アメリカの音楽

アメリカの多民族人口は、多様な音楽スタイルに反映されています。ヨーロッパ、先住民、西アフリカ、ラテンアメリカ、中東、北アフリカなど、さまざまな地域の音楽の影響を受けた音楽が混ざり合っています。この国で最も国際的に有名なジャンルは、伝統的なポップ、ジャズ、ブルース、カントリー、ブルーグラス、ロック、ロックンロール、R&B、ポップ、ヒップホップ/ラップ、ソウル、ファンク、宗教音楽、ディスコ、ハウス、テクノ、ラグタイム、ドゥーワップ、フォーク、アメリカーナ、ブーガルー、テハノ、サーフ、サルサなどです。アメリカの音楽は世界中で聞かれています。20世紀初頭以来、アメリカのポピュラー音楽のいくつかの形式は、ほぼ世界中の聴衆を獲得してきました。^[1]

ネイティブアメリカンは、今日アメリカ合衆国として知られる土地に最初に居住し、その土地で最初の音楽を演奏した人々です。17 世紀初頭、イギリス、アイルランド、スペイン、ドイツ、フランスからの移住者が大量に到着し、新しいスタイルや楽器を持ち込みました。西アフリカの奴隷たちは彼らの音楽の伝統をもたらし、その後の移民の波ごとに音楽のるつぼが形成されていきました。

ジャズ、ブルース、ロック、カントリー、ブルーグラスなど、ヨーロッパ系アメリカ人の音楽の伝統にも、アフリカ系アメリカ人の影響が見られます。米国では、ウクライナ、アイルランド、スコットランド、ポーランド、ヒスパニック、ユダヤ人などのコミュニティの民族スタイルで制作された、記録に残るフォークミュージックや録音されたポピュラー音楽も見られます。

アメリカの多くの都市や町には活気ある音楽シーンがあり、それがさまざまな地域の音楽スタイルを支えています。国中の音楽の中心地は、アメリカ音楽の多くの独特なスタイルを生み出し、それに貢献してきました。ルイジアナ音楽のケイジャンとクレオールの伝統、ハワイ音楽のフォークとポピュラースタイル、南東部諸州のブルーグラスとオールドタイム音楽は、アメリカ音楽の多様性を示すいくつかの例です。

アメリカの音楽は、シンコペーションと非対称のリズム、長くて不規則なメロディーの使用が特徴で、これらは「（アメリカの風景の）広大な地理を反映している」と「アメリカ人の生活の特徴である個人の自由の感覚」と言われている。^[2]コールアンドレスポンス形式のようなアメリカ音楽のいくつかの独特な側面は、アフリカの技術と楽器に由来している。

アメリカ史の後半から現代に至るまで、アメリカ音楽とヨーロッパ音楽の関係は、アメリカ音楽の学者の間で議論されてきたテーマである。より純粋にヨーロッパ的な技法やスタイルを採用するよう主張する者もいる。ヨーロッパの技法やスタイルは、より洗練されていてエレガントであると感じられることもあるが、一方で、アメリカ特有のスタイルを讃える音楽的ナショナリズムの感覚を主張する者もいる。現代クラシック音楽学者のジョン・ウォーゼン・ストラブルは、アメリカ音楽とヨーロッパ音楽を比較し、アメリカは国家として何世紀にもわたる音楽的進化を遂げていないため、アメリカの音楽は本質的に独特であると結論付けている。むしろ、アメリカの音楽は、数十から数百の先住民や移民のグループの音楽であり、南北戦争まで、そのすべてが主に地域的に孤立して発展してきた。南北戦争では、国中の人々が軍隊に集められ、音楽スタイルや慣習を交換した。ストラブルは、南北戦争のバラードを「アメリカに特有であると考えられる特徴を持つ最初のアメリカのフォークミュージック、つまり、他の国から派生したどの地域スタイルとも異なる、最初の『アメリカ的』な音楽」とみなした。^[3]

南北戦争とそれに続く時期には、アメリカの芸術、文学、音楽が全般的に開花した。この時代のアマチュア音楽アンサンブルは、アメリカのポピュラー音楽の誕生とみなすことができる。音楽作家のデイビッド・ユーエンは、これらの初期のアマチュアバンドについて、「クラシックの深みとドラマを、要求の厳しいことのないテクニックと組み合わせ、複雑さを避けて直接的な表現を選んだ。声楽であれば、英語は歌えない言語だと主張するスノッブにもかかわらず、歌詞は英語だった。ある意味では、それは南北戦争後に起こったアメリカの覚醒の一部であり、アメリカの画家、作家、そして「真面目な」作曲家が特にアメリカのテーマに取り組んだ時代だった」と述べている。^[4]この時期に、ブルース、ゴスペル、ジャズ、カントリーミュージックのルーツが形作られ、20世紀にはこれらがアメリカのポピュラー音楽の中核となり、リズムアンドブルース、ロックンロール、ヒップホップミュージックなどのスタイルにさらに進化した。

音楽は、社会階級、人種や民族、地理、宗教、言語、性別、セクシュアリティなどを通じて、アメリカの社会的、文化的アイデンティティの側面と絡み合っている。音楽と人種の関係は、おそらく米国における音楽的意味の最も強力な決定要因である。アフリカとヨーロッパの異なる源泉からのアフリカ系アメリカ人の音楽的アイデンティティの発展は、米国の音楽史における一貫したテーマである。植民地時代のアフリカ系アメリカ人の音楽については、ほとんど文書が残っていない。当時は、西アフリカ全土のスタイル、歌、楽器がヨーロッパのスタイルや楽器と混ざり合い、新しいジャンルが生まれ、奴隷の人々による自己表現が生まれた。19世紀半ばまでに、明らかにアフリカ系アメリカ人の民俗伝統がよく知られ、広まり、アフリカ系アメリカ人の音楽技法、楽器、イメージは、霊歌、ミンストレルショー、奴隷の歌を通じて、アメリカの主流音楽の一部となった。^[5]アフリカ系アメリカ人の音楽スタイルは、ブルース、ジャズ、リズムアンドブルース、そしてロックンロール、ソウル、ヒップホップを通じて、アメリカのポピュラー音楽の不可欠な部分になりました。これらのスタイルはすべて、あらゆる人種のアメリカ人に消費されましたが、最終的には人種の境界を越えて演奏され、消費されるようになる前に、アフリカ系アメリカ人のスタイルとイディオムで作成されました。対照的に、カントリーミュージックは、アフリカとヨーロッパ、ネイティブアメリカンとハワイの伝統の両方に由来しており、長い間白人の音楽の一形態として認識されてきました。^[6]

経済階級と社会階級は、音楽の創作と消費を通じて、アメリカ音楽を分けている。例えば、交響楽団の観客は上流階級の支持者であり、田舎や民族のフォークミュージックの演奏は一般的に下手である。しかし、階級に基づく音楽の区分は絶対的なものではなく、実際と同じくらい認識されていることもある。^[7]たとえば、アメリカのポピュラーなカントリーミュージックは、「リスナーが実際に労働者階級であるかどうかにかかわらず、労働者階級のアイデンティティに訴える」ように作られた商業ジャンルである。^[8]カントリーミュージックは地理的アイデンティティとも絡み合っており、起源と機能は特に田舎風である。R&B やヒップホップなどの他のジャンルは、本質的に都会的であると認識されている。^[9]アメリカの歴史の大部分において、音楽制作は「女性化された活動」であった。^[10] 19 世紀には、アマチュアのピアノと歌は中流階級と上流階級の女性にふさわしいと考えられていた。女性は初期のポピュラー音楽の演奏でも主要な役割を果たしていたが、録音された伝統は急速に男性に支配されるようになった。男性が支配的なポピュラー音楽のジャンルのほとんどには女性の演奏者も含まれており、ギャングスタ・ラップやヘビーメタルなど、主に女性にアピールするニッチなジャンルであることが多い。^[11]

米国は文化のるつぼであり、世界中から影響を取り入れ、独特の新しい文化表現方法を生み出していると言われることが多い。アメリカ音楽の側面は特定の起源にまで遡ることができるが、音楽要素について特定のオリジナル文化を主張することは、技術、楽器、ジャンルの移植と混合を通じて米国音楽が絶えず進化しているため、本質的に問題がある。外国音楽の要素は、個人やグループによる教育およびアウトリーチイベントの正式な後援を通じて、また、奴隷制による西アフリカ音楽や移民によるアイルランド音楽の偶発的な移植などの非公式なプロセスを通じて米国に入ってきた。最も明確にアメリカらしい音楽は、密接な接触による異文化混合の結果である。たとえば、奴隷制では、多数の部族の人々が狭い居住区に混在し、その結果、共通の音楽的伝統が生まれ、先住民、ラテン、ヨーロッパの音楽の要素とのさらなる混合によって豊かになった。^[12]アメリカの民族的、宗教的、人種的多様性は、ルイジアナクレオールのフランス・アフリカ音楽、ネイティブ、メキシコ、ヨーロッパの融合テハノ音楽、そして完全にハイブリッド化されたスラックキーギターと他のスタイルの現代ハワイアン音楽などの混ざり合ったジャンルも生み出しました。

文化間で音楽を移植するプロセスには批判がないわけではない。たとえば、20 世紀半ばのフォーク リバイバルでは、特定の政治的目的を促進するため、さまざまな田舎の人々の音楽を流用したが、このプロセスによって流用された音楽の「他者の歌の商業的商品化と必然的な中途半端さの希薄化」が引き起こされたのではないかと疑問視する声もある。アフリカ系アメリカ人の音楽技法、イメージ、概念を主に白人アメリカ人が白人アメリカ人のためにポピュラー音楽で使用することは、少なくとも 19 世紀半ばのスティーブン フォスターの歌とミンストレル ショーの台頭以来​​、広く行われている。アメリカの音楽業界は、アフリカ系アメリカ人の音楽を演奏する白人のアーティストを積極的に普及させようとしてきた。なぜなら、彼らのほうが主流派や中流階級のアメリカ人に受け入れられやすいからだ。^{[要出典]このプロセスは、}ベニー グッドマン、エミネム、エルビス プレスリーなどのさまざまなスターの台頭や、ブルー アイド ソウルやロカビリーなどの人気スタイルと関連している。^[12]

