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イタリア映画（イタリア語: cinema italiano、発音は[ ˈtʃiːnema itaˈljaːno ]）は、イタリア国内で製作された映画、またはイタリア人監督によって製作された映画を指します。イタリア映画は、その黎明期から世界中の映画運動に影響を与えてきました。イタリアは芸術映画の発祥地のひとつであり、映画の様式的な側面はイタリア映画の歴史において最も重要な要素のひとつとなっています。[ 5 ] [ 6 ] 2018年現在、イタリア映画はアカデミー外国語映画賞を14回（どの国よりも多い）、パルム・ドールを12回（どの国より2番目に多い）、アカデミー作品賞を1回、そして多くの金獅子賞と金熊賞を受賞しています。
イタリア映画の歴史は、リュミエール兄弟が映画の上映を開始してから数か月後に始まった。 [ 7 ] [ 8 ]最初のイタリア人監督は、後に1896年から1905年まで活躍したリュミエール兄弟の協力者であるヴィットリオ・カルチーナであると考えられている。最初の映画は1896年に遡り、イタリア半島の主要都市で製作された。[ 7 ] [ 8 ]これらの短い実験はすぐに大衆の好奇心を満たし、映画製作者が新しい映画を製作することを促し、真の映画産業の誕生の基礎を築いた。[ 7 ] [ 8 ] 1900年代初頭には、オテロ（1906年）、ポンペイ最後の日（1908年）、地獄（1911年）、クォ・ヴァディス（1913年）、カビリア（1914年）などの芸術的で叙事詩的な映画が、書籍や舞台劇の翻案として製作された。イタリアの映画製作者たちは、複雑なセットデザイン、豪華な衣装、記録的な予算を用いて、先駆的な映画を製作していた。20世紀初頭にはサイレント映画が発展し、第一次世界大戦終結まで数多くのイタリア人スターが活躍した。[ 9 ]
ヨーロッパ最古のアバンギャルド映画運動であるイタリア未来派は、1910年代後半に起こった。[ 10 ] 1920年代の衰退期を経て、イタリア映画産業は1930年代にトーキー映画の登場により活性化した。この時期に人気を博したイタリアのジャンルであるテレフォニ・ビアンキは、華やかな背景を持つコメディで構成されていた。カリグラフィズモは、テレフォニ・ビアンキのようなアメリカンスタイルのコメディとは対照的で、芸術的で、非常に形式主義的で、表現力豊かで複雑であり、主に現代の文学作品を扱っている。イタリアのファシスト政権は、特にチネチッタ・スタジオ（ヨーロッパ最大の映画スタジオ）の建設など、国内の映画産業に財政支援を行ったが、検閲も行ったため、1930年代後半に制作されたイタリア映画の多くはプロパガンダ映画となった。第二次世界大戦の終結とともに、影響力のあるイタリアのネオリアリズム運動が誕生し、戦後を通じて観客や批評家の間で広く受け入れられるようになった[ 11 ] 。この運動は、ルキノ・ヴィスコンティ、ロベルト・ロッセリーニ、ヴィットリオ・デ・シーカといった監督のキャリアをスタートさせた。ネオリアリズムは1950年代後半に衰退し、フェデリコ・フェリーニやミケランジェロ・アントニオーニといった重要な監督によるコメディア・アッラ・イタリアーナのような軽妙な映画が主流となった。ソフィア・ローレン、ジュリエッタ・マシーナ、ジーナ・ロロブリジーダといった女優たちはこの時期に国際的なスターダムにのし上がった[ 12 ] 。
1950年代半ばから1970年代末にかけて、作家主義映画の影響でコメディア・アッラ・イタリアーナをはじめとする多くのジャンルが生まれ、イタリア映画は国内外で高い評価を得ました。[ 13 ] [ 14 ]スパゲッティ・ウェスタンは1960年代半ばに人気を博し、セルジオ・レオーネ監督のドル三部作で頂点を迎えました。この作品では、作曲家エンニオ・モリコーネによる謎めいた音楽が、西部劇のポップカルチャーの象徴となっています。1970年代にマリオ・バーヴァやダリオ・アルジェントといった監督によって制作されたエロティックなイタリアン・スリラー、いわゆるジャッロは、世界中のホラー映画に影響を与えました。1980年代以降、様々な要因によりイタリア映画は危機に陥りましたが、イタリア映画の復興のおかげで、1990年代から新世紀にかけて質の高い映画が制作され、世界中で賞賛され、高く評価されるようになりました。[ 15 ] [ 16 ] [ 17 ] 1980 年代と 1990 年代には、エルマンノ オルミ、ベルナルド ベルトルッチ、ジュゼッペ トルナトーレ、ガブリエレ サルヴァトーレス、ロベルト ベニーニなどの監督がイタリア映画に批評家の称賛をもたらしましたが、2000 年代と 2010 年代で最も人気のある監督はマッテオでした[ 12 ]ガローネ、パオロ・ソレンティーノ、マルコ・ベロッキオ、ナンニ・モレッティ、マルコ・トゥーリオ・ジョルダーナ。[ 18 ]
この国は、世界最古の映画祭であり、1932年から毎年開催され、金獅子賞を授与する権威あるヴェネツィア国際映画祭でも有名です。[ 19 ] 2008年には、ヴェネツィア国際映画祭と並行して開催されるヴェネツィア・デイズ（「ジョルナーテ・デッリ・アウトーリ」）が、チネチッタ・スタジオと文化遺産省と協力して、 1942年から1978年の間に国の集合的記憶を変えた100本の映画のリスト、「保存すべき100のイタリア映画」を作成しました。
ダヴィッド・ディ・ドナテッロ賞は、国内で最も権威のある賞の1つです。[ 20 ]イタリア映画アカデミーがチネチッタ・スタジオで 授与するこの賞では、受賞者に有名な彫像のミニチュア版が贈られます。伝統に従い、最終候補者はまずクイリナーレ宮殿でイタリア大統領に謁見します。このイベントは、アメリカのアカデミー賞に相当するイタリアの賞です。
イタリア映画の歴史は、フランスのリュミエール兄弟が1895年12月28日に映画の最初の一般公開上映を行い、これが映画の誕生とみなされている出来事から数か月後に始まった。[ 7 ] [ 8 ]最初のイタリア人監督は、リュミエール兄弟の協力者であり、 1861年から1946年までイタリアを統治したサヴォイア家の公式写真家となったヴィットリオ・カルチーナであると考えられている。[ 21 ]この役割で、彼は1896年に最初のイタリア映画『Sua Maestà il Re Umberto e Sua Maestà la Regina Margherita a passeggio per il parco a Monza』 （ウンベルト国王陛下とマルゲリータ王妃陛下がモンツァ公園を散策）を撮影した。この映画は、 1979年に国立映画保存館によって再発見されるまで失われたと考えられていた。[ 22 ]
リュミエール兄弟は1896年3月にローマとミラノで、4月にナポリ、サレルノ、バーリで、6月にリヴォルノで、8月にベルガモ、ボローニャ、ラヴェンナで、10月にアンコーナで、[ 23 ] 12月にトリノ、ペスカーラ、レッジョ・カラブリアで、イタリアでの一般向け上映を開始した。[ 24 ]その少し前の1895年に、フィロテオ・アルベリーニは、リュミエール兄弟のものとよく似た撮影・投影装置である「キネトグラフ」の特許を取得した。[ 12 ] [ 25 ]
1890年代後半から1900年代初頭にかけて、イタリアのリュミエール兄弟の研修生たちは、日常生活や漫画を記録した短編映画を制作した。間もなく、他の先駆者たちも台頭してきた。イタロ・パッキオーニ、アルトゥーロ・アンブロージオ、ジョヴァンニ・ヴィトロッティ、ロベルト・オメーニャも活躍した。短編映画はたちまち成功を収めた。映画は、遠く離れた地理的現実をかつてないほどの精度で映し出す能力、そして逆に、日常の瞬間を永遠に刻み込む能力で人々を魅了した。スポーツイベント、地域のイベント、激しい交通渋滞、列車の到着、有名人の訪問、さらには自然災害や災難までもが撮影された。
当時のタイトルには、Arrivo del treno alla Stazione di Milano (「ミラノ駅への列車の到着」) (1896 年)、La Battaglia di neve (「雪の戦い」) (1896 年)、La gabbia dei matti (「狂人の檻」) (1896 年)、Ballo in famiglia (「家族のダンス」) (1896 年)、Il finto などがあります。 storpio al Castello Sforzesco (「スフォルツェスコ城の偽の廃人」) (1896 年) とLa Fiera di Porta Genova (「ポルタ・ジェノバの見本市」) (1898 年) はすべてイタロ・パッキオーニによって撮影されました。彼はカメラと映写機の発明者でもあり、ミラノのチネテカ・イタリアーナに保管されているリュミエール兄弟の映画撮影にインスピレーションを受けました。[ 26 ]
大衆の関心が熱狂的であったとしても、少なくとも当初は、知識人や報道機関によって、この技術的新しさは冷遇される可能性が高かっただろう。[ 27 ]当初は疑念があったものの、わずか2年で映画は社会階層を駆け上がり、富裕層を魅了した。1897年1月28日、モンテネグロのヴィットリオ・エマヌエーレ王子とエレナ王女は、フィレンツェのピッティ宮殿の一室でヴィットリオ・カルチーナが主催した上映会に出席した。[ 28 ]新しいメディアでの実験に興味を持った彼らは、SAR il Principe di Napoli e la Principessa Elena visitano il battistero di S. Giovanni a Firenze（「ナポリ王子とエレナ王女、フィレンツェの聖ヨハネ洗礼堂を訪れる」）で撮影され、結婚式の日にはDimostrazione popolare alle LL. AA で撮影された。 i Principi sposi (al Pantheon – Roma) ("高みでの王子の配偶者たちの大衆デモ（ローマのパンテオンにて）"). [ 29 ] [ 30 ]
20世紀初頭、イタリア全土で移動映画館という現象が発展し、視覚メディアのリテラシーが普及した。[ 31 ]この革新的なスペクタクル形式は、ヨーロッパ人の想像力を刺激し、映像の共通市場の流通を促進した幻灯機、映画撮影装置、立体鏡、パノラマ、ジオラマなどの数々の視覚的アトラクションを短期間で駆逐した。[ 32 ]そのため、黎明期のイタリア映画は、コメディア・デッラルテの伝統的なショーや、サーカスの民俗芸能に典型的なものと結びついている。公開上映は、物語を宣伝し、豊かにする役割を担う詐欺師の立ち会いのもと、街頭、カフェ、またはバラエティ劇場で行われる。[ 33 ]
1903年から1909年の間に、それまで奇異な現象と見なされていたイタリアの巡回映画は、4つの主要な組織によって主導され、本格的な産業としての特徴を帯びるようになりました。その組織とは、イタリア初の映画製作会社であり、おそらくイタリアで最も有名で最大規模の映画会社であるタイタナス（当初はモノポリオ・ロンバルド）[34] 、 1904年にグスタボ・ロンバルドがナポリで 設立したチネス、ローマに拠点を置くチネス、そしてトリノに拠点を置くアンブロシオ・フィルムとイタラ・フィルム[ 24 ]です。ミラノにもすぐに他の会社が続き、これらの初期の会社はすぐに立派な製作品質を達成し、イタリア国内と海外の両方で製品を販売することができました。初期のイタリア映画は通常、マリオ・カセリーニ監督の『オテロ』（1906年）や、エドワード・ブルワー＝リットンの同名小説を翻案したアルトゥーロ・アンブロジオ監督の『ポンペイ最後の日』 （1908年）など、書籍や舞台劇の翻案で構成されていた。この時期には、カセリーニのベアトリス・チェンチ(1909 年) やウーゴ・ファレナのルクレツィア・ボルジア(1910 年) など、歴史上の人物を題材にした映画も人気がありました。
1905年、映画雑誌『シネス』は歴史映画というジャンルを創刊し、この10年間で多くのイタリア人映画製作者に大きな成功をもたらした。その最初の作品の一つが、フィロテオ・アルベリーニ監督による10分間の映画『ローマの占領』 （1905年）である。アルベリーニ監督は、初めて舞台俳優を起用し、歴史的事実を大衆的かつ教育的な視点から描いた。マンゾーニの「歴史小説を説得力のあるものにする」という教訓を取り入れたこの映画は、 1870年9月20日のローマ占領を再現している。
映画という媒体の壮大な可能性の発見は、国のあらゆる文化的、歴史的示唆を取り入れることができる、野心的な映画の発展を促した。[ 24 ]教育はアイデアの尽きることのない源であり、そのアイデアは教養のある人々だけでなく大衆にも容易に受け入れられる。[ 24 ]モンテ・クリスト伯、ジョルダーノ・ブルーノ、ホロフェルネスの首を刎ねるユディト、フランチェスカ・ダ・リミニ、ロレンツィーノ・デ・メディチ、リゴレット、ウゴリーノ伯爵など、数十ものテキストの登場人物がスクリーンに登場する。[ 24 ]図像学的観点からは、主な参照元は偉大なルネサンスおよび新古典主義の芸術家、象徴主義者、そして民衆の挿絵である。[ 36 ]
1910 年代、イタリアの映画産業は急速に発展しました。最大の拡張が行われた1912年には、トリノで569本、ローマで420本、ミラノで120本の映画が製作された[ 37 ] 。初期のイタリアの人気俳優には、エミリオ・ギオーネ、アルベルト・コロ、バルトロメオ・パガーノ、アムレート・ノヴェッリ、リダ・ボレッリ、イダ・カルローニ・タリ、リディア・クアランタ、マリア・ジャコビーニなどがいた。[ 12 ]
