ファンク

ファンク
ファンクの先駆者ジェームス・ブラウン、1973年
文体の起源	魂 リズム・アンド・ブルース ジャズ 福音
文化的起源	1960年代半ば、[1]アメリカ合衆国
派生形	ディスコ ヒップホップ ポストパンク ダンスパンク ブギー コンテンポラリーR&B エレクトロ テクノ ブレイクビート ニュージャックスウィング オールドスクールジャングル ニューロファンク 液体ファンク クラウトロック ファンクステップ
サブジャンル
ディープファンク ゴーゴー
フュージョンジャンル
アシッドジャズ アフロビート アヴァンファンク ブリットファンク フリーファンク ファンクメタル ファンクロック ファンキーハウス Gファンク ジャズファンク サンバファンク サイケデリックファンク スクイー 沼の岩[2] イギリスファンキー
その他のトピック
ミュージシャン サイケデリックソウル アフリカ系アメリカ人の音楽

ファンクは、1960年代半ばにアフリカ系アメリカ人のコミュニティで生まれた音楽ジャンルで、ミュージシャンが20世紀半ばにアフリカ系アメリカ人の間で人気だったさまざまな音楽ジャンルを混ぜて、リズミカルで踊れる新しい形式の音楽を生み出した。メロディーやコード進行を軽視し、エレクトリックベーシストが演奏するベースラインとパーカッショニストが演奏するドラムパートの力強いリズミカルなグルーヴに焦点を当てており、他のポピュラー音楽よりもテンポが遅いことが多い。ファンクは通常、複雑なパーカッシブなグルーヴで構成され、リズム楽器が連動するグルーヴを演奏し、「催眠状態」や「踊りやすい」感覚を生み出す。^[3]ビバップジャズに見られる色彩豊かな拡張コード、たとえば7度と11度を追加したマイナーコードや、 9度と13度を変更したドミナント7度コードなどを使用している。

ファンクは1960年代半ばにジェームス・ブラウンがダウンビートを強調した特徴的なグルーヴを開発したことに端を発し、毎小節の最初のビートを強く強調し（「The One」）、すべてのベースライン、ドラムパターン、ギターリフに16分音符のスウィング とシンコペーションを適用しました。 ^[4]ロックやサイケデリックに影響を受けたミュージシャン、スライ・アンド・ザ・ファミリー・ストーンやパーラメント・ファンカデリックは、 1960年代後半からこのジャンルのより折衷的な例を育みました。^[5] 1970年代から1980年代にかけて、クール・アンド・ザ・ギャング、^[6] オハイオ・プレイヤーズ、ファットバック・バンド、ジミー・カストル・バンチ、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、BTエクスプレス、シャラマー、^[7]ワン・ウェイ、レイクサイド、ダズ・バンド、ザ・ギャップ・バンド、スレイヴ、オーラ、ロジャー・トラウトマン＆ザップ、コン・ファンク・シュン、カメオ、バーケイズ、シックなど、他の音楽グループもブラウンの革新を発展させました。

ファンクの派生音楽には、ファンクの前衛的な一派であるアヴァンファンク、電子音楽とファンクの融合であるブギー、ファンクメタル、ギャングスタラップとサイケデリックファンクを融合したGファンク、ファンキーなキューバダンスミュージックの一種であるティンバ、ファンクジャムなどがある。また、ファンクのサブジャンルであるワシントンゴーゴーの主な影響源でもある。 ^[8]ファンクのサンプルやブレイクビーツは、ヒップホップや電子ダンスミュージックで広く使用されている。

ファンクという言葉は、もともと強い臭いを意味していた（そして今でもそうである）。この言葉はもともとラテン語の fumigare（「煙を出す」という意味）から古フランス語の fungiereを経て派生したもので、この意味で英語に初めて記録されたのは 1620 年である。1784 年に「かび臭い」という意味のfunky が初めて記録され、それが今度は「土っぽい」感覚につながり、1900 年頃には「深く強く感じられる」ものを表す初期のジャズ スラングに取り入れられた。^{[9] [10]}白人文化では、ファンクという言葉は臭いや機嫌が悪い（気分が悪い）という否定的な意味合いを持つことがあるが、アフリカのコミュニティでは、ファンクという言葉は依然として体臭と関連づけられながらも、ミュージシャンの勤勉で誠実な努力が汗をかき、その「肉体的な努力」から「絶妙な」そして「最高の」パフォーマンスが生まれるという肯定的な意味を持っていた。^[11]

初期のジャムセッションでは、ミュージシャンは「さあ、もっと激しく踊ろう！」と言い合って、お互いに「盛り上がろう」と励まし合った。 少なくとも1907年には、ジャズの曲には「ファンキー」などのタイトルが付けられていた。最初の例は、バディ・ボールデンの未録音の曲で、「ファンキー・バット」または「バディ・ボールデンのブルース」として記憶されている。ドナルド・M・マーキスによると、その即興の歌詞は「滑稽で軽い」または「粗野で実に卑猥」だが、ボールデンのバンドが演奏したダンスパーティーの汗臭い雰囲気を何らかの形で表現している。^{[12] [13]} 1950年代後半から1960年代初頭にかけて、ファンクやファンキーがジャズ音楽の文脈でますます使われるようになったが、それでもこれらの用語は礼儀正しい集まりで使うには下品で不適切であると考えられていた。ある情報源によると、ニューオーリンズ生まれのドラマー、アール・パーマーは「他のミュージシャンに、彼らの音楽をもっとシンコペーションして踊りやすいものにすべきだと説明するために『ファンキー』という言葉を初めて使った人物」だそうです。^{[14]その後、このスタイルは、より}肉感的な性質を暗示する、かなり激しく、しつこいリズムへと進化しました。この初期の音楽の形態は、後のミュージシャンのパターンを定めました。^{[15]この音楽は、スローでセクシー、ゆるく、}リフ中心で踊りやすいと認識されていました。^[要出典]

ファンクの意味は、黒人音楽、感情、知識のジャンルを魅了し続けています。最近の黒人研究の研究では、ファンクという用語をさまざまな形で取り上げ、黒人の運動や文化の範囲を検討しています。特に、LH スタリングスの『ファンク・ザ・エロティック：トランスエステティックスと黒人の性的文化』では、ファンクのさまざまな意味を探求し、ファンクのさまざまな場所「ストリートパーティー、ドラマ/劇場、ストリッパーとストリップクラブ、ポルノ、自費出版の小説」におけるセクシュアリティ、文化、西洋の覇権を理論化しています。^[16]

ソウル同様、ファンクはダンスミュージックをベースとしているため、「リズムの役割」が強い。^[17]ファンクのサウンドは、演奏される音符と同じくらい「音符間のスペース」に基づいているため、音符間の休符が重要になる。^{[18]ファンクと}ディスコにはリズムの類似点があるが、ファンクの「中心となるダンスビートはディスコよりも遅く、セクシーで、シンコペーションが多い」ため、ファンクのリズムセクションのミュージシャンは、プログラムされたシンセベースのディスコアンサンブルよりも多くの「サブテクスチャ」、複雑さ、および「個性」をメインビートに加える。^[19]

ファンク以前のポップミュージックは、テンポが速いためビートをさらに細分化することが不可能だったため、8分音符の連続が基本だった。^[3]ファンクの革新性は、より遅いテンポ（60年代初期のブルース復活の影響は確実）を使用することで「リズムをさらに細分化できる余地が生まれ、4/4の小節に16音符の配置が可能になった」ことである。^[3] 具体的には、ギターとドラムが「モーターのような」16分音符のリズムで演奏することで、他の楽器が「よりシンコペーションされた、ばらばらのスタイル」で演奏する機会が生まれ、より「自由な」ベースラインへの移行が容易になった。これらの「連動する部分」が合わさって、「催眠術的な」かつ「踊れる」感覚が生まれた。^[3]

ファンクの多くは、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統に由来する、2つのセルからなるオンビート/オフビートの構造をリズムのベースにしている。ニューオーリンズは1940年代後半にアフロキューバンのマンボとコンガからこの二股構造を取り入れ、独自のものにした。^[20]ニューオーリンズ・ファンクと呼ばれたこの音楽が国際的に評価されたのは、主にジェームス・ブラウンのリズムセクションがこれを効果的に使用したためである。^[21]

ファンクは、マイナーコードに7度と11度を加えたものや、属七和音に9度を変えたものなど、ビバップ・ジャズに見られる豊かな響きの拡張コードを使用する。ファンクで使用されるコードの例としては、マイナー11度コード（例：Fマイナー11度）、属七和音にシャープ9度とサスペンド4度を加えたもの（例：C7（#9）sus 4）、属九度コード（例：F9）、マイナー6度コード（例：Cマイナー6）などがある。^[18]ファンクでは6度9度コード（例：F 6/9）が使用され、これはメジャーコードに6度と9度を加えたものである。^[18]ファンクでは、マイナー三和音は響きが薄すぎると判断されたため、マイナー七度コードがマイナー三和音よりも一般的である。^[22]ファンク界で最も有名で優れたソリストの中には、ジャズのバックグラウンドを持つ人もいます。トロンボーン奏者のフレッド・ウェズリー、サックス奏者のピー・ウィー・エリスとメイシオ・パーカーは、ジェームス・ブラウン、ジョージ・クリントン、プリンスなどと共演した、ファンク音楽のジャンルで最も著名なミュージシャンです。

