History of film

19世紀後半を通して、ワーズワース・ドニソープ、ルイ・ル・プランス、ウィリアム・フリーズ＝グリーン、スクラダノフスキー兄弟などの発明家が、動画を撮影して投影できる装置を開発した。これらの実験の場面は主に技術そのものを実証するために用いられ、被写体としては家族、友人、通行する車などが使われた。^{[ 20 ]}

今日一般的に知られている映画は、オーギュストとルイ・リュミエールによってリヨンで発明されました。1894年12月26日、リヨン・レピュブリカン紙の記事は、リュミエール兄弟が新しいキネトグラフの製作に取り組んでいると報じました。彼らの新しい発明「シネマトグラフ」の特許は1895年2月13日にINPIに申請され、その後3月22日に兄弟はパリで最初の公開上映を行いました。^{[ 21 ] [ 22 ]}史上初の商業上映は1895年12月28日に行われ、10本の映画で構成され、上映時間は約20分でした。プログラムは主に、世界の真実の記録として「リュミエール工場を去る労働者」などの実写映画で構成されていましたが、ショーには舞台コメディ「水浸しの酒飲み」も含まれていました。^{[ 23 ]}これまでで最も先進的な映画映写機であるシネマトグラフは、瞬く間に成功を収め、1896年1月末までに1日平均2,500～3,000フランの収益を上げた。^{[ 13 ]}最初の上映後、映画の順番や選択は頻繁に変更された。^{[ 17 ]}

リュミエール兄弟の主な事業は、映画製作そのものではなく、映画館にカメラや映画機材を販売することだった。それにもかかわらず、映画館が新しい国に映画を持ち込むにつれ、世界中の映画製作者は映画の可能性に刺激を受けた。映画史家のトム・ガニングが「アトラクションの映画」と呼んだこの映画製作の時代は、大衆に娯楽を提供する比較的安価で簡単な方法を提供した。ガニングは、映画製作者は物語に焦点を当てるのではなく、主に、その前のキネトスコープ時代と同様に、動いている映像を見る「錯覚の力」によって観客を喜ばせる能力に頼っていたと主張する。^{[ 24 ]}それにもかかわらず、フィクション映画製作（実写映画と他のジャンルの両方）の初期の実験は行われた。映画は主に、仮設の店舗スペース、見本市での移動映画館のテント、またはボードビルのプログラムでの「無言」の演目の中で上映された。^{[ 25 ]}この時期、ポストプロダクションのプロセスが明確に定義される前は、上映者はプレゼンテーションにおいて創造的な自由を行使することが許されていた。観客の体験を向上させるため、一部の上映では、オーケストラの生演奏、劇場オルガン、生の効果音、興行師や映写技師による解説が伴った。^{[ 26 ] [ 27 ]}

この時期、フランス、イギリス、アメリカの映画製作者による映画編集、特殊効果、物語構成、カメラワークの実験は、今後の映画のアイデンティティを確立する上で影響力を持つようになった。エジソン・スタジオとリュミエール・スタジオの両方で、1895年のエジソン映画『ウォッシュデイ・トラブルズ』のような緩やかな物語が、短い人間関係のダイナミクスとシンプルなストーリーラインを確立した。^{[ 28 ]} 1896年には『キャベツの妖精』が初めて公開された。アリス・ガイが監督・編集したこの作品は、おそらく歴史上最も初期の物語映画であり、女性が監督した最初の映画でもある。^{[ 29 ]}同年、エジソン・マニュファクチャリング社は『メイ・アーウィン・キス・イン・メイ』を公開し、大きな商業的成功を収めた。映画史上初のキスシーンをフィーチャーしたこの映画は、映画検閲を求める最も初期の要求につながった。^{[ 30 ]}

初期の映画製作会社の一つに、オーストラリアのライムライト・デパートメントがある。1898年に設立されたこの会社は、オーストラリアのメルボルンにある救世軍によって運営されていた。ライムライト・デパートメントは、救世軍が使用する伝道用資料を製作しており、 1891年にはすでにランタン・スライドも製作していたほか、民間や政府との契約も請け負っていた。19年間の活動期間中に、ライムライト・デパートメントは約300本の様々な長さの映画を製作し、当時としては最大規模の映画製作会社の一つとなった。ライムライト・デパートメントは、ジョセフ・ペリー監督による1904年の映画『ブッシュレンジャー北クイーンズランド』を製作したが、これはブッシュレンジャーを題材にした最初の映画だと考えられている。

映画は黎明期には、上映者や観客から芸術形式として認識されることはほとんどありませんでした。上流階級からは「下品」で「低俗」な安っぽい娯楽と見なされていた映画は、主に労働者階級に受け入れられ、物語性を強く持つには短すぎる場合が多かったのです。^{[ 31 ]}初期の広告は、映画そのものよりも、映画を上映するために使用される技術を宣伝していました。これらの装置が観客に馴染み深くなるにつれて、出来事を捉え、再現するその可能性は、主にニュース映画やドキュメンタリーの形で活用されるようになりました。^{[ 32 ]}これらの映画の制作中、撮影監督は、フレーミングやカメラの意図的な配置など、過去の芸術形式で確立された美的価値観をしばしば利用しました。[ 33 ] 1955年^の『The Quarterly of Film Radio and Television』の記事で、映画プロデューサーで歴史家のケネス・マクゴーワンは、ニュース映画のための出来事の意図的な演出と再現が「スクリーンにストーリーテリングをもたらした」と主張しました。^{[ 34 ]}