米国のフォーク ミュージックは、国内の多数の民族グループによって多様です。ネイティブ アメリカンの部族はそれぞれ独自のフォーク ミュージックを演奏しており、そのほとんどは精神的な性質を持っています。アフリカ系アメリカ人の音楽には、奴隷によってアメリカ大陸にもたらされ、西ヨーロッパの音楽と混ざり合った西アフリカ音楽の末裔であるブルースやゴスペルがあります。植民地時代には、イギリス、フランス、スペインのスタイルと楽器がアメリカ大陸にもたらされました。20 世紀初頭までに、米国は世界中のフォーク ミュージックの主要な中心地となり、ポルカ、ウクライナとポーランドのフィドル、アシュケナージ、クレズマー、およびいくつかの種類のラテン音楽が含まれていました。

アメリカ先住民は、現在のアメリカ合衆国で、多様なスタイルと技法を用いて最初のフォークミュージックを演奏した。しかし、ハーモニーやポリフォニーの欠如、母音や下降する旋律音型の使用など、アメリカ先住民の伝統音楽にはほぼ普遍的な共通点もある。伝統的な楽器編成では、フルートのほか、太鼓、ラトル、シェイカーなど多くの種類の打楽器が用いられる。^{[13]ヨーロッパ人とアフリカ人の接触が確立されて以来、アメリカ先住民のフォークミュージックは、ヨーロッパのフォークダンスや}テハノ音楽など、異なるスタイルとの融合という新たな方向に発展してきた。現代のアメリカ先住民の音楽は、伝統的なスタイルのダンスや音楽が演奏される汎部族の集まりであるパウワウで最もよく知られているかもしれない。 ^[14]

アメリカ合衆国の13植民地はすべてかつてイギリス領であり、アングロ文化がアメリカのフォークミュージックやポピュラーミュージックの大きな基盤となった。アメリカのフォークソングの多くはイギリスの歌と編曲が同じだが、歌詞が新しく、元の素材のパロディであることが多い。アメリカ系アングロソングの特徴は、五音音階のメロディーが少なく、伴奏が目立たず（ただしドローンを多用）、長調のメロディーが多いことである。^[15]アングロ・アメリカンの伝統音楽には、さまざまなブロードサイド・バラード、ユーモラスな物語やほら話、鉱山、難破船、殺人事件などを題材にした災難歌などもある。ジョー・マガラック、ジョン・ヘンリー、ジェシー・ジェイムズなどの伝説の英雄が登場する歌も数多くある。イギリス発祥のフォークダンスにはスクエアダンスがある。これはカドリーユから派生したもので、アメリカではコーラーがダンサーを指導するという新機軸が取り入れられている。^[16]シェーカー教徒として知られる宗教共同体は18世紀にイギリスから移住し、独自のフォークダンススタイルを発展させました。彼らの初期の歌はイギリスのフォークソングをモデルにしています。^[17]アメリカの歴史の初期には、アーミッシュ、ハーモニー協会、ペンシルバニア州のエフラタ修道院などの他の宗教団体も独自の音楽文化を確立しました。^[18]

今日のアフリカ系アメリカ人の祖先は奴隷として米国に連れてこられ、主に南部のプランテーションで働かされた。彼らは西アフリカ各地の何百もの部族の出身で、コール・アンド・レスポンスのボーカルや複雑なリズムの音楽[ ^{19] 、}シンコペーションのビートや変化するアクセント^[20]など、西アフリカ音楽の特定の特徴を持ち込んだ。リズミカルな歌と踊りに重点を置いたアフリカ音楽は新世界に持ち込まれ、そこで独特の民俗文化の一部となり、アフリカ人が「音楽を通じて過去との連続性を保つ」のに役立った。米国で最初の奴隷たちは労働歌や野外唱歌^[21]を歌い、キリスト教化後は賛美歌を歌った。19世紀には、宗教的熱狂の大覚醒が国中、特に南部の人々を魅了した。主にニューイングランドの説教者によって書かれたプロテスタントの賛美歌は、南部の敬虔なキリスト教徒の間で開かれるキャンプミーティングの目玉となった。黒人がこれらの賛美歌をアレンジしたバージョンを歌い始めたとき、それは黒人霊歌と呼ばれました。霊歌、労働歌、野外歌といったこれらのルーツから、ブルース、ジャズ、ゴスペルが発展しました。

霊歌は主に宗教的信仰を表現したもので、南部のプランテーションの奴隷によって歌われました。^[22] 19世紀中期から後半にかけて、霊歌はアメリカ南部から広まりました。1871年、フィスク大学はフィスク・ジュビリー・シンガーズの拠点となり、全国に霊歌を広めた先駆的なグループとなりました。このグループを模倣してゴスペル四重奏団が生まれ、その後、20世紀初頭にジャックレッグや歌う説教者が登場して多様化が進み、そこからゴスペル音楽という人気のスタイルが生まれました。

ブルースは、アフリカの労働歌、野外の叫び声、叫び声を組み合わせたものである。^[23] 20世紀の最初の10年間に南部の田舎で発展した。ブルースの最も重要な特徴は、ブルースケールの使用と、フラットまたは不定の3度、そして典型的には嘆きの歌詞である。これらの要素は20世紀以前にもアフリカ系アメリカ人のフォークミュージックに存在していたが、現代のブルースの体系化された形式（AAB構造など）は20世紀初頭まで存在しなかった。^[24]

アメリカ合衆国は、数多くの民族が集まる国です。これらの民族の多くは、祖国の民族的伝統を守り続け、しばしばアメリカ特有のスタイルの外国音楽を生み出してきました。ニューイングランドのカーボベルデ音楽[ ^25]、カリフォルニアのアルメニア音楽^[26]、ニューヨーク市のイタリア音楽とウクライナ音楽^[27]のように、一部の民族は、国内で密集した地域でローカルな音楽シーンを生み出してきました。

クレオール人は、多様な非アングロ系の祖先を持つコミュニティであり、そのほとんどは、米国によるルイジアナ州買収以前にそこに住んでいた人々の子孫である。ケイジャン人は、カナダのアカディアを離れてルイジアナ州にやって来たフランス語話者のグループである。 ^[28]ルイジアナ州ニューオーリンズ市は主要な港であり、カリブ海沿岸全域の人々のるつぼとしての役割を果たしてきた。その結果、ケイジャン音楽とクレオール音楽の多様で融合した一連のスタイルが生まれた。

スペイン、続いてメキシコは米墨戦争まで、現在のアメリカ合衆国西部の大半を支配しており、テキサス州全体もその支配下にあった。テキサスがアメリカ合衆国に編入された後、この州に住む先住民テハノ族は南の隣人とは文化的に別々に発展し、他のテキサス人とは文化的に異なるままであった。初期のテハノ音楽の発展の中心となったのは、マリアッチやコリードなどの伝統的なメキシコの形式と、19世紀後半にドイツ人やチェコ人入植者によってもたらされた大陸ヨーロッパのスタイルとの融合であった。^[29]特に、アコーディオンは20世紀初頭にテハノのフォークミュージシャンに取り入れられ、テキサスやメキシコ北部のアマチュアミュージシャンの間で人気の楽器となった。

クラシック音楽は、初期入植者の一部によって米国にもたらされた。ヨーロッパのクラシック音楽は、ヨーロッパの芸術、教会音楽、コンサート音楽の伝統に根ざしている。この伝統の中心的規範は、1550年から1825年の間に、いわゆる共通実践期を中心に発展した。多くのアメリカのクラシック音楽作曲家は、19世紀後半まで完全にヨーロッパのモデルの範囲内で制作しようとした。著名なチェコの作曲家アントニーン・ドヴォルザークは、1892年から1895年にかけて米国を訪れた際、アメリカのクラシック音楽にはヨーロッパの作曲家を模倣するのではなく、独自のモデルが必要であるという考えを繰り返し主張し、その後の作曲家が明確にアメリカ風のクラシック音楽を作るよう刺激を与えた。^[30] 20世紀初頭までに、多くのアメリカの作曲家が、ジャズやブルースからネイティブアメリカンの音楽に至るまで、さまざまな要素を作品に取り入れるようになった。

植民地時代には、現在クラシック音楽とみなされている音楽には2つの異なる分野があった。1つはアマチュア作曲家や教育者と関係があり、そのスタイルはもともと単純な賛美歌から引き出され、時を経て洗練されていった。もう1つの植民地の伝統は、フィラデルフィアやボルチモアなどの中部大西洋岸の都市の伝統であり、ヨーロッパのモデルにほぼ完全に従順に従った多くの著名な作曲家を輩出した。これらの作曲家のほとんどはイギリス出身で、当時の著名なイギリス人作曲家のスタイルに特化して作曲した。^[31]

クラシック音楽は植民地時代にアメリカにもたらされた。この時期のアメリカの作曲家の多くはヨーロッパの音楽をモデルに作曲したが、サプライ・ベルチャーやジャスティン・モーガンなど、第一ニューイングランド派としても知られる作曲家は、ヨーロッパの音楽をモデルにほとんど依存しない独自のスタイルを発展させた。^[32]この国でもっとも初期の作曲家には、ボストン生まれのウィリアム・ビリングスがおり、1770年代に愛国的な賛美歌を作曲した。^[33]彼はまた、「アメリカの教会聖歌隊の創設者、ピッチパイプを使った最初の音楽家、教会の礼拝にチェロを初めて導入した人物」としても影響力があった。 ^[34]これらの作曲家の多くはアマチュア歌手で、アマチュアが演奏するのに適した新しい形式の宗教音楽を開発し、当時のヨーロッパの基準では奇異とみなされたであろう和声法を用いることが多かった。^[35]これらの作曲家のスタイルは「洗練されたヨーロッパの同時代人の影響」を受けておらず、旋法や五音音階、メロディーを使用し、ヨーロッパの和声のルールを避けていました。^[36]

19世紀初頭、アメリカは多様な作曲家を輩出した。例えば、特異で意図的にアメリカ風のスタイルで作曲し、交響楽団のために作曲した最初のアメリカ人作曲家となったアンソニー・ハインリッヒなどである。他の多くの作曲家、最も有名なのはウィリアム・ヘンリー・フライとジョージ・フレデリック・ブリストウは、アメリカのクラシックスタイルの考えを支持したが、彼らの作品は非常にヨーロッパ的な方向性を持っていた。しかし、ヨーロッパで受け入れられた最初のアメリカ人作曲家となったのはジョン・ノウルズ・ペインであった。ペインの例は、エイミー・ビーチ、エドワード・マクダウェル、ホレイショ・パーカーなどの第二次ニューイングランド派の作曲家に影響を与えた。^[37]

