映画の歴史

映画の歴史は、19 世紀後半に始まった 映画技術を使用して作成された視覚芸術形式の発展を記録しています。

芸術媒体としての映画の出現は、明確に定義されていません。それ以前にも他者による映画上映はありましたが、1895 年 12 月 28 日にパリでリュミエール兄弟の短編映画 10 本が商業的に公開されたことが、映写映画映画の画期的進歩とみなすことができます。最初期の映画は白黒で、長さは 1 分未満、録音された音声はなく、固定カメラによる 1 回の撮影で構成されていました。最初の 10 年間は、映画が目新しいものから確立された大衆娯楽産業へと移行し、世界中に映画製作会社やスタジオが設立されました。一般的な映画言語に向けた慣習が発達し、映画編集、カメラの動き、その他の映画技術が映画の物語に特定の役割を果たすようになりました。

テレビ（1950年代から主流）、ホームビデオ（1980年代）、インターネット（1990年代）などの人気の新しいメディアは、映画の配給と消費に影響を与えました。映画製作では通常、新しいメディアに適したコンテンツや、劇場上映を魅力的に保つための技術革新（ワイドスクリーン（1950年代）、3D、4D映画など）やよりスペクタクルな映画で対応しました。より安価で扱いやすいシステム（8mmフィルム、ビデオ、スマートフォンカメラなど）により、ホームムービーやビデオアートなど、あらゆる目的でさまざまな品質の映画を製作できる人が増えました。技術的な品質は通常、プロの映画ほどではありませんでしたが、デジタルビデオと手頃な価格の高品質デジタルカメラによって向上しました。時間の経過とともに改善されたデジタル制作方法は、1990年代にさらに普及し、よりリアルな視覚効果と人気の長編コンピュータアニメーションをもたらしました。

映画の歴史の中で、 さまざまな映画のジャンルが登場し、さまざまな程度の成功を収めてきました。

映画を芸術形式として使用することは、（口承による）物語、文学、演劇、視覚芸術など、芸術におけるいくつかの初期の伝統にその起源をたどることができます。カンタストリアや同様の古代の伝統は、物語と、次々に示されたり示されたりする一連のイメージを組み合わせました。現代の映画技術の出現以前にすでに光と影を使用して芸術を生み出していた映画の前身には、影絵術、影絵人形劇、カメラ オブスキュラ、幻灯機などがあります。

影絵と影絵人形劇は、娯楽や物語の表現に動画を利用するという初期の例である。^[1]極東で生まれたと考えられているこの芸術は、手や物体の影を使って物語を創作する。影絵人形劇は、何世紀にもわたってアジア各地、特にジャワで人気を博し、啓蒙時代のヨーロッパにまで広がった。^[2]

16世紀までには、芸人たちは幽霊の幻影のイメージをしばしば作り出し、カメラ・オブスキュラやその他の投影形式などの技術を使ってパフォーマンスを強化していた。^[3] 17世紀後半に開発されたマジック・ランタン・ショーは、死や怪物、その他の恐ろしい人物のイメージでこの伝統を引き継いでいたようだ。[ ^{4] 1790年頃、この習慣は}ファンタスマゴリアとして知られるマルチメディア・ゴースト・ショーの一種に発展した。これらの人気ショーは、機械式スライド、リアプロジェクション、モバイルプロジェクター、スーパーインポーズ、ディゾルブ、生身の俳優、煙（その上に投影された可能性もある）、匂い、音、さらには電気ショックを使って観客を楽しませた。[ 5 ^{] [6]}最初のマジック・ランタン・ショーの多くは観客を怖がらせることを目的としていたが、映写技師の進歩により、より幅広い家族の観客にアピールできる創造的で教育的なストーリーテリングが可能になった。^[7]溶解ビューやクロマトロープの使用などの新しい開拓された技術により、 2つの投影された画像間のスムーズな移行が可能になり、より強力な物語を提供するのに役立ちました。^[8]

1833年、ジョセフ・プラトー、マイケル・ファラデー、サイモン・スタンファーによるスポークホイールのストロボ錯視の科学的研究により、ストロボディスクまたはフェナキスティスコープとしても知られるファンタスコープが発明され、ヨーロッパのいくつかの国で一時期人気を博した。プラトーはこれをさらに発展させてファンタスマゴリアに使用できると考え、スタンファーはローラーに帯を巻いたより長いシーン用のシステムと、透明バージョン（おそらく投影用）を思いついた。プラトー、チャールズ・ホイートストン、アントワーヌ・クローデらは、より完全な現実の錯覚を得るために、この技術をステレオスコープ（1838年導入）や写真（1839年導入）と組み合わせようとしたが、何十年もの間、そのような実験は主に長時間の露出時間が必要であることと、反射光が感光性化学物質に当たっている間に動く物体の周囲にモーションブラーが生じることが障害となっていた。ストップモーション技術でまともな結果を出すことに成功した人は少数でしたが、これらはほとんど市場に出回らず、クロノフォトグラフィーの登場以前は、アニメーション写真のいかなる形式も大きな文化的影響力を持っていませんでした。

クロノフォトグラフィーとして知られる初期の写真シーケンスのほとんどは、当初は動いている状態で見られることを意図しておらず、通常は運動を研究するための真剣な、さらには科学的な方法として提示されていました。シーケンスには、カメラの前で単純な動きをしている人間または動物がほとんど含まれていました。^[9] 1878年にキャビネットカードの馬の運動の出版を皮切りに、写真家のエドワード・マイブリッジは、動物と人間のリアルタイムの動きの何百ものクロノフォトグラフィー研究を開始しました。すぐに、エティエンヌ・ジュール・マレー、ジョルジュ・ドメニー、アルベール・ロンド、オットマール・アンシュッツなどの他のクロノ写真家が続きました。 1879年、マイブリッジは動物の移動についての講義を始め、ガラスディスクにトレースした記録の輪郭のアニメーションを投影するためにズープロキシスコープを使用しました。^[10]

1887年、ドイツの発明家で写真家のオットマー・アンシュッツは、彼が「エレクトロタキスコープ」と名付けた装置を使って、クロノフォトグラフィーによる動きの記録の発表を始めた。これは、小さな乳白色のガラスのスクリーン上に短いループを表示するものだった。1891年ま​​でに、彼は同名の、より経済的な、コイン式ののぞき箱型の観察装置を大量生産し始め、国際博覧会やフェアで展示した。ロンドンのクリスタル・パレスや米国の数店舗など、いくつかの機械はより長期間設置された。彼は、この媒体の焦点を、動きに対する技術的、科学的関心から大衆向けの娯楽へと移し、レスラー、ダンサー、アクロバット、日常生活の場面を記録した。1892年夏、ベルリン博覧会公園での彼のショーを見るために34,000人近くがお金を払った。ロンドンや1893年のシカゴ万国博覧会でそれを見た人もいた。これらの録音のほとんどについては証拠がほとんど残っていないが、いくつかのシーンはおそらく舞台上の喜劇的なシーケンスを描いたものと思われる。現存する記録によると、彼の作品のいくつかは、1894年の映画『フレッド・オットのくしゃみ』など、エジソン社の後の作品に直接影響を与えたと示唆されている。^[11]

映画映写技術の進歩は、幻灯機、クロノフォトグラフィーの実演、および挿絵入りの歌などの投影された娯楽の類似形式の人気に基づいていた。1892年10月から1900年3月まで、発明家エミール・レイノーは、パリのグレヴァン美術館でThéâtre Optique（「光学劇場」）映画システムを展示した。レイノーの装置は、 『貧しいピエロ』や『小屋への出入り』などの一連のアニメストーリーを投影し、12,800回のショーで50万人以上の来場者に披露された。^{[12] [13]} 1894年11月25、29、30日には、ベルリンの郵便局ビルの暗い大講堂の大型スクリーンに、オットマー・アンシュッツがエレクトロタキスコープのディスクから動画を投影した。 1895年2月22日から3月30日まで、40の異なるシーンからなる1時間半の商業プログラムが旧国会議事堂で300人の観客に向けて上映され、約4,000人の観客が訪れた。^[14]

19世紀後半を通じて、ワーズワース・ドニスソープ、ルイ・ル・プランス、ウィリアム・フリーズ＝グリーン、スクラダノフスキー兄弟などの発明家が、動画を撮影して表示できる装置の開発に先駆的な貢献を果たし、芸術媒体としての映画の出現の基礎を築きました。これらの実験のシーンは主に技術自体を実証するためのもので、通常は家族、友人、または通り過ぎる車を動く被写体として撮影されました。今日ラウンドヘイの庭園のシーン（1888年）として知られる現存する最古のフィルムは、ルイ・ル・プランスが撮影したもので、家族のメンバーが動く様子を短時間映し出していました。^[15]

1889年6月、アメリカの発明家トーマス・エジソンは、研究室の助手ウィリアム・ケネディ・ディクソンに、蓄音機から発せられる音に合わせて映像を生成できる装置の開発を手伝わせた。マイブリッジ、マレー、アンシュッツらによる以前の機械を基に、ディクソンと彼のチームは、約30秒の映画エンターテイメントを収めたセルロイドのループを備えたキネトスコープのピープボックスビューアーを作成した。 ^[16] 1891年5月20日の初期のプレビューの後、エジソンは1893年にこの機械を発表した。 ^{[17]キネトスコープで上映された映画の多くは、}エジソンのブラックマリアスタジオで上演された有名なボードビルの芸を特集したものであった。^[18]キネトスコープはすぐに世界的なセンセーションを巻き起こし、1895年までに主要都市に複数の鑑賞室ができました。^[17]当初の画像の目新しさが薄れてくると、エジソン社は映画のレパートリーを多様化するのに時間がかかり、一般の関心が薄れたことで1895年春までにビジネスが減速しました。収益の低下を補うために、ディクソン実験的サウンドフィルムなどの実験が行われ、音声録音に視覚的な伴奏を提供するというこの装置の本来の目的を達成しようとしました。しかし、音声と映像を同期させる際の制限により、広範囲にわたる応用は妨げられました。^{[19]同じ時期に、発明家たちは、最終的にエジソンのピープボックス形式を追い抜くことになる}映画映写に向けた技術を進歩させ始めました。^[20]

スクラダノフスキー兄弟は、1895 年 11 月 1 日にベルリンで、自作のビオスコープを使い、有料観客に最初の映画を上映しました。しかし、彼らには成功するための質も資金もありませんでした。これらの映画のほとんどは実験段階を通過せず、彼らの努力は映画が成功するまでほとんど世間の注目を集めませんでした。

1895 年後半、オーギュストとルイのリュミエール兄弟は、発明品であるシネマトグラフでいくつかの短いシーンを撮影した。1895 年 12 月 28 日、兄弟はパリで最初の商業上映を行った (1895 年 10 月には少人数の観客にこの装置のデモンストレーションを行っていたという証拠が残っている)。^[21]上映は 10 本の映画で構成され、約 20 分間続いた。プログラムは主に、世の中の真実を描いた『リュミエール工場を出る労働者たち』などの実写映画で構成されていたが、舞台コメディ『星の王子さま』も含まれていた。^[22]当時最も先進的な映画映写のデモンストレーションであったシネマトグラフは瞬く間に成功を収め、1896 年 1 月末までに 1 日平均 2,500 ～ 3,000 フランの売り上げを上げた。^[17]最初の上映の後、映画の順番や選択は頻繁に変更された。^[20]

リュミエール兄弟の主な事業は、映画製作ではなく、映画館にカメラや映画機材を売ることだった。それにもかかわらず、世界中の映画製作者は、映画館が新しい国に映画を上映するにつれて、映画の可能性に刺激を受けた。映画史家トム・ガニングが「アトラクションの映画」と名付けたこの時代の映画製作は、比較的安価で簡単な方法で大衆に娯楽を提供した。ガニングは、映画製作者はストーリーに重点を置くのではなく、主に、それ以前のキネトスコープ時代と同じように、動きのあるシーケンスを見る「幻想的な力」を通じて観客を楽しませる能力に頼っていたと主張する。^[23]それにもかかわらず、フィクション映画製作（実際の映画と他のジャンルの両方）の初期の実験は行われた。映画は主に、一時的な店先のスペース、フェアで巡回する出展者のテント、またはボードビルのプログラムでの「ダム」演技として上映された。^[24]この時期、ポストプロダクションのプロセスが明確に定義される前は、上映者は作品の創作の自由を自由に行使することができました。観客の体験を向上させるために、一部の上映ではオーケストラの生演奏、劇場のオルガン、生の音響効果、興行師や映写技師による解説が伴っていました。^{[25] [26]}

