音楽

音楽は、音を編曲して、形式、ハーモニー、メロディー、リズム、またはその他の表現内容の組み合わせを作成することです。^{[1] [2] [3]}音楽は、すべての人間社会に存在する文化的普遍性であることが一般的に認められています。 ^[4] 音楽の定義は、内容とアプローチが大きく異なります。^[5]学者は、音楽が少数の特定の要素によって定義されることに同意していますが、これらの必要な要素が何であるかについてはコンセンサスがありません。^{[6]音楽は、人間の}創造性を表現するための非常に用途の広い媒体であることが多いです。^[7]音楽の創作には多様な活動が関わっており、多くの場合、作曲、即興、演奏のカテゴリに分類されます。^{[8]音楽は、}人間の声を含む多種多様な楽器を使用して演奏できます。また、オルゴール、手回しオルガン、コンピューター上のデジタルオーディオワークステーションソフトウェアなどを使用して、機械的または電子的に間接的に演奏されるように作曲、配列、またはその他の方法で制作することもできます。

音楽は、社交行事や宗教儀式で重要な役割を果たすことがよくあります。音楽の制作技術は、文化的伝統の一部として伝えられることがよくあります。音楽は、公の場でも私的な場でも演奏され、さまざまな種類のアンサンブルによるフェスティバルやコンサートなどのイベントで目立ちます。音楽は、映画、テレビ番組、オペラ、ビデオゲームの サウンドトラックなど、他のメディアの制作にも使用されます。

音楽を聴くことは、一般的な娯楽手段です。音楽を取り巻く文化は、学術研究、ジャーナリズム、哲学、心理学、セラピーの分野にまで及びます。音楽業界には、作詞家、演奏家、音響エンジニア、プロデューサー、ツアー主催者、楽器やアクセサリーの販売業者、楽譜や録音物の出版業者が含まれます。音楽の録音と再生を容易にする技術には、歴史的に楽譜、マイク、蓄音機、テープレコーダーが含まれ、デジタル音楽の再生にはMP3 プレーヤー、CD プレーヤー、スマートフォンが一般的に使用されています。

現代英語の「music」という単語は1630年代に使われるようになりました。^[9]これは、13世紀半ばの古英語「musike 」、 12世紀の古フランス語「 musique」 、ラテン語の「 mūsica」という長い一連の語源から派生したものです。^{[10] [7] [n 1]}ラテン語自体は、古代ギリシャ語 の「mousiké ( technē )」— 「μουσική ( τέχνη )」— 文字通り「ミューズの（芸術）」を意味する語に由来しています。^{[10] [n 2]}ミューズは、古代ギリシャ神話に登場する9人の神々で、芸術と科学を司っていました。^{[13] [14]}ミューズは、西洋最古の作家であるホメロスとヘシオドスの物語に登場し、^[15]最終的に特に音楽と結び付けられるようになりました。^[14]時が経つにつれ、ポリヒムニアは他のミューズよりも音楽に重点を置くようになった。^[11]ラテン語のmusicaは綴りと言語的調整によりスペイン語のmúsicaとフランス語のmusiqueの語源となったが、イタリア語のmusica、ドイツ語のMusik、オランダ語のmuziek、ノルウェー語のmusikk、ポーランド語のmuzyka、ロシア語のmuzïkaなど他のヨーロッパの用語はおそらく借用語である。^[14]

現代の西洋世界では通常、音楽を多様なジャンル、スタイル、伝統を説明するために使われる包括的な用語として定義します。^[16]これは世界中で当てはまらず、現代インドネシア語 ( musik ) やショナ語( musakazo ) などの言語では、西洋の範囲にぴったり当てはまる言葉がなかったため、この普遍的な概念を反映する言葉が最近採用されました。^[14]東アジアで西洋が接触する前、日本も中国も音楽を広い意味で包括する単一の単語を持っていませんでしたが、文化的には、音楽をそのように見なすことが多かったのです。^[17]中国語で音楽を意味する最も近い言葉であるyueは、喜びを意味するleと同じ文字を持ち、もともと意味が狭まる前はすべての芸術を指していました。^[17]アフリカは多様すぎてしっかりと一般化することはできませんが、音楽学者のJH Kwabena Nketia は、アフリカの音楽が一般的にダンスや話し言葉と切り離せないつながりを持っていることを強調しています。^[18]コンゴ民主共和国のソンジェ族やナイジェリアのティブ族など、一部のアフリカ文化では「音楽」に対する強い幅広い概念があるが、彼らの母国語にはそれに相当する言葉がない。 ^[18]一般的に「音楽」と訳される他の言葉は、それぞれの文化ではより具体的な意味を持つことが多い。例えば、ヒンディー語で音楽を意味するサンギタは、正確には芸術音楽を指す。^{[19]一方、}アメリカ大陸の多くの先住民族の言語には、特に歌を指す音楽を意味する言葉があるが、器楽音楽を指すものもある。^[20]アラビア語のムシキはすべての音楽を指すが、通常は器楽や韻律音楽に使用され、カンダンは声楽や即興音楽を指す。^[21]

音楽の起源はどこまで解明されるのかについてはしばしば議論されており、^[23]それを説明するために競合する学説が存在する。^{[24]多くの学者は音楽の起源と}言語の起源の関係を強調しているが、音楽が言語より前、後、あるいは同時に発達したかどうかについては意見の相違がある。^{[25]同様の論争の原因は、音楽が}自然選択の意図的な結果なのか、進化の副産物なのかということである。[ 25 ^{]最も初期の影響力のある学説は1871年に}チャールズ・ダーウィンによって提唱され、音楽はおそらく求愛の呼び声を介して性的選択の一形態として発生したと述べた。^[26]ダーウィンの当初の見解は他の性的選択の方法と矛盾しているとして激しく批判されてきたが^[27]、 21世紀の多くの学者がこの学説を展開し推進してきた。^[28]他の説としては、音楽は労働の組織化、遠距離通信の改善、神とのコミュニケーションの向上、コミュニティの結束の促進、あるいは捕食者を追い払う防御手段として生まれたという説がある。^[29]

先史時代の音楽は、旧石器時代の考古学遺跡からの発見に基づいてのみ理論化できる。論争の的となっているディヴィエ・バーベ のフルートは、穴の開いたホラアナグマの大腿骨で、少なくとも4万年前のものだが、これが本当に楽器なのか、動物が作った物体なのかについてはかなりの議論がある。^[30]楽器として広く認められている最古の物体は、ドイツのシュヴァーベン・ジュラ地方、すなわちガイセンクレスターレ、ホーレ・フェルス、フォーゲルヘルト洞窟の骨製フルートである。^[31]オーリニャック期（後期旧石器時代）のもので、初期ヨーロッパの現生人類によって使用されたもので、3つの洞窟すべてから8つの例が発見されており、4つは鳥の翼の骨で作られ、4つはマンモスの象牙で作られており、このうち3つはほぼ完全な状態である。^[31]ガイセンクレスターレのフルート3つが最古で、約1万年前とされている。 43,150 ～ 39,370 BP。^{[22] [n3]}

エジプトの楽器に関する最も古い物的、表現的証拠は先王朝時代に遡るが、古王国時代にはハープ、フルート、ダブルクラリネットが演奏されていたことがより確実に立証されている。^[32]中王国時代には、打楽器、リラ、リュートがオーケストラに加えられた。シンバル^{[33]は、今日の}エジプトと同様、音楽やダンスの伴奏として頻繁に使われた。伝統的なスーフィーのズィクル儀式を含むエジプトの民俗音楽は、古代エジプト音楽の特徴、リズム、楽器の多くを保存しており、現代音楽のジャンルとしては古代エジプト音楽に最も近い。^{[34] [35]}

古代シリアの都市ウガリットの粘土板に刻まれた「フルリ人のニッカル賛歌」は、紀元前1400年頃に書かれた現存する最古の楽譜である。^{[36] [37]}

古代ギリシャでは、音楽は社会生活や文化生活の重要な部分であり、実際、子供たちに教えられる主要な科目の一つでした。音楽教育は、個人の魂の発達にとって重要であると考えられていました。音楽家や歌手はギリシャの演劇で重要な役割を果たし、^[38]音楽教育を受けた者は貴族であり、完璧な調和をしているとみなされていました（プラトンの『国家』に書かれているとおり）。男女混合の合唱団は、娯楽、祝賀、精神的な儀式のために演奏しました。^[39]楽器には、ダブルリードのアウロスや撥弦楽器のリラ（主にキタラと呼ばれる特殊な種類）がありました。音楽は教育の重要な部分であり、男の子は6歳から音楽を教えられました。ギリシャの音楽リテラシーは、音楽の大きな発展をもたらしました。ギリシャの音楽理論には、最終的に西洋の宗教音楽やクラシック音楽の基礎となったギリシャの音楽モードが含まれていました。セイキロスの墓碑銘は、音楽記譜法を含む完全な音楽作品としては世界最古の現存例である。^[40]音楽理論について書かれた現存最古の著作は、アリストクセノスの『Harmonika Stoicheia』である。^[41]

アジア音楽は、アラビア、中央アジア、東アジア、南アジア、東南アジアの記事で調査された音楽文化の広範囲に及びます。そのいくつかは古代にまで遡る伝統を持っています。

インド古典音楽は、世界最古の音楽伝統の一つである。^[42]インダス文明の彫刻には、舞踏^[43]や七つの穴があるフルートなどの古い楽器が描かれている。モーティマー・ウィーラーによる発掘調査により、ハラッパーとモヘンジョ・ダロから弦楽器と太鼓が発見されている。^[44]古代ヒンズー教の文献であるリグ・ヴェーダには、韻律と詠唱法を表す記譜法など、現在のインド音楽の要素が含まれている。^[45]インド古典音楽（マルガ）は単旋律で、ターラによってリズミカルに編成された単一のメロディーラインまたはラーガに基づいている。詩「チラッパティカラム」には、既存の音階から主音を旋法でシフトすることで、新しい音階が形成される方法が記されている。^[46]現在のヒンディー音楽は、ペルシャの伝統音楽とアフガニスタンのムガル帝国の影響を受けています。南部諸州で人気のカルナータカ音楽は、主に宗教的な内容で、歌の大半はヒンドゥー教の神々に捧げられています。愛やその他の社会問題を強調した歌もあります。

