トレジャープラネット

『トレジャー・プラネット』の制作にはおよそ4年半かかりましたが、そのコンセプト（当時は『宇宙の宝島』と呼ばれていました）は、ロン・クレメンツが1985年の「ゴング・ショー」会議で最初に提案したもので、彼とジョン・マスカーは『リトル・マーメイド』も提案していました。^{[ 7 ] [ 8 ]}この提案は、パラマウント・ピクチャーズが『宝島』の要素を取り入れた『スター・トレック』の続編を開発中であることを知っていたマイケル・アイズナーによって却下されました（結局、製作されませんでした）。^{[ 9 ]}このアイデアは『リトル・マーメイド』の公開後、1989年に再び提案されましたが、^{[ 10 ]}スタジオは依然として興味を示しませんでした。『アラジン』の公開後、このアイデアは3度目に提案されましたが、当時ウォルト・ディズニー・スタジオの責任者であったジェフリー・カッツェンバーグは、このアイデアに「全く興味がなかった」のです。 ^{[ 11 ]}この間、カッツェンバーグは、同社が映画化を試みていた『火星のプリンセス』に二人に取り組んでほしいと考えていた。 ^{[ 12 ]}拒否されたことに腹を立てたクレメンツとマスケルは、フィーチャー・アニメーションの会長ロイ・E・ディズニーに接触し、ディズニーは映画製作者を支持し、アイズナーにその意向を伝えた。アイズナーは、スタジオがこの映画を製作することに同意した。1995年、彼らの契約は再交渉され、『ヘラクレス』が完成したら『トレジャー・プラネット』の開発に着手できるようになった。 ^{[ 10 ]}

マスケルとクレメンツは「スティーブン・スピルバーグやジェームズ・キャメロンのようにカメラを自由に動かしたい」と思っていたため、制作の遅れは「カメラを実際に動かす技術が発展する時間があった」という点で有益だった。^{[ 13 ]}映画の主要アニメーションは2000年に始まり、約350人のスタッフが携わった。^{[ 14 ]} 2002年、ロイ・コンリは、スクリーンクレジットに記載されているスタッフは約1,027人で、「約400人のアーティストとコンピューターアーティスト、約150人のミュージシャン、そしてさらに200人の技術者」だったと推定した。^{[ 7 ]}コンリによると、クレメンツは「ステンレススチール、青、パイプがぎっしり詰まった奥底から煙が出ている」SF映画とは対照的に、「暖かく、SF映画で通常想像されるよりも生命力のある」宇宙世界を作りたかったという。^{[ 7 ]}映画を「楽しい」ものにするために、よりエキサイティングなアクションシーンを作り、また、登場人物に宇宙服やヘルメットを着せると「ロマンチックさが全て失われる」と考えたため、^{[ 15 ]}クルーは「大気で満たされた宇宙空間」である「エーテリウム」という概念を作り出し、登場人物はオリジナルの宝島のように18世紀の服を着ている。^{[ 8 ] [ 16 ]}

映画の制作後半でいくつかの変更が加えられた。映画のプロローグは当初、大人のジム・ホーキンスがキャプテン・フリントの物語を一人称で語るものだったが、^{[ 8 ] [ 17 ]}スタッフはそれが「暗すぎる」と考え、登場人物の関与が欠けていると感じたため、変更され、代わりにトニー・ジェイがナレーションを担当することになった。^{[ 8 ]}スタッフはまた、ジムがソーラーサーファーをいじり、宇宙人の子供と交流するシーンを映画に含めるつもりだった。これはジムのより繊細な一面を示すとともに、『ライ麦畑でつかまえて』へのオマージュとなることを意図していた。^{[ 18 ]}ジムがソーラーサーフィンをするシーンで映画を始めるつもりだったため、このシーンはカットせざるを得なかった。^{[ 18 ]}

脚本家のロブ・エドワーズは、古典小説を宇宙空間に舞台設定するのは「非常に困難だった」と述べ、SF要素の一部（「金属製の宇宙船や寒さなど」）を早い段階で排除したと語った。エドワーズはさらに、「映画をより現代的にするために多くのことをした」と述べ、映画の舞台を宇宙空間に設定した意図は「当時の子供たちにとって本がそうであったように、今の子供たちにとっても物語をエキサイティングなものにする」ことだったと語った。^{[ 19 ]}