この時期にフランス、イギリス、アメリカの映画製作者たちが行った映画編集、特殊効果、物語構成、カメラの動きに関する実験は、その後の映画のアイデンティティを確立する上で影響力を及ぼした。エジソンスタジオとリュミエールスタジオの両方で、1895年のエジソン映画「ウォッシュデイ・トラブル」のような緩い物語が、短い人間関係のダイナミクスとシンプルなストーリーラインを確立した。^[27] 1896年には、「キャベツの妖精」が初めて公開された。アリス・ガイが監督と編集を務めたこの物語は、おそらく歴史上最古の物語映画であり、女性が監督した最初の映画でもある。^[28]同年、エジソン製造会社は「メイ・アーウィン・キス」を5月に公開し、大きな経済的成功を収めた。映画史上初のキスをフィーチャーしたこの映画は、映画検閲を求める最初の呼びかけにつながった。^[29]

もう一つの初期の映画製作会社は、オーストラリアのライムライト部門である。1898年に始まり、オーストラリアのメルボルンで救世軍によって運営された。ライムライト部門は、1891年には早くもランタンスライドなど救世軍が使用する伝道用資料を製作したほか、民間や政府の契約も受けていた。19年間の活動期間中に、ライムライト部門は様々な長さの映画を約300本製作し、当時としては最大級の映画製作会社となった。ライムライト部門は1904年にジョセフ・ペリーの『ノース・クイーンズランドでのブッシュレンジャー』という映画を製作したが、これはブッシュレンジャーを扱った最初の映画だと考えられている。

映画が誕生した当初、映画はプレゼンターや観客から芸術として認識されることは稀でした。上流階級からは「下品」で「低俗」な安っぽい娯楽とみなされていたため、映画は主に労働者階級に受け入れられ、しばしば短すぎて強い物語性を持つことができなかったのです。^[30]初期の広告は、映画自体ではなく、映画を上映するために使用される技術を宣伝していました。これらの装置が観客にもっと身近になるにつれて、出来事を捉えて再現するその可能性は、主にニュース映画や実写映画の形で活用されました。^[31]これらの映画の制作中、撮影監督は、フレーミングや画像の構成におけるカメラの意図的な配置など、過去の芸術形式で確立された美的価値をしばしば利用しました。 ^[32]映画プロデューサーで歴史家のケネス・マクゴーワンは、1955年に「映画ラジオテレビ季刊」に寄稿した記事で、ニュース映画で意図的に出来事を演出し再現することが「物語をスクリーンにもたらした」と主張しました。^[33]

内容よりも映画技術を宣伝するため、当初、実写映画は美しく活気のある場所やパフォーマンスのショットを含む「一連のビュー」として始まりました。^[32] 1895 年の上映の成功に続いて、リュミエール兄弟は会社を設立し、世界中にカメラマンを派遣して新しい題材を撮影し、上映しました。撮影監督がシーンを撮影した後、彼らはしばしば録画したものを地元で上映し、その後リヨンの会社の工場に送り返して複製プリントを作り、それを希望者に販売しました。^[34]実写映画、特に実際の出来事を撮影する過程で、映画製作者はその予測不可能な性質に対応するために複数のカメラ技術を発見し、実験しました。^[35]多くの実写映画は短い (多くの場合 1 ショットのみ) ため、カタログの記録によると、製作会社は関連する題材を複数宣伝して、互いに補完し合うように購入できるようにすることで、興行主に売り込みました。映画を購入した興行主は、しばしばプログラムで映画を上映し、スクリーン上のアクションを観客に説明するために音声による伴奏を提供しました。^[32]

1895年5月20日、マディソン・スクエア・ガーデンに映画を観るために初めて観客が集まり、ウッドヴィル・レイサムがエイドロスコープと呼ばれる装置を使って撮影したボクシングの試合を装った演出を見ました。レイサムの依頼を受けたフランス人発明家ウジェーヌ・オーギュスタン・ローストが、ウィリアム・ケネディ・ディクソンの専門知識を加えてこの装置を製作し、レイサム・ループとして知られるようになったメカニズムを作り上げました。これにより連続上映時間が長くなり、セルロイドフィルムへのダメージも少なくなりました。^[36]

その後、実写映画やニュース映画の上映は利益を生むことが証明された。1897年、『コルベット対フィッツシモンズ戦』が公開された。この映画はネバダ州カーソンシティで行われたボクシングのヘビー級世界選手権の試合を完全収録したもので、ライブの入場料よりも興行収入が高く、当時製作された映画の中で最長の作品となった。観客がコルベット対フィッツシモンズの映画に大挙して引きつけられたのは、おそらくジェームズ・J・コルベット（別名ジェントルマン・ジム）が舞台劇で自身の架空のバージョンを演じて以来、昼間の人気者になっていたためだろう。 ^[37]

1910年以降、定期的にニュース映画が上映され、テレビの登場以前にニュースを知る人気の方法となった。イギリス南極探検隊の南極探検や、同時期に行われていた婦人参政権運動のデモはニュース映画用に撮影された。F・パーシー・スミスはチャールズ・アーバンのもとで働いていた自然ドキュメンタリーの先駆者で、1910年に花の成長に関するドキュメンタリーでタイムラプスやマイクロシネマトグラフィーの使用を開拓した。^{[38] [39]}

シネマトグラフの公開が成功した後、フランスでは映画産業の発展が急速に加速しました。多くの映画製作者が、リュミエール兄弟が上映で得たのと同じ成功を達成するために、この技術を試しました。これらの映画製作者は、スター映画会社、パテ・フレール、ゴーモン映画会社などの新しい会社を設立しました。

物語映画の創始者として最もよく挙げられるのは、フランスの映画監督ジョルジュ・メリエスである。メリエスはイリュージョニストで、以前はマジックランタンの投影を使ってマジックの演技を盛り上げていた。1895年、メリエスはシネマトグラフのデモンストレーションに参加し、この装置が自分の演技を補助する可能性を認識した。メリエスはリュミエール兄弟から装置を購入しようとしたが、拒否された。^{[40]数ヵ月後、メリエスは}ロバート・W・ポールからカメラを購入し、現実を作り出すことでこの装置の実験を始めた。この実験期間中に、メリエスはストップトリック、多重露光、溶解の使用など、さまざまな特殊効果を発見し、映画に取り入れた。^[16] 1896年末、メリエスはスター映画会社を設立し、最終的に500本を超える短編映画の製作、監督、配給を開始した。^[41]メリエスは、演劇の経験と、新たに発見されたカメラ効果を組み合わせることで生まれる物語の可能性を認識し、落とし戸とフライシステムを備えた精巧な舞台を設計した。^[33]舞台構成と編集技術により、1896年の映画『悪魔の家』 (ホラー映画のジャンルで最初の作品とされる)や1899年の映画『シンデレラ』など、より複雑なストーリーを展開することが可能になった。^{[42] [43]メリエスの映画では、カメラ}の配置はプロセニアム・フレーミングという演劇構造、つまり俳優と観客を隔てる比喩的な平面または第四の壁に基づいていた。 ^[44]メリエスは、そのキャリアを通じて一貫してカメラを固定した位置に設置し、他の映画監督がより複雑で創造的な技術を試みたため、最終的には観客の支持を失った。^[45]メリエスは、1902年の映画『月世界旅行』で最もよく知られています。この作品でメリエスは特殊効果と物語構成の専門知識を駆使して、世界初のSF映画を制作しました。^[46]

1900年、シャルル・パテはパテ・フレールのブランドで映画製作を開始し、フェルディナンド・ゼッカを雇って制作の指揮を執らせた。^[47]制作に注力する以前、パテは蓄音機店でキネトスコープの偽造品と思われるものを展示・販売することで映画業界に関わっていた。ゼッカのクリエイティブなリーダーシップと、フランスの工具製造会社との提携による映画のコピーを大量生産する能力を活かして、シャルル・パテはパテ・フレールを国内有数の映画製作会社にしようとした。その後数年のうちに、パテ・フレールは世界最大の映画スタジオとなり、主要都市に支社を置き、上映可能な映画の選択肢を拡大していった。^[48]同社の映画は内容が多様で、1900年代初頭にはさまざまなジャンルの監督が催事場で上映された。^[47]

ゴーモン映画会社はパテ・フレールの主な地域的ライバルであった。1895年にレオン・ゴーモンによって設立されたこの会社は当初写真機材の販売をしており、1897年に映画製作を開始した。映画製作は、業界初の女性監督アリス・ギイの指揮のもとで行われた。 ^[49]ギイの初期の作品は、リュミエールやメリエスといった同時代のライバルたちと多くの特徴やテーマを共有している。ギイはダンス映画や旅映画を探求し、ミス・サハレが演じるボレロ（1905年）やタンゴ（1905年）のように、この2つを組み合わせることが多かった。ギイの初期のダンス映画の多くは、リュミエールやトーマス・エジソンの映画カタログの定番でもあるサーペンタイン・ダンス映画など、ミュージックホールのアトラクションで人気を博した。^[50] 1906年、ギイは300人のエキストラを動員した、当時としては大予算の映画 『キリストの生涯』を製作した。

ドイツの発明家で映画王のオスカー・メスターは、映画黎明期の重要人物でした。彼の会社メスター・フィルムは、 UFA が台頭する以前はドイツの有力な映画製作会社の一つでしたが、最終的には UFA と合併しました。メスターは、最初に映写機にジュネーブ駆動装置を追加し、断続的な振動運動によってフィルムのフレームを進め、1900 年にドイツ初の映画スタジオを設立しました。

1896 年以来、メスターは無声映画の時代の映画上映の音響効果を再生および同期させる方法の探求に興味を抱いていました。そこでメスターは映画を上映するための「トーンビルダー バイオフォン」を発明しました。これは蓄音機でウンター デン リンデンを再生し、アニメーション画像を投影するものでした。しかし、これは単なる追加機能ではなく、一連の音楽作品を動画と正確に一致させるものでした。実際、無声映画に音を追加するには、同期の問題を解決する必要がありました。画像と音は別々の装置で記録および再生されていたため、起動やリグの維持が困難でした。1903 年 8 月 31 日、メスターはベルリンの「アポロ」劇場でドイツ初の音響投影を行いました。

セシル・ヘップワースとロバート・W・ポールは、どちらも映画の中で異なるカメラ技術の使用を試みた。1895年のポールの「シネマトグラフ・カメラ No. 1」は、逆クランク機能を備えた最初のカメラであり、これにより同じフィルム映像を複数回露光して多重露光を作成することができた。この技術は、1901年の映画「スクルージ、あるいはマーレイの幽霊」で初めて使用された。どちらの映画製作者も、新しい効果を生み出すためにカメラの速度を試した。ポールは、「暴走する自動車に乗ってピカデリーサーカスを通り抜ける」（1899年）のシーンを、カメラ装置を非常にゆっくりとクランクすることで撮影した。^{[51]フィルムを通常の16フレーム/秒で投影すると、風景が猛スピードで流れていくように見えた。ヘップワースは、} 「インディアンの酋長とザイドリッツ火薬」 （1901年）で逆の効果を使用した。チーフの動きは、カメラを1秒あたり16フレームよりもはるかに速く回すことでスピードアップされ、現代の観客が「スローモーション」効果と呼ぶものを生み出します。^[52]

映画が単一ショットから連続するシーンに移行したのは、20世紀初頭頃からである。初期の映画の多くが失われているため、静止した単一ショットから一連のシーンへの移行が決定的であったかどうかを判断するのは難しい。こうした制限にもかかわらず、英国映画協会のマイケル・ブルックは、アクションが1つのシーンから別のシーンへと移り変わるという映画の真の連続性を、ロバート・W・ポールの1898年の映画『カム・アロング・ドゥ! 』に見出している。今日残っているのは、2番目のショットの静止画のみである。^[53] 1901年に公開された英国映画『中国使節団襲撃』は、複数のシーンにまたがるアクションの連続性を示した最初の映画の1つである。^{[33]画面上のアクションや会話を説明するインター}タイトルの使用は、1900年代初頭に始まった。^[54]ほとんどの国では、映画のセリフやナレーションを補うために インタータイトルが徐々に使われるようになり、上映者によるナレーションの必要性がなくなった。