映画技術が内容よりも宣伝されるようになったため、当初、ドキュメンタリーは「一連の映像」として始まり、多くの場合、美しく活気のある場所やパフォーマンスの映像が含まれていました。^{[ 33 ]} 1895年の上映の成功を受けて、リュミエール兄弟は会社を設立し、世界中にカメラマンを派遣して、プレゼンテーション用の新しい題材を撮影しました。撮影者はシーンを撮影した後、多くの場合、地元で録画を上映し、その後、リヨンの会社の工場に送り返して複製プリントを作成し、希望者に販売しました。^{[ 35 ]}特に実際の出来事を撮影する過程で、映画製作者は予測不可能な性質に対応するために、複数のカメラ技術を発見し、実験しました。^{[ 36 ]}多くのドキュメンタリーは長さが短い（多くの場合、1つのショットのみ）ため、カタログの記録によると、制作会社は、互いに補完し合うように購入できる関連題材の複数のドキュメンタリーを宣伝することで、興行主に販売しました。映画を購入した興行主は、それらをプログラムで上映し、観客に画面上のアクションを説明するために音声による伴奏を提供することがよくありました。^{[ 33 ]}

映画を有料で鑑賞する最初の観客は、1895年5月20日にマディソン・スクエア・ガーデンに集まり、ウッドビル・レイサムがエイドロスコープと呼ばれる装置を使って撮影したボクシングの試合を装った演出された映像を観た。レイサムの依頼で、フランスの発明家ウジェーヌ・オーギュスタン・ローストがウィリアム・ケネディ・ディクソンの専門知識も得てこの装置を製作し、連続撮影時間を長くし、セルロイドフィルムへの摩耗を軽減するレイサム・ループとして知られるようになった機構を作り上げた。 ^{[ 37 ]}

その後数年間、ドキュメンタリーやニュース映画の上映は収益を上げました。1897年には『コーベット対フィッツシモンズ戦』が公開されました。この映画は、ネバダ州カーソンシティで行われたヘビー級世界選手権ボクシング試合の完全記録でした。興行収入は生の入場料収入を上回り、当時製作された映画の中で最長でした。ジェームズ・J・コーベット（別名ジェントルマン・ジム）が舞台劇で架空の自分自身を演じて以来、昼間のアイドルになっていたため、観客はコーベット対フィッツシモンズの映画に大勢集まったと考えられます。^{[ 38 ]}

1910年以降、定期的なニュース映画が上映され、テレビの登場以前にニュースを知るための人気のある方法となった。南極点への英国南極探検隊はニュース映画用に撮影され、同時期に行われていた女性参政権運動のデモも同様だった。F・パーシー・スミスは、チャールズ・アーバンの下で働いていた初期の自然ドキュメンタリーの先駆者であり、1910年の花の成長に関するドキュメンタリーでタイムラプスとマイクロシネマトグラフィーの使用を先駆的に行った。^{[ 39 ] [ 40 ]} 

世界的な映画ブームに伴い、イギリス、フランス、ドイツ、アメリカ合衆国に加えて、より多くの国が本格的な映画製作に乗り出した。イタリアでは、製作は複数の拠点に分散しており、トリノが最初の主要な映画製作拠点となり、ミラノとナポリでは最初の映画雑誌が誕生した。^{[ 79 ]}トリノでは、アンブロージオが1905年にこの分野で最初の会社となり、この期間を通じて国内最大規模を維持した。その最大のライバルは、1906年に製作を開始したローマのチネスであった。イタリアの映画産業の最大の強みは、大勢のキャストと壮大なセットを用いた歴史叙事詩であった。1911年には早くも、ジョヴァンニ・パストローネの2巻からなる『トロイアの陥落』が世界中で大きな反響を呼び、その後、 90分の『クォ・ヴァディス？』（1912年）や、2時間半のパストローネの『カビリア』 （1914年）といったさらに大規模な作品が続いた。 ^{[ 80 ]}

イタリアの映画会社は、ドタバタ喜劇の分野でも強い存在感を示しており、地元では「クレティネッティ」、海外では「フールズヘッド」や「グリブイユ」として知られるアンドレ・ディードのような俳優は、そのシュールなギャグで世界的な名声を得た。

第一次世界大戦まで北ヨーロッパで最も重要な映画製作国はデンマークだった。^{[ 80 ] [ 81 ]}ノルディスク社は1906年に遊園地の興行師オーレ・オルセンによって設立され、フランスやイギリスの映画製作者の成功を短期間模倣した後、1907年にはヴィゴ・ラーセンが監督した67本の映画を製作し、『白い奴隷』（Den hvide Slavinde）、『ホッキョクグマ狩り』（Isbjørnejagt）、『ライオン狩り』（Løvejagten）などのセンセーショナルな題材を扱った。1910年までに、デンマークの小規模な新会社が事業に参入し始め、白人奴隷貿易に関する映画をさらに製作するだけでなく、他の新しい題材も提供した。これらの発見の中で最も重要なものは、コスモラマのためにアーバン・ガドが監督した『深淵』（Afgrunden）のアスタ・ニールセンだった。これはサーカス、セックス、嫉妬、殺人を組み合わせ、非常に説得力のある形で表現し、他のデンマークの映画製作者たちをさらにこの方向へと押し進めた。1912年までに、デンマークの映画会社は急速に増加した。^{[ 80 ]}

スウェーデンの映画産業はデンマークの映画産業よりも規模が小さく、発展も遅かった。スウェーデンでは、スヴェンスカビオグラフテアテルン映画館チェーンのニュース映画カメラマンだったチャールズ・マグヌソンが、 1909年に劇映画の製作を開始し、自らも数本の映画を監督した。1912年に同社がヴィクトル・シェストレムとモーリッツ・スティラーを監督として雇い入れたことで、製作は増加した。彼らは当初、デンマークの映画産業が好む題材を模倣していたが、1913年までには独自の非常に独創的な作品を製作するようになり、それらは非常によく売れた。^{[ 80 ]}

ロシアの映画産業は1908年にパテ社がそこでフィクション作品を撮影したことから始まり、その後アレクサンドル・ドランコフとアレクサンドル・ハンジョンコフによって本格的なロシア映画会社が設立された。ハンジョンコフ社はすぐにロシア最大の映画会社となり、1918年までその地位を維持した。^{[ 80 ]}