インドネシア音楽は、紀元前2～3世紀に青銅器時代の文化がインドネシア諸島に移住して以来形成されてきた。インドネシアの伝統音楽では、特にケンダンとゴングなどの打楽器が用いられる。ロテ島の弦楽器ササンド、スンダのアンクルン、複雑で洗練されたジャワ とバリのガムランオーケストラなど、精巧で独特な楽器を開発した国もある 。インドネシアはゴングチャイムの本拠地であり、これは小型で高音のポットゴングのセットの総称である。ゴングは通常、音の順番に配置され、低い木枠に張られた弦の上にボスが置かれている。インドネシア音楽で最も人気のある形式はガムランで、鉄琴、太鼓、ゴング、スパイクフィドル、竹製のスリン（フルートのような）などの調律された打楽器のアンサンブルである。^{[47] [48]}

中国古典音楽は、中国の伝統芸術または宮廷音楽であり、約3,000年以上の歴史があります。中国古典音楽には、独自の記譜法、調律や音程、楽器、スタイルやジャンルがあります。中国音楽は、ヨーロッパの影響を受けた音楽と同様に、1オクターブあたり12音（5 + 7 = 12）の音階を持つ五音音階-全音階です。 ^[49]

中世音楽の時代（500年から1400年）は、カトリック教会の礼拝にモノフォニック（単一の旋律線）の聖歌が導入されたことから始まった。音楽記譜法は古代ギリシャ文化で使用されていたが、中世に記譜法が導入されたのはカトリック教会が初めてであり、聖歌のメロディーを書き留めて、カトリック帝国全土で宗教音楽に同じメロディーを使用できるようにした。800年より前の書面の形で発見された唯一のヨーロッパ中世レパートリーは、カトリック教会のモノフォニックな典礼聖歌であり、その中心的な伝統はグレゴリオ聖歌と呼ばれていた。これらの宗教音楽と教会音楽の伝統と並んで、世俗歌（非宗教的な歌）の活気ある伝統が存在した。この時期の作曲家の例としては、レオナン、ペロタン、ギョーム・ド・マショー、ヴァルター・フォン・デア・フォーゲルヴァイデなどが挙げられます。^{[50] [51] [52] [53]}

ルネサンス音楽（ 1400年頃～ 1600年）は、宮廷恋愛など世俗的なテーマに重点が置かれていました。1450年頃に印刷機が発明され、印刷された楽譜のコストが大幅に下がり、大量生産が容易になりました（印刷機が発明される前は、記譜された楽譜はすべて手書きでした）。楽譜の入手しやすさが向上したことにより、音楽様式がより迅速かつ広い範囲に広まりました。音楽家や歌手は、教会、宮廷、町のために働くことが多かったです。教会の聖歌隊は規模を拡大し、教会は音楽の重要なパトロンであり続けました。15世紀半ばまでに、作曲家は、異なるメロディーラインが同時に織り交ぜられた、豊かなポリフォニーの宗教音楽を書きました。この時代を代表する作曲家には、ギヨーム・デュ・フェイ、ジョヴァンニ・ピエルルイジ・ダ・パレストリーナ、トーマス・モーリー、オルランド・ディ・ラッソ、ジョスカン・デ・プレなどがいます。音楽活動が教会から貴族の宮廷に移ると、王、女王、王子たちは最高の作曲家を求めて競い合うようになった。オランダ、ベルギー、フランスからは多くの一流作曲家が生まれ、彼らはフランコ・フランドルの作曲家と呼ばれている。^[54]彼らはヨーロッパ全土、特にイタリアで重要な地位を占めていた。音楽活動が活発だった他の国には、ドイツ、イギリス、スペインなどがある。

バロック音楽の時代は1600年から1750年までで、ヨーロッパでバロック芸術様式が開花した時期と一致しています。バロック時代の始まりは、最初のオペラの作曲によって特徴づけられました。ポリフォニックな 対位法音楽（別々の同時旋律線を持つ音楽）はこの期間中も重要でした。ドイツのバロック作曲家は、弦楽器、金管楽器、木管楽器を含む小編成のアンサンブル、合唱団、パイプオルガン、チェンバロ、クラヴィコードなどの鍵盤楽器のために作曲しました。この時期に音楽の複雑さが増しました。いくつかの主要な音楽形式が作られ、そのうちのいくつかは後の時代にも存続し、さらなる発展を遂げました。これらには、フーガ、インベンション、ソナタ、協奏曲が含まれます。^[55]後期バロック様式はポリフォニックに複雑で、装飾が豊富でした。バロック時代の重要な作曲家には、ヨハン・セバスチャン・バッハ（無伴奏チェロ組曲）、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル（メサイア）、ゲオルク・フィリップ・テレマン、アントニオ・ヴィヴァルディ（四季）などがいます。

古典派音楽（1730年から1820年）は、古代ギリシャとローマの芸術と哲学の重要な要素と見なされていたもの、すなわちバランス、比例、規律ある表現の理想を模倣することを目的としていた。（注：古典派音楽は、5世紀から2000年代までの西洋芸術音楽を指す一般的な古典派音楽と混同しないでください。古典派音楽には、古典派音楽も含まれる）。古典派音楽は、それ以前のバロック音楽に比べて、より軽妙で明快、かつかなりシンプルなテクスチャを持っている。主なスタイルはホモフォニーであり、^[56]主要なメロディーと従属的な和音の伴奏部分が明確に区別されている。古典的な器楽のメロディーは、ほとんど声のような歌いやすいものが多かった。新しいジャンルが開発され、現代のピアノの前身であるフォルテピアノが、バロック時代のハープシコードやパイプオルガンに代わって主要な鍵盤楽器となりました（ただし、パイプオルガンはミサなどの宗教音楽では引き続き使用されました）。

器楽音楽が重視されました。バロック時代に最初に定義された音楽形式、すなわちソナタ、協奏曲、交響曲のさらなる発展が主流でした。他の主な種類は、三重奏曲、弦楽四重奏曲、セレナーデ、ディヴェルティメントでした。ソナタは最も重要で、最も発展した形式でした。バロックの作曲家もソナタを書いていますが、ソナタの古典様式はまったく異なります。弦楽四重奏曲から交響曲や協奏曲まで、古典時代のすべての主要な器楽形式は、ソナタの構造に基づいています。室内楽やオーケストラで使用される楽器は、より標準化されました。バロック時代の通奏低音グループは、チェンバロ、オルガン、リュートに加えて、グループリーダーの裁量で選ばれたいくつかのベース楽器（例：ヴィオル、チェロ、テオルボ、セルパン）で構成されていましたが、クラシックの室内楽グループは、指定された標準化された楽器を使用しました（例：弦楽四重奏は、 2つのヴァイオリン、ヴィオラ、チェロで演奏されます）。バロック音楽の特徴である、通奏低音の鍵盤奏者やリュート奏者による即興のコード演奏の習慣は、1750年から1800年の間に徐々に衰退しました。^[57]

古典派時代になされた最も重要な変化の1つは、公開コンサートの発展でした。貴族は依然としてコンサートや作曲のスポンサーとして重要な役割を果たしていましたが、作曲家は女王や王子の常勤従業員でなくても生き残ることができるようになりました。クラシック音楽の人気の高まりにより、オーケストラの数と種類が増加しました。オーケストラコンサートの拡大に​​より、大規模な公共演奏スペースの建設が必要になりました。交響曲、バレエの伴奏、オペラやオラトリオなどの声楽と器楽の混合ジャンルを含む交響曲がより人気を博しました。^{[58] [59] [60]}

古典派の最も有名な作曲家は、カール・フィリップ・エマヌエル・バッハ、クリストフ・ヴィリバルト・グルック、ヨハン・クリスティアン・バッハ、ヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェン、フランツ・シューベルトです。ベートーヴェンとシューベルトは、ロマン主義へと移行し始めた古典派時代後期の作曲家とも考えられています。

19世紀のロマン派音楽（ 1820年頃～ 1900年）には、当時の文学や絵画のロマン派様式と共通する要素が多くありました。ロマン主義は、芸術的、文学的、知的運動であり、感情と個人主義を強調し、過去と自然すべてを讃美する特徴がありました。ロマン派音楽は、古典時代の厳格な様式や形式を超えて、より情熱的で劇的な表現力豊かな作品や歌曲へと発展しました。ワーグナーやブラームスなどのロマン派の作曲家は、音楽の感情表現と力を高め、より深い真実や人間の感情を描写しようとしました。交響詩では、作曲家は器楽音楽を使って物語を語り、イメージや風景を呼び起こそうとしました。一部の作曲家は、民俗音楽に触発された愛国的な管弦楽曲で国家主義的な誇りを宣伝しました。音楽の感情的および表現的な性質が伝統よりも優先されるようになりました。^[61]

ロマン派の作曲家たちは特異性を増し、音楽の文脈（文学など）、歴史（歴史上の人物や伝説）、あるいは自然そのものの中で、さまざまな芸術形式を探求するという融合主義をさらに推し進めた。ロマンチックな愛や憧れは、この時期に作曲された多くの作品でよく見られるテーマであった。古典派時代の形式的な構造が引き続き使用される場合もあったが（例えば、弦楽四重奏曲や交響曲で使用されたソナタ形式）、これらの形式は拡張され、変更された。多くの場合、既存のジャンル、形式、機能に対して新しいアプローチが模索された。また、新しい主題により適していると見なされた新しい形式も作成された。作曲家たちはオペラやバレエ音楽の開発を続け、新しいスタイルやテーマを探求した。^[38]

