ホラー映画の歴史

作家のジークバート・ソロモン・プラワーは、ホラー映画の歴史は、映画の状況、観客の嗜好、当時の世界情勢に基づいて、数十年にわたってジャンルが変化してきたため、直線的な歴史的経緯として読み解くのは難しいと述べています。

1930年代以前の映画、例えば初期のドイツ表現主義映画やトリック映画などは、ホラー映画として回想されてきたが、これはこのジャンルが体系化されたのは『魔人ドラキュラ』（1931年）の公開までだったためである。 『魔人ドラキュラ』は興行的に成功したため、ユニバーサルや他のアメリカの映画スタジオ数社は1940年代に入ってもホラー映画を開発し、普及させた。1950年代までには、ホラーはSFをテーマに作られることが多くなり、50年代の終わりにはホラーは国際的な作品のより一般的なジャンルになった。

1960年代には、古典文学の代わりに現代作品を題材にした作品が登場し、さらなる発展を遂げた。『サイコ』、 『ブラック・サンデー』、 『ナイト・オブ・ザ・リビングデッド』などの映画の公開により、このジャンルでは暴力やエロチックなシーンが増加した。1970年代には、より残酷な描写を掘り下げた映画や、ポルノに近い、あるいは完全にポルノに近い映画が登場し、これらのテーマが拡大した。この時代のジャンルサイクルには、ナチュラルホラー映画や、 1980年代初頭に拡大したスラッシャー映画の台頭が含まれる。1990年代に向けて、ポストモダニズムがホラーに入り込み、その10年間で最大のヒット作には『リング』 （1998年）の成功など、日本製映画が含まれていた。

21 世紀には、ストリーミング メディアによってホラーのトレンドが普及し、一方で、ソウの成功に影響を受けた拷問ポルノや、「ファウンド フッテージ」技法を使用した映画、そして興行的にヒットしたゲットアウト、ヘレディタリー、インシディアスシリーズなどの独立系作品もトレンドとなりました。

作家のジークバート・ソロモン・プラワーは著書『カリガリの子供たち：恐怖物語としての映画』（1980年）で、ホラー映画は直線的な歴史的軌跡をたどるものではないと述べている。カルロス・クラレンスのような歴史家や批評家は、当時の映画観客の中にはトッド・ブラウニングのベラ・ルゴシ主演の映画を非常に真剣に受け止めた人もいたが、他の国の作品はパロディの題材として、子供向けの娯楽や懐かしい思い出として捉えていたと指摘している。^[1]ジョン・ケネス・ミューアは、20世紀後半の数十年間のホラー映画の歴史を扱った著書の中でこの意見に同調し、ホラー映画は「その時代と観客」の不安を反映していると述べ、「ホラーが日常生活に関係がなければ、恐ろしくはない」と結論付けている。^[2]

歴史家ゲイリー・ドン・ローズは、ドラキュラ（1931年）の公開前、ホラー映画という概念はまだ体系化されたジャンルとして存在しておらず、ドラキュラ公開前の批評では映画を描写するために「ホラー」という用語が使われていたものの、この用語はこの時点でジャンル名として本格的には発展していなかったと説明している。^[3]ミステリー映画のジャンルは流行しており、小説、演劇、映画のストーリーが超自然に依存していたにもかかわらず、ドラキュラがミステリー映画として宣伝されていたという初期の情報は一般的だった。^[4]

映画のジャンルとなる映画製作の形式は、トーマス・エジソンが1890年代後半にキネトグラフを考案する以前は、ほとんどが他のメディアで定義されていました。 ^[5]冒険、探偵小説、西部劇などのジャンルは書かれたフィクションとして開発され、ミュージカルは演劇の定番でした。^[5]作家で評論家のキム・ニューマンは、1890年に何かがホラー映画と呼ばれていたとしても、それが特定のジャンルとして何を意味するのか誰も理解できなかったと述べ、当時はこれらのタイプの映画が作られていたがそのように分類されていなかったと付け加えました。^[5]ホラー映画に影響を与えた初期の資料には、英雄がモンスターと戦うギルガメシュ叙事詩や、疫病や黙示録が議論されている聖書の陰惨または幻想的な要素が含まれていました。 ^[6]幽霊、悪魔、超自然への信仰は、多くの文化や宗教の民間伝承に長く存在しており、^{[7] [8]}例えば、ゾンビはハイチの民間伝承に由来する。^{[9]アンディ・リチャーズは著書}『アジアン・ホラー』の中で、多くのアジア文化では「超自然的な力が広く根付いて受け入れられている」と述べ、これは仏教や神道などのアニミズム、汎神論、カルマの宗教的伝統と関連していると示唆している。これらはその後、この地域のホラー映画に強い影響を与えた。^[8]古典劇には、後にホラー映画で拡張された要素も含まれており、例えば『ハムレット』には復讐心に燃える幽霊、掘り起こされた頭蓋骨、複数の刺傷、狂気に屈する登場人物などが含まれている。^[10]

『オトラント城』（1764年）やアン・ラドクリフの作品などの初期のゴシック小説は、城を舞台にした、一見超自然的な出来事や魅力的でありながらも不快な悪役を扱ったが、その超自然的な見せかけは最後に説明されることが多かった。^[10]これらのゴシック小説の中で最も有名なのは『フランケンシュタイン』 （1818年）で、これは何度か映画化されている。 ^[11]アメリカの作家エドガー・アラン・ポーは1830年代と1840年代に、後に映画化されることになるいくつかの物語を書いた。これらには、「黒猫」、「モルグ街の殺人」、「落とし穴と振り子」、「アッシャー家の崩壊」、「赤死病の仮面」などがある。^{[11] [12]}ポーの物語には、死んだ女性、死にかけの女性、幽霊の女性が登場することが多く、男性主人公の執着に焦点を当てている。^[12]

1800年代後半から1900年代前半にかけて、それ以前のどの世紀よりも多くの重要なホラー作品が制作された。これには『ジキル博士とハイド氏』（1886年）、『ドリアン・グレイの肖像』（1890年）、『トリルビー』（1894年）、『黄衣の王』（1895年）、『モロー博士の島』 （1896年）、 『魔人ドラキュラ』（1897年）、『透明人間』（1897年）、『ねじの回転』（1898年）、『バスカヴィル家の犬』（1902年）、『古物商の幽霊物語』（1904年）、『オペラ座の怪人』（1911年）などがある。^[12]これらや同様の小説や短編小説が作られていた1890年代には、初期の映画が始まった。^[5]これらの物語の多くは特に恐ろしさに焦点を当てたものではなかったが、映画の定番となる恐ろしい要素やセットピースのために大衆文化の中に残った。^[13]

19世紀には、「ホラー」という言葉が、まれではあるが、一般的な意味合いで使われるようになった。初期の映画では、トリック映画はさまざまな言葉で表現されることがあった。アメリカのミュートスコープ社とバイオグラフ社は、自社の映画を「ファンタスティック」と呼んだり、セリグ・ポリスコープ社は、そのような映画を「神話的で神秘的」と呼んだり、ヴィタグラフ・スタジオは「神秘的」かつ「魔法的」と呼んだりした。^[14]ニコロデオンが上映されていた時代には、上映者は「奇妙」というラベルを使用し、フランケンシュタイン（1910年）は「奇妙で素晴らしい」、アルトゥーロ・アンブロジオの仮面劇（1911年）は「奇妙な物語」と宣伝された。^{[15]ニューマンは}ジョルジュ・メリエス の『悪魔の館』を最初のホラー映画と評し、そのイメージは何世紀にもわたる本、伝説、舞台劇から来ており、悪魔、幽霊、魔女、骸骨、悪魔に変身する幽霊城などのイメージを特徴としているとしている。^[16]この映画にはストーリーはなく、一連のトリックショットとボードビルの演技が撮影されている。 [16]メリエスは1886年から1914年の間に、歴史再現、宗教映画、ドラマ、文学の翻案、偽ニュース映画など、500本以上の映画を制作した。^{[ 16]}

