詩

詩（ギリシャ語のpoiesis、「作る」に由来）は、言語の美的性質、しばしばリズムの性質^{[1] [2] [3]}を使用して、文字通りの意味や表面的な意味に加えて、またはそれらの代わりに意味を呼び起こす文学芸術の一形態です。詩の特定のインスタンスは詩と呼ばれ、詩人によって書かれます。詩人は、同音異義語、頭韻法、ユーフォニーとカコフォニー、擬音語、リズム（韻律による）、音象徴など、詩的技法と呼ばれるさまざまな技法を使用して、音楽的またはその他の芸術的効果を生み出します。書かれた詩のほとんどは、韻文形式になっています。つまり、ページ上の行の連続または積み重ねで、リズムまたはその他の意図的な構造に従います。このため、韻文は詩の同義語（換喩）にもなっています。 ^{[注 1]}

詩には長く多様な歴史があり、世界中でそれぞれ異なった進化を遂げてきました。詩の歴史は、少なくともアフリカの狩猟詩や、ナイル川、ニジェール川、ボルタ川流域の帝国の宮廷詩や哀歌にまで遡ります。[ 4 ]^アフリカで最も古い詩のいくつかは、紀元前25世紀に書かれたピラミッドテキストの中に見られます。現存する西アジアの最古の叙事詩であるギルガメシュ叙事詩は、シュメール語で書かれています。

ユーラシア大陸における初期の詩は、中国の『詩経』などの民謡や宗教的な賛美歌（サンスクリット語の『 リグ・ヴェーダ』、ゾロアスター教の 『ガタス』、フルリ人の歌、ヘブライ語の『詩篇』）から発展したもので、エジプトの『シヌヘの物語』、インドの叙事詩、ホメロスの叙事詩『イリアス』や『オデュッセイア』のように、口承叙事詩を再び語る必要性から生まれたものでもある。

アリストテレスの『詩学』など、古代ギリシャにおける詩の定義の試みは、修辞学、演劇、歌、喜劇における言葉の用法に焦点を当てたものでした。その後の試みでは、繰り返し、詩の形式、押韻などの特徴に集中し、より客観的な情報提供、学術的、または典型的な文章の形式である散文と詩を区別する美学を強調しました。

詩は、言葉の異なる解釈を示唆したり、感情的な反応を引き起こしたりするために、形式や慣習を使用します。詩的な言葉遣いの曖昧さ、象徴性、皮肉、その他の文体要素の使用により、詩は多くの場合、複数の解釈に開かれています。同様に、隠喩、直喩、換喩^[5]などの修辞法は、本来は異なるイメージの間に共鳴を生み出し、意味を重層化して、以前は認識されていなかったつながりを形成します。個々の詩節の間には、押韻やリズムのパターンにおいて、 類似した共鳴形式が存在する場合があります。

いくつかの詩のタイプは特定の文化やジャンルに特有であり、詩人が書く言語の特性に反応する。ダンテ、ゲーテ、ミツキェヴィチ、ルーミーを詩とみなすことに慣れている読者は、詩が押韻と規則的な韻律に基づいた行で書かれていると考えるかもしれない。しかし、聖書の詩や頭韻法の詩など、リズムと音韻を生み出すために他の手段を使用する伝統もある。多くの現代詩は詩の伝統に対する批判を反映しており、^[6]音韻の原理自体を試したり、押韻や定型リズムを完全に放棄したりしている。^{[7] [8]}

詩人は、ギリシャ語の「言語の創造者」として、言語の言語的、表現的、実用的な性質の進化に貢献してきました。ますますグローバル化が進む世界では、詩人はさまざまな文化や言語の形式、スタイル、技法を取り入れることがよくあります。

西洋の文化的伝統（少なくともホメロスからリルケにまで及ぶ）では、詩の創作はインスピレーションと結び付けられている。インスピレーションとは、多くの場合、ミューズ（古典的または現代的）によるもの、あるいは何らかの模範や挑戦を示す他の（多くの場合は聖典化された）詩人の作品を通して得られるものである。

一人称の詩では、歌詞は「私」によって語られ、この人物は詩人（作者）とは別の話し手と呼ばれることもあります。したがって、たとえば詩が「私はリノで敵を殺した」と主張している場合、殺人者は詩人ではなく話し手です（この「告白」が、より詳細な文脈で（精読によって）考慮する必要がある比喩の形式である場合を除く）。

一部の学者は、詩の芸術は識字能力よりも古く、民話叙事詩やその他の口承のジャンルから発展したと考えている。^{[9] [10]} しかし、他の学者は、詩は必ずしも文字よりも古くはなかったと主張している。^[11]

現存する最古の叙事詩であるギルガメシュ叙事詩は、紀元前3千年紀のシュメール（メソポタミア、現在のイラク ）で楔形文字で粘土板に書かれ、後にパピルスに記された。^[12]紀元前2000年頃のイスタンブール粘土板#2461には、豊穣と繁栄を祈願して王が女神イナンナと象徴的に結婚し交わる毎年の儀式が記されており、これを世界最古の愛の詩と呼ぶ人もいる。^{[13] [14]}エジプトの叙事詩の例として、『シヌヘの物語』（紀元前1800年頃）がある。^[15]  

その他の古代叙事詩には、ギリシャの『イリアス』と『オデュッセイア』、ペルシャの『アヴェスター語』(ヤスナ)、ローマの 国民叙事詩であるウェルギリウスの『アエネイス』 (紀元前29年から19年の間に書かれた)、インドの叙事詩である『ラーマーヤナ』と『マハーバーラタ』などがある。叙事詩は古代社会において暗記と口承の助けとして詩の形で作られたと思われる。^{[11] [16]}

インドのサンスクリット語のリグ・ヴェーダ、アヴェスター語のガター、フルリ人の歌、ヘブライ語の詩篇などの古代の宗教賛美歌集を含む他の形式の詩は、民謡から直接発展した可能性がある。現存する最古の中国詩集である『詩経』の最も古い項目は、当初は歌詞であった。^[17]詩と民謡を集めた『詩経』は、哲学者孔子に高く評価され、公式の儒教古典の1つと見なされている。この主題に関する孔子の発言は、古代音楽理論の貴重な情報源となっている。^[18]

古代の思想家たちは、詩を形式として際立たせるものは何なのか、また良い詩と悪い詩を区別するものは何なのかを解明しようと努力した結果、「詩学」、つまり詩の美学を研究する学問を生み出した。^[19]古代社会の中には、例えば中国の『詩経』では、儀式と美的重要性を持つ詩作品の規範が発達した。^[20]最近では、思想家たちは、チョーサーの『カンタベリー物語』と松尾芭蕉の『おくのほそ道』の間にあるような大きな形式の違いや、タナハの 宗教詩、恋愛詩、ラップにわたる内容の違いを包含する定義を見つけようと苦心している。^[21]

最近まで、強勢詩の最古の例はロマノス・メロディスト（紀元6世紀頃）の作品であると考えられていた。しかし、ティム・ウィットマーシュは、碑文に刻まれたギリシャ詩がロマノスの強勢詩より古いと書いている。^{[22] [23] [24]}