1800 年以降、ルートヴィヒ ヴァン ベートーヴェンとフランツ シューベルトによって発展した音楽は、より劇的で表現力豊かなスタイルを導入しました。ベートーヴェンの場合、有機的に発達した短いモチーフが、メロディーに代わる最も重要な作曲単位となりました (一例として、交響曲第 5 番で使用されている特徴的な 4 音の音型があります)。ピョートル イリイチ チャイコフスキー、アントニーン ドヴォルザーク、グスタフ マーラーなどの後期ロマン派の作曲家は、ドラマチックな緊張感を生み出すために、より珍しいコードと不協和音を使用しました。彼らは複雑で、多くの場合はるかに長い音楽作品を生み出しました。後期ロマン派の時代には、作曲家は拡張コードや変更コードなど、調性の劇的な半音階的変化を模索し、新しい音の「色」を生み出しました。19 世紀後半にはオーケストラの規模が劇的に拡大し、産業革命によってより優れた楽器が開発され、より力強いサウンドが生み出されました。公共のコンサートは裕福な都市社会の重要な部分となり、オペレッタ、ミュージカルコメディ、その他のミュージカル演劇など、劇場音楽の新たな多様性も生まれました。 ^[38]

19世紀には、新しい作品が一般に知られるようになった主な方法は楽譜の販売であり、中流階級のアマチュア音楽愛好家は自宅でピアノやバイオリンなどの一般的な楽器でそれを演奏した。20世紀の音楽では、ラジオ放送などの新しい電気技術の発明と蓄音機レコードの大量市場での入手可能性により、リスナーが（ラジオやレコードプレーヤーで）聞く録音が新しい歌や作品を知る主な方法となった。^{[62]ラジオの人気が高まり、}蓄音機が音楽の再生と配信に使用されたため、音楽を聴くことが大幅に増加した。ラジオやレコードプレーヤーを持っている人なら誰でも、自宅のリビングルームでオペラ、交響曲、ビッグバンドを聴くことができた。19世紀の間、楽譜に重点が置かれていたため、新しい音楽にアクセスできるのは、楽譜が読めてピアノなどの楽器を所有している中流階級や上流階級の人々だけだった。ラジオとレコードプレーヤーのおかげで、オペラや交響曲のコンサートのチケットを買う余裕のない低所得者もこれらの音楽を聴くことができるようになった。また、人々は、たとえそれらの場所まで旅行する余裕がなくても、国内のさまざまな地域、さらには世界のさまざまな地域の音楽を聴くことができました。これは、音楽のスタイルを広めるのに役立ちました。^[63]

20世紀の芸術音楽の特徴は、新しいリズム、スタイル、サウンドの探求でした。第一次世界大戦の惨禍は音楽を含む多くの芸術に影響を与え、作曲家たちはより暗く、より荒々しいサウンドを探求し始めました。ジャズやフォークミュージックなどの伝統的な音楽スタイルは、作曲家たちによってクラシック音楽のアイデアの源として使われました。イーゴリ・ストラヴィンスキー、アルノルド・シェーンベルク、ジョン・ケージは、20世紀の芸術音楽において影響力のある作曲家でした。録音の発明と音楽編集能力は、アクースマティック[ ^64]やミュージック・コンクレートと呼ばれる電子作曲の流派を含む、クラシック音楽の新しいサブジャンルを生み出しました。録音は、歌やバンドの録音を広く流通させることができたため、ポピュラー音楽のジャンルの発展に大きな影響を与えました。マルチトラック録音システムの導入は、バンドの演奏を録音する以上のことができるようになったため、ロック音楽に大きな影響を与えました。マルチトラックシステムを使用することで、バンドと音楽プロデューサーは楽器トラックとボーカルの多くのレイヤーをオーバーダビングし、ライブパフォーマンスでは不可能な新しいサウンドを作成することができます。^{[65] [66]}

ジャズは20世紀を通じて進化し、音楽の重要なジャンルとなった。後半にはロックも同様の進化を遂げた。ジャズは、20世紀初頭にアメリカ南部のアフリカ系アメリカ人コミュニティでアフリカとヨーロッパの音楽の伝統が融合して生まれたアメリカの音楽芸術である。このスタイルの西アフリカの血統は、ブルーノート、即興、ポリリズム、シンコペーション、スウィングノートの使用に明らかである。^[67]

ロック音楽は、 1950年代にロックンロール、ロカビリー、ブルース、カントリーミュージックから発展したポピュラー音楽のジャンルです。^[68]ロックのサウンドは、エレクトリックギターやアコースティックギターを中心に展開されることが多く、リズムセクションによって決められた力強いバックビートを使用します。ギターやキーボードに加えて、サックスやブルーススタイルのハーモニカがソロ楽器として使用されます。その「最も純粋な形」では、「3つのコード、力強く執拗なバックビート、そしてキャッチーなメロディーがあります。」^{[69]ポピュラー音楽の伝統的なリズムセクションは、リズムギター、エレクトリックベースギター、ドラムです。一部のバンドは、オルガン、ピアノ、または1970年代以降は}アナログシンセサイザーなどのキーボード楽器を使用しています。 1980年代には、ポップミュージシャンはDX-7シンセサイザーなどのデジタルシンセサイザー、 TR-808などの電子ドラムマシン、TB-303などのシンセベースデバイス、またはシンセベースキーボードを使い始めました。1990年代には、ますます幅広いコンピュータ化されたハードウェア音楽デバイスや楽器、ソフトウェア（デジタルオーディオワークステーションなど）が使用されるようになりました。2020年代には、ソフトシンセやコンピュータ音楽アプリにより、ベッドルームプロデューサーが自宅でエレクトロニックダンスミュージックなどの種類の音楽を作成および録音し、サンプリングされたデジタル楽器を追加して録音をデジタルで編集できるようになりました。1990年代には、ニューメタルなどのジャンルのバンドがバンドにDJを含め始めました。DJは、 DJミキサーを使用して録音された音楽を操作することで音楽を作成します。^{[70] [71]}

「作曲」とは、歌、器楽作品、歌と楽器の両方を使った作品、または別の種類の音楽を作成する行為または実践です。西洋のクラシック音楽を含む多くの文化では、作曲行為には楽譜「スコア」などの音楽記譜法の作成も含まれ、これは作曲者または他の歌手やミュージシャンによって演奏されます。ポピュラー音楽や伝統音楽では、作曲行為（通常はソングライティングと呼ばれます）には、メロディー、歌詞、コード進行を示すリードシートと呼ばれる曲の基本的なアウトラインの作成が含まれる場合があります。クラシック音楽では、作曲者は通常、自分の作品のオーケストラを編成しますが、ミュージカルやポップミュージックでは、ソングライターがオーケストラの編成のためにアレンジャーを雇うことがあります。場合によっては、ソングライターが記譜法をまったく使用せず、代わりに頭の中で曲を作曲し、それを記憶から演奏または録音することもあります。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏者による注目すべき録音は、クラシック音楽における楽譜と同等の重みを持つ。^{[72] [73]}

クラシック音楽のように音楽が比較的正確に記譜されている場合でも、記譜では音楽の要素がすべて正確に指定されているわけではないため、演奏者が下すべき決定は数多くあります。 以前に作曲され記譜された音楽をどのように演奏するかを決定するプロセスは、「解釈」と呼ばれます。 同じ音楽作品に対する異なる演奏者の解釈は、選択されるテンポ、演奏または歌唱スタイル、メロディーのフレージングの点で大きく異なる場合があります。 自分の音楽を発表する作曲家やソングライターは、他の人の音楽を演奏する人と同じように、自分の曲を解釈しています。 特定の時間と場所に存在する標準的な選択とテクニックの集合は、演奏実践と呼ばれますが、解釈は一般に演奏者の個々の選択を意味するために使用されます。^[74]

楽曲は多くの場合、音楽記譜法を使用し、作者は 1 人ですが、常にそうであるとは限りません。音楽作品には複数の作曲家が関わる場合があり、これはポピュラー音楽でバンドが共同で曲を書く場合や、ミュージカル劇場で 1 人がメロディーを書き、2 人目が歌詞を書き、3 人目が曲を編曲する場合によく発生します。ブルースなどの一部の音楽スタイルでは、作曲家/ソングライターが新しい曲や作品を音楽記譜法で書き留めることなく作成、演奏、録音する場合があります。楽曲は、歌手やミュージシャンがどのように音楽の音を作成するかを説明または記譜する言葉、画像、またはコンピューター プログラムで作曲されることもあります。例としては、グラフィック記譜法を使用する前衛音楽から、 「Aus den sieben Tagen」などのテキスト作品、楽曲の音を選択するコンピューター プログラムまで多岐にわたります。ランダム性と偶然性を多用した音楽は偶然性音楽と呼ばれ、^[75]ジョン・ケージ、モートン・フェルドマン、ヴィトルド・ルトスワフスキなど20世紀に活躍した現代作曲家に関連付けられています。偶然性に基づく音楽のよく知られた例としては、風に揺れる 風鈴の音があります。

作曲の研究は伝統的に西洋クラシック音楽の手法と実践の検討が中心であったが、作曲の定義は広く、ポピュラー音楽や伝統音楽の歌曲や器楽作品の創作だけでなく、フリージャズの演奏者やエウェ族のドラマーなどのアフリカの打楽器奏者による即興作品も含まれる。

演奏は、歌が歌われたり、ピアノ曲、ギターのメロディー、交響曲、ドラムビート、その他の音楽パートが演奏されたりするときに行われる、音楽の物理的な表現です。クラシック音楽では、作品は作曲家によって楽譜に書かれ、作曲家がその構造と楽器編成に満足したら演奏されます。しかし、演奏されるにつれて、歌や曲の解釈は進化し、変化する可能性があります。クラシック音楽では、楽器演奏者、歌手、指揮者が徐々に曲のフレージングやテンポを変更することがあります。ポピュラー音楽や伝統音楽では、演奏者は歌や曲の形式を変更する自由がよりあります。そのため、ポピュラー音楽や伝統音楽のスタイルでは、バンドがカバー曲を演奏する場合でも、ギターソロを追加したり、イントロを挿入したりするなどの変更を加えることができます。 ^[76]