ニノ・マルトリオ監督、1914年製作のサイレントドラマ映画『闇に迷って』は、ナポリのスラム街の生活を描いた作品で、1940年代から1950年代にかけてのイタリア・ネオリアリズム運動の先駆けとみなされている。 [ 12 ]この映画の現存する唯一のコピーは、第二次世界大戦中にナチス・ドイツ軍によって破壊された。 [ 39 ]この映画は、ロベルト・ブラッコによる1901年の同名の戯曲に基づいている。
第一次世界大戦勃発までの3年間、映画製作が本格化するにつれ、神話映画、喜劇映画、ドラマ映画が世界中に輸出されるようになった。一方、俳優の世界では、スターダムという現象が生まれ、数年間は止まることのない成功を収めることになる。10年の終わりには、ローマが主要な映画製作拠点としての地位を確固たるものにした。この地位は、業界を周期的に揺るがす危機にもかかわらず、今日まで維持され続けることになる。
この映画ジャンルの原型は、アルトゥーロ・アンブロージオとルイージ・マッジによる『ポンペイ最後の日』（1908年）と、マッジ自身とアリゴ・フルスタによる『ネロ』（1909年）である。この最後の映画は、ピエトロ・コッサの作品に触発されたもので、図像的にはバルトロメオ・ピネッリのエッチング、新古典主義、そしてバーナム・サーカスで上演されたショー『ネロ、あるいはローマの破壊』に基づいている。[ 40 ]続いて、ジュゼッペ・デ・リグオーロによる『ヴェネツィア総督マリン・ファリエロ』（1909年）、ヤンボによる『オテロ』（1909年）、ベルトリーニ、パドヴァン、デ・リグオーロによる『オディッセア』（1911年）が続いた。
1911年にミラノ・フィルムズが製作した『地獄篇』は、ダンテの『神曲』の翻案である以前に、ギュスターヴ・ドレの版画を映画化したもので、視覚効果と舞台アクションの融合を試みており、イタリア初の長編映画となった。 [ 41 ]エリューテリオ・ロドルフィ監督の『ポンペイ最後の日』（1913年）は、革新的な特殊効果を用いた。
エンリコ・グアッツォーニの1913年の映画『クォ・ヴァディス』は、数千人のエキストラと豪華なセットデザインを使用した、映画史上初のブロックバスターの1つでした。 [ 42 ]この映画の国際的な成功は、このジャンルの成熟を示し、グアッツォーニが『アントニーとクレオパトラ』（1913年）や『ジュリアス・シーザー』（1914年）のような、ますます壮大な映画を製作することを可能にしました。ジョヴァンニ・パストローネの1914年の映画『カビリア』はさらに大規模な作品で、製作に2年と記録的な予算を要し、史上初の叙事詩的映画であり、最も有名なイタリアのサイレント映画と考えられています。[ 37 ] [ 43 ]また、ホワイトハウスで上映された史上初の映画でもありました。[ 44 ] [ 45 ] [ 46 ]グアッツォーニの後には、エミリオ・ギオーネ、フェボ・マリ、カルミネ・ガローネ、ジュリオ・アンタモロなど、このジャンルの拡大に貢献した多くの人々が続いた。
『カビリア』の大成功後、大衆の嗜好の変化と産業危機の兆候が現れ始め、このジャンルは危機の兆しを見せ始めた。パストローネが何千人ものエキストラを登場させて聖書を映画化するという計画は実現しなかった。アンタモロの『キリスト』（1916年）とグアッツォーニの『十字軍』（1918年）は、図像の複雑さで注目を集めたものの、実質的な新しさはなかった。過去の壮大さを取り戻そうとする散発的な試みはあったものの、歴史大作映画の流行は1920年代初頭に途絶えた。
20世紀の最初の10年間と20年間には、調査やミステリーをテーマにした映画が数多く製作され、それを映画化するのに適したイタリア国内外の文学作品が豊富に存在した。後にジャッロ映画の集大成となる作品群は、実際にはイタリア映画の黎明期に製作・配給されていた。1910年代に最も多くの作品を製作した映画製作会社は、 Cines、Ambrosio Film、Itala Film、Aquila Films、Milano Filmsなど多数あり、Il delitto del magistrato (1907)、Il cadavere misterioso (1908)、Il piccolo Sherlock Holmes (1909)、L'abisso (1910)、Alibi atroce (1910)といった作品は、より幅広い作品を求める初期の映画ファンたちの想像力を刺激した。こうした作品はフランスやアングロサクソン市場でも配給されているため、映画業界がさらなる製作資源を投入するよう促すほど、広く支持されている。そのため、オレステ・メンタスティ、ルイージ・マッジ、アリーゴ・フルスタ、ウバルド・マリア・デル・コッレといったこの分野で最も多作な監督をはじめ、あまり知られていない多くの監督たちが、サイレント映画の初期のジャッロ映画の古典的な物語要素（ミステリー、犯罪、捜査、そして最後のどんでん返し）を映画的表現の構造的側面とする数十本の映画を監督している。
エルヴィラ・ノタリはイタリア初の女性監督であり、世界映画史上初の映画監督の一人であり、『カルメラ、モンテサントのサルティーナ』（1916）を監督しました。パレルモ滞在中に、ルカレッリ映画は『La cassaforte n.』を制作しました。 8 (1914) とIpnotismo (1914)、アズーリ映画La regina della notte (1915)、ルーメン映画Il romanzo Fantasyto del Dr. Mercanton o il giustiziere invisibile (1915) およびProfumo mortale (1915) のすべての映画は、その後の数十年間で増殖したプロトジャッロに起因します。その後のジャッロ誕生の準備となる。
1913年から1920年にかけて、マリオ・カゼリーニ監督の『我が愛は死なねばならない』（1913年）の公開を契機に、映画スターという現象が台頭、発展、そして衰退した。この映画は大衆に大成功を収め、女性スターの地位と美学を確立した。わずか数年のうちに、エレオノーラ・ドゥーゼ、ピナ・メニケッリ、リナ・デ・リグオーロ、レダ・ギス、ヘスペリア、ヴィットリア・レパント、マリー・クレオ・タルラリーニ、イタリア・アルミランテ・マンジーニといったスターたちがその地位を確立した。
カルミネ・ガローネ監督の『フィオル・ディ・マーレ』（1914年）、ジョヴァンニ・パストローネ監督の『イル・フオーコ』（1915年）、ニーノ・オキシリア監督の『ラプソディア・サタニカ』 （1917年）、フェボ・マリ監督の『チェネレ』（1917年）などの映画は、国民の衣装を変え、美の規範、ロールモデル、欲望の対象を押し付けた。[ 47 ]これらのモデルは、当時の文化的および芸術的傾向に従って強く様式化され、自然主義から離れてメロドラマチックな演技、絵画的な身振り、演劇的なポーズを好むようになり、女優の表現力に注目を集めるクローズアップの絶え間ない使用によって、すべてが促進された。 [ 48 ]
イタリアで最も成功したコメディアンは、イタリアではクレティネッティとしてよく知られているアンドレ・ディードで、イタラ・フィルムのコメディ短編映画のスターだった。その成功は、マルセル・ファーブル（ロビネ）、エルネスト・ヴァセル（フリコ）など多くのコメディアンの道を開いた。しかし、ある程度の実力を持った唯一の俳優は、ポリドールという芸名で有名になったフェルディナン・ギヨームだった。[ 49 ]
これらの映画の歴史的価値は、承認欲求と現在の不確実性の間で引き裂かれた小ブルジョア社会の願望と恐怖を明らかにする能力にある。イタリアの喜劇の主人公たちは、社会と公然と対立したり、社会への復讐の願望を体現したりすることは決してなく（例えばチャールズ・チャップリンのように）、むしろ強く望む世界に溶け込もうとしたことは重要である。[ 50 ]
イタリア未来派映画は、ヨーロッパのアヴァンギャルド映画の中で最も古い運動でした。[ 10 ]芸術的かつ社会的な運動であるイタリア未来派は、1916年から1919年にかけてイタリア映画産業に影響を与えました。[ 51 ]それはロシア未来派映画[ 52 ]とドイツ表現主義映画[ 53 ]に影響を与えました。その文化的意義は大きく、その後のすべてのアヴァンギャルドや物語映画の作家に影響を与え、その反響はアルフレッド・ヒッチコックのいくつかの映画の夢のようなビジョンにまで広がっています。[ 54 ]
未来派は、ダイナミズム、スピード、テクノロジー、若さ、暴力、そして自動車、飛行機、工業都市といった事物を強調した。その主要人物は、イタリア人のフィリッポ・トンマーゾ・マリネッティ、ウンベルト・ボッチョーニ、カルロ・カッラ、フォルトゥナート・デペロ、ジーノ・セヴェリーニ、ジャコモ・バッラ、ルイージ・ルッソロであった。未来派は近代性を賛美し、イタリアを過去の重荷から解放することを目指した。[ 55 ]
1916年の「未来派映画宣言」には、フィリッポ・トンマーゾ・マリネッティ、アルマンド・ジンナ、ブルーノ・コッラ、ジャコモ・バッラらが署名した。未来派にとって、映画は斬新なメディアであり、スピード、特殊効果、編集によって自在に操ることができる理想的な芸術形式であった。この時代の未来的なテーマを扱った映画のほとんどは失われてしまったが、批評家たちはアントン・ジュリオ・ブラガリア監督の『タイス』（1917年）を最も影響力のある作品の一つとして挙げ、この作品がその後の10年間のドイツ表現主義映画の主要なインスピレーション源となったとしている。
イタリア映画産業は、第一次世界大戦後の数年間、外国の競争激化に苦戦した。[ 12 ]シネスやアンブロジオなどの大手スタジオは、映画製作の国家戦略を調整するためにイタリア映画連合を結成した。しかし、製作と上映の間に大きな乖離があったため（一部の映画は製作から数年後に公開された）、この取り組みは概ね失敗に終わった。[ 56 ]
第一次世界大戦の終結とともに、イタリア映画は、製作の混乱、コストの増加、技術的な後進性、海外市場の喪失、国際競争、特にハリウッドとの競争への対応能力の欠如など、多くの要因により危機の時期を迎えた。[ 57 ]主な原因としては、世代交代が起こらず、製作は依然として文学的訓練を受けた映画製作者やプロデューサーによって支配されており、近代化の課題に対応できなかったことが挙げられる。1920年代前半は製作本数が急激に減少し、1921年には350本だったのが、1924年には60本にまで減少した。[ 58 ]
文学と演劇は依然として物語の主要な源泉である。風刺劇は抵抗を続け、主に古典や大衆文学を題材とし、ロベルト・ロベルティやジュリオ・アンタモロの宗教的大作といった専門家によって演出されている。最新世代のディーバたちを基盤として、女性向けの感傷的な映画が広まった。これは、社会の周縁にいる人物を中心に据え、現代のハリウッド映画のように自らを解放しようと奮闘するのではなく、自らの貞操を守るために真の試練を経験するものである。女性主人公による抗議や反乱は論外である。これは、戦争によって混乱し、ヨーロッパ全土で崩壊の過程にある社会規範に縛られた、非常に保守的な映画である。その典型的な例が、エウジェニオ・ペレゴの『女の物語』 （1920年）であり、独創的な物語構成を用いて、メロドラマチックなトーンで19世紀の道徳観を提示している。[ 59 ]
イタリア映画初の女性監督エルヴィラ・ノタリの作品によるリアリズム設定のジャンルは特に有名で、彼女はポピュラー演劇の影響を受け、有名なドラマ、ナポリ民謡、付録小説から着想を得たり、年代記の事実から着想を得たりした数多くの映画を監督した。[ 60 ]リアリズム設定の別の映画としては、ニーノ・マルトリオ監督の『闇に迷って』 （1914年）があり、批評家からはネオリアリズム映画の代表例とみなされている。[ 61 ]
イタリア映画の復興は、1920年代末に大規模な映画製作によって実現した。この時期、アレッサンドロ・ブラゼッティ率いる隔週刊映画雑誌「シネマトグラフォ」に近い知識人グループが、シンプルでありながら野心的なプログラムを開始した。イタリアの文化的後進性を認識していた彼らは、それまでイタリア映画にほとんど存在しなかった農民の世界を再発見することで、これまでの伝統とのあらゆる繋がりを断ち切ることを決意した。アレッサンドロ・ブラゼッティの『太陽』 （1929年）は、ファシスト政権の利益に沿ってイタリア映画を刷新しようとする試みの中で、ソ連とドイツのアヴァンギャルドの影響を顕著に示している。マリオ・カメリーニの『レール』（1929年）は、伝統的な喜劇のジャンルと室内劇、リアリズム映画を融合させ、監督の中産階級の人物像を描き出す能力を明らかにしている。[ 62 ]カメリーニとブラゼッティの作品は、同時代の国際映画の最高傑作には及ばないものの、イタリアの監督と知識人の世代交代、そして何よりも文学的モデルからの解放と大衆の好みに寄り添う姿勢を証明している。
トーキー映画は『ジャズ・シンガー』（1927年）の公開から3年後の1930年にイタリアに伝わり、すぐにトーキー映画の正当性や演劇との関係についての議論を引き起こした。一部の監督は新しい挑戦に熱心に取り組んだ。トーキーの登場はファシスト政権によるより厳しい検閲につながった。[ 12 ]