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  最も古い愛の詩。イラク、ニップルのシュメールのテラコッタ板#2461。ウルIII期、紀元前2037～2029年。イスタンブール、古代オリエント博物館
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  哲学者孔子は、詩や古代音楽理論へのアプローチの発展に影響を与えました。
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  中国の初期の詩学である孔子詩論では、『詩経』について論じている。

西洋の古典思想家たちは、詩の定義と質の評価の方法として分類を採用した。特に、アリストテレスの『詩学』の現存する断片では、叙事詩、喜劇詩、悲劇詩の3つの詩のジャンルが説明されており、各ジャンルの根底にある目的に基づいて、各ジャンルで最も質の高い詩を区別するための規則が展開されている。^[25]その後の美学者たちは、叙事詩、抒情詩、劇詩という3つの主要なジャンルを特定し、喜劇と悲劇を劇詩のサブジャンルとして扱った。 ^[26]

アリストテレスの著作は、イスラム黄金時代の中東全域に影響を与えたほか、^[27]ルネサンス期のヨーロッパでも影響を与えた。^{[28]後世の詩人や美学者は、詩を散文と区別し、}散文と対比して定義した。散文は、論理的説明と直線的な物語構造を志向する文章であると一般に理解されていた。^[29]

これは詩が非論理的であったり物語が欠けていることを意味するのではなく、詩は論理的または物語的な思考過程に従事する負担なしに美しさや崇高さを表現しようとする試みであることを意味する。イギリスのロマン派詩人ジョン・キーツは、この論理からの逃避を「否定的能力」と呼んだ。 [ ^30]この「ロマン主義的」アプローチは、形式が抽象的で基礎となる概念的論理とは異なるため、形式を成功する詩の重要な要素と見なしている。このアプローチは20世紀まで影響力を持ち続けた。^[31]

18世紀から19世紀にかけては、ヨーロッパの植民地主義の拡大とそれに伴う世界貿易の増加により、様々な詩の伝統の間での交流が大幅に増加しました。 ^[32]翻訳ブームに加え、ロマン主義時代には数多くの古代作品が再発見されました。^[33]

20世紀の文学理論家の中には、散文と詩という表面的な対立にあまり頼らず、詩人は単に言語を使って創造する人であり、詩は詩人が創造するものであると焦点を当てる者もいる。^{[34]詩人を}創造者とする根底にある概念は珍しいものではなく、モダニスト詩人の中には、言葉による詩の創造と他のメディアでの創造行為を本質的に区別しない者もいる。他のモダニストは、詩を定義しようとする試み自体が誤りであると異議を唱えている。^[35]

20世紀前半に始まった詩の伝統的な形式や構造の拒絶は、特に散文詩や散文詩の例から、伝統的な詩の定義の目的と意味、および詩と散文の区別に対する疑問と一致するものであった。多くのモダニスト詩人は、非伝統的な形式、または伝統的に散文と見なされていた形式で詩を書いたが、彼らの作品は一般に詩的な言葉遣いが吹き込まれ、非韻律的な手段で確立されたリズムとトーンを持つことが多かった。モダニストの流派内では構造の崩壊に対して形式主義的な反応がかなりあったが、この反応は古い形式や構造の復活と同じくらい、新しい形式構造と統合の開発に重点が置かれていた。^[36]

ポストモダニズムは、モダニズムが強調した詩人の創造的な役割を超えて、テキストの読者の役割（解釈学）を強調し、詩が読まれる複雑な文化的ネットワークを強調しています。^{[37]今日、世界中で、詩は他の文化や過去の詩の形式や言葉遣いを取り入れることが多く、}西洋の規範などの伝統の中でかつては意味をなしていた定義や分類の試みをさらに混乱させています。^[38]

21世紀初頭の詩の伝統は、ホイットマン、エマーソン、ワーズワースなどによって始められた先駆的な詩の伝統に強く影響を受け続けているようだ。文芸評論家のジェフリー・ハートマン（1929年 - 2016年）は、「要求の不安」というフレーズを使って、古い詩の伝統に対する現代の反応を「事実がもはや形式を持たないことへの恐れ」と表現したが、これはエマーソンが導入した比喩に基づいている。 ^[39]エマーソンは、「形式」と「事実」のどちらかが優勢になる可能性がある詩の構造に関する議論では、「形式のために事実を求める」だけでよいと主張していた。これに対しては、ハロルド・ブルーム（1930年 - 2019年）などの文学研究者がさまざまなレベルで異議を唱えており、ブルームは「今、団結し、成熟し、21世紀のアメリカの主要詩を書く準備ができている詩人の世代は、スティーブンスが『偉大な影の最後の装飾』と呼んだもの、つまりエマーソンの影と見なされるかもしれない」と述べている。^[40]

2020年代には、人工知能（AI）、特に大規模言語モデルの進歩により、特定のスタイルや形式で詩を生成できるようになりました。^[41] 2024年の研究では、AIが生成した詩は、専門家ではない読者から、有名な人間の作家が書いた詩よりもリズミカルで美しく、人間らしいと評価されたことがわかりました。この好みは、AIが生成した詩の相対的な単純さとアクセシビリティに起因している可能性があり、一部の参加者は理解しやすいと感じました。^[42]

韻律学は詩の韻律、リズム、イントネーションの研究です。リズムと韻律は密接に関連していますが、異なるものです。 ^{[43]韻律は詩節に確立された明確なパターン（}弱強五歩格など）であり、リズムは詩の一行から生じる実際の音です。韻律学は、韻律を示すために詩行をスキャンすることを指すために、より具体的に使用されることもあります。 ^[44]

詩のリズムを作り出す方法は、言語や詩の伝統によって異なります。言語は、リズムがどのように確立されるかに応じて、主にアクセント、音節、またはモーラによってタイミングが設定されると言われることがよくありますが、言語は複数のアプローチの影響を受ける可能性があります。日本語はモーラタイミングの言語です。ラテン語、カタロニア語、フランス語、レオネ語、ガリシア語、スペイン語は音節タイミングの言語と呼ばれます。強勢タイミングの言語には、英語、ロシア語、および一般にドイツ語が含まれます。^[45]イントネーションの変化も、リズムの認識方法に影響します。言語はピッチまたはトーンのいずれかに依存する場合があります。ピッチアクセントを持つ言語には、ヴェーダサンスクリット語や古代ギリシャ語があります。声調言語には、中国語、ベトナム語、およびほとんどのサハラ以南の言語が含まれます。^[46]

韻律のリズムは、一般的に、行内のフィートと呼ばれる繰り返しパターンに強勢または音節を正確に配置することを伴う。現代英語の詩では、強勢のパターンが主にフィートを区別するため、現代英語の韻律に基づくリズムは、強勢のある音節と強勢のない音節（単独または省略）のパターンに基づいていることがほとんどである。^[47]一方、古典言語では、韻律の単位は似ているものの、強勢ではなく母音の長さが韻律を定義する。 [48]古英語の詩では、各行の音節数はさまざまだが強い強勢の数は固定である韻律パターンが使用されていた。^{[ 49]}