ルイ・モロー・ゴットシャルクは、おそらく19世紀アメリカの作曲家の中で最もよく知られている人物であり、音楽史家リチャード・クロフォードは、ゴットシャルクを「コンサートホールの音楽に土着または民族のテーマやリズムを取り入れた」ことで知られていると述べている。ゴットシャルクの音楽は、ラテン、カリブ、アフリカ系アメリカ人、ケイジャン、クレオール音楽の発祥地であるルイジアナ州ニューオーリンズの文化的融合を反映していた。ゴットシャルクは生前、才能あるピアニストとして広く知られていたが、演奏されることは少ないものの、今でも賞賛される作曲家としても知られていた。^[38]

ニューヨークのクラシック音楽界には、ニューヨーク州エルマイラ出身のチャールズ・グリフィスがおり、彼は1914年に最も革新的な作品を発表し始めた。彼の初期のコラボレーションは、非西洋音楽のテーマを使用する試みであった。最も有名なニューヨークの作曲家はジョージ・ガーシュインである。ガーシュインはティン・パン・アレーやブロードウェイ劇場で作詞作曲をし、彼の作品はジャズ、あるいは当時存在していたジャズの先駆者に強く影響されていた。ガーシュインの作品はアメリカのクラシック音楽に焦点を絞ったものとなり、前代未聞の国際的な注目を集めた。ガーシュインに続く最初の主要な作曲家はブルックリン出身のアーロン・コープランドであり、彼はアメリカのフォークミュージックの要素を取り入れたものの、テクニックと形式はヨーロッパのままであった。後に彼はバレエ、そしてセリアル音楽に転向した。^[39]チャールズ・アイヴズは、独特のアメリカ風の音楽を生み出した、国際的に永続的な重要性を持つ最初期のアメリカのクラシック作曲家の一人であったが、彼の音楽は1954年に亡くなるまでほとんど知られていなかった。

20世紀後半の作曲家の多くは、ジョン・ケージ、ジョン・コリリアーノ、テリー・ライリー、スティーブ・ライヒ、ジョン・アダムス、ミゲル・デル・アギラなど、モダニズムやミニマリストの技法を用いていた。ライヒは、2つの音楽活動が同時に始まり、繰り返され、徐々に同期がずれていくことで自然な展開感を生み出す、フェージングと呼ばれる技法を発見した。ライヒは非西洋音楽にも非常に興味があり、アフリカのリズム技法を作品に取り入れていた。[ 40 ^]近年の作曲家や演奏家は、ニューヨークを拠点に活動するボルチモア出身のフィリップ・グラスやメレディス・モンクなどのミニマリスト作品に強く影響を受けている。^[41]

アメリカは現代世界で多くのポピュラー音楽家や作曲家を輩出してきた。録音音楽の誕生に始まり、アメリカの演奏家はポピュラー音楽の分野をリードし続けており、それは「アメリカ人が世界文化に果たしたすべての貢献の中で...全世界が心に留めている」。^{[42] [43]}ポピュラー音楽の歴史のほとんどは、アメリカのラグタイムやティン・パン・アレーから始まりますが、ポピュラー音楽の歴史をルネッサンスや、ブロードシート、バラード、その他のポピュラーな伝統にまで遡るものもあります。^[44]他の著者は、一般的にポピュラー楽譜に注目し、アメリカのポピュラー音楽を霊歌、ミンストレルショー、ヴォードヴィル、南北戦争の愛国歌 にまで遡ります。

アメリカ独立戦争の愛国的な世俗の歌は、最初の主流のポピュラー音楽でした。これには、トーマス・ペインの「自由の木」が含まれます。安価な大判の新聞紙に印刷され、初期の愛国歌は植民地中に広まり、家庭や集会で演奏されました。^[45] ファイフの歌は特に賞賛され、アメリカ独立戦争の戦場で演奏されました。これらのファイフの歌の中で最も長く続いたのは「ヤンキー・ドゥードゥル」で、今日でもよく知られています。メロディーは1755年にさかのぼり、アメリカ軍とイギリス軍の両方で歌われました。^[46]愛国歌は主に英語のメロディーに基づいており、イギリスの植民地主義を非難する新しい歌詞が付け加えられていました。しかし、アイルランド、スコットランド、またはその他の場所のメロディーを使用したり、馴染みのあるメロディーを使用しないものもありました。「ヘイル・コロンビア」は主要な作品で、 ^{[47] 「}星条旗」が採用されるまで非公式の国歌として残っていました。この初期のアメリカ音楽の多くは、セイクリッド・ハープに今も残っている。シェーカー教徒のコミュニティ以外ではあまり知られていないが、「シンプル・ギフツ」は1848年にジョセフ・ブラケット長老によって作曲され、以来その曲は世界的に有名になった。^[48]

南北戦争中、国中の兵士が混じり合うと、アメリカ音楽の多様な流れが相互に作用し始めた。このプロセスは、鉄道産業の急成長や、旅行や通信を容易にしたその他の技術の発展によって促進された。陸軍部隊には国中から人々が集まり、彼らは急速に曲、楽器、テクニックを交換した。戦争は、アメリカ特有の歌が生まれるきっかけとなり、それらは大人気となった。^[3]南北戦争時代の最も人気のある歌には、ダニエル・ディケーター・エメットが書いた「ディキシー」がある。この歌は元々「ディキシーズ・ランド」というタイトルで、ミンストレル・ショーのエンディングのために作られた。この歌は最初にニューオーリンズに広まり、そこで出版されて「南北戦争前の大ヒット歌曲の 1 つ」となった。^{[49]人気の愛国歌に加えて、南北戦争時代には}ブラスバンドの曲も大量に作られた。^[50]

南北戦争後、ミンストレルショーがアメリカ独自の音楽表現の最初の形態となった。ミンストレルショーはアメリカ固有の娯楽であり、コメディーコント、バラエティショー、ダンス、音楽で構成され、通常は黒塗りの白人によって演じられた。ミンストレルショーは音楽パフォーマンスにアフリカ系アメリカ人の要素を取り入れたが、それは単純化された方法のみであり、ショーのストーリーラインでは黒人を生まれながらの奴隷や愚か者として描写し、最終的に奴隷制度廃止運動と関連付けられるようになった。^[51]ミンストレルショーはダニエル・ディケーター・エメットとバージニア・ミンストレルズによって発明された。^[52]ミンストレルショーは、アメリカ音楽史上最初のよく知られたポピュラーソングライター、トーマス・D・ライス、ダニエル・ディケーター・エメット、そして最も有名なスティーブン・フォスターを生み出した。ミンストレルショーの人気が衰えた後、同様の現象であるクーンソングが人気を博した。

作曲家ジョン・フィリップ・スーザは、 20世紀初頭のアメリカのポピュラー音楽の最も人気のあった傾向と密接に関係している。かつてはアメリカ海兵隊バンドの楽長だったスーザは、「星条旗よ永遠なれ」のような軍隊行進曲を作曲したが、これは彼の「故郷と祖国への郷愁」を反映しており、メロディーに「心を揺さぶる男らしい性格」を与えている。^{[53] [54]}

20世紀初頭、アメリカのミュージカル劇場はポピュラーソングの主要な源泉であり、その多くはブルース、ジャズ、カントリー、その他の現存するポピュラー音楽のスタイルに影響を与えた。このスタイルの発展の中心はニューヨーク市にあり、ブロードウェイ劇場は市内で最も有名な会場の一つとなった。ジョージとアイラのガーシュイン兄弟のような劇作作曲家や作詞家は、アメリカの方言と音楽を使った独特のアメリカ演劇スタイルを生み出した。ミュージカルはポピュラーソングと、愛とロマンスを中心に展開するテンポの速いストーリーが特徴であった。^[55]

ブルースは、アフリカ系アメリカ人のフォーク音楽のジャンルであり、現代のアメリカのポピュラー音楽の多くの基礎となっている。ブルースは、カントリー、ジャズ、ラグタイム、ゴスペルなどの音楽スタイルの連続体の一部と見なすことができます。各ジャンルは明確な形式に進化しましたが、その起源はしばしば不明瞭でした。ブルースの初期の形態は、19世紀後半から20世紀初頭にかけてミシシッピ・デルタ周辺で発展しました。最も初期のブルース音楽は主にコール・アンド・レスポンスのボーカル音楽であり、ハーモニーや伴奏はなく、正式な音楽構造はありませんでした。奴隷とその子孫は、野外での叫び声や叫び声をアレンジして情熱的なソロ曲に変え、ブルースを作り上げました。^{[56]アフリカ系アメリカ人の教会やリバイバル集会のキリスト教の}霊歌と混ざり合ったブルースは、ゴスペル音楽の基礎となりました。現代のゴスペルは、1920年代にアフリカ系アメリカ人の教会で、信者が即興で、しばしば音楽的な方法（証言）で信仰を宣言する形で始まりました。トーマス・A・ドーシーのような作曲家は、伝統的な賛美歌や霊歌にブルースやジャズの要素を取り入れたゴスペル作品を作曲した。^[57]

ラグタイムはもともとピアノのスタイルで、シンコペーションのリズムと半音階を特徴としていました。^[24]主にウォーキングベースを使ったダンスミュージックの一種で、一般的にソナタ形式で作曲されています。ラグタイムは、アフリカ系アメリカ人のケークウォークダンスが洗練され進化した形で、ヨーロッパの行進曲^[58]やポピュラーソングから、 19世紀末に北部の都市で大規模なアフリカ系アメリカ人バンドが演奏したジグやその他のダンスまで、さまざまなスタイルが混ざり合っています。ラグタイムの最も有名な演奏者および作曲家は、"Maple Leaf Rag"などの作品で知られるスコット・ジョプリンです。^[59]

ブルースは、ベッシー・スミスのような古典的な女性ブルース歌手が人気を博した1920年代にアメリカのポピュラー音楽の一部となった。同時に、レコード会社は、主にアフリカ系アメリカ人の聴衆を対象としたブルースである人種音楽の分野を立ち上げた。伝説的なデルタ・ブルースのミュージシャン、ロバート・ジョンソンやピードモント・ブルースのミュージシャン、ブラインド・ウィリー・マクテルなど、これらの最も有名なアーティストは、ブルースやブルース由来のジャンルの後の人気の発展に大きく影響を与えた。しかし、1940年代の終わりまでには、純粋なブルースはポピュラー音楽の小さな部分でしかなくなり、リズム・アンド・ブルースや初期のロックンロール・スタイルなどの派生に飲み込まれてしまった。ブギウギのような、ピアノを主体としたエレクトリック・ブルースの一部のスタイルは、多くの聴衆を維持した。ブルージーなゴスペル・スタイルも、歌手のマヘリア・ジャクソンに先導されて、1950年代にアメリカの主流で人気を博した。^[60]ブルースというジャンルは、1950年代にマディ・ウォーターズやリトル・ウォルターなどのシカゴのブルースミュージシャンによって大きなリバイバルを経験し、^[61] 1960年代にはブリティッシュ・インヴェイジョンやアメリカのフォークミュージックのリバイバルでミシシッピ・ジョン・ハートやレヴァレンド・ゲイリー・デイヴィスなどのカントリーブルースミュージシャンが再発見されました。これらの時代の影響力の大きいブルースミュージシャンは、 1950年代のチャック・ベリーなどのロックミュージシャンに多大な影響を与えただけでなく、イギリスのエリック・クラプトンやテキサスのジョニー・ウィンターなど、1960年代と1970年代のイギリスのブルースやブルースロックシーンにも影響を与えました。