イタリア初のトーキー映画はジェンナーロ・リゲッリ監督の『愛の歌』（1930年）で、大衆に大成功を収めた。アレッサンドロ・ブラゼッティも『愛の歌』より前に撮影され、数か月後に公開された映画『復活』（1931年）で、音声に光学トラックを使用する実験を行った。 [ 63 ]リゲッリの映画に似ているのは、ヴィットリオ・デ・シーカの映画デビュー作となったマリオ・カメリーニ監督の『悪党どもめ！』（1932年）である。ブラゼッティ監督の『1860』（1934年）やカルミネ・ガローネ監督の『スキピオ・アフリカヌス：ハンニバルの敗北』（1937年）などの歴史映画もこの時期に人気があった。[ 12 ]
トーキー映画への移行に伴い、演劇的な様式に固執していたイタリアのサイレント映画俳優の多くは、その地位を失った。1920年代をかろうじて生き延びたディーバ、ダンディ、そして力持ちの時代は、完全に終わりを告げた。一部の俳優は監督やプロデューサーへと転身するものの、トーキーの登場は世代交代とそれに伴う映画界の構造の近代化を促した。
イタリア生まれの監督フランク・キャプラは、『或る夜の出来事』 （1934年、アカデミー賞の主要5部門を初めて受賞）、 『ディーズ氏、町へ行く』（1936年）、『我が家の楽園』（1938年）の3作品でアカデミー監督賞を3度受賞した。
1932年、世界最古の映画祭であり、カンヌ国際映画祭、ベルリン国際映画祭と並ぶ「三大映画祭」の一つであるヴェネツィア国際映画祭が設立されました。[ 64 ] [ 65 ] [ 66 ] [ 67 ]
1934年、イタリア政府は映画総局（Direzione Generale per le Cinematografia）を設立し、ルイージ・フレッディをその局長に任命した。ベニート・ムッソリーニの承認を得て、この総局は「映画は最も強力な武器である」というスローガンの下、ローマ南東部に映画専用の町、チネチッタ（「映画都市」）を設立することを提唱した。[ 69 ]スタジオは、1931年にどん底に達したイタリア映画産業を復活させる計画の一環として、ファシスト時代に建設された。 [ 70 ] [ 71 ]
ムッソリーニ自身が1937年4月21日にスタジオを開設した。[ 72 ]ポストプロダクションユニットとセットが建設され、当初は多用された。初期の映画『スキピオ・アフリカヌス』（1937年）や『鉄の冠』 （1941年）は、スタジオの技術的進歩を披露した。『スキピオ・アフリカヌス』の戦闘シーンの撮影には7000人が関わり、ザマの戦いの再現には生きた象が使われた。[ 73 ]
チネチッタは、映画製作に必要なあらゆるものを提供した。劇場、技術サービス、そして若い見習いのための映画学校である映画実験センター（ Centro Sperimentale di Cinematografia ）まで備えていた。チネチッタのスタジオはヨーロッパで最も先進的な製作施設であり、イタリア映画の技術的品質を大きく向上させた。 [ 12 ]現在でも多くの映画がチネチッタで全編撮影されている。ベニート・ムッソリーニは、第二次世界大戦までファシストのプロパガンダ映画製作のためにもチネチッタ・スタジオを設立した。[ 74 ]
この時期、ムッソリーニの息子ヴィットリオは、国営制作会社を設立し、著名な作家、監督、俳優（中には政敵も含まれる）の作品を組織した。これにより、彼らの間に興味深いコミュニケーションネットワークが構築され、数々の著名な友情が生まれ、文化交流が促進された。
面積40万平方メートル（99エーカー）を誇るチネチッタは、現在でもヨーロッパ最大の映画スタジオであり[ 68 ]、イタリア映画の中心地とみなされている。フェデリコ・フェリーニ、ロベルト・ロッセリーニ、ルキノ・ヴィスコンティ、セルジオ・レオーネ、ベルナルド・ベルトルッチ、フランシス・フォード・コッポラ、マーティン・スコセッシ、メル・ギブソンといった映画監督たちがチネチッタで仕事をしてきた。3,000本以上の映画がここで撮影され、そのうち90本がアカデミー賞にノミネートされ、47本が受賞した[ 75 ] 。
1930年代には、イタリア映画界では「白い電話」と呼ばれる軽喜劇が主流だった。[ 12 ]これらの映画は豪華なセットデザインを特徴とし、保守的な価値観と権威への敬意を奨励していたため、通常は政府の検閲を免れていた。「白い電話」は、その後の数十年間で名を馳せることになる多くの脚本家（チェーザレ・ザヴァッティーニやセルジオ・アミデイなど）や、とりわけグイド・フィオリーニ、ジーノ・カルロ・センサニ、アントニオ・ヴァレンテといった多くのセットデザイナーの試金石となった。彼らの成功したグラフィックの発明により、これらの作品は当時の小ブルジョア美学の「集大成」のようなものとなった。[ 76 ] [ 77 ]
テレフォニ・ビアンキというジャンルの最初の映画は、ゴフレード・アレッサンドリーニ監督の『私設秘書』（1931年）である。[ 78 ]作者の中では、マリオ・カメリーニがこのジャンルを代表する監督である。1930年代にさまざまな傾向を実践した後、彼は喜んでセンチメンタル・コメディの領域に進み、『悪党どもはなんという男だ！』（1932年）、『マックス氏』（1937年）、『デパート』 （1939年）を制作した。他の映画では、フランク・キャプラのハリウッド・スタイルのコメディ（『ハートビート』、1939年）やルネ・クレールのシュールなコメディ（『百万ドルあげよう』、1936年）と比較している。カメリーニは典型的な大衆的なイタリア人の姿に興味を持っており、将来のイタリア・コメディのいくつかの要素を先取りしている。[ 79 ]彼の主要な解釈者であるヴィットリオ・デ・シーカは、 『マッダレーナ』、『ゼロ・フォー・コンダクト』（1940年）、『テレサ・ヴェネルディ』 （1941年）でその教えを継続し、何よりも俳優の演出と舞台装置への配慮を強調する。
その他の監督には、マリオ・マットーリ（『女学生日記』、1941年）、ジャン・ド・リムール（『幻影』、1944年）、マックス・ノイフェルト（『恥の家』、1938年、『1ヶ月千リラ』 、1939年）などがいる。マリオ・ボナールのリアリズム喜劇（ 『郵便配達人の前で』、1942年、『行商人と貴婦人』、1943年）は、性格がやや異なり、テレフォニ・ビアンキの作風からやや逸脱している。
ファシストのプロパガンダ映画では、当初、部隊や最初のファシストの行動の描写は稀だった。アレッサンドロ・ブラゼッティの『老衛兵』（1934年）は、大衆的なトーンで部隊の生命力あふれる自発性を喚起するが、公式の批評家からは評価されなかった。[ 80 ]ジョヴァッキーノ・フォルツァーノの『黒シャツ』（1933年）は、ローマ進軍10周年を記念して制作され、物語の場面とドキュメンタリーの場面を交互に用いて、政権の政策（ポンティーネ湿地の干拓とリトリアの建設）を称賛した。
政治的な権力基盤が固まるにつれ、政府当局は映画産業に対し、政権と国の歴史や文化との結びつきを強化するよう要求した。そのため、ジョアッキーノ・ヴォルペの歴史叙述の系譜を受け継ぎ、あらゆる過去の出来事を「ファシスト革命」の先駆けとして目的論的に還元し、権威主義的な視点からイタリアの歴史を読み直そうとする意図が生まれた。この方向への最初の試みは、とりわけリソルジメントとファシズムの結びつきを強調することを目的としていた（フォルツァーノ監督の『ヴィラフランカ』、1933年、ブラゼッティ監督の『 1860』、1933年）が、戦争直前にその傾向は頂点に達した。ゴッフレード・アレッサンドリーニ監督の『騎兵隊』（1936年）は、サヴォイア家の戦士たちの功績を部隊の先駆けとして描くことで、彼らの高潔さを喚起している。ルイス・トレンカーの『コンドッティエーリ』（1937年）はジョヴァンニ・デッレ・バンデ・ネーレの物語を語り、ベニート・ムッソリーニとの類似点を明確に示している一方、カルミネ・ガローネの『スキピオ・アフリカヌス：ハンニバルの敗北』（1937年）（当時最大の財政的努力の一つ）はローマ帝国、そして間接的にファシスト帝国を称賛している。[ 81 ]
エチオピア侵攻は、イタリアの監督たちに舞台設定の視野を広げる機会を与えた。[ 82 ]マリオ・カメリーニ監督の『大アピール』（1936年）は、「新天地」を労働と救済の機会として描写し、若い兵士たちの英雄的行為とブルジョワジーの恐れ知らずを対比させることで帝国主義を称賛している。植民地事業に伴う反平和主義論争は、イタリアのトリポリタニア砂漠で撮影された印象的な戦闘シーンとプロパガンダのレトリックを組み合わせたアウグスト・ジェニーナ監督の『白軍』（1936年）にも明らかである。帝国を称賛する映画のほとんどは主にドキュメンタリーであり、戦争を文明と野蛮の闘争として偽装することを目的としている。スペイン内戦は、ロモロ・マルチェリーニとアリバ・エスパーニャ、エスパーニャ、グランデ、リブレ!によるドキュメンタリー『ロス・ノヴィオス・デ・ラ・ムエルテ』 (1936 年)で説明されています。ジョルジョ・フェローニ監督の『アルカサル包囲戦』（1940年）は、ジョルジョ・フェローニ監督の『アルカサル包囲戦』（1940年）の舞台となっており、さらに十数本の映画の舞台となっている。[ 81 ]
アルド・ヴェルガーノ監督の『ピエトロ・ミッカ』（1938年）、アレッサンドロ・ブラゼッティ監督の『エットーレ・フィエラモスカ』（1938年） 、ジュリオ・アンタモロ監督の『ファンフルラ・ダ・ロディ』（1940年）といった映画も、（間接的ではあるものの）プロパガンダ映画とみなすことができる。これらの映画では、歴史的出来事の壮大な物語を口実に、祖国への献身（場合によっては個人的な犠牲にまで及ぶ）を明確に擁護しており、現代を舞台にした植民地時代の映画と同様の趣旨で描かれている。
イタリアが第二次世界大戦に参戦すると、ファシスト政権は生産に対する統制をさらに強化し、プロパガンダへのより断固とした取り組みを必要とするようになった。現在では定番となっているドキュメンタリー、短編映画、ニュース映画に加え、イタリアの戦争事業を称賛する長編映画も増加した。代表的な作品としては、ジェニーナ監督の『ベンガジ』 （1942年）、エソド・プラテッリ監督の『ジェンテ・デッラリア』（1943年）、マリオ・マットーリ監督の『三人のパイロット』 （1942年、ヴィットリオ・ムッソリーニの脚本に基づく）、カルロ・カンポガリアーニ監督の『イル・トレノ・クロチアート』（1943年）、カルミネ・ガローネ監督の『ハーレム』 （1943年）、ブラゼッティ監督のアルド・ヴェルガーノ監督の『山の男たち』（1943年）などが挙げられる。フランチェスコ・デ・ロベルティス監督の『ウオミニ・スル・フォンド』（1941年）も、ほぼドキュメンタリー的なアプローチで注目に値する。[ 83 ]
この時期の最も成功した映画は、ゴフレード・アレッサンドリーニ監督の『われら生きる者』（1942年）である。これは当初は一本の映画として製作されたが、長尺のため二部作として配給された。反共産主義ドラマのジャンルに属するこの陰鬱なメロドラマ（舞台はソビエト連邦）は、最も過激な哲学的個人主義を称賛する作家アイン・ランドの同名小説に触発されたものである。まさにこの権威主義に対する一般的な批判ゆえに、この二部作はファシスト政権に対する穏やかな非難と解釈できる。[ 84 ]
戦争プロパガンダに貢献した監督の中には、ロベルト・ロッセリーニもいる。彼は『白い船』（1941年）、『パイロットの帰還』（1942年）、『十字架を背負った男』 （1943年）からなる三部作の監督である。ある意味では円熟期の作品を先取りする形で、ロッセリーニは控えめで直接的なスタイルを採用した。それはプロパガンダの効果を否定するものでも、支配的な戦争のレトリックを賛美するものでもなく、彼が生涯を通じて忠実であり続けた反スペクタクル的なアプローチであった。[ 84 ]
第二次世界大戦終結までに、イタリアの「ネオリアリズム」運動が形を成し始めた。ネオリアリズム映画は、一般的に労働者階級を題材とし（白電話映画とは対照的）、ロケ撮影が行われた。多くのネオリアリズム映画は、すべてではないが、素人俳優を起用した。「ネオリアリズム」という用語は、ルキノ・ヴィスコンティの1943年の映画『オセッション』を形容するために初めて使用されたが、この運動にはいくつかの重要な先駆者があり、最も有名なのは、イタリア映画として初めて完全にロケ撮影されたカメリーニの『悪党どもめ！』（1932年）と、ブラゼッティの1942年の映画『雲の中の四歩』である。[ 86 ]
『オセッション』はファシスト当局を激怒させた。映画を見たヴィットリオ・ムッソリーニは「これはイタリアではない！」と叫んで劇場を出て行ったと伝えられている。[ 87 ]その後、この映画はファシスト支配下のイタリアで上映禁止となった。ネオリアリズムは戦後に爆発的に広まり、国際的に非常に大きな影響力を持ったが、この時期に製作されたイタリア映画の中でネオリアリズム映画はごくわずかだった。戦後のイタリアの映画ファンは、トトやアルベルト・ソルディといった俳優が出演する現実逃避的なコメディを好んだからである。[ 86 ]
ロベルト・ロッセリーニの三部作『ローマ、オープン・シティ』（1945年）、『パイサ』（1946年）、『ドイツ零年』 （1948年）などのネオリアリズム作品は、アンナ・マニャーニなどのプロの俳優と多数のアマチュア俳優を起用し、戦後イタリアの困難な経済的・道徳的状況と日常生活における人々の意識の変化を描写しようと試みた。ヴィスコンティの『大地は震える』（1948年）はシチリアの漁村でロケ撮影され、地元のアマチュア俳優が起用された。一方、ジュゼッペ・デ・サンティスは、 1949年の映画『苦い米』でシルヴァーナ・マンガーノやヴィットリオ・ガスマンなどの俳優を起用し、米の収穫期のポー川流域を舞台にしている。