演奏は、クラシック音楽、ジャズのビッグバンド、および多くのポピュラー音楽スタイルでは標準であるように、計画してリハーサル（練習）することも、小規模なジャズやブルースのグループでは標準であるように、コード進行（一連のコード）に合わせて即興で演奏することもできます。オーケストラ、コンサートバンド、合唱団のリハーサルは指揮者が主導します。ロック、ブルース、ジャズのバンドでは、通常、バンドリーダーが主導します。リハーサルとは、演奏者が歌や曲を正しく歌ったり演奏したりできるようになるまで、また、複数のミュージシャンが参加する歌や曲の場合は、リズムやチューニングの観点から各パートがまとまるまで、構造化された繰り返し演奏を行うことです。

多くの文化には、インドの古典音楽や西洋の芸術音楽の伝統など、ソロ演奏（一人の歌手または楽器奏者が演奏する）の強い伝統があります。バリ島などの他の文化では、グループ演奏の強い伝統があります。すべての文化には両方の混合が含まれており、演奏は即興のソロ演奏から、現代​​クラシックコンサート、宗教行列、クラシック音楽祭、音楽コンクールなどの高度に計画され組織化された演奏まで多岐にわたります。室内楽は、各タイプの楽器を1つまたは数個だけ使用する小編成のアンサンブルのための音楽であり、大規模な交響曲よりも親密な音楽と見なされることが多いです。^[77]

音楽の即興演奏は、多くの場合、既存の和音の枠組み、コード進行、またはリフに基づいて、即興で音楽を作り出すことである。即興演奏者は、コードの音符、各コードに関連付けられたさまざまなスケール、およびコードトーンでもコードに関連付けられた典型的なスケールでもない半音階の装飾音やパッシングトーンを使用する。音楽の即興演奏は、準備の有無にかかわらず行うことができる。即興演奏は、ブルース、ジャズ、ジャズフュージョンなどの一部の音楽の主要部分であり、楽器演奏者がソロ、メロディーライン、伴奏パートを即興で演奏する。^[78]

西洋の芸術音楽の伝統では、即興はバロック時代と古典派の時代に重要なスキルでした。バロック時代には、演奏者は装飾音を即興で演奏し、通奏低音の鍵盤奏者は数字付き低音記譜法に基づいて和音のボイシングを即興で演奏しました。同様に、トップクラスのソリストはプレリュードなどの曲を即興で演奏できることが期待されていました。古典派の時代には、ソロ演奏者や歌手はコンサート中に 名人芸のカデンツァを即興で演奏しました。

しかし、20世紀から21世紀初頭にかけて、西洋の芸術音楽の演奏が「一般的な慣習」として交響楽団、オペラハウス、バレエ団で制度化されるにつれ、即興演奏の役割は小さくなり、音楽家が演奏するための楽譜やパート譜に記譜される音楽が増えていった。同時に、20世紀と21世紀の芸術音楽の作曲家の中には、創作活動に即興演奏を取り入れる者も増えてきた。インドの古典音楽では、即興演奏は演奏の核となる要素であり、不可欠な基準である。

音楽は、美的喜び、宗教的または儀式的な目的、または市場向けの娯楽製品など、さまざまな目的で作曲され、演奏されます。古典派やロマン派の時代など、音楽が楽譜でしか入手できなかった時代、音楽愛好家はお気に入りの曲や歌の楽譜を購入し、自宅でピアノで演奏していました。蓄音機の出現により、楽譜ではなくポピュラーソングのレコードが、音楽愛好家がお気に入りの曲を楽しむ主な方法になりました。1980年代の家庭用テープレコーダーと1990年代のデジタル音楽の出現により、音楽愛好家はお気に入りの曲のテープまたはプレイリストを作成し、ポータブルカセットプレーヤーまたはMP3プレーヤーで持ち運ぶことができました。音楽愛好家の中には、お気に入りの曲のミックステープを作成する人もいます。これは、「自画像、友情のしるし、理想的なパーティーの処方箋... [そして] 最も熱烈に愛されているものだけで構成される環境」として機能します。^[79]

アマチュア音楽家は、自分の楽しみのために音楽を作曲したり演奏したりして、他の場所で収入を得ることができます。プロの音楽家は、軍隊（マーチングバンド、コンサートバンド、ポピュラー音楽グループ）、宗教機関、交響楽団、放送会社や映画制作会社、音楽学校などの機関や組織に雇用されています。プロの音楽家は、フリーランサーやセッションミュージシャンとして働き、さまざまな環境で契約や仕事を求めています。アマチュア音楽家とプロの音楽家の間には多くのつながりがあることがよくあります。初心者のアマチュア音楽家は、プロの音楽家からレッスンを受けます。地域社会では、上級のアマチュア音楽家は、地域のコンサートバンドや地域のオーケストラなど、さまざまなアンサンブルでプロの音楽家と一緒に演奏します。

ライブの観客に向けて演奏される音楽と、スタジオで演奏され、録音され、音楽小売システムや放送システムを通じて配信される音楽は区別されることが多い。しかし、観客の前でのライブ演奏が録音され、配信されるケースも数多くある。ライブコンサートの録音は、クラシック音楽でも、ロックなどのポピュラー音楽でも人気があり、違法に録音されたライブコンサートは音楽愛好家に高く評価されている。ジャムバンドの世界では、即興のライブジャムセッションがスタジオ録音よりも好まれている。^[80]

音楽記譜法とは、一般的に、記号を使用して紙に音符やリズムを記譜することを意味します。音楽が書き留められると、メロディーの音符など、音楽のピッチとリズムが記譜されます。音楽記譜法には、多くの場合、音楽の演奏方法の指示が示されています。たとえば、曲の楽譜には、曲が「スロー ブルース」または「ファスト スイング」であると記載されている場合があり、これはテンポとジャンルを示しています。記譜法を読むには、音楽理論、ハーモニー、および特定の曲または楽曲のジャンルに関連する演奏方法を理解している必要があります。

記譜法は、音楽のスタイルや時代によって異なります。今日では、記譜された音楽は楽譜として作成されますが、コンピュータの楽譜作成プログラムを持っている人の場合は、コンピュータ画面上の画像として作成されます。古代では、音楽記譜法は石板や粘土板に記されていました。^[37]記譜された音楽を演奏するには、歌手や楽器奏者は、記号に体現されたリズムとピッチの要素、および音楽作品やジャンルに関連付けられた演奏慣行を理解している必要があります。音楽の即興性が必要なジャンルでは、演奏者はコードの変更と曲の形式のみが書かれた楽譜から演奏することが多く、演奏者は音楽の構造、ハーモニー、およびジャズやカントリーミュージックなどの特定のジャンルのスタイルを十分に理解している必要があります。

西洋の芸術音楽では、最も一般的な記譜法は、アンサンブル曲のすべての音楽パートを含むスコアと、個々の演奏者または歌手の音楽記譜であるパー​​トである。ポピュラー音楽、ジャズ、ブルースでは、標準的な記譜法はリードシートであり、メロディー、コード、歌詞（ボーカル曲の場合）、音楽の構造が記譜される。ジャズではフェイクブックも使用され、リードシートまたは単にコードチャートで構成され、リズムセクションのメンバーがジャズソングの伴奏パートを即興で演奏できるようにする。スコアとパートは、ポピュラー音楽やジャズ、特にジャズの「ビッグバンド」などの大規模なアンサンブルでも使用される。ポピュラー音楽では、ギタリストやエレクトリックベース奏者は、ギターやベースの指板の図を使用して楽器で演奏する音符の位置を示すタブ譜（多くの場合「タブ」と略される）で記譜された音楽を読むことが多い。タブ譜はバロック時代に弦楽器リュートの音楽を記譜するために使われました。 ^[81]

伝統的なブルースやフォークミュージックなど、多くの種類の音楽は楽譜に書き留められておらず、演奏者の記憶の中に元々保存されており、歌はミュージシャンや歌手から別のミュージシャンや歌手に口頭で、または演奏者が「耳で」歌を学ぶ聴覚的に伝えられました。歌や曲の作曲者が不明の場合、この音楽は「伝統的」または「フォークソング」として分類されることがよくあります。異なる音楽の伝統は、元のソース素材にどのように、どこに変更を加えるかについて、非常に厳格なものから、音楽に即興や変更を要求するものまで、異なる態度を持っています。文化の歴史や物語も、歌を通じて耳で伝えられることがあります。^[82]

音楽にはさまざまな基本要素や要素があります。使用される「要素」の定義に応じて、ピッチ、ビートまたは脈動、テンポ、リズム、メロディー、ハーモニー、テクスチャー、スタイル、声の割り当て、音色または色、ダイナミクス、表現、アーティキュレーション、形式、構造が含まれます。音楽の要素は、オーストラリア、英国、米国の音楽カリキュラムで特に取り上げられています。3 つのカリキュラムはすべて、ピッチ、ダイナミクス、音色、テクスチャーを要素として特定していますが、その他の特定された音楽要素は、普遍的に同意されているとはほど遠いものです。以下は、「音楽の要素」の 3 つの公式バージョンの一覧です。

• オーストラリア：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクスと表現、リズム、形式と構造。^[83]
• 英国：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクス、持続時間、テンポ、構造。^[84]
• アメリカ：ピッチ、音色、テクスチャ、ダイナミクス、リズム、形式、ハーモニー、スタイル/アーティキュレーション。^[85]

英国のカリキュラムに関連して、2013年に「適切な音楽記譜法」という用語が要素リストに追加され、リストのタイトルが「音楽の要素」から「音楽の相互に関連する側面」に変更されました。音楽の相互に関連する側面は、ピッチ、持続時間、ダイナミクス、テンポ、音色、テクスチャ、構造、適切な音楽記譜法としてリストされています。^[86]

「音楽の要素」というフレーズは、さまざまな文脈で使用されています。最も一般的な2つの文脈は、「音楽の基本的要素」と「音楽の知覚的要素」として区別できます。^{[n 4]}

