アニー・ホール

『アニー・ホール』の構想は、ウディ・アレンが共同脚本家のマーシャル・ブリックマンと共にニューヨーク市内を歩き回っていた時に練られた。二人はこの企画について頻繁に話し合い、時には行き詰まってアイデアを却下することもあった。アレンは4日間で脚本の初稿を書き上げ、ブリックマンに送って修正を依頼した。ブリックマンによれば、この初稿は40代の男性を主人公とし、彼の人生は「いくつかの要素」から成り立っていた。一つは若い女性との関係、もう一つは誰もが送る平凡な人生への懸念、そして三つ目は、自分の性格を証明し、試すことへの執着だった。アレン自身も1975年に40歳になったが、ブリックマンは「年齢を重ねること」と「死への不安」が、アレンの「商業的な側面」を補完する哲学的、個人的なアプローチに影響を与えたのではないかと示唆している。^{[ 15 ] [ 16 ]}アレンは「人間についての物語のために、笑いをいくらか犠牲にする」という意識的な決断を下した。^{[ 9 ]}彼は初めて、完全な大衆向けコメディの安全策を捨てる勇気を持ち、観客にとって栄養のある経験となるような、より深い意味を持つ映画を制作する意志を持ったことを認識した。^{[ 2 ]}彼はまた、同様の個人的な転換期に制作され、両監督の精神分析によって同様に彩られたフェデリコ・フェリーニのコメディドラマ『8 1/2』（1963 年）からも影響を受けた。^{[ 16 ]}

ブリックマンとアレンは、ユナイテッド・アーティスツに400万ドルを要求する準備が整うまで、脚本を何度もやり取りした 。^{[ 16 ]}初期の草稿にあった要素の多くは残らなかった。元々は、コミカルでロマンチックなサブプロットを持つ殺人ミステリーを中心としたドラマだった。^{[ 17 ]}アレンによると、殺人は、映画に残っているシーン、つまりアニーとアルヴィがイングマール・ベルイマンの映画『フェイス・トゥ・フェイス』（1976年）を見逃すシーンの後に起こったという。^{[ 18 ]}殺人の筋書きは削除することにしたが、アレンとブリックマンは何年も後に殺人ミステリー映画『マンハッタン殺人ミステリー』（1993年）を製作し、ダイアン・キートンも主演した。^{[ 19 ]}アレンが映画の編集者であるラルフ・ローゼンブラムに提示した草稿は、「エンディングは撮影予定」という言葉で締めくくられていた。^{[ 20 ]}

アレンは、快感を経験できない状態を表す用語である「快感消失症」を仮題として提案し、^{[ 21 ] [ 22 ]}ブリックマンは「ユダヤ人でなければならなかった」、「欲望という名のジェットコースター」 、「私と私のゴイ」などの代替案を提案した。^{[ 23 ]}ユナイテッド・アーティスツに雇われた広告代理店は、アレンが選んだ難解な言葉を受け入れ、「快感消失症がクリーブランドを襲う！」のような偽のタブロイド紙の見出しのように見える新聞広告を出すことをスタジオに提案した。^{[ 23 ]}しかし、アレンは「不安」や「アニーとアルヴィ」など、5回の試写会でいくつかのタイトルを試した後、「アニー・ホール」に決定した。^{[ 23 ]}

映画の中でアレン自身の人生に言及している箇所がいくつかあることから、自伝的な作品ではないかという憶測が飛び交っている。アルヴィとアレンはどちらもコメディアンだった。学校のシーンでは黒板にアレンの誕生日が書かれており、「アルヴィ」はアレンの幼少期のニックネームの一つだった。^{[ 24 ]}アレンの幼少期の特徴のいくつかは、アルヴィ・シンガーの幼少期の特徴と共通している。 ^{[ 25 ]}アレンはニューヨーク大学に通い、アルヴィもそうだった。ダイアン・キートンの本名は「ホール」で、「アニー」は彼女のニックネームであり、彼女とアレンはかつて恋愛関係にあった。^{[ 26 ]}しかし、アレンはこうした憶測をすぐに否定している。「人々が自伝的だと主張する部分は、ほとんどの場合そうではない」とアレンは語った。「あまりにも誇張されているため、こうした細かなニュアンスが基づいている人々にとってはほとんど意味がない。人々は『アニー・ホール』が自伝的だと信じ込んでしまったが、私はそうではないと説得できなかった」。^{[ 27 ]}さまざまなインタビューアーや評論家とは異なり、アルヴィは自分に最も近いキャラクターではないと彼は言います。彼は次の映画『インテリアズ』で母親（ジェラルディン・ペイジ演じるイヴ）の方に共感しました。^{[ 28 ]}それにもかかわらず、キートンはアルヴィとアニーの関係は、彼女と監督の関係に部分的に基づいていると述べています。^{[ 29 ]}

