日本の映画

第二次世界大戦と経済の低迷により、日本では失業が蔓延し、映画業界も打撃を受けた。

日本が帝国を拡大していたこの時期、日本政府は映画を大日本帝国の栄光と不敗性を誇示するプロパガンダの道具と捉えていた。そのため、この時期の多くの映画は愛国的で軍国主義的なテーマを描いている。1942年、山本嘉次郎監督の映画『ハワイからマラヤまでの海戦』は真珠湾攻撃を描いたもので、円谷英二監督による特殊効果が用いられ、真珠湾そのもののミニチュア模型も使用された。

紙芝居（かみしばい）は、特に子供たちの間で人気のあった街頭娯楽でした。紙芝居は、仏教の神々の物語や仏教寺院の歴史を語るためによく用いられました。1920年頃は子供向けの普通の物語劇として始まりましたが、1932年頃から軍事的な視点に傾き始めました。

山口芳子は非常に人気のある女優でした。彼女は戦時中に22本の映画に出演し、国際的なスターダムにのし上がりました。満州国映画協会は、彼女が日本のプロパガンダ映画で中国人役を演じられるよう、彼女に李香蘭という中国名を使うことを許可しました。戦後、彼女は正式な日本名を使用し、さらに29本の映画に出演しました。 1970年代には日本の国会議員に選出され、18年間務めました。

黒澤明は1943年に『姿三四郎』で長編映画監督デビューを果たした。

1945年の日本の降伏後、日本の映画産業に対する戦時中の統制と制限は撤廃され、連合国最高司令官（SCAP）は民間情報教育課（CIE）を設立し、これが映画産業の管理を担うことになった。すべての映画企画と脚本はCIEによって審査・承認されることになっていた。その後、脚本はアメリカ軍の直接管理下にある民間検閲部隊（CCD）によって審査された。 ^{[ 36 ]}戦前および戦時中の映画も審査の対象となり、500本以上が不適切と判断され、その半数が焼却された。さらに、東宝と大映は、不適切と思われる映画を事前に破棄した。^{[ 37 ]} 1945年11月、CIEは、以下の映画を禁止すると発表した。

1. 軍国主義に染まっている。
2. 復讐を正当な動機として示すこと。
3. 国家主義的;
4. 排他的で外国人嫌い。
5. 歴史的事実を歪曲する。
6. 人種的または宗教的差別を容認すること。
7. 封建的な忠誠心や生命への軽蔑を、望ましい名誉あるものとして描くこと。
8. 自殺を直接的または間接的に容認すること。
9. 女性の服従や尊厳の侵害に関与したり、それを容認したりすること。
10. 残虐行為、暴力、あるいは悪が勝利したかのように描くこと。
11. 反民主主義的;
12. 児童搾取を容認すること、または
13. ポツダム宣言の精神や文言、またはSCAPの指令に反する^{[ 38 ]}

これらの制限の大きな結果の一つは、時代劇映画、特に侍が登場する映画の製作が事実上不可能になったことである。^{[ 39 ]}検閲の顕著な例としては、黒澤明と谷口千吉が脚本を手がけた戦争映画『夜明けの脱出』があり、CIEの要請により10回以上も書き直され、物語の元の内容がほぼ完全に削除された。^{[ 40 ]}一方で、CIEは農業改革や労働組合の組織化など占領政策を反映した映画の製作を奨励し、日本の平和的復興と個人の権利を推進した。

原節子は、黒澤明監督の『わが青春に悔いなし』 （1946年）、吉村耕三郎監督の『安城家の舞踏会』（1947年）、今井忠監督の『青い三脈』（1949年）などに出演し、新時代の幕開けを象徴するスターとして全国的な人気を獲得した。佐々木康監督の『日向の青春』 （1946年）では、日本映画初のキスシーンが撮影された。また、毎日映画賞も1946年に創設された。 ^{[ 41 ]}

