クラシック音楽

中世音楽には、476年の西ローマ帝国の崩壊後から1400年頃までの西ヨーロッパの音楽が含まれます。単旋律聖歌（プレインソングまたはグレゴリオ聖歌とも呼ばれる）は、1100年頃まで主流の形式でした。^{[ 54 ]}キリスト教の修道士たちは、教会全体で典礼を標準化するために、ヨーロッパの音楽記譜法の最初の形式を開発しました。^{[ 55 ] [ 56 ]}多声（多声）音楽は、中世後期からルネサンスにかけて単旋律聖歌から発展し、モテットのより複雑な声部構成も含まれていました。中世初期の時代には、典礼ジャンルの声楽、主にグレゴリオ聖歌は単旋律で、伴奏のない単一の声楽旋律線を使用していました。 ^{[ 57 ]}複数の独立した声楽旋律を用いる多声的な声楽ジャンルは、中世盛期に発展し始め、13世紀後半から14世紀初頭にかけて普及した。著名な中世の作曲家には、ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、レオニン、ペロタン、フィリップ・ド・ヴィトリ、ギヨーム・ド・マショー、フランチェスコ・ランディーニ、ヨハネス・チコーニアなどがいる。

中世の楽器の多くは、形は違えど今も存在している。中世の楽器には、フルート、リコーダー、リュートなどの撥弦楽器があった。また、オルガンやフィドル（またはヴィエル）の初期の形も存在した。ヨーロッパの中世の楽器は、多くの場合、単音で演奏され、ドローン音で伴奏されることが多かったが、時折パートで演奏されることもあった。少なくとも13世紀から15世紀にかけては、楽器はハウト（大きくて甲高い屋外用楽器）とバス（静かで親密な楽器）に分けられていた。^{[ 58 ]}いくつかの楽器は、中世イスラム世界から取り入れられた東洋の先駆者にルーツを持っている。^{[ 59 ]}例えば、アラビアのレバーブは、リラ、レベック、バイオリンなど、ヨーロッパのすべての弓奏弦楽器の祖先である。^{[ 60 ] [ 61 ]}

音楽のルネサンス時代は1400年から1600年まで続いた。この時代は、楽器の使用の増加、複数の絡み合う旋律線、そして初期の低音楽器の使用によって特徴づけられた。社交ダンスがより広まったため、ダンスの伴奏に適した音楽形式が標準化され始めた。この時代に、五線譜やその他の音楽記譜法の要素が形作られ始めた。^{[ 62 ]}この発明により、楽曲の作曲と伝承を分離することが可能になった。楽譜がなければ、伝承は口頭で行われ、伝承されるたびに変更される可能性があった。楽譜があれば、作曲家がいなくても楽曲を演奏できるようになった。^{[ 63 ]} 15世紀の活版印刷機の発明は、音楽の保存と伝承に広範囲にわたる影響を与えた。^{[ 64 ]}

多くの楽器はルネサンス期に誕生し、その他はそれ以前に存在していた楽器の変形または改良版でした。現在まで残っているものもあれば、消滅してしまい、当時の楽器で音楽を演奏するために再創造されたものもありました。現代と同様に、楽器は金管楽器、弦楽器、打楽器、木管楽器に分類できます。ルネサンス期の金管楽器は伝統的にギルドのメンバーである専門家によって演奏され、スライドトランペット、木製コルネット、バルブレストランペット、サックバットなどがありました。弦楽器には、ヴィオール、レベック、ハープのようなリラ、ハーディガーディ、リュート、ギター、シターン、バンドーラ、オルファリオンなどがありました。弦付き鍵盤楽器には、チェンバロとクラヴィコードがありました。打楽器には、トライアングル、口琴、タンバリン、ベル、ランブルポット、各種ドラムなどがある。木管楽器には、ダブルリードのショーム（オーボエ族の初期のメンバー）、リードパイプ、バグパイプ、横笛、リコーダー、ダルシアン、クルムホルンなどがある。シンプルなパイプオルガンも存在したが、持ち運び可能なものもあったものの、主に教会に限られていた。^{[ 65 ]}印刷技術の発達により、楽器の説明や仕様、使用方法の指導が標準化された。^{[ 66 ]}