20世紀初頭、世界中で映画が人気を博すと、映画の製作は非常に忙しくなり、よく語られた物語が作られ、数ヶ月以内にリメイクされることが多かった。 ^{[17]フランスでは}『振り子の人形』（1909年）など、アメリカでは『封印された部屋』（1909年）、『大鴉』（1912年）、『落とし穴と振り子』（1913年）など、ポーの作品の翻案が頻繁に採用された。^[18]この時代に映画デビューした他の有名なホラーキャラクターには、フランケンシュタインの怪物が登場する『エジソンズ・フランケンシュタイン』（1910年）、 『魂のない人生』（1915年）やイタリア制作の『フランケンシュタインの怪物』（1921年）などがある。^[18] 『ドリアン・グレイの肖像』のような他の小説は、デンマーク（『ドリアン・グレイの肖像』（1910年）、ロシア（『ドリアン・グレイの肖像』（1915年）、ドイツ（『ドリアン・グレイの肖像画』 ） 、ハンガリー（『キラリイの肖像』 （1918年））など、世界中で何度か翻案された。^[18]最も翻案されたホラー小説は『ジキル博士とハイド氏』で、これにはウィリアム・セリグの『ジキル博士とハイド氏』 （1908年）のような初期の翻案も含まれている。その後、イギリス版『人間の二重性』（1910年）やデンマーク版『Den skæbnesvangre Opfindelse』（1910年）、1912年のアメリカ映画『ジキル博士とハイド氏』^{など、いくつかのバージョンが制作された。 [17] 1920年には、} J・チャールズ・ヘイドンの『ジキル博士とハイド氏』、ジョン・S・ロバートソンの『ジキル博士とハイド氏』、FW・ムルナウの『ヤヌスコップ氏』の3つのバージョンが制作された。^[17]

1920年代前半にドイツで登場した映画運動で、ドイツ表現主義映画と呼ばれたものはホラー映画によく似ていた。^{[19] [20]この用語は、}青騎士や突撃隊などの芸術グループから借用されたものである。^[20]これらの映画には、『警告の影』（1923年）、『カリガリ博士』（1920年）、『魂の秘密』（1926年）など、センセーショナルなタイトルが付けられている。^[21]ドイツの映画史家トーマス・エルザッサーは、これらの映画の一般映画の記憶に残っているのは、子供の童話や民間伝説の怪物に似た登場人物だと書いている。これには、狂気のカリガリ博士、『蝋人形の国』 （1924年）の切り裂きジャック、吸血鬼ノスフェラトゥなどの登場人物や、コンラート・ファイト、エミール・ヤニングス、ペーター・ローレなどの俳優が含まれる。^[22]監督FWムルナウは、 1922年に『吸血鬼ノスフェラトゥ』でドラキュラを映画化した。ニューマンは、この映画は「主にホラーに関心を持ったドラキュラの唯一の映画化作品であり、ネズミのような特徴と細い体つきから、『カリガリ』以上に『ホラー映画のテンプレート』であった」と書いている。^[23]

ハリウッドではホラー映画スターが十分に育成されることはなかったが、俳優でメイクアップアーティストのロン・チェイニーは映画の中でモンスターを演じることが多かった。例えば、 『盲目の取引』（1922年）の猿人、『ノートルダムのせむし男』 （1923年）のカジモド、 『オペラ座の怪人』（1925年）のエリック、『真夜中のロンドン』（1927年）の偽の吸血鬼などである。^[24] 『未知』（1927年）や『ザンジバルの西』 （1928年）などチェイニーの映画には時折ホラーという形容詞がつけられたが、この俳優は主に監督トッド・ブラウニングと作ったメロドラマで知られていた。^{[25] [24]}

この時期、「ホラー映画」という言葉は様々な解釈で使われた。例えばイブニング・スター紙は読者に「『ホラー』映画の輸送は禁止されるかもしれない」と伝えた。これは、トーマス・ゴア上院議員が提出した法案に言及したもので、この法案は「元受刑者、強盗、列車強盗、その他の無法者の活動」を描いた映画の州間輸送を禁止するというものだった。^[26] 1928年、ペンシルバニア州のウォーレン・トリビューン紙は映画『Something Always Happens』（1928年）を評し、「ホラー映画がコロンビアの観客を沸かせる」と題する記事で『The Bat』（1926年）や『The Wizard』 ^{（1927年）と「同種の他の映画」を比較した。 [26]ローズは、} 『The Bat』、『The Wizard』、『The Cat and the Canary』 （1927年）などの映画には異なる説明が使われていたが、最も一般的にはミステリー映画と呼ばれていたと指摘した。^[27]

1924年、イギリスのプロデューサー、ハミルトン・ディーンは、イングランドのダービーにあるグランド・シアターで舞台版『魔人ドラキュラ』を初演した。 [ ^28]アメリカ版は1927年にブロードウェイで初演され、俳優ベラ・ルゴシがドラキュラ伯爵を演じた。^{[29] [28]}ローズは、この劇が「アメリカで旋風を巻き起こした」と評した。^[30] 1930年6月、ユニバーサル・スタジオは、この劇と小説『魔人ドラキュラ』の両方の権利を正式に購入した。^{[28] [31]}ドラキュラは、1931年2月12日にニューヨークのロキシー劇場で、再びルゴシが主役を演じて初演された。^{[32] [29]} 『ユニバーサル・ホラーズ』の著者であるトム・ウィーバー、マイケル・ブルーナス、ジョン・ブルーナスは、当時のドラキュラに対する批評家の反応を「一様に肯定的で、賞賛するものさえある」ものであり、「ユニバーサルのホラー映画の中で批評家から最も高く評価された作品の1つ」と評した。^[33]ユニバーサルはこの映画の興行成績と批評家の称賛に驚き、同様の作品である『フランケンシュタイン』（1931年）と『モルグ街の殺人』（1932年）の製作を進め、1931年から1932年のシーズンではルゴシが主演となった。^{[34] [35]}イギリスの映画監督ジェイムズ・ホエールが監督し、ボリス・カーロフが怪物役で主演した『フランケンシュタイン』もユニバーサルにとってヒットとなり、『ドラキュラ』と『フランケンシュタイン』の両方でルゴシとカーロフがそれぞれ映画スターになった。^{[36]カーロフは}『フランケンシュタイン』ではセリフを一切話さなかったが、ユニバーサル社の『ミイラ再生』（1932年）ではセリフを話すことを許された。ニューマンは、この映画はスタジオ側が「何が得られるか分かっていた」ため『ドラキュラ』の筋書きに近いパターンで映画を作ったと述べ、歴史家のグレゴリー・W・マンクはこの映画を「フランケンシュタインの後にボリス・カーロフがスターダムにのし上がるために必要としたワンツーパンチ」と呼んだ。 ^{[37] [36]ルゴシとカーロフは1930年代に}『黒猫』（1934年）や『大鴉』 （1935年）などポーの映画化作品や『見えない光線』（1936年）などの他のホラー映画で共演した。 ^[38]

『魔人ドラキュラ』公開後、『ワシントン・ポスト』紙は同映画の興行的成功が類似映画のサイクルを生んだと断言し、『ニューヨーク・タイムズ』紙は1936年の概要記事で『魔人ドラキュラ』とトーキー映画の登場が「これらの怪奇スリラーの真の勝利」の始まりだったと述べた。^[39]他のスタジオも独自のホラー映画プロジェクトを開発し始め、メトロ・ゴールドウィン・メイヤーは『ジキル博士とハイド氏』（1931年）と『狂気の愛』（1935年）を、パラマウント映画は『魂の島』（1932年）と『動物園殺人事件』（1933年）を、ワーナー・ブラザースは『ドクターX』（1932年）と『蝋人形の謎』（1933年）を製作した。^[40]ユニバーサルもホエールの『暗い家』（1932年）と『透明人間』（1933年）、『フランケンシュタインの花嫁』（1935年）を続編として製作した。^{[36] [40]} RKO映画もキングコング（1933）で独自のモンスター映画を開発していたが、ニューマンはドラキュラやフランケンシュタインシリーズよりもアーサー・コナン・ドイルの失われた世界^{に近いと感じていた。 [41]}その他の製作には、アメリカの独立系企業、例えばハルペリン・オーガニゼーションがルゴシ主演のホワイト・ゾンビ（1933）を製作し、その成功によりブードゥー関連の映画シリーズ、ドラムス・オ・ブードゥー（1934）やブラック・ムーン（1934）やウアンガが製作された。^{[38]アメリカ国外でも、カーロフ主演のイギリス映​​画}グール（1933）やトッド・スローターの映画などが製作された。^[42]