ドイツでは、オスカー・メスターは1896年から映画製作に関わっていたが、1910年までは年間でかなりの数の映画を製作することはなかった。世界的な映画ブームが始まると、彼とドイツの映画業界の数少ない人々は、自分たちの映画のプリントを直接販売し続け、不利な立場に置かれた。映画館チェーンのオーナーであるポール・デイヴィッドソンが1911年にデンマークからアスタ・ニールセンとアーバン・ガッドをドイツに連れてきて、製作会社プロジェクションズAG「ユニオン」（ PAGU）を設立したときになって初めて、プリントのレンタルへの転換が始まった。^{[ 80 ]}メスターはヘニー・ポルテン主演の長編映画シリーズで応戦したが、これらはドイツ語圏では好評だったものの、アスタ・ニールセンの映画とは異なり、国際的には特に成功しなかった。第一次世界大戦直前に成長していたドイツの映画製作会社のもう1つは、フランスのエクレール社のドイツ支社、ドイチェ・エクレールであった。これはドイツ政府によって接収され、戦争が始まるとDECLAに改称された。しかし、全体として見ると、1914年当時、ドイツの生産者がドイツ市場で占めていた割合はごくわずかだった。

アメリカ映画が1910年代半ばからヨーロッパ市場を席巻したという主張とは裏腹に、フランス映画産業は1914年7月の第一次世界大戦勃発まで世界のリーダーであり続けた。1913年には、フランス映画が世界中のスクリーンの85%を占め、パテ社だけでも子会社、製作、配給チャネルの広範なネットワークを通じて世界市場の約50%を占めていた。ゴーモン社も国際的に大きな地位を占め、しばしばアメリカのスタジオを凌駕していた。戦争による混乱があったからこそ、アメリカ企業が徐々に映画界のリーダーとなることができたのである。^{[ 82 ] [ 83 ] [ 84 ] [ 85 ]}

この時期に導入された新しい映画技術には、不気味なシーンの雰囲気を高めるための人工照明、炎の効果、ローキー照明（つまり、画面の大部分が暗い照明）の使用などがある。 ^{[ 80 ]}

ショット間のアクションの連続性も洗練され、例えばパテの『逃げ馬』（1907年）では、並行するアクション間のクロスカッティングが使用されている。DWグリフィスも1908年7月に製作された映画『運命の時』でクロスカッティングを使い始めた。もう一つの発展は、1910年にヴィタグラフの『自然への回帰』で初めて使用された主観ショットの使用である。インサートショットも芸術的な目的で使用された。マリオ・カゼリーニ監督のイタリア映画『邪悪な植物』（La mala planta）では、 「邪悪な植物」の上を蛇が這うインサートショットが使用されている。 1914年までに、クロスカッティングはドラマの展開に何ら貢献しない面白くないアクションの部分を排除できるため、アメリカ映画業界では最も一般的に有用であると広く考えられていた。^{[ 86 ]}

1909年、35mmは国際的に認められた劇場用フィルムの規格となった。^{[ 47 ]}

映画が長くなるにつれて、小説や戯曲から派生した複雑な物語を1本のリールに収まる形に単純化するために、専門の脚本家が雇われるようになった。ジャンルがカテゴリーとして使われるようになり、主な区分はコメディとドラマであったが、これらのカテゴリーはさらに細分化された。^{[ 80 ]}

セリフを含む字幕は、1908 年以降一貫して使用されるようになった。^{[ 87 ]}例えば、ヴィタグラフ社の『自動車のヒロイン、あるいはヴィタグラフ・カップをめぐるレースとその勝ち方』などである。セリフは最終的にシーンの途中に挿入され、1912 年までには一般的になった。セリフ字幕の導入は、映画の物語の性質を変えた。セリフ字幕が、登場人物が話し始めた直後に必ずシーンに挿入され、話し終える直前にその登場人物にカットされるようになると、事実上、現代のトーキー映画に相当するものができた。^{[ 80 ]}

第一次世界大戦の時代は、映画産業にとって複雑な過渡期であった。映画の上映は、短編の1巻プログラムから長編映画へと変化した。上映会場は大きくなり、料金も高騰し始めた。^{[ 80 ]}

アメリカでは、これらの変化により多くの映画会社が倒産したが、ヴィタグラフ社は例外だった。第一次世界大戦中、映画製作はロサンゼルスに移り始めた。ユニバーサル・フィルム・マニュファクチャリング社は、 1912年に傘下企業として設立された。新規参入企業には、ジェシー・ラスキー・フィーチャー・プレイ・カンパニーとフェイマス・プレイヤーズがあり、どちらも1913年に設立され、後にフェイマス・プレイヤーズ・ラスキーに合併した。この時期最大の成功作は、デヴィッド・ウォーク・グリフィスの『国民の創生』（1915年）だった。グリフィスはこれに続いてさらに大きな『イントレランス』（1916年）を製作したが、アメリカで製作された映画の質の高さから、アメリカ映画の市場は高かった。^{[ 80 ]}

フランスでは、戦争開始時の国の全面的な軍事動員により映画製作が停止した。1915年に映画製作は再開されたものの、規模は縮小され、大手企業は徐々に製作から撤退した。イタリアの映画製作は比較的持ちこたえたが、苦悩する女性主人公をフィーチャーしたいわゆる「ディーバ映画」は商業的に失敗に終わった。デンマークでは、ノルディスク社が1915年と1916年に製作量を大幅に増やしたため、すべての映画を販売することができず、デンマークの映画製作は急激に衰退し、世界の映画界におけるデンマークの重要性は終焉を迎えた。^{[ 80 ]}

ドイツの映画産業は戦争によって深刻な打撃を受けた。当時最も重要な新進映画プロデューサーはジョー・メイで、彼は戦争中に一連のスリラーや冒険映画を製作したが、エルンスト・ルビッチも一連の大ヒットコメディやドラマで名を馳せた。^{[ 80 ]}