ジャズは、スウィングやブルーノート、コールアンドレスポンスのボーカル、ポリリズム、即興演奏を特徴とする音楽の一種である。もともとダンスミュージックの一種であったが、ジャズはポピュラー音楽の主要部分を占め、西洋クラシック音楽の主要な要素にもなっている。ジャズは西アフリカの文化的および音楽的表現、ブルースやラグタイムなどのアフリカ系アメリカ人の音楽の伝統、およびヨーロッパの軍楽隊の音楽にルーツを持つ。^[62]初期のジャズはラグタイムと密接な関係があり、より複雑なリズムの即興演奏を使用することで区別できた。最初期のジャズバンドは、ヨーロッパの楽器では使用されないベントノートやブルーノート、楽器の「グロウル」やスミアなど、ブルースの語彙の多くを採用した。ジャズのルーツは、ケイジャン人と黒人クレオール人が住むルイジアナ州ニューオーリンズ市にあり、19世紀にケイジャン人のフランス系カナダ文化と独自の音楽スタイルが融合しました。葬儀やパレードで演奏する大規模なクレオールバンドが初期のジャズの大きな基盤となり、ニューオーリンズからシカゴやその他の北部の都市中心部に広まりました。

ジャズは随分前からある程度の人気を得ていたが、友人のピアニスト、アール・ハインズとともにジャズの発展に大きな力を発揮し、最初の人気スターの一人となったのはルイ・アームストロングであった。アームストロング、ハインズ、およびその同僚たちは即興演奏者であり、一つのメロディーで無数のバリエーションを生み出すことができた。アームストロングはまた、意味のない音節（ボーカル）を歌う即興のボーカル技法であるスキャット・シンギングを普及させた。アームストロングとハインズは、スウィングと呼ばれる一種のポップ・ビッグバンド・ジャズの台頭に影響を与えた。スウィングは、通常コントラバスとドラムで構成される強力なリズムセクション、中速から高速のテンポ、ほとんどのジャズに共通するスウィング音などのリズム装置を特徴とする。スウィングは主に、1930年代のジャズにブルースやティン・パン・アレーの要素を融合させたものである。^[59]スウィングは他のジャズよりも大きなバンドを使用したため、バンドリーダーは素材を厳密にアレンジし、以前はジャズの不可欠な部分であった即興を抑制しました。スウィングはアフリカ系アメリカ人のダンスの主要な部分となり、スウィングダンスと呼ばれる人気のあるダンスを伴うようになりました。

ジャズは、その後のポピュラー音楽の主要なスタイルの多くの演奏者に影響を与えたが、ジャズ自体は、スウィング時代のようにアメリカのポピュラー音楽の主要な部分になることはなかった。しかし、20世紀後半のアメリカのジャズ界は、マイルス・デイヴィスなどの人気のあるクロスオーバースターを何人か生み出した。20世紀半ば、ジャズはビバップに始まるさまざまなサブジャンルに進化した。ビバップは、速いテンポ、メロディーではなく和声構造に基づいた即興、およびフラット5度の使用を特徴とするジャズの形式である。ビバップは1940年代前半から半ばに開発され、後にハードバップやフリージャズなどのスタイルに進化した。このスタイルの革新者には、ニューヨーク市の小さなジャズクラブから生まれたチャーリー・パーカーとディジー・ガレスピーが含まれている。 ^[63]

カントリーミュージックは、主にアフリカ系アメリカ人のブルースや霊歌とアパラチア地方のフォークミュージックを融合したもので、ポップス愛好家向けにアレンジされ、1920年代から普及しました。カントリーの起源は、主にアイルランドやイギリスの南部の田舎のフォークミュージックに、アフリカやヨーロッパ大陸の音楽が加わったものです。^[64]アングロ・ケルトの曲、ダンスミュージック、バラードは、当時はヒルビリーミュージックと呼ばれていた現代のカントリーの最も古い前身です。初期のヒルビリーはブルースの要素も借り、19世紀のポップソングのより多くの側面を取り入れ、ヒルビリーミュージックは最終的にカントリー・アンド・ウエスタン、そして単にカントリーと呼ばれる商業的なジャンルに進化しました。^{[65]最も初期のカントリーの楽器編成は、ヨーロッパ由来の}フィドルとアフリカ由来のバンジョーを中心に展開され、後にギターが加わりました。^[66]ウクレレやスティールギターなどの弦楽器は、20世紀初頭のハワイアン音楽グループの人気により一般的になりました。 ^[67]

商業的なカントリーミュージックの起源は、一般的に1927年に音楽タレントスカウトのラルフ・ピアがジミー・ロジャースとカーター・ファミリーを録音したときに遡る。^[69]人気は限られていたが、小さな需要が商業的な録音を促した。第二次世界大戦後、カントリーミュージックのような特殊なスタイルへの関心が高まり、数人の大物ポップスターが誕生した。^[70]この時代で最も影響力のあるカントリーミュージシャンは、アラバマ出身のブルース調カントリーシンガーのハンク・ウィリアムズだった。^{[60] [71]}彼はカントリーミュージックの最も偉大な作詞家および演奏家の一人として名高く、「ホンキートンクの威勢」と「労働者階級への共感」を持った「フォーク詩人」とみなされている。^[72]この10年間で、ナッシュビルのサウンドがよりポップ志向になるにつれ、ホンキートンクの荒々しさは徐々に薄れていった。チェット・アトキンスのようなプロデューサーは、楽器からヒルビリーの要素を取り除き、滑らかな楽器と高度な制作技術を使用することでナッシュビルサウンドを生み出しました。 ^[73]最終的に、ナッシュビルのほとんどのレコードはこのスタイルになり、弦楽器や合唱団が取り入れられるようになりました。^[74]

しかし、1960年代初頭までに、ナッシュビルサウンドは、より伝統主義的な多くのパフォーマーやファンから、薄められすぎていると感じるようになり、ベーカーズフィールドサウンドのような多くのローカルシーンが生まれました。しかし、長年の文化的アイコンであるジョニー・キャッシュなど、少数のパフォーマーは人気を保っていました。^{[75]ベーカーズフィールドサウンドは}、ウィン・スチュワートやバック・オーウェンズなどのパフォーマーが、ブレイクビーツなどのウエスタンスウィングやロックの要素を音楽に取り入れ始めた1950年代半ばから後半に始まりました。 ^{[76] 1960年代には、}マール・ハガードなどのパフォーマーがこのサウンドを普及させました。1970年代初頭、ハガードは、ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングスなどのシンガーソングライターとともに、アウトローカントリーとしても活躍しました。^[63]アウトロー・カントリーはロック志向で、歌詞は演者の犯罪行為に焦点を当てており、ナッシュビル・サウンドのクリーンなカントリー歌手とは対照的だった。^{[77] 1980年代半ばまでに、カントリー・ミュージック・チャートはポップ歌手によって支配され、}ドワイト・ヨアカムなどの演者の台頭によるホンキートンク・スタイルのカントリーの復活が始まった。1980年代には、アンクル・テューペロのようなオルタナティブ・カントリーの演者も登場した。彼らは主流カントリーのよりポップ志向のスタイルに反対した。2000年代初頭、ロック志向のカントリー・アーティストは、特にガース・ブルックスに代表されるように、米国で最も売れている演者の一人であり続けた。^[78]

R&B はリズム・アンド・ブルースの略で、1930 年代から 1940 年代に生まれた音楽スタイルです。初期の R&B は、大きなリズム隊が「ブルース歌手の叫び声の後ろで激しく演奏し、歌手はさまざまな電気楽器の鳴り響く音やリズム隊の激しい音にかき鳴らされて、自分の声が聞こえるように大声を出さなければなりませんでした」。^[80] R&B は、示唆に富んだ歌詞と疾走感のあるリズムが、ほとんどの聴衆、特に中流階級の白人には合わないとレコード会社が感じたため、広く録音、宣伝されることはありませんでした。^[81]ルイ・ジョーダンのようなバンドリーダーは、小さなホーンセクションと目立つリズム楽器のバンドを使って、初期の R&B のサウンドを革新しました。1940 年代の終わりまでに、彼はいくつかのヒット曲を出し、ワイノニー・ハリスやジョン・リー・フッカーのような同時代のミュージシャンへの道を切り開きました。最も人気のあるR&Bソングの多くは、ジョーダンや彼の同時代人のような陽気なスタイルで演奏されたのではなく、パット・ブーンのような白人ミュージシャンによって、より受け入れやすい主流のスタイルで演奏され、ポップヒットとなった。^{[82]しかし、1950年代の終わりまでに、}チャック・ベリーのような人気のある黒人ブルースロックやカントリーの影響を受けたR&Bパフォーマーの波が白人リスナーの間で前例のない名声を獲得した。^{[83] [84]} モータウン・レコードは、音楽業界と消費者市場における人種差別に抵抗する黒人アメリカ人のルーツの音楽を制作したことで、1960年代前半から中頃に大成功を収めた。音楽ジャーナリストのジェリー・ウェクスラー（「リズム・アンド・ブルース」というフレーズを作った人）はかつてモータウンについてこう言った。「[彼らは]紙の上では不可能だと言わざるを得ないことを成し遂げた。彼らは黒人音楽を取り上げ、それを直接アメリカの白人のティーンエイジャーに届けたのだ。」ベリー・ゴーディは1959年にミシガン州デトロイトでモータウンを設立した。モータウンは、R&B市場（アメリカ人の考え方では明らかに黒人向け）を超越し、クロスオーバー音楽に特化しようとした数少ないR&Bレコードレーベルの1つでした。同社は1960年代初頭までに黒人ポピュラー音楽の大手プロデューサー（またはモータータウンの起源にちなみ「組立ライン」）として登場し、ソウル、ファンク、ディスコ、R&Bの要素を組み合わせた「モータウンサウンド」または「ヤングアメリカのサウンド」として製品を売り出しました。^{[85]モータウンの著名なアーティストには、}フォートップス、テンプテーションズ、シュープリームス、スモーキーロビンソン、スティーヴィーワンダー、ジャクソン5などがいます。視覚的表現はモータウンの台頭の中心であり、他のレコード会社よりも視覚メディアを重視していた。多くの人々がモータウンを初めて知ったのはテレビや映画だった。モータウンのアーティストが描いた、優雅さと落ち着きを持った成功した黒人アメリカ人のイメージは、中流階級の黒人の独特の姿を聴衆に伝え、特に白人に魅力的だった。^[86]