この時代のホラー映画の多くは世間の非難を招き、検閲官は『フランケンシュタイン』『魂の迷い子』『黒猫』などの映画から、より暴力的で陰惨なシーンの多くをカットした。^{[43] [44} ] 1933年、英国映画検閲委員会（BBFC）は「16歳未満の子供を怖がらせたり戦慄させたりしそうな映画」に対して「恐ろしい」というラベルの付いた映画に「H」評価を導入した。 ^[45] 1935年、BBFC会長のエドワード・ショートは「これらの[恐ろしい]映画のために別のカテゴリが設立されたが、残念ながら増加していると聞いている...プロデューサーとレンタル業者がこの警告の言葉を受け入れ、可能な限りこの種の主題を控えるよう願う」と書いた。^[45]イギリスはハリウッドにとって重要な市場であったため、アメリカのプロデューサーはショートの警告に耳を傾け、ハリウッドで製作されるホラー映画の数は1936年に減少した。^[45]業界紙バラエティは、ユニバーサルスタジオが『魔人ドラキュラの娘』 （1936年）公開後にホラー映画を放棄したのは「ヨーロッパ諸国、特にイギリスではこの種の作品に対して偏見がある」ためだと報じた。 ^[45] 10年代後半には、カーロフはモノグラム・ピクチャーズで低予算映画を製作し、ルゴシは生活保護を受けていた。^{[42] 10年代の終わりには、『魔人}ドラキュラ』と『フランケンシュタイン』の再公開が利益を生み、ユニバーサルはルゴシとカーロフの両名を主演とする『フランケンシュタインの息子』（1939年）を製作することになり、ホラー映画の復活のきっかけとなり、1940年代半ばまで続いた。^[46]

『フランケンシュタインの息子』 （1939年）の成功後、ユニバーサル社のホラー映画は『ホラー映画』の著者リック・ウォーランドが「第二の風」と呼ぶものを受け、ホラー映画は1940年代半ばまで猛烈な勢いで製作され続けた。^{[47]ユニバーサル社は1930年代のホラー作品を参考にして、} 『透明人間』（1940年）や『ミイラの手』 （1941年）などの新作を製作した。^[48] 『怪物』（1941年）はユニバーサル社のホラー作品にとって極めて重要な作品で、俳優ロン・チェイニー・ジュニアが登場した。チェイニー・ジュニアは『二十日鼠と人間』（1939年）のレニー・スモール役で注目されていた。ユニバーサル社は、A級映画でもB級映画でも目立った活躍がなかったカーロフに代わる新スターとしてチェイニーを起用する可能性を見出していた。^{[49]チェイニー・ジュニアは}『狼男』シリーズに出演し、10年間ホラースターになった。『ミイラ再生』シリーズではミイラ役を3回、『フランケンシュタインの幽霊』 （1942年）ではフランケンシュタインの怪物、『魔人ドラキュラの息子』（1943年）ではドラキュラ伯爵を演じた。^[48]ユニバーサルはまた、猿女ポーラを描いた3部作『囚われの野女』（1943年）などの新しいホラーシリーズも制作した。ユニバーサルは、俗に「モンスター・ラリー」映画と呼ばれたホラーシリーズ同士のクロスオーバーを開始した。 ^{[50] [48]}フランケンシュタインの怪物と狼男が出会う『フランケンシュタインと狼男』 （1943年）に始まり、ドラキュラ伯爵を含むクロスオーバーは1940年代に『フランケンシュタインの館』（1944年）や『魔人ドラキュラの館』（1945年）と続いた。 ^[48] B級映画スタジオもユニバーサルのホラー作品のスタイルを模倣した映画を製作した。カーロフはコロンビア映画で『絞首刑にできない男』 （1939年）から「気違い医者」タイプの役で様々な映画に出演し、一方ルゴシはユニバーサルとプロデューサーズ・リリーシング・コーポレーション（PRC）で『悪魔のバット』 （1941年）を、モノグラムで9本の長編映画を製作するなど貧困層のスタジオで活動した。^[51]

1942年3月、プロデューサーのヴァル・リュートンは独立系プロデューサーのデヴィッド・O・セルズニックとの仕事関係を終わらせ、RKOラジオ・ピクチャーズのチャールズ・コーナーのもとで働き、 B級ホラー長編映画を開発するために作られた新しいユニットの責任者になった。 ^{[52] [53]リュートンの最初のホラー作品である}キャット・ピープル（1942年）の脚本家であるデウィット・ボディーンによると、ボディーンはイギリスとアメリカのホラーやサスペンス映画を見て、「私たちがやりたくないものの典型」だと感じたという。^[54]一方、監督のジャック・ターナーは、リュートンが「スタジオが期待するような安っぽいホラー映画ではなく、知的で趣味の良いもの」を作ることを決めたことを思い出した。^[54]ニューマンは後に『キャット・ピープル』やリュートンの他のホラー作品『ゾンビと歩いた』（1943年）や『第七の犠牲者』（1943年）を「洗練され、破滅に取り憑かれ、詩的」と評し、映画評論家のロジャー・エバートは リュートンが1940年代に制作した映画を「アメリカ映画史における画期的な作品」と評した。^{[55] 1940年代のホラー映画には}『キャット・ピープル』から借用したものがいくつかあり、具体的には『ジャングル ・ウーマン』（1944年）、 『怪物の魂』 （1944年）、『帰ってきた女』（1945年）、 『ロンドンのシー・ウルフ』 （1946年）、『猫が這い寄る』（1946年）、 『クリーパー』 （1948年）で、怪物に変身する性癖を受け継いだのではないかと恐れる女性キャラクターが登場したり、映画の陰のあるビジュアルスタイルを再現しようと したりしている。^[56]

1946年4月、ハリウッド・リポーター誌は、ホラー映画が「大人の支持が高まり」、予算と水準が高まったため「普遍的な魅力」を獲得していると発表した。^[57]ローズとカフェンバーガーは記事の中でホラーという用語の柔軟性を指摘し、特に『らせん階段』や『ベッドラム』（1946年）のような映画に言及した。^[58]同誌はまた、アルフレッド・ヒッチコックの『白い恐怖』や『少女と悪魔』（1944年）や『真夜中の殺人』（1945年）のような外国映画もホラーという用語で言及した。^[58] 1946年、『狼男』 （1941年）などの映画の脚本家カート・シオドマクは「ホラーがトッププロダクションの金色の門をくぐると、『心理スリラー』として称賛される」と述べた。しかし、どんな名前で呼ばれてもバラはバラである...」^[59] 1947年から1951年の間、ハリウッドではほとんど新しいホラー映画が作られなかった。^[60]この期間中、アメリカのスタジオはユニバーサルやモノグラムなどのスタジオによる過去のホラー映画作品を再公開していた。^[61]劇場入場者数の減少により興行収入が急落し、モーション・ピクチャー・ヘラルド紙は、 MGM、パラマウント、RKO、20世紀フォックス、ユニバーサル、ワーナー・ブラザース、PRCを含む11の大手製作配給会社のうち7社が過去のシーズンの映画を再公開すると報じた。^[61] 1947年から1951年の間に、少なくとも25本のベラ・ルゴシのホラー映画が劇場で再公開された。^[62]