戦後最初に公開された映画は佐々木康監督の『そよ風』で、主題歌の「りんごのうた」が大ヒットした。^{[ 42 ]}

黒澤明と俳優三船敏郎の最初のコラボレーション作品は、1948年の『酔いどれ天使』と1949年の『野良犬』だった。小津安二郎監督は、批評的にも商業的にも成功を収めた『晩春』を1949年に監督した。

占領後半には、逆転路線が発動した。赤粛清で大手スタジオから追放された左翼映画監督たちは、東宝ストライキの鎮圧後に追放された人々とともに、新たな独立系映画運動を形成した。亀井文雄、今井正、山本薩夫といった監督たちは日本共産党員であった。独立系の社会派リアリズムドラマは、占領終結後に制作された感傷的な戦争ドラマの波の中で、小規模ながら一時的なブームを迎えた。^{[ 40 ]}

1950年代は、日本映画の黄金時代として広く認識されている。 ^{[ 43 ]}この10年間の日本映画3作品（『羅生門』、『七人の侍』、『東京物語』）は、2002年にSight & Sound誌の批評家と監督による史上最高の映画投票でトップ10入りを果たした。 ^{[ 44 ]}また、2012年の投票にもランクインし、^{[ 45 ] [ 46 ]}『東京物語』（1953年）は2012年の監督投票で『市民ケーン』を抑えてトップに立った。^{[ 46 ]}

SCAPによってこれまで制限されていたテーマを扱った戦争映画が製作され始め、関川秀雄監督の『海の声を聞け』（1950年）、今井正監督の『百合の塔』（ 1953年）、木下啓介監督の『二十四の目』（1954年）、市川崑監督の『ビルマの竪琴』（1956年）などが挙げられる。戦争体験の悲哀と感傷を描いた作品が社会現象となった。その他に製作された映画には『戦艦ヤマト』（1953年）や『太平洋の鷲』（1953年）などがある。こうした状況下で、嵐勘十郎が明治天皇を演じた『明治天皇と日露大戦争』（1957年）のような映画も登場した。神聖不可侵とされていた天皇の商業化は、戦前には考えられなかった事態であった。

山本嘉次郎

黒澤明

アメリカ占領後の時代は、東宝、大映、松竹、日活、東映といった映画スタジオの作品数と人気が高まり、映画配給の多様化が進んだ時期であった。この時期には、小林正樹、黒澤明、本多猪四郎、円谷英二、溝口健二、小津安二郎という日本映画界の六大巨匠が誕生した。各監督は、戦争とその後のアメリカ占領の影響を、それぞれ独自の革新的な方法で表現した。この10年間で、黒澤、本多、円谷の作品は、海外の映画館で広く配給された最初の日本映画となった。

1950年代は黒澤明監督の『羅生門』（1950年）で幕を開け、同作は1951年のヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞、1952年のアカデミー外国語映画名誉賞を受賞し、日本映画が世界舞台に登場したことを示す作品となった。また、伝説のスター、三船敏郎のブレイクスルーとなった作品でもある。^{[ 47 ]} 1953年には、五所平之助監督の『円突の見る場所』が第3回ベルリン国際映画祭のコンペティション部門に出品された。

日本のカラー映画第1作は、木下啓介監督の『カルメン帰郷』で、1951年に公開された。この映画には白黒版もあった。『東京ファイル212』（1951年）は、日本で全編撮影された最初のアメリカ映画である。主演はフローレンス・マーリーとロバート・ペイトン。芸者市丸が短いカメオ出演している。鈴木育造の東日エンタープライズが共同製作した。^{[ 49 ]}衣笠貞之助監督の1953年の映画『地獄門』は、イーストマンカラーフィルムを使用して撮影された最初の映画であり、大映初のカラー映画であると同時に、日本国外で公開された最初の日本カラー映画でもあり、1954年に和田三蔵による衣装デザイン賞と外国語映画賞でアカデミー名誉賞を受賞した。また、カンヌ国際映画祭でパルムドールを受賞し、日本映画として初の快挙となった。