複数のショットにわたる連続アクションの開発は、イギリスで「ブライトン・スクール」と総称される映画の先駆者たちのゆるやかな結びつきによって促進された。これらの映画製作者には、ジョージ・アルバート・スミスやジェームズ・ウィリアムソンなどが含まれていた。スミスとウィリアムソンはアクションの連続性を実験し、ショット間のインサートやクローズアップの使用を最初に取り入れたと思われる。^[33]トリック映画撮影法の基本的な手法は、カメラ内でフィルムを二重露光することだった。この効果は、1898年の映画「幽霊の撮影」でスミスによって開拓された。スミスのカタログ記録によると、（現在は失われている）この映画は、カメラマンが幽霊をカメラに収めようと奮闘する様子を記録したものだ。フィルムの二重露光を使用して、スミスは透明な幽霊のような姿を背景に滑稽な方法で重ねて、写真家をからかった。^[55]スミスの『コルシカの兄弟』は、1900年にワーウィック貿易会社のカタログで次のように説明されている。「非常に注意深い撮影により、幽霊は*完全に透明*に見えます。剣で刺されて殺されたことを示し、復讐を訴えた後、幽霊は消えます。その後、雪の中での致命的な決闘を示す「ビジョン」が現れる。」^{[56]スミスはまた、}リバースモーションの特殊効果技術を考案しました。彼は、逆さまのカメラで撮影しながら、2回目のアクションを繰り返し、2番目のネガの末尾を最初のネガの末尾につなぎ合わせました。^[57]この装置を使用して作られた最初の映画は、『ティプシー、トプシー、ターヴィー』と『厄介な看板画家』です。この技法の現存する最古の例は、1900 年 9 月以前に制作されたスミスの『ジャックの館』である。セシル・ヘップワースは、この技法をさらに発展させ、順方向の動きのネガをフレームごとに逆順に印刷し、元のアクションが正確に逆になったプリントを作成した。これを行うために、彼は特別なプリンターを製作し、プロジェクターを通過するネガを特別なレンズを通してカメラのゲートに投影し、同じサイズの画像を得た。この装置は「投影プリンター」と呼ばれるようになり、最終的には「光学プリンター」と呼ばれるようになった。^[58]

1898年、ジョージ・アルバート・スミスはクローズアップの実験を行い、ビールを飲む男性とタバコを嗅ぐ女性のショットを撮影した。^[33]翌年、スミスは『トンネルの接吻』を制作した。これは3つのショットからなるシーケンスである。列車がトンネルに入る、暗闇の中で男性と女性が短いキスを交わして席に戻る、列車がトンネルを出る。スミスはファントム・ライドと呼ばれるジャンルの成功に応えてこのシナリオを作成した。ファントム・ライド映画では、カメラは走行中の列車の前方から動きと周囲を捉える。^{[59] [60]}別々のショットを編集してまとめると、明確な一連の出来事が形成され、1つのショットから次のショットへの因果関係が確立された。 ^[61] 『トンネルの接吻』の後、スミスは連続するショットにわたるアクションの連続性についてより明確に実験し、『おばあちゃんの読書眼鏡』や『メリー・ジェーンの災難』などの映画でインサートを使い始めた。^[33] 1900年にスミスは『望遠鏡を通して見たもの』を制作した。メインショットは、若い男が靴ひもを結び、ガールフレンドの足を愛撫している街の風景を映し出し、老人が望遠鏡でそれを観察している。その後、黒い円形のマスクの中に映ったガールフレンドの足に置かれた手のアップショットに切り替わり、元のシーンの続きに戻る。^[62]

ジェームズ・ウィリアムソンは、1900年の映画『中国伝道団への攻撃』で物語構築のテクニックを完成させた。映画史家ジョン・バーンズが後に「当時のイギリスで作られた映画の中で最も完成度の高い物語」と評したこの映画は、最初のショットで中国の義和団が門にいるところを映し出すところから始まり、次に庭にいる宣教師の家族に切り替わり、そこで戦いが始まる。妻はバルコニーからイギリス人船員に合図し、船員たちは彼らを救出に来る。^[63]この映画では、映画史上初の「逆アングル」カットも使用された。^[64]翌年、ウィリアムソンは『大ツバメ』を制作した。この映画では、男が映画製作者の存在に苛立ち、補間されたクローズアップショットを使ってカメラとそのオペレーターを「飲み込む」。^[65]彼はこれらの効果とスーパーインポーズ、場面転換を示すワイプトランジションの使用、その他のテクニックを組み合わせて、映画言語、つまり「映画文法」を作成した。^{[66] [67]}ジェームズ・ウィリアムソンは1901年の映画「泥棒を止めろ!」で連続アクションを使用し、 「追跡映画」として知られる映画のジャンルを刺激した。^[68]この映画では、最初のショットで浮浪者が肉屋の少年から羊肉の脚を盗み、次のショットで肉屋の少年とさまざまな犬に追いかけられ、3番目のショットで最終的に犬に捕まる。^[68]

1895年にエジソン社がキネトスコープで鑑賞するために制作した『メアリー・スチュアートの処刑』では、スコットランド女王メアリーが処刑される様子がカメラの前で撮影されている。ストップトリックとして知られるこの効果は、最後のショットで俳優をダミーに置き換えることで実現された。 ^{[69] [70]}この映画で使用された手法は、映画における特殊効果の最も初期の使用例の1つと見なされている。 ^[71]

アメリカの映画監督エドウィン・S・ポーターは、 1901年にエジソン社で映画製作を始めた。元映写技師だったポーターは、トーマス・エジソンに雇われ、ヴィタスコープと呼ばれる新型映写機の開発を担当した。メリエス、スミス、ウィリアムソンの作品に一部影響を受け、彼らの新たに編み出された技術を活用して、編集による連続的な物語の発展を促進した。^[16] 1902年に長編映画を作り始めたポーターは、ジョルジュ・メリエスがすでに行っていたように、すべてのショットの間にディゾルブを入れ、ディゾルブ全体で同じアクションを頻繁に繰り返した。

1902年、ポーターはエジソン製造会社のために『アメリカの消防士の生活』を撮影し、翌年配給した。この映画では、ポーターは以前のエジソン映画のストック映像と新しく撮影した映像を組み合わせ、英雄的な消防士による女性とその子供の救出のドラマチックな物語を伝えた。^[16]

ポーターの映画「大列車強盗」（1903年）は、上映時間が12分で、20のショットと10の異なる屋内外のロケーションで構成されていた。この映画は西部劇のジャンルでは最初の作品とされ、異なる場所で同時に起こっているアクションを示唆するショットの使用が重要である。^[16]ポーターは、舞台装置と実際の屋外環境の両方を使用することで空間感覚を作り出し、カメラをより広いショットに配置することで奥行きを確立し、画面上の動きを長くすることができた。^[72] 大列車強盗は、映画という媒体を大衆に普及させるきっかけの一つとなった。^{[40] [73]}同年、マイルズ兄弟は国内初のフィルム取引所を開設し、常設上映会社は、映画を販売するプロデューサーよりも安いコストで会社から映画を借りることができた。^[74]

ジョン・P・ハリスは1905年にペンシルバニア州ピッツバーグに映画上映専用の最初の常設劇場であるニコロデオンをオープンした。このアイデアは急速に広まり、1908年までに全米に約8,000のニコロデオン劇場が存在した。^[75]ニコロデオンの登場により、観客は多様なテーマや場所を舞台にしたストーリー映画をより多く求めるようになり、より多くのクリエイティブな人材を雇う必要が生じ、スタジオはより手の込んだ舞台デザインに投資するようになった。^[74]

1908年、トーマス・エジソンは、彼の特許の侵害を制限するために、アメリカの大手映画会社間でモーション・ピクチャー・パテント・カンパニー（MPPC）として知られる企業トラストの設立を主導した。トラストのメンバーは、フィルムストックの作成、映画の製作、ライセンス契約による映画館への配給まで、映画製作プロセスのあらゆる側面を管理した。トラストは、内部競争によって映画製作の質の向上を促し、アメリカ映画産業の成長を促すために外国映画の数に制限を設けたが、長編映画の製作を阻害した。1915年までに、映画会社が長編映画のより広範な製作へと移行するにつれて、MPPCは映画産業に対する支配力をほとんど失っていた。^[46]

世界的な映画ブームにより、より多くの国がイギリス、フランス、ドイツ、アメリカに加わり、本格的な映画製作に着手した。イタリアでは製作はいくつかの拠点に分散し、トリノが最初の主要な映画製作拠点となり、ミラノとナポリでは最初の映画雑誌が誕生した。^[76]トリノでは、 1905年にアンブロジオがこの分野で最初の会社となり、この時期を通じて国内最大の会社であり続けた。最大のライバルはローマのシネスで、 1906年に製作を開始した。イタリアの映画の大きな強みは、大規模なキャストと大規模な舞台装置を備えた歴史大作であった。1911年には早くもジョヴァンニ・パストローネの2巻映画『トロイの陥落』が世界中に大きな印象を与え、その後、 90分の『 Quo Vadis?』 (1912年)や、2時間半の『カビリア』 ^{(1914年)など、さらに大規模な作品が続いた。 [77]}

イタリアの劇団はドタバタ喜劇でも強い路線を敷いており、地元では「クレティネッティ」、他では「フールズヘッド」や「グリブイユ」として知られたアンドレ・ディードのような俳優が、ほとんどシュールなギャグで世界的に有名になった。

第一次世界大戦まで北欧で最も重要な映画製作国はデンマークだった。^{[77] [78]}ノルディスク社は1906年に遊園地の興行師オーレ・オルセンによって設立され、短期間フランスやイギリスの映画製作者の成功を真似した後、1907年には67本の映画を製作した。そのほとんどはヴィゴ・ラーセン監督の作品で、『白い奴隷』、『ホッキョクグマ狩り』、『ライオン狩り』といったセンセーショナルな題材を扱っていた。1910年までには、新しい小規模なデンマークの映画会社が業界に参入し始め、白人奴隷貿易に関する映画をさらに製作するほか、他の新しい題材も提供した。これらの発見の中で最も重要なのは、コスモラマのウルバン・ガッド監督による『アフグルンデン（深淵）』のアスタ・ニールセンである。この映画はサーカス、セックス、嫉妬、殺人を組み合わせ、強い信念を持って表現し、他のデンマークの映画製作者をこの方向にさらに押し進めた。1912年までに、デンマークの映画会社は急速に増加した。^[77]

スウェーデンの映画産業はデンマークの産業よりも規模が小さく、立ち上がりも遅かった。ここでは、スヴェンスカビオグラフトアテルン映画館チェーンのニュース映画カメラマンであるチャールズ・マグヌッソンが1909年に彼らのためにフィクション映画の製作を開始し、自ら数本の映画を監督した。1912年にヴィクトル・ショーストロームとマウリッツ・シュティラーを監督として雇うと、製作は増加した。彼らはデンマーク映画産業が好む題材を模倣することから始めたが、1913年までに彼らは独自の際立って独創的な作品を製作し、非常によく売れた。^[77]

ロシアの映画産業は1908年にパテ社がフィクション映画を撮影したことから始まり、その後アレクサンドル・ドランコフとアレクサンドル・ハンゾンコフによって本物のロシア映画会社が設立された。ハンゾンコフ社はすぐにロシア最大の映画会社となり、1918年までその地位を維持した。^[77]

ドイツでは、オスカー・メスターが1896年から映画製作に携わっていたが、1910年まで年間の製作本数はそれほど多くなかった。世界的な映画ブームが始まったとき、彼とドイツの映画業界の他の数人は、自社映画のプリントを直接販売し続け、不利な立場に置かれた。映画館チェーンのオーナーであるポール・デイビッドソンが1911年にデンマークからアスタ・ニールセンとウルバン・ガドをドイツに連れてきて、プロジェクションズ・AG「ユニオン」（ PAGU）という製作会社を設立して初めて、プリントのレンタルへの切り替えが始まった。^[77]メスターはヘニー・ポルテン主演の長編映画シリーズで応えたが、これらはドイツ語圏では好評だったものの、アスタ・ニールセンの映画とは異なり、国際的には特に成功しなかった。第一次世界大戦直前に成長したドイツの映画製作会社には、フランスのエクレア社のドイツ支社であるドイチェ・エクレアもあった。これはドイツ政府によって没収され、戦争が始まると DECLA に変わりました。しかし、全体として、1914 年のドイツの製造業者はドイツ市場のごく一部しか占めていませんでした。^{[引用が必要]}

全体的には、1910年頃から、フランスを除くすべてのヨーロッパ諸国でアメリカ映画が最大の市場シェアを占め、フランスでさえ、第一次世界大戦前夜にはアメリカ映画が地元製作を首位の座から追いやったばかりだった。^[要出典] パテ・フレールは拡大し、アメリカの映画事業を大きく形作り、映画に初めてタイトルと字幕を付けたり、初めて巻物を発売したり、初めて映画のポスターを導入したり、初めてカラー写真を制作したり、初めてコマーシャル・ビルを出した、初めて興行主と連絡を取り彼らのニーズを研究したりするなど、映画産業における多くの「初」を生み出した。世界最大のフィルム供給業者であるパテは、飽和状態に達した米国市場に限定されているため、米国は海外市場からの追加利益を求めている。映画は米国では「純粋な」アメリカ現象と定義されている。^[79]

