin' the House」 （1988年）などの曲がポップチャートに登場した。1990年代前半から半ばにかけて、ハウスミュージックは世界中で主流のポップミュージックやダンスミュージックに浸透してきた。

2010年代のハウスミュージックは、ビートごとに目立つキックドラムなど、いくつかのコア要素を維持しながらも、ソウルフルで雰囲気のあるディープハウスから、より攻撃的なアシッドハウスやミニマリストのマイクロハウスまで、スタイルや影響が大きく異なります。ハウスミュージックは他のいくつかのジャンルと融合し、ユーロハウス、テックハウス、エレクトロハウス、ジャンプハウスなどのフュージョンサブジャンルを生み出しています。 ^[124]

1980年代後半から1990年代前半にかけて、ハウスやアシッドハウスのシーンからレイブカルチャーが生まれ始めた。 ^{[129]ハウス同様、レイブカルチャーには、強力な}サウンドシステムでDJがかけるダンスミュージックへのディスコカルチャーの愛情、娯楽目的のドラッグやクラブドラッグの探求、性的乱交、快楽主義などが取り入れられている。ディスコカルチャーはアンダーグラウンドで始まったが、1970年代後半にはメインストリームで繁栄し、大手レコード会社が大量消費向けに音楽を商品化しパッケージ化した。対照的に、レイブカルチャーはアンダーグラウンドで始まり、（ほとんど）アンダーグラウンドにとどまった。これは、ディスコやダンスミュージックを取り巻く敵意を避けるためでもあった。レイブシーンがアンダーグラウンドにとどまったのは、一部のダンスイベントで秘密の無許可の倉庫を使用したり、エクスタシーなどの違法なクラブドラッグと関連付けられたりしたことで、レイブカルチャーに向けられた法執行機関の注目を避けるためでもあった。

1970年代後半に始まったポストパンク運動は、パンクロックのルール破りを支持する一方で、生々しいロック音楽への回帰を拒否した。^[130]常に前進するというポストパンクのマントラは、ディスコや他のスタイルの要素に対する開放性と実験性の両方に役立った。^[130] パブリック・イメージ・リミテッドは最初のポストパンクグループと見なされている。^[130]グループの2枚目のアルバム「メタルボックス」は、ディスコの「スタジオを楽器にする」方法論を完全に取り入れた。^[130]グループの創設者で、元セックス・ピストルズのリードシンガーであるジョン・ライドンは、当時自分が気にしていた音楽はディスコだけだったとマスコミに語った。

ノー・ウェイヴは、ニューヨーク市を中心とするポスト・パンクのサブジャンルであった。^[130]ノー・ウェイヴ界の著名なメンバーであるジェームズ・チャンスは、衝撃を与えるために、イースト・ヴィレッジ・アイに記事を寄稿し、読者にアップタウンに引っ越して「超放射能ディスコ・ブードゥー・ファンクでトランス状態になる」よう促した。彼のバンド、ジェームズ・ホワイト・アンド・ザ・ブラックスは、オフ・ホワイトというタイトルのディスコ・アルバムを書いた。^[130]彼らのパフォーマンスは、ディスコ・パフォーマー（ホーン・セクション、ダンサーなど）のものと似ていた。^[130] 1981年、ZEレコードは、ノー・ウェイヴからより微妙なミュータント・ディスコ（ポスト・ディスコ/パンク）ジャンルへの移行を主導した。^{[130]キッド}・クレオール・アンド・ザ・ココナッツ、ワズ・ノット・ワズ、ESG、リキッド・リキッドなどのミュータント・ディスコ・バンドは、ニュー・オーダー、オレンジ・ジュース、ア・サーティン・レシオなどのイギリスのポスト・パンク・バンドに影響を与えた。^[130]

ニューディスコは、1970年代から1980年代初頭のディスコ、^[131] 1980年代半ばのイタロディスコ、シンセサイザーを多用したユーロディスコの美学への新たな関心と関連した21世紀のダンスミュージックのジャンルです。^[132]この呼称は2002年に早くも印刷物に登場し、2008年半ばにはオンライン小売業者のJunoやBeatportなどのレコードショップで使用されました。^[133]これらのベンダーは、ニューディスコをオリジナル時代のディスコミュージックの再編集版や、オリジナル時代のアメリカンディスコ、エレクトロ、および1970年代後半から1980年代前半に人気があった他のジャンルに触発されたダンスミュージックを作るヨーロッパのプロデューサーの音楽と関連付けることが多い。また、以前はエレクトロクラッシュやフレンチハウスのジャンルに関連付けられていたいくつかのアメリカのレーベルの音楽を説明するためにも使用されます。