ルネサンス期の声楽曲は、ますます精緻化する多声様式の隆盛で知られています。ルネサンス期を通して存続した主要な典礼音楽形式はミサ曲とモテットでしたが、特に宗教音楽の作曲家が世俗音楽の形式（マドリガルなど）を自らの創作に取り入れ始めたことで、末期には他の形式も発展しました。この時代の末期には、モノディ、マドリガル喜劇、インテルメディオといったオペラの初期の劇的先駆物が見られます。1597年頃、イタリアの作曲家ヤコポ・ペーリは、今日オペラと呼ばれる最初の作品である『ダフネ』を作曲しました。彼はまた、現在まで残っている最初のオペラである『エウリディーチェ』も作曲しました。

ルネサンス期の著名な作曲家には、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、ジョン・ダンスタプル、ヨハネス・オケゲム、オルランド・ド・ラッスス、ギョーム・デュ・フェイ、ジル・バンショワ、トーマス・タリス、ウィリアム・バード、ジョヴァンニ・ガブリエリ、カルロ・ジェズアルド、ジョン・ダウランド、ジェイコブが含まれる。オブレヒト、エイドリアン・ウィラールト、ジャック・アルカデル、シプリアーノ・デ・ローレ、フランチェスコ・ダ・ミラノ。

バロック音楽は、複雑な調性対位法と通奏低音（連続する低音線）の使用を特徴としています。音楽は、それまでのすべての時代の単純な歌曲と比較して、より複雑になりました。^{[ 67 ]}ソナタ形式の始まりはカンツォーナで形作られ、主題と変奏のより形式化された概念も同様でした。音楽における不協和音と半音階を扱う手段としての長調と短調の調性は完全に形作られました。^{[ 68 ]}

バロック時代には、チェンバロやパイプオルガンで演奏される鍵盤楽器の音楽がますます人気を博し、ヴァイオリン属の弦楽器は今日一般的に見られる形になった。舞台上演される音楽劇としてのオペラは、それ以前の音楽や演劇の形式から区別されるようになり、カンタータやオラトリオのような声楽形式がより一般的になった。^{[ 69 ]}声楽家は初めて音楽に装飾音を加え始めた。^{[ 67 ]}

平均律に関する理論は、調律が難しい鍵盤楽器でより幅広い半音階の可能性を可能にするため、より広く実践されるようになった。J.S .バッハは平均律を使用していなかったが、当時一般的だった平均律から、すべての調の間で転調を音楽的に許容できるさまざまな音律への変化により、彼の平均律クラヴィーア曲集が可能になった。^{[ 70 ]}

バロック時代の楽器には、それ以前の時代の楽器（ハーディ・ガーディやリコーダーなど）と、新しい楽器（オーボエ、ファゴット、チェロ、コントラバス、フォルテピアノなど）がいくつか含まれていました。ショーム、シターン、ラケット、木製コルネットなど、以前の時代の楽器の中には使われなくなったものもありました。弦楽器の主要なバロック時代の楽器には、ヴァイオリン、ヴィオール、ヴィオラ、ヴィオラ・ダモーレ、チェロ、コントラバス、リュート、テオルボ（通奏低音パートを演奏することが多かった）、マンドリン、バロックギター、ハープ、ハーディ・ガーディがありました。木管楽器には、バロックフルート、バロックオーボエ、リコーダー、ファゴットがありました。金管楽器には、コルネット、ナチュラルホルン、ナチュラルトランペット、セルパン、トロンボーンがありました。鍵盤楽器には、クラヴィコード、タンジェントピアノ、チェンバロ、パイプオルガン、そして後期にはフォルテピアノ（ピアノの初期形態）などがあった。打楽器には、ティンパニ、スネアドラム、タンバリン、カスタネットなどがあった。

