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レコードプロデューサーまたは音楽プロデューサーは、音楽制作プロジェクト全体の監督者であり、その責任には、創造的および技術的なリーダーシップの役割が幅広く含まれる場合があります。通常、この仕事には、レコーディングセッションの実践的な監督、アーティストが許容できる質の高いパフォーマンスを提供することの保証、レコーディングの技術的なエンジニアリングの監督、制作チームとプロセスの調整が含まれます。音楽プロジェクトにおけるプロデューサーの関与は、深さと範囲が異なる場合があります。ポピュラー音楽のジャンルでは、プロデューサーがレコーディングのサウンドと構成全体を作成することもあります。[ 1 ] [ 2 ] [ 3 ]しかし、たとえばクラシック音楽のレコーディングでは、プロデューサーは指揮者とエンジニアリングチームの間の連絡役として機能します。この役割は、映画監督の役割によく似ていますが、重要な違いがあります。[ 1 ] [ 3 ]これは、主に管理レベルでレコーディングプロジェクトに関与するエグゼクティブプロデューサーの役割や、レコーディング技術を操作するオーディオエンジニアの役割とは異なります。
プロジェクトによって異なるが、プロデューサーがすべてのアーティストを選ぶ場合もあれば、選ばない場合もある。[ 4 ] [ 3 ]シンセサイザーやサンプリング楽器のみを使用する場合は、プロデューサーが唯一のアーティストとなることもある。逆に、アーティスト自身がプロデュースを行う場合もある。[ 3 ]プロデューサー自身がエンジニアを務める場合もあり、[ 5 ]プリプロダクション、レコーディング、ミキシング、マスタリングなど、プロジェクト全体にわたって技術を操作することもある。レコードプロデューサーの前身は「A&Rマン」であり、彼らも同様に起業家精神、創造性、技術の役割を融合させることができたが、[ 2 ]創造的な影響力はほとんど発揮されなかった。[ 6 ] 1950年代まで、レコード制作はアーティスト自身のライブパフォーマンスとの音響的な一致を向上させることに重点を置いていたからである。[ 3 ]
録音技術の進歩、特に1940年代のテープ録音の登場（レス・ポールはこれをさらに改良してマルチトラック録音を開発した[ 7 ]）と1950年代の電子楽器の台頭により、レコード制作は専門分野となった[ 3 ] 。ポピュラー音楽においては、ジョージ・マーティン、フィル・スペクター、ブライアン・イーノといったプロデューサーが、精巧なテクニックと非現実的なサウンドを用いた現在の音楽制作へと進化を導き、ライブでは再現不可能な楽曲を生み出した[ 1 ] [ 8 ] 。 1980年代以降、アナログからデジタルへの移行により、可能性はさらに広がった[ 3 ] 。現在では、Logic Pro、 Pro Tools、Studio OneなどのDAW（デジタルオーディオワークステーション）によって、普通のコンピュータが制作コンソールとなり[ 9 ] [ 10 ]、初心者でも手頃なホームスタジオで熟練したプロデューサーになれるようになった。[ 11 ] [ 12 ] 2010年代には、女性のプロデューサーやエンジニアの普及率を高めるための取り組みが始まった。これらの分野では、男性に比べて圧倒的に数が少なく、クラシック音楽の分野でしか目立った評価を受けていなかった。[ 11 ] [ 13 ]
ポピュラー音楽のレコーディングという大規模なプロジェクトは、3人の専門家によって分担されることが多い。ビジネスパートナーシップや資金調達を監督するエグゼクティブプロデューサー、専門的な批評やボーカルテクニックの指導を通してボーカルパフォーマンスを支援するボーカルプロデューサーまたはボーカルアレンジャー、そして楽曲の最終ミックスに至るまでのレコーディング全体のクリエイティブプロセスを指揮するレコードプロデューサーまたはミュージックプロデューサー（単にプロデューサーと呼ばれることも多い）である。