この時期に導入された新しい映画技術には、不吉なシーンの雰囲気を高めるために人工照明、火の効果、ローキー照明（つまり、フレームの大部分が暗い照明）の使用などがありました。 ^[77]

ショットからショットへのアクションの連続性も洗練され、例えばパテの『逃げ馬』（1907年）では、並行するアクションの間でクロスカッティングが使われている。DWグリフィスも、1908年7月に製作された映画『致命的な時間』でクロスカッティングを使い始めた。もう1つの発展は、視点ショットの使用であり、1910年にヴィタグラフの『自然への回帰』で初めて使用された。挿入ショットは芸術的な目的でも使用された。マリオ・カセリーニ監督のイタリア映画『悪の植物』には、蛇が「悪の植物」の上を這う挿入ショットがあった。^{[要出典] 1914年までに、アメリカの映画業界では、}クロスカッティングは、ドラマの進行に何の役割も果たさない、面白くないアクション部分を省くことができるため、最も一般的に有用であるという考えが広く受け入れられていた。^[80]

1909年、35mmは国際的に認められた劇場用フィルムの規格となった。^[46]

映画が長くなるにつれ、小説や演劇から派生したより複雑なストーリーを1本のリールに収まる形に簡略化するために専門の脚本家が雇われるようになった。ジャンルがカテゴリーとして使われるようになり、主な区分はコメディとドラマであったが、これらのカテゴリーはさらに細分化された。^[77]

1908年以降、一貫してセリフを含むインタータイトルが使われるようになった。 ^[81]ヴィタグラフの『オートヒロイン、あるいはヴィタグラフカップをめぐる競争とその勝因』がその例である。セリフは最終的にシーンの途中に挿入され、1912年までには一般的になった。セリフタイトルの導入は映画の物語の性質を変えた。セリフタイトルが常に登場人物が話し始めた直後にシーンに挿入され、話し終える直前に登場人物のシーンにカットされるようになると、事実上、現在のトーキー映画に相当するものができあがった。^[77]

第一次世界大戦の時代は映画産業にとって複雑な過渡期であった。映画の上映は短い1リールのプログラムから長編映画へと変化した。上映会場は大きくなり、上映料金も高くなった。^[77]

アメリカでは、これらの変化により多くの映画会社が破滅したが、ヴィタグラフ社は例外だった。映画製作は第一次世界大戦中にロサンゼルスに移り始めた。ユニバーサル・フィルム・マニュファクチャリング・カンパニーは、傘下の会社として1912年に設立された。新規参入者には、ジェシー・ラスキー・フィーチャー・プレイ・カンパニーとフェイマス・プレイヤーズがあり、どちらも1913年に設立され、後にフェイマス・プレイヤーズ・ラスキーに合併された。この時期の最大のヒット作は、デイヴィッド・ワーク・グリフィスの『國民の創生』（1915年）だった。グリフィスはこれに続き、さらに大作の『イントレランス』（1916年）を制作したが、アメリカで製作された映画の質が高かったため、彼らの映画の市場は高かった。^[77]

フランスでは、戦争開始時の国全体の軍動員により映画製作が停止した。1915年に映画製作は再開されたものの規模は縮小され、大手映画会社は徐々に製作から撤退した。イタリアの映画製作は持ちこたえたが、苦悩する女性を主役にしたいわゆる「ディーバ映画」は商業的には失敗だった。デンマークでは、ノルディスク社が1915年と1916年に製作を大幅に増やしたため、すべての映画を販売することができず、デンマークの製作は急激に減少し、世界の映画界におけるデンマークの重要性は消滅した。^[77]

ドイツの映画産業は戦争によって深刻な弱体化を余儀なくされた。当時の新しい映画プロデューサーの中で最も重要なのはジョー・メイで、彼は戦時中に一連のスリラー映画や冒険映画を制作したが、エルンスト・ルビッチも一連の大ヒットコメディやドラマで注目を集めた。^[77]

当時、スタジオは、変化する太陽光の影響を受けないように撮影するために暗転していた。これは投光照明とスポットライトに置き換えられた。シーンの始めと終わりにアイライジングインとアイライジングアウトが広く採用されたのもこの時期である。これは円形のマスクで撮影された映画の驚くべきもので、徐々に大きくなり、ついにはフレームを超えて広がる。垂直や斜めの開口部など、他の形状のスリットも使用された。^[77]

静止画撮影から引き継がれた新しいアイデアは「ソフトフォーカス」である。これは1915年に始まり、メアリー・ピックフォード主演の『ファンチョン・ザ・クリケット』のように、表現効果を高めるために意図的に焦点をずらしたショットがいくつか登場した。^[77]

映画の登場人物の主観的な感情を伝えることを目的としたカメラ効果が、実際に確立され始めたのはこの時期であった。これらは、シドニー・ドリューの『手袋の物語』 （1915年）のように、ポイント・オブ・ビュー（ POV ）ショットとして実行できるようになった。ドアとその鍵穴を手持ちで撮影したぐらぐらしたショットは、酔っ払った男のPOVを表している。アナモルフィック（一般的な意味での歪んだ形状）画像の使用は、この時期にアベル・ガンスが『チュ​​ーブ博士の狂気』を監督したときに初めて登場した。この映画では、一群の人々に投与された薬物の効果は、遊園地タイプの歪んだ鏡に映ったシーンを撮影することによって示唆された。 ^[77]

従来の文学や芸術の伝統から引き継がれた象徴的効果は、この時期の映画にも引き続き登場した。D・W・グリフィスの『復讐の良心』（1914年）では、「邪悪な考えの誕生」というタイトルの後に、主人公が蜘蛛を見つめるシーンと蟻が虫を食べるシーンの3つのショットが続く。世紀末の象徴主義芸術と文学は、イタリアとロシアで制作された少数の映画にも、より一般的な影響を与えた。情熱と禁じられた憧れから生じる死を無条件で受け入れることは、この芸術の大きな特徴であり、長々と語られる錯乱状態も重要だった。^[77]

インサートショット、つまり顔以外の物体のクローズアップの使用は、ブライトン派によってすでに確立されていたが、1914年以前にはほとんど使用されていなかった。インサートショットの使用における新しい段階が始まるのは、グリフィスの『復讐の良心』からである。 ^[77]すでに述べた象徴的なインサートに加え、この映画では、心理的緊張の指標としてそれらの体の部位を強調する手段として、握りしめた手や踏み鳴らした足のクローズアップショットを大量に多用した。^[81]

雰囲気を演出する挿入ショットは、1910年代後半にヨーロッパで開発された。^[要出典]この種のショットは、物語の登場人物が誰も登場せず、登場人物の誰かの視点ショットでもないシーンのショットである。初期の例としては、モーリス・ターナー監督の『一族の誇り』（1917年）がある。この映画では、漁師たちの厳しい生活を示すために、岩の多い海岸に打ち寄せる波のショットが連続して使われている。モーリス・エルヴェイ監督の『ネルソン：イングランド不滅の海軍英雄物語』（1919年）には、ヴィルヘルム2世の肖像から孔雀、そして戦艦へと切り替わる象徴的なシーケンスがある。^[81]

1914年までに、連続映画は商業映画の確立された形式となった。先進的な連続技術の1つは、1つのショットから別のショットへの正確でスムーズな移行であった。^{[77]シーン内で}異なるアングルにカットすることは、アメリカ映画でシーンをショットに分解する技術としても定着した。^[81]ショットの方向が90度以上変わる場合、それは逆アングルカットと呼ばれる。^[82]逆アングルカットの完全な開発の主導者は、 The Right GirlやHis Phantom Sweetheartなどの映画で活躍したラルフ・インスであった。^[81]

フラッシュバック構造の使用はこの時期にも発展を続け、フラッシュバックの開始と終了は通常、ディゾルブによって行われました。^[要出典]ヴィタグラフ社の『 The Man That Might Have Been』（ウィリアム・J・ハンフリー、1914年）はさらに複雑で、主人公の実際の人生と、息子が死ななかったらどうなっていたかを対比させる一連の空想とフラッシュバックが特徴です。

1914年以降、並行するアクション間のクロスカッティングが使われるようになったが、これはヨーロッパ映画よりもアメリカ映画で多く見られるようになった。クロスカッティングは、セシル・B・デミルの『ささやく合唱』（1918年）のクロスカットシーケンスのように、新しい対比効果を得るために使われた。このシーケンスでは、死んだはずの夫がアヘン窟で中国人売春婦と関係を持ち、同時にそのことを知らない妻が教会で再婚する。^[81]

無声映画の色調もこの時期に人気を博した。琥珀色は昼間または明るく照らされた夜、青色は夜明けまたは薄暗い夜、赤色は火事のシーン、緑色は神秘的な雰囲気、茶色（別名セピア調）は個々のシーンではなく長編映画でよく使われた。DWグリフィスの画期的な叙事詩『国民の創生』、1920年の有名な映画『ジキル博士とハイド氏』、同じ年のロバート・ヴィーネの叙事詩『カリガリ博士』は、色調の無声映画の有名な例である。^[要出典]

1914年に初めて公開された『天地創造の写真劇』は、同期した音声、動画、カラースライドを組み込んだ最初の主要な脚本でした。 ^[83] 1927年まで、ほとんどの映画は音声なしで制作されていました。この時代は一般に映画の無声時代と呼ばれています。 ^{[84] [85]}

アメリカから始まった映画の発展の一般的な傾向は、映画の物語の内容を表現するために新たに開発された映画特有の装置を使用し、これを商業劇場ですでに使用されていた標準的な劇的構造と組み合わせるというものでした。^[要出典] DW グリフィスは、映画を通して観客に伝える劇的な興奮により、映画業界でアメリカ人監督の中で最も高い評価を得ていました。セシル B. デミルの『いかさま師』（1915 年）は、登場人物が直面する道徳的ジレンマをグリフィスよりも微妙な方法で表現しました。デミルはまた、当時のアメリカの生活の現実に密接に接していました。モーリス ターナーも、映画の絵画的な美しさとファンタジーの扱い方の繊細さで高く評価されていましたが、同時に『少女の愚行』 （1917 年）のように、適切なタイミングで俳優からより自然な演技を引き出すことができました。^[77]

シドニー・ドリューは「礼儀正しい喜劇」の発展の先駆者であり、一方スラップスティックはマック・セネットのキーストーン・カンパニーで活動を始めたファッティ・アーバックルとチャールズ・チャップリンによって洗練されました。彼らはセネットの映画の通常の狂乱のペースを緩め、観客に彼らの動きの繊細さと巧妙さ、そしてギャグの巧妙さを鑑賞する機会を与えました。1917年までにチャップリンは映画にもっと劇的なプロットを導入し、喜劇と感情を混ぜ合わせました。^[77]

ロシアでは、エフゲニー・バウアーが象徴主義的なニュアンスと組み合わせたゆっくりとした緊張感のある演技を独特の方法で映画に表現した。^[77]

スウェーデンでは、ヴィクトル・ショーストロムが人々の生活の現実と周囲の状況を印象的な方法で組み合わせた一連の映画を制作し、マウリッツ・スティラーは洗練されたコメディを新たなレベルにまで発展させました。^[77]

ドイツでは、エルンスト・ルビッチがマックス・ラインハルトの舞台作品からブルジョア喜劇とスペクタクルの両方でインスピレーションを得て、それを映画に応用し、『人形』、『牡蠣姫』、 『デュバリー夫人』を制作した。^[77]

第一次世界大戦が始まった頃、フランスとイタリアの映画が世界的に最も人気がありました。戦争はヨーロッパの映画産業に壊滅的な打撃を与えました。

20 世紀初頭を通じて、映画俳優たちはカメラの使い方を学び続け、ショット内の空間と時間を使ってイリュージョンを作り出す方法を模索しました。この新しく導入された創造性の形態により、1915 年の映画「國民の創生」で名を馳せたデイビッド・W・グリフィスなど、まったく新しいグループの人々がスターの座に就くことになりました。1920 年には、映画業界に 2 つの大きな変化がありました。サウンドの導入とスタジオ システムの創設です。1920 年代には、独立して活動していた才能ある俳優たちがスタジオに参加し、他の俳優や監督と一緒に仕事をするようになりました。1927 年には、「ジャズ シンガー」が公開され、映画業界にサウンドがもたらされました。

