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パフォーマンス詩とは、観客の前でのパフォーマンスのために、あるいはパフォーマンス中に特別に創作された詩のことです。そのスタイルやジャンルは多岐にわたります。
パフォーマンス詩という現象、つまり 観客の前でパフォーマンスのために特別に作られ、パフォーマンス中に披露される詩は、ダダに遡るが、その用語自体は後になってから登場した。1916年6月23日、フーゴ・バルはチューリッヒのキャバレー・ヴォルテールで、最初のサウンドポエムの一つである「ガジ・ベリ・ビンバ」を、段ボールの衣装を着てステージに運ばれるという形で披露した。[ 1 ] したがって、パフォーマンス詩の実際の発祥地はチューリッヒである。それ以来、クルト・シュヴィッタースによる有名な「ウルソナタ」の朗読から、ドイツの詩人エルンスト・ヤンドルによる「オットーのパグ」の朗読、そしてナティアス・ノイテルトの「ディオゲネス・シノプシス」のように即興のスピーチ、身振り、演劇性を混ぜ合わせたタイプのパフォーマンスまで、その範囲は広がっている。[ 2 ]
パフォーマンス詩という用語は、1980年代のパフォーマンス詩人ヘドウィグ・ゴルスキーを紹介する初期のプレスリリースに由来する。彼女の音声録音は、世界中のスポークンワードラジオ番組で成功を収めた。 [ 3 ]彼女のバンド、イースト・オブ・エデン・バンドは、音楽と詩のコラボレーションを制作し、彼女のライブラジオ放送録音のカセットテープが、一部のラジオ局で人気のアンダーグラウンド音楽録音とローテーションで流れるようにした。美術学校を卒業したゴルスキーは、テキストベースのボーカルパフォーマンスを、パフォーマンスアート、特に当時音楽と共演していたローリー・アンダーソンなどのパフォーマンスアーティストの作品と区別する用語を考え出そうとした。
パフォーマンス詩人は、絵画や彫刻といった視覚芸術のジャンルから生まれたパフォーマンスアーティストよりも、詩作において修辞的、哲学的表現に重きを置いていた。ゴルスキーの隔週コラム「リテラ」を掲載していたオースティン・クロニクル紙は、1982年にはすでにゴルスキーと作曲家ジャルマ・ガルニエ3世の作品を「パフォーマンス詩」と表現していた。しかし、ゴルスキー自身は、ウィリアム・バロウズが普及させたカットアップ手法やコンセプチュアル・アートの手法を用いた1978年の「ネオ・バース・ドラマ」であり「5人の声によるコンセプチュアル・スポークン・ポエトリー」である『ブービー、ママ！』をこの言葉で表現し始めた。[ 4 ]
全米芸術基金は、パフォーマンスアートを視覚芸術審査委員会のカテゴリーに分類しました。当初、パフォーマンス詩は演劇のカテゴリーに分類されていましたが、21世紀に入って文学に修正されました。多くのパフォーマンス詩人は出版物を持っていなかったため、以前の分類ではパフォーマンス詩人は全米芸術基金のフェローシップ資金や評価を受ける資格がありませんでした。彼らのオーディオカセットは、文学助成金の審査のためのサンプル資料として受け入れられませんでした。このプレゼンテーション方法に対する異議として、紙にテキスト化されたパフォーマンス詩は、印刷出版用に書かれた詩と競争できないという抗議がありました。全米芸術基金は現在、詩のフェローシップ申請者の出版確認のために、印刷版のない詩のオーディオ録音を含む、さまざまなプレゼンテーションを受け入れています。音楽を伴うパフォーマンス詩は、パフォーマンスアートが1970年代にピークを迎えたのと同様に、1980年代にピークを迎えました。