バロック音楽とそれに続く古典派音楽の大きな違いの一つは、バロックアンサンブルで使用される楽器の種類がはるかに標準化されていなかったことである。バロックアンサンブルには、数種類の鍵盤楽器（パイプオルガンやチェンバロなど）^{[ 71 ]} 、追加の弦楽器（リュートなど）、弓奏弦楽器、木管楽器、金管楽器、そして通奏低音を演奏する不特定数の低音楽器（チェロ、コントラバス、ヴィオラ、ファゴット、セルパンなど）が含まれることがあった。

バロック時代の声楽曲には、オラトリオやカンタータなどの組曲が含まれる。^{[ 72 ] [ 73 ]}世俗音楽はあまり一般的ではなく、通常は器楽曲のみで特徴づけられる。バロック美術と同様に、^{[ 74 ]}テーマは一般的に宗教的で、カトリックの環境を目的としたものであった。

バロック時代の著名な作曲家には、ヨハン・セバスティアン・バッハ、アントニオ・ヴィヴァルディ、ゲオルク・フリデリック・ヘンデル、ヨハン・パッヘルベル、ヘンリー・パーセル、クラウディオ・モンテヴェルディ、バルバラ・ストロッツィ、ドメニコ・スカルラッティ、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アルカンジェロ・コレッリ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ジャン＝フィリップ・ラモーなどが含まれる。ジャン＝バティスト・リュリとハインリヒ・シュッツ。

「クラシック音楽」という用語は中世から21世紀までの西洋芸術音楽すべてを含みますが、古典派時代は1750年代から1820年代初頭までの西洋芸術音楽の時代です^{[ 75 ]} 。これはヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンの時代です。

古典派時代は、作曲、演奏、様式の多くの規範を確立し、ピアノが主要な鍵盤楽器となった。オーケストラに必要な基本的な編成はある程度標準化された（ただし、より幅広い楽器の可能性が開発されるにつれて、編成は拡大していった）。室内楽は、セレナーデのために8〜10人の演奏者からなるアンサンブルを含むまでに発展した。オペラは、イタリア、フランス、ドイツ語圏で地域的な様式が発展し続けた。喜劇オペラの一種であるオペラ・ブッファの人気が高まった。交響曲は音楽形式として独自の地位を確立し、協奏曲はヴィルトゥオーゾの演奏技術を披露する手段として発展した。オーケストラはもはやチェンバロを必要としなくなり、多くの場合、首席ヴァイオリニスト（現在はコンサートマスターと呼ばれる）が指揮を執った。^{[ 76 ]}

古典派時代の音楽家は、チェロ、コントラバス、リコーダー、トロンボーン、ティンパニ、フォルテピアノ（現代のピアノの前身）、オルガンなど、バロック時代の楽器を引き続き使用しました。テオルボやラケットなど、バロック時代の楽器の中には使われなくなったものもありましたが、バロック時代のヴァイオリン（現在のヴァイオリンになった）、バロック時代のオーボエ（現在のオーボエになった）、バロック時代のトランペット（現在のバルブ付きトランペットに移行した）など、多くのバロック時代の楽器は、現在も使用されている形に変化しました。古典派時代には、弦楽四重奏などのオーケストラや室内楽で使用される弦楽器は、オーケストラの弦楽器セクションを構成する4つの楽器、すなわちヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバスとして標準化されました。フレット付きで弓で演奏するヴィオールなどのバロック時代の弦楽器は段階的に廃止されました。木管楽器には、バセットクラリネット、バセットホルン、クラリネット・ダムール、クラシカルクラリネット、シャルモー、フルート、オーボエ、ファゴットなどがあった。鍵盤楽器には、クラヴィコードとフォルテピアノがあった。チェンバロは1750年代と1760年代には通奏低音の伴奏にまだ使われていたが、世紀末には使われなくなった。金管楽器には、ブッチン、オフィクレイド（チューバの前身であるバス・セルパンの代替品）、ナチュラルホルンなどがあった。