ピッチとは、私たちが聞くことのできる音の一側面であり、ある音楽の音、音符、またはトーンが別の音楽の音、音符、またはトーンよりも「高い」か「低い」かを反映しています。ピッチの高低については、より一般的な意味で話すことができます。たとえば、耳をつんざくような高いピッコロの音や口笛の音が、バスドラムの深い音よりも高い音として聞こえるのと同じです。また、音楽のメロディー、ベースライン、コードに関連する正確な意味でピッチについて話すこともできます。正確なピッチは、ノイズと区別できるほど明瞭で安定した周波数を持つ音でのみ判断できます。たとえば、ピアノで演奏された単一の音のピッチを聞き分けることは、叩かれたクラッシュシンバルのピッチを聞き分けるよりもはるかに簡単です。 ^[91]

メロディーは「曲」とも呼ばれ、連続して（次々に）鳴る一連の音高（音符）で、上昇と下降のパターンをとることが多い。メロディーの音符は通常、音階や旋法などの音高システムを使用して作成される。メロディーには、曲で使用されるコードの音符も含まれることが多い。単純なフォークソングや伝統曲のメロディーでは、特定の曲の主音またはキーに関連付けられた音階の音符のみを使用することがある。例えば、ハ長調（ハ長調とも呼ばれる）のフォークソングには、ハ長調スケールの音（ピアノ鍵盤上の「白鍵」であるC、D、E、F、G、A、B、Cの各音）のみを使ったメロディーが含まれることがある。一方、 1940年代のビバップ時代のジャズや、20世紀から21世紀の現代音楽では、多くの半音階（長調スケールの音に加えて、ピアノの半音階には「白鍵」と「黒鍵」を含む鍵盤上のすべての音や、全音階（ハ長調の全音階には、C、D、E、F ♯、G ♯、A ♯の音が含まれる）などの珍しい音階）を使ったメロディーが使用されることがある。コントラバス、エレクトリックベース、チューバなどの低音楽器で演奏される低音の音楽ラインは、ベースラインと呼ばれる。^[92]

ハーモニーとは、音楽におけるピッチの「垂直」な音のことで、同時に演奏または歌われてコードを作るピッチのことです。通常、これは音が同時に演奏されることを意味しますが、ハーモニーはハーモニー構造の輪郭を描くメロディーによっても暗示されることがあります (つまり、コードの音の輪郭を描くメロディー音を次々に演奏する)。1600 年から 1900 年にかけて書かれたほとんどのクラシック音楽や、西洋のポップ、ロック、伝統音楽のほとんどを含む、長調と短調の調性(「キー」) のシステムを使用して書かれた音楽では、曲のキーによって、曲が一般的に解決する「ホーム ノート」またはトニックと、使用されているスケールの特性 (メジャーまたはマイナーなど) が決まります。シンプルなクラシック曲や、多くのポップや伝統音楽の曲は、すべての音楽が単一のキーになるように書かれています。より複雑なクラシック、ポップ、伝統音楽の曲や作品には、2 つのキー (場合によっては 3 つ以上のキー) がある場合があります。ロマン派時代のクラシック音楽（1820年から1900年頃に作曲）には複数のキーが含まれることが多く、^[93]ジャズ、特に1940年代のビバップ・ジャズでは、曲のキーまたは「ホーム・ノート」が4小節ごと、あるいは2小節ごとに変わることもあります。^[94]

リズムとは、時間の中で音と沈黙を配置することです。拍子は、小節または小節と呼ばれる規則的な拍子のグループで時間を動かします。西洋のクラシック、ポピュラー、伝統音楽では、小節または小節では、多くの場合、2 つの音符 (例: 2/4 拍子)、3 つの音符 (例: 3/4 拍子、ワルツ拍子または 3/8 拍子とも呼ばれる)、または 4 つの音符 (例: 4/4 拍子) のセットで音符をグループ化します。歌や作品では、多くの場合 (常にではありませんが) 各グループの最初の拍に重点が置かれているため、拍子は聞き取りやすくなっています。注目すべき例外として、西洋のポップスやロックの多くで使用されるバックビートがあります。バックビートでは、4 つの拍子 (4/4 拍子または共通拍子と呼ばれる) で構成される小節を使用する歌では、 2 拍目と 4 拍目にアクセントが付きます。これは通常、ドラマーが、大きくて独特の音を出す打楽器であるスネアドラムを演奏します。ポップやロックでは、曲のリズムパートはリズムセクションによって演奏されます。リズムセクションには、コードを演奏する楽器（エレキギター、アコースティックギター、ピアノ、その他の鍵盤楽器など）、ベース楽器（通常はエレキベース、ジャズやブルーグラスなどの一部のスタイルではコントラバス）、ドラムキット奏者が含まれます。^[95]

音楽のテクスチャとは、楽曲や歌曲の全体的なサウンドのことです。楽曲や歌曲のテクスチャは、メロディ、リズム、ハーモニーの素材が作曲の中でどのように組み合わされているかによって決まり、楽曲のサウンドの全体的な性質を決定します。テクスチャは、密度、つまり厚さ、最低音と最高音の間の範囲、つまり幅に関して相対的に説明されることが多く、より具体的には、声部またはパートの数、およびこれらの声部間の関係によって区別されます (一般的なタイプについては以下を参照)。たとえば、厚いテクスチャには、多くの楽器の「層」が含まれます。1 つの層は、弦楽器セクションまたは別の金管楽器です。厚さは、楽器の量と豊かさによって影響を受けます。^{[96]テクスチャは、一般的に、音楽の}パートまたはラインの数とそれらの関係によって説明されます。

• モノフォニー: 楽器の伴奏もハーモニーパートもない単一のメロディー(または「曲調」) 。母親が赤ちゃんに子守唄を歌うのがその一例です。
• ヘテロフォニー: 2 つ以上の楽器または歌手が同じメロディーを演奏/歌うが、各演奏者がメロディーのリズムや速度をわずかに変えたり、メロディーに異なる装飾音を加えたりすること。2 人のブルーグラス フィドラーが同じ伝統的なフィドル曲を一緒に演奏する場合、通常、各自がメロディーをある程度変え、異なる装飾音を加えます。
• ポリフォニー: 複数の独立したメロディーラインが絡み合い、同時に歌われたり演奏されたりします。ルネッサンス音楽時代に書かれた合唱曲は、典型的にはこのスタイルで書かれました。 「 Row, Row, Row Your Boat 」のように、異なるグループの歌手がそれぞれ異なるタイミングで歌い始める曲であるラウンドは、ポリフォニーの一例です。
• ホモフォニー:和音の 伴奏に支えられた明瞭なメロディー。19世紀以降の西洋のポピュラー音楽の歌のほとんどはこの構造で書かれています。

多数の独立したパートを含む音楽（例：100 のオーケストラ楽器を伴奏し、多くの絡み合った旋律線を持つ二重協奏曲）は、一般的に、パート数が少ない作品（例：チェロ 1 本を伴奏とするフルート独奏の旋律）よりも「厚みのある」または「密度の高い」質感を持つと言われています。

音色は「色」や「音色」とも呼ばれ、声や楽器の質や音のことです。^[97]音色は、同じピッチと音量であっても、特定の音楽の音を他の音と異なるものにするものです。たとえば、440 Hz のAの音は、オーボエ、ピアノ、バイオリン、エレキギターで演奏すると異なって聞こえます。同じ楽器の異なる奏者が同じ音を演奏したとしても、楽器のテクニックの違い (例:アンブシュアの違い)、異なる種類のアクセサリー (例: 金管楽器奏者にはマウスピース、オーボエとファゴット奏者にはリード)、または弦楽器奏者の場合は異なる素材で作られた弦 (例:ガット弦とスチール弦) により、音が異なって聞こえる場合があります。2人の奏者が同じ楽器で同じ音を (次々に) 演奏した場合でも、楽器の演奏方法の違い (例: 2人の弦楽器奏者で弓の持ち方が異なる) により、音が異なって聞こえる場合があります。

音色の知覚を決定する音の物理的特性には、音符または楽音のスペクトル、エンベロープ、倍音が含まれます。エレキギター、エレキベース、エレキピアノなど、20 世紀に開発された電子楽器の場合、演奏者はイコライザーコントロールや楽器のトーンコントロールを調整したり、ディストーションペダルなどの電子エフェクトユニットを使用したりすることで、音色を変えることもできます。電気ハモンドオルガンの音色は、ドローバーを調整することで制御されます。

表現力とは、音楽において、主要なピッチを変えたり、メロディーや伴奏のリズムを大幅に変えたりせずに、音楽に変化を生み出す要素のことです。歌手や楽器奏者などの演奏者は、フレージングを加えたり、ビブラート（声やギター、バイオリン、金管楽器、木管楽器などの楽器）、ダイナミクス（楽曲全体またはその一部の音量や弱さ）、テンポの変動（リタルダンドやアッチェレランド、つまりテンポを遅くしたり速くしたり）などの効果を加えたり、終止符に休止やフェルマータを加えたり、音符のアーティキュレーションを変更したり（音符をより目立たせたりアクセントを付けたり、レガート（滑らかにつなげる）にしたり、音符を短くしたり）することで、歌や楽曲に音楽的な表現を加えることができます。

表現は、音程（抑揚、ビブラート、スライドなど）、音量（強弱、アクセント、トレモロなど）、持続時間（テンポの変動、リズムの変化、レガートやスタッカートなどの音符持続時間の変更など）、音色（例：声の音色を軽やかから響きのある声に変える）、そして時にはテクスチャ（例：ピアノ曲でより豊かな効果を得るためにベース音を2倍にする）の操作を通じて達成されます。したがって、表現は「気分、精神、性格などの表示」を伝えるためにすべての要素を操作するものと見なすことができ、^[98]そのため、音楽の独自の知覚要素として含めることはできませんが、^[99]音楽の重要な基本要素と見なすことができます。