1954年には、日本で最も影響力のある映画が2本公開された。1本目は黒澤明監督の叙事詩的作品『七人の侍』で、雇われた侍たちが、無力な村を強欲な盗賊団から守る物語である。同年、黒澤の友人であり同僚でもある本多猪四郎監督が、円谷英二による受賞歴のある特撮をフィーチャーした反核怪獣ドラマ『ゴジラ』を監督した。後者の映画は、アメリカ合衆国で広く公開された最初の日本映画であり^{[ 50 ]} 、1956年に『ゴジラ キング・オブ・モンスターズ!』として配給される際には、大幅に再編集され、俳優レイモンド・バーが出演する新しい映像が追加された^{[ 51 ]}。西洋での公開用に編集されたにもかかわらず、『ゴジラ』は日本の国際的なアイコンとなり、怪獣映画というサブジャンル全体を生み出し^{[ 52 ]} 、史上最も長く続く映画フランチャイズとなった。^{[ 53 ]}また1954年には、黒澤明監督の別の作​​品『生きる』が第4回ベルリン国際映画祭のコンペティション部門に出品された。

1955年、稲垣浩は侍三部作の第一部でアカデミー名誉外国語映画賞を受賞し、1958年には『人力車夫』でヴェネツィア国際映画祭の金獅子賞を受賞した。市川崑は反戦ドラマを2本監督した。アカ​​デミー外国語映画賞にノミネートされた『ビルマの竪琴』（1956年）と『野火』（1959年）、そして三島由紀夫の小説『金閣寺』を原作とした『炎上』 （1958年）である。小林正樹は『人間の条件三部作』として知られることになる3本の映画を製作した。 『これ以上の愛はない』（1959年）と『永遠への道』 （1959年）である。三部作は1961年に『兵士の祈り』で完結した。

1956年に亡くなった溝口健二は、 『お春の生涯』（1952年）、『雨月物語』（1953年）、『山椒大夫』 （1954年）など一連の傑作でキャリアを終えた。 『雨月物語』でヴェネツィア国際映画祭銀獅子賞を受賞。溝口の映画は、日本社会が女性に課す悲劇を題材にしていることが多い。成瀬巳喜男は、 『会食』（1950年）、『晩菊』（1954年）、『山の音』（1954年）、『浮雲』 （1955年）を製作した。小津安二郎は、『春分の花』（1958年）を皮切りにカラー映画の監督を始め、その後、『おはよう』 （1959年） 、 『浮草物語』（1958年）を製作した。『浮草物語』は、小津のサイレント映画『浮草物語』 （1934年）を原作とし、 『羅生門』や『山椒大夫』の撮影監督である宮川一雄が撮影を担当した。

ブルーリボン賞は1950年に創設された。最初の最優秀作品賞受賞作は、今井忠監督の『また会う日まで』だった。

1960年代には、製作された映画の数と映画館の観客数がピークに達した。^{[ 54 ]}ほとんどの映画は二本立てで上映され、そのうちの半分は「プログラム映画」またはB級映画だった。典型的なプログラム映画は4週間で撮影された。これらのプログラム映画に対する需要が高まったため、 『暴漢兵』や『悪名』などの映画シリーズが成長した。

1960年代の日本映画界の活発な活動は、数々の名作を生み出した。黒澤明は1961年に名作『用心棒』を監督し、小津安二郎は1962年に最後の作品『秋風の昼下がり』を製作した。成瀬巳喜男は1960年にワイドスクリーンのメロドラマ『女が階段を上るとき』を監督し、1967年の『散雲』が最後の作品となった。

市川崑は、 1964年の歴史的なオリンピックを3時間のドキュメンタリー映画『東京オリンピック』（1965年）で捉えた。鈴木清順は、シュールなヤクザ映画『殺しの烙印』（1967年）の後、「意味不明で儲からない映画を作った」として日活を解雇された。