原作の登場人物を映画に翻案することに関して、ロン・クレメンツは、原作のジム・ホーキンスは「非常に賢く、非常に有能な少年」だが、原作のキャラクターの前述の特徴は残しつつも、最初は「自分が何者なのかよくわからない」「少し問題を抱えた少年」としてジムを描きたかったと述べている。この変更は、ジョー・ランフトがこのアイデアを提案した後に行われた。^{[ 20 ]}小説におけるジム・ホーキンスの「指導者的人物」は、ジョン・マスカーが「一方はよりコミカルで、もう一方は非常に真面目」と評したトレローニー卿とリブジー医師であったが、この2人のキャラクターはドクター・ドップラーに融合された。クレメンツはまた、ジム・ホーキンスとジョン・シルバーの父子関係は原作にも「ある程度」存在していたが、映画ではそれをより強調したかったとも述べている。^{[ 21 ]}

脚本に携わったテリー・ロッシオは後に、映画製作者たちがジム・ホーキンスを思春期の少年に変えたのは重大な間違いだったと主張した。「 『宝島』は、血に飢えた海賊団と知恵比べをする若い船員の冒険物語です。重要な場面はすべて、危険にさらされているのが若い少年であるという事実によって、よりドラマチックになっています。 『トレジャー・プラネット』では、少年を青年に変えてしまいました。そのため、最初から最後まで、すべての状況のドラマ性が薄れてしまいました。素晴らしく印象的な少年ではなく、彼は不機嫌で印象に残らないティーンエイジャーになってしまったのです。」^{[ 22 ]}

キャスティングディレクターのルース・ランバートは、ニューヨーク、ロサンゼルス、ロンドンで映画のキャスティングオーディションを複数回開催したが、スタッフはすでに主要キャラクターのうち2人について何人かの俳優を念頭に置いていた。^{[ 23 ]}ドップラー博士のキャラクターは、デヴィッド・ハイド・ピアースを念頭に置いて書かれており、^{[ 7 ] [ 21 ]}ピアースはピクサーの『バグズ・ライフ』（1998年）の制作中に、『トレジャー・プラネット』の脚本とキャラクターと映画の風景の要素の初期スケッチを受け取った。彼は「脚本は素晴らしく、見た目もとても魅力的だった」ので役を引き受けたと述べている。^{[ 24 ]}ジェフ・ゴールドブラムとヒュー・グラントも、ピアースが役を獲得する前に検討されていた。^{[ 20 ]}同様に、アメリア船長のキャラクターは、エマ・トンプソンが声を担当するというアイデアで開発された。^{[ 25 ]}「彼女にオファーしたところ、彼女はとても喜んでくれた」とクレメンツは語った。マスカーは、「これはエマがこれまで演じた初めてのアクションアドベンチャーのキャラクターで、彼女はいくつかのセッションの間妊娠していました。彼女は、このアクションをすべてこなすことができ、役のためにトレーニングする必要がなかったことを喜んでいました」と語った。 ^{[ 25 ]}ジョン・シルバーとジム・ホーキンスのキャラクターには、当初は俳優は決まっていませんでした。ブライアン・マレー（ジョン・シルバー）とジョセフ・ゴードン＝レヴィット（ジム・ホーキンス）は、数ヶ月のオーディションの後に契約しました。^{[ 7 ]}ゴードン＝レヴィットは、「ディズニーのアニメーション映画であり、ディズニーのアニメーション映画は独自のクラスにある」ため、この役に惹かれたと述べ、「その伝統の一部になれることは信じられない」と語った。^{[ 26 ]}マスカーは、ゴードン＝レヴィットが「十分な脆さと知性、若さと未熟さの組み合わせ」を兼ね備えており、彼のアプローチが気に入ったと述べた。^{[ 21 ]}パトリック・マクグーハンは、仮のトラックで彼の物真似をした後、映画でオナスという小さな役を演じたコーリー・バートンの提案でビリー・ボーンズ役にキャスティングされた。これは彼のキャリアにおける最後の映画出演となった。^{[ 20 ]}

有名俳優の中で、『トレジャー・プラネット』の制作以前に声優の経験があったのは、ピアースとショートだけだった。コンリは、彼らが「俳優の自然な声」を探していたと説明し、声優の経験がない俳優の方が「声を真似る」よりも自然な声を使うので、時には良いこともあると述べた。^{[ 7 ]}声優のセッションは、他の俳優とはほとんど交流せずに行われたが、^{[ 21 ] [ 24 ]}ゴードン＝レヴィットは、ジム・ホーキンスとジョン・シルバーの間のシーンのほとんどを一人で演じるのは難しいと感じたため、マレーと交流したいと表明した。^{[ 21 ]}