プロデューサーの役割には、アイデアの収集、作曲、セッションミュージシャンの選定、楽曲アレンジの変更提案、演奏者の指導、セッションの管理、オーディオミキシングの監督、場合によってはオーディオマスタリングの監督などが含まれます。プロデューサーは、代わりに監督や助言の役割を担い、アーティスト自身にクリエイティブコントロールを委ねることもあります。グラミー賞ノミネートの資格については、レコーディングアカデミーはプロデューサーを次のように定義しています。[ 2 ]
レコーディングプロジェクト全体、およびそのプロジェクトに含まれる個々のレコーディングセッションの全体的なクリエイティブおよび技術的な管理を担う人物。レコーディングスタジオまたはロケーションレコーディングに立ち会い、アーティストやエンジニアと直接連携して作業を行う。プロデューサーは、音楽コンテンツの制作において、アーティストとレーベル双方の目標を実現するクリエイティブおよび美的判断を下す。その他の職務には、予算とスケジュールの管理、締め切りの遵守、ミュージシャン、歌手、スタジオ、エンジニアの雇用、その他のスタッフ配置の監督、編集（クラシックプロジェクト）などが含まれるが、これらに限定されない。
プロデューサーは、レコーディング工程の技術的な側面、すなわち電子機器の操作や、ボーカルや楽器演奏など、選ばれたパフォーマンスの録音済みトラックをステレオまたはサラウンドサウンドにミックスすることに重点を置くミキシングエンジニアを選定し、協力することが多い。その後、マスタリングエンジニアが、選ばれたメディアでの配信に向けて、この録音をさらに調整する。プロデューサーは、1、2曲のみを担当する場合もあれば、アーティストのアルバム全体を担当し、アルバム全体のビジョンを練り上げる場合もある。レコードプロデューサーは、エグゼクティブプロデューサーの役割を担い、予算、スケジュール、契約、交渉などを管理することもある。
（アーティストとレパートリー）
1880年代、レコード業界は、アーティストが蓄音機で演奏することから始まった。[ 14 ] 1924年、蓄音機とレコード業界を扱っていた業界誌『トーキング・マシン・ワールド』は、ビクター・レコードの「ニューヨーク・アーティスト・アンド・レパートリー部門」のマネージャーであるエディ・キングが、ロサンゼルスで一連の録音を計画していると報じた。後に、民俗学者のアーチー・グリーンは、これを「A&Rマン」という言葉の最も初期の印刷物使用例と呼んだ。実際には、「A&Rマン」とも「A&R」とも書かれていない。「A&R」は、おそらく1946年にビルボード誌が作った頭字語で、1940年代後半に広く使われるようになった。[ 15 ]
1920年代と1930年代には、コロンビア・レコードのベン・セルヴィン、ビクター・レコードのナサニエル・シルクレト、ブランズウィック・レコードのボブ・ヘリングといったA&R幹部がレコード・プロデューサーの先駆けとなり、レコーディングを監督し、しばしばセッション・オーケストラを率いた。[ 6 ] 1940年代には、大手レコード会社が公式のA&R部門を開設し、その役割にはレコーディングの監督も含まれるようになった。[ 15 ]一方、独立系のレコーディング・スタジオが開設され、レコード・プロデューサーという専門職の誕生に貢献した。しかし、A&R担当者の中には作曲をする者もいたが、レコード制作は依然としてレコード盤の製造のみを指していた。[ 6 ]
第二次世界大戦後、現在理解されているようなレコード制作に影響力を持って移行し、時には独立系レーベルを所有した先駆的なA&Rマネージャーには、J.メイヨー・ウィリアムズとジョン・ハモンドがいる。ハモンドはコロンビア・レコードからマーキュリー・レコードに移籍した際、ミッチ・ミラーをニューヨークのマーキュリーの人気レコード部門の責任者に任命した。ミラーはその後、パティ・ペイジやフランキー・レインのカントリー・ポップ・クロスオーバー・ヒットをプロデュースし、マーキュリーからコロンビアに移籍し、1950年代を代表するA&Rマンとなった。[ 6 ]