1960年代は、1950年代に始まり1970年代初頭まで続いた日本のニューウェーブ運動の最盛期でした。大島渚、新藤兼人、篠田昌弘、羽谷進、今村昌平がこの10年間で主要な映画監督として台頭しました。大島の『青春残酷物語』、 『日本の夜霧』、『絞首刑』、新藤の『鬼婆』、羽谷の『彼女と彼』 、今村の『蟲女』は、日本のニューウェーブ映画の代表的な作品として知られています。ドキュメンタリーはニューウェーブにおいて重要な役割を果たし、羽谷、黒木一雄、松本俊雄、勅使河原弘といった監督はドキュメンタリーから劇映画へと移行し、大島や今村のような劇映画監督もドキュメンタリーを制作しました。小川晋介と土本紀明は最も重要なドキュメンタリー作家となり、「日本のドキュメンタリー界を席巻する二人の人物」となった。^{[ 55 ]}

勅使河原監督の『砂の女』 （1964年）はカンヌ国際映画祭で審査員特別賞を受賞し、アカデミー賞の監督賞と外国語映画賞にノミネートされた。小林正樹監督の『怪談』（1965年）もカンヌで審査員特別賞を受賞し、アカデミー賞の外国語映画賞にノミネートされた。今井忠監督の『武士道』は第13回ベルリン国際映画祭で金熊賞を受賞した。木下啓介監督の『不滅の恋』、中村昇監督の『京都の双子姉妹』と『千恵子の肖像』もアカデミー賞の外国語映画賞にノミネートされた。同じく中村監督の『失われた春』は第17回ベルリン国際映画祭で金熊賞を競った。

1970年代には、テレビの普及により映画館の観客数が減少した。総観客数は1960年の12億人から1980年には2億人に減少した。^{[ 56 ]} 映画会社はテレビ業界にトップ俳優や監督を雇おうとせず、制作技術さえも提供しなかったため、映画会社は損失を被った。^{[ 57 ]}

映画会社は、角川映画のような大作映画を製作したり、テレビでは放送できないような性的描写や暴力的な内容、言葉遣いを盛り込んだりするなど、様々な方法で反撃した。こうして生まれたピンク映画産業は、多くの若いインディペンデント映画監督にとっての登竜門となった。また、70年代には、若手「アイドル」を主演に据え、その名声と人気で観客を集める「アイドル映画」も始まった。

藤田俊也は1973年に復讐劇『修羅雪姫』を製作した。同年、吉田喜重は1936年2月の日本クーデターの首謀者、北一輝を描いた映画『クーデター』を製作した。実験的な撮影技法と演出、そして一柳慧による前衛的な音楽は、日本国内で広く批評家の称賛を集めた。

1976年、報知映画賞が創設された。初代最優秀作品賞は市川崑監督の『犬神』だった。大島渚監督の『愛のコリーダ』（1976年）は、1930年代を舞台に阿部定が関わる情熱的な犯罪を描いた作品である。露骨な性的描写で物議を醸し、日本では無修正版が公開されたことはない。

深作欣二は、ヤクザ映画を題材にした壮大なシリーズ『仁義なき戦い』を完成させた。山田洋次監督は商業的に成功した『寅さん』シリーズを発表する傍ら、他の作品も監督し、特に人気作『黄色いハンカチ』は1978年に第1回日本アカデミー賞最優秀作品賞を受賞した。ニューウェーブの映画監督である羽谷進と今村昌平はドキュメンタリー作品に専念したが、今村は『復讐は我が』 （1979年）で劇的な長編映画復帰を果たした。

黒澤明監督の『どですかでん』と熊井啓監督の『三田館8号』は、アカデミー外国語映画賞にノミネートされた。

1980年代には、日本の主要映画スタジオとその関連映画館チェーンが衰退し、東宝や東映といった大手スタジオはかろうじて経営を維持している状態となり、松竹は「男はつらいよ」シリーズにほぼ依存し、日活はさらに衰退していった。