複雑で素早いコードチェンジを特徴とするビバップ・ジャズとは異なり、ファンクでは曲全体または一部で静的な単一コードまたは2コードのヴァンプ（多くの場合、マイナーセブンスコードと関連する属七コードを交互に使用、たとえばAマイナーからD7など）が使用され、メロディー・ハーモニーの動きと複雑で力強いリズム感が伴う。ファンクの曲の中には主に1コードのヴァンプが使われているものもあるが、リズムセクションのミュージシャンがこのコードを半音または1音上下に動かして装飾し、半音階のパッシングコードを作成することもある。たとえば、「Play That Funky Music」（Wild Cherry）のヴァースセクションでは主にEナインスコードが使われているが、F#9とF9も使われている。^[23]

ファンク ソングで使われるコードは、一般的にドリアン モードまたはミクソリディアン モードを意味し、ほとんどのポピュラー音楽の長調またはナチュラル マイナー調とは対照的です。メロディックな内容は、これらのモードとブルース スケールを混ぜることによって得られます。1970 年代には、ジャズ ミュージックがファンクを利用してジャズ ファンクという新しいサブジャンルを生み出し、マイルス デイビス( Live-Evil、On the Corner ) やハービー ハンコック( Head Hunters )のレコーディングで聞くことができます。

ファンクはアフリカ音楽の即興の伝統を引き継いでおり、ファンクバンドでは、スタジオレコーディングの段階であっても、各曲の骨組みの枠組みに基づいているだけかもしれないが、グループは通常、「ジャムセッション」や「グルーヴ」によって、いつ変更するかを「感じる」。^[24]ファンクは「集団即興」を採用しており、リハーサル中のミュージシャンは比喩的に音楽的な「会話」をしており、このアプローチはステージ上のパフォーマンスにも及んだ。^[25]

ファンクは、力強いギターリフとエレキベースで演奏されるベースラインを使って、激しいグルーヴを作り出す。モータウンのレコーディングのように、ファンクの曲ではベースラインが曲の中心になっている。実際、ファンクは曲の中でベースラインが最も目立つスタイルと言われており、^[26]ベースが曲の「フック」を演奏している。^[27]初期のファンクのベースラインはシンコペーション（通常はシンコペーションされた8分音符）を使用していたが、ニューオーリンズファンクよりも「疾走感」が加わり、ブルーススケールの音符とルートの長3度上の音符が使われていた。^[28]後期のファンクのベースラインは、16分音符のシンコペーション、ブルーススケール、反復パターンを使用し、オクターブ以上の音程の跳躍がよく見られる。^[27]

ファンクのベースラインは、反復パターン、固定されたグルーヴ、連続演奏、スラップ＆ポッピング・ベースを強調する。スラップ＆ポッピングは、親指で叩く低音（「サンプ」とも呼ばれる）と指で弾く高音（または爪弾く）を組み合わせて使用​​し、ベースにドラムのようなリズムの役割を果たさせ、ファンクの特徴的な要素となった。著名なスラップ＆ファンキー奏者には、バーナード・エドワーズ（シック）、ロバート・「クール」・ベル、マーク・アダムス（スレイヴ）、ジョニー・フリッピン（ファットバック）^[29]、ブーツィー・コリンズなどがいる。^{[30]スラップ＆ファンキーは重要であるが、}ロッコ・プレスティア（タワー・オブ・パワー）など、ファンクを演奏する影響力のあるベーシストの中にはこのアプローチを使わず、代わりにジェームス・ジェマーソンのモータウン演奏スタイルに基づいた典型的なフィンガースタイルの方法を使った人もいる。^[30] スライ＆ザ・ファミリー・ストーンのラリー・グラハムは影響力のあるベーシストである。^[31]

ファンクベースは「土っぽくてパーカッシブな感じ」があるが、これはミュートされたリズミカルなゴーストノート^[31]（「デッドノート」とも呼ばれる）の使用によるところが大きい。^[30]ファンクベース奏者の中には、楽器の音色を変えるために電子エフェクトユニットを使用する者もいる。例えば「エンベロープフィルター」（ 「ねばねばした、ズルズルした、クワッキーでシロップのような」音を作り出すオートワウエフェクト） ^[32]や、キーボードシンセサイザーのベーストーンを模倣する者^[33]（例：Mutronエンベロープフィルター）^[27]、オーバードライブされたファズベースエフェクトなどである。これらは「昔ながらのファンクレコードのようなクラシックなファズトーン」を作り出すのに使われる。^[34]他に使われるエフェクトにはフランジャーやベースコーラスなどがある。^[27]コリンズは、ヘンドリックスが普及させたオクタビアペダルのように、オクターブ上下の音を倍音にして「未来的で太い低音」を生み出すことができるオクターブペダルであるミュートロンオクターブディバイダーも使用しました。^[35]

ファンク ドラミングは、ドラマーの「フィーリングと感情」を強調することでグルーヴを生み出します。これには「時折のテンポの変動」、一部の曲でのスウィングフィールの使用 (例:ザ ミーターズの「Cissy Strut」やザ ステイプル シンガーズの「I'll Take You There」はハーフ スウィング フィール)、フィルの使用の少なさ(グルーヴが薄れる可能性があるため) が含まれます。^[36]ドラム フィルは「少なく、経済的」で、安定したテンポとグルーヴでドラミングが「ポケット」に留まるようにします。^[37]これらの演奏テクニックは、ドラム キットのセットアップによって補完されます。これには、多くの場合、くぐもったベース ドラムとタム、タイトにチューニングされたスネア ドラムが含まれます。^[36] ダブル ベース ドラミングの音は、ファンク ドラマーによってシングル ペダルで演奏されることが多く、「2 番目の音を強調し、ドラムヘッドの共鳴を弱める」アプローチで、短くくぐもったベース ドラムの音になります。^[36]

ジェームス・ブラウンはレコーディングやソウルショーでクライド・スタブルフィールドやジョン・ジェイボ・スタークスといった2人のドラマーを起用した。 [ ^38] 2人のドラマーを使うことで、JBバンドは「しっかりしたシンコペーション」のリズムサウンドを維持することができ、バンド独特の「ファンキー・ドラマー」のリズムに貢献した。^[38]

タワー・オブ・パワーのドラマー、デヴィッド・ガリバルディの演奏には、ゴーストノートやリムショットが多く見られる。^[36]ファンクのドラミングスタイルで重要な部分はハイハットの使用であり、演奏中にハイハットを開閉する（「スプラッシュ」アクセント効果を生み出す）ことは重要なアプローチである。^[39]ファンクでは、ハイハットの両手16分音符が使用され、時にはある程度のスイング感を伴う。^[36]

ジム・ペインは、ファンク・ドラミングはラテン音楽のリズム・アイデア、オスティナートを中心に「幅広い」アプローチで即興演奏を行い、「わずかな変化のみ」で繰り返すと述べており、このアプローチがファンクの「魅惑的な」性質を生み出していると述べている。^[40]ペインは、ファンクは「よりシンコペーションされた方法で演奏されるロック」と考えることができると述べており、特にベースドラムは、ドラマーのクライヴ・ウィリアムズ（ジョー・テックス）、ジョージ・ブラウン（クール・アンド・ザ・ギャング）、ジェイムズ・「ダイアモンド」・ウィリアムズ（オハイオ・プレイヤーズ）によって発明されたシンコペーションされた8分音符と16分音符のパターンを演奏する。^[41]ロックと同様に、スネアはほとんどのファンクでバックビートを提供します（ただし、ソフトなゴーストノートが追加されます）。^[40]

ファンクでは、ギタリストは短い持続時間のコード（「スタブ」と呼ばれる）を演奏し、より速いリズムやリフと組み合わせることが多い。 ^{[17]リズムパートを演奏するギタリストは、パーカッシブなゴーストノートを含め、16分音符を演奏することが多い。 [17]} 9分コードなどのコード拡張が好まれる。^[17]通常、ファンクでは「2つの連動する[エレキ]ギターパート」を使用し、リズムギタリストと単音を演奏する「テナーギタリスト」が使用する。2人のギタリストはラインを交換して「コールアンドレスポンス、絡み合ったポケット」を作り出す。^[42]バンドにギタリストが1人しかいない場合は、スタジオでオーバーダビングするか、ライブショーで1人のギタリストに両方のパートを演奏させることで、この効果を再現できる。^[42]

ファンクバンドでは、ギタリストは典型的にはパーカッシブなスタイルで演奏し、「チャンク」または「チキンスクラッチ」と呼ばれるピッキングスタイルを使用する。これは、ギターの弦を指板に軽く押し付け、次にブリッジの近くで反対の手で素早くリズミカルにかき鳴らすことで生み出されるミュートされた「スクラッチ」音が得られる程度に素早く離すものである。^[43]リズムアンドブルースで使用されたこのテクニックの最も初期の例は、 1957年のジョニー・オーティスの曲「ウィリー・アンド・ザ・ハンド・ジャイブ」で、将来ジェームス・ブラウン・バンドのギタリストとなるジミー・ノーレンが演奏している。このテクニックは、「チカ」、「チャンク」、「チョーク」の3つのアプローチに分類できる。「チカ」では、弦を指板に叩くミュートされた音が生まれ、「チャンク」はコードをかき鳴らした後にフレットを置いた手でコードを離すことで行われるスタッカートアタックである。 「チョーキング」では一般的にすべての弦をかき鳴らし、強くミュートします。^[18]