『トレジャー・プラネット』のデザインを担当したスタッフは、「70/30の法則」（美術監督のアンディ・ガスキルがロン・クレメンツのアイデアだと述べている）と呼ばれるルールに従って作業を進めた。これは、映画のアートワークの全体的なルックが70％は伝統的で、30％はSFであるべきだという意味だった。^{[ 27 ]}『トレジャー・プラネット』の全体的なルックは、ブランディワイン派イラストレーションに関連するイラストレーター（ハワード・パイルやNC・ワイエスなど）が推進したアートスタイルに基づいており、映画のスタッフは、彼らのイラストを「古典的な絵本のイラスト」であり、絵画的な雰囲気があり、温かみのある色彩で構成されていると評している。^{[ 28 ]}

クルーには約40人のアニメーターがおり、さらにチームに分かれていました。たとえば、ジム・ホーキンスは画面に最も多く登場したため、16人のアニメーターが彼に割り当てられ、12人がジョン・シルバーに割り当てられました。イラストと個性の「堅実さ」を確保するため、映画の主要キャラクターごとに、1人のアニメーション・スーパーバイザーが率いるアニメーターのチームがいました。コンリは、スーパーバイザーの個性が最終的なキャラクターに影響を与えたと述べ、グレン・キーン（ジョン・シルバーのスーパーバイザー）とジョン・リパ（ジム・ホーキンスのスーパーバイザー）を例に挙げました。声優の身体的な外見、動き、表情もキャラクターに反映されました。^{[ 7 ]}

キャラクターデザインに関して、過去の『宝島』の映画化作品からインスピレーションを得たのかと尋ねられたグレン・キーンは、過去のキャラクター描写を見て「固定観念を払拭する」のは好きではないが、シルバーの話し方については、俳優のウォレス・ビアリーからインスピレーションを得たと述べ、「口の端で話す彼の話し方が大好きだった」と語った。ジム・ホーキンスのキャラクター設定とデザインについては、ジョン・リパはジェームズ・ディーンを重要な参考資料として挙げ、「全体的な態度、姿勢があり、痛みと若々しい無邪気さが感じられた」と述べ、また「ブレイブハート」も挙げ、「登場人物のクローズアップが多く、彼らは目だけで思考過程をたどっている」と説明した。^{[ 29 ]}

アニメーターは、アニメーション制作過程全体を通して、映画のキャラクターの小さな像であるマケットも参考にした。キャラクター彫刻家のケント・メルトンは、マケットを使用した最初のディズニー映画は『ピノキオ』（1940年）であり、これがキャラクター彫刻専門の部署の設立につながったと述べている。キーンは、マケットは単に「店のマネキンのようなもの」ではなく、「キャラクターの個性を伝えるもの」でなければならないと指摘し、マケットは俳優が役を演じる際のインスピレーションにもなったと述べている。^{[ 30 ]}

アニメーターたちは、当初『ターザン』 （1999年）のために開発された技術であるディープキャンバスを採用し、「バーチャルセット」と呼ばれるプロセスを考案した。これは、シーンの演出を開始する前に、 360度全方位のセット全体を作成するというものである。 ^{[ 7 ]}彼らはこのプロセスを従来の方法で描かれたキャラクターと組み合わせることで、「奥行きのある絵画のようなイメージ」を実現し、スタッフがセット内のどこにでもカメラを配置し、実写映画のカメラを操作するように操作できるようにした。^{[ 14 ]}コンピューターで生成された身体の一部（特にジョン・シルバーのサイボーグの腕）が従来の方法でアニメーション化されたキャラクターとどのように融合するかをテストするために、スタッフは『ピーター・パン』 （1953年）のフック船長のクリップを取り出し、彼の腕をサイボーグの腕に置き換えた。^{[ 31 ]}

この映画の目標の一つは、異なるアニメーション媒体を一つの映画に融合させ、視聴者が二次元手描きとコンピュータ生成の3Dアニメーションや環境の違いを見分けられないほどシームレスな仕上がりにすることだった。この映画には、ディズニーが得意とする伝統的な2Dキャラクターアニメーション、3Dキャラクターアニメーション、そしてコンピュータ生成（CG）環境という3つのアニメーション媒体が取り入れられている。^{[ 14 ] [ 29 ]}

「70％が伝統的で30％がSF」という「70/30の法則」は、映画のビジュアルデザインだけでなく、音響効果や音楽にも適用された。サウンドデザイナーのデーン・A・デイビスは、ジョン・シルバーの音響効果を「洗練されすぎたりSFっぽく聞こえないように」するために、「アンティークのゼンマイ仕掛けのおもちゃや古い回転機構を求めて、趣味の店やガラクタ屋をくまなく探した」と語っている。チームは、特にロボットのベンとの会話で使用される音についていくつかの実験を行ったが、試したすべての音が「彼のコメディに影響を与えた」ため、ショートの自然な声を残すことにした。「このような物語で最後にやりたくないことは、演技に影響を与えることだ」^{[ 32 ] 。}