音楽において、形式とは、歌や楽曲の全体的な構造や計画を表すものであり、 ^[100]セクションに分割された楽曲のレイアウトを表すものである。^[101] 20世紀初頭、ティン・パン・アレーの歌やブロードウェイ・ミュージカルの歌は、AABA 32小節形式であることが多く、Aセクションでは同じ8小節のメロディー（バリエーションあり）を繰り返し、Bセクションでは対照的なメロディーやハーモニーを8小節提供するものであった。1960年代以降、西洋のポップやロックの歌は、ヴァース・コーラス形式であることが多く、これはヴァースとコーラス（「リフレイン」）セクションのシーケンスで構成され、ほとんどのヴァースでは新しい歌詞が、コーラスでは歌詞が繰り返される。ポピュラー音楽では、しばしば連節形式が使用され、 12小節ブルースと組み合わせて使用​​されることもある。^[102]

『オックスフォード音楽事典』第10版で、パーシー・ショールズは音楽形式を「継続的な反復と継続的な変更という両極端の間の中庸を見つけるために考案された一連の戦略」と定義しています。^[103]西洋音楽の一般的な形式の例としては、フーガ、インヴェンション、ソナタ・アレグロ、カノン、連節、主題と変奏、ロンドなどがあります。

ショールズによれば、ヨーロッパのクラシック音楽には、単純二部音楽、単純三部音楽、複合二部音楽、ロンド、変奏曲付きアリア、フーガの6つの独立した形式しかなかったという（ただし、音楽学者アルフレッド・マンは、フーガは主に作曲方法であり、時には特定の構造的慣習を採用することがあると強調した。^[104]）。

作品が簡単にセクション単位に分割できない場合（詩、物語、プログラムから何らかの形式を借りている場合もありますが）、それは通し作曲であると言われています。これは、ファンタジア、前奏曲、狂詩曲、練習曲（または練習曲）、交響詩、バガテル、即興曲、または同様の作品でよく見られます。^[105]チャールズ・カイル教授は、形式と形式の詳細を「セクション的、発展的、または変奏的」に分類しました。^[106]

音楽哲学は音楽に関する基本的な疑問を研究する学問であり、形而上学や美学における疑問とも関連があります。疑問には次のようなものがあります。

• 音楽の定義は何ですか？（何かを音楽として分類するための必要条件と十分条件は何ですか？）
• 音楽と心の関係は何でしょうか?
• 音楽の歴史は世界について何を教えてくれるのでしょうか?
• 音楽と感情の関係は何でしょうか？
• 音楽における意味とは何でしょうか?

古代ギリシャ人などの古代では、音楽の美学はリズムとハーモニーの構成の数学的、宇宙論的側面を探求していた。18世紀には、焦点は音楽を聴く経験に移り、音楽の美しさと人間の楽しみ（快楽と享楽）についての疑問に移った。この哲学的変化の起源は、18世紀のアレクサンダー・ゴットリープ・バウムガルテン、続いてイマヌエル・カントにあるとされることもある。彼らの著作を通じて、感覚的知覚を意味する古代の「美学」という言葉は、今日のような意味合いを帯びるようになった。2000年代には、哲学者は美しさや楽しみ以外の問題を強調する傾向にある。たとえば、音楽の感情表現能力が前面に押し出された。^[107]

20世紀には、ピーター・キヴィ、ジェロルド・レビンソン、ロジャー・スクルートン、スティーブン・デイヴィスらが重要な貢献をした。しかし、多くの音楽家、音楽評論家、その他の非哲学者も音楽の美学に貢献してきた。19世紀には、音楽評論家で音楽学者のエドゥアルト・ハンスリックと作曲家のリヒャルト・ワーグナーの間で、音楽が意味を表現できるかどうかについて重要な論争が起こった。ハリー・パーチやカイル・ガンなどの他の音楽学者は、微分音音楽や代替音階の使用を研究し、普及させようとした。ラ・モンテ・ヤング、リース・チャタム、グレン・ブランカなどの現代の作曲家は、純正律と呼ばれる音階に大きな注目を払った。^{[108] [109] [110]}

音楽は感情、知性、心理に影響を与える力があるとよく考えられています。音楽は孤独を和らげたり、情熱をかき立てたりすることができます。哲学者 プラトンは『国家』の中で、音楽は魂に直接影響を与えると示唆しています。したがって、彼は理想的な体制では音楽は国家によって厳密に規制されるべきであると提案しています（第 7 巻）。^[111]古代中国の哲学者孔子は、音楽と儀式は相互に関連しており、自然と調和していると信じていました。彼は、音楽は天と地の調和であり、秩序は儀式の秩序によってもたらされ、社会において極めて重要な機能であると述べました。^[112]

現代の音楽心理学は、音楽的行動と経験を説明し理解することを目的としている。^[113]この分野とそのサブフィールドの研究は主に経験的であり、その知識は、人間の参加者の体系的な観察と相互作用によって収集されたデータの解釈に基づいて進歩する傾向がある。音楽心理学は、基本的な知覚と認知プロセスに焦点を当てているだけでなく、音楽の演奏、作曲、教育、批評、セラピー、さらには人間の適性、スキル、知性、創造性、社会的行動の調査など、多くの領域に実用的な関連性を持つ研究分野である。

音楽の認知神経科学は、音楽の根底にある認知プロセスに関与する脳ベースのメカニズムの科学的研究です。これらの行動には、音楽鑑賞、演奏、作曲、読書、執筆、および付随的な活動が含まれます。また、音楽の美学と音楽の感情の脳基盤にもますます関心が集まっています。この分野は、機能的磁気共鳴画像法(fMRI)、経頭蓋磁気刺激法(TMS)、脳磁図法(MEG)、脳波測定法(EEG)、陽電子放出断層撮影法(PET) などの技術を使用して、脳を直接観察することに頼っている点が特徴です。

認知音楽学は、音楽と認知の両方を理解することを目的として、音楽知識を計算的にモデル化することに関係する認知科学の一分野である。 ^[114]コンピュータモデルの使用は、理論を定式化しテストするための厳密でインタラクティブな媒体を提供し、人工知能と認知科学に根ざしている。^[115]

この学際的な分野では、脳内の言語と音楽の類似点などのトピックを調査します。ニューラルネットワークや進化プログラムなど、生物学にヒントを得た計算モデルが研究に含まれることがよくあります。^[116]この分野では、音楽の知識がどのように表現され、保存され、認識され、演奏され、生成されるかをモデル化しようとしています。適切に構造化されたコンピュータ環境を使用することで、これらの認知現象の体系的な構造を調査できます。^[117]

心理音響学は、音知覚に関する科学的研究です。より具体的には、音（音声や音楽を含む）に関連する心理的および生理学的反応を研究する科学の分野です。さらに、心理物理学の分野として分類することもできます。

進化音楽学は、「音楽の起源、動物の歌の問題、音楽進化の根底にある選択圧」、および「音楽進化と人類進化」に関係している。^[118]進化論の文脈で音楽の知覚と活動を理解しようとする。チャールズ・ダーウィンは、音楽は適応的優位性を持ち、原言語として機能した可能性があると推測し、^[119]この見解は、音楽進化に関するいくつかの競合する理論を生み出した。^{[120] [121] [ページが必要] [122]別の見解では、音楽は}言語進化の副産物であり、適応機能を提供しない感覚を喜ばせる一種の「聴覚チーズケーキ」であると見なされている。^[123]この見解は、多くの音楽研究者によって直接反論されている。^{[124] [125] [126]}

個人の文化や民族性は、好み、感情的反応、音楽的記憶など、音楽認知に影響を与えます。音楽の好みは、幼少期から文化的に馴染みのある音楽の伝統に偏っており、成人が楽曲の感情を分類する際には、文化特有の特徴と普遍的な構造的特徴の両方に依存します。^{[127] [128]}さらに、個人の音楽記憶能力は、文化的に馴染みのない音楽よりも、文化的に馴染みのある音楽の方が優れています。^{[129] [130]}

1930 年代に心理音響学の研究が始まって以来、音楽の要素のリストのほとんどは、音楽を演奏したり研究したりする方法を学ぶ方法よりも、音楽を聴く方法に関連しています。CE シーショアは、著書「音楽の心理学」^[131]で、 4 つの「音の心理的属性」を特定しました。これらは、「ピッチ、音量、時間、音色」です (p. 3)。彼はこれらを「音楽の要素」とは呼ばず、「要素コンポーネント」と呼んでいます (p. 2)。それでも、これらの要素コンポーネントは、最も一般的な 4 つの音楽要素と正確にリンクしています。「ピッチ」と「音色」は正確に一致し、「音量」はダイナミクスとリンクし、「時間」はリズム、持続時間、テンポなどの時間ベースの要素とリンクしています。この「音楽の要素」という語句の使用法は、ウェブスター新20世紀辞典における要素の定義「既知の方法ではより単純な形に分割できない物質」^[132]とより密接に関連しており、教育機関の要素リストも一般的にこの定義と一致しています。

「音楽の基本要素」のリストを作成する人は、個人的 (または組織的) な優先順位に応じてリストを変えることができますが、音楽の知覚要素は、意図した音楽効果を達成するために独立して操作できる個別の要素の確立された (または実証された) リストで構成されている必要があります。この段階では、この分野ではまだ研究を行う必要があるようです。

音楽の要素の特定にアプローチする少し異なる方法は、「音の要素」をピッチ、持続時間、音量、音色、音の質感、空間的位置として特定し、^[133]次に「音楽の要素」を音、構造、芸術的意図として定義することです。^[133]

民族誌的研究は、音楽が参加型のコミュニティベースの活動であることを示している。^{[134] [135]音楽は、一人でいるときから大規模なコンサートに出席して}音楽コミュニティを形成するまで、さまざまな社会的状況で個人によって体験されるが、これは個人の意志や偶然の機能として理解することはできず、共通の価値観を共有する商業的および非商業的な参加者の両方が含まれる。音楽の演奏は、異なる文化や社会経済的環境で異なる形をとる。