これらの要素の結果、エレキベースの低音の響きとスネアやハイハットの切れ味の鋭い音色の間を漂うようなリズムギターの音色が得られ、ポケットの奥深くに落ち込むリズミカルなメロディックな感覚が生まれた。このテクニックは、ジェームス・ブラウンの長年のギタリスト、ジミー・ノーレンが開発した。しかし、ブラウンの「Give It Up or Turnit a Loose」（1969年）では、ジミー・ノーレンのギターパートは骨組みだけの音色構成になっている。アタックポイントのパターンが強調されており、ピッチのパターンではない。ギターは、アフリカのドラムやイディオフォンのように使用されている。ノーレンは、「シングルコイルP -90ピックアップを搭載したホローボディのジャズギター」をフェンダーツインリバーブアンプに差し込み、中音を低く、高音を高くすることで、「クリーンで高音のトーン」を作り出した。^[44]

リズムギターを演奏するファンクギタリストは、クリーンなサウンドを得るためにディストーションエフェクトやアンプのオーバードライブを避けるのが一般的で、歯切れの良い高音の重要性から、トレブルトーンが際立つフェンダーのストラトキャスターやテレキャスターが広く使用されていた。^[44]ギターの音をホーンセクションやキーボード、その他の楽器と区別するため、ギタリストは中音域をカットすることが多い。^[44]リズミカルなグルーヴを提供することに重点が置かれ、楽器によるギターのメロディーやギターソロが重視されていないため、ファンクのリズムギタリストはサスティンを求めていない。^[44]ファンクのリズムギタリストは、ミュートされた音を強調するためにコンプレッサーのボリュームコントロールエフェクトを使用し、「コッキング」サウンド^{をブーストして「ファンクのリズムにパーカッシブな興奮を加える」（}ナイル・ロジャースが使用したアプローチ）

ファンカデリックのギタリスト、エディ・ヘイゼルはソロ即興演奏（特に「マゴット・ブレイン」のソロ）とギター・リフで有名で、その音色はマエストロ FZ-1 ファズ・トーン・ペダルで形作られている。^{[35]ヘイゼルは、}アイズレー・ブラザーズのギタリスト、アーニー・アイズレーとともに、ジミ・ヘンドリックスの即興でワウワウを多用したソロに影響を受けた。アーニー・アイズレーは、ヘンドリックスがアイズレー・ブラザーズのバックバンドに所属し、一時的にアイズレー家の家に住んでいた時に、若い頃にヘンドリックスに指導を受けた。ファンクのギタリストは、ギター・リフにパーカッシブなサウンドを作成するために、ワウワウの音響効果と音のミュートを使用する。フェイザー効果は、フィルターをスイープする音響効果のため、ファンクや R&B のギター演奏でよく使用され、アイズレー・ブラザーズの曲「Who's That Lady 」がその例である。^{[46]もう一人のPファンクギタリスト、}マイケル・ハンプトンは、弦のベンドとヘンドリックス風のフィードバックを加えたソロアプローチを使用して、「マゴット・ブレイン」でヘイゼルの見事なソロを演奏することができた。^[35]

ファンクでは、さまざまな鍵盤楽器が使われています。アコースティックピアノは、アース・ウィンド・アンド・ファイアーの「September」やビリー・プレストンの「Will It Go Round in Circles」などでファンクで使用されています。エレクトリックピアノは、ハービー・ハンコックの「Chameleon」（フェンダー・ローズ）やジョー・ザヴィヌルの「Mercy, Mercy, Mercy」（ウーリッツァー）などの曲で使用されています。クラビネットはパーカッシブな音色を出すために使用され、スティーヴィー・ワンダーの「Superstition」や「Higher Ground」、ビル・ウィザースの「Use Me」などの曲で聞くことができます。ハモンドB-3オルガンは、ミーターズの「Cissy Strut」や「Love the One You're With」（アレサ・フランクリンが歌い、ビリー・プレストンがキーボードを担当） などの曲でファンクで使用されています。

パーラメント・ファンカデリックとのレコーディングにおけるバーニー・ウォーレルのキーボードの多彩さは、ファンクで使用されるキーボードの多彩さを物語っています。ハモンドオルガン (「Funky Woman」、「Hit It and Quit It」、「Wars of Armageddon」)、RMIエレクトリックピアノ(「I Wanna Know If It's Good to You?」、「Free Your Mind」、「Loose Booty」)、アコースティックピアノ (「Funky Dollar Bill」、「Jimmy's Got a Little Bit of Bitch in Him」)、クラビネット (「Joyful Process」、「Up for the Down Stroke」、「Red Hot Mama」)、ミニモーグシンセサイザー (「Atmosphere」、「Flash Light」、「Aqua Boogie」、「Knee Deep」、「Let's Take It to the Stage」)、ARP ストリングアンサンブルシンセ (「Chocolate City」、「Give Up the Funk (Tear the Roof off the Sucker)」、「Undisco Kidd」) などが含まれています。

ファンクでは、シンセサイザーがエレクトリックベースの深みのあるサウンドを補うために使われたり、曲によってはエレクトリックベースを完全に置き換えたりすることもあった。^[47]ファンクのシンセサイザーベース、最もよく使われるのはミニモーグで、エレクトリックベースでは実現できないレイヤードサウンドや新しい電子音を作り出すことができることから使われた。^[47]

1970年代、ファンクは1960年代のアフリカ系アメリカ人の音楽で使用されていたのと同じボーカルスタイルの多くを使用しており、ブルース、ゴスペル、ジャズ、ドゥーワップからの影響を受けた歌唱法も含まれていました。^[38]これらの他のアフリカ系アメリカ人のスタイルと同様に、ファンクは「叫び声、叫び声、うめき声​​、ハミング、メロディックなリフ」に加えて、コールアンドレスポンスや物語のナレーション（アフリカの口承伝統のアプローチなど）などのスタイルを使用していました。^{[48]ファンクのコールアンドレスポンスは、リードシンガーと}バックボーカルを務めるバンドメンバーの間で行われることがあります。^[49]

ファンクはソウルから生まれたため、ファンクのボーカルはソウルのアプローチを共有している。しかし、ファンクのボーカルは「より句読点が多く、エネルギッシュで、リズミカルにパーカッシブで、装飾音が少ない」傾向があり、ボーカルラインはホーンパートに似ており、「プッシュ」リズムを持っている。^[50]アース・ウィンド・アンド・ファイアーなどのファンクバンドにはハーモニーボーカルパートがある。^[19]ジェームス・ブラウンの「スーパーバッド」などの曲には、「ダブルボイス」に加えて「叫び声、叫び声、悲鳴」が含まれている。^[51]ファンク歌手は「黒人の美学」を用いてパフォーマンスを行い、「色鮮やかで生き生きとした身振り、表情、体の姿勢、ボーカルフレーズのやり取り」を利用して魅力的なパフォーマンスを生み出した。^[52]

ファンク音楽の歌詞は、1970年代にアメリカのアフリカ系アメリカ人コミュニティが直面した問題を取り上げている。その問題は、工業化された労働者階級の経済から情報経済への移行によって生じ、黒人労働者階級に損害を与えた。^[53]オハイオ・プレイヤーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、ジェームス・ブラウンのファンク曲は、歌詞の中で、貧困な「経済状況や黒人コミュニティの貧しい都心部の生活のテーマ」など、低所得の黒人が直面している問題を取り上げている。^[54]

ファンカデリックの曲「ワン・ネイション・アンダー・ア・グルーヴ」（1978年）は、1960年代の公民権運動で黒人が乗り越えた課題について歌っており、1970年代の黒人に対して、1970年代に利用可能となった新しい「社会的、政治的機会」を活用するよう促している。^[55]アイズレー・ブラザーズの曲「ファイト・ザ・パワー」（1975年）には政治的なメッセージがある。^[56]パーラメントの曲「チョコレート・シティ」（1975年）は、ワシントンDCや主に黒人人口を抱える米国の他の都市を比喩的に指しており、黒人有権者が持つ潜在的な力に注目させ、将来的に黒人大統領の誕生を検討するよう示唆している。^[57]

ファンクソングの政治的なテーマと黒人の聴衆に向けたメッセージの狙いは、ブラックスプロイテーション映画で作られた黒人の新しいイメージを反映しており、ブラックスプロイテーション映画では「アフリカ系アメリカ人の男女が自分たちの立場を守り、正義のために戦う」様子が描かれていた。^[58]ファンク映画もブラックスプロイテーション映画も、黒人が直面する問題を取り上げ、黒人の視点から物語を語った。^[58] 1970年代のファンク映画とブラックスプロイテーション映画のもう1つのつながりは、これらの映画の多くがファンクのサウンドトラックを使用していたことである（例えば、『スーパーフライ』のカーティス・メイフィールド、 『ブラック・シーザー』と『ウォー』のジェームス・ブラウンとフレッド・ウェズリー）。^[59]