旧世代の監督では、黒澤明が『影武者』 （1980年）を監督し、同作は1980年のカンヌ国際映画祭でパルムドールを受賞した。また、『乱』 （1985年）も監督している。鈴木清順は1980年の『ツィゴイネルワイゼン』を皮切りに復帰を果たした。今村昌平は『楢山節考』（1983年）でカンヌ国際映画祭のパルムドールを受賞した。吉田喜重は1973年の『クーデター』以来となる『約束』（1986年）を監督した。

1980年代に登場した新進監督には、俳優の伊丹十三がいる。伊丹は1984年に監督デビュー作『葬送』を発表し、 1985年の『タンポポ』で批評的にも興行的にも成功を収めた。また、芸術志向の強い大衆向け監督である相米真司は、若者向けの『台風クラブ』や、批評家から高い評価を受けたロマンポルノ『ラブホテル』などを手掛けた。 1990年代半ばから国際的な注目を集めることになる黒沢清は、ピンク映画やジャンルホラーでデビューした。

1980年代にはアニメの人気が高まり、毎年夏と冬に新作アニメ映画が公開され、その多くは人気テレビアニメシリーズを原作としていた。押井守監督は1985年に代表作『天使の卵』を公開し、宮崎駿監督は1984年に自身の漫画シリーズ『風の谷のナウシカ』を同名の長編映画として映画化した。大友克洋監督もこれに続き、1988年に自身の漫画『AKIRA』を同名の長編映画として映画化した。

やがて家庭用ビデオの普及により、日本の一般市民、そして最終的には他国の市民も、これらの映画を個人で鑑賞できるようになった。これにより、ビデオ直販映画業界の売上が増加し、 DVDやストリーミングサービスといったさらなる発展へと繋がっていった。

ミニシアターは、大型映画館に比べて規模と座席数が小さい独立系映画館の一種で、1980年代に人気を博した。^{[ 58 ]}ミニシアターは、他国の独立系映画やアートハウス映画、そして無名の日本人映画監督が日本で制作した映画を日本の観客に届けるのに役立った。 ^{[ 58 ]}

経済不況のため、日本の映画館の数は1960年代から着実に減少していた。1960年には7,000館以上あった映画館の数は、1993年には2,000館以下になっていた。^{[ 57 ]} 1990年代にはこの傾向が逆転し、日本ではシネマコンプレックスが導入された。同時に、ミニシアターの人気も続いた。^{[ 58 ] [ 59 ]}

北野武は『ソナチネ』（1993年）、『キッズ・リターン』（1996年）、『HANA-BI』 （1997年）などの作品で重要な映画監督としての地位を確立し、『HANA-BI』はヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞した。今村昌平は『ウナギ』 （1997年）で再びパルム・ドールを受賞（イランのアッバス・キアロスタミ監督と共同受賞） 。彼はアルフ・ショーベリ、フランシス・フォード・コッポラ、エミール・クストリッツァ、ビレ・アウグストに続き、5人目の2度目の受賞者となった。

黒沢清は『CURE』（1997年）の公開後、国際的な評価を得た。三池崇史は『オーディション』（1999年）、『DEAD OR ALIVE』（1999年）、『鳥人』 （1998年）などの作品で精力的なキャリアをスタートさせた。元ドキュメンタリー映画監督の是枝裕和は、 『幻の惑星』（1996年）と『ワンダフルライフ』 （1999年）で高い評価を得た長編映画監督としてのキャリアを築いた。

宮崎駿監督は、興行収入と批評の両方で大成功を収めた2作品、 『紅の豚』（1992年）を監督した。 『紅の豚』は『E.T.』  （1982年）を抜いて日本国内で歴代興行収入第1位となり、『もののけ姫』 （1997年）も『タイタニック』（1997年）が出るまで興行収入第1位の座を維持した。 