アニー・ホールの役は、キートンのために特別に書かれたもので、彼女はウディ・アレンと『プレイ・イット・アゲイン、サム』（1972年）、『スリーパー』（1973年）、 『ラブ・アンド・デス』（1975年）で仕事をしたことがある。^{[ 29 ]}彼女は、このキャラクターを自分自身の「愛想の良いバージョン」だと考えており、どちらも「あまり口達者ではなく、歌手になることを夢見ていて、不安を抱えていた」ため、この演技でオスカーを受賞したことに驚いた。^{[ 29 ]}また、この映画はウディ・アレンとトニー・ロバーツの2度目の映画コラボレーションであり、彼らの前作は『プレイ・イット・アゲイン、サム』だった。^{[ 9 ]}

フェデリコ・フェリーニは、映画館のロビーのシーンに出演する人物としてアレンが最初に選んだ人物だった。フェリーニの映画が話題になっていたためである。 ^{[ 18 ]}しかし、フェリーニとルイス・ブニュエルの両方がカメオ出演を断ったため、アレンは文化学者のマーシャル・マクルーハンを選んだ。 ^{[ 30 ]}伝記作家のジョン・バクスターによれば、出演者の中にはアレンの扱い方に不満を抱いていた者もいたという。監督は再撮影のためにカナダから戻らなければならなかったマクルーハンに対して「冷淡な態度」を取り、アルヴィの父親役を演じたモルデカイ・ローナーは、アレンが一度も話しかけてこなかったと主張した。^{[ 30 ]}しかし、製作中にアレンは、ワンシーンに出演するステイシー・ネルキンと2年間の交際を始めた。 ^{[ 30 ]}

主要撮影は1976年5月19日、ロングアイランドのサウスフォークで、アルヴィとアニーが生きたロブスターを茹でるシーンから始まった。撮影はその後10ヶ月間断続的に続けられ、^{[ 31 ]}脚本から頻繁に逸脱した。アルヴィの幼少期の家がジェットコースターの下にあるという記述はなかったが、アレンがウィリスと美術監督のメル・ボーンと共にブルックリンでロケ地を探していたとき、「このジェットコースターを見て、 その下にある家も見た。そして、これは使わなければならないと思った」^{[ 25 ]。}同様に、アルヴィが偶然のくしゃみで大量のコカインをばらまく場面がある。脚本にはなかったが、このジョークはリハーサル中の偶然から生まれ、映画に残った。観客テストでは、この笑いがあまりにも長かったため、次のセリフが聞き取れないように、かなり長い間を加えなければならなかった。^{[ 32 ]}

編集者ラルフ・ローゼンブラムが1976年に最初に編集した映画を見て、ブリックマンはがっかりした。「映画が9つの異なる方向に逸れていくように感じた」とブリックマンは回想している。^{[ 33 ]}「それは小説の最初の草稿のようなもので、そこから2、3本の映画を組み立てることができたかもしれない」^{[ 34 ]}ローゼンブラムは、2時間20分の最初のカットを^{[ 35 ]}「欠陥だらけの人生を追体験し、その過程で我々の文化の多くを風刺する神経質なユダヤ人コメディアンのシュールで抽象的な冒険…視覚的なモノローグであり、『泥棒野郎』のより洗練された、より哲学的なバージョン」と評した。^{[ 35 ]}ブリックマンはそれを「ドラマチックではなく、最終的には面白くない、一種の知的な訓練」だと感じた。^{[ 36 ]}彼はより直線的な物語を提案した。^{[ 37 ]}