ヴィットリオ・デ・シーカが脚本家チェーザレ・ザヴァッティーニと共同で脚本・監督した作品群では、詩情と人生の残酷さが調和的に融合している。代表作には『靴磨き』 （1946年）、『自転車泥棒』（1948年）、『ミラノの奇跡』（1951年）などがある。1952年の映画『ウンベルト・D』では、新しい社会の孤独の中で尊厳を捨てて物乞いをしなければならない、小さな犬を連れた貧しい老人が描かれている。この作品はおそらくデ・シーカの最高傑作であり、イタリア映画史における最も重要な作品の一つである。[ 88 ]商業的には成功しなかった[ 88 ]ため、イタリアのテレビで放映されたのは数回に過ぎない。しかし、一見静かなアクションの中に、新しい経済のルール、新しい精神性、新しい価値観に対する最も激しい攻撃が込められており、保守的な視点と進歩的な視点の両方を体現している。[ 88 ]
ウンベルト・Dはネオリアリズム時代の終わりと見なされているが、フェデリコ・フェリーニの『道』（1954年）やデ・シーカの『ふたりの女』（1960年、ソフィア・ローレンがアカデミー主演女優賞を受賞）などの後期の作品もこのジャンルに分類される。ピエル・パオロ・パゾリーニ監督の最初の映画『アッカトーネ』（1961年）は、ネオリアリズムの影響を強く受けている。[ 86 ]イタリアのネオリアリズム映画は世界中の映画製作者に影響を与え、フランスのヌーヴェルヴァーグやポーランド映画学校などの他の映画運動を刺激するのに役立った。ネオリアリズム時代は、批評家、映画製作者、学者によって、単にイタリア映画の「黄金時代」と呼ばれることが多い。
カリグラフィズモは、テレフォニ・ビアンキ（アメリカンスタイルのコメディ）とは対照的で、芸術的で、非常に形式主義的で、表現力豊かで、主に現代文学作品を扱っており、[ 91 ]とりわけコッラード・アルバロ、エンニオ・フライアーノ、エミリオ・チェッキ、フランチェスコ・パシネッティ、ヴィタリアーノ・ブランカティ、マリオ・ボンファンティーニ、ウンベルト・バルバロといったイタリアのリアリズム作家の作品を扱っている。[ 92 ]
このジャンルで最も有名な代表者は、長年にわたり作家兼監督として活躍し、文学的な系譜と堅固な形式構造を持つ映画で名を馳せたマリオ・ソルダティである。彼の映画は、ホワイトフォン映画やプロパガンダ映画には見られない、ドラマチックで心理的な強さを持つ登場人物を物語の中心に据えており、 『ドーラ・ネルソン』（1939年）、『古代の小さな世界』（1941年）、『悲劇の夜』（1942年）、『マロンブラ』（1942年） 、 『高き所で』（1943年）などの作品に見られる。すでに批評家として活躍していたルイージ・キアリーニは、『眠れる森の美女』（1942年）、『五つの月の通り』（1942年）、『宿屋の主人』（1944年）でこの傾向をさらに深めた。登場人物の内面的な葛藤や舞台美術の豊かさは、アルベルト・ラットゥアーダ（『理想主義者ジャコモ』、1943年）やレナート・カステラーニ（『ピストル・ショット』、1942年）の初期作品にも繰り返し見られる特徴であり、戦争の終結を予感させるような道徳的・文化的退廃感が作品全体を支配している。
書道的な映画のもう一つの重要な例は、マリオ・カメリーニ監督の映画版『婚約者』（1941年）である（マンゾーニの傑作の演出に非常に忠実である）。この作品は、その収益性の高さから、1941年から1942年にかけて最も人気のある長編映画となった。[ 93 ]
イタリアのアニメーションの先駆者は、ジッバとして知られるフランチェスコ・グイドである。第二次世界大戦終戦直後、彼はイタリア映画初の長編アニメーション映画『L'ultimo sciuscià 』（1946年）を制作した。この作品はネオリアリズム特有のテーマを取り上げており、続く10年間にはアントニオ・アッタナシと共同で長編映画『Rompicollo』と『I picchiatelli』を制作した。 [ 94 ] 1970年代には、多くのアニメーション・ドキュメンタリーの後、ジッバ自身がエロティックな『Il nano e la strega』（1973年）と『Il racconto della giungla』 （1974年）で長編映画に復帰する。また、画家であり舞台美術家でもあるエマヌエーレ・ルッツァーティの貢献も興味深い。彼はいくつかの貴重な短編映画の後、1976年にイタリアアニメーションの傑作の一つである『Il flauto magico 』（モーツァルトの同名のオペラに基づく）を制作した。
1949年、デザイナーのニーノ・パゴットはヴェネツィア国際映画祭で、当時最初のアニメーション長編映画の一つである『ダイナマイト・ブラザーズ』を発表した。この作品は、アニメーターのアントン・ジーノ・ドメネギーニが制作した『バグダッドのバラ』 （1949年）と同時公開された。[ 94 ] 1950年代初頭、漫画家のロマーノ・スカルパは短編映画『小さなフィアミフェライア』 （1953年）を制作したが、これは前述の2作品と同様、孤立した事例に過ぎない。これらの例を除けば、1950年代と1960年代のイタリアのアニメーションは、カロセッロ・コンテナから提供された様々な委託により、主要な現実にはならず、テレビ分野に限定されたままである。[ 95 ] [ 96 ]
しかし、イタリアのアニメーションが国際的な次元に達したのはブルーノ・ボゼットのおかげだ。彼のデビュー長編映画『ウエスト・アンド・ソーダ』（1965年）は、西部劇ジャンルの抗いがたい風刺であり、観客と批評家の両方から称賛を受けた。[ 94 ]数年後、彼の2作目となる『VIP マイ・ブラザー・スーパーマン』が公開され、1968年に配給された。多くの風刺的な短編映画（人気キャラクター「シニョール・ロッシ」を中心としたもの）の後、彼は最も野心的な作品とされる『アレグロ・ノン・トロッポ』（1977年）で長編映画に戻った。有名なディズニー映画『ファンタジア』に触発されたこの作品は、アニメーションのエピソードが多くのクラシック音楽の音符に合わせて形作られているミクストメディア映画である。もう1人の注目すべきイラストレーターは、1971年に（再びミクストメディア技法で）イタロ・カルヴィーノの同名の小説に基づいて『存在しない騎士』を撮影したアーティスト、ピノ・ザックである。
1990年代、イタリアのアニメーションは、トリノのランテルナ・マジカ・スタジオが1996年にエンツォ・ダロ監督の下、ジャンニ・ロダーリの短編小説を原作とした魅力的なクリスマスのおとぎ話『おもちゃがクリスマスを救った方法』を制作したことで、新たな制作段階に入った。この映画は成功を収め、他の長編映画への道を開いた。実際、1998年にはルイス・セプルベダの小説を原作とした『ラッキーとゾルバ』が公開され、観客の支持を集め、イタリアのアニメーション映画界に新たな頂点をもたらした。[ 97 ]
ランテルナ・マジカ・スタジオを離れたエンツォ・ダロ監督は、その後数年間で『モモ』（2001年）や『オポポモズ』（2003年）などの映画を製作した。トリノのスタジオは、同スタジオに代わって『木のアイーダ』（2001年）と『トト・サポーレとピザの魔法の物語』（2003年）を配給し、興行収入で好調な反応を得た。2003年には、パオロ・モドゥーニョ監督による、コンピュータグラフィックスを用いた初の完全イタリア製アニメーション映画『ジュリアとヴィータの冒険』が公開された。 [ 98 ]翌年ジッフォーニ映画祭で受賞したマリオ・カンビ監督の『レオの物語』（2007年）を強調しておく。
2010年、同名のシリーズを基にしたイジーニオ・ストラッフィ監督によるイタリア初の3Dアニメーション映画『Winx Club 3D: Magical Adventure』が制作されました。その間、エンツォ・ダロは『ピノキオ』（2012年）で劇場に復帰しました。2012年には、同じく3D技術で撮影された映画『Gladiators of Rome』が観客から好評を博し、続いてイジーニオ・ストラッフィ監督による長編映画『Winx Club: The Mystery of the Abyss』（2014年）が公開されました。最後に、アレッサンドロ・ラク監督による『The Art of Happiness』（2013年）がナポリで制作されました。この作品は、Mad Entertainmentスタジオのデザイナーとアニメーター10名を含む40名の制作者によって制作され、アニメーション映画としては真の絶対記録となりました。[ 99 ]ジャンバッティスタ・バジーレのテキスト「ペンタメローネ」を原作とした「シンデレラ・ザ・キャット」 （2017年）は、同じスタジオから生まれた。この作品はダヴィッド・ディ・ドナテッロ賞を2つ受賞し、そのうちの1つは特殊効果賞で、この部門でノミネートされ、受賞した最初のアニメーション映画となった。
1950年代半ばから、イタリア映画は純粋に実存的なテーマに取り組むことでネオリアリズムから脱却し、さまざまなスタイルと視点を持つ、しばしば描写よりも内省的な映画を制作するようになった。[ 100 ]こうして、映画芸術の発展に根本的な貢献をする新たな映画監督たちの開花を目の当たりにしている。[ 100 ]
ミケランジェロ・アントニオーニは、現代映画の基準となる作家として最初に地位を確立した。[ 101 ]この斬新さは、監督の最初の作品である『恋物語』（1950年）がネオリアリズムの世界との決定的な決別と、それに伴う現代映画の誕生を告げるものであったことから、最初から明らかである。[ 101 ]アントニオーニは、戦後の映画のレンズから外れていたイタリアのブルジョワジーの世界を批判的な目で調査した。そうすることで、『I Vinti』（1952年）、『椿のない女』（1953年） 、 『Le Amiche』 （1955年）といった心理学的研究作品が世に出た。『Le Amiche』は、チェーザレ・パヴェーゼの短編小説『Tra donne sole』を自由に翻案したものである。1957年には、異色のプロレタリア劇『Il Grido』を上演し、批評家から高い評価を得た。
1955年にダヴィッド・ディ・ドナテッロ賞が設立され、最優秀作品賞が初めて授与されたのは1970年のことでした。イタリア・ルネサンスの象徴的な彫像であるドナテッロのダヴィデ像にちなんで名付けられたこの賞は、イタリア映画アカデミー（Accademia del Cinema Italiano）が毎年授与する映画賞です。 [ 102 ]
フェデリコ・フェリーニは、史上最も偉大で影響力のある映画監督の一人として認められています。[ 104 ]フェリーニは『甘い生活』でパルム・ドールを受賞し、アカデミー賞に12回ノミネートされ、外国語映画賞を4回受賞しました。これはアカデミー史上、監督として最多の受賞回数です。ロサンゼルスで開催された第65回アカデミー賞では、生涯功労賞を授与されました。彼の他の有名な作品には、『道』（1954年）、『カビリアの夜』（1957年）、『魂のジュリエット』（1967年）、『サテリコン』（1969年）、『ローマ』（1972年）、『アマルコルド』（1973年）、『フェリーニのカサノバ』（1976年）などがあります。
フェリーニの映画は、個人的で非常に独特な社会観に基づいており、記憶、夢、幻想、欲望が独自に融合したものである。「フェリーニ風」や「フェリーニ的」という形容詞は、「映画や芸術全般における、あらゆる種類の奇抜で空想的、さらにはバロック的なイメージと同義」である。[ 105 ]『甘い生活』は、ジャーナリストのマルチェロ・ルビーニ（マルチェロ・マストロヤンニ）の写真家仲間であるパパラッチから派生した「パパラッチ」という言葉を英語にもたらしている。 [ 106 ]
ティム・バートン[ 107 ] 、テリー・ギリアム[ 108 ] 、エミール・クストリッツァ[ 109 ]、デヴィッド・リンチ[ 110 ]といった現代の映画監督たちは、フェリーニが自分たちの作品に与えた影響について言及している。
ウンベルト・Dは新現実主義時代の終焉とみなされているが、その後の作品はより明るく、甘美で、やや楽観的な雰囲気に向かい、経済ブーム直前のイタリアの好転する状況により合致したものとなった。このジャンルはピンク・ネオリアリズムとして知られるようになった。
ピンク・ネオリアリズムの先駆者はレナート・カステラーニであり、彼はロケ撮影で素人俳優を起用した『ローマの太陽の下で』（1948年）と『永遠の春』（1949年）でリアリズム・コメディを流行させ、そして何よりもピンク・ネオリアリズムの基礎を築いた『二セントの希望』（1952年）で大衆的な成功と批評を巻き起こした。[ 111 ]
大衆的なコメディとリアリズムのモチーフを組み合わせたピンク・ネオリアリズムの注目すべき映画としては、ルイージ・コメンチーニ監督の『パン、愛、そして幻想』（1953年）とディーノ・リージ監督の『貧乏美男』 （1957年）があり、どちらの作品もイタリアの衣装の進化と完璧に調和している。[ 112 ]この2作品の興行収入の大きな伸びは、続編の『パン、愛、そして嫉妬』（1954年）、『ソレントのスキャンダル』（1955年）、『貧乏美男』 （1957年）でもほとんど変わらず、これらもルイージ・コメンチーニとディーノ・リージが監督を務めた。