ドイツ映画界は、その時代の特徴を備え、ドイツ表現主義映画運動の時代を迎えた。ベルリンはバーベルスベルク映画スタジオの中心地であった。^{[91] [87]}初期の表現主義映画は、予算の不足を補うために、非現実的で幾何学的に不条理な角度のセットデザインや、光、影、物体を表現するために壁や床に描かれたデザインを使用した。表現主義映画のプロットやストーリーは、第一次世界大戦の経験によって引き起こされた狂気、狂気、裏切り、その他の「知的」なテーマを扱うことが多かった。 『カリガリ博士』（1920年）、『吸血鬼ノスフェラトゥ』（1922年）、『 M』（1931年）などの映画は、現在の映画製作者、ゲームデザイナー、アーティストの作品に今でも見られる大きな国際的影響を与えた。^[92]

『メトロポリス』（1927年）や『月下の女』 （1929年）などの映画は、 SF映画というジャンルを部分的に生み出しました^[93] 。また、ロッテ・ライニガーは、現存する最古かつヨーロッパで制作された最古のアニメーション映画である『アクメッド王子の冒険』などの長編アニメーション映画を制作し、アニメーションの先駆者となりました。

ナチスが権力を握ると、多くのドイツ人やドイツを拠点とする監督、俳優、作家などがアメリカに移住し、ハリウッドとアメリカの映画産業は他の映画製作国との競争において最終的な優位に立った。^[94]

アメリカの映画産業、あるいはカリフォルニアに新たな地理的中心地が置かれた後に「ハリウッド」として知られるようになった産業は、多かれ少なかれそれ以来ずっと維持してきた地位、すなわち世界の映画工場としての地位を獲得し、その製品を地球上のほとんどの国に輸出している。

1920年代までに、米国は史上最高の映画製作時代を迎え、年間平均800本の長編映画を製作し、 ^[95]これは世界全体の82%に相当します（Eyman、1997年）。ほんの数例を挙げるだけでも、チャーリー・チャップリンやバスター・キートンの喜劇、ダグラス・フェアバンクスの冒険活劇、クララ・ボウのロマンスなどにより、これらの俳優の顔がすべての大陸でよく知られるようになりました。古典的な連続編集となる西洋の視覚的基準が開発され、輸出されましたが、日本など、芸術や演劇に強いリアリズムの伝統を持たない一部の非西洋諸国では、その採用はよりゆっくりとしたものでした。

この発展は、スタジオシステムとその最大の宣伝手段であるスターシステムの発展と同時期に起こり、その後数十年にわたってアメリカ映画の特徴となり、他の映画産業のモデルとなった。スタジオは、製品のすべての段階を効率的にトップダウンで管理し、贅沢な制作と技術的な洗練を新たなレベルにまで高めた。同時に、このシステムの商業的な統制と華やかな現実逃避への焦点は、ある程度以上の大胆さと野心を阻んだ。その代表的な例が、1910年代後半から1920年代にかけての、型破りなエーリッヒ・フォン・シュトロハイムの短いながらも伝説的な監督キャリアである。

1924年、サム・ゴールドウィン、ルイス・B・メイヤー、メトロ・ピクチャーズ・コーポレーションがMGMを設立した。^[46]

1927年後半、ワーナー社は『ジャズ・シンガー』をリリースした。この映画はほぼ無声だったが、長編映画で初めて同期した会話（および歌）を収録したものと一般に考えられている。^{[96]しかし、この手法は実際には}チャールズ・テイズ・ラッセルが1914年に長編映画『天地創造の写真ドラマ』で初めて実現した。このドラマは、会話や音楽の蓄音機レコードと同期した写真スライドと動画で構成されていた。ヴァイタフォンなどの初期のディスク上サウンド方式は、すぐにフォックス・ムービートーン、デフォレスト・フォノフィルム、RCAフォトフォンなどのフィルム上サウンド方式に取って代わられた。この傾向は、主に消極的だった実業家たちに「トーキー」または「トーキー」が未来であると確信させた。 『ジャズ・シンガー』の成功までに多くの試みがなされ、それらは映画の音響システムの一覧に見られる。そして1926年、ワーナー・ブラザーズが『ジャズ・シンガー』をリリースした。映画『ドン・ファン』が音響効果と音楽を同期させて初公開される。^[46]

変化は驚くほど速かった。1929年末までに、ハリウッドはほぼ全編トーキーとなり、競合するいくつかの音響システム（すぐに標準化される）が使用されていた。世界のその他の地域では、主に経済的な理由から、全面的な移行はやや遅かった。中国や日本などの国では、文化的な理由も要因となり、1930年代まで無声映画と音声映画がうまく共存し、呉永剛の『女神』（中国、1934年）や小津安二郎の『生まれては去るが…』（日本、1932年）など、これらの国で最も尊敬される古典作品のいくつかが制作された。しかし日本でも、日本の無声映画で大きな役割を果たしていた活動弁士のような人物の俳優としてのキャリアは終わりを迎えつつあった。

サウンドは、多くの国で大手スタジオの支配力をさらに強めた。移行にかかる莫大な費用が小規模な競合会社を圧倒した一方で、サウンドの斬新さは生き残ったプロデューサーたちにはるかに多くの観客を引きつけた。米国の場合、歴史家の中には、大恐慌に直面したハリウッドのスタジオ システムをサウンドが救ったと考える人もいる (Parkinson, 1995)。こうして、現在では「ハリウッドの黄金時代」と呼ばれる時代が始まった。これは、サウンドの導入から 1940 年代後半までの期間を大まかに指す。この時期に、アメリカ映画は、効率的に作り出された魅力と世界的な人気において頂点に達した。この時代のトップ俳優は、現在では古典的な映画スターと考えられており、クラーク ゲーブル、キャサリン ヘプバーン、ハンフリー ボガート、グレタ ガルボ、そして 1930 年代最大の興行収入を記録した子役のシャーリー テンプルなどがあげられる。

しかし、創造的に見ると、急速な移行は困難なものであり、ある意味では、映画は初期の状態に戻った。1920 年代後半は、カメラの前や後ろのアーティストが初期の音響機器の厳しい制限と、新しいメディアをどのように使用すればよいかという不安に悩まされ、静的で舞台的なトーキーが溢れていた。プロデューサーが対話ベースのストーリーテリングの経験のある人材を求めていたため、多くの舞台俳優、監督、脚本家が映画に参入した。多くの主要な無声映画の製作者や俳優は適応できず、キャリアが大幅に短縮されたり、終了したりした。

この厄介な時期は、かなり短期間で終わった。1929年は転換期だった。 『チャイナタウンの夜』と『愛する男』のウィリアム・ウェルマン、『拍手』のルーベン・マムーリアン、『脅迫』 （イギリス初のトーキー作品）のアルフレッド・ヒッチコックらは、トーキーにさらなる流動性をもたらし、サウンドの表現を実験した監督たちだった（Eyman、1997年）。この過程で、彼らはマイクとカメラの技術的進歩、そしてサウンドの編集と後処理による同期（撮影時にすべてのサウンドを直接録音するのではなく）の恩恵を受け、さらにそれを推し進めた。

トーキー映画は黒人の歴史を強調し、無声映画よりも様々なジャンルに恩恵をもたらした。最も明白なのはミュージカル映画の誕生である。最初のクラシックスタイルのハリウッドミュージカルは『ブロードウェイ・メロディ』（1929年）であり、この形式の最初の主要なクリエーターは振付師兼監督のバスビー・バークレー（ 『 42番街』（1933年）、『ダムス』 （ 1934年））であった。フランスでは、前衛的な監督ルネ・クレールが『巴里の屋根の下』（1930年）や『百万』（1931年）などの喜劇で歌と踊りをシュールに使用した。ユニバーサル・ピクチャーズは『魔人ドラキュラ』や『フランケンシュタイン』 （ともに1931年）などのゴシックホラー映画の公開を開始した。1933年、RKOピクチャーズはメリアン・C・クーパーの古典的な「巨大怪獣」映画『キングコング』を公開した。この傾向はインドで最も盛んに起こり、同国の伝統的な歌と踊りのドラマの影響により、ミュージカルはほとんどのトーキー映画の基本形式となった (Cook, 1990)。何十年も西洋世界ではほとんど注目されなかったが、このインドの大衆映画は世界で最も多作なものとなった。 (ボリウッド も参照)

この頃、アメリカのギャング映画『リトル・シーザー』やウェルマンの『パブリック・エネミー』（ともに1931年）が人気を博した。ハリウッドのコメディでは、スラップスティックよりもセリフが重視されるようになった。『フロント・ページ』（1931年）や『素晴らしき哉、人生！』 （1934年）のテンポの速いウィットに富んだ掛け合い、メイ・ウエストの性的なダブル・ミーニング（ 『彼女は彼を裏切った』 （1933年））、マルクス兄弟のしばしば破壊的で無政府主義的なナンセンスなトーク（ 『アヒルのスープの素晴らしさ』 （1933年）などである。以前は短編アニメの仕事をしていたウォルト・ディズニーは、1937年にRKOピクチャーズから公開された初の英語アニメ映画『白雪姫』で長編映画に進出した。1939年はアメリカ映画にとって重要な年となり、『オズの魔法使い』や『風と共に去りぬ』などの映画が生まれた。

1890年代から1920年代にかけての映画の約80パーセントはカラーでした。^{[97]多くの映画では単色の}フィルム着色染料浴が使用され、一部の映画ではフレームが複数の透明色で手作業で塗装され、1905年以降は機械化されたステンシルプロセス（パテカラー）が使用されました。

キネマカラーは、商業的に成功した最初の映画用カラープロセスであり、1908年から1914年にかけて2色（赤とシアン）のフィルムを制作しました。

テクニカラーの自然な3ストリップカラープロセスは、1932年にバート・ジレット監督によるウォルト・ディズニーのアカデミー賞受賞短編アニメ「花と木」で非常にうまく導入されました。テクニカラーは当初、主に「オズの魔法使い」（1939年）などのミュージカルや、「ロビンフッドの冒険」などのコスチューム映画、およびアニメーションで使用されていました。1950年代初頭にテレビが普及して間もなく、カラーは劇場映画のほぼ標準となりました。

敵国に対する戦時プロパガンダへの欲求により、英国映画産業は復興を遂げ、『49度線』（1941年）、『一日うまくいったか？』（1942年）、『これからの道』（1944年）などの現実的な戦争ドラマや、アカデミー特別賞を受賞したノエル・カワードとデヴィッド・リーンの有名な海軍映画『われらの奉仕』 （1942年）が誕生した。これらの映画と並んで存在したのが、マイケル・パウエルとエメリック・プレスバーガーの『ブリンプ大佐の生と死』（1943年）、『カンタベリー物語』（1944年）、『生と死の問題』（1946年）や、シェークスピアの歴史小説『ヘンリー五世』を基にしたローレンス・オリヴィエの1944年の映画『ヘンリー五世』である。『白雪姫と七人の小人』の成功により、ディズニーは『ピノキオ』（1940年）、『ファンタジア』（1940年）、『ダンボ』（1941年）、『バンビ』 （1942年）といったさらなるアニメ映画を制作することができました。

アメリカが第二次世界大戦に参戦し始めると、愛国心やプロパガンダを描いた映画も急増した。アメリカのプロパガンダ映画には『決死の旅』（1942年）、『ミニヴァー夫人』（1942年）、『永遠に』（1943年）、『目標よビルマよ』（1945年）などがある。戦時中の有名なアメリカ映画には、ダシール・ハメット脚本の反ナチ映画『ライン河監視』 （1943年） 、ヒッチコック監督、ソーントン・ワイルダー脚本の『影なき男』（1943年） 、ジェームズ・キャグニー主演のジョージ・M・コーハン伝記映画『ヤンキー・ドゥードゥル・ダンディ』（1942年） 、ハンフリー・ボガート出演の大人気映画『カサブランカ』などがある。ボガートは、1934年から1942年の間に、現在ではフィルム・ノワールの古典とみなされる最初の映画の1つであるジョン・ヒューストンの『マルタの鷹』 （1941年）を含む36本の映画に主演しました。1941年、RKOピクチャーズはオーソン・ウェルズが制作した『市民ケーン』を公開しました。これは、しばしば史上最高の映画とみなされています。この映画は、映画のストーリー展開に革命をもたらし、現代映画の基盤を築きました。

戦時中の制約により、より幻想的な題材への関心も高まりました。これには、英国のゲインズバラのメロドラマ（『灰色の男』や『邪悪な女』など）や、『ミスター・ジョーダンがやってくる』、 『天国は待ってくれる』、 『魔女と結婚した男』 、『ブライス・スピリット』などの映画が含まれます。ヴァル・リュートンはまた、雰囲気があり影響力のある低予算ホラー映画を製作しました。有名な例としては、 『キャット・ピープル』、 『死者の島』、『ボディ・スナッチャー』などがあります。この10年間は​​、おそらく『ナウ』、『ボイジャー』 、『ランダム・ハーベスト』 、 『ミルドレッド・ピアース』などのいわゆる「女性映画」が人気のピークを迎えた時期でもありました。

