黒澤明

黒澤明
黒澤 明
1953年12月、『七人の侍』撮影中の黒澤
生まれる	(1910-03-23)1910年3月23日 大日本帝国、東京、品川
死亡	1998年9月6日(1998-09-06)（享年88歳） 世田谷区、東京都、日本
休憩所	安養院、神奈川県鎌倉市
職業	映画監督 脚本家 プロデューサー エディタ
活動年数	1936–1993
注目すべき作品	酔いどれ天使（1948） 羅生門（1950年） 生きる（1952） 七人の侍（1954） 蜘蛛巣城（1957） 隠し砦の三悪人（1958） 用心棒（1961） 天国と地獄(1963) デルス・ウザーラ（1975） 影武者（1980） 乱（1985）
配偶者	矢口洋子 ​ ​ （ 1945年生まれ 、1985年死去）
子供たち	久雄（1945年生まれ）と和子（1954年生まれ）
受賞歴	ゴールデン・ライオン（1951） パルムドール（1980） レジオンドヌール勲章（1984年） 文化勲章（1985年） アカデミー賞(1990)
サイン

黒澤明（くろさわ あきら^、1910年3月23日 - 1998年9月6日）は、 50年以上にわたるキャリアで30本の映画を監督した日本の映画監督である。彼は映画史上最も偉大で影響力のある映画監督の一人として広く認められている。黒澤は、西洋映画に強く影響されながらもそれとは異なる大胆でダイナミックなスタイルを示し、映画製作のあらゆる側面に関わっていた。

黒澤は、短期間画家として活動した後、1936年に日本映画界に入りました。助監督や脚本家として長年数多くの映画に携わった後、第二次世界大戦中に人気アクション映画 『姿三四郎』（1943年）で監督デビューを果たしました。戦後は、当時無名だった俳優三船敏郎を主演に起用した『酔いどれ天使』 （1948年）が批評家から絶賛され、黒澤は日本で最も重要な若手映画監督の一人として名声を博しました。二人はその後も15本の映画で共演しました。

東京で初公開された『羅生門』（1950年）は、 1951年のベネチア映画祭で金獅子賞を予想外に受賞した。同作の商業的、批評的な成功により、日本映画産業の製品が初めて西洋の映画市場に参入し、他の日本の映画監督が国際的に認知されるようになった。黒澤は、1950年代から1960年代前半にかけて、ほぼ毎年1本のペースで映画を監督し、『生きる』（1952年）、『七人の侍』（1954年）、 『蜘蛛巣城』（1957年）、『隠し砦の三悪人』（1958年）、『用心棒』（1961年）、『天国と地獄』 （1963年）、『赤ひげ』（1965年）など、高く評価された（そしてしばしば翻案された）作品が数多くあった。1960年代以降は、彼の作品は大幅に減少した。それでも、彼の後期の作品、最後の作品となった『影武者』（1980年）と『乱』（1985年）は、引き続き高い評価を受け続けた。

1990年、彼は生涯功労賞を授与された。死後、彼はアジアンウィーク誌とCNNの「芸術、文学、文化」部門で「世紀のアジア人」に選ばれ、20世紀にアジアの発展に最も大きく貢献した5人の中の1人として挙げられた。彼の経歴は、多くの回顧録、批評研究、印刷物とビデオによる伝記、そして多くの消費者向けメディアでのリリースによって称えられてきた。

黒澤は1910年3月23日^[2] 、東京の大森区大井町に生まれた。父の勇（1864年 - 1948年）は秋田県出身の武士の家庭で、陸軍体育所の中学校の校長を務めていた。母の志摩（1870年 - 1952年）は大阪に住む商人の出身であった^[3]。明は中等裕福な家庭の8番目で末っ子であり、生まれた時には兄弟のうち2人が成人しており、1人が亡くなっていたため、黒澤は3人の姉妹と1人の兄弟とともに育った。^{[3] [4]}

黒澤勇は運動を奨励するだけでなく、西洋の伝統を受け入れ、演劇や映画には教育的価値があると考えていた。彼は子供たちに映画を見ることを奨励し、幼い黒澤勇が初めて映画を見たのは6歳の時だった。^[5]彼に大きな影響を与えたのは小学校の先生、立川先生で、彼の進歩的な教育実践は、彼の幼い生徒にまず絵を描くことへの愛着を、そして教育全般への興味を燃え上がらせた。^[6]この間、黒澤勇は書道と剣道も学んだ。^[7]

幼少期に多大な影響を与えたもうひとりの人物は、黒澤平吾（1906年 - 1933年）で、彼は明の4歳年上の兄である。 1923年の関東大震災とそれに続く関東大虐殺の余波の中、平吾は当時13歳だった明を連れて惨状を見に行った。明がそこら中に散らばった人間や動物の死体から目をそらそうとした時、平吾はそれを禁じ、恐怖と直接対峙することで明に向き合うよう促した。一部の評論家は、この出来事が黒澤の後の芸術家としてのキャリアに影響を与えたと示唆している。なぜなら、監督は作品の中で不快な真実と対峙することをほとんどためらわなかったからである。^{[8] [9]}

平吾は学業に恵まれていたが、東京屈指の高校に入学できなかった後、すぐに家族から離れ、外国文学への興味に専念するようになった。^[4] 1920年代後半、平吾は外国映画を上映する東京の劇場で弁士（無声映画のナレーター）になり、すぐに名を馳せた。この時点で画家になることを計画していた明^[10]は彼と同居し、2人の兄弟は切っても切れない仲になった。^[11]平吾の指導の下、明は映画だけでなく演劇やサーカスの公演にも熱中し、^[12]絵画を発表したり、左翼のプロレタリア芸術家連盟で活動したりした。しかし、彼は芸術で生計を立てることはできず、プロレタリア運動のほとんどが「実現されていない政治的理想をキャンバスに直接描くこと」であると認識し始めると、絵画への熱意を失っていった。^[13]

1930年代初頭、トーキーの製作が増えると、平五のような映画ナレーターの仕事が減り始め、明は両親の元へ戻った。1933年7月、平五は自殺した。黒澤は兄の死で感じた喪失感について語っており^{[14] 、その喪失感を描いた}『自伝のようなもの』の章は、事件からほぼ半世紀後に書かれたもので、「語りたくない話」と題されている。^[15]そのわずか4か月後、黒澤の兄も亡くなり、23歳の明は、黒澤兄弟の中で唯一生き残った。3人の姉妹も生き残った。^{[11] [15]}

1935年、新しい映画スタジオであるPCL（後に東宝の大手スタジオとなる）が助監督を募集した。それまで映画という職業に興味を示したことはなかったが、黒澤は、日本映画の根本的な欠陥について論じ、それを克服する方法を見つけるという課題のエッセイを提出した。彼の半ば嘲笑的な見解は、欠陥が根本的なものであれば、修正する方法はないというものだった。黒澤のエッセイは、追加試験を受けるよう彼に呼びかけ、試験官の一人であった山本嘉次郎監督は黒澤を気に入り、スタジオが彼を雇うことを主張した。25歳の黒澤は、1936年2月にPCLに入社した。^{[16] [17]}

助監督として5年間務めた黒澤は、数多くの監督の下で働いたが、彼の成長に最も大きく貢献したのは山本だった。助監督として24本の映画に出演したが、そのうち17本は山本の下で手がけたもので、その多くは人気俳優の榎本健一（通称エノケン）を主演にしたコメディだった。^[18]山本は黒澤の才能を育て、1年後には三番助監督からチーフ助監督に昇格させた。^[19]黒澤の責任は増え、舞台の設営やフィルムの開発からロケハン、脚本の磨き上げ、リハーサル、照明、吹き替え、編集、セカンドユニットの監督まで、さまざまな仕事をこなした。 ^[20]山本の助監督として黒澤が最後に手がけた映画『馬』（1941年）では、黒澤が別の映画の撮影で忙しかったため、黒澤が制作のほとんどを引き継いだ。^[21]

山本は黒澤に、良い監督には脚本の書き方をマスターする必要があると助言した。^[22]黒澤はすぐに、自分の脚本から得られる潜在的な収入が助監督として支払われる金額よりもはるかに高いことに気づいた。^{[23]彼は後にすべての映画の脚本を書いたり共同で書いたりし、}山本薩夫の映画「翼の凱歌」（ 1942年）など、他の監督の脚本も頻繁に書いた。この副業としての脚本執筆は、黒澤にとって、有名になってからずっと後の1960年代まで続く、儲かる副業となった。^{[24] [25]}