ファンクソングには、「黒人の美学や（黒人の）言葉遣いに詳しい」リスナーに最もよく理解される比喩的な言葉が含まれていた。^[60]例えば、ファンクソングには「シェイク・ユア・マネー・メーカー」「ファンク・ユア・ライト・アウト」「ムーブ・ユア・ブギー・ボディ」などの表現が含まれていた。^[61]もう1つの例は、「スーパー・バッド」（1970年）の曲で「バッド」が使用されているが、黒人リスナーはそれが「良い」または「素晴らしい」という意味だと知っていた。^[49]

1970年代、ラジオの猥褻規制を回避するため、ファンクアーティストは禁止語に聞こえる言葉や二重の意味を持つ言葉を使ってこれらの規制を回避した。^[62]例えば、オハイオ・プレイヤーズの「Fopp」という曲は「Fopp me right, don't you fopp me wrong/We'll be foppin' all night long...」と歌っている。^[62]ファンクの曲の中には「マリファナの煙で常にもやもやしながら歌詞を書いている」ことを示唆する造語を使ったものもあった。例えばパーラメントの「Aqua Boogie (A Psychoalphadiscobetabioaquadoloop)」には「bioaquadooloop」などの言葉が含まれている。^[62]ファンクの歌詞のメッセージは、主流の白人リスナー層には理解できないことが多く、それが1970年代にファンクが白人の聴衆の間でポピュラー音楽チャートで成功しなかった一因となった。^[63]

ファンクソングでは、金管楽器のグループによるホーンセクションの編曲がよく使われる。 ^[19]ファンクのホーンセクションには、サックス（テナーサックスが多い）、トランペット、トロンボーン、そして五重奏や六重奏などのより大規模なホーンセクションの場合はバリトンサックスが含まれる。^[3]ホーンセクションは「リズミカルでシンコペーションのある」パートを演奏し、多くの場合「リズムのずれ」を強調する「オフビートのフレーズ」を伴っていた。^[3]ファンクソングのイントロは、ホーンアレンジメントにとって重要な箇所である。^[3]

ファンク・ホーン・セクションは、ファンクのリズム・ギタリストが使用するアプローチを模倣した「リズミカルなパーカッシブ・スタイル」で演奏した。^[64]ホーン・セクションは、ボーカルの合間に「短いスタッカートのリズミカルなブラスト」を使用して演奏することで歌詞を「強調」した。^[64]著名なファンク・ホーン奏者には、アルフレッド・「ピーウィー」・エリス、トロンボーン奏者のフレッド・ウェズリー、アルトサックス奏者のメイシオ・パーカーなどがいた。^[64]著名なファンク・ホーン・セクションには、フェニックス・ホーンズ（アース・ウィンド・アンド・ファイアーと共演）、ホーニー・ホーンズ（パーラメントと共演）、メンフィス・ホーンズ（アイザック・ヘイズと共演）、MFSB（カーティス・メイフィールドと共演）などがある。^[64]

ファンクホーンセクションの楽器は様々です。ホルン奏者が2人いる場合は、トランペットとサックス、トランペットとトロンボーン、またはサックス2本になります。^[3] 標準的なホルントリオはトランペット、サックス、トロンボーンで構成されますが、トランペット1本とサックス2本、またはトランペット2本とサックス1本のトリオもかなり一般的でした。^[3]カルテットは標準的なホルントリオと同じように編成されますが、トランペット、サックス、または（まれに）トロンボーン奏者が1人追加されます。クインテットは、サックストリオ（通常はアルト/テナー/バリトン、またはテナー/テナー/バリトン）とトランペットとトロンボーン、またはトランペットとサックスの各1組とトロンボーン1本になります。 6つの楽器で構成されるホルンセクションは通常、トランペット2本、サックス3本、トロンボーン1本で構成されます。^[3]

ファンクホーンセクションのある有名な曲には以下のものがあります。

• 「コールド・スウェット」（ジェームス・ブラウン＆ザ・フェイマス・フレイムス）、1967年
• 「迷信」（スティーヴィー・ワンダー）、1972年
• 「ファンキー・スタッフ」（クール＆ザ・ギャング）、1973年
• 「What Is Hip?」(タワー・オブ・パワー)、1973年
• 「ピックアップ・ザ・ピーシズ」（アヴェレージ・ホワイト・バンド）
• 「アップ・フォー・ザ・ダウン・ストローク」（パーラメント）、1974年
• 「ヘアー」（グラハム・セントラル・ステーション）、1974年
• 「Too Hot to Stop」（ザ・バーケイズ）、1976年
• 「ゲッタウェイ」（アース・ウィンド・アンド・ファイアー）、1976年

ホーンセクションを雇うことが現実的でないバンドやショーでは、キーボード奏者がブラスパッチ付きのシンセサイザーでホーンパートを演奏することができますが、本物のようなサウンドのシンセサイザーとブラスパッチを選択することが重要です。^[3] 2010年代には、マイクロMIDIシンセサイザーの登場により、別の楽器奏者がキーボードのブラスパートを演奏することも可能になり、キーボード奏者が曲全体を通してコンプを続けることが可能になりました。^[3]

1970年代のファンクバンドは、ベルボトムパンツ、厚底靴、フープイヤリング、アフロヘア、レザーベスト、ビーズネックレス、^[65]、 ダシキシャツ、ジャンプスーツ、ブーツなど、アフリカ系アメリカ人のファッションとスタイルを採用しました。^[66]白人の主流の聴衆にアピールするために「お揃いのスーツ」と「きちんとしたヘアカット」を着用したテンプテーションズなどの初期のバンドとは対照的に、ファンクバンドは衣装とスタイルに「アフリカの精神」を採用しました。 ^[60] ジョージ・クリントンとパーラメントは、想像力豊かな衣装と「服装の自由」で知られ、ベッドシーツをローブやケープとして使うことも含まれていました。^[67]

ファンクは、20世紀半ばにアフリカ系アメリカ人の間で人気があった様々な音楽ジャンルの混合によって形成された。音楽学者のアン・ダニエルセンは、ファンクはリズム・アンド・ブルース、ジャズ、ソウルの系譜に位置付けられるかもしれないと書いている。^[68]社会学者のダービー・E・サウスゲートは、ファンクは「ゴスペル、ソウル、ジャズフュージョン、リズム・アンド・ブルース、ブラックロックの融合」であると書いている。^[1]

アフリカ系アメリカ人の音楽表現の独特の特徴は、サハラ以南のアフリカの音楽の伝統に根ざしており、霊歌、労働歌、賛美の叫び、ゴスペル、ブルース、および「ボディリズム」（ハムボーン、パッティングジュバ、リングシャウトの手拍子と足踏みのパターン） に最も古い表現が見られます。

ジャズ、ソウルミュージック、R&B などの他のアフリカ系アメリカ人の音楽表現スタイルと同様に、ファンクミュージックは公民権運動中およびその後の多くの抗議運動に伴って登場しました。

ゲルハルト・クビックは、ニューオーリンズを除いて、初期のブルースには複雑なポリリズムがなく、「20世紀初期のアフリカ系アメリカ人の音楽のほとんどすべてに、非対称のタイムラインパターン（キーパターン）がまったく存在しなかった...ニューオーリンズのいくつかのジャンルでのみ、単純なタイムラインパターンのヒントが、一時的ないわゆる「ストンプ」パターンやストップタイムコーラスの形で時折現れる。これらは、アフリカのタイムラインと同じようには機能しない」と指摘している。^[69]

1940年代後半、ニューオーリンズのブルースに2セルのタイムライン構造が取り入れられると、この状況は多少変化した。ニューオーリンズのミュージシャンは、R&Bが最初に形成された当時、アフロキューバンの影響を受けていた。 ^[70] デイブ・バーソロミューとプロフェッサー・ロングヘア（ヘンリー・ローランド・バード）は、アフロキューバンの楽器、クラーベパターン、関連する2セルの音型を「カーニバル・デイ」（バーソロミュー、1949年）や「マルディグラ・イン・ニューオーリンズ」（ロングヘア、1949年）などの曲に取り入れた。ロバート・パーマーは、1940年代にプロフェッサー・ロングヘアが島のミュージシャンの演奏を聴き、一緒に演奏し、「ペレス・プラードのマンボレコードの虜になった」と報告している。 ^{[20]プロフェッサー・ロングヘアの独特のスタイルは、地元では}ルンバ・ブギーとして知られていた。^[21]

ロングヘアの大きな貢献の 1 つは、2 セルのクラベを基本としたパターンをニューオーリンズのリズム アンド ブルース(R&B) に取り入れた独自のアプローチです。ロングヘアのリズム アプローチはファンクの基本テンプレートとなりました。ドクター ジョン(マルコム ジョン "マック" レベナック ジュニア) によると、この教授は「音楽にファンクを持ち込んだ... ロングヘアのやり方は、ニューオーリンズで発展したファンク ミュージックの大部分に直接影響を及ぼしたと言える」とのことです。^{[71] 「マルディ グラ イン ニューオーリンズ」では、ピアニストは}2-3 クラベのオンビート/オフビートのモチーフをルンバ ブギーの「グアヘオ」に使用しています。^[72]