1990年代、10年間の反発の後、ディスコとその遺産はポップミュージックのアーティストやリスナーに同様に受け入れられるようになり、ディスコに言及した曲、映画、コンピレーションがさらに多くリリースされました。これは、当時の大衆文化で起こっていた1970年代への郷愁の波の一部でした。一部の評論家は、このジャンルの復活はファッションショーでディスコ音楽が頻繁に使用されたためだと考えています。^[134]

この時期のディスコの影響を受けた曲の例としては、ディー・ライトの「グルーヴ・イズ・イン・ザ・ハート」（1990年）、U2の「レモン」（1993年）、ブラーの「ガールズ＆ボーイズ」（1994年）と「エンターテイニング・ミー」（1995年）、パルプの「ディスコ2000」（1995年）、ジャミロクワイの「キャンド・ヒート」（1999年）などがあり、映画では『ブギーナイツ』 （1997年）や『ラスト・デイズ・オブ・ディスコ』（1998年）で主にディスコのサウンドトラックが使用されました。

2000年代初頭、ディスコの最新ジャンルである「ニューディスコ」が主流になり始めた。ダフト・パンクの「ワン・モア・タイム」やカイリー・ミノーグの「ラブ・アット・ファースト・サイト」や「キャント・ゲット・ユー・アウト・オブ・マイ・ヘッド」などのいくつかの例は、クラブで人気となり、商業的にも成功した。ニューディスコの曲のいくつかは、スピラーの「グルーヴジェット（イフ・ディス・エイント・ラブ）」やモジョの「レディ（ヒア・ミー・トゥナイト）」のようにファンキーハウスとクロスオーバーしており、どちらの曲も古いディスコ曲をサンプリングしており、 2000年にイギリスのシングルチャートで1位を獲得した。ロビー・ウィリアムズのディスコシングル「ロックDJ」は、同年イギリスで4番目に売れたシングルとなった。ジャミロクワイの曲「リトル・L」とソフィー・エリス＝ベクスターの「ダンスフロアでの殺人」は2001年にヒットした。ロックバンドのマニック・ストリート・プリーチャーズは同年、ディスコ曲「ミス・ヨーロッパ・ディスコ・ダンサー」をリリースした。この曲のディスコからの影響は『ノウ・ユア・エネミー』に収録されており、「大いに議論された」と評された。^[135] 2005年、マドンナは1970年代のディスコ音楽に没頭し、アルバム『コンフェッションズ・オン・ア・ダンスフロア』をリリースして絶賛された。アルバムからのシングル曲の1つ「ハング・アップ」は、ABBAの1979年の曲「ギミー! ギミー! ギミー! (ア・マン・アフター・ミッドナイト)」をサンプリングしており、クラブで定番となった。マドンナは授賞式やインタビューでディスコ風の衣装を身にまとっていたが、それに加えて『コンフェッションズ・ツアー』ではミラーボールや鏡張りのステージデザイン、ローラーダービーなど1970年代のさまざまな要素を取り入れていた。2006年、ジェシカ・シンプソンはディスコと1980年代の音楽にインスパイアされたアルバム『A Public Affair』をリリースした。アルバムの最初のシングル「 A Public Affair」はマドンナの初期の作品に影響を受けたディスコダンスのコンテストだと評された。この曲のビデオはスケートリンクで撮影され、手でラインダンスをするシーンがある。^{[136] [137] [138]}

2000 年代初頭の「ニューディスコ」リバイバルの成功は、音楽評論家のトム・ユーイングによって、1990 年代のポップミュージックよりも人間関係を重視したものと評された。「ポップミュージックにおけるディスコのリバイバルは、90 年代に失われていたものにスポットライトを当てた。それは、ダンスのためだけではなく、誰かと一緒に踊るための音楽感覚だ。ディスコは、クルージング、いちゃつき、交渉など、相互の魅力の音楽だった。ダンスフロアは、即時の喜びのための空間であると同時に、約束を守るための空間でもある。物事が始まる場所だが、その解決、ましてや意味は決して明確ではない。2000 年代の偉大なディスコナンバーワンは、この手の遊び方を模索している。マディソンアベニューは、条件や役割を設定するために、自分たちの意志を押し付けようとしている。スピラーはそれほど堅苦しくない。「グルーヴジェット」は、夜の移り変わりを受け入れ、楽しげな笑顔といくつかの素晴らしいワンライナーのために、喜んで確実性を売り渡している。」^[139]