1941年に『馬』が公開されてから2年間、黒澤は監督としてのキャリアをスタートさせるのに使える物語を探していた。1942年末、日本が真珠湾を攻撃した約1年後、小説家富田恒​​雄が宮本武蔵に触発された柔道小説『姿三四郎』を出版し、その広告に黒澤は興味をそそられた。彼はその本を発売日に購入し、一気に読みふけり、すぐに東宝に映画化権を確保するよう依頼した。黒澤の最初の直感は正しかったことが証明され、数日のうちに他の3つの日本の大手スタジオも権利の購入を申し出た。東宝が勝ち、黒澤は監督デビュー作の製作準備を開始した。^{[26] [27]}

姿三四郎の撮影は1942年12月に横浜で始まった。製作は順調に進んだが、完成した映画を検閲に通すのは全く別の問題だった。検閲局は、戦時中の日本の基準ではこの作品は「イギリス風アメリカ風」であるとみなし、この映画を擁護した小津安二郎監督の介入によって、ようやく1943年3月25日に公開が認められた（黒澤はちょうど33歳になったばかりだった）。この映画は批評的にも商業的にも成功した。しかし、検閲局は後に約18分の映像をカットすることを決定し、その多くは今では失われたと考えられている。^{[28] [29]}

次に彼は、 1944年初頭に半ドキュメンタリー風に撮影したプロパガンダ映画『最も美しい人』で、戦時中の女性工場労働者という題材に目を向けた。女優たちのリアルな演技を引き出すため、監督は撮影中、彼女たちに本物の工場に住まわせ、工場の食事を食べさせ、お互いを役名で呼び合った。彼はその後も、同様の手法を女優たちに用いた。^{[30] [31]}

制作中、工場労働者のリーダーを演じる女優、矢口洋子は、同僚らから監督に要求を伝える役に選ばれた。彼女と黒澤は絶えず対立していたが、こうした言い争いを通じて、2人は逆説的に親しくなった。2人は1945年5月21日に結婚し、矢口は妊娠2ヶ月だった（彼女は女優としてのキャリアを再開することはなかった）。そして、2人は彼女が1985年に亡くなるまで一緒にいた。^{[32] [33]} 2人の間には2人の子供がおり、2018年現在、どちらも黒澤より長生きしている^[update]。1945年12月20日生まれの息子、久雄は父の最後の作品のいくつかでプロデューサーを務め、1954年4月29日生まれの娘、和子は衣装デザイナーになった。[ ^34]

結婚の直前、黒澤はスタジオから意に反してデビュー作の続編を監督するよう圧力をかけられた。1945年5月に初公開された『姿三四郎 第二部』は、しばしば露骨にプロパガンダ的であり、一般的には彼の最も弱い作品の一つと考えられている。^{[35] [36] [37]}

黒澤は、検閲に優しく、制作費も安く済む映画の脚本を書くことにした。歌舞伎の「勧進帳」を原作とし、黒澤が助監督時代によく仕事をしていたコメディアンのエノケンを主演にした「虎の尾を踏む男たち」は、1945年9月に完成した。この頃、日本は降伏し、日本占領が始まっていた。新しいアメリカの検閲官は、この映画で推進されているとされる価値観を過度に「封建的」と解釈し、この作品を禁止した。この作品は、黒澤の別の映画「生きる」も公開された1952年まで公開されなかった。皮肉なことに、この映画は制作中、すでに日本の戦時検閲官によって西洋的で「民主的」すぎると酷評されていたため（検閲官は特にエノケンが演じる喜劇のポーターが気に入らなかった）、この映画が完成した後も戦争が続いたとしても、おそらく日の目を見ることはなかっただろう。^{[38] [39]}

戦後、黒澤は占領下の民主主義的理想に影響され、個人と自己に対する新たな尊重を確立する映画を作ろうとした^[要出典]。その最初の作品である『わが青春に悔いなし』（1946年）は、1933年の滝川事件と尾崎秀実の戦時スパイ事件に触発され、日本の戦前体制の政治的抑圧を批判した。^{[注 2]}監督としては珍しく、主人公は裕福な中流階級に生まれ、政治的危機の時代に自分の価値観に疑問を抱くようになる女性、雪江（原節子）である。オリジナルの脚本は大幅に書き直され、物議を醸したテーマと主人公の性別のため、完成した作品は批評家の間で賛否両論となった。それでも、観客の支持を得ることに成功し、映画のタイトルのバリエーションは戦後のキャッチフレーズとなった^[41]。

彼の次の映画『ワンダフル・サンデー』は1947年7月に公開されたが、評価は賛否両論だった。これは比較的単純で感傷的なラブストーリーで、戦後の東京の荒廃の中で、週に一度の休日を楽しもうとする貧しい戦後夫婦を描いている。この映画はフランク・キャプラ、DW・グリフィス、FW・ムルナウの影響を受けており、いずれも黒澤のお気に入りの監督たちだった。^{[42] [43]}黒澤が関わった1947年の別の映画は、黒澤の脚本を谷口千吉が監督したアクションアドベンチャースリラー『雪の軌跡』である。これは、熱心な若手俳優三船敏郎のデビュー作となった。黒澤は、師匠の山本とともに、オーディション中に東宝に三船と契約するよう説得した。オーディションで三船は黒澤を大いに感銘させたが、他の審査員のほとんどを遠ざけてしまった。^[44]

『酔いどれ天使』は、黒澤明監督の初の代表作とされることが多い。 ^[45]占領期の黒澤監督の他の作品同様、アメリカの検閲により脚本の書き直しを余儀なくされたが、黒澤監督は、この作品で初めて自分を自由に表現できたと感じていた。これは、結核を患ったヤクザを救おうとする医者の骨太な物語で、黒澤監督が三船敏郎を監督した初めての作品でもあった。三船敏郎は、その後の黒澤監督の16本の映画のうち1本を除く全作品で主要な役を演じた（例外は『生きる』 ）。『酔いどれ天使』では三船敏郎の主役ではなかったが、暴力団員としての彼の爆発的な演技がドラマを支配し、すでに黒澤映画に数本出演していた志村喬が演じるアルコール依存症の医者のタイトルキャラクターから焦点が移った。しかし、黒澤は若い俳優の計り知れない生命力を窒息させたくなかった。そして三船の反抗的なキャラクターは、数年後にアメリカの映画観客を驚かせたマーロン・ブランドの反抗的な姿勢と同じような衝撃を観客に与えた。 ^[46]この映画は1948年4月に東京で初公開され、絶賛され、権威あるキネマ旬報の批評家投票でその年の最優秀作品に選ばれ、黒澤映画3作品のうち最初の栄誉に輝いた。 ^{[47] [48] [49] [50]}

『酔いどれ天使』完成後、東宝は数か月に及ぶ労働ストライキに巻き込まれ、東宝の労働組合が撮影所の敷地を占拠した。東宝経営陣が労働者の給与支払いを停止すると、黒澤は資金集めのために巡業劇団を結成し、アントン・チェーホフの『プロポーズ』や三船と志村主演の『酔いどれ天使』の映画化を監督した。 ^{[51]東宝の従業員間の分裂と暴力、東宝上層部の卑劣な戦術、}警察と軍の対立による占拠の打破に幻滅した黒澤は東宝を去り、後に「自分の家だと思っていた撮影所が、実は他人のものだったと理解するようになった」と回想している。^[52]

黒澤は、プロデューサーの本木荘二郎、仲間の監督で友人の山本嘉次郎、成瀬己喜男、谷口千吉とともに、映画芸術協会という新しい独立製作ユニットを結成した。この団体のデビュー作であり、大映スタジオでの最初の映画として、黒澤は菊田一夫の現代劇に目を向け、谷口とともにそれを映画化した。 『静かな決闘』では、梅毒に苦しむ理想主義的な若い医師として三船敏郎が主演したが、これは黒澤が俳優をギャングという型にはまった役柄から脱却させようとする意図的な試みだった。1949年3月に公開され、興行的には成功したが、一般的には監督のあまり成功していない作品の1つと見なされている。^{[53] [54] [55] [56]}

1949年の2作目の映画『野良犬』も、やはり映画芸術協会が製作し、新東宝が公開した。これは探偵映画（おそらくこのジャンルで最初の重要な日本映画）^[57]で、三船演じる若い探偵と、彼の拳銃を取り戻すことに執着する物語を通して、日本の苦しい戦後復興の雰囲気を探っている。その拳銃は、一文無しの退役軍人に盗まれ、その拳銃を使って強盗と殺人を犯す。黒澤明の未発表小説を、彼のお気に入りの作家であるジョルジュ・シムノンのスタイルで脚色したこの作品は、後に黒澤監督の他の8本の映画の脚本を手伝うことになる脚本家の菊島隆三との最初のコラボレーションだった。8分以上に及ぶ有名な、ほとんど言葉のないシーンでは、探偵が貧しい退役軍人に変装して、拳銃泥棒を探して街をさまよう。この映画は、黒澤明の友人で後に『ゴジラ』の監督となる本多猪四郎が撮影した、戦争で荒廃した東京の街の実際の記録映像を使用している。^{[58] [59] [60]この映画は、現代の}警察手続き映画やバディ・コップ映画のジャンルの先駆けと見なされている。^[61]