この頃は、撮影が変化する日光の影響を受けないように、スタジオは遮光されていた。その後、投光器やスポットライトが使われるようになった。シーンの開始と終了にアイリスイン・アイリスアウトを多用するようになったのもこの時期である。これは、円形のマスクで撮影された映画の啓示であり、マスクは徐々に大きくなり、フレームからはみ出す。垂直や斜めの開口部など、他の形状のスリットも使用された。^{[ 80 ]}

静止画撮影から取り入れられた新しいアイデアは「ソフトフォーカス」でした。これは1915年に始まり、メアリー・ピックフォードが出演した『コオロギのファンション』のように、表現効果のために意図的にピントをずらしたショットがいくつかありました。^{[ 80 ]}

この時期に、映画の中で登場人物の主観的な感情を伝えるためのカメラ効果が本格的に確立され始めた。シドニー・ドリューの『手袋の物語』 （1915年）のように、主観（ POV ）ショットとして撮影することも可能になった。この作品では、ドアとその鍵穴を手持ちカメラで不安定に撮影することで、酔っぱらった男の主観を表現している。アナモルフィック（一般的には歪んだ形状という意味）画像の使用が初めて登場したのは、アベル・ガンスが『ドクター・チューブの狂気』（La Folie du Docteur Tube ）を監督したこの時期である。この映画では、遊園地にあるような歪んだ鏡に映ったシーンを撮影することで、集団に投与された薬物の効果を表現している。 ^{[ 80 ]}

従来の文学や芸術の伝統から受け継がれた象徴的な効果は、この時期の映画にもいくつか現れ続けた。DW グリフィスの『復讐の良心』（1914 年）では、「邪悪な考えの誕生」というタイトルに続いて、主人公が蜘蛛を見つめ、アリが虫を食べる様子を映した 3 つのショットが続く。世紀転換期の象徴主義の芸術や文学は、イタリアやロシアで製作された少数の映画にもより一般的な影響を与えた。情熱や禁断の欲望から生じる死への無抵抗な受容は、この芸術の主要な特徴であり、長々と描かれる錯乱状態も重要であった。^{[ 80 ]}

インサートショット、つまり顔以外の物体のクローズアップの使用は、すでにブライトン派によって確立されていましたが、1914 年以前にはあまり使用されていませんでした。インサートショットの使用における新しい段階が始まったのは、グリフィスの『復讐の良心』においてのみです。 ^{[ 80 ]}すでに述べた象徴的なインサートに加えて、この映画では、心理的緊張の指標として身体のこれらの部分を強調する手段として、握りしめた手や足を叩く大きなクローズアップショットが多数使用されています。^{[ 87 ]}

雰囲気挿入とは、物語の登場人物が一切登場せず、また登場人物の視点ショットでもないショットのことである。初期の例としては、モーリス・トゥルヌール監督の『一族の誇り』（1917年）があり、岩だらけの海岸に打ち寄せる波のショットが連続して登場し、漁師たちの厳しい生活を描写している。モーリス・エルヴィー監督の『ネルソン：イギリスの不滅の海軍英雄の物語』 （1919年）には、ヴィルヘルム2世の肖像画から孔雀、そして戦艦へと移り変わる象徴的なシークエンスがある。 ^{[ 87 ]}

1914年までに、連続映画は商業映画の確立された様式となった。高度な連続技術の1つは、ショットからショットへの正確で滑らかな移行を伴うものであった。^{[ 80 ]}シーン内で異なる角度にカットすることも、アメリカ映画でシーンをショットに分割する技術として確立された。^{[ 87 ]}ショットの方向が90度以上変化すると、逆角度カットと呼ばれる。^{[ 88 ]}逆角度カットの完全な発展における先駆者は、ラルフ・インスであり、彼の映画『The Right Girl』や『His Phantom Sweetheart』などが挙げられる。^{[ 87 ]}

この時期にはフラッシュバック構造の使用がさらに発展し、フラッシュバックへの出入りにはディゾルブが用いられるのが一般的だった。ヴィタグラフ社の『もしもこうだったら』（ウィリアム・J・ハンフリー監督、1914年）はさらに複雑で、主人公の実際の人生と、息子が亡くなっていなければどうなっていたかという可能性を対比させる一連の回想やフラッシュバックが用いられている。

1914年以降、並行するアクション間のクロスカッティングが使用されるようになった。これはヨーロッパ映画よりもアメリカ映画でより多く見られた。クロスカッティングは、コントラストの新たな効果を得るために使用された。例えば、セシル・B・デミル監督の『ささやきの合唱』（1918年）のクロスカット・シークエンスでは、死んだと思われていた夫がアヘン窟で中国人の娼婦と情事を交わしている一方で、何も知らない妻が教会で再婚している。^{[ 87 ]} 

サイレント映画の着色も、この時期に人気を博しました。琥珀色は昼間、または明るく照らされた夜を意味し、青色は夜明けまたは薄暗い夜を意味し、赤色は火事のシーンを表し、緑色は神秘的な雰囲気を意味し、茶色（セピア調とも呼ばれる）は通常、個々のシーンではなく長編映画に使用されました。DWグリフィスの『国民の創生』（1915 年）、ジョン S. ロバートソンの『ジキル博士とハイド氏』（1920 年）、ロベルト ヴィーネの『カリガリ博士の小屋』（1920 年）は、着色されたサイレント映画の注目すべき例です。^{[ 89 ] [ 90 ] [ 91 ]}

1914年に初めて観客に公開された『創造のフォトドラマ』は、同期音声、動画、カラースライドを取り入れた最初の主要な脚本でした。 ^{[ 92 ]} 1927年までは、ほとんどの映画は音声なしで制作されていました。この時期は一般的に映画のサイレント時代と呼ばれています。 ^{[ 93 ] [ 94 ]}