当時、サンフランシスコとニューヨークがこの種の活動の中心地でしたが、テキサス州オースティン（サードコースト）も1980年代に活気のあるシーンを擁し、ラウルサリナス、コンスタンティン・K・クズミンスキー、ジョイ・コール、ヘドウィグ・ゴルスキー、ロキシー・ゴードン、リカルド・サンチェス、そして全米図書賞にノミネートされたハリエット・マレンといった個性的な面々が集まっていました。公共芸術プロジェクトであるオースティン詩人オーディオアンソロジープロジェクトは、ラジオ放送用に彼らの作品を録音しました。しかし、他にも多くの詩人がおり、ヘドウィグ・ゴルスキーはかつて「リテラ」誌で、一部の詩人は「不気味」だと書いています。この言葉は、イースト・オブ・エデン・バンドの楽曲「There's Always Something That Can Make You Happy」におけるゴルスキーの歌声を評した新聞評論家の一人が使った言葉です。パフォーマンス詩が詩の一派へと発展した当時、オースティン地域の活気ある文学シーンで活躍した他のパフォーミング・ライターには、パット・リトルドッグ、エレノア・クロケット、ジム・ライアン、チャック・テイラー、グレッグ・ゴーントナー、アルバート・ハフスティックラー、W・ジョー・ホップ、アンディ・クラウセン、詩人であり劇作家でもあるイザベラ・ラッセル＝アイズ（『Getting Dangerously Close To Myself』、スラウ・プレス）、そしてデイヴィッド・ジュエルなどがおり、その多くはヘドウィグ・ゴルスキーのオーディオ・アンソロジー・プロジェクトに収録されている。
ジュエルは、前述の詩人たちよりも若く、ギンズバーグ、コルソ、ゲイリー・スナイダーなどと強い繋がりを持つゴルスキーのようにビートに深く根ざした詩人ではない、過渡期の人物として特筆に値する。1990年代までに、一般の詩の読者は1950年代と1960年代のビート詩人への関心を失っていた。彼らは、より新鮮で、より新しく、よりヒップで、自分たちが生きている時代により近い何かを求めていた。パフォーマンス詩人たちは、後に新興のスラム詩シーンの舞台となる場所として、クラブ、カフェ、メディアを設立した。イースト・オブ・エデン・バンドと共にラジオでライブパフォーマンス詩を放送し[ 5 ]、印刷物として出版する代わりにこれらの放送の録音を配布し始めたゴルスキーとは異なり、ジュエルとスラム詩人たちは、より小規模なライブの聴衆に興味を持っていた。ニューヨーク市のヌヨリカン・ポエッツ・カフェのような会場や、ゴルスキーやジョン・ジョルノのようなマスメディアの形式は、 HBOのDef Poetry Jamにつながる2つの影響の流れを形成している。
パフォーマンス詩人、特にパフォーマンス詩人は、口承文学というイベントを文学の主要な社会的・コミュニケーション的機能に位置づける能力に優れていました。文学パフォーマンスの多様性は詩人／作家のコントロール下にあり、パフォーマーは観客の参加を決して軽視しません。パフォーマンスは、部族時代や古代ギリシャ以来、詩の主要な普及方法でした。ゴルスキーがしばしば述べているように、放送やテクノロジーは詩を大衆に届けるという点で書籍を凌駕しており、印刷物のための詩作が書籍の発明以来詩を全く異なる芸術形式に変えたように、音声メディアは画家や彫刻家と同様に詩人の創作方法に影響を与えています。
今日では、パフォーマンス詩は公立学校制度における識字能力向上の手段としても利用されている。Global Writes Inc.は、生徒が詩を共有する手段として、ビデオ会議やポッドキャストなどのテクノロジーを識字プログラムに取り入れている。パフォーマンス詩は、生徒がステージ上で詩を朗読する機会も提供する。[ 6 ]
パフォーマンス詩は、ポストモダンの現象に限ったものではありません。その起源は、文字を持たない社会における口承詩の朗読にあります。これらの詩は、文字通り朗読者から朗読者へと口頭で伝えられ、記憶や想起を容易にするために、反復、頭韻、韻、比喩表現といった技法を用いて構成されていました。朗読者は、記憶した詩を一種の精神的なテンプレートとして用い、記憶に基づいて詩を「作曲」しました。この過程によって、朗読者は詩に独自の解釈を加えることができましたが、一般的には伝統的な詩の形式に忠実であることが好まれました。