1950年4月に松竹から公開された『醜聞』は、監督自身の日本のイエロージャーナリズムに関する経験と怒りからインスピレーションを得たものである。この作品は法廷ドラマと言論の自由と個人の責任についての社会問題映画を野心的に組み合わせたものであるが、黒澤自身でさえ完成品はドラマ的に焦点が定まらず不満足だと考えており、ほとんどの批評家も同意している。 ^[62]しかし、最終的に黒澤と日本映画に全く新しい国際的な観客をもたらしたのは、1950年の黒澤の2作目の映画であった。

『スキャンダル』を終えた後、黒澤は大映スタジオから次の映画を制作するよう打診された。黒澤は、後に彼の映画9本を手掛けることになる、新進気鋭の脚本家、橋本忍の脚本を選んだ。彼らの最初の共同作品は、芥川龍之介の実験的な短編小説『藪の中』に基づいており、これは侍の殺害とその妻の強姦を様々な相反する視点から描いたものである。黒澤は脚本に可能性を感じ、橋本の助けを借りて脚本を磨き上げ、拡大した後、大映に売り込んだ。大映は低予算だったため、喜んでこのプロジェクトを引き受けた。^[63]

『羅生門』の撮影は1950年7月7日に始まり、奈良の原生林での大規模なロケ撮影を経て、8月17日に終了した。スタジオ火災のせいで遅れをとったものの、急いでポストプロダクションにかかった時間はわずか1週間で、完成した映画は8月25日に東京帝国劇場で初公開され、翌日には全国で上映された。この映画は、独特のテーマと演出に戸惑う批評家が多く、あまり評価されなかったが、大映にとってはそれなりの経済的成功を収めた。^{[64] [65] [66]}

黒澤の次の映画は松竹で制作された『白痴』で、監督のお気に入りの作家、フョードル・ドストエフスキーの小説を映画化したものだ。物語の舞台はロシアから北海道に移されているが、それ以外は原作に忠実であり、多くの批評家はそれが作品の弊害だとみなしている。スタジオの指示による編集で、黒澤のオリジナルカットの265分がわずか166分に短縮され、結果として物語を追うのが非常に困難になった。大幅に編集された映画版は、監督の最も成功していない作品の1つであると広く考えられており、オリジナルの長編版はもう存在しない。大幅に短縮された編集版に対する当時のレビューは非常に否定的だったが、映画は主に主演の1人である原節子の人気により、興行的にはそこそこの成功を収めた。^{[67] [68] [69] [70]}

一方、黒澤は知らなかったが、『羅生門』は、イタリアの映画会社の日本駐在代表ジュリアーナ・ストラミジョーリの尽力により、ヴェネチア国際映画祭に出品されていた。ストラミジョーリは、この映画を鑑賞して感銘を受け、大映に出品を説得したのである。1951年9月10日、 『羅生門』は同映画祭の最高賞である金獅子賞を受賞し、大映だけでなく、当時、日本の何十年にもわたる映画の伝統をほとんど知らなかった国際映画界に衝撃を与えた。^[71]

大映がロサンゼルスで短期間、字幕付きプリントを上映した後、RKOが米国での『羅生門』の配給権を購入した。同社はかなりの賭けに出ていた。同社が米国市場で公開した字幕付き映画はこれまで1本だけであり、ニューヨークで商業公開された唯一の日本のトーキーは、1937年の成瀬巳喜男の喜劇『妻よ薔薇のように』で、批評的にも興行的にも失敗だった。しかし、 『羅生門』は批評家やコラムニストのエド・サリバンからも高い評価を受け、商業的にはニューヨークの劇場1館で公開後3週間で3万5千ドルの興行収入を上げた。これは当時ではほとんど前代未聞の金額だった。

この成功により、1950年代を通じてアメリカや西洋ではイタリアのネオレアリズム映画への熱狂に取って代わる日本映画が流行した。 ^[72] 1952年末までに『羅生門』は日本、アメリカ、そしてヨーロッパのほとんどの国で公開された。その結果、西洋で映画祭で賞を獲得し、商業的に公開されるようになった日本人映画監督の中には、溝口健二（『お春の生涯』、『雨月物語』、『代官山椒魚』）や、少し遅れて小津安二郎（『東京物語』、『ある秋の午後』）がいた。彼らは日本では非常に尊敬されているが、この時期以前は西洋ではほとんど知られていない芸術家だった。^{[73] 1950年代に黒澤の評価が西洋の観客の間で高まるにつれ、西洋の観客は}市川崑、小林正樹、大島渚、今村昌平から伊丹十三、北野武、三池崇史に至る後代の日本映画製作者たちの受容に共感を示すようになった。

突如として世界的名声を得たことでキャリアが弾んだ黒澤は、元の映画スタジオである東宝（その後11本の映画をプロデュースすることになる）と再びタッグを組んで、次の作品『生きる』の制作に取り掛かった。レフ・トルストイの『イワン・イリイチの死』を基にしたこの映画は、死を前に意味を探し求める癌に侵された東京の官僚渡辺を志村喬が演じる。^[74]脚本については、黒澤は橋本に加え、後に黒澤作品12本の共同脚本家となる作家の小国英雄を起用した。作品の陰鬱な主題にもかかわらず、脚本家たちは主人公の官僚世界と日本の米国による文化的植民地化の両方に対して、ブレヒトの作品に匹敵する風刺的なアプローチを取った。 （この映画ではアメリカのポップソングが重要な役割を果たしている。）この戦略のおかげで、映画製作者たちは、不治の病を患う登場人物を描いたドラマによくある感傷的な雰囲気からこの映画を救ったと一般に評価されている。『生きる』は1952年10月に公開され、絶賛され（この作品で黒澤は2度目のキネマ旬報「優秀作品賞」を受賞）、興行収入も大成功を収めた。現代を舞台にした黒澤の映画の中で最も高く評価されている作品である。^{[75] [76] [77]}

1952年12月、黒澤は『生きる』の脚本家である橋本忍と小国英雄を連れて、45日間旅館に籠もり、次の映画『七人の侍』の脚本を書いた。この群像劇は、黒澤が初めて本格的に描いた侍映画であり、このジャンルで彼は最も有名になった。戦国時代の貧しい農村が、迫りくる盗賊の襲撃から村を守るために侍を雇うという単純なストーリーは、大規模なキャスト（主に黒澤作品のベテラン俳優）と細部までこだわったアクションで、ほぼ3時間半の上映時間に及ぶ壮大な作品に仕上がった。^[78]

プリプロダクションに3か月、リハーサルに1か月を費やした。撮影は、制作と資金のトラブル、黒澤の健康問題などで中断されたが、ほぼ1年にわたる148日間を要した。映画は、当初の公開日より半年遅れ、予算を約3倍超過した1954年4月にようやく公開され、当時としては最も製作費のかかった日本映画となった。（しかし、ハリウッドの基準からすれば、当時としてもかなり控えめな予算の作品だった。）この映画は批評家の好意的な反応を得て大ヒットし、投資した資金をすぐに回収し、スタジオには国際的に販売できる製品を提供した。そして、大幅な編集を加えたが、実際に販売した。時が経つにつれ、そしてノーカット版が劇場やホームビデオでリリースされたことで、その評判は着実に高まっていった。今では、一部の評論家からは史上最高の日本映画とみなされており、1999年には、日本の映画評論家による投票でも史上最高の日本映画に選ばれた。^{[78] [79] [80]広く評価されている}英国映画協会（BFI）のSight & Soundによる「史上最高の映画」投票の最新版（2022年版）では、 『七人の侍』は批評家による投票ですべての国のすべての映画の中で20位、監督による投票で14位タイとなり、48人の批評家と22人の監督によるトップ10リストにランクインしました。^[81]