アメリカ合衆国を中心とする映画発展の一般的な傾向は、映画の物語内容を表現するために新たに開発された映画特有の手法を用い、それを商業演劇ですでに用いられていた標準的な劇的構造と組み合わせることであった。D・W・グリフィスは、映画を通して観客に劇的な興奮を伝えることで、映画界のアメリカ人監督の中で最も高い評価を得ていた。セシル・B・デミルの『ザ・チート』（1915年）は、グリフィスよりも繊細な方法で登場人物が直面する道徳的ジレンマを描き出した。デミルはまた、当時のアメリカ生活の現実により近いものであった。モーリス・トゥルヌールもまた、映画の映像美とファンタジーの扱いの繊細さで高く評価されており、同時に『ア・ガールズ・フォリー』 （1917年）のように、適切な場面で俳優からより自然な演技を引き出すことができた。^{[ 80 ]}

シドニー・ドリューは「上品な喜劇」の発展を牽引したが、スラップスティックはファッティ・アーバックルとチャールズ・チャップリンによって洗練され、二人ともマック・セネットのキーストーン社でキャリアをスタートさせた。彼らはセネット作品特有の慌ただしいテンポを抑え、観客が動きの繊細さと巧妙さ、そしてギャグの巧妙さを堪能できるようにした。1917年までにチャップリンは作品にドラマチックな筋書きを取り入れ、喜劇と感傷を融合させるようになった。^{[ 80 ]}

ロシアでは、エフゲニー・バウアーが、ゆっくりとした演技の緊張感と象徴主義的なニュアンスを独自の方法で映画に取り入れた。^{[ 80 ]}

スウェーデンでは、ヴィクトル・シェストレムが人々の生活の現実と周囲の環境を印象的な方法で組み合わせた一連の映画を制作し、モーリッツ・スティラーは洗練されたコメディを新たなレベルにまで発展させた。^{[ 80 ]}

ドイツでは、エルンスト・ルビッチはマックス・ラインハルトの舞台作品、特にブルジョワ喜劇とスペクタクルからインスピレーションを得て、それを自身の映画に応用し、『人形』、『牡蠣の王女』 、『マダム・デュバリー』でその集大成を迎えた。^{[ 80 ]}

第一次世界大戦勃発時、フランス映画とイタリア映画は世界的に最も人気があった。戦争はヨーロッパの映画産業にとって壊滅的な打撃となった。

20世紀初頭を通して、映画芸術家たちはカメラの操作方法や、ショットの中で空間と時間を使って錯覚を生み出す方法を学び続けました。この新たに導入された創造性によって、全く新しいグループの人々がスターダムにのし上がり、その中には1915年の映画『国民の創生』で名を馳せたデヴィッド・W・グリフィスも含まれていました。1920年には、映画業界に2つの大きな変化がありました。それは、音声の導入とスタジオシステムの創設です。1920年代には、独立して活動していた才能ある人々がスタジオに加わり、他の俳優や監督と仕事をするようになりました。1927年には『ジャズ・シンガー』が公開され、映画業界に音声がもたらされました。

当時のドイツ映画界は、ドイツ表現主義映画運動の時代を迎えた。ベルリンは、フィルムスタジオ・バベルスベルクを擁するその中心地であった。^{[ 99 ] [ 95 ]}初期の表現主義映画は、莫大な予算の不足を、非現実的で幾何学的に不条理な角度を持つセットデザインや、光、影、物体を表現するために壁や床に描かれたデザインを用いることで補った。表現主義映画の筋書きや物語は、第一次世界大戦の経験によって引き起こされた狂気、精神異常、裏切り、その他の「知的」なテーマを扱うことが多かった。 『カリガリ博士』（1920年）、『ノスフェラトゥ』（1922年） 、『 M』（1931年）などの映画は国際的に大きな影響を与え、その影響は現代の映画監督、ゲームデザイナー、アーティストの作品にも見られる。^{[ 100 ]}

『メトロポリス』（1927年）や『月世界の女』 （1929年）のような映画は、SF映画というジャンルを部分的に作り出した^{[ 101 ]。}また、ロッテ・ライニガーはアニメーションのパイオニアとなり、『アハメッド王子の冒険』のような長編アニメーション映画を制作した。これは現存する最古のヨーロッパ製アニメーション映画である。

ナチスが権力を握ると、多くのドイツ人やドイツを拠点とする監督、俳優、脚本家などがアメリカに移住し、ハリウッドとアメリカ映画産業は他の映画製作国との競争において決定的な優位性を得た。^{[ 102 ]}

アメリカの映画産業、あるいはカリフォルニアに新たな地理的中心地を構えたことから「ハリウッド」として知られるようになったこの産業は、それ以来ほぼ変わらず、世界の映画工場として、地球上のほとんどの国に作品を輸出するという地位を確立した。

1920年代までに、米国は史上最高の映画製作数を記録した時代を迎え、年間平均800本の長編映画を製作し[103]、これ^{は世界全体}の82%を占めた（Eyman、1997）。チャールズ・チャップリンやバスター・キートンの喜劇、ダグラス・フェアバンクスの冒険活劇、クララ・ボウのロマンスなど、ほんの一例を挙げただけでも、これらの俳優の顔はあらゆる大陸で広く知られるようになった。古典的な連続編集となる西洋の視覚的規範が開発され、輸出されたが、日本のように芸術や演劇に強いリアリズムの伝統を持たない一部の非西洋諸国では、その採用は遅かった。

この発展は、スタジオシステムの隆盛と、その最大の宣伝手法であるスターシステムの発展と同時期に起こったものであり、スターシステムはその後数十年にわたりアメリカ映画を特徴づけ、他の映画産業にもモデルを提供した。スタジオによる効率的なトップダウン方式の製作体制は、作品のあらゆる段階において、新たな、そしてますます高度化する豪華な製作と技術的な洗練を可能にした。同時に、このシステムの商業的な統制と、華やかな現実逃避への偏重は、ある一定のレベルを超える大胆さと野心を阻害した。その典型的な例が、1910年代後半から1920年代にかけての、型破りな監督エーリッヒ・フォン・シュトロハイムの短くも伝説的な監督キャリアである。