人気のある詩や詩集などの大衆向け作品は、すでに手書きの形で私的な読書や研究のために配布されていたが、安価な印刷技術の導入がこの傾向を著しく加速させたことは疑いの余地がない。その結果、社会における詩人の役割は変化した。詩人は、かつては娯楽者であったが、主に私的な読書のための文章を提供する者となった。詩の公的な上演は、少なくともヨーロッパにおいては、一般的に韻文劇の上演に限られ、エリザベス朝時代のマドリガル詩人やロバート・バーンズのように、歌の歌詞として用いられる場合もあった。これ以外では、詩の朗読は、家族や友人グループ内で印刷された本を朗読することに限られていた。
20世紀初頭には、芸術の形式や慣習に対する一般的な疑問が生じた。バジル・バンティングやルイス・ズコフスキーといった詩人は、詩を音として捉え直すことを提唱した。特にバンティングは、紙に書かれた詩は楽譜のようなもので、音を通して表現されるまでは完全に理解できないと主張した。詩に対するこのような姿勢は、詩の朗読が奨励される環境を育むのに役立った。これは、主に人間の呼吸音に基づく詩行を提唱したチャールズ・オルソンの主張によってさらに強化された。 [ 7 ]クライヴ・サンソムは、生涯の多くを、特に子供たちによる上演に適した詩や戯曲を集め、提供することに費やした。
1950年代、アメリカの詩人シド・コーマンは、彼が「口承詩」と呼ぶ手法の実験を始めた。これは、即興で詩をテープレコーダーに録音するというものだった。アレン・ギンズバーグは1960年代にこの手法を取り入れることになる。コーマンのテープを聴いたデイヴィッド・アンティンは、この手法をさらに一歩進めた。彼は聴衆の前で即興で詩を創作した。これらのパフォーマンスは録音され、後にテープは文字起こしされて書籍として出版された。ほぼ同時期に、ジェローム・ローゼンバーグは民族詩学の研究に基づいて、ハプニングなどの儀式的なパフォーマンスのための詩を創作していた。
ビート・ジェネレーションの作家たちは、詩とジャズを融合させたパフォーマンス・イベントを開催した。1960年代後半には、サンフランシスコやニューヨーク市以外の地域でも、詩人たちがパフォーマンス作品を試みていた。中でも特筆すべきは、当時メリーランド美術大学の教員だったデイヴィッド・フランクスである。フランクスの作品は、音楽の対位法に合わせて詩を朗読するものではなく、パフォーマンスが作品自体に不可欠な要素として組み込まれた文学作品だった。
イギリスでは、ボブ・コビングやエドウィン・モーガンといったサウンド・ポエトリーの詩人たちが、ライブ・パフォーマンスの可能性を探求していた。コビングのグループであるバード・ヤックとコンクリート・カンティクルは、他の詩人や音楽家との共同パフォーマンスを行い、イギリス詩復興運動の多くの詩人をパフォーマンスの世界に引き込むきっかけの一つとなった。
一方、イギリスとアメリカの多くの主流派詩人は、主に大学のキャンパスで行われる小規模な学術集会で詩の朗読を行っていた。ロバート・フロストがジョン・F・ケネディ大統領の就任式で「The Gift Outright」を暗唱したことで、詩の朗読は全国的に注目を集めるようになった[ 8 ]。この出来事の後、フロストや他の著名人の朗読録音の人気が高まった。
1970年代までに、詩のパフォーマンスには主に3つの形態が出現した。1つ目は詩の朗読会で、紙面用に書かれた詩を、通常は作者自身が聴衆の前で朗読する。詩の朗読会は広く普及し、詩祭や朗読会シリーズは今やほとんどの西洋社会の文化的景観の一部となっている。しかし、ほとんどの人はこの種の詩の朗読会をパフォーマンス詩現象の一部とは考えていないだろう。