2011年、K-POPガールズグループT-ARAは、 EP 『ジョン・トラボルタ・ワナビー』の一部として『Roly-Poly』をリリースした。この曲はデジタルダウンロードで400万ユニット以上を蓄積し、2010年代のガオンデジタルチャートでK-POPガールズグループのシングルとして最高のダウンロード数となった。2013年には、1970年代風のディスコやファンクがいくつかリリースされ、ポップチャートには1970年代後半以来最も多くのダンスソングが掲載された。^[140]その年最大のディスコソングは、ギターにナイル・ロジャースをフィーチャーしたダフト・パンクの「 Get Lucky」だった。その親アルバム『Random Access Memories 』は、2014年のグラミー賞でアルバム・オブ・ザ・イヤーを受賞した。^{[140] [141]}その年のトップ40に入った他のディスコスタイルの曲は、ロビン・シックの「ブラード・ラインズ」（第1位）、ジャスティン・ティンバーレイクの「テイク・バック・ザ・ナイト」（第29位）、ブルーノ・マーズの「トレジャー」（第5位）である。 ^{[140] [ 141]}アーケイド・ファイアの「リフレクター」は強いディスコの要素を特徴としている。2014年には、レディー・ガガの「アートポップ」 ^{[142] [143]}やケイティ・ペリーの「バースデイ」にディスコ音楽が見られた。^[144] 2014年の他のディスコソングには、カーミンの「アイ・ウォント・イット・オール」 、ティン・ティンズの「ロング・クラブ」、ビヨンセの「ブロウ」、クイーンの「レット・ミー・イン・ユア・ハート・アゲイン」のウィリアム・オービットミックスがある。

2014年、世界第2位のテレビ局であるブラジルのGlobo TVは、ヒット曲の熱狂から退廃まで、1978年から1979年までのディスコ時代を描いたテレノベラ「ブギー・ウーギー」を放送した。この番組の成功により、ブラジル全土でディスコが復活し、Lady ZuやAs Frenéticasなどの地元のディスコディーバが舞台やブラジルのレコードチャートに復帰した。^[要出典]

2015年のトップ10入りした曲には、ディスコグルーヴを吹き込んだマーク・ロンソンの「 Uptown Funk」、マルーン5の「Sugar」、ザ・ウィークエンドの「Can't Feel My Face」、ジェイソン・デルーロの「Want To Want Me」などがあり、これらもディスコの影響を強く受けている。ディスコ界の大物でプロデューサーのジョルジオ・モロダーも、2015年にニューアルバム「Déjà Vu」で再登場し、そこそこの成功を収めた。2015年のその他の曲では、フロー・ライダーの「 I Don't Like It, I Love It」、コールドプレイの「 Adventure of a Lifetime」 、ロビン・シックの「Back Together」 、ニック・ジョナスの「Levels」にもディスコの要素が盛り込まれている。 2016年、ディスコソングまたはディスコ風のポップソングは、それまでチャートを席巻していた1980年代風のシンセポップ、エレクトロハウス、ダブステップへの反発か、音楽チャートで強い存在感を示し続けた。^[要出典]ディスコの要素が強いジャスティン・ティンバーレイクの2016年の曲「Can't Stop the Feeling! 」は、ビルボードホット100チャート史上26番目の初登場1位となった曲となった。2015年の映画「オデッセイ」では、サウンドトラックとしてディスコミュージックが多用されているが、主人公の宇宙飛行士マーク・ワトニーにとって、火星に取り残されることよりも最悪なことは、火星でディスコミュージックしか聞こえないことである。^[145]「Kill​​ the Lights 」はHBOのテレビシリーズ「 Vinyl 」（2016年）のエピソードで取り上げられ、ナイル・ロジャースのギター演奏とともに、2016年7月に米国ダンスチャートで1位を獲得した。

2020年、ディスコは主流の人気を維持し、ポピュラー音楽の顕著なトレンドとなった。^{[147] [148]} 2020年初頭、ドージャ・キャットの「Say So」、レディー・ガガの「Stupid Love」、デュア・リパの「Don't Start Now 」などのディスコの影響を受けたヒット曲が世界の音楽チャートで広く成功を収め、米国のビルボードホット100チャートでそれぞれ1位、5位、2位にランクインした。当時、ビルボードは、レトロでディスコの影響を受けたアルバムFuture Nostalgiaが2020年3月27日にリリースされた翌日、リパが「ディスコの影響を受けた制作への取り組みを先導している」と評した。 ^{[146] [149]} 2020年末までに、アダム・ランバートのVelvet、ジ​​ェシー・ウェアのWhat's Your Pleasure?、ロイシン・マーフィーのディスコ・ミックステープRóisín Machineなど、複数のディスコアルバムがリリースされた。2020年9月初旬、韓国のグループBTSは、英語のディスコシングル「Dynamite 」が米国での最初の週に265,000ダウンロードを売り上げ、米国で1位にデビューし、テイラー・スウィフトの「 Look What You Made Me Do 」（2017年）以来最大の純粋な売上週を記録した。^[150]