1954年、太平洋での核実験により日本では放射能暴風雨が発生し、3月のある事故では日本の漁船が放射能降下物にさらされ、悲惨な結果を招いた。黒澤明の次の映画『われらの生涯』は、このような不安な雰囲気の中で構想された。物語は、核攻撃の可能性を恐れる老いた工場主（三船敏郎）が、親戚全員（婚姻関係にある家族も含め）を、安全だと思い込んでいるブラジルの農場に移そうと決心するというものだった。制作は前作よりもはるかに順調に進んだが、撮影終了の数日前に、黒澤明の作曲家で協力者であり親友でもあった早坂文夫が（結核で）41歳で亡くなった。この映画の音楽は、早坂の教え子である佐藤勝が完成させ、佐藤はその後黒澤明の次の8本の映画すべての音楽を担当することになる。『私は恐怖の中に生きている』は1955年11月に公開されたが、賛否両論の評価と観客の反応は鈍く、公開当初は興行収入が赤字となった最初の黒澤映画となった。今日では、この映画は世界的な核戦争の膠着状態の心理的影響を扱った最も優れた映画の一つであると多くの人に考えられている。^{[82] [83] [84]}

黒澤の次のプロジェクトである蜘蛛巣城は、ウィリアム・シェイクスピアの『マクベス』の翻案で、『七人の侍』と同様に戦国時代を舞台にしており、英語の作品を日本の文脈に置き換えるという野心的な試みであった。黒澤は主演女優の山田五十鈴に、この作品をヨーロッパの古典文学ではなく日本の映画版として見るように指示した。黒澤は日本の伝統的な舞台演技を高く評価していたため、役者、特に山田の演技は能の様式化された技法に大きく影響を受けている。この作品は1956年に撮影され、1957年1月に公開されたが、国内での反響は前作よりもやや少なかった。海外では、『蜘蛛巣城』は原作に多少手を加えたにもかかわらず、すぐに最も評価の高いシェイクスピア翻案作品の1つとなった。^{[85] [86] [87] [88]}

ヨーロッパの古典演劇作品の翻案がすぐに続き、マクシム・ゴーリキーの戯曲を基にした『どん底』が1957年5月から6月にかけて製作された。 『蜘蛛巣城』のシェイクスピア的な広がりとは対照的に、『どん底』は登場人物の人生の制約された性質を強調するため、2つの限られたセットのみで撮影された。この作品は戯曲に忠実ではあるものの、ロシアの題材を完全に日本的な設定（この場合は江戸時代後期）に翻案したものであり、以前の『白痴』とは異なり、芸術的には成功しているとみなされた。この映画は1957年9月にプレミア上映され、『蜘蛛巣城』と同様に賛否両論の反応があった。しかし、一部の批評家はこれを監督の最も過小評価された作品の一つに挙げている。^{[89] [90] [91] [92]}

黒澤監督の『七人の侍』の後の3本の映画は、 『七人の侍』ほど日本の観客を魅了することはできなかった。日本が高度成長と生活水準の向上の好景気に突入したにもかかわらず、監督の作品の雰囲気はますます悲観的で暗いものになっていった。当時の支配的な雰囲気とは相容れない黒澤監督の映画は、特に『蜘蛛巣城』と『どん底から』において、個人の責任による救済の可能性を疑問視していた。彼はこれを認識し、次回作では意図的にもっと明るく娯楽性のある映画を目指し、同時に日本で人気を集めていた新しいワイドスクリーン形式に切り替えた。その結果生まれた映画『隠し砦の三悪人』は、中世の王女と忠実な将軍、そして故郷に帰るために敵陣を抜けなければならない2人の農民を描いたアクションアドベンチャーコメディドラマである。 1958年12月に公開された『隠し砦の三悪人』は日本で興行的に大成功を収め、国内外の批評家から好評を博した。今日では、この映画は黒澤明の最も軽い作品の1つと見なされているが、ジョージ・ルーカスの1977年のスペースオペラ『スターウォーズ』に大きな影響を与えた作品の1つであることなどから、今でも人気がある。^{[93] [94] [95] [96]}

『羅生門』を皮切りに、黒澤の作品は規模が大きくなり、監督の予算も増えていった。この状況を懸念した東宝は、黒澤に自身の作品の資金援助をするよう提案した。そうすればスタジオの潜在的な損失は少なくなり、黒澤は共同プロデューサーとしてより芸術的な自由を得ることになる。黒澤はこれに同意し、1959年4月に東宝が筆頭株主となって黒澤プロダクションが設立された。^[97]

黒澤監督は、自分の金を危険にさらしたにもかかわらず、これまでのどの作品よりも日本のビジネス界と政治界のエリートたちを直接的に批判するストーリーを選んだ。黒澤監督の甥マイク・イノウエの脚本に基づいた『悪人はよく眠る』は、父親の死の責任者を暴く目的で腐敗した日本の企業の幹部に潜入する若者を描いた復讐劇である。そのテーマは時事的であることが証明された。映画の製作中、多くの日本人、特に若者は、企業や政治家に過度の権力を与えることで国の民主主義を脅かすと見なしていた新しい日米安全保障条約に反対する大規模な安保闘争が開催された。映画は1960年9月に公開され、批評家から好意的な反応があり、興行収入もそこそこ成功した。企業の結婚披露宴を描いた25分間の冒頭シーンは、黒澤監督の最も巧みに実行されたセットピースの1つとして広く知られているが、それに比べると映画の残りの部分はがっかりすることが多い。この映画は、いかに勇敢で狡猾な個人の行動によっても解決できない社会悪と戦うために、従来の黒澤明のヒーローを採用していることでも批判されている。^{[98] [99] [100] [101]}

黒澤プロの2作目の映画『用心棒』は、19世紀の2つの暴力的な勢力が対立する町に迷い込んだ浪士の三十郎が、互いに殺し合うように挑発する物語である。監督はこの作品で、西部劇をはじめとする多くのジャンルの慣習を取り入れると同時に、（日本の映画としては）前例のないほど生々しい暴力描写を行った。一部の評論家は、この映画の三十郎というキャラクターを、武士階級に対する腐敗した商人階級の歴史的勝利を魔法のように覆す空想上の人物とみなしている。仲代達矢が黒澤映画で初の主要役を演じ、宮川一夫（ 『羅生門』を撮影）とさいとう・たかをによる革新的な撮影により、1961年4月に公開されたこの映画は、批評的にも商業的にも大成功を収め、それまでの黒澤映画を上回る興行収入を記録した。この映画とそのブラックコメディ調は、海外でも広く模倣された。セルジオ・レオーネの『荒野の用心棒』は事実上（無許可で）シーンごとのリメイクであり、東宝が黒澤に代わって訴訟を起こして勝訴した。 ^{[102] [103] [104]}

『用心棒』の成功に続いて、黒澤は東宝から続編を作るようプレッシャーをかけられた。黒澤は『用心棒』の前に書いた脚本に目を向け、前作の主人公を登場させるように書き直した。『三十郎』は山本周五郎の作品を映画化した黒澤監督の3作品のうち最初の作品である（他の2作品は『赤ひげ』と『どでっかでん』）。『用心棒』よりもトーンが軽く、従来の時代劇に近いが、武士の一族内の権力闘争の物語は、非常に喜劇的な色合いで描かれている。この映画は1962年1月1日に公開され、すぐに『用心棒』の興行成績を上回り、好評を博した。^{[105] [106] [107]}

その一方で、黒澤は東宝に『王の身代金』の映画化権を買うよう指示していた。これは、アメリカ人作家で脚本家のエヴァン・ハンターがエド・マクベインの筆名で書いた、87分署シリーズの推理小説の一つである誘拐事件を題材にした小説である。黒澤は、自分が最悪の犯罪の一つと考えていた誘拐を糾弾する作品を作ろうとしていた。『天国と地獄』と題されたこのサスペンス映画は、 1962年後半に撮影され、1963年3月に公開された。この映画は黒澤の興行収入記録を破り（3作連続の記録更新）、その年の日本映画で最高興行収入を記録し、絶賛された。しかし皮肉なことに、この頃日本で起こっていた一連の誘拐事件の原因がこの映画であるとされ（黒澤自身も、幼い娘の和子を誘拐すると脅迫されていた）、黒澤の勝利はいくぶん傷ついた。『天国と地獄』は多くの評論家から監督の最高傑作の一つと考えられている。^{[108] [109] [110] [111]}

黒澤はすぐに次のプロジェクトである『赤ひげ』に移った。山本周五郎の短編小説集を原作とし、ドストエフスキーの小説『侮辱され傷つけられた人々』の要素を取り入れたこの時代劇は、19世紀半ばの貧しい人々のための診療所を舞台にしており、黒澤のヒューマニズムのテーマが最もよく表現されている。自惚れ屋で物質主義的な、外国で研修を受けた若い医師の安本は、三船演じる「赤ひげ」として知られる新出医師の厳しい指導の下、診療所で研修医になることを余儀なくされる。安本は最初は赤ひげに抵抗するが、彼の知恵と勇気に感心し、最初は軽蔑していた診療所の患者たちを、思いやりと尊厳に値すると認識するようになる。^[112]