研究によれば、ゴシックホラーは『魔人ドラキュラの館』（1945年）から『フランケンシュタインの呪い』 （1957年）の公開の間に廃れていたが、 『ジキル博士の息子』（1951年）、『奇妙な扉』（1951年）、『黒い城』（1952年）、 『蝋人形の館』 （1953年）などの映画でこのジャンルの痕跡が垣間見えた。^[63]ハマー・フィルム・プロダクションのゴシック映画が公開される前、1950年代の最後のゴシックホラー映画には、エド・ウッドやレジナルド・ルボーグなどの低予算のインディーズ映画監督やハワード・W・コッホなどのプロデューサーが制作した映画に、ベラ・ルゴシ、ロン・チェイニー・ジュニア、ボリス・カーロフなどの年老いたスターがよく出演していた。^[64]ハマーは1950年代初頭にアメリカ風のSF映画の開発を開始しましたが、後にカラー映画『フランケンシュタインの呪い』と『魔人ドラキュラ』（1958年）でホラー映画にも進出しました。^{[64] [65]これらの映画から、}クリストファー・リーとピーター・カッシングという2人のホラー映画スターが誕生しました。^{[65]ハマーのよりSF志向のシリーズ}『クォーターマス』とともに、ゴシック映画とSF映画の両方で、ハマーの同様の映画が数年の間に数多く開発されました。^[65]

1950年代の最も影響力のあるホラー映画の一つに『遊星からの物体X』（ 1951年）があり、ニューマンは1950年代の無数のSFホラー映画がそのスタイルを踏襲するだろうと述べているが、映画『遊星からの物体X』（1951年）は、ひげを生やした科学者と霧のかかったセットというユニバーサルホラースタイルの撮影に依拠していた。^[66] 『遊星からの物体X 』の公開から5年間、エイリアン、恐竜、放射能を帯びた突然変異体が登場するほぼすべての映画は、 『遊星からの物体X』に見られるような淡々としたキャラクターで扱われるようになった。^[66]古いキャラクターを採用した映画でさえ、SF的な傾向があり、 『吸血鬼』（1957年）、『狼男』（1956年）、『フランケンシュタイン』（1958年）は、当時の原子に触発されたモンスターの影響を受けていた。^[67]ジキル博士とハイド氏の奇妙な事件をテーマにした映画には、 『ネアンデルタール人』（1953年）、『蠅男』 （1958年）、『怪物キャンパス』（1958年）、『醜い太陽の悪魔』（1958年）などもあった。^[67]小さなトレンドとしては、ユニバーサル・インターナショナルが制作した映画『コブラのカルト』 （1955年）があり、ピンナップモデルのようなミュータントを登場させた『ヒル女』（1960年）や『ワスプ女』 （1959年）などのホラー映画の一時的な波を生み出した。^[64]

1950年代の映画には、その時代の映画製作スタイルが反映されている。その中には、『マッド・マジシャン』（1954年）、『モルグ街の怪人』（1954年）、『迷宮』（1953年）など、3Dで撮影されたホラー映画も含まれている。 ^[64]ウィリアム・キャッスル監督も、 『ティングラー』（1959年）、『呪われた家』（1959年）など、映画館で起こる小道具や特殊効果を使ったギミックをテーマにしたホラー映画でホラー観客を魅了した。^[65] 10代のモンスターをフィーチャーした若い観客向けのホラー映画は、アメリカン・インターナショナル・ピクチャーズ（AIP）のいくつかの作品や、ハーマン・コーエンの『私はティーンエイジ・ウェアウルフ』（1957年）や『私はティーンエイジ・フランケンシュタイン』（1957年）によって1950年代に人気を博した。^[65]これがきっかけで『ジキル博士の娘』（1957年）や『フランケンシュタインの娘』（1958年）が製作された。^{[65]ホラー映画は1950年代にはメキシコの}『エル・ヴァンピーロ』（1957年）など国際的な製作にも拡大した。 ^[65]イタリアでは、リッカルド・フレダとマリオ・バーヴァが『ヴァンピーリ』（1957年）や『カルティキ 不死の怪物』 （1959年）で初期のイタリア製ホラー映画を開発した。^[68]製作はフィリピン（『恐怖は人間』（1959年））、ドイツ（『ヘッド』（1959年）、『蜘蛛島の恐怖』（1960年））、フランス（『顔のない目』（1960年））にも広がった。^[68]

ニューマンは、ホラー映画は1960年に劇的な変化を遂げたと述べている。具体的には、ロバート・ブロックの小説に基づいたアルフレッド・ヒッチコックの映画『サイコ』（1960年）である。ニューマンは、この映画が多重人格の連続殺人犯という概念を高め、それ以前のメロドラマやフィルム・ノワールである『ハングオーバー・スクエア』（1945年）や『街が眠る間に』（1956年）でしか触れられていなかった将来の映画の雰囲気を作ったと断言した。^{[69] [70]} 『サイコ』の公開は、登場人物の精神病を描いた同様の映画を生み、例えば『ジェーンに何が起きたのか』（1962年）やブロック脚本のウィリアム・キャッスルの『ストレイト・ジャケット』 （1964年）などがある。^[70] 『サイコ』 の影響は1970年代まで続き、 『恐怖の味』 （1961年）、『パラノイアック』（1962年）、『プリティ・ポイズン』 （1968年）などの映画にも影響を与えた。^[70]サイコの後、ジャック・クレイトンの『無垢』（1961年）やロバート・ワイズの『ホーンティング』（1963年）など、ニューマンが「荘厳で上品な」ホラー映画と表現した作品が短期間再登場した。^[71]アメリカ国外では、日本が批評家から絶賛された映画をリリースした。例えば、小林正樹の『怪談』（1965年）は、カンヌ映画祭で審査員特別賞を含む国際的な賞を受賞し、アカデミー賞外国語映画賞にノミネートされた。^[72]ニューマンは、ロマン・ポランスキーの『ローズマリーの赤ちゃん』（1968年）を、サイコに続く1960年代のもう1つの「出来事」ホラー映画と表現した。^{[73]悪魔的なテーマを含む}『ローズマリーの赤ちゃん』の物語の影響は、1970年代の『エクソシスト』（1973年）や『オーメン』 （1976年）などの映画まで感じられなかった。^[73]

ロジャー・コーマンはAIPを説得して2本の安価な白黒ホラー映画を製作させ、この2本の製作費を使ってカラー映画『アッシャー家の館』（1960年）を製作した。この映画はコーマンによるポー作品の翻案サイクルを生み出し、『落とし穴と振り子』（1961年）、 『テイルズ・オブ・テラー』（1962年）、『大鴉』（1963年）などがあり、カーロフやチェイニー・ジュニアなど老年のホラースターに役を与えた。これらの映画は、ホラースターのカッシングやフィッシャーを起用したイギリスのハマー社によるカラーホラー映画に対抗するために製作された。ハマー社は1958年から1973年にかけてフランケンシュタインシリーズを数本製作する一方で、『レプタイル』（1966年）や『疫病神ゾンビ』（1966年）などの単発作品も製作していた。ハマーの競合は1960年代半ばにイギリスでアミカス・プロダクションの『ドクター・テラーの恐怖の館』（1964年）などにも見られ、クッシングやリーも出演していた。 ^{[69]ハマーと異なり、アミカスはブロック（} 『髑髏』（1965年）や『拷問の庭』 （1967年）） などの同時代の作品を題材にしており、それがハマーの脚本によるデニス・ホイットリー（『悪魔の乗り物』（1968年））につながった。^[69]