2020年7月、オーストラリアの歌手カイリー・ミノーグは、15枚目のスタジオアルバム『ディスコ』を2020年11月6日にリリースすると発表した。アルバムに先立って2枚のシングルがリリースされた。リードシングル「セイ・サムシング」は7月23日にリリースされ、BBCラジオ2で初公開された。^[151]セカンドシングル「マジック」は9月24日にリリースされた。^{[152]どちらのシングルも批評家から絶賛され、批評家はミノーグがアルバム『}ライト・イヤーズ』（2000年）、『フィーバー』（2001年）、『アフロディーテ』 （2010年）で顕著だったディスコのルーツに戻ったことを賞賛した。

• クラブキッズ
• 1978 年のダンス シングル 1 位のリスト (米国)
• 1979 年のダンス シングル 1 位のリスト (米国)
• ローラーディスコ
• ステルスディスコ

• ブリュースター、ビル; ブロートン、フランク (2000) [1999]. 昨夜 DJ が私の命を救ってくれた: ディスクジョッキーの歴史 (第 2 版)。ニューヨーク: Headline Book Publishing。ISBN 978-0-80213-6886。
• サンネ、ケレファ（2021年）。メジャーレーベル：7つのジャンルにおけるポピュラー音楽の歴史。ニューヨーク：ペンギンプレス。ISBN 978-0-525-55959-7。
• シャピロ、ピーター (2006) [2005]. Turn the Beat Around: The Secret History of Disco (ペーパーバック版). ニューヨーク: Faber And Faber. ISBN 978-0-86547-952-4。

• アンドレア・アンジェリ・ブファリーニとジョバンニ・サバスターノ（2014）。ラ・ディスコ。 Storia illustrata della discomusic。アルカナ、イタリア。ISBN 978-8862313223 
• アレッティ、ヴィンス(2009)。 『ディスコ ファイル1973–78 : ニューヨークのアンダーグラウンド ウィークリー』。DJhistory.com。ISBN 978-0956189608。 
• アンジェロ、マーティ(2006)。『Once Life Matters: A New Beginning』。Impact Publishing。ISBN 978-0961895440。 
• ベータ、アンディ (2008 年 11 月)。「ディスコ インフェルノ 2.0: 少し快楽主義が薄れた復活。古くて新しい流行を煽る DJ、レーベル、エディットのチャート」2008 年 12 月 19 日、Wayback Machineにアーカイブ。The Village Voice。
• キャンピオン、クリス (2009)。「月面を歩く: 警察の知られざる物語とニューウェーブロックの台頭」ジョン・ワイリー・アンド・サンズ。ISBN 978-0470282403 
• エコールズ、アリス (2010)。『ホットスタッフ：ディスコとアメリカ文化の再構築』。WW ノートン アンド カンパニー、Inc.、ISBN 978-0-393-06675-3。 
• フリン、ダニエル J. (2010 年 2 月 18 日)。「ナックがディスコを征服した方法」アメリカン スペクテイター。
• ジリアン、フランク (2007 年 5 月)。「ディスコフォビア: 反同性愛偏見と 1979 年のディスコに対する反発」。セクシュアリティの歴史ジャーナル、第 15 巻、第 2 号、276 ～ 306 ページ。電子ISSN  1535-3605、印刷ISSN  1043-4070。
• ハンソン、キティ (1978) 『ディスコ・フィーバー：ビート、人々、場所、スタイル、DJ、グループ』シグネット・ブックス。ISBN 978-0451084521。 
• ジョーンズ、アラン、カントネン、ユッシ (1999)。『サタデー・ナイト・フォーエバー：ディスコの物語』。イリノイ州シカゴ：アカペラ・ブックス。ISBN 978-1556524110。 
• ローレンス、ティム（2004年）。『愛が救う：アメリカのダンスミュージック文化の歴史、1970-1979 』デューク大学出版局。ISBN 978-0822331988。 
• レスター、ポール(2007 年 2 月 23 日)。「フォースを感じることができますか?」ガーディアン紙。
• マイケルズ、マーク (1990)。 『ビルボード・ロック・アレンジメント・ブック』。ISBN 978-0823075379。 
• ナルバエス、リッチー（2020）「ホリー・ヘルナンデスとディスコの死」ピニャータ・ブックス。ISBN 978-1558859029 
• リード、ジョン (2007 年 9 月 19 日)。「DVD レビュー: サタデー ナイト フィーバー (30 周年記念スペシャル コレクターズ エディション) 」。Blogcritics。
• ロジャース、ナイル(2011)。『Le Freak: 家族、ディスコ、運命の逆さまの物語』。シュピーゲル＆グラウ。ISBN 978-0385529655。 
• スクラファニ、トニー (2009 年 7 月 10 日)。「『ディスコは最悪!』が世界中に響き渡ったとき」2020 年 2 月 15 日にアーカイブ、Wayback Machine 。MSNBC。

• ウィキクォートにおけるディスコに関する引用
• ウィキメディア・コモンズのディスコ関連メディア

[[カテゴリ:音楽]]