管楽器は古典派時代に洗練されていった。オーボエやファゴットのようなダブルリード楽器はバロック時代にある程度標準化されたが、シングルリードのクラリネット属は、モーツァルトがオーケストラ、室内楽、協奏曲における役割を拡大するまで広く使われることはなかった。^{[ 77 ]}

古典派時代の著名な作曲家には、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ヨーゼフ・ハイドン、フランツ・シューベルト、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ、ルイージ・ボッケリーニ、アントニオ・サリエリ、カール・チェルニー、ピエール・ローデなどがいる。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンは、後期古典派と初期ロマン派の要素を融合させた音楽を生み出した、過渡期の作曲家として広く認識されている。

19世紀初頭から20世紀初頭にかけてのロマン派音楽は、他の芸術形式におけるロマン主義と同様に、拡張された旋律線、表現力豊かで感情的な要素への注目が高まったのが特徴である。音楽形式は古典派時代の形式から脱却し始め（古典派の形式が体系化されつつあったにもかかわらず）、ノクターン、ファンタジア、プレリュードといった自由形式の楽曲が作曲され、主題の提示と展開に関する既成概念は無視または最小限に抑えられた。^{[ 78 ]}音楽はより半音階的、不協和音的、そして音色的に豊かになり、調号に関する緊張（古い形式の既成規範に関して）が高まった。^{[ 79 ]}歌曲（またはリート）はこの時代に成熟し、壮大なオペラのスケールも同様に成熟し、最終的にはリヒャルト・ワーグナーのニーベルングの指環によって超越された。^{[ 80 ]}

19世紀には、作曲家や音楽家が貴族とは無関係に生活を築くことができるようになったため、音楽機関は裕福な後援者の支配から脱却した。西ヨーロッパ全域で中産階級が音楽への関心を高めたことが、音楽の教育、演奏、保存のための組織の設立を促した。この時代に現代的な構造になったピアノ（冶金における産業的進歩も一因）は中産階級に広く普及し、彼らの需要が多くのピアノ製造業者を駆り立てた。多くの交響楽団はこの時代に創設された。^{[ 79 ]}当時のスターとなった音楽家や作曲家もいれば、フランツ・リストやニコロ・パガニーニのように両方の役割を果たした音楽家や作曲家もいた。^{[ 81 ]}

ヨーロッパの文化的思想や制度は、世界の他の地域への植民地拡大に伴って広まり始めた。また、特にこの時代の終わり頃には、音楽におけるナショナリズムが高まり（場合によっては当時の政治的感情を反映したもの）、エドヴァルド・グリーグ、ニコライ・リムスキー＝コルサコフ、アントニン・ドヴォルザークといった作曲家が、自国の伝統音楽を作品に反映させた。^{[ 82 ]}

ロマン派の時代には、より力強く持続的な音色と広い音域を持つ現代のピアノが、より繊細な音色のフォルテピアノに取って代わりました。オーケストラでは、既存の古典派楽器とセクション（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器）は維持されましたが、これらのセクションは通常、より豊かで大きなサウンドを生み出すために拡張されました。たとえば、バロック時代のオーケストラにはコントラバス奏者が2人しかいなかったのに対し、ロマン派のオーケストラには10人もいたことがあります。「音楽がより表現豊かになるにつれて、標準的なオーケストラの音色パレットは、多くのロマン派の作曲家にとって十分豊かではなくなったのです。」^{[ 83 ]}