同様に、穏やかな皮肉を交えながら（社会構造を見失うことなく）日常を描いた物語は、ミラノ出身のルチアーノ・エマーの作品にも見られる。彼の映画『八月の日曜日』（1950年）、『ローマから来た三人の少女』（1952年）、『高校』 （1954年）は、その最もよく知られた例である。ピンク・ネオリアリズムのジャンルに属する別の映画としては、ステノ監督の『スザンナ・ホイップド・クリーム』（1957年）がある。[ 113 ]
この傾向により、ソフィア・ローレン、ジーナ・ロロブリジーダ、シルヴァーナ・パンパニーニ、ルチア・ボゼ、バルバラ・ブーシェ、エレオノーラ・ロッシ・ドラゴ、シルヴァーナ・マンガーノ、ヴィルナ・リージ、クラウディア・カルディナーレ、ステファニア・サンドレッリといった女優たちが真のスターダムにのし上がった。やがてピンク・ネオリアリズムは、理想的なユーモア路線から生まれた独自のジャンルであるイタリア喜劇に取って代わられ、重要な社会問題を非常に真剣に語るようになった。
コメディア・アッラ・イタリアーナ（「イタリア風喜劇」）は、1950年代にイタリアで生まれ、続く1960年代と1970年代に発展したイタリア映画のジャンルです。広くは、1958年のマリオ・モニチェッリの『マドンナ通りの大取引』[ 114 ]から始まったと考えられており、その名前は1961年のピエトロ・ジェルミの『イタリア式離婚』のタイトルに由来しています。 [ 115 ]ほとんどの批評家によると、エットーレ・スコラの『ラ・テラッツァ』（1980年）がコメディア・アッラ・イタリアーナの一部とみなされる最後の作品です。[ 116 ] [ 117 ] [ 118 ]
この用語は特定のジャンルというよりは、イタリア映画産業が多くの成功したコメディを製作した時期（おおよそ1950年代後半から1970年代初頭まで）を指し、風刺、滑稽でグロテスクな雰囲気、当時の「刺激的な」社会問題（性的な問題、離婚、避妊、聖職者の結婚、国の経済成長とその様々な結果、カトリック教会の伝統的な宗教的影響力など）への強い焦点、そしてしばしばコメディの内容を薄めるほどの悲しみや社会批判の背景が特徴的な、支配的な中流階級の設定など、いくつかの共通の特徴がある。[ 119 ]
コメディア・アッラ・イタリアーナというジャンルは、1950年代を通して流行した、いわゆる「ピンク・ネオリアリズム」の軽妙で無関心な喜劇とは大きく異なり、ネオリアリズムの教訓から出発して、現実へのより率直な描写に基づいている。そのため、伝統的な喜劇に典型的な喜劇的な状況や筋書きに加えて、常に皮肉を交え、当時のイタリア社会の変遷を反映した、辛辣で時に苦々しい風刺が組み合わされている。[ 119 ]
「イタリア喜劇」ジャンルに属する映画の成功は、当時のイタリア人の悪徳と美徳、解放への試み、そして俗悪さを巧みに体現した偉大な俳優の世代の存在と、本質的に新しい意味合いを持つ真のジャンルを発明し、多くの矛盾を抱えた急速な進化の襞の中から映画作品のための貴重な素材を見つけ出した監督、ストーリーテラー、脚本家の綿密な仕事の両方によるものである。[ 119 ]
俳優陣では、アルベルト・ソルディ、ウーゴ・トニャッツィ、ヴィットリオ・ガスマン、マルチェロ・マストロヤンニ、ニーノ・マンフレディが代表的であり[ 120 ]、女優陣ではモニカ・ヴィッティが代表的である[ 121 ]。監督と作品では、1961年にディーノ・リージが『困難な人生』（ Una vita difficile）を監督し、その後カルト映画となった『楽な人生』 （Il Sorpasso ）を監督し、続いて『ローマから来た15人』（I Mostri）、 『イタリア国民の名において』 （In nome del popolo italiano ）、『女の香り』 （Profumo di donna）を監督した。モニチェリの作品には、「La grande guerra 」 ( 「第一次世界大戦」 )、「I compagni」 ( 「The Organizer」)、「L'armata Brancaleone」、「Vogliamo i Colonnelli (大佐が欲しい)」、 「 Romanzo Popolare」 ( 「帰ってきて妻に会いに」)、「Amici miei」 ( 「My Friends」) シリーズなどがあります。
批評家の大多数にとって、真の「イタリア喜劇」は1980年代初頭から決定的に衰退し、せいぜい「イタリア喜劇」に取って代わられたと考えられている。[ 122 ]
この頃、より商業的な制作の分野では、イタリアを代表する喜劇俳優として称賛されているナポリ出身の俳優、トトという現象が爆発的に広まった。彼の映画（アルド・ファブリツィ、ペッピーノ・デ・フィリッポと共演することも多く、マリオ・カステラーニとほぼ常に共演）は、グイット（大げさな演技をする俳優）の手法と、彼自身が偉大なドラマ俳優でもあった芸術によって、一種のネオリアリズム風刺を表現していた。[ 123 ]トトはナポリ映画の象徴の一人である。[ 124 ]
年間数十本もの作品を製作する「映画製作マシーン」だった彼は、そのレパートリーが頻繁に繰り返された。ナポリの最も貧しい地区（リオーネ）に生まれた王子という彼の生い立ち、独特の歪んだ顔、特別な表情や身振り手振りは、他に類を見ない人物像を作り上げ、彼を1960年代で最も愛されたイタリア人の一人にした。
彼の最もよく知られた映画には、マリオ・マットーリの『恐怖と砂』、マリオ・マットーリの『トト、イタリアを旅する』 、マリオ・マットーリの『トト、シーク』 、マリオ・モニチェッリの『警官と強盗』、マリオ・モニチェッリの『トトと女たち』 、マリオ・マットーリの『トト、ターザン』 、マリオ・マットーリの『トト、第三の男』 、マリオ・モニチェッリとステノの『トトとローマの王』、ステノの『トト、カラー』（フェラニアカラーによる1952年のイタリア初のカラー映画の一つ）、マリオ・モニチェッリの『マドンナ通りの大取引』 、カミッロ・マストロチンクエの『トト、ペッピーノ、そして女たらし』、クリスチャン＝ジャックの『法は法だ』などがある。ピエル・パオロ・パゾリーニの『鷹と雀』と『イタリア風カプリス』のエピソード「雲は何だ」(後者は彼の死後に公開)は、彼のドラマティックな才能を示している。[ 123 ]
イタリアの作家でジャーナリストのジョヴァンニーノ・グアレスキが生み出したドン・カミッロとペッポーネのキャラクターを基にした一連の白黒映画が、1952年から1965年にかけて製作された。これらはフランスとイタリアの共同製作で、フェルナンデルがイタリア人司祭ドン・カミッロ役、ジーノ・チェルヴィが田舎町の共産党市長ジュゼッペ・「ペッポーネ」・ボッタッツィ役を演じた。タイトルは『ドン・カミッロの小さな世界』（1952年）、『ドン・カミッロの帰還』（1953年）、 『ドン・カミッロの最後のラウンド』（1955年）、 『ドン・カミッロ：モンシニョール』（1961年）、『ドン・カミッロ・イン・モスクワ』（1965年）である。
これらの映画はそれぞれの母国で大ヒットした。1952年には『ドン・カミロの小さな世界』がイタリアとフランスの両方で最も興行収入の高い映画となり[ 125 ] 、 『ドン・カミロの帰還』は1953年のイタリアとフランスの興行収入で2番目に人気のある映画となった[ 126 ] 。
マリオ・カメリーニは映画『ドン・カミッロは今日の若者たち』の撮影を開始したが、フェルナンデルの病状悪化により撮影を中断せざるを得なくなり、フェルナンデルはその後早世した。この映画は1972年に完成し、ガストーネ・モスキンがドン・カミッロ役、ライオネル・スタンダーがペッポーネ役を演じた。
1983年には、ドン・カミロを題材にした新作映画『ドン・カミロの世界』がイタリアでリメイクされた。テレンス・ヒルが監督を務め、ドン・カミロ役も演じた。コリン・ブレイクリーは、本作でペッポーネ役を演じ、彼の最後の映画出演作の一つとなった。
「ティベレ川沿いのハリウッド」とは、1950年代から1960年代にかけてイタリアの首都ローマが国際的な映画製作の中心地として台頭し、ヨーロッパ最大の映画スタジオであるチネチッタ・スタジオに多くの外国映画製作者が集まった時期を指す言葉である。[ 68 ]イタリア国内の映画産業とは対照的に、これらの映画は世界配給のために英語で製作された。こうした映画の主な市場はアメリカとイギリスの観客であったが、イタリアを含む他の国々でも広く人気を博した。
1940年代後半、ハリウッドの映画スタジオは製作拠点をヨーロッパへと移し始めた。イタリアはイギリスと並んで、アメリカの映画会社にとって主要な製作拠点の一つだった。「ティベレ川沿いのハリウッド」時代にチネチッタで撮影された大作映画、例えば『クォ・ヴァディス』 （1951年）、『ローマの休日』 （1953年）、『ベン・ハー』（1959年）、『クレオパトラ』（1963年）などは、英語で製作され、国際的なキャストが起用され、舞台設定やテーマはイタリアのものもあったが、必ずしもそうではなかった。
「ティベレ川沿いのハリウッド」と呼ばれた時代の最盛期は1950年から1970年で、この間、世界映画界で最も有名な多くの人物がイタリアで映画を製作した。「ティベレ川沿いのハリウッド」というフレーズは、ローマを流れるティベレ川を指しており、1950年にタイム誌が映画『クォ・ヴァディス』の製作中に作ったものである。[ 127 ]
剣とサンダル、またはペプラム（複数形はペプラ）としても知られるこのジャンルは、主にイタリアで製作された歴史、神話、または聖書を題材とした叙事詩のサブジャンルであり、その多くはギリシャ・ローマ時代または中世を舞台としている。これらの映画は、当時のハリウッドの大作歴史叙事詩を模倣しようとした。[ 128 ]
1958年に公開された、アメリカ人ボディビルダーのスティーブ・リーブス主演の映画『ヘラクレス』をきっかけに、イタリア映画界はアメリカ映画市場への足がかりを得た。これらの映画は低予算の時代劇／冒険ドラマであり、ヨーロッパとアメリカの両方の観客にたちまち人気を博した。ヘラクレス役を様々な筋肉質の男優が演じる映画が数多く作られたほか、サムソンやイタリアの架空の英雄マチステといったヒーローが登場する作品も一般的だった。
剣闘士映画は、時に低品質な娯楽作品として片付けられがちだが、セルジオ・レオーネやマリオ・バーヴァといった新進気鋭の監督たちが映画業界に進出する手段となった。マリオ・バーヴァ監督の『ヘラクレスと幽霊の世界』（原題：Ercole Al Centro Della Terra）のように、それ自体が重要な作品とみなされているものもある。
ジャンルが成熟するにつれ、予算が増加することもあり、1962年の『七人の剣闘士』（1964年米国公開）はその好例で、壮大なセットとマットペイント技術を用いたワイドスクリーンの大作である。剣闘士映画のほとんどはカラーで制作されたが、それ以前のイタリア映画は白黒であることが多かった。
ムジカレッロ（複数形：ムジカレッリ）は、イタリアで生まれた映画のサブジャンルで、同世代の間ですでに有名な若い歌手が主役を務め、彼らの新しいレコードアルバムがフィーチャーされているのが特徴です。このジャンルは1950年代後半に始まり、1960年代に制作のピークを迎えました。[ 129 ]
このジャンルの始まりとなった映画は、ルチオ・フルチ監督の『ジュークボックスの少年たち』（1959年）だと考えられている。[ 130 ]ミュージカレッリは、特にリチャード・ソープ監督の『監獄ロック』（1957年）と、それ以前のロバート・D・ウェッブ監督の『ラブ・ミー・テンダー』（1956年）という2つのアメリカのミュージカルに影響を受けたもので、どちらもエルヴィス・プレスリーが主演している。[ 131 ] [ 132 ] [ 133 ]
ムジカレッロの中心にあるのは、ヒット曲、あるいはプロデューサーがヒットを期待した曲で、通常は映画自体と同じタイトルで、時には歌詞がストーリーの一部を描写している。[ 134 ]映画には、ほとんどの場合、優しく純粋なラブストーリーがあり、何も考えずに楽しんで踊りたいという願望が伴っている。[ 135 ]ムジカレッロは、若いイタリア人の解放への願望と必要性を反映しており、いくつかの世代間の摩擦を浮き彫りにしている。[ 131 ]
1968年の学生運動の到来とともに、このジャンルは衰退し始めた。世代間の反乱が明確に政治的なものとなり、同時に、若者全体に等しく向けられた音楽がなくなったためである。[ 136 ]しばらくの間、アル・バーノとロミナ・パワーのデュオはミュージカル映画で成功を収め続けたが、彼らの映画（彼らの歌と同様に）は、伝統的なメロディーと過去数十年のミュージカル映画への回帰であった。[ 136 ]
剣闘士映画ブームに続いて、関連ジャンルであるマカロニ・ウェスタンが誕生し、イタリア国内外で人気を博した。これらの映画は、ヨーロッパで限られた予算で撮影されたという点で従来の西部劇とは異なっていたが、鮮やかな映像美が特徴だった。この用語は、これらの西部劇のほとんどがイタリア人によって製作・監督されたことから、海外の批評家によって使われた。[ 139 ]
最も人気のあるマカロニ・ウェスタンは、このジャンルの発明者として知られるセルジオ・レオーネの作品である[ 140 ] [ 141 ]。彼のドル三部作（1964年の『荒野の用心棒』 、黒澤明監督の日本映画『用心棒』の無許可リメイク。 1965年の『夕陽のガンマン』、1966年の 世界的に有名な前編）は、クリント・イーストウッドが「名無しの男」として売り出されたキャラクターを演じ、エンニオ・モリコーネによる悪名高い音楽が、ウエスタン（1968年）とともにこのジャンルを定義づけることになった。