古代ヘブライ語の 聖書詩の主な手法は、詩篇の多くを含め、平行法、つまり連続する行が文法構造、音声構造、概念的内容、またはその3つすべてにおいて互いに反映し合う修辞構造であった。平行法は、交唱やコール・アンド・レスポンスの演奏に適しており、イントネーションによって強化される可能性もあった。したがって、聖書の詩は、リズムを作成するために韻律的な脚にあまり依存せず、代わりに行、句、文のはるかに大きな音声単位に基づいてリズムを作成している。^[50]タミル語のヴェンパ語などの一部の古典的な詩の形式には、 （文脈自由文法として表現できるほど）厳格な文法があり、それがリズムを​​保証していた。^[51]

中期中国語の声調体系に基づく中国古典詩学では、平平音と仄zè 音の 2 種類の声調を認識しており、上上音、去qù音、入rù音からなるカテゴリーに分類されています。詩の特定の形式では、どの音節が平音でどの音節が斜音である必要があるかという制約が設けられています。

現代英語の詩でリズムを作り出すために使われる正式な韻律パターンは、もはや現代の英語詩を支配していない。自由詩の場合、リズムは規則的な韻律ではなく、より緩やかなリズムの単位に基づいて構成されることが多い。ロビンソン・ジェファーズ、マリアンヌ・ムーア、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズの3人は、規則的なアクセント韻律が英語詩にとって重要であるという考えを否定する著名な詩人である。^[52]ジェファーズは、アクセント韻律の代替としてスプリング・リズムを試した。 ^[53]

西洋の詩の伝統では、韻律は特徴的な韻律フィートと1行あたりのフィートの数によって分類されるのが通例である。 ^[55]行内の韻律フィートの数はギリシャ語の用語で表され、例えば4フィートはテトラメーター、6フィートはヘキサメーターである。 ^[56]したがって、「弱強五歩格」は1行あたり5フィートの韻律であり、その中で支配的なフィートは「ヤムブ」である。この韻律体系は古代ギリシャの詩に由来し、ピンダロスやサッポーなどの詩人や、アテネの偉大な悲劇詩人によって使用された。同様に、「ダクティルス六歩格」は1行あたり6フィートの韻律であり、その中で支配的なフィートは「ダクティルス」である。ダクティルス六歩格はギリシャ叙事詩の伝統的な韻律であり、現存する最古の例はホメロスとヘシオドスの作品である。^{[57]弱強五歩格と強強六歩格は、後にウィリアム・}シェイクスピアやヘンリー・ワズワース・ロングフェローを含む多くの詩人によって使用されました。^[58]英語で最も一般的な韻律の脚は以下のとおりです。^[59]

• iamb – 強勢のない音節 1 つに強勢のある音節が続く (例: des- describe、 inc- include、 re- tract )
• trochee — 1 つの強勢音節の後に強勢のない音節が続く (例: pic -ture、flow -er)
• ダクティル– 1 つの強勢音節の後に 2 つの強勢のない音節が続く (例: an -no-tate、sim -i-lar)
• anapaest — 2つの強勢のない音節の後に1つの強勢のある音節が続く（例：com-pre- hend）
• 強勢音節— 2つの強勢のある音節が続く（例：heart - beat、four - teen）
• pyrrhic — 強勢のない2つの音節が一緒になったもの（まれ、通常はダクティルス六歩格の終わりに使われる）

他の種類の韻律にはさまざまな名前があり、その中には、強勢音節の後に強勢のない音節が2つ続き、最後に強勢音節で終わる4音節の韻律韻律であるchoriambまであります。choriamb は、古代ギリシャ語とラテン語の詩に由来しています。^{[57]オスマントルコ語や}ヴェーダ語など、韻律を決定する際に音節アクセントではなく、またはそれに加えて母音の長さやイントネーションを使用する言語では、長音と短音の一般的な組み合わせを説明するために、ヤムビやダクティルに似た概念がよく使用されています。^[61]

これらのタイプの脚音はそれぞれ、単独でも他の脚音と組み合わせても、特定の「感覚」を持っています。たとえば、ヤムブは英語で最も自然なリズムの形式で、一般的には微妙ですが安定した詩を生み出します。^[62]スキャンメーターは、詩の根底にある基本的または根本的なパターンを示すことができますが、ストレスの程度の違いや音節のピッチや長さの違いは示しません。^[63]

韻律を記述する際に、複数の異なる「脚」がどれほど有用であるかについては議論がある。例えば、ロバート・ピンスキーは、古典詩ではダクティルが重要であるが、英語のダクティル詩ではダクティルが非常に不規則に使用され、言語に自然であると考えられる脚であるヤムビとアナペストのパターンに基づいてより適切に記述できると主張した。^[64]実際のリズムは、上記の基本的なスキャンされた韻律よりもはるかに複雑であり、多くの学者がそのような複雑さをスキャンするシステムの開発を目指してきた。ウラジミール・ナボコフは、詩の行の強勢のある音節と強勢のない音節の規則的なパターンの上に、話し言葉の自然なピッチから生じる別のアクセントのパターンが重ねられていることに気づき、強勢のない強勢と強勢のある強勢を区別するために「スカッド」という用語を使用することを提案した。^[65]

詩の伝統やジャンルが異なれば、シェイクスピアの弱強五歩格やホメロスの短六歩格から、多くの童謡で使われる弱弱四歩格まで、異なる韻律が使われる傾向がある。しかし、特定の脚や行に強調や注目を集めるため、また退屈な繰り返しを避けるために、確立された韻律にいくつかのバリエーションが加えられるのが一般的である。たとえば、脚の強勢が反転したり、切れ目（休止）が追加されたり（脚や強勢の代わりに）、行の最後の脚に女性的な語尾を付けて柔らかくしたり、強調して強音階を作るためにスポンディーに置き換えたりする。いくつかのパターン（弱強五歩格など）はかなり規則的である傾向があるが、短六歩格など他のパターンは非常に不規則である傾向がある。^[66]規則性は言語によって異なる。さらに、言語によって異なるパターンが明確に発達することが多く、例えばロシア語の弱強四歩格では、韻律を強化するためにアクセントの使用に規則性が見られるのが一般的ですが、英語ではこのような規則性は見られないか、あっても非常に少ないです。^[67]

一般的な韻律パターンと、それを使用する詩人や詩の注目すべき例には、次のものがあります。

• 弱強五歩格（ジョン・ミルトン『失楽園』、ウィリアム・シェイクスピア『ソネット集』）^[68]
• ダクティルス六歩格（ホメロス『イリアス』、ウェルギリウス『アエネイス』）^[69]
• 弱強四歩格（アンドリュー・マーヴェル『内気な愛人へ』、アレクサンドル・プーシキン『エフゲニー・オネーギン』、ロバート・フロスト『雪の降る晩に森に立ち寄る』）^[70]
• トロカイック八歩格（エドガー・アラン・ポー「大鴉」）^[71]
• トロカイ四歩格（ヘンリー・ワーズワース・ロングフェロー『ハイアワサの歌』、フィンランドの国民叙事詩『カレワラ』も、フィンランド語とエストニア語の自然なリズムであるトロカイ四歩格である）
• アレクサンドリン(ジャン・ラシーヌ、フェードル)^[72]

押韻、頭韻法、同音異義語、子音異義語は、音の反復パターンを作り出す方法である。これらは詩の中で独立した構造要素として、リズムパターンを強化するために、または装飾的な要素として使われる。^[73]また、作成された反復音パターンとは別の意味を持つこともある。例えば、チョーサーは古英語の詩を揶揄し、登場人物を古風に描くために、多用した頭韻法を使った。^[74]