キューバ音楽のシンコペーションがありながらもストレートなサブディビジョン感覚 (スウィングされたサブディビジョンとは対照的) は、この時期にニューオーリンズの R&B に根付きました。アレクサンダー スチュワートは次のように述べています。「最終的に、ニューオーリンズ以外のミュージシャンも [クレセント シティの] リズムの慣習の一部を学び始めました。その中で最も重要なのは、ジェームス ブラウンと彼が雇ったドラマーとアレンジャーです。ブラウンの初期のレパートリーは主にシャッフル リズムを使用しており、最も成功した曲のいくつかは 12/8 のバラードでした (例: 「Please, Please, Please」(1956 年)、「Bewildered」(1961 年)、「I Don't Mind」(1961 年))。ブラウンがよりファンキーなソウルへと変化したため、4/4 拍子と異なるスタイルのドラミングが必要になりました。」^[73]スチュワートは次のように指摘している。「第二次世界大戦後の数年間にニューオーリンズから生まれた独特のリズム・アンド・ブルースのスタイルは、ファンクの発展に重要な役割を果たした。関連した発展として、アメリカのポピュラー音楽の根底にあるリズムは、三連符やシャッフルの感覚から、均等な八分音符やストレートな八分音符へと、基本的な、しかし一般的には認識されていない移行を経た。」^[74]

ジェームス・ブラウンは、リトル・リチャードの1950年代のR&Bロードバンド、ニューオーリンズ出身のザ・アップセッターズを、ロックンロールの「リズムにファンクを持ち込んだ最初のバンド」と称した。^[75] 1957年にリトル・リチャードが一時的に世俗音楽から離れ、伝道師になった後、彼のバンドメンバーの何人かがブラウン・アンド・ザ・フェイマス・フレイムズに加わり、1958年からヒット曲を連発した。1960年代半ばまでに、ジェームス・ブラウンはダウンビートを強調した独自のグルーヴを開発し、アフリカ系アメリカ人の音楽に典型的なバックビートではなく、各小節の最初のビートを強く強調して独特のサウンドを刻み込んだ。^{[76]ブラウン}はよく「オン・ザ・ワン！」という指示でバンドの合図を出し、パーカッションの強調/アクセントを、伝統的なソウルミュージックの1-2-3-4のバックビートから1-2-3-4のダウンビートに変えたが、ギターのリズムは均等な音符でシンコペーションされ（2と4の四分音符）、激しく反復する金管楽器のスイングが特徴的だった。この1-3のビートは、1964年のヒットシングル「アウト・オブ・サイト」、1965年のヒット曲「パパズ・ゴット・ア・ブラン・ニュー・バッグ」と「アイ・ガット・ユー（アイ・フィール・グッド）」から始まったブラウンの特徴的な音楽スタイルの転換のきっかけとなった。

ブラウンのファンクスタイルは、連動した対位法的な部分、すなわちシンコペーションされたベースライン、16拍子のドラムパターン、シンコペーションされたギターリフを基本としていた。^[4]「エイント・イット・ファンキー」（1960年代後半頃）のメインのギターオスティナートは、ニューオーリンズファンクをブラウンが洗練させた例であり、ダンスしたくなる魅力的なリフをリズムのエッセンスだけに削ぎ落としたものだ。「エイント・イット・ファンキー」では、音構造は必要最低限​​に抑えられている。ブラウンの革新により、彼と彼のバンドは影響力のあるファンクバンドとなった。また、彼らは「コールド・スウェット」（1967年）、「マザー・ポップコーン」（1969年）、「ゲット・アップ（アイ・フィール・ライク・ビーイング・ア）・セックス・マシーン」（1970年）などのリリースでファンクミュージックのスタイルをさらに前面に押し出し、初期の音楽に特徴的だった12小節のブルースさえも排除した。その代わりに、ブラウンの音楽は「長々としたヴァンプ」に基づいた「キャッチーでアンセミックなボーカル」で覆われており、その中で彼は自分の声を「頻繁なリズミカルなうなり声とリズムセクションのパターンを伴う打楽器」としても使用しており、これはアフリカ系アメリカ人の労働歌や聖歌に見られる伝統である。^[77]ブラウンの狂乱したボーカルは、そのキャリアを通じて、叫び声やうなり声で頻繁に強調され、「黒人教会の恍惚とした雰囲気」を世俗的な文脈で表現した。^[77]

外部ビデオ
YouTubeで「Clyde Stubblefield/ Funky Drummer」を視聴

1965年以降、ブラウンのバンドリーダー兼編曲者はアルフレッド・「ピー・ウィー」・エリスだった。エリスは、クライド・スタブルフィールドがニューオーリンズのドラミングテクニックを採用したことを、現代のファンクの基礎とみなしている。「スタジオで『ファンキーに演奏して』と言ったら、ほとんど何でも意味する。でも『ニューオーリンズのビートをくれ』と言ったら、まさに望んだ通りのものができた。そしてクライド・スタブルフィールドは、まさにこのファンキーなドラミングの典型だった」。^[78]スチュワートは、このポピュラーな感覚は「ニューオーリンズから、ジェームス・ブラウンの音楽を経て、1970年代のポピュラー音楽に」受け継がれたと述べている。 ^[74]ファンクのさまざまなモチーフに関して、スチュワートはこのモデルは「 （クラーベやトレシージョなどの）タイムラインとは異なり、正確なパターンではなく、より緩やかな組織原理である」と述べている。^[79]

1990年のインタビューで、ブラウンは音楽のリズムを変えた理由を次のように語っている。「アップビートからダウンビートに変えたんだ...本当に単純なことさ。」[ ^{80]ブラウンの元サックス奏者}メイシオ・パーカーによると、ダウンビートで演奏するのは最初は難しく、慣れるまでに時間がかかったという。ブラウンのバンドにいた初期の頃を振り返って、パーカーは、2拍目のアクセントを聞いて演奏することに慣れていたため、ソロ演奏中に「1拍目」で演奏するのが難しかったと述べている。^[81]

新しいミュージシャンのグループが「ファンク ロック」のアプローチをさらに発展させ始めました。革新は、ジョージ クリントンのバンド、パーラメントとファンカデリックによって顕著にもたらされました。彼らは一緒に、ジャズとサイケデリック ロックの影響を強く受けた新しい種類のファンク サウンドを生み出しました。2 つのグループはメンバーを共有しており、まとめて「パーラメント ファンカデリック」と呼ばれることがよくあります。パーラメント ファンカデリックの爆発的な人気により、「P ファンク」という用語が生まれ、これはジョージ クリントンのバンドの音楽を指し、新しいサブジャンルを定義しました。クリントンは、パーレット、ホーニー ホーンズ、ブライズ オブ ファンケンシュタインなど、P ファンク コングロマリットの一部である他のいくつかのバンドでも主要な役割を果たしました。「P ファンク」は、その真髄、優れた品質、または独特のものを意味するようになりました。

1960年代後半のジミ・ヘンドリックスの作品に続いて、スライ＆ザ・ファミリー・ストーンなどのアーティストがヘンドリックスのサイケデリック・ロックとファンクを融合させ、ヘンドリックスからワウペダル、ファズボックス、エコーチェンバー、ボーカルディストーターを借用したほか、ブルースロックやジャズも取り入れた。^[82]その後の数年間、クリントンのパーラメント・ファンカデリックなどのグループがこの感性を継承し、シンセサイザーやロック志向のギターワークを採用した。^[82]

他の音楽グループもジェームス・ブラウンと彼のバンドが開発したリズムとボーカルスタイルを取り入れ、ファンクスタイルが成長し始めた。アリゾナ州フェニックスを拠点とするダイク・アンド・ザ・ブレイザーズは1967年に「ファンキー・ブロードウェイ」をリリースした。これはおそらく、タイトルに「ファンキー」という言葉が入ったソウルミュージック時代の最初のレコードである。1969年にジミー・マクグリフは、燃えるようなホーンセクションに彼の特徴的なオルガンをフィーチャーした「エレクトリック・ファンク」をリリースした。一方、西海岸では、チャールズ・ライト＆ザ・ワッツ103rdストリート・リズム・バンドが1967年のファーストアルバムからファンクトラックをリリースし、1971年のクラシックシングル「エクスプレス・ユアセルフ」で最高潮に達した。また、西海岸地域、より具体的にはカリフォルニア州オークランドからは、1968年に結成されたバンド、タワー・オブ・パワー（TOP）が登場した。1970年にリリースされた彼らのデビューアルバム「イーストベイ・グリース」は、ファンクのマイルストーンと考えられている。 1970年代を通じて、TOPは多くのヒット曲を出し、ファンクミュージックをより幅広い聴衆に受け入れられる成功したジャンルにすることに貢献しました。