アルヴィとアニーの現在進行形の関係は、この最初のカットでは物語の中心ではなかったが、アレンとローゼンブラムはそれをドラマの骨格と認識し、「その関係の方向」で映画を再構築し始めた。^{[ 38 ]}ローゼンブラムは、アレンが「キートンをより早く確立するために最初の20分をかなりカットすることに躊躇しなかった」ことを回想している。^{[ 36 ]}アレンによれば、「私はマーシャル・ブリックマンと座って、『私たちは関係についての映画を書こうとしている』とは言わなかった。つまり、編集するにつれて映画のコンセプト全体が変わったのだ。」^{[ 37 ]}

映画のポストプロダクション撮影には2週間の予算が組まれていたため、^{[ 20 ]} 1976年後半には最終セグメントのために3回の別々の撮影が行われたが、これらの素材の一部しか使用されなかった。^{[ 39 ]}「みんな卵が必要だ」というジョークを含む映画の最後のナレーションは、試写会のわずか2時間前に考案され、録音された。^{[ 39 ]}

クレジットには「ジャック・ロリンズとチャールズ・H・ジョフィ製作」と記載されている。この二人はアレンのマネージャーであり、1969年から1993年まで彼の映画で同じクレジットを受けていた。しかし、この映画ではジョフィがプロデューサーとしてクレジットされ、アカデミー作品賞を受賞した。タイトルシークエンスは、黒い背景にウィンザー・ライト・コンデンスド書体の白い文字が使われている。これはアレンがその後の映画でも使用したデザインである。スティグ・ビョークマンはベルイマンのシンプルで一貫したタイトルデザインとの類似点を指摘しているが、アレン自身はコスト削減策としてこのデザインを選んだと述べている。^{[ 40 ]}

この映画では、ベルイマンの影響を受けたアレンの作風から逸脱し、背景音楽はほとんど聞こえない。^{[ 40 ]}ダイアン・キートンはジャズクラブで「It Had to be You」と「Seems Like Old Times」の2曲を演奏する（後者は最後のシーンでナレーションとして再び登場する）。その他の例外としては、登場人物たちがロサンゼルスを車で走っているときに流れる少年合唱団の「クリスマス・メドレー」、モーツァルトのジュピター交響曲のモルト・アレグロ（アニーとアルヴィが田舎道を車で走っているときに聞こえる）、トミー・ドーシーの「スリーピー・ラグーン」の演奏^{[ 41 ]} 、ポール・サイモンのキャラクターの豪邸でのパーティーで流れるサヴォイ・ブラウンの曲「A Hard Way to Go」の無難なカバーなどがある。

『アニー・ホール』は公開当時、批評家から広く絶賛され、特に脚本とアレンとキートンの演技が高く評価された。

ガーディアン紙のティム・ラドフォードは、この映画を「アレン監督のこれまでの作品の中で最も焦点を絞り、大胆な映画」と評した。^{[ 46 ]}ニューヨーク・タイムズ紙のヴィンセント・キャンビーは、アレン監督の2作目『泥棒野郎』よりも『アニー・ホール』を高く評価し、前者はより「人間的」であるのに対し、後者はより「漫画的」であると述べた。^{[ 47 ]}複数の批評家がこの映画をベルイマン監督の『結婚の風景』（1973年）と比較し、好意的に評価している。 ^{[ 47 ] [ 48 ] [ 49 ]}バラエティ誌のジョセフ・マクブライドもその一人で、彼はこの映画をアレン監督の「これまでの作品の中で最も立体的な映画」であり、ベルイマンの最高傑作に匹敵する野心を持ち、共演者たちは「現代版の…トレイシーとヘプバーン」となっていると評した。^{[ 48 ]} 

さらに批判的な意見として、ピーター・コーウィーは、この映画は「文化的な言及や余談が多すぎるために損をしている」とコメントした。^{[ 50 ]}ニューヨーク・マガジンに寄稿したジョン・サイモンは、この映画を「面白くないコメディ、下手な映画製作、恥ずかしい自己暴露」と呼び、キートンの演技は「見るのが趣味が悪く、見せるのが不適切」だと書き、その役は、アルヴィ・シンガーが自分とアニー・ホールを題材にした二人芝居を書いたシーンに少しだけ登場する女優ロビン・メアリー・パリスが演じるべきだったと述べた。サイモンの『アニー・ホール』のレビューは、「この映画は、形がなく、散漫で、反復的で、目的がないため、忘れ去られることを懇願しているように見える。そして、その点では成功している」と締めくくっている。^{[ 51 ]}