1924年、サム・ゴールドウィン、ルイス・B・メイヤー、メトロ・ピクチャーズ・コーポレーションがMGMを設立した。^{[ 47 ]}

1927 年後半、ワーナーは『ジャズ・シンガー』を公開した。これはほとんど無声映画だったが、一般的に長編映画で初めて同期された対話（と歌）が含まれていると考えられている。^{[ 104 ]}しかし、このプロセスは実際には1914 年にチャールズ・テイズ・ラッセルが長編映画『創造のフォトドラマ』で最初に達成した。このドラマは、会話と音楽の蓄音機レコードと同期した写真スライドと動画で構成されていた。ヴィタフォンなどの初期のディスク録音方式は、すぐにフォックス・ムービートーン、デフォレスト・フォノフィルム、RCA フォトフォンなどのフィルム録音方式に取って代わられた。この傾向は、ほとんど乗り気ではなかった産業界に「トーキー映画」が未来であると確信させた。 『ジャズ・シンガー』の成功以前にも多くの試みがなされており、それは映画サウンドシステムの一覧で見ることができる。そして 1926 年、ワーナー・ブラザースは映画『ドン・ファン』を、効果音と音楽が同期した状態で初公開した。^{[ 47 ]}

変化は驚くほど速かった。1929年末までに、ハリウッドはほぼトーキー映画となり、いくつかの競合するサウンドシステム（まもなく標準化される）が存在した。世界の他の地域では、経済的な理由から、完全な移行はやや遅かった。中国や日本のような国では、文化的理由も要因の一つであり、サイレント映画は1930年代までトーキー映画と共存し、呉永剛監督の『女神』（中国、1934年）や小津安二郎監督の『生まれてはみたが…』 （日本、1932年）など、これらの国で最も高く評価される古典作品のいくつかが実際に制作された。しかし、日本でさえ、日本のサイレント映画で重要な役割を果たした弁士のような人物は、俳優としてのキャリアが終わりを迎えつつあることに気づいた。

音声の導入は、多くの国で大手スタジオの支配力をさらに強固なものにした。移行にかかる莫大な費用が小規模な競合他社を圧倒する一方、残ったプロデューサーにとっては音声の目新しさがはるかに大きな観客を引きつけた。米国の場合、一部の歴史家は、大恐慌に直面したハリウッドのスタジオシステムを救ったのは音声だと評価している（パーキンソン、1995）。こうして、現在ではしばしば「ハリウッドの黄金時代」と呼ばれる時代が始まった。これは、音声の導入から1940年代後半までの期間を指す。この時期に、アメリカ映画は効率的に作り出された華やかさと世界的な魅力の頂点に達した。この時代のトップ俳優は、クラーク・ゲーブル、キャサリン・ヘプバーン、ハンフリー・ボガート、グレタ・ガルボ、そして1930年代最大の興行収入を誇る子役シャーリー・テンプルなど、今では古典的な映画スターとして考えられている。

しかし、創造性の面では、この急速な移行は困難なものであり、ある意味では、映画は黎明期の状況に一時的に逆戻りしたと言えるだろう。1920年代後半は、カメラの前と後ろのアーティストたちが、初期の音響機器の厳しい制約と、新しいメディアの使い方に対する自身の不安に苦闘したため、静的で舞台劇のようなトーキー映画が溢れていた。プロデューサーたちが対話中心の物語作りに熟練した人材を求めた結果、多くの舞台俳優、演出家、脚本家が映画界に足を踏み入れた。多くの著名なサイレント映画監督や俳優は適応できず、キャリアが著しく縮小したり、あるいは完全に終わってしまったりした。

このぎこちない時期は比較的短期間で終わった。1929年は転換点となる年だった。ウィリアム・ウェルマン監督の『チャイナタウン・ナイツ』と『ザ・マン・アイ・ラブ』、ルーベン・マムーリアン監督の『アプローズ』 、アルフレッド・ヒッチコック監督の『ブラックメール』（イギリス初のトーキー映画）などが、トーキーに流動性をもたらし、音の表現的な使い方を実験的に試みた監督たちだった（Eyman、1997）。彼らは、マイクやカメラの技術進歩、そして（撮影時にすべての音を直接録音するのではなく）編集や後処理による音声同期の能力の恩恵を受け、さらにそれを推し進めた。

音声映画は、無声映画よりもさまざまなジャンルを強調し、その恩恵をより大きく受けた。最も明白なのはミュージカル映画の誕生である。最初の古典的なスタイルのハリウッドミュージカルは『ブロードウェイ・メロディ』（1929年）であり、この形式の最初の主要な創造者は振付師兼監督のバスビー・バークレー（『42番街』（1933年）、『デイムズ』（1934年））であった。フランスでは、前衛的な監督ルネ・クレールが『パリの屋根の下』（1930年）や『ル・ミリオン』 （1931年）などのコメディで歌とダンスをシュールに用いた。ユニバーサル・ピクチャーズは『ドラキュラ』や『フランケンシュタイン』 （いずれも1931年）などのゴシックホラー映画の公開を開始した。1933年には、RKOピクチャーズがメリアン・C・クーパーの古典的な「巨大怪獣」映画『キングコング』を公開した。この傾向はインドで最も盛んになり、同国の伝統的な歌と踊りの演劇の影響で、ミュージカルがほとんどのトーキー映画の基本形式となった（クック、1990年）。数十年間、西洋世界ではほとんど注目されなかったこのインドの大衆映画は、その後世界で最も多作な映画産業となった。（ボリウッドも参照。）

この頃、リトル・シーザーやウェルマンの民衆の敵（いずれも1931年）のようなアメリカのギャング映画が人気を博した。ハリウッドのコメディでは、スラップスティックよりも会話が優先されるようになった。フロント・ページ（1931年）や或る夜の出来事（1934年）のテンポの速い機知に富んだ掛け合い、メイ・ウェスト（シー・ダン・ヒム・ロング、1933年）の性的な二重の意味を持つ言葉、マルクス兄弟（ダック・スープ、1933年）のしばしば反体制的で無秩序なナンセンスな会話などである。それまで短編アニメーションの仕事をしていたウォルト・ディズニーは、1937年にRKOピクチャーズから公開された英語圏初のアニメーション長編映画『白雪姫と七人のこびと』で長編映画界に進出した。アメリカ映画にとって重要な年である1939年には、『オズの魔法使い』や『風と共に去りぬ』などの映画が公開された。