安本を演じる加山雄三は、当時、特にミュージカルコメディー「若大将」シリーズで非常に人気の高い映画・音楽界のスターだったため、彼をこの映画に出演させることで、黒澤監督は興行的に大成功を収めることがほぼ保証された。この映画監督にとって最長となった撮影は、5か月の制作準備の後、1年以上続き、1965年春に終了したが、監督、スタッフ、俳優たちは疲れ果てていた。『赤ひげ』は1965年4月に公開され、その年の日本映画で最高興行収入を記録し、権威あるキネマ旬報の年間批評家投票でトップに立った3作目（そして最後）の黒澤作品となった。これは、母国日本では黒澤作品の中で最も有名で愛されている作品の1つであり続けている。日本国外では、批評家たちの評価ははるかに分かれている。ほとんどの評論家はこの作品の技術的な価値を認めており、中には黒澤の最高傑作の一つだと賞賛する者もいるが、一方で複雑さや真の物語力が欠けていると主張する者もおり、さらにこの作品は黒澤のこれまでの社会的・政治的変革への取り組みからの後退を表していると主張する者もいる。^{[113] [114] [115] [116]}

この映画は、その製作者にとって、ある意味、一時代の終わりを告げる作品だった。監督自身も公開当時、このことを認識しており、批評家のドナルド・リチーに、ある種のサイクルが終わったばかりで、今後の映画や製作方法は異なるものになるだろうと語った。^[117]彼の予測は、実に正確だった。1950年代後半から、かつては大規模で忠実な日本の映画ファンの余暇時間は、テレビに占められるようになった。そして、映画会社の収益が減少するにつれ、リスクに対する意欲も低下した。特に、黒澤監督のコストのかかる製作方法に代表されるリスクに対する意欲は低下した。^[118]

『赤ひげ』は、年代的に見ても三船敏郎のキャリアの中間点となった。それまでの29年間の映画業界でのキャリア（助監督としての5年間を含む）で、彼は23本の映画を監督したが、残りの28年間は、多くの複雑な理由から、あと7本しか完成しなかった。また、十分に説明されていない理由により、『赤ひげ』は三船敏郎が主演した最後の映画となった。『どん底から』で共演した俳優の藤木悠は、撮影現場での二人の親密さについて「黒澤さんの心は三船さんの体にあった」と述べた。^[119]ドナルド・リチーは、二人の関係をユニークな「共生」と表現した。^[120]

1966年に東宝との専属契約が終了したとき、56歳の黒澤監督は真剣に変化を考えていた。国内映画産業の苦境を目の当たりにし、すでに海外から何十ものオファーを受けていた黒澤監督にとって、日本国外で働くという考えはかつてないほど魅力的だった。^[121]

黒澤は初の海外作品として、ライフ誌の記事を元にしたストーリーを選んだ。エンバシー・ピクチャーズのアクション・スリラーは英語で撮影され、単に『暴走列車』と題され、彼にとって初のカラー作品となるはずだった。しかし言語の壁が大きな問題となり、1966年秋の撮影開始時には脚本の英語版は完成していなかった。雪を必要とする撮影は1967年秋に延期され、1968年には中止された。それからほぼ20年後、ハリウッドで活動していた別の外国人監督、アンドレイ・コンチャロフスキーが、黒澤の脚本を大まかに基にした新しい脚本で、ようやく『暴走列車』 （1985年）を製作した。^[122]

その一方で、黒澤監督は、はるかに野心的なハリウッドのプロジェクトに関わるようになった。20世紀フォックスと黒澤プロダクションが製作した『トラ・トラ・トラ』は、日本軍の真珠湾攻撃をアメリカと日本の両方の視点から描くもので、日本側の監督は黒澤が、アメリカ側の監督は英語圏の映画監督が担当する。黒澤は菊島隆三、小国英雄とともに数か月かけて脚本を書いたが、すぐにプロジェクトは崩れ始めた。アメリカ側の監督は、当初の予定通りデビッド・リーンではなく、アメリカ人のリチャード・フライシャーになったのだ。予算も削減され、日本側の上映時間は90分以内となったが、黒澤の脚本が4時間以上あったことを考えると、これは大きな問題だった。ダリル・ザナックが直接関与して何度も改訂を重ねた後、1968年5月にほぼ最終版の脚本が合意された。

撮影は12月初旬に始まったが、黒澤監督はわずか3週間余りしか続かなかった。彼は慣れないスタッフやハリウッド映画の要求に苦労し、その仕事のやり方はアメリカのプロデューサーを困惑させ、最終的に監督は精神を病んでいるに違いないと結論付けた。黒澤は京都大学病院で神経心理学者の村上博士の診察を受け、その診断結果はフォックススタジオのダリル・ザナックとリチャード・ザナックに転送され、神経衰弱の診断結果が示され、「彼は上記の病気により睡眠障害、不安感による興奮、躁的興奮に苦しんでいる。2か月以上の休養と治療が必要である」と記されていた。^{[123] 1968年のクリスマスイブに、アメリカ人は黒澤が「疲労」を理由に制作を降板したと発表し、事実上彼を解雇した。最終的に、映画の日本シーンでは}深作欣二と舛田利雄の2人の監督が彼の代わりになった。^[124]

1970年9月にようやく公開された『トラ・トラ・トラ』は、ドナルド・リチーの言葉を借りれば、黒澤のキャリアにおける「ほとんど完全な悲劇」だった。彼は、ロジスティック的に悪夢のようなプロジェクトに何年も費やしたが、結局、自分で撮影したフィルムは1フィートもなかった。（彼の名前はクレジットから削除されたが、日本版の脚本は彼と共作者の手によるものだった。）彼は長年の協力者である脚本家の菊島隆三と疎遠になり、二度と一緒に仕事をすることはなかった。このプロジェクトは、彼自身の制作会社の不正をうっかり暴露してしまった（彼の映画『悪人はよく眠る』を彷彿とさせる状況だった）。彼の正気そのものが疑われた。最悪なことに、日本の映画業界、そしておそらく黒澤自身も、彼がもう映画を撮ることはないのではないかと疑い始めた。^{[125] [126]}

世間を騒がせた『トラ・トラ・トラ』の大失敗で自分の評判が危ぶまれていたことを知った黒澤は、自分がまだ生き残れることを証明するため、すぐに新しいプロジェクトに取り掛かった。黒澤を助けたのは、友人で有名な監督の木下恵介、小林正樹、市川崑だった。彼らは黒澤とともに、1969年7月に「四騎士の会」という製作会社を設立した。4人の監督がそれぞれ1本ずつ映画を作る計画だったが、他の3人の監督の本当の動機は、黒澤が映画を成功させ、業界に復帰するのを容易にすることだったのではないかと言われている。^{[127] [128]}

最初に提案され、取り組まれた企画は『どですかでん』という時代劇だったが、これは予算がかかりすぎると判断され、今度は山本周五郎の作品を翻案した『どですかでん』に関心が移った。この作品も貧困層を題材にした作品だった。黒澤監督は限られた予算内で迅速かつ効率的に作業できる能力があることを示そうと決意し、同作は（黒澤監督の基準では）約9週間で迅速に撮影された。初のカラー作品となった同作品では、以前の作品で見られたダイナミックな編集や複雑な構成は脇に置き、大胆でほとんどシュールとも言える原色のパレットを作り出すことに専念し、登場人物が暮らす有害な環境を描き出した。1970年10月に日本で公開されたが、批評家からはささやかな成功を収めたものの、観客からは冷淡な反応だった。同作は赤字を出し、四騎士クラブは解散した。海外での当初の評価はやや好意的だったが、 『どですかでん』はそれ以来、同監督の最高傑作には及ばない興味深い実験作品とみなされている。^[129]

『どですかでん』の製作に苦戦した後、黒澤は翌年、サラブレッド競走馬についてのドキュメンタリー『馬の歌』で、キャリアで唯一テレビの仕事に転向した。この作品には、架空の男性と子供（『どですかでん』の乞食とその息子と同じ俳優が声を担当）によるナレーションが挿入されている。これは黒澤のフィルモグラフィーの中で唯一のドキュメンタリーであり、少人数のスタッフには黒澤と頻繁に協力していた佐藤勝が音楽を担当した。『馬の歌』は黒澤の作品の中でも独特で、編集者のクレジットが含まれている。これは、黒澤が自分で編集しなかった唯一の映画であることを示唆している。^[130]

さらなる作品制作のための資金を確保できず、健康問題も抱えていたとされ、黒澤は限界に達したようで、1971年12月22日に手首と喉を何度も切り裂いた。自殺未遂は失敗に終わり、監督の健康はすぐに回復したが、黒澤は家庭生活に身を隠し、今後再び映画を監督できるかどうかも不透明になった。^[131]