1946年、RKOラジオはイタリア生まれの映画監督フランク・キャプラ監督の『素晴らしき哉、人生!』を放送した。戦争から帰還した兵士たちは『我が生涯最良の日々』などの映画のインスピレーションとなり、映画業界の多くの人々は戦争中に何らかの任務に就いていた。サミュエル・フラーの第二次世界大戦での経験は、後の数十年間に制作した『ビッグ・レッド・ワン』など主に自伝的な映画に影響を与えた。アクターズ・スタジオは1947年10月にエリア・カザン、ロバート・ルイス、シェリル・クロフォードによって設立され、同年オスカー・フィッシンガーが『モーション・ペインティングNo.1』を撮影した。

1943年、イタリアで『オセッシオネ』が上映され、イタリアのネオレアリスムの幕開けとなった。1940年代のこのタイプの主要映画には、『自転車泥棒』、『ローマ』、『無防備都市』、『大地のトレマ』などがある。1952年には『ウンベルト・D』が公開され、これは通常このタイプの最後の映画と考えられている。

1940年代後半、イギリスではイーリング・スタジオが『ウィスキー・ガロア!』『パスポート・トゥ・ピムリコ』『カインド・ハーツ・アンド・コロネット』『白いスーツの男』など、一連の有名なコメディ映画の製作に乗り出し、キャロル・リードは影響力のあるスリラー『オッドマン・アウト』『堕ちた偶像』『第三の男』を監督した。デヴィッド・リーンも『逢瀬』やディケンズの小説を映画化した『大いなる遺産』『オリバー・ツイスト』で急速に世界映画界の勢力となり、マイケル・パウエルとエメリック・プレスバーガーは『黒水仙』や『赤い靴』などの映画で創造的パートナーシップの頂点を極めた。

1950年代初頭、下院非米活動委員会がハリウッドを調査した。委員会に対してハリウッド・テンが抗議したが、公聴会の結果、チャイエフスキー、チャーリー・チャップリン、ダルトン・トランボを含む多くの俳優、脚本家、監督がブラックリストに載せられ、その多くがヨーロッパ、特にイギリスに逃亡した。

冷戦時代の 時代精神は、邪悪なエイリアンの侵略軍団（『ボディ・スナッチャー』、『宇宙戦争』）や共産主義の第五列（『マニクリアン・カディデート』）などのテーマに表れた、一種の妄想に近いものへと変化した。

戦後間もない数年間、映画産業もテレビの脅威にさらされ、テレビの人気が高まるにつれて、いくつかの映画館が破産し、閉鎖に追い込まれた。「スタジオ システム」の崩壊は、『サンセット大通り』（1950 年）や『悪人と美女』 （1952 年）などの映画による自己批評を促した。

1950年、カンヌ映画祭でイシドール・イソウの『永久と泥沼の理論』が上映された際、レトリストの前衛派が暴動を起こした。チャールズ・チャップリンを批判して運動から袂を分かった後も、ウルトラ・レトリストは新たなハイパーグラフィック技法を披露して混乱を引き起こし続けた。最も悪名高い映画は、 1952年のギー・ドゥボールの『サドの吠え』である。閉鎖される劇場が増えることに困惑したスタジオや会社は、観客を呼び戻すための新しい革新的な方法を見つけた。これには、新しいスクリーン形式で魅力を広げる試みも含まれていた。 1967年まで20世紀フォックスの商標であったシネマスコープは、1953年の『ローブ』で発表された。ビスタビジョン、シネラマ、トッド-AOは、減少する米国の観客に向けて映画を宣伝するために「大きいほど良い」というアプローチを誇示した。その結果、大作映画が復活し、新しい大型スクリーンのフォーマットを活用することになりました。聖書や歴史を題材にしたこれらのスペクタクル映画の最も成功した例としては、 『十戒』（1956 年）、『ヴァイキング』（1958 年）、『ベン・ハー』（1959 年）、『スパルタカス』（1960 年）、『エル・シッド』（1961 年）などがあります。またこの時期には、マイク・トッドが死去する直前に開発したトッド AOで、オクラホマ!（1955 年）、 『八十日間世界一周』（1956 年）、『南太平洋』（1958 年）、『クレオパトラ』（1963 年）など、数多くの重要な映画が製作されました。

観客を誘致するための仕掛けも急増した。3D映画の流行は1952 年から1954 年のわずか 2 年間しか続かなかったが、これが『蝋人形の館』や『黒い沼の怪物』の売り上げに貢献した。プロデューサーのウィリアム キャッスルは「エマーゴ」や「パーセプト」をフィーチャーした映画を宣伝したが、これは 1960 年代を通じてキャッスルや他の人たちにとって人気のマーケティング ツールであり続けた一連の仕掛けの最初のものであった。

1954年、ドロシー・ダンドリッジは映画『カーマン・ジョーンズ』での演技によりアカデミー賞主演女優賞にノミネートされた。彼女はこの賞にノミネートされた初の黒人女性となった。^[99]

米国では、第二次世界大戦後の体制や社会規範に疑問を投げかける傾向と、公民権運動の初期の活動主義が、ハリウッド映画『黒板ジャングル』（1955年）、『波止場』（1954年）、パディ・チャイエフスキーの『マーティ』とレジナルド・ローズの『十二人の怒れる男』（1957年）に反映されている。ディズニーは、シンデレラ（1950年）、『ピーター・パン』（1953年）、『わんわん物語』（1955年）、『眠れる森の美女』（1959年）などの有名なアニメ映画の製作を続けた。しかし、彼は実写映画にもより深く関わり始め、『海底二万里』（1954年）や『オールド・イエロー』（1957年）などの名作を製作した。テレビは劇場で上映される映画と真剣に競争し始めたが、驚くべきことに、映画鑑賞を減らすどころか、むしろ促進した。

『ライムライト』は、少なくとも1つの興味深い点において、おそらくユニークな映画だ。主演のチャールズ・チャップリンとクレア・ブルームは、3世紀にもわたって映画界にいた。19世紀、チャップリンは1897年、8歳のときに木靴ダンスの一座「エイト・ランカスター・ラッズ」で舞台デビューを果たした。21世紀の現在でも、ブルームは充実した実りあるキャリアを享受しており、2022年までに制作された数十本の映画やテレビシリーズに出演している。彼女は『英国王のスピーチ』（2010年）での役で特に高い評価を得た。

1940年代に第二次世界大戦が終結した後、1950年代は英語圏以外の国々の映画、^{[100] [101]}特にアジア映画にとって「黄金時代」を迎えた。^{[102] [103]}この10年間に製作されたアジア映画の中で、批評家から最も高い評価を受けた作品の多くは、小津安二郎監督の『東京物語』（1953年）、サタジット・レイ監督の『アプー三部作』（1955年 - 1959年）と『ジャルサガール』 （1958年）、溝口健二監督の『雨月物語』（1954年）と『山椒大夫』 （1954年）、ラージ・カプール監督の『阿波羅万象』（1951年）、成瀬巳喜男監督の『浮雲』（1955年）、グル・ダット監督の『毘沙門天』（1957年）と『家門の歌』（1959年）、黒澤明監督の『羅生門』 （1950年）、『生きる』（1952年）、『七人の侍』（1954年）、『蜘蛛巣城』 （1957年）などである。^{[102] [103]}

1950年代の日本映画の「黄金時代」には、黒澤明監督の『羅生門』（1950年）、『七人の侍』（1954年）、『隠し砦の三悪人』（1958年）のほか、小津安二郎監督の『東京物語』（1953年）や本多猪四郎監督の『ゴジラ』（1954年）などがヒットした。^[104]これらの映画は世界の映画に大きな影響を与えた。特に黒澤監督の『七人の侍』は、 『荒野の七人』（1960年）や『星をめぐる戦い』 （1980年）など、何度も西洋映画としてリメイクされているほか、 『ショーレイ』（1975年）や『中華門』 （1998年）など、ボリウッド映画にも影響を与えている。 『羅生門』は『アウトレイジ』（1964年）としてもリメイクされ、 『ユージュアル・サスペクツ』（1995年）や『HERO』（2002年）など、 「羅生門効果」のストーリーテリング手法を用いた映画に影響を与えた。 『隠し砦の三悪人』は、ジョージ・ルーカスの『スター・ウォーズ』 （1977年）にも影響を与えた。この時期の他の有名な日本人映画監督には、溝口健二、成瀬巳喜男、稲垣浩、大島渚などがいる。^{[102]日本映画は後に、1960年代から1980年代の}ニューハリウッド運動の背後にある主要なインスピレーションの1つとなった。

1950年代のインド映画の「黄金時代」には、年間200本の映画が製作され、インドの独立系映画は国際映画祭を通じてより高い評価を得た。最も有名な作品の一つは、ベンガルの映画監督サタジット・レイによる「アプー三部作」（1955年 - 1959年）で、高い評価を得ています。レイの映画は世界の映画に大きな影響を与え、黒澤明、^[105]マーティン・スコセッシ、^{[106] [107]}ジェームズ・アイヴォリー、^[108]アッバス・キアロスタミ、エリア・カザン、フランソワ・トリュフォー、^[109]スティーヴン・スピルバーグ、^{[110] [111]}カルロス・サウラ、^[112]ジャン＝リュック・ゴダール、^[113]高畑勲、^[114]グレゴリー・ナヴァ、アイラ・サックス、ウェス・アンダーソン^[115]ダニー・ボイル^[116]などの監督がレイの映画スタイルの影響を受けました。アトランティック・マンスリーのマイケル・スラゴウによれば、「1950年代半ば以降、アートハウスに溢れている若者の成長ドラマは、アプー三部作に多大な影響を受けている」とのことだ。 ^[117]スブラタ・ミトラのバウンス照明という撮影技法も、アプー三部作に由来している。^[118]この時期の他の有名なインド人映画監督には、グル・ダット、^[102]リトウィック・ガタック、^[103]ムリナル・セン、ラージ・カプール、ビマル・ロイ、K・アシフ、メーブーブ・カーンがいる。^[119]

韓国映画も1950年代に「黄金時代」を迎えた。その始まりは、イ・ギュファン監督の『春香伝』（1955年）の大ヒットリメイクだった。^{[120]また、この年は、名高い}キム・ギヨン監督の『梁山道』が公開され、彼の多作なキャリアの始まりとなった。1950年代末までに、映画製作の質と量はともに急速に増加した。イ・ビョンイル監督の1956年のコメディ『結婚式の日』など、韓国映画は国際的な賞を受賞し始めた。1950年代初めには年間5本しか映画が製作されなかったのに対し、1959年には韓国で111本の映画が製作された。^[121]

1950年代はフィリピン映画の「黄金時代」でもあり、より芸術的で成熟した映画が登場し、映画製作者の映画技術が大幅に向上した。スタジオシステムにより、地元の映画産業は活発に動き、毎年多くの映画が製作され、地元の才能が海外で認められるようになった。この時代を代表するフィリピン人監督には、ヘラルド・デ・レオン、グレゴリオ・フェルナンデス、エディ・ロメロ、ランベルト・アベリャーナ、シリオ・サンティアゴなどがいた。^{[122] [123]}

1960 年代には、ハリウッドのスタジオ システムが衰退しました。これは、多くの映画が他国でロケ撮影されたり、英国のパインウッドやローマのチネチッタなどの海外のスタジオ施設で撮影されたりしたためです。「ハリウッド」映画は依然として主に家族向けのもので、スタジオの最大の成功を生み出したのは往々にしてより旧式の映画でした。メリー ポピンズ(1964 年)、マイ フェア レディ(1964 年)、サウンド オブ ミュージック(1965 年) などの作品は、この 10 年間で最も収益を上げた作品の 1 つです。独立系プロデューサーや制作会社の増加、および個々の俳優の力が増したことも、伝統的なハリウッド スタジオ制作の衰退の一因となりました。

この時期、アメリカでは外国語映画への関心も高まっていた。1950年代後半から1960年代にかけて、フランソワ・トリュフォーやジャン＝リュック・ゴダールなどのフランスのヌーヴェルヴァーグの監督たちは、 『四百七十万の命』、 『勝手にしやがれ』、 『ジュールとジュディ』など、ハリウッド映画の物語構造のルールを打ち破る映画を制作した。また、観客はフェデリコ・フェリーニの『甘い生活』（1960年）、『8 1/2』 （1963年）などのイタリア映画や、スウェーデンのイングマール・ベルイマンの冷徹なドラマにも注目し始めた。