マリオ・バーヴァの『黒い日曜日』（1960年）は、映画における暴力シーンの増加を示した。^[74]バーヴァの映画以前には、フィッシャーの初期のハマー映画が限界に挑戦していた。『フランケンシュタインの呪い』では怪物の恐ろしさを表現するためにメイクアップに頼り、『ドラキュラ』では残酷なシーンが英国映画検閲委員会によってカットされ、 『バスカヴィル家の犬』 （1959年）の背景にある暴力は主にナレーションで伝えられた。^[75] 『黒い日曜日』より1週間早く公開された『サイコ』 （1960年）の暴力は暗示によって描かれ、有名な「シャワーシーン」では高速カットが使われた。^{[74]これとは対照的に、} 『黒い日曜日』では暗示なしに暴力が描かれた。^{[74]このレベルの暴力は、後に}スパゲッティウエスタンやジャッロなど、他のイタリアのジャンルの映画にも見られるようになり、バーヴァ自身の『血と黒レース』（1964年）やダリオ・アルジェントとルチオ・フルチのジャッロが含まれる。^[74] 1960年代の他の独立系作品は、映画に示された残虐性をさらに広げ、後にスプラッター映画と呼ばれるジャンルとなった。『血の饗宴』などのハーシェル・ゴードン・ルイスの映画は、アンディ・ミリガンやテッド・V・ミケルズのような同様の考えを持つ独立系監督による同様の作品の制作につながった。^[73]ニューマンは、これらの独立系映画の真のブレークスルーは、権威者への疑い、社会のタブーの破壊、そしてよりサスペンスに満ちた場面の合間に風刺的な、ホラー映画の新しい姿勢を確立したジョージ・A・ロメロの『ナイト・オブ・ザ・リビングデッド』（1968年）であると考えた。^[73

『ブラック・サンデー』はエロティシズムとホラーの融合、特に拷問された肉体のエロティシズムに焦点を当てており、この傾向はフランスのジャン・ロランやスペインのヘスス・フランコなど他のヨーロッパのホラー映画監督も追随した。^[74]フランコは1960年代からホラー映画を何本か製作し、『顔のない目』 （1960年）のプロットを『恐ろしいオルロフ博士』 （1962年）に借用した。一方、脚本家で俳優のハシント・モリーナはポール・ナッシー名義で『男のマルカ・デル・ホンブレ・ロボ』（1968年）などユニバーサル作品から登場人物を借用してスペインのホラー映画を展開し始めた。^[70]

歴史家のジョン・ケネス・ミューアは、1970年代をホラー映画にとって「真に折衷的な時代」と表現し、斬新でより個人的な作品が混在する一方で、1930年代や1940年代から登場してきた古いキャラクターが復活したと指摘している。^[77] 『ナイト・オブ・ザ・リビングデッド』は、ニューマンが言うところの「ゆっくりと燃え上がる影響」をその時代のホラー映画に及ぼした。『マンチェスター・モルグのリビングデッド』（1974年）のようにゾンビの枠組みをそのまま取り入れたものもあれば、ニューマンが言うところの「このジャンルの最初の監督」となり、ホエール、リュートン、テレンス・フィッシャーといった過去の偉大なジャンル監督がスタジオ内で働いていたことを発見した作品もあった。^{[78]これらには、}ジョン・カーペンター、トビー・フーパー、ウェス・クレイヴン、ブライアン・デ・パルマといったアメリカ人監督だけでなく、ボブ・クラーク、デヴィッド・クローネンバーグ、ダリオ・アルジェントといったアメリカ国外で活動する監督も含まれている。^[78] 『ナイト・オブ・ザ・リビングデッド』以前は、ホラー映画のモンスターは映画の終わりまでに簡単に追い払われたり倒されたりしていたが、ロメロの映画や他の映画監督の映画では、エンドロールの後にもまだ別の恐怖が残っていることが示唆されることが多かった。^[76]

1970年代もホラー映画は世界中で製作され続けた。^[79] イギリスでは、アミカスが『Tales from the Crypt』（1972年）などのユーモアたっぷりのホラーアンソロジーの製作に注力した。^[80]このスタジオは1970年代半ばまでにホラー映画の製作を中止し、1977年に閉鎖した。^[81] 1970年代までには、ハマー・フィルムズは映画を別の方向に推し進め、例えば『The Vampire Lovers』（1970年）、『Lust for a Vampire』（1970年）、『Twins of Evil』（1971年）では吸血鬼がレズビアンであると暗示されるようになった。^{[82]ハマーの『ドラキュラ』シリーズは}『ドラキュラAD1972』（1972年）とその続編『The Satanic Rites of Dracula』 （1973年）で現代設定にアップデートされ、その後リーはドラキュラ役から引退した。^[83]ハマーは1970年代に長編映画の製作を中止した。^[80] イタリア映画産業におけるその他の小規模なブームとしては、アルジェントの『水晶の羽の鳥』 （1970年）があり、イタリアでジャッロ映画の流行を生み出した。^{[84] [85]イタリアでは、}人食い人種、ゾンビ、ナチスを扱った映画などの小規模な流行が生まれ、ニューマンはこれを「評判の悪い流行」と表現した。^{[79] 1970年代のいくつかの映画は、エロティシズムをホラーと}ポルノ映画のハイブリッド の域にまで押し上げた。^{[78] 10年代の終わりに向けてのゾンビ映画の台頭は、ロメロの}『ナイト』に続く『ゾンビ』（1978年）によって引き起こされた。^[86]

1970年代には、ホラー映画のリメイクとして『怪盗グルーのミニオン危機一発』（1978年）やドラキュラを題材にした物語が人気を博し、ジョン・バダム監督の『魔人ドラキュラ』（1979年）やヴェルナー・ヘルツォーク監督の『吸血鬼ノスフェラトゥ』 （1979年）など、1970年代後半まで続いた。^{[87] [88]}その他のアメリカ作品でも、現代に吸血鬼を登場させた『ヨルガ伯爵、吸血鬼』（1970年）や『ブラキュラ』（1972年）がある。^{[83] [89]} 『ブラキュラ』は、『スクリーム』『ブラキュラ・スクリーム』（1973年）、『ブラケンシュタイン』（1973年）、『ガンジャ・アンド・ヘス』（1973年）といったタイトルで、ブラックスプロイテーション映画とホラー映画を組み合わせたサイクルのきっかけを作った。^[89]ヨーロッパの製作でも、ポール・モリッシーの『ドラキュラの血』（1974年）や『フランケンシュタインの肉体』（1973年）など、ドラキュラとフランケンシュタインを題材にした作品が続き、どちらも物語のエロティシズムを掘り下げている。^[89]公式のリメイクではないが、この10年間で最後の高収益ホラー映画となった『エイリアン』 （1979年）は、『イット！宇宙からの恐怖』 （1958年）などの映画からB級映画の要素を取り入れている。^[86]

エクソシスト（1973年）は、ハリウッドがホラー映画製作に復帰したきっかけとなった映画だとニューマンは述べた。 ^{[79]ニューマンは、}ローズマリーの赤ちゃんと共に、この映画は当時のニューハリウッド運動の一部であった「気骨とリアリズム」を持ち、「ニュアンスに富んだ演技」とスター以外の俳優を起用していると評した。 ^[79] 70年代には、アメリカではアビー（1974年）やオーメン（1976年）、イタリアではデボラに黒いリボン（1974年）など、エクソシストのような宗教的モチーフ^{を取り入れた映画がいくつか製作された。 [79]} 1988年、ニューマンは後に、このサイクルは「すぐに燃え尽きた」と述べ、ほとんどの映画がローズマリーの赤ちゃんから借用し、サイクルで最後にエクソシストから借用したのはアミティヴィル2: 憑依（1982年）だった^{。 [90]}