映画の音楽は、主にオーケストラ音楽だが、グー・グー・ドールズのフロントマン、ジョン・レズニックとイギリスのポップロックグループBBMakによるポップシングル2曲（「 I'm Still Here」と「Always Know Where You Are」）も含まれている。映画では両曲ともジョン・レズニックが作詞作曲し演奏したが、サウンドトラック用にBBMakが「Always Know Where You Are」を録音した。スコアはジェームズ・ニュートン・ハワードが作曲し、スコアは「コルンゴルト、ティオムキン、シュタイナーの素晴らしい伝統に非常に近い」と述べている。^{[ 33 ]}スコアは、スター・ウォーズの精神とケルト音楽の精神に基づく現代の「クラシックスタイル」の音楽のミックスと評されている。^{[ 34 ] [ 35 ]}スコットランドのフィドル奏者アラスデア・フレイザーは、トラック「Silver Leaves」の共同作曲者としてクレジットされており、^{[ 36 ]}映画のクレジットではソリストとしても記載されている。ウォルト・ディズニー・レコードは、 2002年11月19日に映画のサウンドトラック・アルバムをリリースした。^{[ 36 ]}ジェリー・ゴールドスミスも作曲者として検討されていた。^{[ 20 ]}

『トレジャー・プラネット』は2002年11月6日にフランスのパリでワールドプレミア上映された。^{[ 42 ]}米国では2002年11月17日にハリウッドのシネラマ・ドームでプレミア上映された。 ^{[ 43 ] [ 44 ]}この映画は、通常の劇場とIMAX劇場で同時公開された「最初の大手スタジオ作品」である。これは、『美女と野獣』や『ファンタジア2000』など、IMAX形式で再公開されたディズニー映画の成功を受けて行われた。[3] 当時ウォルト・ディズニー・スタジオの会長^{だったディック}・クックは、これが競争の激しいホリデーシーズンに他社との差別化を図る良い方法になるだろうと期待を表明した。^{[ 11 ]}

『トレジャー・プラネット』は、 2003年4月29日にウォルト・ディズニー・ホーム・エンターテイメントから米国とカナダでVHSとDVDで発売されました。DVDには、舞台裏の特典映像、ビジュアル解説、未公開シーン、ティーザーと劇場予告編、ジョン・レズニックの楽曲「I'm Still Here」のミュージックビデオ、RLSレガシーのバーチャルツアーが含まれています。^{[ 45 ]}このTHX認定リリースには、セットアップメニューにイースターエッグも含まれています。視聴者は任意のリストをハイライトして右を押すと、カチンコが表示されます。このアイコンを選択すると、DVDのクレジットが表示されます。 ^{[ 46 ]} DVDはビルボードのトップセールスで2週間1位を維持し^{[ 47 ] [ 48 ]}、VHSは3週間1位でした。^{[ 49 ] [ 50 ] [ 51 ]} 2003年7月までに、『トレジャー・プラネット』はDVDの売上で6400万ドルを売り上げました。^{[ 52 ]}

本作は、公式にはディズニーのアニメーション長編映画として、VHS版でフルスクリーンで収録される最後の作品となる。というのも、 『ブラザー・ベア』（2003年）と『ホーム・オン・ザ・レンジ』（2004年）のVHS版はワイドスクリーンで収録されているからだ。ただし、ディズニー・ムービー・クラブ限定のVHS版『チキン・リトル』（2005年）はフルスクリーンで収録されている。

ディズニーは2012年7月3日に10周年記念特別版Blu-ray/DVDコンボを発売した。^{[ 53 ] [ 54 ]}

『トレジャー・プラネット』は公開初週末に1200万ドル以上の興行収入を記録し、『ハリー・ポッターと秘密の部屋』、 『007 ダイ・アナザー・デイ』 、ディズニー自身の『サンタクロース2』に次ぐ4位となった。^{[ 55 ]} 5日間の感謝祭の週末には、興行収入はわずか1650万ドルにとどまった。^{[ 56 ]}最終的に、国内で3810万ドル、海外で7140万ドルの興行収入を記録し、全世界で1億950万ドルの興行収入となった。^{[ 1 ] [ 57 ] [ 58 ]}ディズニーの配給部門であるブエナ・ビスタ・ディストリビュー ションは、映画公開から数日後に第4四半期の収益を4700万ドル削減したため、その失敗は早い段階で明らかになった。 ^{[ 59 ] [ 60 ]} 2014年、ロサンゼルス・タイムズはこの映画を史上最も高額な興行収入の失敗作の1つとして挙げた。^{[ 61 ]}