1970年、スライ&ザ・ファミリー・ストーンの「Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)」がチャートの1位を獲得し、「Family Affair」も1971年にチャートの1位を獲得した。これらのヒットにより、このグループとジャンルを超えた成功と認知度の向上がもたらされたが、比較的才能があり、そこそこ人気のあったファンクバンドの仲間たちは、そのような成功を逃していた。ミーターズは、1969年のトップ10 R&Bヒット「Sophisticated Cissy」と「Cissy Strut 」でニューオーリンズのファンクを定義した。この頃ファンクを定義したもう1つのグループはアイズレー・ブラザーズで、1969年のファンキーなR&Bヒット「It's Your Thing 」は、ブラウンのジャズサウンド、ジミ・ヘンドリックスのサイケデリックロック、スライ&ザ・ファミリー・ストーンやマザーズ・ファイネストなどのアップビートなソウルの間の橋渡しとなり、アフリカ系アメリカ人の音楽に躍進をもたらした。ポップとソウルの独特な融合である「モータウンサウンド」の定義に貢献したテンプテーションズも、1960年代の終わり頃にはこの新しいサイケデリックサウンドを採用した。プロデューサーのノーマン・ホイットフィールドはサイケデリックソウルの分野の革新者となり、エドウィン・スターの「ウォー」 、アンディスピューテッド・トゥルースの「スマイリング・フェイセズ・サムタイムズ」、テンプテーションズの「パパ・ワズ・ア・ローリング・ストーン」など、多くのモータウンのアーティストのために、より新しくファンキーなサウンドでヒット曲を生み出した。モータウンのプロデューサー、フランク・ウィルソン（「キープ・オン・トラックイン」）とハル・デイビス（「ダンシング・マシーン」）もそれに続いた。スティーヴィー・ワンダーとマーヴィン・ゲイも、1970年代の最大のヒット曲のいくつかでファンクビートを採用し、それぞれ「スーパースティション」と「ユー・ハヴント・ダン・ナッシング」、および「アイ・ウォント・ユー」と「ガット・トゥ・ギヴ・イット・アップ」を制作した。

1970 年代は、ファンク ミュージックが最も主流に定着した時代でした。パーラメント ファンカデリックに加えて、スライ & ザ ファミリー ストーン、ルーファス & チャカ カーン、ブーツィーズ ラバー バンド、アイズレー ブラザーズ、オハイオ プレイヤーズ、コン ファンク シュン、クール & ザギャング、バーケイズ、コモドアーズ、ロイ エアーズ、カーティス メイフィールド、スティーヴィー ワンダーなどのアーティストがラジオで放送されました。ディスコミュージックはファンクに大きく影響を受けています。初期のディスコ ソングやパフォーマーの多くは、ファンク志向のバックグラウンドから直接来ています。ディスコ音楽のヒット曲には、バリー・ホワイトの全ヒット曲、ビドゥとカール・ダグラスの「カンフー・ファイティング」、ドナ・サマーの「ラブ・トゥ・ラブ・ユー・ベイビー」、ダイアナ・ロスの「ラブ・ハングオーバー」、KC&ザ・サンシャイン・バンドの「アイム・ユア・ブギーマン」、チャカ・カーン(ファンクの女王としても知られる)の「アイム・エヴリ・ウーマン」、シックの「ル・フリーク」などがあり、ファンクから派生したリフやリズムが目立って含まれています。1976年、ローズ・ロイスは、純粋にダンスファンクのレコード「カー・ウォッシュ」でナンバーワンヒットを記録しました。ディスコの登場後も、ファンクは1980年代初頭まで人気が高まっていきました。

ファンク音楽はアフリカにも輸出され、アフリカの歌やリズムと融合してアフロビートを形成した。ジェームス・ブラウンの音楽に大きな影響を受けたナイジェリアのミュージシャン、フェラ・クティがこのスタイルを生み出し、「アフロビート」と名付けたとされている。

ジャズ・ファンクは、ジャズ音楽のサブジャンルであり、強いバックビート（グルーヴ）、電化されたサウンド^{[83] 、}アナログ・シンセサイザーの早期普及が特徴である。ファンク、ソウル、R&Bの音楽とスタイルがジャズに統合された結果、スペクトルが非常に広く、ジャズの即興演奏から、ジャズ・アレンジ、ジャズ・リフ、ジャズ・ソロ、時にはソウル・ボーカルを伴うソウル、ファンク、ディスコまで及ぶジャンルが生まれた。 ^[84]ジャズ・ファンクは主にアメリカのジャンルで、1970年代から1980年代初頭にかけて人気があったが、1970年代半ばにはイギリスのクラブ・サーキットでも注目を集めた。同様のジャンルにはソウル・ジャズやジャズ・フュージョンがあるが、どちらもジャズ・ファンクと完全に重なるわけではない。特にジャズ・ファンクはソウル・ジャズよりもボーカルが少なく、アレンジが多く、即興演奏が多く、ジャズ・フュージョンの作品の一部とは対照的に、グルーヴとR&Bの強い感覚を保持している。

1980年代には、主にディスコの行き過ぎと見なされたものに対する反動として、Pファンクの公式の基礎を形成した中核的な要素の多くが、電子楽器、ドラムマシン、シンセサイザーに取って代わられ始めた。サックスとトランペットのホーンセクションはシンセ キーボードに置き換えられ、残ったホーンは簡略化されたラインが与えられ、ソリストに与えられるホーンソロはほとんどなくなった。ハモンドB3オルガン、ホーナークラビネット、フェンダーローズピアノなどのファンクの古典的なエレクトリックキーボードは、ヤマハDX7などの新しいデジタルシンセサイザーや、プロフェット5やオーバーハイムOB-Xなどのマイクロプロセッサ制御のアナログシンセサイザーに置き換えられ始めた。Roland TR-808、Linn LM-1、Oberheim DMXなどの電子ドラムマシンが、過去の「ファンキードラマー」に取って代わるようになり、スラップやポップスタイルのベース演奏は、シンセキーボードのベースラインに置き換えられることが多くなりました。ファンクソングの歌詞は、示唆的な二重の意味から、より生々しく性的に露骨な内容に 変わり始めました。

アフリカ系アメリカ人のラップDJアフリカ・バンバータは、クラフトワークの影響を受けて、 1982年にシングル「プラネット・ロック」で、ミニマルで機械主導のファンクのスタイルであるエレクトロ・ファンクを開発した。 ^{[85]単にエレクトロとしても知られるこのスタイルのファンクは、シンセサイザーと}TR-808ドラムマシンの電子リズムによって駆動されていた。シングル「レネゲード・オブ・ファンク」は1983年に続いた。 ^[85]マイケル・ジャクソンもエレクトロ・ファンクの影響を受けた。^[86] 1980年には、テクノファンクミュージックがTR-808プログラマブルドラムマシンを使用し、^[87]クラフトワークのサウンドは^[88]マントロニクスなどの後のエレクトロファンクアーティストに影響を与えた。^[89]

リック・ジェームスは、 1970年代にPファンクが支配していたファンクの地位を1980年代に初めて引き継いだファンクミュージシャンです。1981年のアルバム『Street Songs』のシングル「Give It to Me Baby」と「Super Freak」により、ジェームスはスターとなり、ファンクの明確な方向性を切り開きました。

プリンスは、当初は彼の前座として構想され、ファンク、R&B、ロック、ポップ、ニューウェーブをミックスした「ミネアポリスサウンド」をベースにしたザ・タイムを結成した。最終的に、バンドは、タイトな音楽性と性的なテーマをベースにした、シンプルなファンクという独自のスタイルを確立していった。

プリンスと同様に、Pファンク時代には他のバンドも登場し、奔放なセクシュアリティ、ダンス志向のテーマ、シンセサイザーやその他の電子技術を取り入れて、ファンクヒットを作り続けた。これらには、カメオ、ザップ、ギャップバンド、バーケイズ、ダズバンドが含まれ、いずれも1980年代初期に最大のヒットを飛ばした。1980年代後半までに、純粋なファンクは商業的な影響力を失ったが、マイケルジャクソンからカルチャークラブまで、ポップアーティストはファンクビートを頻繁に使用した。

ファンクは、洗練された商業的なヒップホップ、コンテンポラリー R&B、ニュージャックスウィングによってラジオから駆逐されましたが、その影響は広がり続けました。スティーブ・アリントンやカメオなどのアーティストは、依然として主要なラジオ放送で放送され、世界中に大勢のファンがいました。ロックバンドはファンクの要素を自分たちのサウンドに取り入れ始め、「ファンク ロック」と「ファンク メタル」の新しい組み合わせを生み出しました。エクストリーム、レッド ホット チリ ペッパーズ、リヴィング カラー、ジェーンズ アディクション、プリンス、プリムス、アーバン ダンス スクワッド、フィッシュボーン、フェイスノー モア、レイジ アゲインスト ザ マシーン、インフェクシャス グルーヴス、インキュバスは、1980 年代中期から後半、および 1990 年代に、ファンクの先駆者たちから得たアプローチとスタイルを新しい聴衆に広めました。これらのバンドは後に、1990 年代半ばのアンダーグラウンド ファンクコア ムーブメントや、アウトキャスト、マリナ モイエ、ヴァン ハント、ナールズ バークレーなどの現在のファンクに影響を受けたアーティストに影響を与えました。

1990年代には、ミーシェル・ンデゲオチェロ、ブルックリン・ファンク・エッセンシャルズ、（主にイギリスを拠点とする）アシッド・ジャズ運動などのアーティスト（ジャミロクワイ、インコグニート、ガリアーノ、オマール、ロス・テタス、ブラン・ニュー・ヘヴィーズなどのアーティストやバンドを含む）が、強いファンクの要素を持ち続けた。しかし、彼らはファンク全盛期の商業的成功に近づくことはなかった。ジャミロクワイだけは例外で、ジャミロクワイのアルバム『トラベリング・ウィズアウト・ムービング』は全世界で約1150万枚を売り上げ、史上最も売れたファンク・アルバムであり続けている。^{[90]一方、オーストラリアとニュージーランドでは、}スーパーグルーヴ、スカンクアワー、ザ・トゥルースなど、パブ・サーキットで演奏するバンドが、よりインストゥルメンタルなファンクを維持した。