押韻は、行末または行内の位置（「内韻」）に置かれた同一の音（「ハード・ライム」）または類似の音（「ソフト・ライム」）で構成される。言語は押韻構造の豊かさにおいて異なる。例えばイタリア語は、長い詩全体にわたって限られた数の押韻を維持できる豊かな押韻構造を持っている。この豊かさは、規則的な形式に従う語尾から生じる。英語は、他の言語から取り入れた不規則な語尾を持ち、押韻がそれほど豊かではない。^[75]言語の押韻構造の豊かさの度合いは、その言語で一般的に使用される詩の形式を決定する上で重要な役割を果たしている。^[76]

頭韻法は、2つ以上の単語の冒頭で、または短い間隔で、文字または文字の音を繰り返すこと、または単語のアクセントのある部分に同じ文字が繰り返されることです。頭韻法と類韻語は、初期のゲルマン語、北欧語、古期英語の詩の構成に重要な役割を果たしました。初期のゲルマン語詩の頭韻法のパターンは、韻律と頭韻法を構造の重要な部分として織り交ぜているため、聞き手は韻律パターンによって頭韻法がいつ発生するかを予測できます。これは、ほとんどの現代ヨーロッパの詩で頭韻法が装飾的に使用されていることと比較できます。現代ヨーロッパの詩では、頭韻法のパターンは形式的ではなく、完全なスタンザを通しても使用されていません。頭韻法は、押韻構造があまり豊かでない言語で特に役立ちます。

同音異義語は、語頭や語尾の類似音ではなく、語内の類似母音の使用であり、スカルド詩で広く使用されていたが、その起源はホメロスの叙事詩に遡る。^[77]英語では動詞がピッチの多くを担うため、同音異義語は中国の詩の音調要素を大まかに想起させることができ、中国の詩を翻訳する際に有用である。^[78]子音異義語は、子音を語頭だけに置かずに文全体で繰り返される場合に生じる。子音異義語は頭韻法よりも微妙な効果を生み出すため、構造要素としては有用性が低い。^[76]

アラビア語や現代ヨーロッパの言語を含む多くの言語では、詩人は、バラッド、ソネット、押韻二行連句などの特定の詩形式の構造要素として、決まったパターンで押韻を使用する。しかし、構造的な押韻の使用は、ヨーロッパの伝統の中でも普遍的ではない。多くの現代詩は、伝統的な押韻構成を避けている。古典ギリシャ語やラテン語の詩は押韻を使用していなかった。^[79]押韻は、アルアンダルスのアラビア語の影響により、中世盛期にヨーロッパの詩に入り込んだ。^{[80]アラビア語の詩人は、} 6世紀の文学的アラビア語の発達だけでなく、長い押韻カシダなどのはるかに古い口承詩でも押韻を広範に使用した。^[81]いくつかの押韻構成は特定の言語、文化、または時代と関連付けられるようになったが、他の押韻構成は言語、文化、または時代を超えて使用されるようになった。詩には、王家の聖歌やルバイヤートのように一貫した明確な押韻体系を持つものもあれば、可変的な押韻体系を持つものもある。^[82]

ほとんどの押韻方式は、押韻のセットに対応する文字を使用して記述されるため、4行連詩の1行目、2行目、4行目が互いに押韻し、3行目が押韻しない場合、その4行連詩はAA BA押韻方式であると言われます。この押韻方式は、たとえばルバイヤート形式で使用されます。^[83]同様に、A BB A 4行連詩（「囲み押韻」として知られる）は、ペトラルカのソネットなどの形式で使用されます。^[84]より複雑な押韻方式のいくつかのタイプは、「a-bc」規則とは別に、オッターヴァ・リーマやテルツァ・リーマなどの独自の名前を開発しました。^{[85]さまざまな押韻方式のタイプと使用については、}メインの記事でさらに説明します。

モダニズム詩とポストモダニズム詩では詩の形式がより柔軟で、以前の文学時代よりも構造化されていない。多くの現代詩人は、認識可能な構造や形式を避け、自由詩で書いている。しかし、自由詩は「形式がない」わけではなく、より繊細で柔軟な韻律要素の連続で構成されている。^[86]このように、詩は、そのすべてのスタイルにおいて、形式によって散文とは区別されている。^[87]詩の基本的な形式構造に対するある程度の配慮は、そのような構造が無視されているように見えても、すべての種類の自由詩に見られる。^[88]同様に、古典的なスタイルで書かれた最高の詩では、強調や効果のために厳格な形式から逸脱している。^[89]

詩で使われる主要な構造要素には、行、スタンザまたは詩節の段落、そして、カントのようなスタンザまたは行のより大きな組み合わせがあります。また、言葉やカリグラフィのより広範な視覚的表現が使われることもあります。これらの詩の形式の基本単位は、ソネットのように、詩の形式または詩のモード（次のセクションを参照）と呼ばれるより大きな構造に組み合わされることがよくあります。

詩は、しばしば行分割と呼ばれるプロセスで、ページ上で行に分割されます。これらの行は、韻律的な脚の数に基づいていたり、行末の押韻パターンを強調したりすることもあります。特に詩が正式な韻律パターンで書かれていない場合、行は他の機能を果たすこともあります。行は、異なる単位で表現された考えを分離、比較、または対比したり、調子の変化を強調したりすることができます。^{[90]行間の区切りについては}、改行に関する記事を参照してください。

詩の行は、しばしばスタンザにまとめられ、スタンザは含まれる行数によって命名される。したがって、2行の集まりは連句（または二行連）、3行は三行連句（または三行連）、4行は四行連句などとなる。これらの行は、押韻やリズムによって互いに関連している場合もそうでない場合もある。たとえば、連句は、押韻する同一の韻律を持つ2行の場合もあれば、共通の韻律のみでつながれた2行の場合もある。^[91]

他の詩は、韻律が確立された規則的な押韻は使用されず、段落形式で確立された一連のリズム、頭韻法、押韻によって詩の調子が確立される、韻文段落で構成されることもあります。 ^[92]多くの中世の詩は、規則的な押韻とリズムが使用されている場合でも、韻文段落で書かれていました。^[93]

多くの詩の形式では、連は連動しており、ある連の押韻体系やその他の構造要素が、後続の連のそれらを決定する。このような連動した連の例には、例えばガザルやヴィラネルがあり、最初の連でリフレイン（ヴィラネルの場合はリフレイン）が確立され、それが後続の連で繰り返される。連動した連の使用に関連して、詩の主題部分を区切るために使用される。例えば、オード形式のストロフェ、アンティストロフェ、エポードは、1つまたは複数の連に分割されることが多い。^[94]

叙事詩のような長い形式詩の場合、スタンザ自体が厳格な規則に従って構成され、その後結合されることもある。スカルド詩では、dróttkvættスタンザは 8 行から成り、各行には頭韻法または同音異義語で作られた 3 つの「リフト」がある。2 つまたは 3 つの頭韻法に加えて、奇数行には異なる母音を持つ子音の部分的な押韻があるが、必ずしも語頭にあるとは限らない。偶数行には、固定された音節の内部押韻がある (必ずしも語末にあるとは限らない)。各半行はちょうど 6 つの音節から成り、各行はトロカイで終わる。dróttkvætt の配置は、個々の dróttkvætt の構成よりもはるかに緩やかな規則に従っていた。^[95]