ソウルミュージックは、リズムアンドブルースとゴスペルを組み合わせたもので、1950年代後半に米国で始まりました。ゴスペル音楽の手法を使用し、ボーカリストに重点を置き、世俗的なテーマを使用しているのが特徴です。1950年代のレイチャールズ、サムクック、^[87]、ジェームスブラウンのレコーディングは、一般的にソウルの始まりと考えられています。チャールズのモダンサウンズ（1962年）のレコードは、ソウルとカントリーミュージックの融合、カントリーソウルを特徴とし、当時の音楽における人種の壁を越えました。^[88]クックの最も有名な曲の1つである「A Change Is Gonna Come 」（1964年）は、1960年代のアメリカの公民権運動の古典およびアンセムとして受け入れられました。 ^[89]オールミュージックによると、ジェームス・ブラウンは「ゴスペルの情熱的な激しさを持つボーカルと複雑なポリリズムのビート」を通じて、「アメリカの黒人音楽における2つの革命」において重要な役割を果たした。「彼はR&Bをソウルに変えた最も大きな功労者の1人であり、また、多くの人が同意するだろうが、ソウルミュージックを60年代後半から70年代前半のファンクに変えた最も大きな功労者でもあった。」^[79]

ピュア・ソウルは、テネシー州メンフィスのスタックス・レコードに所属するオーティス・レディングらによって普及した。1960年代後半には、アトランティック所属のアーティスト、アレサ・フランクリンが国内で最も人気のある女性ソウル・スターとして台頭した。^{[91] [92]}幅広いジャンルで歌うことで知られるフランクリンは、史上最高のアメリカ人歌手の一人とされている。^{[93]またこの頃までに、ソウルはサイケデリック・ロックなどの影響を受けて、いくつ}かのジャンルに分裂していた。1960年代の社会的、政治的動揺に触発されて、マーヴィン・ゲイやカーティス・メイフィールドといったアーティストが痛烈な社会批評を盛り込んだアルバムをリリースした一方、よりダンス志向の音楽になり、ファンクへと進化した。以前は政治的、社会的に訴える歌詞のテーマに親和性があったにもかかわらず、ゲイはセックスやロマンスをテーマにした音楽やファンクを普及させるのに貢献し、^[95] 70年代のレコーディング、例えば「Let's Get It On」（1973年）や「I Want You」（1976年）はクワイエット・ストームのサウンドとフォーマットの発展に貢献した。^[96]史上最も影響力のあるアルバムの1つであるスライ&ザ・ファミリー・ストーンの「There's a Riot Goin' On」（1971年）は、グループの初期の作品にそのサウンドの原型があったことから、ファンク音楽の成熟版の最初で最良の例の1つと考えられている。^[97]ギル・スコット・ヘロンやザ・ラスト・ポエッツなどのアーティストは、アフロセントリックな感情を伴う批判的な政治的、社会的論評を特徴とする、詩、ジャズ・ファンク、ソウルの折衷的なブレンドを実践した。スコット・ヘロンのプロトラップ作品である「The Revolution Will Not Be Televised」（1971年）や「Winter in America」（1974年）は、後のヒップホップアーティストに大きな影響を与えた。^{[98]一方、}ブライアン・ジャクソンとの独特なサウンドはネオソウルアーティストに影響を与えた。^[99]

1970年代半ばには、フィラデルフィアのソウルグループ、オージェイズやブルーアイド・ソウルグループのホール＆オーツなど、非常に洗練されていて商業的なバンドが主流の成功を収めた。1970年代の終わりまでには、ソウルを含むほとんどの音楽ジャンルがディスコの影響を受けるようになった。1970年代後半から1980年代前半にかけてエレクトロミュージックやファンクの影響が導入されると、ソウルミュージックはより生々しさが薄れ、より洗練されて制作されるようになり、その結果、再びR&Bと呼ばれるようになった音楽ジャンルが生まれ、通常はコンテンポラリー R&Bとして以前のリズム・アンド・ブルースと区別されるようになった。

最初の現代R&Bスターは1980年代に登場し、ダンスポップスターのマイケル・ジャクソン、ファンクの影響を受けた歌手のプリンス、そしてティナ・ターナーやホイットニー・ヒューストンのような女性ボーカリストの波が起こりました。^[78]マイケル・ジャクソンとプリンスは、さまざまなジャンルの要素を折衷的に使用していることから、現代​​のR&Bとポピュラー音楽で最も影響力のある人物と言われています。^{[100]プリンスは、}ミネアポリスサウンドの創造に大きく貢献しました。「安定した弾むリズムに支えられた、ホーン、ギター、電子シンセサイザーのブレンド。」^[101]ジャクソンの作品は、滑らかなバラードやディスコの影響を受けたダンスミュージックに焦点を当てていました。アーティストとして、彼は「1979年の成人向けソロデビュー作『オフ・ザ・ウォール』でディスコの低迷からダンスミュージックを引き上げ、『スリラー』でR&Bとロックを融合させ、キャリアを通じてロボットやムーンウォークなどの様式化されたステップを導入した。」 ^[102]ジャクソンはその功績により「ポップスの王様」として認められることが多い。

1983年までに、ポピュラー音楽のクロスオーバーという概念はマイケル・ジャクソンと切っても切れない関係になった。『スリラー』は前例のない成功を収め、米国だけで1000万枚以上を売り上げた。1984年までに、アルバムは140を超える金賞とプラチナ賞を獲得し、史上最も売れたレコードとしてギネス世界記録に認定され、現在もその称号を保持している。^[103] MTVによる「ビリー・ジーン」の放送は、黒人アーティストによる初めての放送であり、それによって小さな画面におけるポップミュージックの「色の壁」を打ち破った。^[103] 『スリラー』は、アメリカ国立フィルム登録簿に認定された唯一のミュージックビデオである。 ジャネット・ジャクソンは、プリンスの元仲間であるジミー・ジャムとテリー・ルイスと3枚目のスタジオアルバム『コントロール』（1986年）でコラボレーションした。アルバムの2枚目のシングル「ナスティ」は、テディ・ライリーによって発明されたジャンルであるニュージャックスウィングサウンドの起源と言われている。^[100]ライリーのキース・スウェットの『メイク・イット・ラスト・フォーエバー』（1987年）、 『ガイズ・ガイ』（1988年）、ボビー・ブラウンの『ドント・ビー・クルエル』（1998年）での活動により、ニュー・ジャック・スウィングは1990年代半ばまでコンテンポラリーR&Bの定番となった。^[100]ニュー・ジャック・スウィングはボーカル音楽のスタイルおよびトレンドであり、ラップの詩とドラムマシンが特徴的であることが多い。^{[60]プリンス、マイケル・ジャクソンとジャネット・ジャクソン、ホイットニー・ヒューストン、ティナ・ターナー、アニタ・ベイカー、ポインター・}シスターズなどの作品を含む初期のコンテンポラリーR&Bアーティストの主流のポピュラー音楽におけるクロスオーバーの魅力は、業界の黒人アーティストにとってのターニングポイントとなり、彼らの成功は「世界市場のより大きなコスモポリタニズムがポピュラー音楽の様相に何らかの変化をもたらすかもしれないという最初のヒントだったかもしれない」。^[104]

ゴスペルの伝統であるメリスマの使用は、ボーカリストのホイットニー・ヒューストンとマライア・キャリーによって取り入れられ、1980年代後半から1990年代を通して現代のR&B歌手の基礎となった。^[100]ホイットニー・ヒューストンのR&Bヒットには「オール・ザ・マン・ザット・アイ・ニード」（1990年）や「オールウェイズ・ラヴ・ユー」（1992年）があり、後に世界中で2000万枚以上を売り上げ、女性アーティストによる史上最も売れたフィジカルシングルとなった。1992年のヒットサウンドトラック「ボディガード」は、ビルボードホット200で20週間トップに君臨し、世界中で4500万枚以上を売り上げ、史上最も売れたサウンドトラックアルバムであり続けている。

ヒップホップは、1980年代後半に、最初はニュージャックスウィングを通じて、次にヒップホップソウルとネオソウルと呼ばれる一連の関連サブジャンルを通じて、現代のR&Bに影響を与えるようになりました。ヒップホップソウルとネオソウルは、その後、1990年代に発展しました。メアリー・J・ブライジ、R・ケリー、ボビー・ブラウンの作品に代表される前者は、現代のR&Bとヒップホップのビートが混ざり合ったもので、ギャングスタラップのイメージやテーマが存在することもあります。後者は、1960年代と1970年代のスタイルのソウルボーカルにヒップホップの影響をいくらか加えた、より実験的でエッジの効いた、一般的にあまり主流ではない組み合わせであり、ディアンジェロ、エリカ・バドゥ、アリシア・キーズ、ローリン・ヒルの作品を通じて主流として認知されています。^[105]ディアンジェロの絶賛されたアルバム『Voodoo』（2000年）は、音楽評論家から傑作であり、ネオソウルジャンルの基礎として認められています。^{[106] [107] [108]}

ポップミュージックは、1950年代半ばに米国と英国で現代的な形で生まれたポピュラー音楽のジャンルです。1950年代から1960年代にかけて、ポップミュージックはロックンロールとそれが影響した若者向けのスタイルを包含していました。ロックとポップは1960年代後半までほぼ同義でしたが、その後、ポップはより商業的で、はかない、そして身近な音楽と関連付けられるようになりました。レコードチャートに登場する音楽の多くはポップミュージックと見なされていますが、このジャンルはチャートミュージックとは区別されています。ビング・クロスビーは、「歌の王」または「ポピュラー音楽の王」というニックネームを付けられた最初のアーティストの1人でした。 1970年代後半に発展したインディーポップは、現代のポップミュージックの魅力からのもう一つの脱却を示し、メジャーレーベルからレコード契約を調達しなくても自分の音楽を録音してリリースできるという当時としては斬新な前提に基づいてギターバンドが結成されました。^[110] 1980年代初頭までに、ポップミュージックのプロモーションはMTVなどの音楽テレビチャンネルの台頭に大きく影響され、「マイケル・ジャクソンやマドンナなど、視覚的に魅力的なアーティストを優遇した」。1980年代は、シンセサイザーの使用に関連したデジタル録音の使用の増加でよく記憶され、シンセポップミュージックや非伝統的な楽器をフィーチャーした他のエレクトロニックジャンルの人気が高まった。 ^{[111] 2014年までに、世界中のポップミュージックは}エレクトロニックダンスミュージックに浸透した。2018年、カリフォルニア大学アーバイン校の研究者は、ポップミュージックは1980年代から「悲しく」なったと結論付けた。幸福感と明るさの要素は最終的にエレクトロニックビートに置き換えられ、ポップミュージックはより「悲しくも踊りやすい」ものになった。^[112]