数々の新進アニメ監督が広く認知されるようになり、アニメを単なる娯楽ではなく現代アートとして捉える概念を広めた。押井守監督は1996年に国際的に高い評価を受けた哲学的SFアクション映画『攻殻機動隊』を公開。今敏監督は受賞歴のある心理スリラー『パーフェクトブルー』を監督した。庵野秀明監督も1997年に『新世紀エヴァンゲリオン劇場版 Air /まごころを、君に』で大きな注目を集めた。

21世紀初頭、日本はポップカルチャーで何度も言及され、日本の映画産業にとっては比較的成功した時代となり、映画作品では「第二の日本ニューウェーブ」の構想が復活した。日本は映画、詩、テレビ、音楽の舞台やテーマとして何度も登場した。日本で上映される映画の数は着実に増加し、2006年には約821本の映画が公開された。この時期は日本のテレビシリーズを原作とした映画が特に人気だった。アニメ映画は日本の映画製作の60%を占めるようになり、アニメーション映画の世界的な主要製作国の一つとなった。^{[ 14 ]}アニメが日本国内と海外の両方で絶大な人気を博したことから、1990年代と2000年代は「日本映画の第二の黄金時代」と考えられている。^{[ 43 ]}

岩井俊二監督の『リリィ・シュシュのすべて』は商業的には成功しなかったものの、2001年のベルリン国際映画祭、横浜国際映画祭、上海国際映画祭で賞賛された。北野武は『バトル・ロワイアル』に出演し、 『ドールズ』と『座頭市』では監督と主演を務めた。1990年代後半から、Jホラー映画のジャンルがブームとなり、『リング』、『カイロ』、『ダーク・ウォーター』、 『ヨーゲン』、『呪怨』シリーズ、『着信アリ』などの作品が商業的に成功を収めた。^{[ 14 ]} 2004年には、ゴジラ生誕50周年を記念して、北村龍平監督の『ゴジラ FINAL WARS 』が公開された。2005年には、鈴木清順監督が56作目となる『アライグマ姫』を製作した。是枝裕和監督は、 『ディスタンス』と『誰も知らない』の2作品で世界中の映画祭で賞を獲得した。女性映画監督の河瀬直美の映画『嘆きの森』は、2007年のカンヌ国際映画祭でグランプリを受賞した。『男はつらいよ』シリーズの監督である山田洋次氏は、高く評価された時代劇三部作、『たそがれ清兵衛』を2002年に、続いて『隠し剣』を2004年に、『愛と名誉』を2006年に制作した。2008年には、『おくりびと』がアカデミー外国語映画賞を受賞した。

アニメでは、宮崎駿監督が2001年に『千と千尋の神隠し』を監督し、日本の興行収入記録を塗り替え、 2003年のアカデミー長編アニメ映画賞を含む数々の賞を受賞した^{[ 60 ]} 。その後、2004年に『ハウルの動く城』、2008年に『崖の上のポニョ』を監督した。2004年には押井守監督がアニメ映画『攻殻機動隊2 イノセンス』を公開し、世界中で批評家の称賛を受けた。2008年の映画『スカイ・クロラ』も同様に国際的に好評を博した。今敏監督も、それほど有名ではないが、非常に成功した3本の映画『千年女優』、『東京ゴッドファーザーズ』 、『パプリカ』を公開した。大友克洋は、1995年の短編映画集『メモリーズ』以来となるアニメーション作品『スチームボーイ』を2004年に公開した。アメリカの監督マイケル・アリアスは、スタジオ4Cと共同で2008年に『鉄コン筋クリート』を公開し、国際的な称賛を浴びた。庵野秀明は、主に控えめな実写映画を数年間監督した後、自身の制作スタジオを設立し、依然として人気の高い『エヴァンゲリオン』シリーズを『ヱヴァンゲリヲン新劇場版』4部作で再び手掛けた。これは、オリジナルストーリーを別の視点から描いた新たな映画シリーズである。