印刷術の出現以前から、詩の視覚的表現は意味や深みを増すことが多かった。頭韻詩は行頭の文字や詩の他の特定の場所の文字で意味を伝えた。^[96]アラビア語、ヘブライ語、中国語の詩では、細かく書道された詩の視覚的表現が多くの詩の全体的な効果に重要な役割を果たしてきた。^[97]

印刷術の出現により、詩人は大量生産された作品の視覚的表現をよりコントロールできるようになった。視覚的要素は詩人の道具箱の重要な部分となり、多くの詩人が視覚的表現を幅広い目的に利用しようと努めてきた。モダニズム詩人の中には、ページ上の個々の行または行のグループの配置を詩の構成の不可欠な部分にした者もいる。時には、これは様々な長さの視覚的な切れ目を通して詩のリズムを補完したり、意味、曖昧さ、皮肉を強調するために並置を作ったり、単に美的に心地よい形式を作ったりする。最も極端な形では、これはコンクリート詩や無意味な文章につながる可能性がある。^{[98] [99]}

詩の語彙は言語が使用される方法を扱い、音だけでなく、その根底にある意味や音と形式との相互作用も指します。^[100]多くの言語と詩の形式には非常に特殊な詩の語彙があり、詩専用の文法や方言が使われることもあります。^{[101] [102]詩の} レジスターは、20世紀後半の韻律で好まれた通常の話し言葉のパターンを厳密に使用したものから、^[103]中世やルネサンスの詩のような非常に華麗な言語の使用まで多岐にわたります。^[104]

詩の語彙には、直喩や隠喩などの修辞技法や、皮肉などの声調が含まれる。アリストテレスは『詩学』の中で、 「最も偉大なことは、比喩の達人になることだ」と書いている。 ^[105]モダニズムの台頭以来​​、一部の詩人は修辞技法を軽視した詩の語彙を選び、代わりに事物や経験の直接的な表現や語調の探求を試みた。^[106]一方、シュルレアリストは修辞技法を限界まで押し進め、カタクレシスを頻繁に使用した。^[107]

寓話は多くの文化において詩的な表現の中心であり、西洋では古典時代、中世後期、ルネサンス期に顕著であった。紀元前500年頃に初めて記録されて以来、韻文と散文の両方で繰り返し表現されてきたイソップ寓話は、おそらく時代を超えた寓話詩の最も豊かな単一の情報源である。[ ^108]その他の注目すべき例としては、13世紀フランスの詩「薔薇物語」 、14世紀のウィリアム・ラングランドの「農夫ピアズ」、 17世紀のジャン・ド・ラ・フォンテーヌの「寓話集」 （イソップの影響を受けたもの）などがある。しかし、詩は完全に寓話的であるのではなく、完全な寓話を構築することなく、言葉の意味や効果を深める象徴や暗示を含むことがある。^[109]

詩的な語彙のもうひとつの要素は、効果を狙って鮮明なイメージを使うことである。例えば、予期せぬ、あるいはあり得ないイメージを並置することは、シュルレアリスムの詩や俳句において特に強い要素である。^[110]鮮明なイメージはしばしば象徴性や隠喩を帯びている。多くの詩的な語彙は効果を狙って繰り返しのフレーズを使っており、短いフレーズ（ホメロスの「バラ色の指の夜明け」や「ワイン色の海」など）や長いリフレインのいずれかである。このような繰り返しは詩に陰鬱な雰囲気を加えたり、言葉の文脈が変わるにつれて皮肉を織り交ぜたりすることができる。^[111]

多くの文化で、特定の詩の形式が開発されてきました。より発達した、閉鎖的または「受容された」詩の形式では、押韻構成、韻律、およびその他の詩の要素は、エレジーの構成を規定する比較的緩い規則から、ガザルやヴィラネルの高度に形式化された構造まで、一連の規則に基づいています。^{[112]以下では、多くの言語で広く使用されている一般的な詩の形式について説明します。特定の文化や時代の詩に関する議論や}用語集で、その他の詩の形式について見つけることができます。

中世後期から人気を博した最も一般的な詩の形式の一つにソネットがあり、13世紀までには決まった押韻構成と論理構造に従う14行の詩として標準化された。14世紀のイタリア・ルネサンスまでに、この形式はペトラルカの筆によってさらに結晶化し、そのソネットは16世紀にサー・トーマス・ワイアットによって翻訳され、ワイアットはソネット形式を英語文学に導入したとされている。^[113]伝統的なイタリアのソネット、つまりペトラルカ風のソネットはABBA、ABBA、CDECDEという押韻構成に従うが、特に最後の6行（またはセステット）内ではCDCDCDが最も一般的であろう、多少のバリエーションが一般的である。^[114]英語（またはシェイクスピア）のソネットはABAB CDCD EFEF GGの押韻方式に従っており、3番目の四行連句（4行のグループ）と最後の二行連句を導入し、イタリアの先行作品に通常見られる押韻に多くの変化をもたらしている。慣例により、英語のソネットでは典型的には弱強五歩格が使用され、ロマンス諸語では十一音節韻法とアレクサンドリア韻法が最も広く使用されている。

あらゆる種類のソネットでは、しばしば、詩の中で考えがひっくり返ったり、疑問が答えられたり（または提起されたり）、主題がさらに複雑になったりするポイントである、ボルタ、つまり「ターン」が使われます。このボルタは、多くの場合、前の行の内容と矛盾したり複雑にしたりする「しかし」という文の形をとります。ペトラルカのソネットでは、ターンは最初の 2 つの四行連句と 7 行連句の間の区切りのあたりに来る傾向がありますが、英語のソネットでは通常、ターンは最後の連句の冒頭またはその近くに置かれます。

ソネットは、高度な詩的語彙、鮮明なイメージ、ロマンチックな愛と特に結び付けられており、これは主にペトラルカや、エドマンド・スペンサー（スペンサー風ソネットに名前の由来となった人物）、マイケル・ドレイトン、シェイクスピアなどの初期のイギリス人詩人の影響によるもので、シェイクスピアのソネットは英語詩の中でも最も有名なものの一つであり、オックスフォード英語詩集には20編が収録されている。^{[115]しかし、}ヴォルタに伴う紆余曲折により、多くの主題に適用できる論理的な柔軟性が生まれている。^[116]ソネットの初期の世紀から現在に至るまでの詩人たちは、政治（ジョン・ミルトン、パーシー・ビッシュ・シェリー、クロード・マッケイ）、神学（ジョン・ダン、ジェラルド・マンリー・ホプキンス）、戦争（ウィルフレッド・オーウェン、E・E・カミングス）、ジェンダーとセクシュアリティ（キャロル・アン・ダフィー）に関連する話題を扱うためにこの形式を使用している。さらに、テッド・ベリガンやジョン・ベリーマンなどのポストモダン作家は、ソネット形式の伝統的な定義に異議を唱え、多くの場合、押韻や明確な論理的進行、さらには 14 行という一貫した数さえも欠いた「ソネット」の連続全体を表現しました。