オーケストラで使用される楽器の種類は、特にその規模が拡大し、20世紀初頭には後期ロマン派やモダニズムの作曲家による大規模なオーケストラの登場によって、その傾向は頂点に達した。打楽器の種類も増え始め、金管楽器はロータリーバルブの導入によってより幅広い音域を演奏できるようになったため、重要な役割を担うようになった。オーケストラの規模（古典派時代には通常40人程度）は100人を超える規模にまで拡大した。^{[ 79 ]} 例えば、グスタフ・マーラーの1906年の交響曲第8番は、150人以上の楽器奏者と400人以上の合唱団で演奏されたことがある。 ^{[ 84 ]}コントラファゴット、バスクラリネット、ピッコロなどの新しい木管楽器や、シロフォン、スネアドラム、チェレスタ（ベルのような鍵盤楽器）、ベル、トライアングルなどの新しい打楽器、^{[ 83 ]}大型のオーケストラ用ハープ、さらには音響効果用の風力発生装置も追加された。サクソフォンは19世紀後半以降の楽譜に登場するが、通常はオーケストラの不可欠な部分としてではなく、ソロ楽器としてフィーチャーされている。

ホルン族の改良型であるワーグナー・チューバは、リヒャルト・ワーグナーの「ニーベルングの指環」に登場する。また、アントン・ブルックナーの交響曲第7番ホ長調でも重要な役割を果たしており、リヒャルト・シュトラウス、ベーラ・バルトークなどの後期ロマン派および近代主義の作品でも使用されている。 ^{[ 85 ]}コルネットは、少なくとも世紀末までは機敏さに欠けると考えられていたトランペットと並んで、19世紀の楽譜に頻繁に登場する。

ロマン派時代の著名な作曲家には、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、フレデリック・ショパン、エクトル・ベルリオーズ、フランツ・シューベルト、ロベルト・シューマン、クララ・シューマン、フェリックス・メンデルスゾーン、ファニー・ヘンゼル、フランツ・リスト、ジュゼッペ・ヴェルディ、リヒャルト・ワーグナー、ヨハネス・ブラームス、アレクサンドル・スクリャービン、ニコライ・メトネル、エドヴァルド・グリーグ、ヨハン・シュトラウス2世などがいる。グスタフ・マーラーとリヒャルト・シュトラウスは、後期ロマン派と初期モダニズムの要素を融合させた音楽を生み出した過渡期の作曲家として一般的に認識されている。

モダニズムのクラシック音楽は、ポストロマン派、印象派、表現主義、新古典主義など、さまざまな作曲スタイルを包含しています。モダニズムは、多くの作曲家が、伝統的な調性、旋律、楽器編成、構造など、従来の慣習時代の特定の価値観を拒否した時代でした。^{[ 87 ]}音楽史家の中には、音楽のモダニズムを1890年頃から1930年頃までと見なす人もいます。 ^{[ 88 ] [ 89 ]}また、モダニズムは二つの世界大戦のどちらかで終わったと考える人もいます。^{[ 90 ]}さらに、モダニズムは特定の歴史的時代とは関連付けられておらず、「作曲家の姿勢であり、時代とともに進化する生きた構築物である」と主張する権威者もいます。^{[ 91 ]} 20世紀後半の3分の1で衰退したにもかかわらず、世紀末にはピエール・ブーレーズ、ポーリン・オリヴェロス、武満徹、ジョージ・ベンジャミン、ジェイコブ・ドラックマン、ブライアン・ファーニーホウ、ジョージ・パール、ヴォルフガング・リーム、リチャード・ワーニック、リチャード・ウィルソン、ラルフ・シェイピーなど、モダニズムの思想と形式を発展させ続けた作曲家たちの活発な中核が残っていた。^{[ 92 ]}

この時期に支配的だった音楽運動は、1890年頃に始まった印象主義と、1908年頃に始まった表現主義の2つでした。この時期は、古い音楽のカテゴリーに挑戦し再解釈する多様な反応、音楽の和声、旋律、音響、リズムの側面を組織しアプローチする新しい方法につながる革新、そして当時の芸術におけるモダニズムというより大きな時代と密接に関連した美的世界観の変化が見られた時代でした。この時代に最も関連付けられるキーワードは「革新」です。^{[ 93 ]}その主な特徴は「言語的多様性」であり、つまり、単一の音楽ジャンルが支配的な地位を占めることはなかったということです。^{[ 94 ]}