この映画はその後も高い評価を受け続けている。2002年の回顧録で、ロジャー・エバートは本作を「偉大な映画」リストに加え、公開から年月が経っているにもかかわらず「すぐに親しみを感じられる」と驚きをもってコメントした^{[ 3 ]} 。また、Slantのライター、ジェイミー・N・クリストリーは、ワンライナーが「35年経ってもなお腹を抱えて笑える」と評した^{[ 49 ]} 。後にガーディアン紙の批評家、ピーター・ブラッドショーは本作を史上最高のコメディ映画と称し、「この素晴らしく面白く、耐え難いほど悲しい映画は、喜劇的な脚本とインスピレーションに満ちた映画製作の奇跡である」とコメントした^{[ 52 ]} 。ラジオ・タイムズのジョン・マリオットは、『アニー・ホール』はアレンが「独自の声、つまり活気と内省が入り混じった声を様々な出来事に響かせる声」を見出した映画だと考えており、「中西部の風変わりな純真な女性を演じるダイアン・キートンと、ニューヨークの神経質な男を演じるウディ自身の生き生きとした演技」から生まれる「喜劇的な喜び」に言及している。^{[ 53 ]}エンパイア誌はこの映画に5つ星中5つ星の評価を与え、「名作」と評した。^{[ 54 ]} 2017年、クレア・デデラーは「『アニー・ホール』は20世紀最高のコメディ映画である。[...]なぜなら、あらゆるコメディの中心に潜む抑えきれないニヒリズムを認めているからだ」と書いた。^{[ 55 ]}

日本の映画監督である黒澤明は、『アニー・ホール』を自身のお気に入りの映画の一つとして挙げている。 ^{[ 56 ]}

レビュー集計サイトのRotten Tomatoesでは、130件のレビューに基づき、映画の評価は97%で、平均評価は10点満点中9.30点となっている。同サイトの批評家の総評は、「心に響く演技と痛烈なユーモアに満ちた『アニー・ホール』は、ウディ・アレンにとって飛躍的な進歩であり、アメリカの古典であり続けている」としている。^{[ 57 ]} Metacriticでは、20件のレビューに基づき、100点満点中92点というスコアが付けられ、「普遍的な称賛」を示している。^{[ 58 ]}

この映画は、アメリカ映画協会によって以下のリストに選出されています。

• 1998年：AFIの100年…100本の映画– #31 ^{[ 95 ]}
• 2000年：AFIの100年…100の笑い– #4 ^{[ 96 ]}
• 2002年：AFIの100年…100の情熱– #11 ^{[ 97 ]}
• 2004年：AFIの100年…100曲：
  • 「昔のことみたい」 – #90 ^{[ 98 ]}
• 2005年：AFIの100年…100の映画名言：
  • アニー・ホール：「ラ・ディー・ダ、ラ・ディー・ダ」 – #55 ^{[ 99 ]}
• 2007年：AFIの100年…100本の映画（10周年記念版） – #35 ^{[ 100 ]}
• 2008年：AFIのトップ10：
  • 第2位 ロマンティックコメディ映画^{[ 101 ]}

1992年 –国立フィルム登録簿。^{[ 102 ]}

2006年、プレミア誌はキートンの『アニー・ホール』での演技を「史上最高の演技100選」の60位にランク付けし、次のように評した。

おっちょこちょいを演じるのは難しい。…アニーの天才的なところは、彼女のルーピングバックハンド、ひどいドライビング、​​神経質なチックにもかかわらず、複雑で知的な女性でもあるという点だ。キートンはこのキャラクターの二面性を鮮やかに表現している。特に、アルヴィー（ウディ・アレン）との初デートで彼女がしゃべりまくっている時に、字幕に「彼はきっと私のことをヨーヨーだと思っている」と表示される場面は秀逸だ。ヨーヨー？まさか。^{[ 103 ]}

この映画は批評家から広く絶賛され、数々の賞を受賞したが、アレン自身は失望しており、インタビューで「『アニー・ホール』を始めたとき、最終的に出来上がった映画はこうなるはずではなかった。この映画は男の心の中で起こることを描いたものだった …誰も何が起こっているのか理解できなかった。私とダイアン・キートンの関係だけが皆の関心事だった。それは私が関心を持っていたことではなかった …結局、映画を私とダイアン・キートン、そしてその関係だけに絞り込まなければならなかったので、この映画にはかなり失望した」と述べている。^{[ 104 ]}アレンは続編の製作を繰り返し拒否しており、^{[ 105 ]} 1992年のインタビューでは「続編主義は迷惑なものになってしまった。フランシス・コッポラは『ゴッドファーザーIII』を作るべきではなかったと思う。『ゴッドファーザーII』は非常に素晴らしかったからだ。続編を作るのは、ただ金儲けのためだけだ。だから私はその考えがあまり好きではない」と述べている。^{[ 106 ]}