これにより、詩のパフォーマンスには2つのタイプが残ります。ジェローム・ローゼンバーグのモデルに基づいてパフォーマンスのために特別に書かれた詩と、デイヴィッド・アンティンの詩のようにパフォーマンス中に作曲される詩です。これらのタイプはどちらも一般的にパフォーマンス詩とみなされます。ビート詩人が印刷された詩を朗読する方法に基づいたもう1つのタイプは、音楽付き詩です。パフォーマンス詩人を含むバンドは、歌わない練習として朗読を行いますが、テキストは歌として分類されません。ギンズバーグはハーモニウムでブレイクの歌を歌いましたが、この3番目で最も人気のあるタイプのパフォーマンス詩の元祖はヘドウィグ・ゴルスキーで、彼女は音楽を使った自分の作品を説明するためにパフォーマンス詩という用語を作り出しました。彼女はネオビートと呼ばれることもありますが、自分自身をアメリカの「未来派」と考えています。ビート詩人、ギンズバーグ、ケルアックとは異なり、彼女の詩は、詩のために特別に作曲された音楽とともにパフォーマンスするために書かれました。彼女の朗読は、実際に歌うことなく、可能な限り歌に近づいています。それがゴルスキーのパフォーマンス詩の鍵である。つまり、声楽パフォーマンスのために書かれた詩に合わせて特別に書かれた音楽と詩の融合である。[ 9 ]ゴルスキーが実践したもう1つのタイプのパフォーマンス詩は、音楽を使わず、コンセプチュアルアートと結びついているが、それは彼女のバンドを収容できない小規模な会場での出演であった。[ 10 ] アンティンやコーミンとは異なり、ゴルスキーはテキストを即興で書くことはなく、印刷された詩を避け、パフォーマンスのためだけに詩を書いた。
アメリカでは、詩の基盤としての言語を信用しない言語詩人たちの台頭により、概して言えば、パフォーマンス詩は前衛とともに時代遅れとなった。しかし、無名の詩人がステージに立ち、3分から5分ずつ自分の作品を発表できるオープンマイクやポエトリースラムの人気が高まったことで、パフォーマンス詩は今や最も広く普及している大衆詩の形式の一つとなっている。こうした新しい大衆詩の形式の提唱者の中でも特に著名なのは、ニューヨークのボブ・ホルマン、シカゴのマーク・スミス、サンフランシスコのアラン・カウフマンである。1990年代には、当時の米国桂冠詩人ロバート・ピンスキーの「お気に入りの詩」プロジェクトによって、一般のアメリカ人がお気に入りの詩を朗読したりパフォーマンスしたりすることが、新たな注目を集めた。現代のパフォーマンス詩人たちは、CD、ビデオ、ウェブの視聴者向けにアレンジされた詩のパフォーマンスを実験的に試みている。
ビート詩人たちは、朗読詩を配信するために録音メディアに進出することを最初に普及させた。最も有名なビート詩人であるアレン・ギンズバーグは、同じくビート詩人のジャック・ケルアックに倣い、作品を朗読して録音した。ギンズバーグは朗読に常に音楽を用い、しばしばハーモニウムで伴奏した。ギンズバーグはウィリアム・ブレイクの詩に曲をつけ、ハーモニウムで演奏した。ビート詩人たちは音楽や録音を用いた作品を分類するために「パフォーマンス・ポエトリー」という用語を用いなかったが、ビート詩人たちはヘドウィグ・ゴルスキーの作品に直接的なモデルを提供した。彼女は1976年にノバスコシア美術デザイン大学の美術学校を卒業した。この美術学校は、噛みつきを写真に撮ることで知られるヴィト・アコンチなど、1970年代の数多くのパフォーマンス・アーティストのキャリアの出発点となったことで悪名高かった。パフォーマンス、録音、放送のためだけに書かれた詩を、通常は自身の音楽バンドであるイースト・オブ・エデン・バンドと共に発表するゴルスキー[ 9 ]は、パティ・スミスを除けば、20世紀後半に口承詩を復活させたこの革新者グループの中で唯一の女性であることは注目に値する。古代の吟遊詩人と同じように、1990年代以降、パフォーマンス詩人やスラム詩人が作品を配布する手段としてツアーが広く普及した。ポエトリー・スラムは、シカゴの詩人マーク・スミスによって創設された競技形式のライブパフォーマンスであり、パフォーマンス詩の温床となっている。