オーケストラは近代初期に成長を続け、20世紀最初の20年間で最盛期を迎えた。19世紀には稀にしか登場しなかったサクソフォンは、補助楽器としてより一般的に使用されるようになったが、オーケストラの主要メンバーになることはなかった。モーリス・ラヴェルのモデスト・ムソルグスキーの「展覧会の絵」のオーケストラ編曲やセルゲイ・ラフマニノフの「交響的舞曲」など、一部の作品ではソロ楽器としてのみ登場するが、セルゲイ・プロコフィエフの「ロメオとジ​​ュリエット」組曲第1番と第2番、その他多くの作品ではオーケストラ・アンサンブルの一員としてサクソフォンが用いられている。ラヴェルの「ボレロ」などの作品では、異なるサイズのサクソフォンを2本以上使用して、オーケストラの他のセクションと同様にセクション全体を構成している。ユーフォニアムは、後期ロマン派や20世紀の作品にいくつか登場し、通常は「テナーチューバ」と記されたパートを演奏します。例えば、グスターヴ・ホルストの『惑星』やリヒャルト・シュトラウスの『英雄の生涯』などが挙げられます。

同様に、20 世紀には、アコーディオンとその近縁種であるフリー ベース アコーディオンは、交響楽団や室内楽アンサンブルのためのクラシック音楽の楽曲の中で、尊敬される「正統な楽器」として時折楽譜に記譜された。^{[ 95 ]}アコーディオンのための重要な作品には、ポール クレストンのアコーディオンとオーケストラのための協奏曲 作品 75 ^{[ 96 ]}、ロバート ダヴィンのフルート、クラリネット、ファゴット、アコーディオンのためのディヴェルティメント^{[ 97 ] [ 98 ]}、アンソニー ガラ＝リーニのアコーディオン協奏曲ト短調第 1 番^{[ 99 ]} 、ジョン セリーのフリー ベース アコーディオンのための協奏曲^{[ 100 ] [ 101 ]}などがある。

20世紀初頭の著名な作曲家には、イーゴリ・ストラヴィンスキー、クロード・ドビュッシー、セルゲイ・ラフマニノフ、セルゲイ・プロコフィエフ、アルノルト・シェーンベルク、ニコス・スカルコッタス、エイトル・ヴィラ＝ロボス、カロル・シマノフスキ、アントン・ウェーベルン、アルバン・ベルク、セシル・シャミナード、パウル・ヒンデミット、アラム・ハチャトゥリアン、ジョージ・ガーシュウィン、エイミー・ビーチ、ベーラ・バルトーク、ドミートリイ・ショスタコーヴィチなどがおり、前述のマーラーとシュトラウスは19世紀から続く過渡期の作曲家である。

ポストモダン音楽は、一部の権威によれば1930年頃に始まった音楽の時代である。^{[ 88 ] [ 89 ]}それはポストモダニズム芸術、つまりモダニズムの後に現れてそれに反抗する芸術と特徴を共有している。

他の権威者の中には、ポストモダン音楽を、1930年以降、20世紀後半から21世紀初頭にかけて作曲された「現代音楽」とほぼ同一視している者もいる。^{[ 102 ] [ 103 ]}ポストモダン／現代音楽の多様な潮流には、新ロマン主義、新中世、ミニマリズム、ポストミニマリズムなどがある。

21世紀初頭の現代クラシック音楽は、 1945年以降のすべての音楽形式を含むものと考えられていた。 ^{[ 104 ]} 1世代後、この用語は現在、存命の作曲家によって書かれた今日の音楽、つまり1970年代半ばに注目を集めた音楽を指すようになった。これには、モダニズム、ポストモダン、ネオロマンティック、多元主義音楽のさまざまなバリエーションが含まれる。^{[ 92 ]}