ロックンロールはカントリー、ブルース、R&Bから発展した。ロックの正確な起源と初期の影響については激しい議論があり、多くの研究の対象となっている。ロックはブルースの伝統に忠実ではあるが、アフロ・カリビアンやラテン音楽の技法から要素を取り入れている。^[113]ロックは都会的なスタイルで、多様な人口が住む地域で形成されたため、ブルースやカントリーからポルカやザディコまで、アフリカ系アメリカ人、ラテン系、ヨーロッパ系のジャンルが混ざり合った。^[114]ロックンロールは、ロカビリーと呼ばれるスタイルを通じて初めてポピュラー音楽に入り込んだ。 ^{[115]これは、初期のサウンドと}カントリーミュージックの要素を融合させたものである。黒人が演奏するロックンロールは、それまで主流の音楽としてはあまり成功していなかったが、黒人の音楽スタイルで初めて主流の聴衆にアピールし、歴史上最も売れたミュージシャンの一人となり、ロックンロールを世界中の聴衆に届けたのは、白人の演奏者エルヴィス・プレスリーだった。^[116]

1960年代には、ポピュラー音楽、特にロックにいくつかの重要な変化が見られました。これらの変化の多くは、ビートルズ、ザ・フー、ローリング・ストーンズなどのバンドが絶大な人気を博したブリティッシュ・インヴェイジョンを通じて起こりました。 ^{[117]これらの変化には、プロが作曲した曲から}シンガーソングライターへの移行や、ポピュラー音楽を商業や純粋な娯楽ではなく芸術として理解することが含まれていました。 ^{[118]これらの変化は}、アメリカの公民権運動やベトナム戦争反対など、政治的目標に関連した音楽運動の台頭につながりました。ロックはこの変化の最前線にありました。

1960年代初頭、ロックはサーフから始まるいくつかのサブジャンルを生み出した。サーフは歪んだサウンドが特徴のギターインストルメンタルジャンルで、南カリフォルニアのサーフィンをする若者文化と関連していた。^{[119] [120]}サーフの歌詞の焦点に触発され、ビーチボーイズは1961年に精巧でポップフレンドリーなハーモニーのサウンドでレコーディングを開始した。^{[121] [122]}名声が高まるにつれ、ビーチボーイズのソングライターであるブライアン・ウィルソンは新しいスタジオ技術を実験し、カウンターカルチャーと関連付けられるようになった。カウンターカルチャーは政治活動を取り入れた運動であり、ヒッピーのサブカルチャーと密接に関連していた。ヒッピーはフォークロック、カントリーロック、サイケデリックロックと関連していた。^[123]フォークとカントリーロックは、特にニューヨークのグリニッチビレッジの音楽シーンでピート・シーガーらが主導した政治色の強いフォークミュージックの台頭と関連していた。 ^[124]フォーク・ロックは、シンガーソングライターのボブ・ディランがキャリアをスタートさせた1960年代半ばに主流となった。オールミュージック編集者のスティーブン・トーマス・アーレワインは、 1960年代半ばにビートルズが内省的な作詞作曲へとシフトしたのは、当時のボブ・ディランの影響によるものだとしている。^[125]その後には、数多くのカントリー・ロック・バンドや、ソフトでフォーク調のシンガーソングライターが登場した。サイケデリック・ロックはギターを主体とした激しいロックで、サンフランシスコという街と密接に結びついていた。ジェファーソン・エアプレインは国内で大ヒットを記録した唯一の地元バンドだったが、カントリーとブルーグラス風のジャムバンドであるグレイトフル・デッドは、ヒッピーやLSDなど、その時代を象徴する物と結びついたサイケデリック・カウンターカルチャーの象徴となった。 ^[123]グレイトフル・デッドは、史上最もアメリカ的な愛国的なロックバンドだったと言う人もいる。今日のアメリカ人を定義する文化を形成し形成した。^[126]

1960年代から1970年代初頭にかけての政治的、社会的、音楽的な激動の変化を経て、ロック音楽は多様化した。かつてはロックンロールとして知られていた個別のジャンルが、単にロック音楽と呼ばれる包括的なカテゴリーへと進化し、パンク・ロックなど米国で発達した多様なスタイルを含むようになった。1970年代には、こうしたスタイルのほとんどはアンダーグラウンドの音楽シーンで発展し、一方で主流の聴衆は、 1960年代のフォークロックの深く感情的で個人的な歌詞を取り入れたシンガーソングライターの波とともにその10年を迎えた。同時期には、派手なアリーナロックバンド、ブルージーな南部ロックグループ、メロウなソフトロックスターが台頭した。1970年代後半からは、ロックシンガー兼ソングライターのブルース・スプリングスティーンが、貧困層や労働者階級を讃えるアンセミックな曲と難解で謎めいた歌詞で大スターとなった。^[78]

パンクは1970年代に始まった反抗的なロックの一種で、騒々しく、攻撃的で、非常にシンプルなものが多かった。パンクは当時の人気音楽、特にディスコロックやアリーナロックに対する反発として始まった。この分野のアメリカのバンドには、最も有名なのはラモーンズとトーキング・ヘッズで、トーキング・ヘッズはより前衛的なスタイルを演奏しており、それがパンクと密接に関連していたが、その後主流のニューウェイヴへと進化した。^[78]その他の主要アーティストにはブロンディ、パティ・スミス、テレビジョンなどがいる。1980年代には、パンクのファンやバンドの一部がこのスタイルの人気が高まることに幻滅し、ハードコア・パンクと呼ばれるさらに攻撃的なスタイルが生まれた。ハードコアは、不満を抱いた若者に訴える短く速い激しい曲で構成される、まばらなパンクの一種で、バッド・レリジョン、バッド・ブレインズ、ブラック・フラッグ、デッド・ケネディーズ、マイナー・スレットなどの影響力のあるバンドがいた。ハードコアはワシントンDCのような大都市で始まったが、1980年代にはアメリカのほとんどの主要都市に独自のローカルシーンがあった。^[127]

ハードコア、パンク、ガレージロックは、主流の音楽に明確に反対し、パンクやポストパンクのスタイルから生まれた多様なロックのサブジャンルであるオルタナティブロックの^{ルーツです。米国では、ミネアポリスやシアトルなど多くの都市で地元のオルタナティブロックシーンが発展しました。 [129]シアトルのローカルシーンは、ハードコア、}サイケデリック、オルタナティブロックに影響を受けた暗く陰鬱なスタイルであるグランジミュージックを生み出しました。 ^[130]ニルヴァーナ、パール・ジャム、サウンドガーデン、アリス・イン・チェインズなどのバンドのサウンドにメロディックな要素が加わったことで、グランジは1991年に米国全土で大人気となった^[131]。 3年後には、グリーン・デイ、オフスプリング、ランシド、バッド・レリジョン、NOFXなどのバンドが（それぞれの当時の新作アルバム『ドゥーキー』、 『スマッシュ』、『レッツ・ゴー』、『ストレンジャー・ザン・フィクション』、『パンク・イン・ドルブリック』で）主流となり、カリフォルニアのパンクシーンを世界中に知らしめた。

ヘビーメタルは、攻撃的で疾走感のあるリズム、増幅され歪んだギター、壮大な歌詞、そして技巧的な楽器演奏が特徴です。ヘビーメタルの起源は、ブルースとロックを取り入れ、ギターとドラムで構築された重厚なサウンドを生み出したハードロックバンドにあります。ブルーオイスターカルト、KISS、エアロスミスなどの最初のメジャーなアメリカのバンドは1970年代初頭に登場しました。しかし、ヘビーメタルは主にアンダーグラウンド現象のままでした。1980年代には、メタルバンドのクワイエットライオットに始まり、モトリークルーやラットなどのバンドが主流となった最初のメジャーなポップメタルスタイルが登場し、数年間チャートを独占しました。これはグラムメタルと呼ばれ、騒々しいスピリットとグラムに影響された視覚的美学を備えたハードロックとポップスの融合でした。ボンジョヴィなどのこれらのバンドのいくつかは国際的なスターになりました。ガンズ・アンド・ローゼズのバンドは、グラムメタルの美学に対する反動というイメージで、10年代の終わり頃に有名になった。

1980年代半ばまでにヘビーメタルは非常に多くの異なる方向に分岐したため、ファン、レコード会社、ファンジンが多数のサブジャンルを生み出した。米国はこれらのサブジャンルの1つであるスラッシュメタルで特に知られており、メタリカ、メガデス、スレイヤー、アンスラックスなどのバンドによって革新され、メタリカが最も商業的に成功した。^[134]米国は1980年代半ばから後半にかけてデスメタル発祥の地の1つとして知られていた。フロリダのシーンは最も有名で、デス、カンニバル・コープス、モービッド・エンジェル、ディーサイドなどのバンドが出演していた。現在、国中には数え切れないほどのデスメタルやデスグラインドバンドが存在する。

ヒップホップは文化的な運動であり、音楽はその一部である。ヒップホップ音楽の大部分は、ラップ（素早い、非常にリズミカルで叙情的なボーカルの配信）とDJおよび/またはプロデュース（サンプリング、インストゥルメンテーション、ターンテーブル、またはビートボックスによる楽器の制作、発声による音楽的なサウンドの制作）の2つの部分から構成されている。^[135]ヒップホップは1970年代初頭にニューヨーク市ブロンクス区で生まれた。ジャマイカ移民のDJクール・ハークはヒップホップの祖と広くみなされており、彼はジャマイカからポピュラーソングのリズムに乗せてトースティングする習慣を持ち込んだ。MCはもともと、DJがかけるソウル、ファンク、R&Bの曲を紹介し、観客を興奮させて踊り続けさせるために生まれた。時間が経つにつれて、DJ は曲のパーカッション ブレイク (リズムが最高潮に達したとき) を分離し、MC がラップする繰り返しのビートを作成するようになりました。