ハリウッドの監督の中には、日本を舞台にした映画の背景として東京を選ぶ者もいる。戦後の例としては、『東京ジョー』（1949年）、『マイ・ゲイシャ』（1962年） 、ジェームズ・ボンド映画『007は二度死ぬ』（1967年）などがある。近年の例としては、 『ロスト・イン・トランスレーション』（2003年）、『ラストサムライ』（ 2003年） 、『キル・ビル Vol.1 』 （2004年）、 『キル・ビルVol.2』（2004年）、『デイ・アフター・トゥモロー』（2004年）、『さゆり』（2005年）、『ワイルド・スピードX3 TOKYO DRIFT』（2006年）、『バベル』（2006年）、『地球が静止する日』（2008年）、『2012』 （2009年） 、『インセプション』（2010年）、 『エンペラー』 （2012年）、 『パシフィック・リム』 （ 2013年）、『ウルヴァリン：SAMURAI』 （2013年）、『ジオストーム』 （2017年）、 『アベンジャーズ／エンドゲーム』 （2019年）などがある。

2000年2月以降、日本映画振興協議会が設立された。2001年11月16日、日本芸術振興財団法が衆議院に提出された。 この法律は、映画美術を含むメディアアートの制作を促進することを目的としており、国と地方の両方の政府が 映画メディアの保存のために援助を提供しなければならないと規定している。この法律は11月30日に可決され、12月7日に施行された。2003年、文化庁の会合で、国立近代美術館映画センターで市民制作映画の振興と上映を可能にするための12の政策が書面で提案された。

日本映画はこれまで、フェミニストの男性監督と女性監督の両方が存在すると認識されてきたため、日本映画における女性の重要性という概念がさらに強固なものとなった。これは、2009年に開催されたニッポン・コネクション・フェスティバルのシンポジウムで最も顕著に表れており、会議全体が女性に捧げられ、女性を主題として、女性監督として、そして日本映画における女性の重要性として取り上げられた。^{[ 61 ]}女性の影響は、「ピーチズ」をはじめとする様々な映画祭で見られ、日本人女性卒業生が映画分野での業績を自ら進んで披露することを許された。^{[ 62 ]}こうした解釈や映画における男性の多様な見解を通して、女性は政治的にも社会的にも日本映画に大きな影響を与えている。彼女たち自身も日本の物語の一部であり、観客が彼女たちの物語を完全に理解するためには、映画で彼女たちの物語を研究する必要がある。

これまでに4作品が主要な映画祭でコンペティション部門に選出され、国際的な評価を得ています。若松孝二監督の『イモムシ』は第60回ベルリン国際映画祭で金熊賞を競い、銀熊賞（最優秀女優賞）を受賞しました。北野武監督の『アウトレイジ』は2010年カンヌ国際映画祭でパルムドールを競い、園子温監督の『ひみず』は第68回ヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を競いました。

2011年3月、日本の映画・テレビ業界は東北地方太平洋沖地震と津波、それに続く福島原発事故に見舞われ、三重災害により大きな打撃を受けた。^{[ 63 ]}しかし、三重災害を防ぐために多くの日本のスタジオが公式に閉鎖または再編された。その結果、多くの日本のスタジオが再開し、制作率は上昇し始めた。

2011年10月（日本の映画・テレビ業界が完全に再開した後）、三池崇史監督の『切腹』が2012年カンヌ国際映画祭のパルムドール部門に出品され、カンヌでコンペティション部門に出品された初の3D映画となった。本作は、大島渚監督の『戦場のメリークリスマス』や『タブー』 、北野武監督の『ブラザー』 、三池監督の『十三人の刺客』といった日本映画をプロデューサーとして国際舞台に送り出した実績を持つ、イギリスの独立系プロデューサー、ジェレミー・トーマスが共同製作を務めた。