もう1つの人気のあるマカロニ・ウェスタン映画は、セルジオ・コルブッチ 監督の『ジャンゴ』（1966年）で、フランコ・ネロがタイトルロールを演じている。これもまた『用心棒』の盗作であり、 『荒野の用心棒』の成功にあやかって製作された。オリジナルの『ジャンゴ』の後には、正式な続編（1987年の『ジャンゴ 逆襲』）が製作されただけでなく、同じキャラクターが他の映画で無断で使用された例が数多く存在する。
スパゲッティ・ウェスタンは、伝統的な西部劇の雰囲気とイタリアの喜劇のようなコメディを組み合わせた映画ジャンルで、エンツォ・バルボーニ監督の『トリニティと呼ばれた男』（1970年）と『トリニティは今も俺の名前』（1971年）などが挙げられます。これらの作品には、カルロ・ペデルソーリとマリオ・ジロッティの芸名であるバド・スペンサーとテレンス・ヒルが出演しています。
テレンス・ヒルとバド・スペンサーは数多くの映画で共演した。[ 142 ]初期の作品のほとんどはマカロニ・ウェスタンで、三部作の第一部である『神は許さない！』（1967年）から始まり、『エース・ハイ』（1968年）、『ブート・ヒル』 （1969年）と続いたが、 『オール・ザ・ウェイ、ボーイズ！』（1972年）や『ウォッチ・アウト、ウィー・アー・マッド！』（1974年）などのコメディにも出演した。
この俳優カップルが次に撮影した映画は、ほとんどがコメディで、『Two Missionaries』（1974年）、『Crime Busters』（1977年）、『Odds and Evens』（1978年）、『I'm for the Hippopotamus』（1979年）、『Who Finds a Friend Finds a Treasure』（1981年）、 『Go for It』 （1983年）、『Double Trouble』（1984年）、『Miami Supercops』（1985年）、『Troublemakers 』（1994年）などがある。
1960年代から1970年代にかけて、イタリアの映画監督マリオ・バーヴァ、リッカルド・フレダ、アントニオ・マルゲリーティ、ダリオ・アルジェントは、ジャッロ（複数形はジャッリ、イタリア語で「黄色」を意味するgialloに由来）ホラー映画を制作し、それらは古典となり、他国の同ジャンルにも影響を与えた。代表的な作品には、『知りすぎていた少女』（1963年）、『血の城』（1964年）、『クリスタル殺人事件』（1970年）、『死の神経の痙攣』（1971年）、『ディープ・レッド』（1975年）、『サスペリア』（1977年）などがある。
ジャッロはミステリー小説やスリラーのジャンルで、スラッシャー、犯罪小説、心理スリラー、心理ホラー、セックスプロイテーション、そして頻度は低いものの超自然ホラーの要素を含むことが多い。[ 147 ]ジャッロは1960年代半ばから後半にかけて発展し、1970年代に人気がピークに達したが、その後数十年にわたって商業的な主流映画製作では衰退した。しかし、現在も製作は続いている。ジャッロは後のアメリカのスラッシャー映画ジャンルの前身であり、大きな影響を与えた。[ 148 ]
ジャッロは通常、スリラー小説の雰囲気とサスペンスにホラー小説の要素（スラッシャーの暴力など）とエロティシズム（フランスのファンタスティックジャンルに似ている）を融合させ、映画の最終幕まで正体が明かされない謎の殺人犯が登場することが多い。ほとんどの批評家は、ジャッロは独自の特性を持つ明確なカテゴリーであると同意しているが、[ 149 ]ジャッロ映画を正確に定義するものについては意見の相違がある。[ 150 ]
ジャッロ映画は一般的に、探偵小説のサスペンス要素と衝撃的なホラーシーンを組み合わせた残虐な殺人ミステリー・スリラーとして特徴づけられ、過剰な流血、スタイリッシュなカメラワーク、そしてしばしば不協和音のような音楽アレンジが特徴です。典型的なジャッロのプロットは、謎の黒手袋をはめたサイコパスの殺人鬼が美しい女性たちをストーキングして惨殺するというものです。[ 152 ]ほとんどのジャッロは人間の殺人鬼が登場しますが、超自然的な要素を含むものもあります。[ 153 ]
典型的なジャッロ映画の主人公は、何らかのアウトサイダーであり、旅行者、観光客、追放者、あるいは疎外されたり不名誉な私立探偵であることが多く、また、若い女性であることが多く、見知らぬ異国の状況や環境で孤独な若い女性であることが多い（ジャッロ映画で法執行官が主人公となることは稀である）。 [ 153 ] [ 154 ]
主人公たちは、殺人事件が始まる前は一般的に、あるいは多くの場合、事件とは無関係で、殺人事件の目撃者としての役割を通して犯人探しに巻き込まれていく。 [ 153 ]謎は犯人の正体であり、クライマックスで別の主要人物が正体を隠していることが明らかになることが多い（通常は帽子、マスク、サングラス、手袋、トレンチコートの組み合わせ）。[ 155 ]このように、ジャッロ小説の文学的な推理要素は保持されつつ、ホラーのジャンル要素やイタリアのオペラや舞台劇の伝統を通して濾過されている。ジャッロ映画の構成は、エドガー・アラン・ポーやアガサ・クリスティと並ぶ、いわゆる「奇妙な脅威」パルプ雑誌のホラーミステリージャンルを彷彿とさせることもある。[ 156 ]
ポリツィオッテスキ（ポリツィオッテスコの複数形）映画は、1960年代後半にイタリアで登場し、1970年代に人気がピークに達した犯罪・アクション映画のサブジャンルである。ポリツィエスキ・アッラリアーナ、ユーロ・クライム、イタロ・クライム、スパゲッティ・クライム・フィルム、あるいは単にイタリアン・クライム・フィルムとも呼ばれる。
1970年代のフランスの犯罪映画と、1960年代と1970年代のアメリカの荒々しい刑事映画や自警団映画の両方の影響を受けたポリティオッテスキ映画は、イタリアの社会政治的混乱と増加するイタリアの犯罪率の雰囲気の中で作られました。[ 157 ]
これらの映画は一般的に、生々しく残忍な暴力、組織犯罪、カーチェイス、自警行為、強盗、銃撃戦、そして最高レベルにまで及ぶ汚職を特徴としていた。主人公は概して、腐敗した、あるいは過度に官僚的なシステムの外で行動することを厭わない、タフな労働者階級の孤独な人物であった。[ 158 ]このジャンルの映画に出演した著名な国際的な俳優には、アラン・ドロン、ヘンリー・シルヴァ、フレッド・ウィリアムソン、チャールズ・ブロンソン、トーマス・ミリアンなどがいる。
フランコとチッチョは、イタリアの俳優フランコ・フランキ（1928年 - 1992年）とチッチョ・イングラーシア（1922年 - 2003年）によって結成されたコメディコンビで、特に1960年代と1970年代に人気を博した。彼らは共に116本の映画に出演し、通常は主役を務め、時にはトト、ドメニコ・モドゥーニョ、ヴィットリオ・ガスマン、バスター・キートン、ヴィンセント・プライスなどの有名俳優が出演する映画の脇役も務めた。[ 159 ]
彼らのコラボレーションは1954年に演劇の分野で始まり、1992年のフランキの死で終わった。2人は1960年に映画『Appuntamento a Ischia』で映画デビューを果たした。その後、この映画で彼らを見たモドゥーニョは、自分の映画にも彼らを起用したいと考え、[ 160 ] [ 161 ] 1973年と1975年から1980年にかけて中断があったものの、1984年に最後の映画『Kaos』を撮影するまで活動を続けた。 [ 162 ]
彼らは、マルチェロ・チョルチョリーニ監督の作品のように、短期間で限られた予算で制作された映画に出演した。時には1年に12本もの映画を制作し、まともな脚本がないまま、撮影現場で即興で演じることが多かった。また、ルチオ・フルチ監督の13作品も挙げられる。フルチ監督は、チッチョを真面目な相棒役、フランコをコミカルな役にすることで、彼らの典型的な役割を逆転させた立役者だった。[ 163 ]
彼らはピエル・パオロ・パゾリーニやタヴィアーニ兄弟といった重要な監督とも仕事をした。当時、彼らはB級映画の主役と見なされていたが、その後、コメディと創造性の面で批評家から再評価され、研究対象となった。[ 164 ] [ 165 ]大衆からの大成功は興行収入によって証明されており、1960年代にはイタリアの年間収入の10%を占めていた。[ 166 ]
1960年代の作家主義映画は、独自のテーマや問題を分析することでその道を歩み続けている。フェリーニやアントニオーニのシュールレアリスムや実存主義の流れから解放された新たな作家のビジョンは、映画を政治体制と産業界の両方における腐敗や不正を告発する理想的な手段と見なしている。 [ 167 ]こうして、事実のネオリアリズム的分析から出発し、世論の良心を揺さぶるという明確な意図をもって、簡潔な批判的判断を加えた調査映画の構造が生まれた。この類型は、しばしば既成権力を標的にし、隠蔽または否定されることが多い歴史的真実を再構築する意図をもって、意図的に喫緊の問題に触れている。[ 168 ]
監督という職業をこのように理解する先駆者はフランチェスコ・ロージであった。[ 169 ] 1962年、彼は一連の長いフラッシュバックを通して同名のシチリアの犯罪者サルヴァトーレ・ジュリアーノの人生をたどる調査映画プロジェクトを開始した。翌年、彼はロッド・スタイガーを監督した『ハンズ・オーバー・ザ・シティ』（1963年）で、ナポリの様々な国家機関と建設業者の間の共謀を勇敢に告発した。この映画はヴェネツィア国際映画祭で金獅子賞を受賞した。
フランチェスコ・ロージの最も有名な告発映画の一つは、イタリアの大手国営企業Eniの経営者エンリコ・マッテイの謎の失踪を追った厳密なドキュメンタリー『マッテイ事件』 （1972年）である。この映画はカンヌ国際映画祭でパルム・ドールを受賞した。そして（緊迫感あふれる『高名な死体』 （1976年）と共に）イタリア国内外で制作された同様の告発映画の真のモデルとなった。エリオ・ペトリの有名な告発映画には、工場での生活を痛烈に告発した『労働者階級は天国へ行く』（1971年、カンヌ国際映画祭でパルム・ドールを受賞）と『疑惑の市民の調査』（1970年）がある。後者（エンニオ・モリコーネの鋭いサウンドトラックを伴う）は、権力の逸脱を病理学的視点で分析した、乾いた精神分析スリラーである。[ 170 ]この映画は幅広い支持を得て、翌年にはアカデミー賞最優秀国際長編映画賞を受賞した。
市民映画に関連する議論は、ダミアーノ・ダミアーニの作品に見られる。彼は『フクロウの日』 （1968年）でかなりの成功を収めた。その他の長編映画には、『警察署長の告白』（1971年）、『事件は解決、忘れろ』（1971年）、『判事の殺し方』（1974年）、『私は怖い』（1977年）などがある。また、映画『鉄の警官』（1977年）のパスクアーレ・スクイティエリや、俳優としての経験を経て、『平和の五日目』（1970年）、『サッコとヴァンゼッティ』（1971年） 、 『ジョルダーノ・ブルーノ』 （1973年）などの歴史的・政治的な映画を監督したジュリアーノ・モンタルドもいる。また、アルベルト・ソルディ主演の映画『裁判待ちの刑務所』（1971年）のナンニ・ロイもいる。
1970年代には、監督のリナ・ウェルトミュラーの作品が大きな影響力を持っていた。彼女は、ベテラン俳優のジャンカルロ・ジャンニーニとマリアンジェラ・メラートと共に、 『ミミの誘惑』（1972年）、『愛と無秩序』（1973年） 、 『スウェプト・アウェイ』 （1974年）などのヒット作を生み出した。2年後、『七人の美女』 （1976年）でアカデミー賞に4部門ノミネートされ、女性として初めて監督賞にノミネートされた。[ 171 ]
コメディの黄金期の最後の主役は、監督のエットーレ・スコラです。1950年代を通して脚本家として活躍した後、1964年に映画『Let's Talk About Women』で監督デビューを果たしました。1974年には、彼の代表作である『We All Loved Each Other So Much』を監督しました。この作品は、弁護士のジャンニ・ペレーゴ（ヴィットリオ・ガスマン）、ポーターのアントニオ（ニーノ・マンフレディ）、知識人のニコラ（ステファノ・サッタ・フローレス）という3人の友人の物語を通して、30年間のイタリアの歴史をたどります。その他の作品には、ニーノ・マンフレディ主演の『 Down and Dirty 』（1976年）や、ソフィア・ローレンとマルチェロ・マストロヤンニ主演の『A Special Day』（1977年）などがあります。[ 172 ]
イタリアのコメディ劇「セクシー・コメディア」は、女性のヌードとコメディがふんだんに盛り込まれている点と、イタリアのコメディ劇の主要ジャンルの基本要素であった社会批判が最小限に抑えられている点が特徴です。[ 173 ]物語は、裕福な家庭など、裕福な環境を舞台にすることが多いです。このジャンルは、当時としては非常に斬新で革新的な性革命と密接に関係しています。初めて、女性のヌードが登場する映画が映画館で上映されるようになりました。イタリアの映画館では、ポルノや露骨な性行為のシーンは依然として禁止されていましたが、部分的なヌードはある程度容認されていました。このジャンルは、下品なコメディとユーモラスなエロティック映画の中間のようなもので、スラップスティック要素が豊富で、やや陳腐なストーリー展開が特徴とされています。