この10年間、A&Rの幹部は楽曲のサウンドの特徴をますます指示するようになったが、多くは依然として歌手とミュージシャンを単に組み合わせるだけであり、また、ほとんど創造的な影響力を行使しない者もいた。現在の意味、つまり楽曲制作のクリエイティブディレクターとしてのレコードプロデューサーという用語は、1953年のビルボード誌に登場し、1960年代に広く普及した。しかし、正式な区別はしばらくの間曖昧だった。[ 6 ]モータウン・レコード・レーベルでベリー・ゴーディに雇われたウィリアム・“ミッキー”・スティーブンソンのように、A&Rマネージャーがクリエイティブディレクターを務める場合もあった。[ 16 ]
1947年、アメリカ市場では磁気テープへの音声録音が可能になった。[ 17 ]レコード産業の黎明期である1880年代には、録音は蓄音機によって行われ、音波波形が円筒に垂直に刻まれていた。[18] 1930年代には、蓄音機がそれをディスクに横方向に刻むようになった。[19] 低音域や高音域、ダイナミックレンジに制限があったため、レコードではコンサート用のグランドピアノが小さなアップライトピアノのように聞こえ、最大録音時間は4分半だった。[ 14 ] [ 19 ]選曲や演奏はそれに応じて変更されることが多く、このディスク（ワックスマスター）を再生すると、それが破壊された。その終わりがしばしば不安を引き起こし、演奏を抑制してミスを防ごうとした。 1940年代、第二次世界大戦中に、ドイツ人は磁気テープへの音声録音技術を改良し、録音時間の制限を撤廃し、即時再生、再録音、編集を可能にした。この技術は、レコードプロデューサーが現在の役割を担うようになるための前提条件となった。[ 19 ]
レコーディング業界の初期には、すべてのアーティストがライブで一発録りするだけでレコードが完成しました。[ 18 ] 1945年、[ 7 ]レス・ポールは、以前に録音されたレコードを再生しながら音楽要素を録音することで、「サウンド・オン・サウンド」と呼ばれる録音技術を開発しました。これにより、最終的な録音を部分的に構築し、調整することができ、編集プロセスが実現しました。あるケースでは、ポールは500枚の録音ディスクを使用して曲を制作しました。しかし、このプロセスの退屈さに加えて、環境音として再録音された以前に録音された要素の音質が段階的に劣化しました。しかし、1948年にポールはテープ録音を採用し、「オーバーダビング」という新しい技術によって真のマルチトラック録音を可能にしました。[ 18 ]
オーバーダビングを可能にするために、ポールはテープレコーダー自体を改良し、2つ目の再生ヘッドを追加してプレビューヘッドと名付けました。既存の録音ヘッド、消去ヘッド、再生ヘッドに加わるプレビューヘッドにより、アーティストはヘッドホンで既存の録音を同期再生し、現在の演奏を独立したトラックに単独で録音することができます。[ 7 ]この複数のトラックの分離により、無数のミキシングの可能性が生まれます。プロデューサーは当初、「ベッドトラック」 、つまりベースライン、ドラム、リズムギターを含むリズムセクションのみを録音し、ボーカルや楽器のソロは後から追加することができました。たとえば、ホーンセクションは1週間後に録音し、ストリングスセクションはさらに1週間後に録音することができました。歌手は自分のバックボーカルを演奏したり、ギタリストは15レイヤーを演奏したりすることができました。
1960年代を通して、ポピュラー音楽はピアノ、アップライトベース、アコースティックギター、金管楽器などのアコースティック楽器から、エレキギター、キーボード、シンセサイザーなどの電子楽器へと移行し、楽器アンプとスピーカーを使用するようになった。これらはアコースティック楽器を模倣したり、まったく新しいサウンドを作り出したりできるようになった。やがて、テープ、マルチトラック録音、電子楽器の機能を組み合わせることで、フィル・スペクター、ジョージ・マーティン、ジョー・ミークなどのプロデューサーは、生では実現不可能なサウンドを作り出した。[ 8 ]同様に、ジャズ・フュージョンでは、マイルス・デイヴィスの1970年のアルバム『ビッチェズ・ブリュー』をプロデュースしたテオ・マセロが、広範囲にわたる即興演奏セッションのセクションをつなぎ合わせた。