英国では、リンゼイ・アンダーソン、トニー・リチャードソンらによる「フリー・シネマ」が、サタデー・ナイト・アンド・サンデー・モーニング、カインド・オブ・ラヴィング、ディス・スポーティング・ライフなど、現実的で革新的なドラマのシリーズを生み出した。その他の英国映画、リパルション、ダーリン、アルフィー、ブロウアップ、ジョージー・ガール（すべて1965年 - 1966年）は、スクリーン上のセックスやヌードの禁止を減らすのに役立ち、一方、1962年のドクター・ノオに始まるジェームズ・ボンド映画のカジュアルなセックスと暴力は、シリーズを世界中で人気にしました。

1960年代、ウスマン・センベーヌはフランス語とウォロフ語の映画を数本製作し、アフリカ映画の「父」となった。ラテンアメリカでは、多くの映画製作者が「ハリウッド」モデルの優位性に異議を唱えた。フェルナンド・ソラナスとオクタビオ・ゲティーノは、ハリウッドやヨーロッパの作家主義映画とは対照的に、政治的に関与する第三の映画を求めた。

エジプトでは、エジプト映画の黄金時代は1960年代も多くの監督の手によって続き、エジプト映画界はソード・ホスニーなど当時の女性監督を高く評価していた。ズルフィカール兄弟、エズ・エルディーン・ズルフィカール、サラー・ズルフィカール、マフムード・ズルフィカールは多くの作品に出演しており、^[124]エズ・エルディーン・ズルフィカール監督の 『愛の河』（1960年）、^[125] マフムード・ズルフィカール監督の『やわらかい手』 （1964年）やサラー・ズルフィカール主演の『命よりも大切』（1965年）とサラー・ズルフィカール・フィルムズ制作の『総監督の妻』（1966年）^[126]やユセフ・シャヒーン監督の『サラディン』（1963年）などがある。^{[127] [128]}

さらに、当時の核に対する妄想や、終末的な核戦争の脅威（1962年のキューバ危機におけるソ連との危機一髪の状況など）は、映画界にも反発を招いた。スタンリー・キューブリックの『博士の異常な愛情』やヘンリー・フォンダの『フェイルセーフ』などの映画は、かつては露骨な愛国心と戦時プロパガンダで知られていたハリウッドで制作された。

ドキュメンタリー映画では、60年代にダイレクトシネマ（観察映画）が開花したほか、エミール・デ・アントニオのベトナム戦争を描いた『亥年の亥』など、よりあからさまに党派的な映画が登場した。しかし、1960年代後半になると、ハリウッドの映画製作者たちは、西側諸国の多くを席巻した社会革命を反映した、より革新的で画期的な映画を作り始めていた。例えば、『ボニーとクライド』（1967年）、『卒業』（1967年）、『2001年宇宙の旅』（1968年）、『ローズマリーの赤ちゃん』（1968年）、『真夜中のカーボーイ』（1969年）、『イージー・ライダー』 （ 1969年）、『ワイルドバンチ』（1969年）などである。『ボニーとクライド』は、いわゆるニューハリウッドの始まりとよく考えられている。

日本映画では、アカデミー賞を受賞した黒澤明監督が『用心棒』 （1961年）を制作し、彼の以前の作品と同様に世界中に多大な影響を与えました。この映画の影響は、セルジオ・レオーネの『荒野の用心棒』（1964年）とウォルター・ヒルの『ラストマン・スタンディング』（1996年）に最も顕著に表れています。 『用心棒』は、「名無しの男」の流行の発端でもありました。

ニューハリウッドは、 1950年代から1960年代にかけてのスタジオシステムの衰退と、製作コード（1968年にMPAA映画評価システムに置き換えられた）の終焉に続く時代である。1970年代には、映画製作者は露骨な性描写や、血まみれの死の生々しい画像を含む銃撃戦や戦闘シーンをますます多く描くようになった。その顕著な例としては、ウェス・クレイヴンの『ラストハウス・オン・ザ・レフト』（1972年）が挙げられる。

ポストクラシカル映画とは、ニューハリウッドのプロデューサーによるストーリーテリングの手法の変化である。ドラマとキャラクター化の新しい手法は、古典/黄金時代に観客が抱いた期待に基づいている。ストーリーの時系列がごちゃ混ぜになったり、ストーリーラインに不安を掻き立てる「どんでん返し」があったり、主要キャラクターが道徳的に曖昧な行動をとったり、敵対者と主人公の境界線があいまいになったりする。ポストクラシカルなストーリーテリングの始まりは、1940年代と1950年代のフィルムノワール映画、理由なき反抗(1955)などの映画、ヒッチコックのサイコに見られる。1971年には、わらの犬、時計じかけのオレンジ、フレンチコネクション、ダーティハリーなどの物議を醸した映画が公開された。これは、映画における暴力のエスカレーションとして認識される激しい論争を引き起こした。

1970年代には、マーティン・スコセッシ、フランシス・フォード・コッポラ、ジョージ・ルーカス、ウディ・アレン、テレンス・マリック、ロバート・アルトマンといった新しいグループのアメリカ人映画監督が登場した。これは、映画文学やメディアにおける作家性理論の人気の高まりと一致しており、作家性理論では、映画監督の映画は監督の個人的なビジョンと創造的洞察を表現するものであると仮定していた。作家性スタイルの映画製作の発達により、これらの監督は以前の時代には可能だったよりもはるかに大きなプロジェクトに対するコントロールを得ることができた。これは、スコセッシの『タクシードライバー』、コッポラのゴッドファーザーシリーズ、ウィリアム・フリードキンの『エクソシスト』、アルトマンの『ナッシュビル』、アレンの『アニー・ホール』と『マンハッタン』、マリックの『バッドランド』と『天国の日々』、ポーランド移民のロマン・ポランスキーの『チャイナタウン』など、いくつかの大きな批評的かつ商業的な成功につながった。しかし、ピーター・ボグダノヴィッチ監督の『At Long Last Love』やマイケル・チミノ監督の莫大な制作費をかけた西部劇『Heaven's Gate』など、失敗作もいくつかあり、後援者であるユナイテッド・アーティスツの破綻を招いた。

『ヘブンズゲート』の財政的破綻は、映画製作において無制限の創造的、経済的自由を持っていた「ニューハリウッド」の先見の明のある「作家主義」監督たちの終焉を告げた。1970年代のスピルバーグの『ジョーズ』の驚異的な成功が、現代の「ブロックバスター」という概念を生み出した。しかし、ジョージ・ルーカスの1977年の映画『スターウォーズ』の大成功は、ブロックバスター映画製作の普及だけにとどまらず、それ以上のものをもたらした。この映画は特殊効果、音響編集、音楽の革命的な使用により、メディア史上最も重要な映画の1つとして広く認められるようになり、1970年代で最も影響力のある映画となった。ハリウッドのスタジオは、大規模なマーケティングおよびプロモーションキャンペーンを伴う、少数の超大予算映画の製作にますます重点を置くようになった。この傾向は、『ポセイドン・アドベンチャー』や『タワーリング・インフェルノ』などの災害映画の商業的成功によってすでに予兆されていた。

1970年代半ばには、婉曲的に「成人映画館」と呼ばれるポルノ映画館がさらに設立され、ハードコアポルノ映画の合法的な製作が始まった。リンダ・ラヴレース主演の『ディープ・スロート』などのポルノ映画は、一種の大衆文化現象となり、同様のセックス映画が相次いで製作された。ポルノ映画館は、家庭用VCRとポルノビデオテープの普及により、観客が自宅でセックス映画を観られるようになった1980年代に、ついに消滅した。1970年代初頭には、ヴェルナー・ヘルツォーク、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー、ヴィム・ヴェンダースらを代表とする 西ドイツ映画の新機軸が英語圏の観客の間で知られるようになった。

世界の映画界では、1970年代に武術映画の人気が劇的に高まったが、これは主にブルース・リーによる再発明によるものである。ブルース・リーは、伝統的な中国武術映画の芸術的スタイルから離れ、ジークンドーのスタイルではるかに高いリアリズムを映画に加えた。これは、アジア全土で大成功を収めた『ドラゴン大ボス』 （1971年）から始まった。しかし、彼が西洋世界で名声を得たのは、彼が死去して間もなくの1973年、『燃えよドラゴン』が公開されてからであった。この映画は映画史上最も成功した武術映画となり、武術映画のジャンルを世界中で普及させ、ブルース・リーの文化的アイコンとしての地位を確固たるものにした。しかし、香港のアクション映画は、「ブルースプロイテーション」映画の波により衰退した。この傾向は、 1978年にユエン・ウーピン監督、ジャッキー・チェン主演の武侠コメディ映画『蛇影ノ鷲影』と『酔拳』によってついに終焉を迎え、1980年代の香港アクション映画の台頭の基礎が築かれた。

この頃までにハリウッドではミュージカル映画のジャンルは衰退していたが、インド映画界ではミュージカル映画が急速に人気を集めていた。ボンベイ（現在のムンバイ）で成長を続けるヒンディー語映画産業を指して「ボリウッド」という言葉が生まれた。同産業は南アジア映画界を席巻し、より批評家から高い評価を得ていたベンガル語映画産業を人気で追い抜いた。ヒンディー語映画製作者はハリウッドのミュージカル方式と古代インド演劇の慣習を組み合わせて「マサラ」と呼ばれる新しい映画ジャンルを生み出し、20世紀後半を通じてインド映画界を席巻した。^[129]これらの「マサラ」映画はアクション、コメディ、ドラマ、ロマンス、メロドラマをすべて一度に描き、「フィルミ」の歌とダンスのルーティンを盛り込んだ。この傾向はマンモハン・デサイ監督、アミターブ・バッチャン主演の映画から始まった。バッチャンは現在でも南アジアで最も人気のある映画スターの一人である。インド史上最も人気のある映画は、黒澤明の『七人の侍』やマカロニ・ウエスタンと同様、実在の強盗からインスピレーションを得た「マサラ」映画『ショーレイ』（1975年）である。

1970年代の終わりには、ピーター・ウィアー監督の『ピクニック・アット・ハンギング・ロック』と『ラスト・ウェーブ』、フレッド・シェピシ監督の『ジミー・ブラックスミスの歌』が批評家から高い評価を受け、オーストラリア映画が初めて国際的に大々的に宣伝された。1979年には、オーストラリアの映画監督ジョージ・ミラーも、暴力的で低予算のアクション映画『マッドマックス』で国際的な注目を集めた。

1980 年代には、家庭用VCRで映画を観る観客が増え始めました。その 10 年間の初めに、映画スタジオは著作権侵害として家庭での VCR の所有を禁止する法的措置を試みましたが、失敗に終わりました。最終的に、家庭用ビデオでの映画の販売とレンタルは、映画上映の重要な「第 2 の場」となり、映画産業の収入源となりました。ビデオ直販(ニッチ) 市場では、通常、テレビや劇場公開の一般観客にはあまり適していないとみなされる、低品質で安価な作品が販売されました。

ルーカスとスピルバーグのコンビは1980年代の大半、ハリウッド映画界を席巻し、多くの模倣を生み出した。『スター・ウォーズ』の続編が2本、『ジョーズ』の続編が3本、『インディ・ジョーンズ』が3本制作されたことで、ヒット作の続編がかつてないほど期待されるようになった。ルーカスは1982年にルーカスフィルムの一部門であるTHX Ltdを設立し、 ^[130]スピルバーグは同年、『E.T.』で80年代最大のヒット作の一つを制作した。また、82年にはディズニーの『トロン』が公開され、大手スタジオがコンピュータグラフィックスを多用した最初の作品の一つとなった。アメリカの独立系映画はこの10年間苦戦を強いられたが、マーティン・スコセッシの『レイジング・ブル』（1980年）、 『アフター・アワーズ』（1985年）、『キング・オブ・コメディ』（1983年）により、スコセッシは同時代で最も批評家から高い評価を受けたアメリカの映画製作者の一人としての地位を確立した。 1983年には『スカーフェイス』も公開され、大ヒットとなり主演のアル・パチーノの名声をさらに高めた。ボブ・ケインの『バットマン』をティム・バートンが1989年に映画化した作品では、ジャック・ニコルソンが狂気のジョーカーを演じ、興行収入の取り分を含めて6000万～9000万ドルを稼いだ。^[131]