モータウンが主流の成功の根拠を、人種的アイデンティティを無関係にしたそのアーティストたちの階級的魅力に求めていたのとは対照的に、1980年代のヒップホップ、特にロックンロールにクロスオーバーしたヒップホップは、黒人のアイデンティティとの（暗黙的だが強調的な）第一義的な同一性に基づいていた。^[136] 1980年代初頭までに、ヒップホップの人気曲が生まれ、LLクールJのようなシーンの有名人が主流の名声を得た。他のパフォーマーは、政治的な歌詞や社会意識を試したり、ヒップホップをジャズ、ヘビーメタル、テクノ、ファンク、ソウルと融合させたりした。1980年代後半には、オルタナティブ・ヒップホップや、デ・ラ・ソウルのようなラッパーたちが開拓した密接に関連したジャズ・ラップ・フュージョンなどの新しいスタイルが登場した。

ギャングスタ・ラップはヒップホップの一種で、最も重要な特徴は、歌詞がマッチョなセクシュアリティ、肉体、そして危険な犯罪者のイメージに焦点を当てていることである。^[137]ギャングスタ・ラップの起源は、1980年代半ばのフィラデルフィアのスクールリーDと西海岸のアイス-Tのスタイルに遡ることができるが、そのスタイルは広がり、アメリカのさまざまな地域、ノトーリアス・BIGや影響力のあるヒップホップ・グループのウータン・クランなどのニューヨークのラッパー、トゥー・ショートやN.W.A.などの西海岸のラッパーにまで適用されるようになった。独特の西海岸のラップ・シーンは、ギャングスタ・ラップの歌詞と、多くの場合1970年代のファンクのサンプルからの濃厚でぼんやりとしたサウンドを組み合わせた1990年代初期のGファンク・サウンドを生み出した。最もよく知られた提唱者は、ラッパーの2Pac、ドクター・ドレー、アイス・キューブ、スヌープ・ドッグである。ギャングスタ・ラップは、1990年代の終わりから21世紀初頭にかけて、アメリカのポピュラー音楽において大きな存在感を示し続けました。

ギャングスタ・ラップの主流ヒップホップにおける優位性は、カニエ・ウェスト などのヒップホップ・アーティストの主流での成功により、2000年代後半に取って代わられた。^[138]彼とギャングスタ・ラッパーの50セントの3枚目のスタジオ・アルバム『Graduation』と『Curtis』が同時にリリースされ、大々的に宣伝された売上競争の結果が、その後の衰退の原因とされている。^[139]この競争の結果、両アルバムの売上は記録破りとなり、ウェストは50セントを上回り、『Graduation 』は初週だけで100万枚近くを売り上げた。^[140]業界観測筋は、ウェストが50セントに勝利したことは、ラップ・ミュージックが商業的に成功するためにギャングスタ・ラップの慣習に従う必要はないことを証明したと述べている。^[141]

ウェストは、ハードコア・ギャングスターの型に従わずにプラチナ・セールスを記録するアーティストとなったドレイク、ケンドリック・ラマー、J・コールなどの新世代ヒップホップ・アーティストへの道を効果的に切り開きました。 ^{[142] [143]}一方、ドレイクは2018年にピューリッツァー音楽賞を受賞し、クラシックやジャズのジャンル以外のミュージシャンとして初めて受賞しました。

ジェイ・Zは、1990年代半ばのザ・ノトーリアス・B.I.G.とトゥパック・シャクールの死をきっかけに、国際的に有名なヒップホップのアイコンとなった。 ^[144] カニエ・ウェストはジェイ・Zの指導を受け、彼のためにプロデュースし、^[145]同様のレベルの成功を収めた。^[146]

女性ラッパーのニッキー・ミナージュ、カーディ・B、サウィーティー、ドージャ・キャット、イギー・アゼリア、シティ・ガールズ、ミーガン・ジー・スタリオンも主流に加わった。^[147]ヒップホップ文化に顕著な影響を与えた女性は数多くいる。しかし、MCシャロック、MCライト、クイーン・ラティファ、ローリン・ヒル、ミッシー・エリオット、リル・キム、エリカ・バドゥ、フォクシー・ブラウンなど、言及せずにはいられない名前がいくつかある。このリストの中で、MCシャロックは女性ヒップホップ文化の歴史家/先駆者と考えられている。彼女はニューヨークのブロンクスでブレイクダンサーとしてキャリアをスタートし、後に「ヒップホップ文化初の女性MC/ラッパー」になった。^[148]彼女のキャリアは長きにわたっている。ファンキー4+1の元メンバーであることから、グランドマスターフラッシュやフューリアス5などのグループとMCの韻バトルを繰り広げることまで。女性ヒップホップのもう1人の注目すべき先駆者は、ニュージャージー州ニューアークでダナエレインオーウェンズとして生まれた有名なクイーンラティファです。クイーンラティファは17歳という若さでキャリアをスタートさせました。しかし、始まって間もなくすぐに成功しました。彼女は1989年に初のフルアルバム「All Hail the Queen」をリリースしました。 ^[149]彼女は音楽をリリースし続けるにつれてますます人気が高まり、ヒップホップカルチャーの中で名声を高めていきました。しかし、クイーンラティファは普通のラッパーではありませんでした。彼女は黒人女性であることを取り巻く問題や、音楽業界に存在する全体的な社会的不正義の問題についてラップしました。これらの初期の先駆者たちは女性ラップカルチャーをリードし、今日の人気のある女性ヒップホップアーティストに影響を与えています。例えば、そのような人気アーティストには、カーディ・B、ミーガン・ジー・スタリオン、ミス・ムラート、フロー・ミリ、カップケーキなどが含まれます。各アーティストはラップ業界で独自のアイデンティティを持っていますが、ヒップホップが進化するにつれて、音楽のスタイルも進化します。カーディ・Bの初のスタジオアルバム「Invasion of Privacy」 （2018年）は、ビルボード200で初登場1位となり、ビルボードによって2010年代の女性ラップアルバムのナンバーワンに選ばれました。批評家からも絶賛され、カーディ・Bはソロアーティストとしてグラミー賞の最優秀ラップアルバムを獲得した唯一の女性となり、15年ぶりに女性ラップアルバムとしてアルバム・オブ・ザ・イヤーにノミネートされました。

アメリカの音楽業界は、特定の種類の音楽を制作、販売、配給する大企業によって支配されている。一般的に、これらの企業は、非常に多くの聴衆にアピールしないスタイルのレコードを制作しないか、非常に限られた量しか制作しない。より小規模な企業がその空白を埋め、ポルカからサルサまで幅広いスタイルのレコードを提供している。多くの小規模な音楽業界は、テハーノやハワイアン音楽のように主に 1 つの地域に拠点を置くコアなファン層を中心に構築されている場合もあれば、ユダヤ人のクレズマーの聴衆のように広く分散している場合もある。

ロックンロールの初期の先駆者であったヒスパニック系アメリカ人ミュージシャンの中には、いくつかのヒット曲、特に「ラ・バンバ」を作曲したリッチー・ヴァレンスや、ロックンロールの象徴的な曲「ホワイ・ドゥ・フールズ・フォール・イン・ラブ」の歌詞を書いたハーマン・サンティアゴがいます。米国で人気となり、ホリデー/クリスマスシーズンに聞かれる曲には、「¿Dónde Está Santa Claus?」があります。これは、12歳のオーギー・リオスがマーク・ジェフリー・オーケストラをフィーチャーした、1959年のレコードヒットとなった斬新なクリスマスソングです。ホセ・フェリシアーノの「 Feliz Navidad」(1970年)も有名なラテンソングです。

最大のニッチ産業はラテン音楽に基づいています。ラテン音楽は長い間アメリカのポピュラー音楽に影響を与えており、特にジャズの発展に重要な役割を果たしました。現代のポップラテンスタイルには、コロンビアのクンビア、プエルトリコのレゲトン、メキシコのコリードなど、ラテンアメリカ全土から輸入された幅広いジャンルが含まれます。米国のラテンポピュラー音楽は、1930年代と1950年代のダンスバンドの波とともに始まりました。最も人気のあるスタイルには、コンガ、ルンバ、マンボなどがあります。1950年代にはペレス・プラードがチャチャチャを有名にし、アフロキューバンのジャズの台頭により、ラテン音楽のハーモニー、メロディー、リズムの可能性に多くの人が耳を傾けるようになりました。しかし、アメリカで最も有名なラテン音楽はサルサです。サルサには多くのスタイルとバリエーションが取り入れられており、この用語はキューバ由来の人気のあるジャンルのほとんどを説明するために使用できます。しかし、より具体的には、サルサは1970年代半ばのニューヨーク市周辺のキューバ人とプエルトリコ人の移民のグループによって開発された特定のスタイル、および1980年代のサルサロマンティカのようなスタイルの後継者を指します。^[150]サルサのリズムは複雑で、いくつかのパターンが同時に演奏されます。クラーベのリズムはサルサソングの基礎を形成し、演奏者によって独自のフレーズの共通のリズムの基盤として使用されます。^[151]

ラテンアメリカの音楽は長い間、アメリカのポピュラー音楽、ジャズ、リズムアンドブルース、さらにはカントリーミュージックに影響を与えてきました。これには、スペイン語、ポルトガル語、そして（時には）フランス語圏の国や地域の音楽が含まれます。^[152]

今日、アメリカのレコード業界では、ラテン音楽とは、歌詞が主にスペイン語であるあらゆるタイプの音楽と定義されています。^{[153] [154]}主流のアーティストやプロデューサーは、ラテン系アーティストの曲をより多くフィーチャーする傾向があり、英語の曲がスペイン語のラジオにクロスオーバーしたり、その逆も起こりやすくなっています。

アメリカは、シカゴとデトロイトで生まれたハウスとテクノといったエレクトロニック・ダンス・ミュージックの発展に重要な役割を果たした。

今日、ラテンアメリカ音楽は、ラテン要素の有無にかかわらず、ラテン系の人々によって演奏される音楽を指す言葉となっています。シャキーラ、ジェニファー・ロペス、エンリケ・イグレシアス、ピットブル、セレーナ・ゴメス、クリスティーナ・アギレラ、グロリア・エステファン、デミ・ロヴァート、マライア・キャリー、ベッキー・G、パウリナ・ルビオ、カミラ・カベロなどのアーティストがポップチャートで目立っています。ビルボードのホット・ラテン・トラックで最多1位の記録を持つイグレシアスは、バイリンガルアルバムをリリースしました。アーバンアーティストに触発され、ラテンとポップのフォーマットで同時に2つのまったく異なる曲をリリースしています。