この時期、当時の映画評論家から芸術性に欠ける「くだらない映画」と評されたイタリアのコメディ映画がイタリアで非常に人気を博しました。今日では広く再評価され、真のカルト映画となっています。また、これらの映画のおかげで、イタリア映画の製作者は芸術性の高い映画を製作するための十分な収益を得ることができました。これらのコメディ映画は芸術的な価値は低く、イタリア社会のタブー、特に性的なタブーに挑むことで人気を獲得しました。ランド・ブッザンカ、リノ・バンフィ、レンツォ・モンタニャーニ、アルバロ・ヴィターリ、グロリア・グイダ、バルバラ・ブーシェ、エドウィージュ・フェネシュといった俳優たちは、これらの映画によって人気を博しました。
パオロ・ヴィラッジョがテレビのスケッチや新聞の短編小説のために創作したキャラクター、ウーゴ・ファントッツィを主人公とする映画も、喜劇風刺コメディのジャンルに属していた。 [ 174 ]ヴィラッジョの映画はコメディとより高尚な社会風刺を結びつける傾向があるが、このキャラクターはイタリア社会に大きな影響を与え、形容詞fantozziano が語彙に加わるほどだった。[ 175 ]ウーゴ・ファントッツィは、1970年代の平均的なイタリア人の典型であり、労働者階級全体に共通する不安を抱えたシンプルな生活を送る中流階級の人物像を表しており、[ 176 ]批評家によって再評価されている。[ 177 ]
ファントッツィの数々の不運な冒険を描いた映画は数多くあるが、最も有名で注目に値するのは、ルチアーノ・サルチェ監督の『ファントッツィ』（1975年）と『悲劇の第二ファントッツィ』 （1976年）である。しかし、他にも多くの作品が製作された。他の映画は、ネリ・パレンティ監督の『Fantozzi contro tutti 』（1980年） 、ネリ・パレンティ監督の『Fantozzi subisce ancora 』（1983年）、ネリ・パレンティ監督の『Superfantozzi 』（1986年）、ネリ・パレンティ監督の『Fantozzi va inensione』 （1988年）、ネリ・パレンティ監督の『Fantozzi alla riscossa』（1990年）、ネリ・パレンティ著『Fantozzi in paradiso 』（1993年）、ネリ・パレンティ著『 Fantozzi - Il ritorno』 （1996年）、ドメニコ・サヴェルニ著『Fantozzi 2000 - La clonazione』（1999年）。
シーンッジャータ（複数形：シーンッジャータ）またはシーンッジャータ・ナポレターナは、ナポリ特有の音楽劇の一形式です。第一次世界大戦後に音楽劇の一形式として始まり、映画化もされました。シーンッジャータ映画は特に1970年代に人気を博し、このジャンルがナポリ以外でも広く知られるようになるのに貢献しました。[ 178 ]ドラマを演じた最も有名な俳優は、マリオ・メローラ、マリオ・トレヴィ、ニーノ・ダンジェロです。[ 179 ]
スケネッジャータは、ナポリ民謡を交えながらアクションとセリフが展開される、いわば「ミュージカル・ソープオペラ」とでも言うべきものです。物語は、情熱、嫉妬、裏切り、個人的な欺瞞や策略、名誉、復讐、そして軽犯罪の世界における生活など、ナポリの文化や伝統に根ざしたメロドラマチックなテーマを中心に展開します。歌やセリフは元々ナポリ方言で歌われていましたが、特に映画制作においては、より多くの観客に届けるためにイタリア語が好まれることもあります。
『Sgarro alla camorra 』（「カモッラへの侮辱」、1973年）は、エットーレ・マリア・フィッツァロッティが脚本・監督を務め、マリオ・メローラが映画デビュー作として主演した作品で、最初のシーンジャータ映画であり、このジャンルの原型とみなされている。 [ 180 ] [ 181 ]撮影はサレルノ県チェターラで行われた。 [ 181 ]イタリア国外では、シーンジャータは主にイタリア移民が多く住む地域で知られている。ナポリの他に、シーンジャータの第二の故郷はおそらくニューヨーク市のリトルイタリーだろう。 [ 182 ]
1980年代はイタリア映画にとって衰退の時代だった。1985年にはわずか80本の映画しか製作されず（戦後以来最低）、観客総数は1970年の5億2500万人から1億2300万人に減少した。[187 ]これは、日本、イギリス、フランスなど、偉大な映画的伝統を持つ他の国々と同時期に起こった生理的プロセスである。プロデューサーの時代は終わり、カルロ・ポンティとディーノ・デ・ラウレンティスは海外で働き、ゴフレード・ロンバルドとフランコ・クリスタルディはもはや中心人物ではなかった。この危機は、商業テレビの成功により観客の大部分を失ったイタリアのジャンル映画に最も大きな影響を与えた。 [ 188 ]その結果、映画館は主にハリウッド映画を上映するようになり、ハリウッド映画が徐々に主流となり、他の多くの映画館は閉鎖された。
この時代の主な芸術映画としては、フェリーニ監督の『La città delle donne』、『E la nave va』、『Ginger and Fred』、エルマンノ・オルミ監督（カンヌ国際映画祭パルムドール受賞者）の『L'albero degli zoccoli 』、パオロ・タヴィアーニ監督とヴィットリオ・タヴィアーニ監督の『 La notte di San Lorenzo 』 、アントニオーニ監督の『 Identificazione di una donna』、ナンニ・モレッティ作『ビアンカとラ・メッサ・エ・フィニタ』。完全にイタリア作品というわけではないが、作品賞、監督賞を含む9つのオスカー賞を受賞したベルナルド・ベルトルッチ監督の『ラストエンペラー』や、セルジオ・レオーネの『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・アメリカ』もこの時期に生まれた。
ロベルト・ベニーニとマッシモ・トロイージが監督、主演を務めた『 Non ciresta che piangere』は、イタリアでカルト的な人気を誇る映画です。
俳優、脚本家、映画監督のカルロ・ヴェルドーネは、自身が脚本・監督も務めたイタリア映画の古典作品におけるコメディ役で最もよく知られています。彼のキャリアは、最初の3つの成功作『Un sacco bello』（1980年）、『Bianco, rosso e Verdone』（1981年）、『Borotalco』（1982年）によって飛躍的に発展しました。1990年代以降、彼は社会の行き過ぎや、それに立ち向かう個人の苦難に関連した、より深刻なテーマを作品に取り入れるようになりました。その例としては、『Maledetto il giorno che t'ho incontrata』（1992年）、『Il mio miglior nemico』（2006年）、『Io, loro e Lara』（2010年）などがあります。
フランチェスコ・ヌーティは、1970年代後半にアレッサンドロ・ベンヴェヌーティ、アティーナ・チェンチと共にキャバレーグループ「ジャンカティーヴィ」を結成し、俳優としてのキャリアをスタートさせた。このグループは、イタリア放送協会（RAI）のテレビ番組「ブラックアウト」と「ノンストップ」に出演し、ベンヴェヌーティが脚本・監督を務めた初の長編映画『ウエスト・オブ・パペリーノ』（1981年）を撮影した。翌年、ヌーティはこのトリオを離れ、マウリツィオ・ポンツィ監督の映画3本、『今夜の幽霊のような静寂』（1982年）、『プールハスラーズ』 （1982年） 、 『ソン・コンテント』（1983年）でソロ活動を開始した。 1985年から彼は映画監督業を始め、すぐに『カサブランカ、カサブランカ』と『楽園のせいじゃない。 』 （1985年）、『ストレーガティ』（1987年）、『カルーソ・パスコスキ、ポーランド人の息子』 （1988年）、『ウィリー・シニョーリ、遠くから来た』（1990年）、『スカートの女たち』 （1991年）などの作品で成功を収めた。しかし、1990年代はトスカーナ出身の監督にとって低迷期となり、『ピノキオ』（1994年）、『ミスター・フィフティーン・ボールズ』（1998年）、『アイオ・アモ・アンドレア』（2000年） 、 『カルーソ、ゼロ・フォー・コンダクト』（2001年）などの作品は興行的に振るわなかった。
シネパネットーニ（単数形：シネパネットーネ）は、毎年クリスマスの時期にイタリアで1本か2本公開される予定の、一連の滑稽なコメディ映画です。これらの映画は元々アウレリオ・デ・ラウレンティスのフィルマウロ・スタジオによって製作されました。[ 189 ]これらの映画は通常、典型的なイタリア人の休暇に焦点を当てています。つまり、不器用で裕福で傲慢な中流階級の人々が、有名で華やかな場所やエキゾチックな場所を訪れるというものです。
1980年代に発生した経済危機は、次の10年間で緩和し始めた。[ 190 ]それにもかかわらず、1992～93年と1993～94年のシーズンは、製作された映画の数、国内市場シェア（15パーセント）、総視聴者数（年間9000万人未満）、映画館の数において、過去最低を記録した。[ 191 ]この産業収縮の影響により、イタリアのジャンル映画は1990年代半ばに完全に消滅した。これは、当時のハリウッドの大作映画（主に莫大な予算の差による）と競争するのに適さなくなったためであり、そのため監督や俳優はほぼ完全にテレビ映画に移行した。
1980年代末以降、新世代の監督たちの活躍により、イタリア映画は健全な水準を取り戻した。この時期で最も注目すべき作品はおそらく『ニュー・シネマ・パラダイス』だろう。ジュゼッペ・トルナトーレ監督はこの作品で1989年のアカデミー賞（授賞式は1990年）外国語映画賞を受賞した。この受賞に続き、 1991年にはガブリエレ・サルヴァトーレ監督の『メディテラネオ』が同じ賞を受賞した。
マイケル・ラドフォード監督、マッシモ・トロイージ主演の映画『ポストマン』 （1994年）は、アカデミー賞で作品賞とトロイージの主演男優賞を含む5部門にノミネートされ、作曲賞を受賞しました。また、1998年にはロベルト・ベニーニが映画『ライフ・イズ・ビューティフル』 （ La vita è bella）で3つのオスカー（ベニーニ自身の主演男優賞、外国語映画賞、音楽賞）を受賞しました。同作は作品賞にもノミネートされました。
レオナルド・ピエラッチョーニは『卒業』 （1995年）で監督デビューを果たした。[ 192 ] 1996年には、興行収入750億リラを記録したブレイクスルー作品『サイクロン』を監督した。[ 193 ] [ 194 ]
新千年紀を迎えると、イタリア映画産業は安定を取り戻し、批評家からの評価も回復した。1995年には93本の映画が製作され[ 195 ]、2005年には274本の映画が製作された[ 196 ] 。 2006年には、国内市場シェアが31%に達した[ 197 ] 。 2001年には、ナンニ・モレッティ監督の映画『息子の部屋』 （La stanza del figlio）がカンヌ国際映画祭でパルム・ドールを受賞した。その他の注目すべき最近のイタリア映画には、ロベルト・ファエンツァ監督の『ジョナ・チェ・ヴィッセ・ネッラ・バレナ』 、フランチェスカ・アルキブージ監督の『イル・グランデ・ココメロ』 、オルミ監督の『武器の職業』 ( Il mestiere delle armi )、マルコ・ベロッキオ監督の『宗教的宗教』、『イル・ラドロ・ディ・バンビーニ』、『ラメリカ』、『家の鍵』 ( Le chiavi di casa )などがあります。ジャンニ・アメリオ、I'm Not Scared ( Io non-ho paura ) by Gabriele Salvatores、Le Fate Ignoranti、Facing Windows ( Lafinestra difronte ) by Ferzan Özpetek、Good Morning, Night ( Buongiorno, notte ) by Marco Bellocchio、The Best of Youth ( La meglio gioventù ) by Marco Tullioジョルダーナ、心の中の獣( 「La bestia nel cuore」クリスティーナ・コメンチーニ作。 2008年には、ジュリオ・アンドレオッティの伝記映画であるパオロ・ソレンティーノ監督の『イル・ディーヴォ』が審査員賞を受賞し、マッテオ・ガローネ監督の犯罪ドラマ映画『ゴモラ』がカンヌ国際映画祭でグランプリを受賞した。
パオロ・ソレンティーノ監督の『グレート・ビューティー』（原題：La Grande Bellezza）は、2014年のアカデミー賞外国語映画賞を受賞した。
イタリアで最も興行収入が高かったイタリア映画2作品は、いずれもジェンナーロ・ヌンツィアンテ監督、チェッコ・ザローネ主演の作品である。『Sole a catinelle』（2013年）は5180万ユーロ 、『Quo Vado?』（2016年）は6530 万ユーロの興行収入を記録した。[ 199 ] [ 200 ]
2016年に公開され、ガブリエレ・マイネッティ監督、クラウディオ・サンタマリア主演で高い評価を受けたスーパーヒーロー映画『彼らは私をジーグと呼ぶ』は、ダヴィッド・ディ・ドナテッロ賞8部門、ナストロ・ダルジェント賞2部門、グローボ・ドーロ賞など、数々の賞を受賞した。