ヨーロッパと北米では、どのような種類の音楽が「ハイカルチャー」とみなされ、「ローカルチャー」とみなされるかが分かれていた。「ハイカルチャー」には、バロック、クラシック、ロマン派、近代の交響曲、協奏曲、ソロ作品が含まれ、通常はコンサートホールや教会で、観客が静かに座って行われる正式なコンサートで聞かれる。ジャズ、ブルース、ソウル、カントリーなどの他の種類の音楽は、バー、ナイトクラブ、劇場で演奏されることが多く、観客はそこで飲んだり、踊ったり、歓声を上げたりできる。20 世紀までは、「ハイ」と「ロー」の音楽形式を分けることは、「芸術音楽」とバーやダンスホールで聞かれるポピュラー音楽を区別する有効な区別として受け入れられていた。デイビッド ブラケットなどの音楽学者は、20 世紀に「ハイとローの文化美的境界線が再描画された」と指摘している。^[136]そして、「業界や公共の言説が音楽のカテゴリーと人々のカテゴリーを結び付けると、ステレオタイプと実際のリスナーコミュニティが混同される傾向があります。」^[136]ステレオタイプは、さまざまな種類の音楽の演奏者や聴衆の 社会経済的地位、または社会階級に基づく場合があります。

作曲家が慣習を破る音楽スタイルを導入すると、学者やその他からの強い抵抗を受けることがあります。後期ベートーヴェンの弦楽四重奏曲、ストラヴィンスキーのバレエ音楽、セリアリズム、ビバップ、ヒップホップ、パンク ロック、エレクトロニカなどは、初めて導入されたときには物議を醸し、批判されました。このようなテーマは、社会学、メディア研究、または音楽の各学部で追求され、民族音楽学と密接に関連している、音楽社会学 (社会音楽学と呼ばれることもあります) で研究されます。

女性は歴史を通じて、作曲家、作詞家、楽器演奏者、歌手、指揮者、音楽学者、音楽教育者、音楽評論家/音楽ジャーナリスト、その他の音楽関係の職業人として、音楽において重要な役割を果たしてきた。2010年代には、ポピュラー音楽やクラシック音楽の歌手や作詞家（多くはシンガーソングライター）のかなりの割合を女性が占めている一方で、女性のレコードプロデューサー、ロック評論家、ロック楽器奏者は少数である。中世から現代に至るまで、クラシック音楽には膨大な数の女性作曲家がいるにもかかわらず、一般的に演奏されるクラシック音楽のレパートリー、音楽史の教科書、音楽百科事典には女性作曲家が著しく過小評価されている。例えば、Concise Oxford History of Musicでは、クララ・シューマンは言及されている数少ない女性作曲家の一人である。

クラシック音楽の楽器ソリストのかなりの割合を女性が占めており、オーケストラにおける女性の割合も増加している。しかし、2015年にカナダの主要オーケストラの協奏曲ソリストに関する記事によると、モントリオール交響楽団のソリストの84%は男性だった。2012年には、トップランクのウィーン・フィルハーモニー管弦楽団の女性は依然としてわずか6%だった。ロックやヘビーメタルなどのポピュラー音楽のジャンルでは、女性が楽器奏者になることはそれほど一般的ではないが、著名な女性楽器奏者や女性だけのバンドは数多く存在する。エクストリームメタルのジャンルでは、特に女性が少ない。^[137] 1960年代のポップミュージック界では、「音楽業界のほとんどの側面と同様に、[1960年代には]作詞作曲は男性優位の分野でした。ラジオには多くの女性歌手がいたものの、女性は主に消費者として見られていました。歌うことは少女にとって許容される娯楽である場合もありましたが、楽器を演奏したり、曲を書いたり、レコードを制作したりすることは決して行われていませんでした。」^[138]若い女性は「自分たちを[音楽]を創造する人々として見るように社会化されていませんでした。」^[138]

オーケストラの指揮、音楽評論/音楽ジャーナリズム、音楽制作、音響工学の分野でも女性は少ない。19世紀には女性の作曲は奨励されず、女性の音楽学者はほとんどいないが、女性は音楽教育に関わるようになり、「19世紀後半から20世紀に入っても、この分野は女性が支配するほどだった」^{[139] 。}

ロンドンのインディペンデント紙の音楽記者ジェシカ・デュッチェンによると、クラシック音楽の女性音楽家は「才能よりも容姿で判断されることが多すぎる」ため、「ステージ上や写真でセクシーに見えなければならない」というプレッシャーに直面している。^[140]デュッチェンは、「容姿で演奏することを拒否する女性音楽家もいるが、そうする女性音楽家の方が物質的に成功する傾向がある」と述べている。^[140]イギリスのラジオ3編集者エドウィナ・ウォルステンクロフトによると、音楽業界は長い間、女性が演奏やエンターテイメントの役割を担うことに寛容であったが、女性がオーケストラの指揮者などの権威ある地位に就く可能性は非常に低いという。^[141]ポピュラー音楽では、多くの女性歌手が歌を録音しているが、録音プロセスを指揮し管理する音楽プロデューサーとしてオーディオコンソールの後ろで活動する女性は非常に少ない。^[142]最も多くレコーディングされたアーティストの一人は、ヒンディー語映画のプレイバックシンガーとして最もよく知られているインドの歌手、アシャ・ボスレーです。 ^[143]

20 世紀以降、ライブ音楽はラジオ、テレビ、インターネットで放送されるようになり、またCD プレーヤーや MP3 プレーヤーで録音して聴くことも可能になりました。

20世紀初頭（1920年代後半）にトーキー映画が出現し、録音済みの音楽トラックが使われるようになると、映画館のオーケストラ音楽家が失業するケースが増えていった。^[145] 1920年代には、オーケストラ、ピアニスト、劇場のオルガン奏者による生演奏が初公開の劇場でよく行われていた。^[146]トーキー映画の登場により、こうした目玉となる演奏はほぼ廃止された。アメリカ音楽家連盟（AFM）は、生演奏のミュージシャンを機械式演奏装置に置き換えることに抗議する新聞広告を出した。1929年にピッツバーグ・プレス紙に掲載された広告には、「缶詰音楽 / 大きな騒音ブランド / 知的または感情的な反応を一切引き起こさないことが保証されています」と書かれた缶の画像が掲載されている。^[147]

ライブパフォーマンスでは、事前に録音された音が取り入れられることもあります。たとえば、ディスクジョッキーはスクラッチにディスクレコードを使用し、20世紀の作品の中には、テープ上に事前に録音された音楽に合わせて演奏される楽器または声のソロがあるものもあります。一部のポップバンドは、録音されたバッキングトラックを使用します。コンピューターや多くのキーボードは、MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ) 音楽を制作および演奏するようにプログラムできます。カラオケに参加することで、観客がパフォーマーになることもできます。カラオケは、有名な曲の音声を省いたバージョンを再生する機器を中心とした、日本発祥のアクティビティです。ほとんどのカラオケマシンには、演奏されている曲の歌詞を表示するビデオスクリーンも付いており、パフォーマーは楽器のトラックに合わせて歌いながら歌詞を追うことができます。

インターネットの出現と高速ブロードバンドの普及により、ストリーミング ビデオによる音楽の録音へのアクセスが容易になり、消費者の音楽の選択肢が大幅に増えたことなどにより、音楽体験は一変しました。インターネットのもう 1 つの効果は、YouTube やソーシャル ネットワーキング サービスである Facebook などのオンライン コミュニティやソーシャル メディアウェブサイトによってもたらされました。これらのサイトにより、志望の歌手やアマチュア バンドは、自分の曲のビデオを配布したり、他のミュージシャンとつながったり、聴衆の関心を集めたりすることが容易になりました。プロのミュージシャンも、YouTube をプロモーション マテリアルの無料パブリッシャーとして利用しています。たとえば、YouTube ユーザーは、MP3 をダウンロードして聴くだけでなく、積極的に独自の MP3 を作成しています。ドン タプスコットとアンソニー D. ウィリアムズの著書「Wikinomics」によると、従来の消費者の役割から、コンテンツの作成と消費の両方を行う消費者である「プロシューマー」の役割への移行が起こっています。音楽におけるこの変化の現れには、ファンによるマッシュ、リミックス、ミュージック ビデオの制作などがあります。 ^[148]

北米やヨーロッパでは、幼稚園から高等教育まで、一般教育に音楽を取り入れることが一般的である。音楽を演奏したり歌ったりすることは、集中力、数を数えること、聞くこと、協力することなどの基本的なスキルを教え、同時に言語理解を促進し、情報を思い出す能力を向上させ、他の分野での学習に適した環境を作り出すと考えられている。^{[149]小学校では、子供たちは}リコーダーなどの楽器の演奏、小合唱団での歌唱、西洋芸術音楽や伝統音楽の歴史について学ぶことが多い。小学生の中には、ポピュラー音楽のスタイルを学ぶ子供もいる。宗教学校では、子供たちは賛美歌やその他の宗教音楽を歌う。中学校（小学校でもあまり一般的ではないが）では、生徒は合唱団（歌手のグループ）、マーチングバンド、コンサートバンド、ジャズバンド、オーケストラなど、いくつかのタイプの音楽アンサンブルで演奏する機会がある。一部の学校システムでは、楽器の演奏方法に関する音楽レッスンが提供される場合がある。生徒の中には、放課後に歌の先生や楽器の先生から個人音楽レッスンを受ける人もいます。アマチュアミュージシャンは通常、基本的な音楽の基礎（音階やリズムの記譜法の学習など）と、初級から中級レベルの歌唱や楽器演奏のテクニックを学びます。