1960年代には、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、キンクスなどのロックバンドが自分たちの曲をプロデュースしたが、多くの曲は公式には専門のプロデューサーにクレジットされている。 [ 20 ]しかし、特に影響力があったのはビーチ・ボーイズで、バンドのリーダーであるブライアン・ウィルソンは、バンドが商業的にブレイクしてから数年後に父親のマリーからその地位を引き継いだ。1964年までに、ウィルソンはスペクターのテクニックを前例のないほど洗練されたものにした。ウィルソンは1963年から1967年までのビーチ・ボーイズのすべてのレコーディングを一人でプロデュースした。ウィルソンは複数のスタジオとインストゥルメンタルとボーカルのトラックの複数回の試行を使用して、パフォーマンスとオーディオ品質の最良の組み合わせを選択し、テープ編集を使用して複合パフォーマンスを組み立てた。
1980年代にデジタル処理とフォーマットが登場すると、アナログ処理とフォーマット、つまりテープとビニールが急速に取って代わられました。少なくとも半インチ幅で毎秒15インチ移動する高品質のテープに録音することで、「テープヒス」は無音部分に限定されていましたが、デジタルの高い信号対雑音比（SNR）により、それはなくなりました。デジタルはまた、アナログ録音の「温かみのある」音質と丸みのある低音を失う一方で、音楽に「原始的」な音質をもたらしました。[ 21 ]しかし、テープメディアの編集では、リボン上の目的のオーディオを物理的に見つけて、そこでカットし、断片をスプライシングする必要がありますが、デジタルメディアの編集は、容易さ、効率性、可能性において議論の余地のない利点があります。
1990年代には、制作ソフトウェアを通じて、手頃な価格の家庭用コンピュータでデジタル制作が可能になりました。現在では、録音とミキシングは多くの場合、DAW（デジタルオーディオワークステーション）に集中しており、たとえば、Pro Tools、Logic Pro、Ableton、Cubase、Reason、FL Studioなどがあり、サードパーティ製のプラグインによって仮想スタジオ技術が実現されています。[ 9 ]業界でかなり標準的なDAWは、Logic ProとPro Toolsです。[ 10 ]関係する物理的なデバイスには、メインミキサー、機器間の通信を行うMIDIコントローラー、録音デバイス自体、場合によっては外部のエフェクト機器が含まれます。しかし、実際の録音は、テープへのアナログ録音がまだある場合もあり、その場合は、処理と編集のために生の録音がデジタル信号に変換されます。これは、一部のプロデューサーがテープへの録音にオーディオ上の利点を見出しているためです。[ 21 ]
従来、テープは過変調に対して寛容である。過変調とは、ダイナミックピークが最大記録信号レベルを超える現象である。テープの限界は、物理的特性である磁気容量であり、これは徐々に減少するため、信号が15デシベル近く「ホット」であっても過変調波形を滑らかにする。一方、デジタル録音は、オーバーシュートが発生すると「クリッピング」による激しい歪みで台無しになる。[ 21 ]しかし、デジタル録音では、最近の進歩である32ビット浮動小数点により、DAWがクリッピングを解消できるようになった。[ 22 ]それでも、デジタル楽器やワークフローは自動化が過剰であり、創造性や音響制御を損なうと批判する人もいる。[ 23 ]いずれにせよ、制作技術が劇的に変化するにつれて、知識の要求も変化してきたが、[ 24 ] DAWのおかげで、初心者、さらには自宅で10代の若者でも制作を独学で学ぶことができるようになった。[ 11 ]アーティストと仕事をする前にプロ並みの能力を身につけた人もいる。[ 12 ]