ジャンフランコ・ロージ監督のドキュメンタリー映画『海の炎』（2016年）は、第66回ベルリン国際映画祭で金熊賞を受賞した。『彼らは私をジーグと呼ぶ』と『海の炎』は、第89回アカデミー賞外国語映画賞のイタリア代表作品にも選ばれたが、ノミネートはされなかった。[ 201 ]
その他の成功した 2010 年代のイタリア映画には、マルコ・ベロッキオ監督の『ヴィンチェレと裏切り者』、パオロ・ヴィルジ監督の『 The First Beautiful Thing』 ( La prima cosa bella )、Human Capital ( Il Capitale umano ) とLike Crazy ( La pazza gioia ) 、ナンニ・モレッティ監督の『We Have a Pope』 ( Habemus Papam ) と『Mia Madre 』 、Nanni Moretti監督の『Caesar Must Die 』 ( Cesare)などがあります。パオロとヴィットリオ・タヴィアーニの「deve morire」、クラウディオ・カリガリの「Don't Be Bad 」 （Non essere cattivo）、ミケーレ・プラシドの「Romanzo Criminale」（テレビシリーズ「Romanzocriminale - La serie 」を生み出した）、パオロ・ソレンティーノの「Youth 」 （La giovinezza）、ステファノ・ソッリマのSuburra、Perfect Strangers（Perfetti） sconosciuti )パオロ・ジェノヴェーゼ著、ジョナス・カルピニャーノの『地中海』と『チャンブラ』、マッテオ・ローヴェレの『イタリア民族』（Veloce Come il vento）と『初代王：帝国の誕生』（Il primo re）、マッテオ・ガローネの『物語』 （Il racconto dei racconti）、『ドッグマン』と『ピノキオ』。
ルカ・グァダニーノ監督の「欲望」をテーマにした三部作の最終作である『君の名前で僕を呼んで』（2017年）は、『アイ・アム・ラブ』 （2009年）と『ア・ビガー・スプラッシュ』（2015年）に続き、広く称賛され、アカデミー脚色賞や2018年の作品賞ノミネートなど、数々の賞賛を受けた。
パオロ・ジェノヴェーゼ監督の『パーフェクト・ストレンジャーズ』は、映画史上最もリメイクされた映画となり、合計18バージョンが存在するため、ギネス世界記録に登録された。 [ 198 ]
2020年代のイタリア映画は、社会問題への関心の高まり、新進監督の台頭、そして従来の劇場公開と並んでストリーミングプラットフォームの影響力の増大によって特徴づけられてきた。COVID -19パンデミックは当初、製作と配給を混乱させ、ハイブリッド公開戦略を促し、観客にリーチする上でのデジタルプラットフォームの役割を加速させた。[ 202 ]
この10年間で最も注目すべき成功作の一つは『明日はまだある』（C'è ancora domani、2023年）で、同年イタリア映画興行収入最高を記録し、ダヴィッド・ディ・ドナテッロ賞を6部門受賞、ジェンダーの役割や家庭内暴力に関する世論の議論を巻き起こした。[ 203 ]マッテオ・ガローネ監督の『Io capitano』（2023年）は、セネガルの10代の若者2人の移住の旅を描いた作品で、ヴェネツィア国際映画祭で初上映され、監督賞の銀獅子賞を受賞、イタリアのアカデミー賞出品作品に選ばれた。[ 204 ]同じ映画祭で、ステファノ・ソッリマ監督は、ピエルフランチェスコ・ファヴィーノとトニ・セルヴィッロ主演の犯罪ドラマ『アダージョ』（2023年）を発表し、同監督のローマ三部作の完結編として高く評価された。[ 205 ]
その他の成功した2020年代イタリア映画には、エドアルド・ポンティの『ライフ・アヘッド』、ジョルジョ・ディリッティの『ヒドゥン・アウェイ』、ダミアーノとファビオ・ディンノチェンツォの『バッド・テイルズ』、ピエトロ・カステリットの『ザ・プレデターズ』、クラウディオ・ノーチェの『パドレノストロ』 、ジャンフランコ・ロージの『ノットゥルノ』 、マリオ・マルトーネの『笑いの王』、ジョナス・カルピニャーノの『キアラ』などがある。、ガブリエレ・マイネッティの『フリークス・アウト』、パオロ・ソレンティーノの『神の手』、マリオ・マルトーネの『ノスタルジア』、パオロ・ジョルダーノの『ドライ』、フランチェスコ・カロッツィーニの『ハンギング・サン』、ルカ・グァダニーノの『ボーンズ・アンド・オール』、エマヌエーレ・クリアレーゼの『リンメンシータ』、レナト・デ・マリアの『ロビング・ムッソリーニ』。
「保存すべきイタリア映画100選」（イタリア語：100 film italiani da salvare）は、「1942年から1978年の間にイタリアの集合的記憶を変えた100本の映画」を報告することを目的として作成されました。このプロジェクトは、第65回ヴェネツィア国際映画祭のヴェネツィア・デイズ部門が、チネチッタ・ホールディングと協力し、文化遺産省の支援を受けて2008年に設立されました。
このリストは、イル・メッサッジェーロ紙の映画評論家であるファビオ・フェルゼッティ[ 206 ]が、映画監督のジャンニ・アメリオ、作家で映画評論家のジャン・ピエロ・ブルネッタ、ジョバンニ・デ・ルーナ、ジャンルカ・ファリネッリ、ジョヴァンナ・グリニャッフィーニ、パオロ・メレゲッティ、モランド・モランディーニ、ドメニコ・スタルノーネ、セルジオ・トフェッティと協力して編集した。[ 207 ] [ 208 ]
チネテカ・ナツィオナーレはローマにある映画アーカイブです。1949年に設立され、80,000本の映画、600,000枚の写真、50,000枚のポスター、イタリア映画史研究協会（AIRSC）のコレクションを所蔵しています。[ 209 ]これは、1943年にナチス占領軍によって撤去され、貴重な資料を失ったチェントロ・スペリメンターレ・ディ・チネマトグラフィアのアーカイブ遺産から生まれました。 [ 210 ] [ 211 ] [ 212 ]チネテカ・イタリアーナはミラノにある私設映画アーカイブです。1947年に設立され、 1996年に財団となったチネテカ・イタリアーナには、イタリア映画と国際映画の歴史から20,000本以上の映画と100,000枚以上の写真が所蔵されています。[ 213 ] Cineteca di Bolognaはボローニャの映画アーカイブです。 1962 年に設立されました。[ 214 ]
トリノにある国立映画博物館（イタリア語: Museo Nazionale del Cinema ）は、モーレ・アントネリアーナ塔内にある映画博物館です。マリア・アドリアーナ・プロロ財団によって運営されており、そのコレクションの中核は歴史家であり収集家でもあるマリア・アドリアーナ・プロロの功績によるものです。かつてはキアブレゼ宮殿にありました。2008年には532,196人の来館者があり、イタリアで最も来館者数の多い博物館の中で13位にランクインしました。[ 215 ]この博物館には、マジックランタンなどの映画以前の光学機器、初期および現在の映画技術、初期のイタリア映画の舞台装置、その他の記念品が収蔵されています。 5つのフロアにわたる約35,000平方フィート（3,200平方メートル）の展示ルート沿いには、さまざまな種類の映画クルーに特化したエリアがあり、モレの寺院ホール（元々はシナゴーグとして設計された建物）に設けられたメインホールには、いくつかの映画ジャンルを代表する一連の礼拝堂があります。[ 216 ]
プレシネマ博物館（イタリア語: Museo del Precinema ）は、パドヴァのプラート・デッラ・ヴァッレにあるパラッツォ・アンジェリに位置する博物館で、プレシネマ、つまり映画の先駆けの歴史に関するものです。1998年にパドヴァ市との協力のもと、ミニチ・ゾッティ・コレクションを展示するために設立されました。また、インタラクティブな巡回展を開催したり、パリのシネマテーク・フランセーズで開催される「魔法のランタンと絵画の映画」展やトリノ国立映画博物館など、他の著名な展覧会に貴重な資料を貸し出したりしています。
ローマ映画博物館はチネチッタにあります。コレクションは、映画ポスターやプログラム、映画カメラ、映写機、幻灯機、舞台衣装、フィロテオ・アルベリーニの「キネトグラフ」の特許で構成されています。[ 217 ]チネテカ・イタリアーナが運営するミラノ映画博物館は、プレシネマ、アニメーション映画、そして「映画セットとしてのミラノ」の3つのセクションに分かれており、マルチメディアやインタラクティブなステーションもあります。[ 218 ]
カターニア映画博物館は、映画、その技術、その歴史に関する資料を展示しており、特に映画とシチリアのつながりに重点を置いている。[ 219 ]シラクーサ映画博物館は、12の部屋に1万点以上の展示品を所蔵している。[ 220 ]
イタリアはアカデミー外国語映画賞において、最多受賞国であり、14回の受賞、3回の特別賞、31回のノミネートを誇ります。受賞者と授賞式の年は以下のとおりです。
1961年、ソフィア・ローレンは、ヴィットリオ・デ・シーカ監督の『ふたりの女』で、第二次世界大戦中に娘とともにレイプされる女性を演じ、アカデミー主演女優賞を受賞した。彼女は外国語映画でアカデミー賞を受賞した最初の女優であり、 『バラの刺青』のアンナ・マニャーニに次いで2人目のイタリア人主演女優賞受賞者となった。1998年、ロベルト・ベニーニは『ライフ・イズ・ビューティフル』でイタリア人俳優として初めてアカデミー主演男優賞を受賞した。
イタリア生まれの映画監督フランク・キャプラは、 『或る夜の出来事』、『ディーズ氏、町へ行く』 、『我が家の楽園』でアカデミー監督賞を3度受賞した。ベルナルド・ベルトルッチは『ラストエンペラー』で監督賞を受賞し、同作で脚色賞も受賞した。
エンニオ・デ・コンチーニ、アルフレード・ジャンネッティ、ピエトロ・ジェルミは、『イタリア式離婚』でアカデミー賞オリジナル脚本賞を受賞した。アカデミー賞編集賞は、『ラストエンペラー』のガブリエラ・クリスティアーニと、 『 JFK』および『ブラックホーク・ダウン』のピエトロ・スカリアが受賞した。
最優秀オリジナル作曲賞は、ニーノ・ロータ（『ゴッドファーザー PART II』）、 ジョルジオ・モロダー（『ミッドナイト・エクスプレス』） 、ニコラ・ピオヴァーニ（ 『ライフ・イズ・ビューティフル』） 、ダリオ・マリアネッリ（ 『つぐない』）、エンニオ・モリコーネ（『ヘイトフル・エイト』 ）が受賞した。ジョルジオ・モロダーは、 『フラッシュダンス』と『トップガン』で最優秀オリジナル歌曲賞も受賞した。
アカデミー美術賞のイタリア人受賞者は、『アラビアのロレンス』と『ドクトル・ジバゴ』のダリオ・シモーニ、『眺めのいい部屋』のエリオ・アルトラムラとジャンニ・クアランタ、『ラストエンペラー』のブルーノ・チェザーリ、オズワルド・デジデリ、フェルディナンド・スカルフィオッティ、 『ハワーズ・エンド』のルチアナ・アリギ、『アビエイター』、『スウィーニー・トッド フリート街の悪魔の理髪師』、 『ヒューゴの不思議な発明』のダンテ・フェレッティとフランチェスカ・ロ・スキアーヴォである。
アカデミー賞撮影賞の受賞者は、トニー・ガウディオ（『アンソニー・アドバース』）、パスカルリーノ・デ・サンティス （『ロミオとジュリエット』）、ヴィットリオ・ストラーロ（『地獄の黙示録』、『レッズ』、『ラストエンペラー』）、マウロ・フィオーレ（『アバター』）です。
アカデミー賞衣装デザイン賞の受賞者は、『甘い生活』と『8 1/2』のピエロ・ゲラルディ、『クレオパトラ』と『クロムウェル』のヴィットリオ・ニーノ・ノヴァレーゼ、『じゃじゃ馬ならし』、『ロミオとジュリエット』、フェリーニの『カサノバ』のダニーロ・ドナティ、『シラノ・ド・ベルジュラック』のフランカ・スクアルチャピーノ、 『エイジ・オブ・イノセンス』 のガブリエラ・ペスクッチ、『バリー・リンドン』、『炎のランナー』、『マリー・アントワネット』、『グランド・ブダペスト・ホテル』のミレーナ・カノネロです。
特殊効果アーティストのカルロ・ランバルディは、キングコングで最優秀視覚効果賞（アカデミー特別功労賞）[ 222 ] 、エイリアン（1979年）[ 223 ]とE.T.で最優秀視覚効果賞（アカデミー賞）を2回受賞し、アカデミー賞を3回受賞した。[ 224 ]メイクアップ＆ヘアスタイリング賞は、ドライビング・ミス・デイジーのマンリオ・ロケッティと、スーサイド・スクワッドのアレッサンドロ・ベルトラーツィとジョルジオ・グレゴリーニが受賞した。
ソフィア・ローレン、フェデリコ・フェリーニ、ミケランジェロ・アントニオーニ、ディノ・デ・ラウレンティス、エンニオ・モリコーネ、ピエロ・トシもアカデミー名誉賞を受賞した。
... allo stato attuale dellericerche, la prima proiezione nelle Marche viene ospitata al Caffè Centrale di Ancona: ottobre 1896[ ... 研究の現状、最初の上映会はカフェ・セントラルのアンコーナ行進で開催される予定: 1896 年 10月][ISBN未指定]
彼はテレンス・ヒルとのコンビで頻繁に出演していた。
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