1963年、ヒッチコックは『鳥』（1963年）で、自然が人類に復讐するという新しいジャンルを確立し、これは1970年代までトレンドとして広がりました。殺人ネズミを扱った映画『ウィラード』（1971年）の成功に続き、1972年には『スタンリー』（1972年）と公式続編『ベン』（1972年）という同様の映画が製作されました。^[91] 『レプスの夜』（1972年）、 『フロッグス』（1972年）、『バグ』（1975年）、『スクワーム』 （1976年）などの他の映画もこれに続き、ミューアがこのジャンルの「転換点」と表現した『ジョーズ』（1975年）は当時最高の興行収入を記録し、動物による攻撃のジャンルを「ファンタジー色が薄れていく方向」へと導き、巨大動物の登場が少なくなり、『グリズリー』（1976年）、『ナイト・クリーチャー』（1977年）、『オルカ』（1977年）、 『ジョーズ2』（1978年）などの現実の生き物が登場するようになった。^{[91] [92] [93]}ニューマンは『ジョーズ』を「衝撃の協奏曲」と表現し、その印象的な音楽テーマや、怪物が『サイコ』のノーマン・ベイツのような社会の産物でも『悪魔のいけにえ』 （1974年）のような家族の産物でもないことを指摘した。これらの要素はカーペンターのハロウィン（1978年）にも引き継がれた。 ^[79]ニューマンは、エイリアン、ジョーズ、ハロウィンなどの興行収入の高い映画が「高度な視覚的洗練を伴う容赦ないサスペンスマシン」に基づいたヒット作だったと述べた。^[86]デ・パルマのもう1つの主流のヒット映画であるキャリー（1976年）とともに、ハロウィンはティーンエイジャーがホラー映画の常に存在する主役になるというトレンドの始まりとなった。一方、キャリー自体は、ニューマンが超自然的なプロットに「夢の論理」を持っていると表現した映画であり、それはアルジェントの映画サスペリア（1977年）やインフェルノ（1980年）のプロットにも引き継がれ、ニューマンが「物語の意味をなさない」プロットと表現するほどに物語の論理が押し進められた。^[94]

1980年代は、1960年代初頭以来初めて、はるかに緩やかに組織化されたファンのコミュニティが台頭したホラー映画ファンの時代であり、シネファンタスティック、ファンゴリア、スターバーストなどのファンジンや雑誌の発行が増加し、ショック・アラウンド・ザ・クロックやデッド・バイ・ドーンなどのホラー映画祭が発展した。^[95]ホームビデオの登場により、ホラー映画は英国で「ビデオ・ナスティ」として攻撃され、警察にコレクションを押収されたり、ホラー映画の販売や所有で投獄されたりした。^[96]ニューマンは、ビデオ・ナスティ問題への対応により、ホラー映画は「前の10年よりもつまらなくなり」、残酷さは減ったものの、「より軽薄になり[...]使い捨てになり、個人的な作品ではなくなった」と述べた。^{[97] [96]ニューマンは、カーペンター、クローネンバーグ、フーパーなど1970年代にオリジナル作品を制作した監督たちは、1950年代のホラー作品を}スティーブン・キングの映画化やリメイクする際に、少なくとも一時的には「安全策をとった」と指摘した。^[98]

イタリアでは、イタリア映画産業は徐々にテレビ向け映画製作へと移行していった。^[99] 10年はアルジェントの『インフェルノ』（1980年）の高予算製作で始まり、マリオ・バーヴァの死去により、フルチは歴史家ロベルト・クルティが「1980年代初頭のイタリアで最も著名なホラー映画監督」と呼ぶ人物となった。^[100] 1980年代初頭にはフルチらによるゾンビ映画が数本イタリアで製作され、アルジェントはランベルト・バーヴァらの映画を監督・製作し続けた。^[100] 10年の終わりにフルチの健康が悪化すると、多くの監督がジョー・ダマートのフィルミラージュ社向けのホラー映画、独立系映画、テレビやホームビデオ向けの作品に目を向けた。^{[101] [102]}

1980年代には、ドラキュラやフランケンシュタインの怪物といった古いホラーキャラクターは、『モンスター・スクワッド』（1987年）や『蝋人形の国』（1988年）といった懐かしい映画以外では、映画にほとんど登場しなかった。吸血鬼をテーマにした映画は、アン・ライスなどの作家の伝統を引き継ぎ、疫病や呪いではなく、ライフスタイルの選択として吸血鬼化を描いたものが多かった。^{[103]これは、} 『ハンガー』（1983年）、『ロストボーイ』（1986年）、『ニアダーク』（1986年）といった映画に反映されている。 ^[103] 1980年代には、肉体の変容や男性が狼になる映画が数多く制作された。^[104]ロブ・ボッティンやリック・ベイカーのような特殊効果およびメイクアップアーティストは、『狼男アメリカン』や『ハウリング』のような映画で狼男のような生き物のより詳細で生々しい変身シーンを可能にした。一方、『オルタード・ステーツ』（1980年）や『遊星からの物体X 』 （1982年）、『ヴィデオドローム』（1983年）、『ザ・フライ』（1986年）のような映画では、人間の体が様々な形で変身する様子が描かれている。^{[105] 1980年代には、予想外のヒット作『}カミング・アウト』 （1981年）に続いて、3D映画の復活を遂げた続編がいくつかあった。これらには、 『13日の金曜日 PART3』（1982年）、『パラサイト 半地下の家族』（1982年）、『ジョーズ 3-D 』（1983年）などがある。^[106]

フランケンシュタインの怪物やドラキュラに代わったのは、ジェイソン・ボーヒーズ（13日の金曜日）、マイケル・マイヤーズ（ハロウィン）、フレディ・クルーガー（エルム街の悪夢）といった、より一般的な名前を持つ新しい人気キャラクターたちだった。吸血鬼や狂気の科学者によって作られた過去のキャラクターとは異なり、これらのキャラクターは一見普通の名前を持つ人々であり、その時代のスラッシャー映画のジャンルを発展させた。 ^[107]このジャンルに関する著書の中で、作家のアダム・ロックオフは、これらの悪役は「タフで、問題が多く、激しく個人主義的な」映画の「ならず者ジャンル」を代表していると述べた。 [ ^{108] 1980年の}『13日の金曜日』の興行的成功に続いて、1980年だけで少なくとも20本のスラッシャー映画が公開された。^[96]これらの映画は、通常、5つの要素を中心に展開していた。それは、ユニークな社会設定（キャンプ場、学校、休日）と過去に犯された犯罪（事故による溺死、不貞、軽蔑された恋人）、そして、用意された犠牲者のグループ（キャンプカウンセラー、学生、結婚式のパーティー）である。^[109]このジャンルは、エバートのような当時の同時代の映画評論家から嘲笑されたが、興行収入では非常に利益を上げることが多かった。^[110]

幽霊屋敷、幽霊、悪魔憑きなど、超自然的なテーマの映画など、他のより伝統的なスタイルは1980年代まで続いた。^[111]このスタイルの最も人気のある映画には、スタンリー・キューブリックのシャイニング（1980）、フーパーの高収益のポルターガイスト（1982）、アミティヴィル・ホラー映画シリーズの映画などがある。^[112]スティーブン・キングの小説に基づいたシャイニングやキャリーなどの 映画の公開後、彼の小説のさらなる映画化につながった。例えば、クージョ（1983）やクリスティーン（1983）やデッドゾーン（1983）やファイアスターター（1984）やトウモロコシ畑の子供たち（1984）など。^{[113] [114]}キングは1986年にマキシマム・オーバードライブ で自分の映画を監督した。^[115]

1990年代のホラー映画は、1960年代や1970年代ほど多くの新しい監督を輩出できなかった。^[116]ケヴィン・スミス、リチャード・リンクレイター、マイケル・ムーア、クエンティン・タランティーノなどの若い独立系映画監督は、サンダンス映画祭などのジャンルにとらわれない映画祭でジャンル外の映画界に進出した。 [ ^{117]ニューマンは、1990年代前半は「ホラーにとって良い時期ではなかった」と述べ、}エクソシスト3（1990年）やアミティヴィル1992: 思いがけない冒険（1992年）などの続編の過剰や、悪魔のいけにえ、13日の金曜日、エルム街の悪夢などの続編の再登場を指摘した。^{[118]ミュアは、}冷戦終結後の1990年代、アメリカには国際的に「深刻な敵」がいなかったため、ホラー映画は主にアメリカ国内の架空の敵を題材にしたものとなり、アメリカ政府、大企業、宗教組織、上流階級、さらには吸血鬼や悪魔崇拝者などの超自然的・オカルト的なものが1990年代のホラーの悪役として登場したとコメントしている。^[119]