2018年、是枝裕和監督は映画『万引き家族』で第71回カンヌ国際映画祭のパルムドールを受賞した。同映画祭では、浜口竜介監督の『麻子I＆II』もコンペティション部門に出品されていた。

2020年3月6日に公開された日本の壮大な災害ドラマ映画『福島50』は、若松節朗監督、前川洋一脚本による作品である。本作は門田隆章著の『瀬戸際：福島第一原発の内幕』を原作としており、福島第一原発事故を描いた初の日本映画である。

2020年初頭、日本のメディア業界はCOVID-19パンデミックに見舞われ、健康上の要件により大きな打撃を受けた。これにより、日本は第二次世界大戦終結以来、健康危機の影響を受けた映画・テレビ業界にとって最悪の日となった。最初の（そして数多くの）「健康ロックダウン」から2021年9月末まで、多くの日本のスタジオは感染拡大防止の法的要件に合わせて閉鎖または再編成され、最終的に多くの映画の撮影が中断されたが、映画を見たいという人々の欲求は止まらなかった。^{[ 64 ]}このパンデミックが発生したにもかかわらず、多くの映画が徐々に日本の映画館に再導入され、その後の数年間で日本が映画にどう向き合うかを変えた。 2021年から2022年にかけて、日本の映画が日本の観客に再び届けられるようになり、映画館の入場者数は2020年の当初の54.5%から2022年には約78%に増加した。 ^{[ 64 ] [ 65 ]} 2022年だけでも、2019年の数字からは大幅に減少したものの、590の映画館が営業しており、一般の人々がパンデミックの最中に通常の活動に再び参加できるようになった。^{[ 66 ]}

2020年10月（映画業界再開後）、漫画『鬼滅の刃』を原作とした日本のアニメ映画『鬼滅の刃無限列車編』が国内の興行収入記録を塗り替え、日本歴代興行収入最高、日本映画歴代興行収入最高、そして2020年興行収入最高を記録した。

2021年10月、日本のドラマ・ロードムービー『ドライブ・マイ・カー』が第79回ゴールデングローブ賞で外国語映画賞を受賞し、第94回アカデミー賞で国際長編映画賞を受賞した。^{[ 67 ] [ 68 ]}

2023年5月、日本のドラマ映画『パーフェクトデイズ』が第76回カンヌ国際映画祭で最優秀男優賞とエキュメニカル審査員賞を受賞した。^{[ 69 ]}また、日本の心理サスペンス映画『モンスター』が同映画祭で最優秀脚本賞とクィア・パルム賞を受賞した。 ^{[ 70 ]}

2023年9月、日本のドラマミステリー映画『悪は存在しない』が第80回ヴェネツィア国際映画祭で審査員大賞と国際映画批評家連盟賞を受賞し、 2023年BFIロンドン映画祭でも最優秀作品賞を受賞した。^{[ 71 ] [ 72 ]}

宮崎駿監督の『少年と鷺』と山崎貴監督の『ゴジラマイナスワン』（いずれも2023年公開）は、第96回アカデミー賞でそれぞれ賞を受賞し、批評家からも高い評価を得た。^{[ 73 ] [ 74 ]}『少年と鷺』は、第81回ゴールデングローブ賞で長編アニメ映画賞も受賞し、英語以外の言語のアニメ映画としては初の快挙となった。^{[ 75 ]}同様に、『ゴジラマイナスワン』は、外国語映画として初めてア​​カデミー視覚効果賞を受賞した。^{[ 73 ]}

2025年7月、漫画『鬼滅の刃』の無限城編を原作とした日本のアニメ映画『劇場版 鬼滅の刃無限城編』が、国内の興行収入記録を塗り替え、日本歴代興行収入第1位となった。本作は、アニメテレビシリーズ第4シーズン、漫画第4、第5、第6作の直接の続編であり、映画『無限列車編』（2020年）と長編作品『刀鍛冶の里へ』（2023年）、『柱修行へ』 （2024年）に続く作品である。^{[ 76 ]}