アメリカ合衆国政府は音楽産業を規制し、知的財産法を施行し、特定の種類の音楽の促進と収集を行っている。アメリカの著作権法では、録音物や作曲物を含む音楽作品は、有形に固定されるとすぐに知的財産として保護される。著作権者はしばしばその作品を議会図書館に登録し、議会図書館は資料のコレクションを維持している。さらに議会図書館は、20世紀初頭から、研究者を派遣してフォークミュージックを録音するなど、文化的、音楽学的に重要な資料を積極的に探し求めてきた。これらの研究者には、先駆的なアメリカのフォークソング収集家であるアラン・ローマックスがおり、彼の研究は20世紀半ばのルーツリバイバルのきっかけとなった。連邦政府はまた、ミュージシャンやその他のアーティストに助成金を配分する全米芸術人文基金、研究および教育プログラムを実施するスミソニアン協会、非営利団体やテレビ放送局に資金を提供する公共放送公社にも資金を提供している。 ^[155]

音楽は長い間、米国の政治に影響を与えてきた。政党や政治運動は、理想や価値観を伝えたり、政治行事で娯楽を提供するために、音楽や歌を頻繁に利用している。ウィリアム・ヘンリー・ハリソンの大統領選挙運動は、音楽から大きな恩恵を受けた最初の選挙運動であり、その後、主要候補者が国民の熱狂を生み出すために歌を使うことが標準的な慣行となった。最近では、政治家がテーマソングを選ぶことが多く、そのいくつかは象徴的なものとなっている。たとえば、「Happy Days Are Here Again」という歌は、 1932年のフランクリン・D・ルーズベルトの選挙運動以来、民主党と結び付けられている。しかし、1950年代以降、音楽は政治において重要性を失っており、ほとんどまたはまったく音楽のないテレビ選挙運動に取って代わられている。特定の形式の音楽は、特に1960年代に、政治的抗議とより密接に結び付けられるようになった。マヘリア・ジャクソンのようなゴスペル歌手は公民権運動で重要人物となり、アメリカのフォークリバイバルは、 1960年代のカウンターカルチャーとベトナム戦争反対を広める一因となった。^[156]

米国は世界最大の音楽市場を有し、2014年の総小売価格は49億ドルに達している。^{[157]米国の音楽産業には、レコード会社から}ラジオ局、コミュニティオーケストラまで、さまざまな分野が含まれる。業界の総収益は世界で約400億ドル、米国では約120億ドルである。^{[158]世界の}大手レコード会社のほとんどは米国に拠点を置いており、米国レコード協会（RIAA）が代表を務めている。大手レコード会社は、自社のレコードレーベル（特定のジャンルやレコードプロデューサーに関連付けられることが多いブランド名）のいずれかと契約したアーティストの作品を制作している。レコード会社はまた、広告、公演やコンサート、テレビ出演などを通じて、アーティストの宣伝やマーケティングを行うこともある。レコード会社は、人気のある録音音楽に関連した製品を制作する他の音楽メディア企業と提携している場合もある。これには、MTVなどのテレビ局、ローリングストーンなどの雑誌、ラジオ局などが含まれる。近年、音楽業界は、著作権で保護された音楽のインターネットダウンロードの増加をめぐる混乱に巻き込まれている。多くのミュージシャンやRIAAは、著作権のある音楽を違法にダウンロードするファンを処罰しようとしてきた。^[159]

米国のラジオ局はポピュラー音楽を放送することが多い。各音楽局にはフォーマット、つまり再生する曲のカテゴリーがあり、これらは通常の一般的な分類と概ね似ているが同じではない。米国のラジオ局の多くは地元で所有・運営されており、多様な録音を提供している。他の多くの局はClear Channel のような大企業が所有しており、一般的に小規模で反復的なプレイリストに基づいている。録音物の商業的売上はBillboard誌によって追跡されており、同誌は録音音楽販売の様々な分野で多数の音楽チャートをまとめている。Billboard Hot 100はシングル （少数の曲からなる録音）のトップポップミュージックチャートである。より長いポップ録音はアルバム （Billboard 200）によって追跡されている。^[160]録音された音楽はアメリカの家庭ではありふれたものだが、音楽業界の収益の多くは少数の熱狂的ファンから得られている。例えば、アルバム売上の 62% は音楽を購入する聴衆の 25% 未満によるものである。^[161] 2005年の米国におけるCDの総売上枚数は7億500万枚を超え、シングルの売上枚数は300万枚弱となった。^[162]

大手レコード会社がアメリカの音楽業界を支配しているが、独立系音楽業界（インディーズ音楽）も存在する。ほとんどのインディーズレコードレーベルは、小さな地域以外では小売流通が限られているか、まったくない。アーティストはインディーズレーベルでレコーディングして、メジャーレーベルと契約できるほどの評価を得ることもあれば、キャリア全体をインディーズレーベルで過ごすことを選択することもある。インディーズ音楽は、一般的に主流の音楽と似たスタイルであるが、多くの人にとってはアクセスしにくい、珍しい、または魅力がないことが多い。インディーズミュージシャンは、ファンやその他の人々がダウンロードして聴けるように、インターネットで曲の一部またはすべてをリリースすることが多い。^[159]レコーディングアーティストの多種多様なほか、コミュニティオーケストラ、結婚式の歌手やバンド、ラウンジシンガー、ナイトクラブのDJなど、米国にはプロのミュージシャンの分野が数多くあり、その多くはめったにレコーディングをしない。アメリカ音楽家連盟は、アメリカ最大のプロのミュージシャン労働組合である。しかし、連盟のメンバーのうち、安定した音楽関係の雇用を得ているのはわずか15％である。^[163]

音楽はアメリカ合衆国の教育において重要な位置を占めており、国内のほとんどあるいはすべての学校システムで取り入れられている。音楽教育は一般的に公立小学校では必修科目であり、高等学校では選択科目となっている。^[164]

アメリカ合衆国における音楽の学術的研究には、音楽と社会階級、人種・民族・宗教的アイデンティティ、ジェンダー・セクシュアリティとの関連づけや、音楽史、音楽学、その他のテーマに関する研究が含まれる。アメリカ音楽の学術的研究は、アリス・フレッチャーやフランシス・ラ・フレッシュなどの研究者がアメリカ民族学局やピーボディー考古学民族学博物館に勤務し、オマハ族の音楽を研究した19世紀後半に遡ることができる。1890年代から20世紀初頭にかけて、アメリカの先住民、ヒスパニック、アフリカ系アメリカ人、アングロ・アメリカ人の間で音楽学的な録音が行われた。多くが議会図書館に勤務し、最初は図書館音楽部門長のオスカー・ソネックの指揮下にあった。 ^{[165]これらの研究者には、}アメリカ民謡アーカイブの創設者ロバート・W・ゴードンや、ジョン・ロマックス、アラン・ロマックスなどが含まれる。アラン・ローマックスは、20世紀のアメリカのフォーク文化のルーツ復興に貢献した数人のフォークソング収集家の中で最も著名な人物であった。 ^[166]

20世紀初頭のアメリカ音楽の学術的分析では、ヨーロッパ由来のクラシック音楽の伝統が最も研究に値すると解釈する傾向があり、庶民の民俗音楽、宗教音楽、伝統音楽は低級で芸術的または社会的価値がほとんどないと軽蔑されていました。アメリカの音楽史は、はるかに長いヨーロッパ諸国の歴史記録と比較され、不十分であることが判明し、作曲家アーサー・ファーウェルのような著述家は、1915年の著書『アメリカの音楽』で、アメリカ文化からどのような音楽の伝統が生まれるのかを熟考するようになりました。1930年には、ジョン・タスカー・ハワードの『われらのアメリカ音楽』が標準的な分析となり、主にアメリカで作曲されたコンサート音楽に焦点を当てました。^{[167] 20世紀半ばの音楽学者}チャールズ・シーガーの分析以来、アメリカの音楽史は人種や祖先の認識と密接に関連しているとよく言われています。この見解によれば、米国の多様な人種的・民族的背景は、人種間の音楽的分離感を促進する一方で、ヨーロッパ、アフリカ、先住民の音楽の要素が分野間を移行するにつれて、絶え間ない文化変容を促してきた。^[165] ギルバート・チェイスの『ピルグリムから現在までのアメリカの音楽』は、米国全体の音楽を調査し、コンサートホールの音楽よりも民俗伝統の方が文化的に重要であることを認識した最初の主要な著作であった。チェイスの多様なアメリカの音楽的アイデンティティの分析は、学界の間で支配的な見解であり続けている。^[167]しかし、1960年代から1970年代まで、米国のほとんどの音楽学者はヨーロッパの音楽を研究し続け、特にヨーロッパ由来のクラシックやオペラのスタイル、そして時にはアフリカ系アメリカ人のジャズなど、アメリカ音楽の特定の分野のみに限定していた。より現代的な音楽学者や民族音楽学者は、国民の音楽的アイデンティティから、アメリカの歴史の特定の時期における特定のコミュニティの個々のスタイルやテクニックに至るまで、幅広い主題を研究してきました。^[165]アメリカ音楽に関する最近の著名な研究には、 1983年のチャールズ・ハムの『新世界の音楽』や2001年のリチャード・クロフォードの『アメリカの音楽生活』などがあります^。[168]

音楽はアメリカの多くの祝日の重要な部分を占めており、特に冬のクリスマスのお祝いでは大きな役割を果たしています。この祝日の音楽には、「オー・ホーリー・ナイト」のような宗教的な歌と、「ジングルベル」のような世俗的な歌の両方が含まれます。国歌「星条旗」のような愛国的な歌は、独立記念日のお祝いの大きな部分を占めています。音楽はまた、全国的に祝われない多くの地方の祝日でも重要な役割を果たしており、最も有名なのはルイジアナ州ニューオーリンズの音楽とダンスのパレードとフェスティバルであるマルディグラです。

アメリカには数多くの音楽フェスティバルがあり、ブルースやジャズからインディーズロックやヘビーメタルまで、さまざまなスタイルが披露されます。一部の音楽フェスティバルは完全に地域限定で、全国的に有名なアーティストはほとんど出演せず、通常は地元のプロモーターによって運営されています。大手レコード会社は、ロラパルーザやオズフェストなど、大勢の観客を集める独自の音楽フェスティバルを運営しています。

• アメリカの抗議歌

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• テネシー州
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• ワシントン D.C.

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• アメリカの必聴録音調査
• 音楽出版社協会
• 音楽図書館協会
• 歴史的なアメリカの楽譜 2008年5月16日アーカイブ、Wayback Machine
• レスター・S・レヴィ楽譜コレクション 1780～1960年のアメリカの人気音楽
• アメリカ音楽がポップカルチャーに与えた影響