パフォーマンス詩は、ラッセル・シモンズが率いるヒップホップ・レコード会社であるデフ・ジャムの登場によっても大きく後押しされた。デフ・ジャムは、 HBOで放送されているパフォーマンス詩人を紹介するテレビ番組を制作したほか、ブロードウェイでほぼ1年間上演され、トニー賞を受賞したパフォーマンス詩人のショーも制作している。
ペドロ・ピエトリ、ミゲル・アルガリン、ジャンニーナ・ブラスキ、ギレルモ・ゴメス＝ペーニャといったヒスパニック系の舞台芸術家たちは、アメリカ帝国主義に対するユーモラスかつ政治的な攻撃で知られている。後にウィリー・ペルドモ、エドウィン・トーレス（詩人）、カリダッド・デ・ラ・ルスといった現代のラテン系詩人たちも、この伝統を受け継いだ。
チカーノ詩人と密接な関係にあるのは、ネイティブアメリカンの詩人ジョン・トルーデルで、彼は詩と音楽をカセットテープに録音し、クロスオーバーした。トルーデルは、 FBI捜査官による居留地での迫害から立ち上がり、捜査官は彼の妻と子供を殺害したとされている。抗議は、デフ詩人やスラマーなどのパフォーマンス詩のマイノリティ実践者にとって重要である。これはアメリカのパフォーマンス詩の活力を高め、アレン・ギンズバーグのようなビート詩人の社会抗議につながる。[ 11 ]
フランスでは、リュシアン・スエル、アケナトン、その他多くの人々がパフォーマンス詩のスタイルを代表している。
[[千葉節子]]は、ニューヨークのイーストビレッジでのデビュー以来、パフォーマンス詩という演劇的な手法を用いている日本の詩人でありアーティストである。
チェコ共和国では、パフォーマンス詩は首都プラハとその周辺地域に住むチェコ語話者と外国人居住者の両方の間で人気を博している。[ 12 ] [ 13 ] 2002年には、外国人居住者を拠点とする最初のパフォーマンス詩グループであるアルケミーが設立され、2018年まで定期的にオープンマイク詩イベントを開催した。 [ 14 ] [ 15 ] 2003年には、詩人および作家のヤロミール・コネチュニーとマルティン・ライナー、および文学理論家のミロスラフ・バラシュティクによって開始されたオロモウツ文学祭「国境なき詩」の一環として、全国スラム詩選手権の第1回が開催された。
2018年、プラハを拠点とする詩人集団Object:Paradiseは、作家のTyko SayとJeff Miltonによって設立され、「詩の朗読をより包括的で学際的なものにし、アートカフェやタートルネックに限定されないようにする」ことを使命としている。[ 16 ]この集団は、詩の朗読を、同時に様々な学際的な行為やパフォーマンスが行われる言語ハプニングに似たものにすることを目指してきた。集団は、パフォーマンス詩をより単一のハプニングにするために、マニフェストで20のマントラを概説した。[ 17 ] [ 18 ] [ 16 ]
イギリスでは、コビングやその同世代の詩人たちから発展し、多くの前衛詩人が作品のライブ発表に深く傾倒している。クリス・チークやアーロン・ウィリアムソンなどがその代表例である。イギリスの詩人マイケル・ホロヴィッツの作品は、1960年代初頭にイギリスでこの伝統を広めるのに貢献した。彼のライブ・ニュー・デパーチャーズ（1959年に創刊された詩と芸術の雑誌『ニュー・デパーチャーズ』の巡回版）は、ピアニストのスタン・トレイシーやサックス奏者のボビー・ウェリンズといったジャズミュージシャンの伴奏に合わせて詩を朗読するピート・ブラウンやエイドリアン・ミッチェルといった詩人たちに場と機会を与えた。