女性のレコードプロデューサーの中では、シルビア・モイがモータウンで最初の人物であり、ゲイル・デイヴィスがナッシュビルのミュージック・ロウで最初の人物であり、エセル・ガブリエルはRCAで大手レコードレーベルで最初の人物であった。トランペット・レコードを所有していたリリアン・マクマリーは、影響力のあるブルースレコードをプロデュースした。一方、ウィルマ・コザート・ファインは、マーキュリー・レコードのクラシック部門で数百枚のレコードをプロデュースした。クラシックのプロデュースでは、3人の女性がグラミー賞を受賞しており、ジュディス・シャーマンの2015年の受賞は彼女にとって5度目であった。[ 12 ]しかし、クラシック以外の分野では、 1975年から授与されているプロデューサー・オブ・ザ・イヤーを受賞した女性はおらず、自分のレコード以外でノミネートされたのはリンダ・ペリーただ一人である。ローレン・クリスティの2004年のノミネートに続き、リンダ・ペリーの2019年のノミネートが次の女性であった。[ 25 ]これまで女性が受賞したことがない理由について、ペリーは「興味を持っている女性がそれほど多くないと思う」とコメントした。[ 12 ]イギリスでは、リンジー・デ・ポールが初期の女性レコードプロデューサーであり、アイヴァー・ノヴェロ賞を受賞した2曲をプロデュースした。
数十年にわたり、多くの女性アーティストが自身の音楽をプロデュースしてきました。例えば、ケイト・ブッシュ、マドンナ、マライア・キャリー、シャキーラ、ジャネット・ジャクソン、ビヨンセ（デスティニーズ・チャイルドやカーターズ時代のものも含む）、ラナ・デル・レイ、テイラー・スウィフト、ロードといったアーティストは、プロデュースまたは共同プロデュースを手がけています[ 11 ] [ 26 ] 。また、アリアナ・グランデは、自身のボーカルのプロデュースとアレンジに加え、オーディオ・エンジニアも務めています[ 27 ] [ 28 ] [ 29 ] 。しかし、専門家の間では、ヒップホップのミッシー・エリオットやロックのシルビア・マッシーなど、著名な女性もいますが、圧倒的多数は男性です。[ 11 ] 2010年代初頭、業界で成功を収めた女性として自身が得た洞察を求められ、ウェンディ・ペイジは「困難は通常、非常に短期間で終わります。人々があなたが自分の仕事ができると気づけば、性差別は醜い顔を隠してしまう傾向があります」と述べた。[ 11 ]それでも、彼女の職業における男女格差を説明するよう求められたとき、ペイジは、男性が支配するレコードレーベルが「レコード制作のような巨大で創造的なプロジェクトの指揮を女性に任せることを信用していない」ことが一因だと述べた。[ 11 ]結局のところ、理由は複数あり、完全には明らかではないが、性差別の種類や、この職業における女性のロールモデルの不足などが主な要因として挙げられている。[ 12 ]
2018 年 1 月、USC アネンバーグ コミュニケーション・ジャーナリズム学部[ 31 ]に拠点を置くアネンバーグインクルージョン イニシアチブの創設者兼ディレクターであるステイシー L. スミス[ 30 ]率いる研究チームが、過去数年間で人気曲のプロデューサーの約 2% が女性であったと推定する報告書[ 32 ]を発表しました。 [ 13 ]また、同じ月に、ビルボード誌は「女性の音楽プロデューサーはどこにいるのか？」と疑問を呈しました。 [ 12 ] 2019 年 2 月に発表されたアネンバーグ インクルージョン イニシアチブの第 2 回目の年次報告書[ 33 ]では、 USC の同部門が、「2018 年に、音楽業界における女性の不足」と「音楽業界における女性の窮状」について、アーティスト、経営幹部、その他の音楽業界の専門家から抗議の声が上がったと報告しました。女性は「ステレオタイプ化され、性的対象化され、排除されている」とされています。[ 31 ]また、2019年2月には、レコーディング・アカデミーの多様性と包括性に関するタスクフォースが、カーディ・Bやテイラー・スウィフトからマルーン5やクインシー・ジョーンズまで、 200人以上のアーティストやプロデューサーが、プロデューサーやエンジニアの各ポジションに少なくとも2人の女性を候補に入れることに同意するというイニシアチブを発表した。[ 13 ]アカデミーのウェブサイトGrammy.comは、「このイニシアチブは、これらの数字を改善し、音楽業界全体の多様性と包括性を高めるためのより広範な取り組みの第一歩です」と発表した。[ 13 ]
dBFSを
超える部分は、
録音後にDAWで許容レベルまで下げることができます。