詩（簡体字中国語：詩、繁体字中国語：詩、ピンイン：shī、ウェード・ジャイルズ表記：shih ）は、中国古典詩の主な形式である。^[117]この形式の詩の中で最も重要なバリエーションは、「民謡」風の詩（悦夫）、「古いスタイル」の詩（古詩）、「現代スタイル」の詩（金詩）である。すべての場合において、押韻は必須である。悦夫は民謡または民謡風の詩であり、行数や行の長さは不規則である可能性がある。その他の詩のバリエーションでは、一般的に4行詩（四行詩または求詩）か、そうでなければ8行詩が一般的であり、どちらにしても偶数行は押韻する。行の長さは、文字数に応じてスキャンされ（1文字が1音節に相当するという慣例に従って）、主に5文字または7文字の長さで、最後の3音節の前に切れ目があります。行は一般的に終止符で終了し、一連の連句と見なされ、主要な詩的技法として言葉の平行表現を示しています。^[118]「古いスタイル」の詩（古詩）は、新体詩または規則詩よりも形式的には厳格ではありません。新体詩は「新しいスタイル」の詩という名前にもかかわらず、理論的根拠は実際には沈越（ 441-513年）にまで遡りますが、陳子（661-702年）の時代まで完全に発達しなかったと考えられています。^[119]古詩で知られる詩人の良い例は、李白（701-762年）です。金鶏詩の規則には、中期中国語の4つの声調の定型の使用を含め、詩の中の声調の変化を規定するものがある。金鶏詩（寿司）の基本形式は、4つの連句で8行あり、2番目と3番目の連句の行は平行している。平行行の連句は対照的な内容を含むが、単語間の文法関係は同一である。金鶏詩は、多くの場合、豊かな詩的な言葉遣いと、暗示に満ちており、歴史や政治を含む幅広い主題を扱うことができる。^{[120] [121]}この形式の達人の一人は、唐代（8世紀）に著述した杜甫（712年-770年）である。^[122]

ヴィラネルは19行の詩で、5つの三連詩と最後の四行詩で構成されている。この詩は2つのリフレインがあることが特徴で、最初は第1スタンザの1行目と3行目に使用され、その後は各スタンザの終わりに交互に使用され、最後の四行詩は2つのリフレインで締めくくられる。詩の残りの行はAB交互韻である。^[123]ヴィラネルは19世紀後半から英語でディラン・トーマス^[124] 、WHオーデン^[125]、エリザベス・ビショップ^[126]などの詩人によって頻繁に使用されている。

リメリックは5行から成る詩で、ユーモアに富んでいることが多い。リメリックではリズムが非常に重要で、1行目、2行目、5行目は7音節から10音節でなければならない。しかし、3行目と4行目は5音節から7音節でよい。1行目、2行目、5行目は互いに押韻し、3行目と4行目も互いに押韻する。リメリックの作者には、エドワード・リア、アルフレッド・テニスン卿、ラドヤード・キップリング、ロバート・ルイス・スティーブンソンなどがいた。^[127]

短歌は、5節31音（音韻単位はモーラと同じ）からなる押韻のない日本の詩の一形態で、 5-7-5-7-7のパターンで構成されている。^[128]一般的に、上の5-7-5句と下の7-7句では、調子と主題が異なっている。短歌は、飛鳥時代に柿本人麻呂（ 7世紀後半に活躍）などの歌人によって書かれており、その頃の日本は、中国の詩の多くを中国の形式に倣った時代から脱却しつつあった。^{[129]短歌は、もともと日本の正式な詩（一般に「}和歌」と呼ばれていた）の短縮形であり、公的なテーマよりも個人的なテーマを探求するために多用された。10世紀までに、短歌は日本の詩の主流となり、もともと一般的な用語であった「和歌」（「日本の詩」）は、短歌のみを指すようになった。短歌は今日でも広く書かれている。^[130]

俳句は、17世紀に発句（連句の冒頭の詩）から発展した、日本の人気の無押韻詩である。^[131]俳句は一般的に縦一行で書かれ、5-7-5のパターンで構成された合計17拍子の3つの節から構成される。伝統的に、俳句には、通常詩の3つの節の1つの終わりに置かれる切れ字（切り言葉）と季語（季節の言葉）が含まれる。 [ 132 ]俳句^の最も有名な提唱者は松尾芭蕉（1644-1694）である。彼の作品の例：^[133]

富士の風や扇にのせて江戸土産

富士の風や大木にのせて江戸みやげ

富士山の風

扇風機を持ってきました！

江戸からの贈り物

クローン（โคลง、[kʰlōːŋ] ）は、タイで最も古い詩形式の一つである。これは、特定の音節の声調標示に関する要件に反映されており、その音節にはマイエク（ไม้เอก、タイ語発音：[máj èːk]、◌่）またはマイトー（ไม้โท、[máj tʰōː]、◌้ ）を付さなければならない。これは、タイ語に3つの声調（現在の5つではなく、アユタヤ王朝時代に分裂した）があり、そのうち2つが前述の標示に直接対応していた時代に由来している可能性が高い。これは通常、高度で洗練された詩形式と見なされている。^[134]

khlongでは、スタンザ ( bot、บท、タイ語の発音: [bòt] ) は、種類に応じていくつかの行 ( bat、บาท、タイ語の発音: [bàːt]、パーリ語とサンスクリット語のpādaに由来)で構成されます。batは2 つのwak ( วรรค、タイ語の発音: [wák]、サンスクリット語のvargaに由来) に細分化されます。^{[注 2]}最初のwak は5 つの音節から成り、2 番目は種類に応じて可変数となり、オプションの場合もあります。khlong の種類は、スタンザ内のbatの数で名前が付けられます。また、クロン スパップ( โคลงสุภาพ , [kʰlōːŋ sù.pʰâːp] ) とクロン ダン( โคลงดั้น , [kʰlōːŋダン]）。この 2 つは、最後のバットの 2 番目のワクの音節数とスタンザ間の押韻ルールが異なります。^[134]

khlong si suphap ( โคลงสี่สุภาพ , [kʰlōːŋ sìː sù.pʰâːp] ) は、現在でも使用されている最も一般的な形式です。1スタンザあたり4 つのbatがあります ( si は4と翻訳されます)。各batの最初のwakは 5 音節です。2 番目のwakは、最初と 3 番目のbatが 2 音節または 4 音節、2 番目の bat が 2 音節、4 番目の bat が 4 音節です。以下に示すように、 7 音節の場合はMai ek 、4 音節の場合はMai thoが必要です。「デッド ワード」音節は、 mai ek を必要とする音節の代わりに使用できます。また、基準を満たすように単語のスペルを変更することも通常は許容されます。