ミューアは、1990年代はそれ以前のどの10年よりもジャンルの境界が曖昧になり、既存のジャンルを超越した時代だったと述べている。このことが、アメリカ社会におけるホラー映画を考察したウェス・クレイヴンの『ニュー・ナイトメア』（1994年）、現実をホラー映画に変えた『イン・ザ・マウス・オブ・マッドネス』（1995年）、過去のホラー映画に何度も言及した『スクリーム』（1996年）などのポストモダンホラー映画につながった。 ^[120]ケヴィン・ウィリアムソン脚本の『スクリーム』の公開は、ウィリアムソン脚本の『ラストサマー』（1997年）を含むスラッシャー映画の一時的な復活につながった。^{[121] 1990年代に人気があったが、}スクリーム以降の映画ほど目立たなかった他のスタイルのティーン向けホラーには、超自然的な若者を描いた映画である『鏡、ミラー』（1990年）や『干し首』（1994年）があり、これらの映画の中で最も人気があったのは『ザ・クラフト』（1996年）だった。^[122] 1990年代の文化的対立は、この時代を代表するホラー映画の多くで背景となった。^[123] 『アンボーン』（1991年）や『エイリアン3』 （1992年）に見られる中絶の問題や、『ボディ・スナッチャー』（1993年）などの政治的妥当性に関する問題から、『ピープル・アンダー・ザ・ステアーズ』（1991年）、『テイルズ・フロム・ザ・フッド』（1995年）、『ヴィレッジ・オブ・ザ・ダムド』（1995年）に見られる積極的差別是正措置、福祉、人種関連の問題まで多岐にわたる。^[124]インサイド・エディション、アメリカズ・モスト・ウォンテッド、ジェリー・スプリンガー・ショー、ジェラルド＆ドナヒューなどの他のテレビ番組の台頭により、ホラー映画では、マンズ・ベスト・フレンド（1993年）、スクリーム（1996年）、ナイトフライヤー（1997年）などの映画で、ニュースキャスターやテレビのタブロイド紙の司会者が主人公や脇役として登場することが多くなった。 ^[125] 1990年代のインターネットによる技術の急速な成長と、2000年問題が世界の終わりをもたらすのではないかという恐怖は、ローンモワーマン（1992年）、ブレインスキャン（1994年）、エンド・オブ・デイズ（1999年）などの映画のストーリーに反映された。^[126]

フランシス・フォード・コッポラの『魔人ドラキュラ』 （1992年）の公開に続いて、1990年代には高予算のゴシックホラーロマンス映画の小規模な波が公開された。これには、 『インタビュー・ウィズ・ヴァンパイア』（1994年）、『フランケンシュタイン』（1994年）、『ウルフ』（1994年）、『メアリー・ライリー』 （ 1996年）などがある。^[127] 1990年代の終わりまでに、ニューマンが「文化現象」と表現した3本の映画が公開された。^[128]これらには、韓国映画『ささやく回廊』（1998年）とともにアジア全土で大ヒットし、アジア諸国で続編や同様の幽霊物語が作られるきっかけとなった中田秀夫の『リング』（ 1998年）が含まれる。この映画が西洋世界に広まったのは1990年代に入ってからである。2番目の大ヒット作は『シックス・センス』で、これもまたゴーストストーリーで、ニューマンはこれを「即席の決まり文句」のようなどんでん返しの結末だと表現した。^[128]最後のヒット作は低予算のインディーズ映画『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』（1999年）だった。 ^[128]

ニューマンは、2000年代のホラー映画の最初のトレンドは『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』の成功に続いたが、主にパロディ形式だったと述べている。『ボガス・ウィッチ・プロジェクト』（2000年）、『ブレア・アンダーウッド・プロジェクト』（2000年）、ポルノの『エロティック・ウィッチ・プロジェクト』 （2000年）。他の映画には『ブレア・ウィッチ・プロジェクト』と似たプロットの『セント・フランシスヴィル・エクスペリメント』 （2000年）など、同様の低予算の模倣作品もあった。^[129]アレクサンドラ・ヘラー・ニコラス氏は、 2006年にYouTubeなどのサイトが人気になったことでアマチュアメディアへの関心が高まり、その後10年間で『REC』（2007年）、『ダイアリー・オブ・ザ・デッド』（2007年）、『クローバーフィールド』（2008年）や特に興行的に成功した『パラノーマル・アクティビティ』 （2007年）といったファウンド・フッテージホラーのジャンルの映画がさらに製作されたと指摘した。^[130] 『パラノーマル・アクティビティ』以降、そのスタイルは『ブレア・ウィッチ』のように映像の信憑性で知られるのではなく、むしろ特定の映画スタイルとして知られるようになった。^[130]

ポストモダンホラー映画は2000年代にも『チェリーフォールズ』（2000年）や『サイコ・ビーチ・パーティー』（2000年）と続きましたが、すぐに『絶叫計画』シリーズや『13日の金曜日』（2000年）で純粋なコメディやパロディの領域へと移行しました。^{[131] [122]他のティーン向けシリーズは}『ファイナル・デスティネーション』でこの時代に始まり、一方、ウィリアム・キャッスルの『ホーンテッド・ヒルの館』の1999年のリメイクの成功は、この10年間で『Thi13en Ghosts』（2001年）、『ウィラード』（2003年）、 『ドーン・オブ・ザ・デッド』（2004年）、『ザ・フォッグ』（2005年）、 『プロムナイト』（2008年）、『ラストハウス・オン・ザ・レフト』（2009年）といった一連のリメイクにつながりました。^[132] 2000年代には、ジェイソンX（2001年）、ビヨンド・リ・アニマーター（2003年）、エクソシスト：ザ・ビギニング（2004年）、ランド・オブ・ザ・デッド（2005年）など、長らく休眠状態にあったいくつかの映画シリーズも復活した。 28日後（2002年）、ショーン・オブ・ザ・デッド（2004年）、ドーン・オブ・ザ・デッド（2004年）で見られたゾンビに対する人気と革新的なアプローチは、2000年代にアイ・アム・レジェンド（2007年）、ゾンビランド（2009年）、デッド・スノー（2009年）、ポンティプール（2008年）などのゾンビ映画の復活につながった。^{[133] [134] [135]}

『リング』（1998年）の成功を受けて、香港、韓国、タイ、日本から多くの映画が製作された。 ^[136]これらの映画は主に、女性探偵が様々な捜査方法を用いて悪意のある女性の幽霊に関する謎を解くという内容だった。これらには、『アイ』（2002年）、『ダークウォーター』（2002年）、 『イントゥ・ザ・ミラー』（2003年）などがある。^[136]この傾向は、西洋でも『フィアードットコム』（2002年）、 『ゼイ』（2002年） 、『ゴシカ』 （2003年）などの映画で反映された。ハリウッドも『リング』（2002年）、 『ダークウォーター』（2005年）でこれらの日本映画のリメイクを開始した。^{[137]日本の幽霊物語以外では、アジアの映画産業も『}うずまき』 （2000年）、『ステイシー』（2001年）や三池崇史監督のいくつかの映画で、ニューマンが「奇妙な」ホラー映画と表現したものを開発し始めた。^[137]

ニューマンは、2000年代にイギリスのホラー映画が「ささやかな復活」を遂げたと宣言し、戦争映画に関連したホラー映画が小規模なトレンドとして『ザ・バンカー』（2001年）、『ドッグ・ソルジャーズ』 （2002年）やハリウッド制作の『ビロウ』 （2002年）が見られると述べた。^[137]ディメンション・フィルムが1990年代に制作していた いくつかの独立系映画やホラーのスタイルに挑戦した映画以外では、ニューマンは『マイ・リトル・アイ』（2002年）、『28日後…』（2002年）、『ショーン・オブ・ザ・デッド』（2004年）、『ディセント』（2005年）が新しいイギリスのホラー映画のブレイクスルーだと感じた。^[137]