1890年代から1920年代にかけての映画の約80パーセントはカラーだった。^{[ 105 ]}多くはモノクロフィルム着色染料浴を使用し、一部はフレームを複数の透明な色で手作業で塗装し、1905年からは機械化されたステンシルプロセス（パテカラー）が使われた。

キネマカラーは、商業的に成功した最初の映画用カラープロセスであり、1908年から1914年にかけて2色（赤とシアン）の映画を製作した。

テクニカラーの自然な3色ストリップ方式は、1932年にウォルト・ディズニーのアニメーション短編映画『花と木』（バート・ジレット監督、アカデミー賞受賞）で初めて採用され、大きな成功を収めた。テクニカラーは当初、『オズの魔法使い』（1939年）のようなミュージカル映画や、『ロビン・フッドの冒険』のような時代劇、そしてアニメーション映画で主に使われた。1950年代初頭にテレビが普及すると、間もなくカラー映画は劇場公開映画においてほぼ標準となった。

反対勢力に対する戦時プロパガンダへの欲求は、イギリスの映画産業にルネッサンスをもたらし、『第49平行線』（1941年）、『その日はうまくいったか？』（1942年）、『前進』（1944年）といったリアルな戦争ドラマや、ノエル・カワードとデヴィッド・リーンによる1942年の名作海軍映画『われらの奉仕』がアカデミー特別賞を受賞した。これらの作品は、マイケル・パウエルとエメリック・プレスバーガーによる『ブロンプ大佐の生涯と死』（1943年）、『カンタベリー物語』（1944年）、『天国への階段』（1946年）といったより華やかな映画や、シェイクスピアの歴史劇『ヘンリー五世』を原作としたローレンス・オリヴィエの1944年の映画『ヘンリー五世』と並んで存在した。『白雪姫と七人のこびと』の成功により、ディズニーは『ピノキオ』（1940年）、『ファンタジア』 （1940年）、 『ダンボ』（1941年）、『バンビ』 （1942年）といった長編アニメーション映画をさらに制作することができた。

第二次世界大戦へのアメリカの参戦は、愛国心とプロパガンダの両方を目的とした映画の急増をもたらした。アメリカのプロパガンダ映画には、『絶望の旅』（1942年）、『ミニヴァー夫人』（1942年）、『永遠と一日』（1943年）、『ビルマの目標！』（1945年）などがある。戦時中の注目すべきアメリカ映画には、ダシール・ハメット脚本の反ナチス映画『ラインの監視』 （1943年） 、ソーントン・ワイルダー脚本、ヒッチコック監督の『疑惑の影』 （1943年） 、ジェームズ・キャグニー主演のジョージ・M・コーハンの伝記映画『ヤンキー・ドゥードゥル・ダンディ』（1942年）、ハンフリー・ボガート主演の大ヒット作『カサブランカ』などがある。ボガートは1934年から1942年の間に36本の映画に出演し、その中にはジョン・ヒューストン監督の『マルタの鷹』（1941年）も含まれている。この作品は、現在ではフィルム・ノワールの古典とみなされている初期の作品の一つである。1941年、RKOピクチャーズはオーソン・ウェルズ監督の『市民ケーン』を公開した。この作品はしばしば史上最高の映画とみなされている。映画の物語の語り方を革新し、現代映画の礎を築いた作品である。

戦時下の制約は、より幻想的な題材への関心も高めた。これには、イギリスのゲインズバラのメロドラマ（『灰色の男』や『邪悪な女』など）や、『ジョーダン氏登場』、 『天国から来たチャンピオン』、 『魔女と結婚』、『陽気な幽霊』といった映画が含まれる。ヴァル・リュートンもまた、雰囲気のある影響力のある低予算ホラー映画を数多く製作し、中でも有名な作品としては『キャット・ピープル』、『死の島』、『死体泥棒』などが挙げられる。この10年間は​​、いわゆる「女性向け映画」である『今、航海』、『ランダム・ハーベスト』 、『ミルドレッド・ピアース』などが人気絶頂期を迎えた時期でもあるだろう。

1946年、RKOラジオはイタリア生まれの映画監督フランク・キャプラ監督の『素晴らしき哉、人生！』をリリースした。戦争から帰還した兵士たちは『我々の生涯最良の年』のような映画のインスピレーションとなり、映画業界の人々の多くは戦争中に何らかの形で従軍していた。サミュエル・フラーの第二次世界大戦での経験は、後の数十年の彼の自伝的な映画『ビッグ・レッド・ワン』などに影響を与えた。アクターズ・スタジオは1947年10月にエリア・カザン、ロバート・ルイス、シェリル・クロフォードによって設立され、同じ年にオスカー・フィッシンガーは『モーション・ペインティング No.1』を撮影した。

1943年、『オセッション』がイタリアで上映され、イタリア・ネオリアリズムの幕開けとなった。1940年代のこのジャンルの主要作品には、『自転車泥棒』、『ローマ、オープン・シティ』 、『揺れる大地』などがある。1952年には『ウンベルトD』が公開され、これは一般的にこのジャンルの最後の作品とされている。

1940年代後半、イギリスではイーリング・スタジオが『ウィスキー・ガロア！』、『ピムリコへのパスポート』、『カインド・ハーツ・アンド・コロネッツ』、『白いスーツの男』など、数々の名作コメディ映画の製作に乗り出し、キャロル・リードは影響力のあるスリラー映画『オッド・マン・アウト』、『堕ちた偶像』、『第三の男』を監督した。デヴィッド・リーンもまた、 『逢びき』やディケンズ原作の『大いなる遺産』、『オリバー・ツイスト』で世界映画界で急速に頭角を現し、マイケル・パウエルとエメリック・プレスバーガーは『黒水仙』や『赤い靴』などの作品で、クリエイティブなパートナーシップの真価を発揮した。