ダイアン・キートンは、アニー・ホールが自分のお気に入りの役であり、この映画が自分にとってすべてだったと述べている。^{[ 107 ]}女優としてこの役と最も関連付けられることについてどう思うかと尋ねられたとき、彼女は「アニー・ホールに悩まされているわけではありません。アニー・ホールでいられることを嬉しく思います。誰かが私をそのように見たいのであれば、それで構いません」と答えた。衣装デザイナーのルース・モーリーは、キートンと協力し、70年代後半のファッション界に影響を与えたルックを作り出した。女性たちは、オーバーサイズの男性的なブレザーをベスト、ふんわりとしたズボンまたはロングスカート、男性用のネクタイ、ブーツの上に重ね着するスタイルを取り入れた。^{[ 108 ]}このルックはしばしば「アニー・ホール・ルック」と呼ばれた。 ^{[ 109 ]}一部の情報源は、このルックの主な責任はキートン自身にあると示唆しており、ラルフ・ローレンはしばしば功績を主張しているが、映画で使用するためにラルフ・ローレンから購入されたのはジャケット1着とネクタイ1本だけだった。^{[ 110 ]}モーリーとキートンは、ほぼ同時期にパリで女性向けのオーバーサイズのメンズウェア風スタイルが流行していたことを知っていたかもしれない。^{[ 111 ]}デザイナーのケンゾーに影響を受けたもので、^{[ 112 ] [ 113 ]}ケンゾーは数年前にハイファッションの世界でオーバーサイズの服への動きを牽引した人物である。 ^{[ 114 ] [ 115 ]}当時、その美意識が漂っていた。^{[ 116 ]}アレンは、ローレンとキートンのドレススタイルが危うく映画に採用されないところだったことを回想している。「彼女がやって来たとき、」と1992年に回想している。「『アニー・ホール』の衣装担当の女性が『彼女にはそれを着ないように言って。彼女には似合わないわ。すごく奇抜よ』と言ったんだ。それで私は『放っておいて。彼女は天才なんだ。放っておいて、彼女が着たいものを着させてあげよう』と言ったんだ。」^{[ 117 ]}

本作の脚本は、全米脚本家組合が選ぶ史上最も面白い脚本101選で1位を獲得し、『お熱いのがお好き』（1959年）、『恋はデジャ・ブ』（1993年） 、『フライングハイ！ 』 （1980年）、『トッツィー』（1982年）を上回った。^{[ 118 ]}ジェームズ・ベルナルドーニは、本作を「ニューハリウッド時代の数少ないロマンティック・コメディ・ドラマの一つであり、その名高いジャンルの古典作品の中に正当に位置づけられている」と評し、カップルの関係をシリアスかつコミカルに考察した本作を、キャサリン・ヘプバーンとスペンサー・トレイシー主演のジョージ・キューカー監督の『アダムズ・リブ』（1949年）になぞらえている。[ 14 ]公開以来、他^{のロマンティック・}コメディ作品が本作と比較されるようになった。『恋人たちの予感』（1989年）、『チェイシング・エイミー』（1997年）、『バーニング・アニー』（2007年）、 『（ 500）日のサマー』（2009年）、そしてウディ・アレン監督の2003年の映画『エニシング・エルス』などが挙げられる。^{[ 91 ] [ 119 ] [ 120 ] [ 121 ] [ 122 ]}一方、映画監督のライアン・ジョンソンは著書『私の人生を変えた映画』のインタビューで、『アニー・ホール』が映画監督になるきっかけになったと語っている。^{[ 123 ]}カレン・ギランは、 『ノット・アナザー・ハッピー・エンディング』で主演を務めるにあたり、 『アニー・ホール』をリサーチの一環として鑑賞したと語っている。^{[ 124 ]} 2018年には、マット・スターとエリー・サックスが、高齢者を主演に起用した短編映画のリメイク版を公開した。^{[ 125 ] [ 126 ]}