頌歌は、ピンダロスなどの古代ギリシア語やホラティウスなどのラテン語で詩を書く詩人によって最初に開発されました。ギリシア人やラテン人の影響を受けた文化の多くに、頌歌の形式が見られます。^[135]頌歌は一般に、ストロフェ、アンティストロフェ、エポードの3つの部分から成ります。頌歌のストロフェとアンティストロフェは、伝統によっては、同様の韻律構造と押韻構造を持ちます。対照的に、エポードは異なる構成と構造で書かれています。頌歌は形式的な詩的な言葉遣いをしており、一般に深刻な主題を扱っています。ストロフェとアンティストロフェは、主題を異なる、しばしば矛盾する観点から検討し、エポードは、根底にある問題を検討または解決するために、より高いレベルに移行します。頌歌は、2つの合唱団（または個人）によって朗読または歌われることが多く、最初の合唱団がストロフェを朗読し、2番目がアンティストロフェを朗読し、2人が一緒にエポードを朗読します。^[136]頌歌は時を経て、形式や構造にかなりのバリエーションを持つ様々な形式に発展してきましたが、一般的にはピンダロスやホラティウスの頌歌の影響が見られます。西洋以外の頌歌に似た形式としては、アラビア詩のカシダがあります。^[137]

ガザル（ガゼル、ガゼル、ガザル、ゴゾルとも呼ばれる）は、アラビア語、ベンガル語、ペルシャ語、ウルドゥー語でよく使われる詩の形式である。古典的な形式では、ガザルは5〜15の押韻連句で構成され、2行目の終わりにリフレインを共有する。このリフレインは1音節または数音節で、押韻が先行する。各行は同一の韻律を持ち、同じ長さである。^[138]ガザルはしばしば、達成不可能な愛や神性といったテーマを反映している。^[139]

多くの言語で長い歴史を持つ他の形式と同様に、ガザールには多くのバリエーションが開発されており、ウルドゥー語の準音楽的な詩的語法を含む。^{[140]ガザールは}スーフィズムと古典的な親和性があり、スーフィズムの主要な宗教作品の多くはガザール形式で書かれている。比較的安定した韻律とリフレインの使用は呪文のような効果を生み出し、スーフィズムの神秘的なテーマをうまく補完する。^[141]この形式の巨匠には、13世紀の有名なペルシャの詩人ルーミー^[142] 、ルーミーが師とみなした12世紀のイランのスーフィズム神秘主義詩人アッタール^[143]、そして彼らと同じくらい有名なほぼ同時代のハーフィズがいる。ハーフィズはガザールを用いて偽善や世俗性の落とし穴を暴露するが、愛の神聖な深みと世俗的な機微を表現するためにもこの形式を巧みに利用している。内容と形式の複雑さを意味のある形で表現した翻訳を作成することは非常に困難ですが、英語でそれを試みた賞賛された作品としては、ガートルード・ベルの『ハーフィズのディヴァンからの詩』^[144]や『Beloved: ハーフィズの81の詩』（Bloodaxe Books）などがあります。これらの作品の序文では、ガザールの翻訳の問題点が詳細に述べられており、その翻訳では（ローシャン・ペルシア研究研究所のファテメ・ケシャヴァルツによると）「原文に見られる大胆で多層的な豊かさ」が保たれています。^[145]実際、ハーフィズのガザールは多くの分析、論評、解釈の対象となっており、14世紀以降のペルシア語の著作に他のどの作家よりも影響を与えています。^{[146] [147]}ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテの叙情詩集『西方詩集』はペルシャの詩人ハーフェズに触発されたものである。 ^{[148] [149] [150]}

詩は特定の形式に加えて、さまざまなジャンルやサブジャンルの観点から考えられていることが多い。詩のジャンルとは、一般的に、主題、スタイル、またはその他のより広い文学的特徴に基づいた詩の伝統または分類である。^[151]一部の評論家は、ジャンルを文学の自然な形式と見なしている。他の評論家は、ジャンルの研究を、さまざまな作品が他の作品とどのように関連し、参照するかの研究と見なしている。^[152]

物語詩は、物語を語る詩のジャンルです。広義には叙事詩も含まれますが、「物語詩」という用語は、一般的に人間の興味をより引き付ける、より短い作品を指すことが多いです。物語詩は、おそらく最も古いタイプの詩です。ホメロスの多くの学者は、彼の『イリアス』と『オデュッセイア』は、個々のエピソードを関連付けた短い物語詩の集大成である と結論付けています。

スコットランドやイングランドのバラッド、バルト海やスラヴの英雄詩など、多くの物語詩は、文字が存在しない時代の口承に根ざしたパフォーマンス詩である。韻律、頭韻法、ケニングなど、詩と散文を区別するいくつかの特徴は、かつては伝統的な物語を朗読する吟遊詩人の記憶補助として機能していたのではないかと推測されている。^[153]

著名な物語詩人には、オウィディウス、ダンテ、フアン・ルイス、ウィリアム・ラングランド、チョーサー、フェルナンド・デ・ロハス、ルイス・デ・カモンイス、シェイクスピア、アレクサンダー・ポープ、ロバート・バーンズ、アダム・ミツキェヴィチ、アレクサンダー・プーシキン、レティーシャ・エリザベス・ランドン、エドガー・アラン・ポー、アルフレッド・テニスン、アン・カーソンなどがいます。

抒情詩は、叙事詩や劇詩とは異なり、物語を語ろうとするのではなく、より個人的な性質を持つジャンルです。このジャンルの詩は、短く、旋律的で、瞑想的である傾向があります。登場人物や行動を描写するのではなく、詩人自身の感情、心の状態、認識を描写します。^[154]このジャンルの著名な詩人には、クリスティーヌ・ド・ピザン、ジョン・ダン、シャルル・ボードレール、ジェラール・マンリー・ホプキンス、アントニオ・マチャード、エドナ・サン・ヴィンセント・ミレイなどがいます。

叙事詩は詩のジャンルであり、物語文学の主要な形式である。このジャンルは、当時の文化にとって英雄的または重要な出来事に関する長い詩として定義されることが多い。英雄的または神話的な人物または集団の生涯と作品を連続した物語で語る。^[155]

叙事詩の例としては、ホメーロスの『イリアス』と『オデュッセイア』、ウェルギリウスの『アエネーイス』、『ニーベルンゲンの歌』 、ルイス・デ・カモンエスの『オス・ルシアダス』、『カンタル・デ・ミオ・シッド』、ギルガメシュ叙事詩、『マハーバーラタ』、レンロートの『カレワラ』、ヴァールミーキの『ラーマーヤナ』などがある。 、フェルドウスィーの『シャナマ』、ニザミ（またはネザミ）の『カムセ』（五書）、そしてケサル王の叙事詩。

20世紀初頭以降、西洋では叙事詩や長編詩全般の創作は一般的ではなくなったが、いくつかの著名な叙事詩は書き続けられている。エズラ・パウンドの『カントス』 、H・Dの『エジプトのヘレン』、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズの『パターソン』は、現代の叙事詩の例である。デレク・ウォルコットは1992年に、叙事詩『オメロス』の功績によりノーベル賞を受賞した。^[156]

詩は風刺を表現する強力な手段となり得る。ローマ人は風刺詩の強い伝統を持っており、しばしば政治的な目的で書かれた。注目すべき例としては、ローマの詩人ユウェナリスの風刺詩がある。^[157]

同じことはイギリスの風刺詩の伝統にも当てはまる。最初の桂冠詩人ジョン・ドライデン（トーリー党員）は1682年に『マック・フレックノー』という副題の詩を著した。この詩はトーマス・シャドウェルにちなんで「真のプロテスタント詩人TSに対する風刺詩」（トーマス・シャドウェルに言及）という副題が付けられている。 ^[158]イギリス国外の風刺詩人には、ポーランドのイグナツィ・クラシツキ、アゼルバイジャンのサビール、ポルトガルのマヌエル・マリア・バルボサ・デュ・ボカージュ、そして『ギサンド』で特に知られる韓国のキム・キリムがいる。