1973年初め、ソ連の映画会社モスフィルムが黒澤にアプローチし、一緒に仕事をする気があるかと尋ねた。黒澤は、ロシアの探検家ウラジーミル・アルセーニエフの自伝的作品『デルス・ウザーラ』の映画化を提案した。この本は、侵略的な文明によって破壊されるまで自然と調和して暮らすゴルディの狩猟家についての物語で、1930年代から黒澤が作りたいと思っていたものだった。1973年12月、63歳の黒澤は4人の側近とともにソ連に向けて出発し、1年半の同国滞在が始まった。撮影は1974年5月にシベリアで始まったが、極めて過酷な自然条件での撮影は非常に困難で厳しいものであった。映画は1975年4月に終了し、完全に疲れ果ててホームシックになった黒澤は6月に家族と日本に戻った。『デルス・ウザーラ』は1975年8月2日に日本で世界初公開され、興行的にも好成績を収めた。日本国内での批評家の評価は低調だったが、海外では好評を博し、第9回モスクワ国際映画祭で金賞を獲得したほか、^[132]アカデミー外国語映画賞も受賞した。今日でも、この映画に対する批評家の評価は分かれており、黒澤明の芸術的衰退の典型と見る者もいれば、黒澤明の最高傑作の一つと見なす者もいる。^{[133] [134]}

テレビ番組の企画書も提出されていたが、彼は映画界以外で働くことに興味がなかった。しかし、酒豪の監督は1976年に放映されたサントリーウイスキーのテレビCMシリーズに出演することに同意した。もう二度と映画を作ることはできないかもしれないと恐れながらも、監督は様々な企画に取り組み、脚本を書き、詳細なイラストを作成し、自分のストーリーを映画化できなくなった場合に備えて計画の視覚的な記録を残すつもりだった。^[135]

1977年、ジョージ・ルーカスは、黒澤明の『隠し砦の三悪人』に影響を受けた大ヒットSF映画『スター・ウォーズ』を公開した。ルーカスは、他の多くのニューハリウッドの監督たちと同様、黒澤を尊敬し、模範としていたため、この日本の映画監督が新作の資金を確保できないことを知って衝撃を受けた。2人は1978年7月にサンフランシスコで会い、黒澤が最も経済的に実現可能だと考えたプロジェクトについて話し合った。『影武者』は、中世の日本の大名に影武者として雇われた泥棒の壮大な物語である。脚本と黒澤のイラストに魅了されたルーカスは、20世紀フォックスに対する影響力を利用して、わずか10年前に黒澤を解雇したスタジオに『影武者』の制作を強要し、同じくファンであるフランシス・フォード・コッポラを共同プロデューサーとして採用した。^[136]

翌年の4月、黒澤監督は意気揚々と製作を開始した。撮影は1979年6月から1980年3月まで続き、数々の問題に悩まされた。そのなかでも、人気キャラクター「座頭市」を演じたことで知られる当初の主演俳優、勝新太郎が、監督の意に反して自身の演技をビデオ撮影しようとした事件で解雇されたことは特筆すべきことだった。（勝新太郎の代わりに仲代達矢が出演し、黒澤映画で2回連続の主演を務めるうちの1回目となった。）映画は予定より数週間遅れで完成し、1980年4月に東京で公開された。日本ではたちまち大ヒットとなった。映画は海外でも批評家や興行収入で成功を収め、 5月に1980年のカンヌ映画祭で念願のパルムドールを受賞したが、当時も今も、一部の批評家はこの映画の冷たさを批判している。黒澤監督は、その年の残りの大部分をヨーロッパとアメリカで『影武者』の宣伝に費やし、賞や称賛を集め、映画のストーリーボードとして描いた絵を芸術作品として展示した。^{[137] [138]}

『影武者』の国際的な成功により、黒澤監督は次作『乱』の制作を進めることができた。これも同じような趣向の叙事詩である。脚本は部分的にシェイクスピアの『リア王』に基づいており、冷酷で血に飢えた大名（仲代達矢）が愚かにも忠誠を誓う息子を追放した後、王国を他の二人の息子に明け渡し、その後二人の息子が彼を裏切り、王国全体が戦争に突入するというストーリーである。日本の映画会社は国内で制作された映画の中で最も製作費が高い作品の1つとなる映画を制作することに依然として慎重だったため、再び国際的な支援が必要となった。今回はルイス・ブニュエルの最後の作品を制作したフランスのプロデューサー、セルジュ・シルバーマンが協力した。撮影は1983年12月に始まり、1年以上続いた。^[139]

1985年1月、黒澤明の64歳の妻洋子が病に倒れたため、『乱』の製作は中止された。彼女は2月1日に亡くなった。黒澤明は映画の完成のために戻り、『乱』は5月31日に東京映画祭でプレミア上映され、翌日には広く公開された。この映画は日本でそれなりの興行成績を収めたが、海外ではより大きな成功を収め、『影武者』の時と同じように、黒澤明はヨーロッパとアメリカを旅し、9月と10月にこの映画のプレミア上映に参加した。^[140]

『乱』は日本でいくつかの賞を受賞したが、1950年代と60年代の監督の最高傑作の多くほど名誉ある評価は受けなかった。しかし、日本がアカデミー賞外国語映画賞ノミネートの公式エントリーとして『乱』ではなく別の映画を選んだとき、映画界は驚いた。最終的に『乱』は第58回アカデミー賞のコンペティション部門から除外された。プロデューサーも黒澤自身も、『乱』がコンペティション部門に出品されなかったのは誤解のせいだと述べた。アカデミーの不可解な規則のせいで、『乱』が日本映画なの、フランス映画なのか（資金提供のため）、あるいはその両方なのか、誰も確信が持てず、出品されなかったのだ。少なくとも自国の国民による露骨な無視と思われたことに応えて、シドニー・ルメット監督は、黒澤がその年のアカデミー賞監督賞にノミネートされるようキャンペーンを成功させた（最終的にシドニー・ポラックが『アフリカの女王』の監督で賞を受賞した）。 『乱』の衣装デザイナー、ワダエミはこの映画唯一のアカデミー賞を受賞した。 ^{[141] [142]}

『影武者』と『乱』、特に後者は黒澤明の最高傑作の一つとみなされることが多い。『乱』公開後、黒澤明はこれを最高傑作だと指摘したが、これはそれまで最高傑作は何かと聞かれると常に「次回作」と答えていた黒澤明にとって大きな姿勢の変化であった。 ^{[143] [144]}

次の映画では、黒澤はそれまでに撮影したどの作品とも全く異なる題材を選んだ。以前の作品（例えば『酔いどれ天使』や『影武者』）には短い夢のシーンが含まれていたが、『夢』は完全に監督自身の夢に基づいたものとなった。注目すべきは、40年以上ぶりに、この非常に個人的なプロジェクトのために黒澤が一人で脚本を書いたことである。その直前の映画よりも予算は低かったが、日本のスタジオは依然として彼の作品への支援に乗り気ではなかったため、黒澤はもう一人の有名なアメリカ人ファン、スティーブン・スピルバーグに頼み、スピルバーグはワーナー・ブラザースに完成した映画の国際版権を買うよう説得した。これにより、共同プロデューサーで間もなく黒澤プロの代表となる黒澤の息子久夫は、日本で映画の制作費を賄うための融資交渉を容易にすることができた。撮影は完了するまでに8か月以上かかり、 1990年5月にカンヌで初公開された『夢』は、世界の他の地域での反応と同様に、丁寧ではあるが控えめな反応しか得られなかった。^[145] 1990年、彼はアカデミー生涯功労賞を受賞した。受賞スピーチで彼は「まだ映画を理解していないような気がして少し心配だ」と有名な​​発言をした。^[146]当時、デイリー・スペクトラムのボブ・トーマスは、黒澤は「多くの批評家から現存する最高の映画監督と見なされている」と指摘した。^[147]

黒澤監督は、今度は『八月の狂詩曲』で、より伝統的なストーリーに目を向けた。これは、20年以上前の『ど〜でも花伝』以来、日本で完全製作された監督初の映画であり、第二次世界大戦の最後の年に長崎を破壊した原爆の傷跡を探ったものである。村田喜代子の小説が原作であるが、映画の中で長崎への原爆投下に言及しているのは、原作からではなく、監督によるものである。この作品は、アメリカ人映画スターの役を盛り込んだ唯一の映画であり、年老いたヒロインの甥の役で端役を演じているリチャード・ギアである。撮影は1991年初めに行われ、同年5月25日に公開されたが、批評家の反応は概ね否定的で、特にアメリカでは、監督が素朴な反米感情を広めていると非難されたが、^{[148] [149]}黒澤監督はこれらの非難を否定した。