1980 年代後半から、ヒップホップアーティストは古いファンクの曲を定期的にサンプリングしています。ジェームス ブラウンはヒップホップの歴史上最もサンプリングされたアーティストと言われており、P ファンクは2 番目にサンプリングされたアーティストです。古いパーラメントやファンカデリックの曲のサンプリングがウェスト コースト G ファンクの基礎を形成しました。

ファンク風のベースやリズムギターのリフをフィーチャーしたオリジナルのビートも珍しくない。ドクター・ドレー（Gファンクのジャンルの創始者とされる）は、ジョージ・クリントンのサイケデリックに大きく影響を受けたことを率直に認めている。「70年代には、みんなハイになって、アフロヘアーにベルボトムス、そしてパーラメント・ファンカデリックを聴いていた。だからアルバムを『ザ・クロニック』と名付けて、自分の音楽やコンセプトをそういうものにした。彼の音楽は自分の音楽に大きな影響を与えたから。とても大きな影響があった」。^[91] デジタル・アンダーグラウンドは、ファンクの歴史やアーティストについての知識をリスナーに提供することで、1990年代のファンクの復活に大きく貢献した。ジョージ・クリントンはデジタル・アンダーグラウンドを「サンズ・オブ・ザ・P 」と名付け、2枚目のフルアルバムのタイトルも同じである。 DU の最初のリリースであるSex Packetsはファンクのサンプルでいっぱいで、最もよく知られている「The Humpty Dance」はパーラメントの「Let's Play House」をサンプリングしています。DU の非常に強力なファンク アルバムは、1996 年にリリースされたFuture Rhythmです。現代のクラブ ダンス ミュージック、特にドラムとベースの多くは、ファンクのドラム ブレイクを大量にサンプリングしています。

ファンクは、1990年代後半から2000年代のジャムバンドシーンで見られる特定のアーティストの主要な要素である。1990年代後半、バンドのフィッシュは「カウファンク」（別名「スペースファンク」）と呼ばれるライブサウンドを開発した。これは、長く踊れる深いベースのグルーヴで構成され、ギター奏者の重い「ワウ」ペダルやその他のサイケデリックな効果と、キーボード奏者の重ねられたクラビネットを強調することが多かった。^[92] フィッシュは1996年頃からセットリストでよりファンキーなジャムを演奏し始め、1998年の「The Story of the Ghost」はファンクの影響を強く受けている。フィッシュのファンクは、4/4拍子の1拍目を強調することが多いという意味で伝統的である一方、非常に探求的でもあり、高度に構成されたプログレッシブロックンロールに移行する前に、エネルギーのピークに向けてジャムを構築することが含まれていた。

Medeski Martin & Wood、Robert Randolph & the Family Band、Galactic、Jam Underground、Soulive、Karl Denson's Tiny Universe はすべてファンクの伝統から大きな影響を受けています。Dumpstaphunkは、ザラザラとした低音のグルーヴとソウルフルな 4 部ボーカルで、ニューオーリンズのファンクの伝統を基盤にしています。

1990年代半ば以降、ディープ・ファンク・コレクターのシーンを中心としたニューファンクやファンク・リバイバリストのシーンでは、レアなファンク45回転レコードの音に影響を受けた新しい作品が制作されている。レーベルには、デスコ、ソウル・ファイア、ダプトーン、ティミオン、ナポリタン、バナナラマ、ケイディー、トランプなどがある。これらのレーベルは45回転レコードでリリースすることが多い。レアなファンクDJ向けの音楽を専門としているが、シャロン・ジョーンズが2005年にレイト・ナイト・ウィズ・コナン・オブライエンに出演するなど、主流の音楽業界とのクロスオーバーも見られる。アシッド・ジャズ、アシッド・ハウス、トリップ・ホップなどのジャンルをファンクとミックスしているアーティストとしては、トム・トム・クラブ、^[93] ブレインチケット、^[94] グルーヴ・アルマダなどが挙げられる。^{[95] [96]}

2000年代から2010年代初頭にかけて、アウト・ハドやモンゴリアン・モンクフィッシュなどのパンク・ファンク・バンドがインディーズ・ロック界で活躍した。インディーズ・バンドのリロ・カイリーは、ロックのスタイルを多様に探求する傾向に沿って、アルバム『アンダー・ザ・ブラックライト』の曲「ザ・マネーメーカー」にファンクを取り入れた。プリンスは、その後のアルバムで「ザ・エバーラスティング・ナウ」「ミュージコロジー」「オール・スクール・カンパニー」「ブラック・スウェット」などの曲でファンク・サウンドを復活させた。例えば^{パーティクル[97]}は、コンピューター、シンセサイザー、サンプルで作られたデジタル音楽の要素と、アナログの楽器、音、ファンクの即興的・作曲的要素を組み合わせたシーンの一部である。^{[98] [99]}

1970年代初頭以降、ファンクは様々なサブジャンルを生み出した。ジョージ・クリントンとパーラメントがよりハードなファンクを制作していた一方で、クール・アンド・ザ・ギャング、オハイオ・プレイヤーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアーなどのバンドはディスコの影響を受けたファンク音楽を作っていた。^[100]

ファンク・ロック（ファンク・ロック、ファンク/ロックとも表記される）は、ファンクとロックの要素を融合させた音楽である。 ^[101]その最も初期の形態は、1960年代後半から1970年代半ばにかけて、ジミ・ヘンドリックス、フランク・ザッパ、ゲイリー・ライト、デヴィッド・ボウイ、マザーズ・ファイネスト、ファンカデリックなどのミュージシャンの初期のアルバムで聞かれた。

ファンク ロックには多くの楽器が取り入れられるが、全体的なサウンドは明確なベースまたはドラムのビートとエレキギターによって定義される。ベースとドラムのリズムはファンク ミュージックの影響を受けていますが、より強烈であり、ギターはファンクまたはロックの影響を受けており、通常はディストーションが加えられている。プリンス、ジェシー ジョンソン、レッド ホット チリ ペッパーズ、フィッシュボーンはファンク ロックの主要アーティストである。

「アヴァン・ファンク」という用語は、ファンクとアート・ロックの関心事を組み合わせたアーティストを表すために使われてきた。^[102] サイモン・フリスは、このスタイルをメロディーやハーモニーではなくリズムにプログレッシブ・ロックの精神を適用したものと表現した。 ^[102] サイモン・レイノルズは、アヴァン・ファンクを「肉体を超越することによってではなく、むしろ肉体に没頭し、動物性を通して自己を失うことによって忘却が達成される」一種のサイケデリックであると特徴づけた。 ^[102]

このジャンルのアーティストには、ドイツのクラウトロックバンドCan ^[103]、アメリカのファンクアーティストのスライ・ストーンとジョージ・クリントン^[104]、そしてディスコやファンクなどのブラックダンスミュージックスタイルを取り入れた1980年代初期のイギリスとアメリカのアーティストの波（パブリック・イメージ・リミテッド、トーキング・ヘッズ、ザ・ポップ・グループ、ギャング・オブ・フォー、バウハウス、キャバレー・ヴォルテール、デファンクト、ア・サーテン・レシオ、23スキードーなど）^{[105]が含まれます。 [106]} 1970年代後半のニューヨークのノーウェイヴシーンのアーティストも、オーネット・コールマンなどの人物の影響を受けてアヴァンファンクを模索しました。^[107]レイノルズは、これらのアーティストが西洋近代性の疎外、抑圧、テクノクラシーなどの問題に関心を持っていることを指摘しました。^[102]

ゴーゴーはワシントン D.C.で生まれ、現在もその地域と結びついている。また、中部大西洋岸の他の地域とも結びついている。 「ゴーゴーのゴッドファーザー」チャック・ブラウンなどの歌手にインスピレーションを受けたゴーゴーは、ファンク、リズム・アンド・ブルース、初期のヒップホップを融合したもので、ダンストラックの代わりにローファイの打楽器と直接のジャムセッションに重点を置いている。そのため、主にダンスミュージックであり、ライブの観客とのコールアンドレスポンスに重点が置かれている。ゴーゴーのリズムはストリートパーカッションにも取り入れられている。

ブギーは、主にファンクやポストディスコの影響を受けた電子音楽です。シンセサイザーとキーボードで構成されるブギーのミニマリスト的アプローチは、エレクトロやハウスミュージックの確立に貢献しました。ブギーはエレクトロとは異なり、ベースギターのスラップテクニックだけでなく、ベースシンセサイザーも強調しています。アーティストには、Vicky "D"、Komiko、Peech Boys、Kashif、そして後にEvelyn Kingなどがいます。

エレクトロ・ファンクは、電子音楽とファンクのハイブリッドです。基本的にはファンクと同じ形式を踏襲し、ファンクの特徴を保持していますが、TR-808などの電子楽器を使用して完全に（または部分的に）作られています。ボーカルを変形するために、ボコーダーやトークボックスがよく使われていました。エレクトロの先駆者バンド、ザップは、音楽にそのような楽器をよく使用していました。ブーツィー・コリンズも、後のソロアルバムでよりエレクトロニックなサウンドを取り入れ始めました。他のアーティストには、ハービー・ハンコック、アフリカ・バンバータ、エジプシャン・ラヴァー、ヴォーン・メイソン＆クルー、ミッドナイト・スター、サイボトロンなどがいます。