1980 年代初頭、デヴィッド・パットナムの会社ゴールドクレスト・フィルムズの登場により、イギリス映​​画は勢いづいた。『炎のランナー』、『ガンジー』、『キリング・フィールド』 、『眺めのいい部屋』などの映画は、ハリウッドの大手スタジオから無視されつつあった「中流階級」の観客を魅了した。1970 年代の映画が現代の大ヒット映画を定義する一因となった一方で、「ハリウッド」の映画公開方法は今や変化した。ほとんどの映画は、より幅広い劇場でプレミア上映されるようになったが、今日に至るまで、一部の映画は限定公開/ロードショー公開システムでプレミア上映されている。予想に反して、マルチプレックス映画館の台頭により、それほど主流ではない映画が上映されることはなかったが、大ヒット映画の上映回数がさらに増えただけだった。しかし、映画館で見逃されていた映画が、ホームビデオで再び上映される機会を与えられることが増えていった。

1980年代、日本映画はアニメ映画の成功により復活を遂げた。1980年代初頭、テレビシリーズとしては成功しなかった『宇宙戦艦ヤマト』（1973年）と『機動戦士ガンダム』（1979年）が映画としてリメイクされ、日本で大ヒットした。特に、『機動戦士ガンダム』は、リアルロボットメカアニメのガンダムシリーズを巻き起こした。『超時空要塞マクロス 愛・おぼえていますか』の成功も、メカアニメのマクロスシリーズを巻き起こした。この10年間は​​、スタジオジブリが設立された時期でもあった。このスタジオは、宮崎駿監督初のファンタジー映画『風の谷のナウシカ』（1984年）と『天空の城ラピュタ』 （1986年）のほか、高畑勲監督の『火垂るの墓』（1988年）を制作した。こうした初期の OVA 映画の中で最も影響力があったのは、石黒昇のサイバーパンク映画『メガゾーン 23』（1985 年）である。この 10 年間で最も有名なアニメ映画は、大友克洋のサイバーパンク映画『AKIRA』（1988 年）であり、当初は日本の劇場ではヒットしなかったものの、その後、国際的に成功を収めた。

ブルース・リーの死後、ブルース・リーを題材にした映画が後を絶たず、香港のアクション映画も衰退期にあったが、ジャッキー・チェンによるアクション映画のジャンル再発明により、1980年代に復活を遂げた。チェンは以前、1978年の映画『蛇影ノ鷲影』と『酔拳』で、コメディ映画と武術映画のジャンルをうまく組み合わせていた。チェンが次に取ったステップは、このコメディ武術のジャンルと、無声映画時代を彷彿とさせる、手の込んだ非常に危険なスタントを新たに組み合わせることだった。この新しいスタイルのアクション映画の最初の映画は『A計劃』 （1983年）で、ジャッキー・チェン・スタントチームと「三兄弟」（チェン、サモ・ハン・キンポー、ユン・ピョウ）が結成された。この映画では、格闘シーンやドタバタ喜劇に手の込んだ危険なスタントが加わり、極東全域で大ヒットとなった。その結果、チャンはこの傾向を継続し、さらに複雑で危険なスタントを含む武術アクション映画を制作した。これには『食事車』（1984年）、『ポリス・ストーリー』（1985年）、『機甲神』（1986年）、『プロジェクトAパートII』（1987年）、『ポリス・ストーリー2』（1988年）、『ドラゴンズ・フォーエバー』（1988年）などがある。1980年代に始まったその他の新しい傾向としては、ミシェル・ヨーが有名になった「銃を持った少女たち」のサブジャンルや、主にジョン・ウーが先駆けとなりチョウ・ユンファが有名になった、三合会を中心に展開する「英雄的流血」ジャンルなどがある。これらの香港のアクションの傾向は、後に1990年代と2000年代の多くのハリウッドアクション映画に採用された。

1990年代初頭、米国では独立系映画館が商業的に成功するようになった。映画は『ターミネーター2』（1991年）、『ジュラシック・パーク』（1993年）、『タイタニック』 （1997年）などの特殊効果映画が主流となりつつあったが、後者はジェームズ・キャメロン監督の『アバター』 （2009年）が公開されるまで、当時史上最高の興行収入を記録した。一方、スティーブン・ソダーバーグ監督の『セックスと嘘とビデオテープ』（1989年）やクエンティン・タランティーノ監督の『レザボア・ドッグス』（1992年）などの独立系映画は、映画館でも家庭用ビデオでも商業的に大きな成功を収めた。

デンマークの映画運動「ドグマ95」に所属する映画製作者たちは、映画製作の純化を目的とした宣言を発表した。最初の数本の映画は世界的に批評家の称賛を得たが、その後、この運動は徐々に衰退していった。

スコセッシ監督の『グッドフェローズ』は 1990 年に公開されました。この映画は、特にギャング映画の中では最高の作品の 1 つであると多くの人に考えられています。スコセッシ監督のキャリアの最高点とも言われています。

アメリカの大手スタジオは、非主流の作品の資金調達と製作を行うため、独自の「独立系」製作会社を設立し始めた。1990年代に最も成功した独立系製作会社の一つであるミラマックス・フィルムは、タランティーノの大ヒット作『パルプ・フィクション』が1994年に公開される前年にディズニーに買収された。同年は、映画とビデオのオンライン配信が始まった年であった。ディズニーの『美女と野獣』（1991年）、『アラジン』（1992年）、『ライオン・キング』 （1994年）により、家族向けのアニメ映画も人気を取り戻した。1995年には、ピクサー・アニメーション・スタジオが初の長編コンピュータアニメ『トイ・ストーリー』を製作し、ディズニーが公開した。『トイ・ストーリー』の成功後、コンピュータアニメは長編アニメの主流技術へと成長し、ドリームワークス、20世紀フォックス、ワーナー・ブラザーズなどの競合映画会社が、自社のヒット映画でディズニーと効果的に競合するようになった。 1990 年代後半には、映画界において、物理的なフィルムからデジタル シネマテクノロジーへの新たな移行が始まりました。一方、DVD は VHS テープに代わる、消費者向けビデオの新しい標準となりました。

2000年代後半以降、 YouTubeなどのストリーミングメディアプラットフォームは、インターネットとカメラ（スマートフォンの標準機能）にアクセスできる人なら誰でも、世界中に動画を公開できる手段を提供しました。また、ビデオゲームやその他の家庭用エンターテイメントの人気の高まりと競合しながら、映画業界では再び劇場公開の魅力を高め始め、新しい3Dテクノロジーと壮大な（ファンタジーやスーパーヒーロー）映画が映画館の主流になりました。

ドキュメンタリー映画も、おそらく初めて商業的なジャンルとして登場した。これは『ペンギンの冒険』やマイケル・ムーアの『ボウリング・フォー・コロンバイン』、『華氏911』などの映画の成功による。マーティン・クネルトとエリック・メインズの『ボイス・オブ・イラク』では、150台の安価なDVカメラがイラク全土に配布され、一般の人々が共同制作者になったことで、新しいジャンルが生まれた。 『グラディエーター』の成功によって叙事詩映画への関心が復活し、『ムーラン・ルージュ』はミュージカル映画への関心を新たにした。ホームシアターシステムはますます洗練され、それらで上映できるように設計された特別版DVDの一部も同様になった。『ロード・オブ・ザ・リング』三部作は、劇場版とホームシアターの観客だけを対象とした特別拡張版の両方でDVDでリリースされた。

2001年にハリー・ポッターの映画シリーズが始まり、2011年に終了するまでに、マーベル・シネマティック・ユニバースに2015年に抜かれるまで、史上最高の興行収入を誇る映画シリーズとなりました。

映画映写技術の進歩により、長編映画をIMAX映画館で同時公開できるようになり、最初のものは2002年のディズニーアニメ『トレジャー・プラネット』、最初の実写映画は2003年の『マトリックス レボリューションズ』と『マトリックス リローデッド』の再公開でした。10年後の『ダークナイト』は、少なくとも部分的にIMAX技術で撮影された最初の主要長編映画でした。

この10年間で映画のグローバル化が進み、英語圏の市場で外国語映画の人気が高まっています。そのような映画の例としては、『グリーン・デスティニー』（北京語）、『アメリ』（フランス語）、『ラガーン』（ヒンディー語）、『千と千尋の神隠し』（日本語）、 『シティ・オブ・ゴッド』（ブラジル系ポルトガル語）、『パッション』（アラム語）、『アポカリプト』（マヤ語）、 『イングロリアス・バスターズ』（複数のヨーロッパ言語）などがあります。イタリアはアカデミー賞外国語映画賞の最多受賞国で、14の賞を受賞、3つの特別賞、31のノミネートを獲得しています。

2003年、 3D映画の人気が復活しました。その最初の作品は、リアリティカメラシステムで撮影された初の長編3D IMAX作品として公開されたジェームズ・キャメロン監督の『ゴースト・オブ・アビス』でした。このカメラシステムは、フィルムではなく最新のHDビデオカメラを使用し、エミー賞にノミネートされた撮影監督ヴィンス・ペイスがキャメロンの仕様に合わせて構築しました。同じカメラシステムが、『スパイキッズ3D: ゲームオーバー』（2003年）、『エイリアン・オブ・ディープIMAX』（2005年）、『シャークボーイとラバガールの冒険 3D』（2005年）の撮影にも使用されました。

ジェームズ・キャメロンの3D映画『アバター』が史上最高の興行収入を記録した後、3D映画は短期間で人気を博し、他の多くの映画も3Dで公開された。最も批評的にも興行的にも成功したのは、ユニバーサル・ピクチャーズ/イルミネーション・エンターテインメントの『怪盗グルーの月泥棒』やドリームワークス・アニメーションの『ヒックとドラゴン』、『シュレック フォーエバー』、『メガマインド』などの長編アニメーション映画である。『アバター』は、モーションキャプチャ技術を高度に洗練された形で使用した先駆者としても注目に値し、『猿の惑星：創世記』など他のいくつかの映画に影響を与えた。^[132]

2011年に長編映画が製作された映画数が最も多い映画産業は、インド、アメリカ、中国、ナイジェリア、日本の映画産業であった。^[133]ハリウッドでは、スーパーヒーロー映画の人気と経済的成功が大幅に増加し、マーベルやDCコミックスを原作とした映画が毎年公開された。^{[134]スーパーヒーローのジャンルは}、アメリカの興行収入で最も優勢であった。

興行収入上位の映画のリストはディズニーが独占し、2019年は上位50位以内に最も多くの映画がランクインした。2019年のスーパーヒーロー映画「アベンジャーズ／エンドゲーム」は、興行収入で史上最も成功した映画となった。その他の上位の興行収入作品には、 「スター・ウォーズ／フォースの覚醒」、「アベンジャーズ／インフィニティ・ウォー」、「ジュラシック・ワールド」などがある。ディズニー作品は、2010年代後半には「トイ・ストーリー3」、「アベンジャーズ」、「アナと雪の女王」などのタイトルで、毎年興行収入上位に頻繁にランクインした。ディズニーの成功は、ディズニーによる21世紀フォックスの買収で頂点に達した。

大手映画スタジオは、ディズニーのマーベル・シネマティック・ユニバースの成功を自社のフランチャイズで模倣しようとした。ワーナー・ブラザースは、DCエクステンデッド・ユニバースなどのフランチャイズを制作した。ディズニーは、 『アラジン』や『ライオン・キング』など、クラシックアニメ映画の実写またはフォトリアリスティックなリメイクを制作した。ヤングアダルト小説を原作とした映画シリーズが人気となり、ファンタジーからディストピアSFへと移行した。有名なシリーズには『ハンガー・ゲーム』などがある。

『かぐや姫の物語』、『夏1993』、『痕跡をたどるな』、『マイニング』は、ロッテン・トマトで100%の評価を獲得した。他の高く評価された映画は、 『マッドマックス怒りのデス・ロード』、、『ゲット・アウト』などがある。『ある女の肖像』 、『ツリー・オブ・ライフ』、『ムーンライト』、『パラサイト半地下の家族』のような映画は、2010年代の最高の映画に対する批評家の投票で頻繁に挙げられた。2010年には、アカデミー賞史上初めて女性監督賞を獲得した。キャサリン・ビグロー監督の『ハート・ロッカー』は6つの賞を受賞した。 ^[135] 2020年、『パラサイト 半地下の家族』は、アカデミー作品賞を受賞した初の英語以外の映画となった。

COVID -19パンデミックにより、ロックダウンに対応して世界中の映画館が閉鎖されました。2020年代初頭に公開予定だった多くの映画は、開発、制作、配給の遅れに直面し、劇場での公開期間がほとんどないかまったくないままストリーミングサービスで公開された作品もありました。この時代は、映画の制作、配給、消費の方法が世界的に大きく変化した時代でした。パンデミックにより、映画配給の主な手段としてのストリーミングへの移行が急速に加速しました。映画業界は、時代の変化するダイナミクスを反映した注目すべき作品に適応し、制作しました。

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