黒澤はすぐに次の作品『まだだよ』に取り掛かった。内田百閒の自伝的エッセイを基にしたこの映画は、第二次世界大戦中から戦後にかけての日本人ドイツ語教授の人生を追っている。物語は元教え子たちとの毎年の誕生日のお祝いを中心に展開され、その中で主人公は死にたくないと宣言する。このテーマは、81歳の製作者にとってますます身近なものとなっていた。撮影は1992年2月に始まり、9月末に終了した。1993年4月17日に公開されたこの映画は、前2作よりもさらに失望の声が上がった。^[150]

黒澤はそれでも仕事を続けた。 1993年に『海は見ている』、1995年に『雨上がりのように』の脚本を書いた。1995年に後者の脚本を仕上げている最中に、黒澤は足を滑らせて背骨の付け根を骨折した。事故後、彼は残りの人生を車椅子で過ごすことになり、次の映画を監督するという希望は消えた。^[151]映画の撮影中に現場で死ぬという彼の長年の願い^{[149] [152]}は叶うことはなかった。

事故後、黒澤の健康は悪化し始めた。頭脳は明晰で活発なままだったが、身体は衰え、人生の最後の半年は、家で音楽を聴いたりテレビを見たりしながら、ほとんど寝たきりだった。1998年9月6日、黒澤は世田谷で脳卒中のため88歳で亡くなった。^{[153] [154]}黒澤には、林寛子と結婚した息子の黒澤久雄と、加藤治之と結婚した娘の黒澤和子の2人の子供と、数人の孫がいた。 [ ^34]孫の1人で俳優の加藤隆之と和子の孫は、黒澤が生前に未制作のまま残した脚本をもとに死後に制作された2本の映画、小泉堯史監督の『雨上がりのように』（1999年）と熊井啓監督の『海がみてる』（2002年）で助演俳優となった。^[155]

黒澤は主に映画監督として知られていますが、演劇やテレビでも活躍し、本も書いています。彼の完全なフィルモグラフィーを含む詳細なリストは、黒澤明の作品リストにあります。

黒澤は、西洋映画の影響を強く受けながらもそれとは一線を画す大胆でダイナミックなスタイルを示し、映画製作のあらゆる側面に関わっていた。^[156]彼は才能ある脚本家で、映画の製作段階から共同脚本家たちと緊密に協力し、良質の脚本を確実なものにした。彼は脚本を良質の映画の確固たる基盤と考えていた。彼は自身の映画の編集者を務めることが多かった。彼のチームは「黒澤組」として知られ、撮影監督の中井朝和、制作アシスタントの野上照代、俳優の志村喬で構成され、忠誠心と信頼性で有名であった。

黒澤のスタイルは、多くの装置や技法によって特徴づけられる。1940年代と1950年代の映画では、トラッキングショットやディゾルブではなく、一連の一致するジャンプカットを通じてカメラが被写体に近づいたり遠ざかったりする「アキシャルカット」が頻繁に使用されている。^[157]もう1つのスタイル上の特徴は「カットオンモーション」で、これは、1つの途切れないショットではなく、2つ以上のショットで画面上の動きを表示する。^[158]黒澤と強く結びついた映画の句読点の1つに、光学プリンターで作成された効果であるワイプがある。線またはバーが画面を横切って動いているように見え、シーンの終わりを拭い去り、次のシーンの最初のイメージを現す。移行装置として、ワイプはストレートカットやディゾルブの代わりとして使用され、成熟した作品では、ワイプは黒澤のトレードマークとなった。

この映画のサウンドトラックでは、黒澤は音とイメージの対位法を好んだ。これは、音楽や効果音がイメージを強調するのではなく、皮肉を込めてコメントしているように見えるというものである。野上照代の回想録には、 『酔いどれ天使』や『野良犬』からそのような例がいくつか挙げられている。黒澤はまた、早坂文雄や武満徹など、日本の優れた現代作曲家の何人かとも関わっていた。^[159]

黒澤は、映画の中でいくつかのテーマを繰り返し使用しました。通常は年上の師匠と1人以上の弟子との師弟関係（これにはしばしば精神的な熟達と技術的な熟達、自己熟達が含まれます）、大勢の中から現れて何かを成し遂げたり間違いを正したりする例外的な個人である英雄的なチャンピオン、劇的な装置と人間の情熱の象徴の両方としての極端な天候の描写、そして歴史の中で繰り返される残忍な暴力のサイクルです。スティーブン・プリンスによると、最後のテーマは「黒澤映画の献身的で英雄的なモードに対する反伝統」と呼ばれ、蜘蛛巣城（1957年）から始まり、1980年代の映画で繰り返されました。^[161]

黒澤は、史上最も偉大な映画監督の一人としてよく挙げられる。^{[162] [163] [164] [165] [166]} 1999年、彼はアジアンウィーク誌とCNNの「芸術、文学、文化」部門で「世紀のアジア人」に選ばれ、「過去100年間でアジアの発展に最も貢献した[5人]のうちの一人」と評された。^{[167]黒澤は、} Sight & Sound誌の2002年史上最も偉大な監督リストで、監督投票で3位、批評家投票で5位にランクされた。 2010年の黒澤明生誕100周年を記念して、2008年にAK100というプロジェクトが開始された。AK100プロジェクトは、「次世代を代表する若者、そして世界中のすべての人々に、黒澤明の光と精神、そして彼が創り出した素晴らしい世界を知ってもらう」ことを目的としている。^[168]

多くの映画監督が黒澤作品に影響を受けている。イングマール・ベルイマンは自身の映画『処女の泉』を「観光的で、黒澤の粗悪な模倣」と呼び、「当時、日本映画に対する私の尊敬は頂点に達していた。私自身、ほとんどサムライだった！」と付け加えた。 ^[169] フェデリコ・フェリーニは黒澤を「映画作家がどうあるべきかの最も偉大な生きた例」とみなした。^[170] スティーブン・スピルバーグは黒澤の映画的ビジョンが自身のビジョンを形作ったと述べた。^[171] 1992年にサンフランシスコ国際映画祭で黒澤明監督生涯功労賞を死後に受賞したサタジット・レイは^{[172] 、以前}『羅生門』について次のように語っていた。

この映画が私に与えた影響は衝撃的だった（1952年にカルカッタで初めて見た時）。私は連日3回この映画を見たが、そのたびに、監督が映画製作のあらゆる側面を巧みに操っていることをこれほど持続的かつ輝かしく証明する映画が他にあるのかと疑問に思った。^[173]

ロマン・ポランスキーは、黒澤をフェリーニとオーソン・ウェルズと並んで最も好きな映画監督3人の中の1人とし、『七人の侍』、『蜘蛛巣城』、『隠し砦の三悪人』を賞賛した。^[174] ベルナルド・ベルトルッチは黒澤の影響を非常に大きなものとみなし、「黒澤映画とフェリーニの『甘い生活』が私を映画監督へと駆り立て、夢中にさせたものだ」と語った。^[175] アンドレイ・タルコフスキーは黒澤をお気に入りの一人として挙げ、『七人の侍』をお気に入りの10本の映画の一つに挙げた。^[176] シドニー・ルメットは黒澤を「映画監督界のベートーベン」と呼んだ。^[177] ヴェルナー・ヘルツォークは親近感を抱く映画監督と尊敬する映画について次のように振り返った。

グリフィス監督の『国民の創生』や『花ざかりの君たちへ』、ムルナウ、ブニュエル、黒澤明、エイゼンシュタインの『イワン雷帝』など、思い浮かぶものはすべてです。…私はドライヤーの『ジャンヌ・ダルクの受難』、プドフキンの『アジアの嵐』、ドヴジェンコの『大地』、…溝口の『雨月物語』、サタジット・レイの『音楽室』が好きです。…黒澤監督が『羅生門』のような素晴らしい作品をどうやって作ったのか、私はいつも不思議に思っていました。均衡と流れが完璧で、空間の使い方も非常にバランスが取れています。これは史上最高の映画の一つです。^[178]