1940年代の第二次世界大戦終結後、続く1950年代は、非英語圏の世界映画、特にアジア映画にとって「黄金時代」となった。^{[ 108 ] [ 109 ] [ 110 ] [ 111 ]}この10年間には、史上最も高く評価されたアジア映画の多くが製作されました。小津安二郎の『東京物語』（1953年）、サタジット・レイの『アプー三部作』 （1955～1959年）と『ジャルサガル』（1958年）、溝口健二の『雨月物語』（1954年）と『山椒大夫』（1954年）、ラージ・カプールの『あわら』 （ 1951年）、成瀬巳喜男の『浮雲』（1955年）、グル・ダットの『ピヤーサ』（1957年）と『カーガズ・ケ・プール』（1959年）、そして黒澤明の『羅生門』（1950年）、『生きる』 （1952年）、 『七人の侍』（1954年）、『蜘蛛巣城』（1957年）などです。^{[ 110 ] [ 111 ]}

1950年代の日本映画の「黄金時代」には、黒澤明監督の『羅生門』（1950年）、『七人の侍』 （1954年）、『隠し砦の三悪人』（1958年）のほか、小津安二郎監督の『東京物語』（1953年）や本多猪四郎監督の『ゴジラ』（1954年）などのヒット作が数多く生まれた。^{[ 112 ]}これらの映画は世界映画に大きな影響を与えた。特に黒澤監督の『七人の侍』は、 『荒野の七人』（1960年）や『星の彼方の戦い』 （1980年）など、西洋映画として何度もリメイクされ、 『ショーレイ』（1975年）や『チャイナゲート』 （1998年）など、ボリウッド映画にも影響を与えている。『羅生門』は『アウトレイジ』 （1964年）としてリメイクされ、『ユージュアル・サスペクツ』（1995年）や『HERO』（2002年）など、 「羅生門効果」と呼ばれるストーリーテリング手法を用いた映画に影響を与えた。 『隠し砦の三悪人』は、ジョージ・ルーカスの『スター・ウォーズ』（1977年）の着想源にもなった。この時期の有名な日本人映画監督には、溝口健二、成瀬巳喜男、稲垣浩、大島渚などがいる。^{[ 110 ]}日本映画は後に、1960年代から1980年代にかけてのニュー・ハリウッド運動の主要なインスピレーション源の一つとなった。

1950年代のインド映画の「黄金時代」には、年間200本の映画が製作され、インドのインディペンデント映画は国際映画祭を通じてより大きな認知度を獲得した。最も有名な作品の1つは、批評家から高く評価されているベンガル映画監督サタジット・レイの『アプー三部作』（1955～1959年）で、彼の映画は世界の映画界に大きな影響を与え、黒澤明^{[ 113 ]}、マーティン・スコセッシ^{[ 114 ] [ 115 ]}、ジェームズ・アイボリー^{[ 116 ]} 、アッバス・キアロスタミ、エリア・カザン、フランソワ・トリュフォー[ ^{117 ] 、}スティーブン・スピルバーグ^{[ 118 ] [ 119 ]、}カルロス・サウラ^{[ 120 ]}、ジャン＝リュック・ゴダール[ ^{121 ] 、}高畑勲[122]、グレゴリー・ナヴァ、アイラ^{・サックス、}ウェス・アンダーソン[ 123 ^{]、ダニー}・ボイル^{[ 124 ]}などの監督が彼の映画スタイルに影響を受けた。アトランティック・マンスリー誌のマイケル・スラゴウによれば、「1950年代半ば以降、アートハウスに溢れている青春ドラマは、アプー三部作に多大な影響を受けている」とのことである。[ 125 ^{]スブラタ・}ミトラのバウンス照明の撮影技法も、アプー三部作に由来する。^{[ 126 ]}この時期の有名なインド人映画監督には、グル・ダット、^{[ 110 ]}リトウィク・ガタク、^{[ 111 ]}ムリナル・セン、ラージ・カプール、ビマル・ロイ、K・アシフ、メーブーブ・カーンなどがいる。^{[ 127 ]}

韓国映画も1950年代に「黄金時代」を迎え、その始まりはイ・ギュファン監督による『春香伝』（1955年）の大ヒットリメイクだった。^{[ 128 ]}同年にはキム・ギヨン監督の『梁山道』も公開され、彼のキャリアの幕開けとなった。1950年代末までに、映画製作の質と量は急速に向上した。イ・ビョンイル監督の1956年のコメディ『結婚式当日』など、韓国映画は国際的な賞を受賞し始めた。1950年代初頭には年間わずか5本の映画しか製作されていなかったのに対し、1959年には韓国で111本の映画が製作された。^{[ 129 ]}

1950年代はフィリピン映画にとっても「黄金時代」であり、より芸術的で成熟した映画が登場し、映画製作者の映画技術も著しく向上した。スタジオシステムにより、国内映画産業は活発な活動を展開し、毎年多くの映画が製作され、多くの国内の才能が海外で認められるようになった。この時代のフィリピンを代表する監督には、ジェラルド・デ・レオン、グレゴリオ・フェルナンデス、エディ・ロメロ、ランベルト・アベリャーナ、シリオ・サンティアゴなどがいる。^{[ 130 ] [ 131 ]}

COVID -19パンデミックにより、ロックダウンへの対応として世界中の映画館が閉鎖されました。2020年代初頭に公開予定だった多くの映画は延期され、その他は劇場公開期間がほとんどまたは全くないままストリーミングサービスで公開されました。この時代は、映画が世界的にどのように制作、配給、消費されるかという点で大きな変革を目の当たりにしました。パンデミックは、映画配給の主要な手段としてストリーミングへの移行を急速に加速させました。^{[ 144 ]} 映画業界は適応し、この時代の変化するダイナミクスを反映した注目すべき作品を制作しました。