大学レベルでは、ほとんどの芸術・人文科学プログラムの学生は、いくつかの音楽コースを受講することで単位を取得できます。これらのコースは通常、音楽史の概要コース、または音楽を聴いてさまざまな音楽スタイルについて学ぶことに重点を置いた音楽鑑賞コースの形をとります。さらに、ほとんどの北米およびヨーロッパの大学には、芸術・人文科学の学生が参加できる、合唱団、マーチングバンド、コンサートバンド、オーケストラなどの何らかの種類の音楽アンサンブルがあります。西洋芸術音楽の研究は、インドネシアのジョグジャカルタにあるインドネシア芸術大学や、韓国、日本、中国などのアジア諸国で提供されているクラシック音楽プログラムなど、北米とヨーロッパ以外でもますます一般的になっています。同時に、西洋の大学はカリキュラムを拡大し、アフリカやバリ島の音楽（ガムラン音楽など）など、非西洋文化の音楽を取り入れています。

プロのミュージシャン、歌手、作曲家、作詞家、音楽教師、音楽史の教授、音響エンジニアなど、音楽に関連する他の職業に就くことを目指す人は、大学や音楽学校が提供する専門的な高等教育プログラムで学びます。音楽業界でのキャリアを目指す人材を育成する一部の機関では、幅広い職業のトレーニングを提供しており、米国のトップクラスの大学の多くでは、音楽演奏（歌唱や楽器演奏を含む）、音楽史、音楽理論、作曲、音楽教育（小学校や高校の音楽教師を目指す人向け）、場合によっては指揮の学位を提供しています。一方、小規模な大学では、単一の職業（例：録音）のトレーニングのみを提供している場合があります。

大学や音楽院の音楽プログラムの大半は、クラシック音楽の教育に重点を置いているが、ジャズやポピュラー音楽のミュージシャンや作曲家としてのキャリアを目指すミュージシャンを養成する大学やカレッジもあり、米国の著名な例としては、マンハッタン音楽学校やバークリー音楽大学などがある。カナダでプロのジャズ教育を提供する学校は、マギル大学とハンバーカレッジの2校である。ヘビーメタル、カントリーミュージック、ブルースなど、一部の音楽分野でのキャリアを目指す人は、学位やディプロマを取得してもプロになることは少ない。その代わりに、バンドで歌ったり演奏したり（アマチュアバンド、カバーバンド、トリビュートバンドから始めることが多い）、DVDやインターネットの録音を研究したり、非公式の指導や定期的な音楽レッスンを通じて、同じ音楽スタイルで既に地位を確立しているプロフェッショナルと一緒に仕事をしたりすることで、自分の音楽スタイルについて学ぶのが一般的である。 2000年代以降、インターネットフォーラムやYouTubeの「ハウツー」動画の人気が高まり、利用できるようになったことで、メタル、ブルースなどのジャンルの歌手やミュージシャンはスキルを向上できるようになった。多くのポップ、ロック、カントリー歌手は、ボーカルコーチやボイストレーナーから非公式にトレーニングを受けている。^{[150] [151]}

音楽学は、音楽の学問であり、大学や音楽学校で学ばれる。19世紀の最も初期の定義では、音楽学には体系的音楽学、歴史音楽学、比較音楽学または民族音楽学という3つの分野が定義されている。2010年代の学問では、音楽理論、音楽史、民族音楽学に分かれていることが多い。音楽学の研究は、例えば音響心理学の分野など、学際的な研究によって豊かになることが多い。非西洋文化の音楽の研究、および音楽の文化研究は、民族音楽学と呼ばれる。学生は、学士、修士、博士など、さまざまな種類の学位を通じて、音楽学、民族音楽学、音楽史、音楽理論の研究を追求することができる。^{[152] [153] [154]}

音楽理論は、一般的には他の分野から離れて高度に技術的な方法で行われる音楽の研究である。より広義には、音楽のあらゆる研究を指し、通常は何らかの形で作曲に関連し、数学、物理学、人類学を含む場合がある。音楽理論の初級クラスで最も一般的に教えられているのは、慣習音楽、つまり調性音楽のスタイルで作曲するためのガイドラインである。慣習音楽の理論であっても、他の形をとることがある。^[155] 音楽集合論は、数学的集合論を音楽に適用したもので、最初は無調音楽に適用された。分析音楽理論とは対照的に、思索的音楽理論は、一般的に作曲の準備として、たとえば調律システムなどの音楽素材の分析と統合に専念している。^[156]

動物音楽学は、人間以外の動物の音楽、または人間以外の動物が発する音の音楽的側面を研究する学問です。ジョージ・ヘルツォーク (1941) は「動物には音楽があるか?」と問いました。フランソワ・ベルナール・マッシュの「音楽、神話、自然、またはアリオンの王太子」(1983) は、ニコラ・ルウェの「言語、音楽、詩」 (1972)のパラダイム的セグメンテーション分析の手法を使用した「鳥類音楽学」の研究で、鳥の鳴き声が反復-変換の原理に従って構成されていることを示しています。ジャン＝ジャック・ナティエ（1990）は、「結局のところ、その音が人間由来でなくても、何が音楽で何が音楽でないかを決めるのは人間である。音が単にその作り手によって組織化され概念化される（つまり、音楽を形成する）のではなく、それを知覚する心によって組織化され概念化されることを認めるならば、音楽は人間特有のものである」と主張している。^[157]

西洋では、教えられている音楽史の多くは、西洋文明の芸術音楽、いわゆるクラシック音楽に関するものです。西洋以外の文化における音楽史 (「ワールド ミュージック」または「民族音楽学」の分野) も、西洋の大学で教えられています。これには、西ヨーロッパの影響下ではないアジア諸国の記録に残るクラシック音楽の伝統や、さまざまな他の文化の民族音楽や土着音楽が含まれます。西洋以外の国々のポピュラー音楽や民族音楽のスタイルは、文化や時代によって異なります。文化が異なれば、強調される楽器、技法、歌唱スタイル、音楽の用途も異なります。音楽は、娯楽、儀式、儀礼、宗教目的、実用的および芸術的なコミュニケーションに使用されてきました。西洋以外の音楽は、文化大革命中の京劇のように、プロパガンダ目的にも使用されてきました。

非西洋音楽には多くの音楽分類があり、その多くは音楽の定義をめぐる議論に巻き込まれています。その中でも最も大きな分類は、クラシック音楽 (または「芸術」音楽) とポピュラー音楽 (または商業音楽- 非西洋のロック、カントリー、ポップ ミュージック関連のスタイルを含む) の区分です。一部のジャンルは、これらの「2 大」分類の 1 つにうまく当てはまりません (フォーク ミュージック、ワールド ミュージック、ジャズ関連の音楽など)。

世界の文化がグローバルな接触を持つようになると、その固有の音楽スタイルが他のスタイルと融合し、新しいスタイルが生まれることが多くなった。たとえば、米国のブルーグラススタイルには、アングロアイルランド、スコットランド、アイルランド、ドイツ、アフリカの楽器とボーカルの伝統の要素が含まれており、米国の多民族の「るつぼ」社会で融合することができた。ワールド ミュージックの中には、西洋以外の固有のスタイルと西洋のポップ ミュージックの要素が混ざったものもある。音楽のジャンルは、実際の音楽だけでなく、伝統と表現によっても決まる。ジョージ ガーシュインの「ラプソディ イン ブルー」のような作品は、ジャズとクラシック音楽の両方に属し、ガーシュインの「ポーギーとベス」やレナード バーンスタインの「ウエスト サイド物語」は、オペラとブロードウェイ ミュージカルの伝統の両方に属している。西洋以外の音楽の音楽祭の多くには、ワールド ミュージックなどの特定の音楽ジャンルのバンドや歌手が出演する。^{[158] [159]}

たとえば、インド音楽は最も古く、最も長く続いている音楽の1つであり、南アジアだけでなく国際的にも（特に1960年代以降）広く聞かれ、演奏されています。インド音楽には主に、ヒンドゥスターニー、カルナータカ、ドゥルパドの3つの形式の古典音楽があります。また、南インドで有名なタラヴァディヤ演奏など、打楽器音楽のみを含むスタイルのレパートリーも豊富です。

音楽療法は、訓練を受けたセラピストが音楽とそのあらゆる側面（身体的、感情的、精神的、社会的、美的、精神的な側面）を利用して、クライアントの健康を改善または維持する対人関係のプロセスです。クライアントのニーズは、音楽を通じて直接対処される場合もあれば、クライアントとセラピストの間に築かれる関係を通じて対処される場合もあります。音楽療法は、精神障害、医学的問題、身体障害、感覚障害、発達障害、薬物乱用問題、コミュニケーション障害、対人関係の問題、老化など、さまざまな年齢のさまざまな症状の人に使用されます。また、学習の改善、自尊心の構築、ストレスの軽減、身体運動のサポート、その他の健康関連活動の促進にも使用されます。音楽療法士は、クライアントに歌ったり、楽器を演奏したり、曲を作ったり、その他の音楽活動をするように勧める場合があります。

10世紀、哲学者アル＝ファラビーは、声楽が聴く人の感情や魂を刺激する方法について説明しました。^[160]音楽は長い間、人々が感情に対処するのを助けるために使われてきました。17世紀、学者ロバート・バートンの『憂鬱の解剖学』は、音楽とダンスが精神疾患、特に憂鬱症の治療に重要であると主張しました。^[161]彼は、音楽には「他の多くの病気を追い払う優れた力」があり、「絶望と憂鬱に対する最高の治療薬」と呼びました。彼は、古代にロードスのバイオリン弾きのカヌスが音楽を使って「憂鬱な人を陽気にし、恋人をより夢中にさせ、宗教的な人をより敬虔にした」と指摘しました。^{[162] [163] [164]}オスマン帝国では、精神疾患は音楽で治療されていました。^[165] 2006年11月、マイケル・J・クロフォードと彼の同僚も音楽療法が統合失調症患者に効果があることを発見した。^{[166] [167]}

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• Grove Music Online — online version of The New Grove Dictionary of Music and Musicians.
• All ten volumes of the Garland Encyclopedia of World Music (subscription required)
• Dolmetsch free online music dictionary, complete, with references to a list of specialised music dictionaries (by continent, by instrument, by genre, etc.)
• Some books on music by Carl Van Vechten (1880-1964)