アシスタントによると、スタンリー・キューブリックは黒澤を「偉大な映画監督の一人」とみなし、「一貫して賞賛の念をもって」黒澤のことを語っていたため、黒澤からの手紙は「どんなオスカー賞よりも意味がある」ほどで、返事を書くのに何ヶ月も悩んだという。^[179] ロバート・アルトマンは、初めて『羅生門』を見た時、太陽の連続したシーンに感銘を受け、翌日には同じシーンを自分の作品で撮影し始めたと主張している。^[180] ジョージ・ルーカスは、『隠し砦の三悪人』を『スター・ウォーズ』の主なインスピレーションとして挙げた。彼はまた、 『七人の侍』、『用心棒』、『生きる』など黒澤の他の映画をお気に入りとして挙げた。彼はまた、「あれほどパワフルで映画的な作品は見たことがなかった。感情が強すぎて、文化や伝統を理解していなくても問題なかった。その瞬間から、黒澤の映画は私の最も強力な創造的インスピレーションの源の一つとなった」と述べた。^{[181] [182]} ウェス・アンダーソンのアニメ映画『犬ヶ島』は部分的に黒澤明の撮影技術にインスピレーションを受けている。^[183]​​ 第64回シドニー映画祭では黒澤明の回顧展が開催され、彼の作品が上映され、彼が作品から生み出した偉大な遺産を偲んだ。 [ ^184] ザック・スナイダーはNetflix映画『レベル・ムーン』に影響を与えた人物の一人として黒澤明を挙げている。^[185]

溝口健二は『雨月物語』（1953年）や『山椒大夫』 （1954年）で高く評価された監督で、黒澤より11歳年上だった。1950年代半ば以降、フランスのヌーヴェルヴァーグの批評家の中には、黒澤よりも溝口を好む者もいた。特にヌーヴェルヴァーグの批評家で映画監督のジャック・リヴェットは、溝口は完全に日本的でありながら真に普遍的な作品を制作した唯一の日本人監督だと考えていた。^[186]一方、黒澤は西洋の映画や文化の影響をより受けていると考えられていたが、この見解には異論もある。^[187]

日本では、一部の批評家や映画製作者は黒澤をエリート主義者とみなしていた。彼らは、黒澤が例外的な人物や英雄的な人物に努力と関心を集中させているとみなしていた。ジョーン・メレンは『七人の侍』のDVD解説で、黒澤が勘兵衛と久蔵という侍の人物に高い地位や正当性を与えていたことを示すいくつかのショットが、この見解の証拠であると主張した。これらの日本の批評家は、農民が自分たちの階級からリーダーを見つけることができなかったため、黒澤は十分に進歩的ではなかったと主張した。メレンとのインタビューで、黒澤は次のように自己弁護した。

私が言いたかったのは、結局のところ農民の方が強く、大地にしっかりとしがみついていたということだ。時代の風に吹かれて弱かったのは武士たちだったのだ。^{[158] [188]}

1950年代初頭から、黒澤は欧米での人気から、​​西洋の嗜好に迎合していると非難された。1970年代には、黒澤作品に対する批判的な反応で知られた、政治活動に積極的な左翼映画監督の大島渚が、黒澤が西洋の信念やイデオロギーに迎合していると非難した。^[189]しかし、作家のオーディ・ブロックは、黒澤は日本人以外の観客を喜ばせようとしたことは一度もなく、そうした監督を非難したと評価している。^[190]

黒澤の死後、未公開の脚本をもとにした遺作がいくつか製作された。1999年には小泉堯史監督の『雨上がりのように』が公開され、 ^{[191] [192]}、2002年には熊井啓監督の『海が見てる^{』が初公開された。 [193] 『どでっ}かでん』が製作された頃に四騎士の会（黒澤、木下恵介、小林正樹、市川崑）が書いた脚本が、同会の創立メンバーで唯一存命の市川崑によって、2000年に『ドラ平太』としてようやく映画化され公開された。 ^{[194]中国の} 華誼兄弟メディアとCKFピクチャーズは2017年に、エドガー・アラン・ポーの『赤死病の仮面』の黒澤明の遺作の脚本を2020年に映画化する計画を発表した。タイトルは『黒死病の仮面』。[ ^{195] 2017年5月に}バラエティ誌に寄稿したパトリック・フレイターは、黒澤明の未完成の映画がさらに2本計画されており、 『銀の槍』は2018年に撮影を開始する予定であると述べた。^[196]

2011年9月、黒澤明100プロジェクトによって、黒澤の映画と未制作の脚本のほとんどのリメイク権がロサンゼルスを拠点とする会社スプレンデントに譲渡されたと報じられた。スプレンデントの代表である山田咲子は、「現代の映画製作者がこれらの忘れられない物語を新しい世代の映画ファンに紹介するのを支援すること」を目指していると述べた。^[197]

1959年に設立された黒澤プロダクションは、黒澤監督の遺産の多くの側面を引き続き監督している。黒澤監督の息子である黒澤久雄氏が現在この会社の代表を務めている。同社の米国子会社である黒澤エンタープライズはロサンゼルスにある。黒澤作品の権利は当時、黒澤プロダクションと彼が働いていた映画スタジオ、特に東宝が保有していた。これらの権利はその後、黒澤明100プロジェクトに譲渡され、2011年にロサンゼルスを拠点とする会社スプレンデントに再譲渡された。^[197]黒澤プロダクションは、2003年12月に設立され黒澤久雄氏が運営する黒澤明財団と密接に連携している。この財団は毎年短編映画コンテストを主催し、最近棚上げになった監督記念博物館建設プロジェクトなど、黒澤関連のプロジェクトの先頭に立っている。^[198]

1981年、横浜に黒澤映画スタジオが開設され、その後日本国内に2か所のスタジオが開設された。^{[199]スキャンされた脚本、写真、ニュース記事などの膨大なアーカイブ資料は、}龍谷大学デジタルアーカイブ研究センターが黒澤プロの協力を得て運営する日本の独自ウェブサイト、黒澤明デジタルアーカイブを通じて公開されている。^[200]

アナハイム大学は、黒澤プロダクションおよび黒澤家と共同で、2009年春にアナハイム大学黒澤明映画学校を設立しました。アナハイム大学黒澤明映画学校では、世界最高の映画製作者たちの支援を受けて、デジタル映画製作のオンライン修士号（MFA）を提供しています。^[201]

黒澤は日本料理の愛好家として知られており、黒澤家の財団は1999年に彼の死後、黒澤レストラングループを設立し、東京エリアに家名を冠したレストラン4軒をオープンした。しゃぶしゃぶ専門店の永田町黒澤、鉄板焼き専門店の築地鉄板焼黒澤、そば専門店の西麻布けやき黒澤、うどん専門店の六本木うどん黒澤である。4つの店舗はいずれも黒澤が若かった明治時代の町家を彷彿とさせるデザインで、黒澤のキャリアを記念する品々が飾られている。2023年現在、築地店のみが営業を続けている。世界中の多くの起業家も、アキラや財団とは何の関係もなく、黒澤に敬意を表してレストランやビジネスをオープンしている。^{[202] [203]}

黒澤明を称えて名付けられた映画賞も2つある。サンフランシスコ国際映画祭では黒澤明監督生涯功労賞が授与され、東京国際映画祭では黒澤明賞が授与される。 [ ^{204] [205]}

黒澤は、1984年にフランスのレジオンドヌール勲章オフィシエ、 1986年にイタリア共和国功労勲章ナイト・グラン・クロスを受章するなど、数々の国家栄誉賞も受賞しており、1985年には日本出身の映画監督として初めて文化勲章を受章した。死後、彼は華族階級における現代の貴族の称号に相当する従三位を授与された。^[206]

黒澤明の生涯と作品に関する短編および長編のドキュメンタリーは、全盛期と死後に多数制作された。フランスのビデオエッセイ監督クリス・マルケルによる『AK』は、黒澤明が『乱』を制作中に撮影されたが、このドキュメンタリーは映画の制作過程よりも、黒澤明の冷淡でありながらも礼儀正しい人柄に焦点を当てている。^{[207] [208]}黒澤明の死後に制作されたその他のドキュメンタリーには、以下のものがある。

• 黒澤明監督：ラストエンペラー（アレックス・コックス、1999年）^[209]
• 黒澤明からのメッセージ 美しい映画のために（黒澤久夫、2000年）^[210]
• 黒沢（アダム・ロウ、2001年）^[211]
• 黒澤明 創造するって素晴らしい（東宝マスターワークス、2002）^[210]
• 黒澤明：壮大なものと親密なもの（2010）^[212]
• 黒澤明生（カトリーヌ・カドゥ、2011年） ^[213]

• Akira Kurosawa at IMDb
• Akira Kurosawa at the TCM Movie Database
• Akira Kurosawa at The Criterion Collection
• Akira Kurosawa: News, Information and Discussion
• Senses of Cinema: Great Directors Critical Database
• Akira Kurosawa at Japanese celebrity's grave guide (in Japanese)
• Akira Kurosawa at the Japanese Movie Database (in Japanese)
• Several trailers
• Anaheim University Akira Kurosawa School of Film
• Akira Kurosawa at Rotten Tomatoes