2000 年代初頭、フランス映画界で「ヌーヴェル・フレンチ・エクストリーミティ」と呼ばれる運動が、映画プログラマーのジェームズ・クワントによって映画によって名付けられ、当初は「あらゆるタブーを破り、内臓と精液の川を渡り、すべてのフレームを肉体、若々しい、または節くれだったもので満たし、あらゆる種類の挿入、切断、汚辱にさらすことを決意した」アートハウス映画を指して呼ばれた^[138]。アレクサンドラ・ウェストは著書「ヌーヴェル・フレンチ・エクストリーミティの映画」の中で、一部の監督が、クレール・ドニの「トラブル・エヴリ・デイ」（2001 年）やマリナ・ド・ヴァンの「イン・マイ・スキン」 （2002 年）など、アートハウスの基準に合致するホラー映画を作り始めたことを発見した。これにより、他の監督が、アレクサンドル・アジャの「ハイ・テンション」 （2003 年）やグザヴィエ・ジャンスの「フロンティア」 （2007 年）など、ウェストが「完全なホラー映画」と呼ぶ映画を作るようになった。ニューフレンチエクストリーミティ運動のホラー映画の中には、Martyrs（2008年）、Inside（2007年）、High Tensionなど、ジャンル別のベストリストに定期的にランクインする作品もある。^{[139]ウェストは、ジャーナリストやファンは、この運動のホラー寄りの映画を、台頭しつつあった「}拷問ポルノ」の「知的な兄弟」と見ていると述べた。^[139]

ニューヨーク・タイムズのデイビッド・エデルスタインは2006年の記事で、2003年以降に遡って描写された40本以上の映画を指す「拷問ポルノ」というジャンルの造語を作った。^{[140]エデルスタインは}『ソウ』（2004年）、『デビルズリジェクト』（2005年）、『ウルフクリーク』 （2005年）などの映画をこの用語でひとまとめにし、観客を「刺激的で衝撃的な」作品として堕落の淵へと追い込み、「何かを感じさせる」ことを示唆した。^[141]この用語は「激しい身体的行為と目に見える身体的表現」として描写され、不安な反応を生む。^[141]ケビン・ウェットモアは、映画『ソウ』シリーズを例に挙げ、これらの映画は9/11後の悲観主義の高まり、具体的には「救いもなく、希望もなく、『大丈夫』という期待もない」という態度を反映していると示唆した。 ^{[142]ニューマンはまた、9/11後のストーリーの傾向として、}シックス・センスやマトリックスのような映画に似た、扱いにくい現実を再構築したりやり直したりする傾向があることを指摘した。この傾向に従ったホラー映画には、アザーズ（2001年）やオーファニッジ（2007年）のような映画での幽霊物語が含まれていた。 ^[136]

映画スタジオのブラムハウスは『パラノーマル・アクティビティ』（2007年）で成功を収めた後、2010年代には映画シリーズ『インシディアス』でヒット作となった作品を作り続けた。^[143]これは、ニューマンが「テーマ上のリスクを伴う商業的手腕がしばしば報われる」と表現した同社の方針につながり、『ゲット・アウト』（2017年）、『透明人間』（2020年）、『ハッピー・デス・デイ』 （2017年）や『パージ』のようなシリーズが含まれる。^{[143] [144]ローラ・ブラッドリーは}ヴァニティ・フェアの記事で、ホラーやジャンル映画を専門としていなかったA24を含む大規模および小規模の映画スタジオの両方がブラムハウスの成功に気づき始め、映画『ウィッチ』（2015年）、 『ヘレディタリー/継承』（2018年）、『ミッドサマー』 （2019年）などの映画でその名前が広まったと述べている。^{[143]ブラッドリーは、これらの映画のいくつかが「}高級ホラー」に分類されているとコメントし、「ホラー愛好家や一部の批評家は、これらの映画がまったく新しいことをしているという考えに反対した」と宣言し、これらの映画のルーツは『ナイト・オブ・ザ・リビングデッド』（1968年）や『ローズマリーの赤ちゃん』（1968年）にあると指摘した。^[143]

2010年代初頭、ヴィルジニー・セラヴィが1970年代の実験やそのサブジャンル、特にフォークホラーに影響を受けたサイケデリックな傾向を示したホラー映画の波が起こった。^[145]この傾向は2本の映画から始まった。 『エンター・ザ・ボイド』 （2009年）と『ビヨンド・ザ・ブラック・レインボー』（2010年）である。これらの映画以降、セラヴィが「悲惨な旅や不気味な夢」のようだと表現した一連の映画が公開された。『ベルベリアン・サウンド・スタジオ』（2011年）、 『アンダー・ザ・スキン』 （2013年） 、 『ウィー・アー・ザ・フレッシュ』（2016年）、『クライマックス』（2018年）などである。^[145]これらの映画は、必ずしも1960年代や1970年代の意識拡張の精神を共有しているわけではない。^[145]こうしたトレンドの理由は、1970年代に育った映画製作者や、アロー・ビデオ、シェイムレス、ニュークリアス・フィルムズなどのホームビデオ配給会社が、サイケデリック時代の奇抜で忘れ去られた映画の復元版をリリースしたことにある傾向がある。^[145]

国際的なストリーミングメディアサービスの拡大がホラーの人気を高めたと考えられている。^[146]ザ・ホーンティング・オブ・ヒルハウスなどNetflixのホラーテレビシリーズがいくつかこのプラットフォームで成功を収め、ブラムハウスは配給のためにAmazonプライムビデオと提携し、 ^[146]ホラー作品を主に扱うストリーミングサービスであるShudderが2015年に開始され、その後数年間で人気が高まった。 ^[147]ストリーミングによって東南アジアのホラー映画、特にジョコ・アンワルのサタンズ・スレーブやインペティゴアなどのインドネシアの作品や、^{[148]マレーシアの}ロへの国際的な注目が高まったとされている。^[7]

スティーブン・キングの小説を原作とした『イット』（2017年）は、米国での公開週末の興行収入が1億2,310万ドル、世界では1億8,500万ドル近くに達し、ホラー映画の興行収入記録を樹立した。 ^[149] 『イット』の成功により、キングの小説がさらに映画化され、 『イット それが見えたら、終わり。』（2019年）、『ペット・セメタリー』（2019年）、『ドクター・スリープ』 ^{（2019年）などがある。 [150]} 2000年代初頭のアジアのホラー映画の台頭に続き、韓国のホラー映画も復活した^[要説明] 。ゾンビ映画『ファイナル・エクスプレス』（2016年）、『ゾンビランドサガ』（2019年）、『半島』 （2020年）や、 『哭声』 （2016年）などのゾンビ関連以外の映画も制作された。^[151]

2020年に始まったCOVID -19パンデミックは映画業界に混乱をもたらし、 A Quiet Place Part II（2020年）やCandyman（2021年）など、いくつかのホラー映画の公開が延期され、Censor（2021年）などの他の映画は製作が中止された。^{[153]ロックダウン中は、架空の黙示録を扱った映画のストリーミングが増加した。 [154]}ファウンドフッテージのホラーは、2020年の隔離期間中に撮影および設定された映画Host（2020年）で、Zoomミーティングのデスクトップを舞台にし^た映画に取り入れられ、ニューマンは、このジャンルの「本当に起こったこと」という側面をさらに高めたと説明した。[ 155 ]その後、Dashcam（2021年）^[156]ニューマンは、21世紀のホラー映画の最も壮大なテーマの一つは崩壊であり、恐ろしい効果とイメージと音が従来のストーリーテリングを圧倒し、悪夢の論理を優先していると主張した。^[157]

ブラムハウスは、2017年の『ハムナプトラ』の公開でダーク・ユニバース・シリーズの立ち上げが中止された後、『透明人間』 ^{(2020年)のような同様の予算の映画をスケジュールすることで、ユニバーサル・ピクチャーズとの関係を深めた。 [144] [158]さらなるフランチャイズの続編や古い物語の繰り返しとしては、ドラキュラや悪魔払い、死霊の}はらわた、インシディアス、スクリーム、ソウなどのシリーズの他のエントリーを含む映画の継続があった。^[157]

• ホラー小説の歴史
• SF映画の歴史
• 恐怖の歴史
• ホラー映画の歴史をイラストで紹介
• ホラー・ノワール：黒人ホラーの歴史
• 恐怖の遺産