『トレジャー・プラネット』は批評家から概ね好評を得た。^{[ 62 ]}レビュー集計サイトのRotten Tomatoesは、150件のレビューに基づき、批評家の69%がこの映画に肯定的な評価を与え、平均評価は10点満点中6.5点だったと報告している。同サイトの批評家の総意は「キャラクター描写は通常より弱いものの、『トレジャー・プラネット』はテンポが速く、美しく描かれた宇宙のビジョンを提供している」と述べている。^{[ 63 ]} Metacriticは、主流の批評家による30件のレビューに基づき、この映画に100点満点中60点の加重平均スコアを割り当てており、「賛否両論または平均的な評価」を示している。^{[ 64 ]} CinemaScoreが調査した観客は、A+からFのスケールでこの映画に平均「A−」の評価を与えた。^{[ 65 ]}

ワシントン・ポストのスティーブン・ハンターは、5つ星中4つ星を与え、この映画は「ディズニーの最も純粋な歓喜を誇っている。世代を分断するのではなく、結びつけている」と述べた。^{[ 66 ]}ピープルのリア・ローゼンは、この映画は「想像力とユーモアにあふれ、テンポよく進む」と述べ、「伝統的な技術とデジタル技術を組み合わせたアニメーションは魅力的だ」と述べた。^{[ 67 ]} USAトゥデイのクラウディア・プイグは、この映画の最も注目すべき特徴は「未来的なものとレトロなものを巧みに組み合わせている点」だと述べ、さらに、この映画には「リロ＆スティッチの魅力」や「千と千尋の神隠しのまばゆいばかりの芸術性」はないが、 「トレジャー・プラネットは家族向けの、有能で楽しいホリデーシーズンの冒険映画だ」と結論付けた。^{[ 68 ]} Box Office Prophetsのキム・ホリスは、「この映画には多くの魅力がある 。 壮大な映像だけでも『トレジャー・プラネット』は見る価値がある」と述べたが、登場人物が「それほど創造的に描かれていない」と感じたため、失望を表明した。^{[ 69 ]}

シカゴ・サンタイムズのロジャー・エバートは、この映画に4つ星中2.5つ星を与え、より伝統的なストーリー展開の方が「もっと刺激的」で「ギミックが少なく」なっただろうと感じた。^{[ 70 ]}デイリー・バラエティ・ゴッサムのアンディ・クラインは脚本に不満を述べ、「精彩を欠いている」と評し、「脚本が映像と同じくらい面白ければよかったのに」とコメントした。^{[ 34 ]}ニューヨーク・タイムズのAOスコットは、この映画を「オマージュというよりは、不器用で皮肉な海賊行為」と評し、「映画と呼べるほどのものではない」「頭の悪い機械的な映画」だと続けた。^{[ 71 ]}エンターテインメント・ウィークリーのオーウェン・グレイバーマンは、この映画を「可愛らしい現代風の装飾ばかりで、勢いが全くない」と評した。 ^{[ 72 ]}

2020年、Polygonに寄稿したペトラナ・ラドゥロヴィッチは、ジムとシルバーのキャラクター、そして「I'm Still Here」のシークエンスを称賛し、この映画は「視覚的に素晴らしく、2000年代初頭のタイムカプセルのような作品であり、おそらく同時代の他のアニメーション映画にはない特徴を持っている。ディズニー映画がそれ以降に成し遂げたことのない方法で、ジャンルの期待の視覚的な限界を大胆かつ臆することなく押し広げている」と述べている。^{[ 5 ]}

この映画は、 『リロ＆スティッチ』、『アイス・エイジ』 、『スピリット』と共にアカデミー長編アニメ映画賞にノミネートされたが、4作品とも『千と千尋の神隠し』（2001年）に敗れた。^{[ 73 ]}また、アニー賞にも多数ノミネートされた。^{[ 74 ]}

このゲームは発売時に賛否両論の評価を受けた。GameRankingsとMetacriticは、ゲームボーイアドバンス版に66.43%と100点満点中68点を与え、^{[ 84 ] [ 87 ]} PlayStation 2版に64%と100点満点中61点を与え、^{[ 85 ] [ 88 ]} PlayStation版に57.14%と100点満点中44点を与えた。^{[ 86 ] [ 89 ]}