エレジーとは、悲しげで物憂げ、または哀愁を帯びた詩であり、特に死者を悼む歌や葬送歌である。エレジーという用語は、もともと詩の韻律の一種（エレジー韻律）を意味し、一般的には哀悼の詩を表す。エレジーは、作者にとって奇妙または神秘的と思われるものを反映することもある。死、より一般的には悲しみ、または神秘的なものを反映するエレジーは、抒情詩の一種として分類される可能性がある。^{[159] [160]}

哀歌詩の著名な作者としては、プロペルティウス、ホルヘ・マンリケ、ヤン・コハノフスキ、チディオック・ティクボーン、エドマンド・スペンサー、ベン・ジョンソン、ジョン・ミルトン、トーマス・グレイ、シャーロット・スミス、ウィリアム・カレン・ブライアント、パーシー・ビッシュ・シェリー、ヨハン・ヴォルフガング・フォン・ゲーテ、エフゲニー・バラティンスキー、アルフレッド・テニスン、ウォルト・ホイットマン、アントニオ・マチャード、フアン・ラモン・ヒメネス、ウィリアム・バトラー・イェイツ、ライナー・マリア・リルケ、ヴァージニア・ウルフなどがいます。

寓話は古代の文学ジャンルで、多くの場合（必ずではないが）詩の形で書かれている。寓話は、擬人化された 動物、伝説上の生き物、植物、無生物、または自然の力が登場し、道徳的な教訓（「教訓」）を説明する簡潔な物語である。詩の寓話では、さまざまな韻律と押韻パターンが使用されている。^[161]

著名な詩の捏造作家には、イソップ、ヴィシュヌ サルマ、パイドルス、マリー ド フランス、ロバート ヘンリーソン、ルブリンのビエルナ、ジャン ド ラ フォンテーヌ、イグナシー クラシツキ、フェリックス マリア デ サマニエゴ、トマス デ イリアルテ、イワン クリロフ、アンブローズ ビアスが含まれます。

劇詩は、話されたり歌われたりする韻文で書かれた劇であり、多くの文化でさまざまな、時には関連した形式で登場する。韻文によるギリシャ悲劇は紀元前6世紀に遡り、サンスクリット劇の発展に影響を与えた可能性がある。^[162]同様に、インドの劇は中国のビャンウェン韻文劇（京劇の前身）の発展に影響を与えたようである。^[163]東アジアの韻文劇には、日本の能も含まれる。ペルシア文学における劇詩の例には、ニザーミーの2つの有名な劇作品『ライラとマジュヌーン』と『ホスローとシーリーン』、フェルドウスィーの悲劇『ロスタム』や『ソフラブ』 、ルーミーの『マスナヴィー』、ゴルガニの『ヴィスとラミン』の悲劇、ヴァフシの『ファルハド』の悲劇などがある。 20世紀のアメリカの詩人たちは劇詩を復活させた。エズラ・パウンドの『セスティーナ：アルタフォルテ』^[164]、T・S・エリオットの『J・アルフレッド・プルーフロックの恋の歌』 ^{[165] [166]}などである。

空想詩（奇怪な詩や不気味な詩は主要な下位分類である）としても知られる思弁詩は、SFのように外挿によって、またはホラー小説のように奇妙で恐ろしいテーマによって、 「現実を超えた」主題を主題として扱う詩のジャンルである。このような詩は、現代のSFやホラー小説の雑誌に定期的に掲載されている。

エドガー・アラン・ポーは「思索詩の父」とみなされることがある。^[167]このジャンルにおけるポーの最も注目すべき業績は、当時大いに嘲笑された1848年のエッセイ（その思索的な性質のため、彼は「散文詩」と呼んだ）『ユーリカ：散文詩』で、宇宙の起源に関するビッグバン理論を45年も前に予見したことである。^{[168] [169]}

散文詩は散文と詩の両方の特質を示す混合ジャンルである。ミクロストーリー（別名「ショートショート」、「フラッシュフィクション」）と区別がつかないかもしれない。初期の散文のいくつかの例は現代の読者に詩的であると感じられるが、散文詩は19世紀フランスで生まれたと一般的に考えられており、その実践者にはアロイジウス・ベルトラン、シャルル・ボードレール、ステファーヌ・マラルメ、アルチュール・ランボーなどがいた。^[170]

特に1980年代後半から、散文詩の人気が高まり、The Prose Poem: An International Journal ^[171] 、Contemporary Haibun Online ^[172]、Haibun Today ^[173]などの雑誌全体が散文詩とその混成作品に特化したものになりました。20世紀のラテンアメリカの詩人で散文詩を書いた人には、オクタビオ・パスやアレハンドラ・ピザルニクなどがいます。

軽い詩、または軽い詩は、ユーモアを狙った詩です。「軽い」とされる詩は通常短く、軽薄な主題や深刻な主題を扱うことがあり、語呂合わせ、大胆な押韻、重厚な頭韻法などの言葉遊びを特徴としていることが多いです。形式的な詩の伝統から外れた軽い詩で優れた才能を発揮した自由詩人も数人いますが、英語の軽い詩は通常、少なくともいくつかの形式的な慣習に従います。一般的な形式には、リメリック、クレリヒュー、ダブルダクティルなどがあります。

軽妙な詩は下手な詩として非難されたり、気軽に書かれた詩だと考えられたりすることもあるが、ユーモアはしばしば微妙な、あるいは破壊的な方法で深刻な主張を述べる。最も有名な「真面目な」詩人の多くは、軽妙な詩でも傑出している。軽妙な詩の著名な作家には、ルイス・キャロル、オグデン・ナッシュ、XJ・ケネディ、ウィラード・R・エスピー、シェル・シルヴァスタイン、ギャビン・エワート、ウェンディ・コープなどがいる。

スラム詩というジャンルは、1986年にイリノイ州シカゴでマーク・ケリー・スミスが最初のスラムを企画したときに始まりました。[ ^{174] [175]}スラムの演者は、個人的なこと、社会的なこと、その他の事柄について、観客の前で声を出して感情的にコメントします。スラムは、言葉遊び、イントネーション、声の抑揚の美学に焦点を当てています。スラム詩は、専用の「ポエトリー・スラム」コンテストで競争的になることがよくあります。^[176]

パフォーマンス詩は、観客の前で行われるという点でスラム詩に似ており、ダンス、音楽、その他のパフォーマンスアートの側面など、テキストのパフォーマンスにおいてさまざまな分野を融合する詩のジャンルです。^{[177] [178]}

ハプニングという用語は1950年代の前衛運動によって普及し、自発的で場所に特化したパフォーマンスを指します。 ^{[179] 2018年に} 詩人集団OBJECT:PARADISEによって名付けられた言語ハプニングは、規範的な文学ジャンルとしての詩よりも、記述的な言語行為やパフォーマンスに焦点を当てたイベントであり、その瞬間に詩が読まれたり作られたりしている間に、より幅広い形式のパフォーマンスアートが組み込まれることがよくあります。^{[180] [181]}

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• 話し言葉

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