ファンクメタル（ funk-metalのように異なる表記になることもある）は、オルタナティブメタル運動の一環として1980年代に登場した音楽の融合ジャンルである。通常はファンクとヘビーメタル（多くの場合スラッシュメタル）の要素を取り入れているが、パンクや実験音楽など他のスタイルの音楽を取り入れることもある。ハードなヘビーメタルのギターリフ、ファンクの特徴である激しいベースリズム、そして時にはヒップホップ風の韻をオルタナティブロック的な作曲手法に取り入れている。代表的な例としては、ローリングストーン誌から「ファンクメタルの先駆者」と評された、アフリカ系アメリカ人のみのロックバンド、リヴィングカラーが挙げられる。^{[108] 1980年代後半から1990年代前半にかけて、このスタイルは}カリフォルニア、特にロサンゼルスとサンフランシスコで最も流行した。^{[109] [110]}

G-ファンクは、ギャングスタラップとファンクを組み合わせた音楽のジャンルです。一般的には、西海岸のラッパーによって発明され、ドクター・ドレーによって有名になったと考えられています。多層的でメロディアスなシンセサイザー、ゆっくりとした催眠術的なグルーヴ、深いベース、女性のバックグラウンドボーカル、P-ファンクの曲の広範なサンプリング、高音のポルタメントの鋸波シンセサイザーリードが組み込まれています。ファンクのサンプルを使用していた他の初期のラップアクト（EPMDやボムスクワッドなど）とは異なり、G-ファンクは1曲あたりより少ない未加工のサンプルを使用することが多かったです。

ティンバは、キューバのファンキーなポピュラーダンスミュージックの一種です。1990年までに、いくつかのキューバのバンドがファンクとヒップホップの要素をアレンジに取り入れ、伝統的なコンフントの楽器編成をアメリカンドラムセット、サックス、2つのキーボード形式に拡張しました。La Charanga HabaneraやBamboleoなどのティンババンドでは、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、クール・アンド・ザ・ギャングなどのアメリカのファンクバンドの曲の短いパートをホーンやその他の楽器で演奏することがよくあります。多くのファンクモチーフはクラーベベースの構造をしていますが、それらは直感的に作られており、さまざまなパートをガイドパターンに合わせるという意識はありません。ティンバは、ファンクモチーフを明白かつ意図的なクラーベ構造に取り入れています。

ファンクは現代音楽で人気があるにもかかわらず、ファンク・ウーマンの作品を研究した人はほとんどいない。有名なファンク・ウーマンには、チャカ・カーン、ラベル、ブライズ・オブ・ファンケンシュタイン、クライマックス、マザーズ・ファイネスト、リン・コリンズ、ベティ・デイビス、ティーナ・マリーなどがいる。文化評論家のシェリル・キーズがエッセイ「彼女はロックには黒すぎ、ソウルにはハードすぎた：ベティ・メイブリー・デイビスの音楽キャリアの（再）発見」で説明しているように、ファンクに関する研究のほとんどは男性の文化的活動に焦点を当てている。彼女は「ベティ・デイビスはファンクとロックの歴史の中で先駆者として名を馳せていないアーティストです。これらの音楽ジャンルに関するほとんどの著作は、伝統的にジミ・ヘンドリックス、ジョージ・クリントン（パーラメント・ファンカデリック）、ベーシストのラリー・グラハムなどの男性アーティストをロック音楽の感性を形成するトレンドセッターとして位置づけてきました。」と述べている。^[111]

ニッキ・A・グリーン^{[112]は著書『}ベティ・デイビスとルネ・スタウトのフェミニスト・ファンク・パワー』の中で、性的な動機と自己啓発の主題に焦点を当てたデイビスの挑発的で物議を醸すスタイルが、1970年代の彼女の人気上昇に役立ったと述べている。さらに、このことがこの若いアーティストが大勢の観客を集め、商業的に成功する能力に影響を与えた。グリーンはまた、デイビスが当時の公民権運動やフェミニスト運動の公式スポークスマンや擁護者にされたことはなかったが、より最近では^{[いつ? ]}彼女の作品は有色人種の女性の性的解放の象徴になったと述べている。デイビスのデビューアルバム「If I'm In Luck I Just Might Get Picked Up」に収録されている曲は物議を醸し、デトロイトNAACPによって禁止された。^[113]音楽学者で人類学者のモーリーン・マハンは、論文「彼女は違うと言われる：人種、性別、ジャンル、そしてベティ・デイヴィスの解放された黒人女性らしさ」で、デイヴィスが音楽業界とアメリカ国民に与えた影響について考察している。

『 What Are You Doing Here: A Black Woman's Life and Liberation in Heavy Metal』の著者ライナ・ドーズは、デイヴィスのようなアーティストが男性アーティストと同等の評価を得られないのは、世間体政治のせいだと考えている。「70年代のファンク・ロックの女性アーティストがあまり知られていないのは、世間体政治のせいだと思う。彼女たちの音楽や存在の重要性にもかかわらず、ファンク・ロックの女性アーティストの多くは、多くの人が不快に感じる攻撃的な行動やセクシュアリティを体現していた。」^[114]

フランチェスカ・T・ロイスターによると、リッキー・ヴィンセントの著書『ファンク：音楽、人々、そしてリズム・オブ・ザ・ワン』で、彼はラベルの影響を分析しているが、その分析は限られた部分に限られている。ロイスターは、ヴィンセントのグループ分析を批判し、次のように述べている。「それなら、ヴィンセントが研究の中でラベルのパフォーマンスにほとんど注意を払っていないのは残念だ。残念ながら、これはファンク音楽の評価を形作る、依然として一貫した性差別を反映している。『ファンク』では、ヴィンセントのラベル分析は短く、3ページのサブ章「ファンキーな女性たち」の中で、ポインター・シスターズと同じ1段落を共有しているだけだ。」彼は、「レディ・マーマレード」が「性的なほのめかしの基準を打ち破り、グループのスターとしての地位を急上昇させた」一方で、「バンドのきらびやかなイメージはディスコの暗流に紛れ込み、ソロ活動を求めてトリオが解散したため、最終的には無駄になってしまった」と書いている（ヴィンセント、1996年、192ページ）。^[115]ファンクのジャンルに属するとされる女性アーティストの多くは、ディスコ、ソウル、R&Bのジャンルでも曲を共有している。ラベルは、音楽理論に対する批判的な見方と米国における性差別の歴史により、ジャンル間で分断されているこのカテゴリーの女性に属している。^[116]

21世紀には、^{[いつ? ]}ジャネール・モネイのようなアーティストが、ファンク音楽のジャンルに対する女性の影響についての研究と分析の扉を開いた。^{[疑わしい–議論する]}モネイのスタイルは、ファンクの男性の先駆者たちが境界を打ち破ったのと同じように、ジェンダー、セクシュアリティ、自己表現の概念を曲げている。 ^[117]彼女のアルバムは、女性と黒人のエンパワーメントの要素とディストピア的な未来のビジョンを中心としたアフロフューチャリスティックなコンセプトを中心にしている。 ^[118]マシュー・ヴァルネスは、「ジャネール・モネイとアフロソニック・フェミニスト・ファンク」という記事で、モネイのファンクジャンルへの関与は、ファンクが男性中心のジャンルであるという伝統的な見方と対比されていると書いている。ヴァルネスは、ファンクが男性優位であることを認めているが、この状況につながった社会的状況についての洞察を提供している。^{[117] [説明が必要]}

モネイが影響を受けたアーティストには、師匠のプリンス、ファンカデリック、ローリン・ヒル、その他のファンクやR&Bアーティストがいるが、エミリー・ローディによると、「ジャネール・モネイが影響を受けたアーティストの中に[ベティ]デイヴィスの名前が挙がることはほとんどなく、確かにこの若いシンガーのハイテクなコンセプト、名人芸のようなパフォーマンス、そして綿密に制作された曲は、デイヴィスの原始的なパンクの美学からは程遠い。しかし...デイヴィス同様、彼女も先見の明のある男性の師匠（プリンス）と密接な関係がある。モネイの2013年のアルバム『The Electric Lady』のタイトルは、ヘンドリックスの『Electric Ladyland』を暗示しているが、ヘンドリックス自身にインスピレーションを与えた女性グループについても暗に言及している。コズミック・レディースまたはエレクトリック・レディースと呼ばれるそのグループは、ヘンドリックスの恋人デヴォン・ウィルソンとベティ・デイヴィスが率いていた。」^[119]

• チャンキング

• ダニエルセン、アン（2006年）。『存在と喜び：ジェームス・ブラウンとパーラメントのファンクグルーヴ』ウェズリアン大学出版局。
• ヴィンセント、リッキー（1996年）。『ファンク：音楽、人々、そしてひとつのリズム』セント・マーチンズ・プレス。ISBN 0-312-13499-1。
• トンプソン、デイブ（2001）。ファンク。バックビートブックス。ISBN 0-87930-629-7。
• ヴェルメリンガー、ピーター (2005)。ファンキー&グルーヴィー音楽レコード辞典。-。ISBN 3-9522773-1-2。