しかし、パフォーマンス詩が人気のある芸術形式として出現したのは、おそらく1965年にアルバート・ホールで開催された国際詩祭でのアレン・ギンズバーグのパフォーマンスに由来するだろう。ホロヴィッツ、ブラウン、ミッチェルは、ギンズバーグやビート世代の仲間であるローレンス・ファーリンゲッティ、グレゴリー・コルソ、その他のヨーロッパの詩人たちと共に、このロンドンでの歴史的なイベントに参加した。こうした展開は、リバプール詩人の出現にも関連しており、これは主に70年代にイギリス全土の聴衆を熱狂させたロジャー・マクガフ、エイドリアン・アンリ、ブライアン・パッテンといった詩人たちを指し、その後80年代にはジョン・ヘグリーのような詩人が登場し、スタンドアップコメディの影響と言葉遊びへの愛着から、現代イギリスのパフォーマンス詩として認識されるもののひな形を作り出した。この形式は、マレー・ラクラン・ヤング、フランチェスカ・ビアード、ジェラード・マッキューンといったアーティストの作品によって今もなお代表されている。
パブやフェスティバルでパフォーマンス詩を推進するコレクティブであるアップルズ・アンド・スネークスは、ニュー・バラエティ/キャストの活動に触発され、1982年にマンディ・ウィリアムズ、PRマリー、ジェーン・アディソンによってロンドンで設立されました。彼らは、アッティラ・ザ・ストックブローカーやシーシング・ウェルズなどの「怒鳴り散らす詩人」や、ビリー・ブラッグなどの政治的なメッセージを持つ他の詩人やミュージシャンと活動しました。アップルズ・アンド・スネークスは、31年後の今日、全国組織として活動を続けています。しかし、90年代には、マンチェスターやロンドンなどの大都市で、アメリカのデフ・ポエッツのようにコメディをあまり重視せず、ヒップホップの影響を強く受けた別のスタイルが出現しました。この進化の著名な作家には、マンチェスターのシーンのレムン・シッセイや故ダイク・オメジェ、ロンドンのサーキット のロジャー・ロビンソンやエル・クライシスなどがいます。
実験的な側面では、詩に焦点を当てた共同振付の舞台作品に新たな重点が置かれています。例えば、ShadoWorkは、(単純な)演劇的な動きと声と舞台のあらゆる範囲を組み合わせることで、作者、テキスト、観客の従来の体制を破壊し、豊かにし、テキストにより深い注意を向けさせるように設計されています。[ 19 ]これは、露骨な娯楽的価値を避ける「カウンターカルチャー」的なパフォーマンス詩の様式を表しています。[ 20 ] Jonzi DによるLyrikal Fearta などの他の取り組みは、ストリートベースのアートを舞台用に形作り、スポークンワードを短い散文作品に拡張し、パフォーマンス詩とダンスを融合させています。
イギリスのパフォーマンス詩は、パブや劇場、グラストンベリーやエディンバラ・フェスティバル・フリンジなどの文学祭や芸術祭でのパフォーマンスなど、草の根レベルで引き続き盛況です。スラムや、より伝統的な作家のためのオープンマイクも依然として人気があります。ラジオパフォーマンス詩人ヘドウィグ・ゴルスキーの影響を受けたメディア作品が広がりを見せており、[ 21 ]テレビやラジオにも進出しています。[ 22 ]現代のイギリスのパフォーマンス詩人の多くは、ジョン・クーパー・クラークのようなパンク詩人やリントン・クウェシ・ジョンソンのようなレゲエ詩人[ 23 ] 、コメディやヒップホップの影響を受けています。2003年には、ルーシー・イングリッシュが主催したイギリス初のパフォーマンス詩会議がバース・スパ大学で開催されました。講演者には、アメリカのパフォーマンス詩人ボブ・ホルマンとチャールズ・バーンスタインが含まれていました。バース・スパ大学は、クリエイティブ・ライティング・プログラムの一環としてパフォーマンス詩のモジュールを運営しています。
{{cite web}}: CS1 maint: タイトルとしてアーカイブされたコピー (リンク) 1982年のテレビインタビューで、ヘドウィグ・ゴルスキーとロバート・クリーリーがパフォーマンス詩の文脈でビートについて語ります。