ハワイの音楽

ハワイの音楽には、ハワイ固有のフォークミュージックから現代のロックやヒップホップまで、さまざまな伝統的およびポピュラーなスタイルが含まれます。スラックキーギターなどのスタイルは世界的によく知られており、ハワイ風の音楽はハリウッドの サウンドトラックによく使用されています。ハワイは、スチールギターの導入によってカントリーミュージックにも貢献しました。^[1]さらに、1900年代初頭にハワイのプエルトリコ人によって演奏され始めた音楽は、ハワイ諸島では カチカチ音楽と呼ばれています。

ハワイのネイティブハワイアンコミュニティの伝統音楽は、主に宗教的な性質を持ち、詠唱やダンス音楽が含まれています。ハワイアン音楽は他のポリネシア諸島の音楽に顕著な影響を与えてきました。ピーター・マヌエルはハワイアン音楽の影響を「現代の太平洋音楽の発展における統一要因」と呼んでいます。^[2]

ハワイの主要な音楽フェスティバルには、世界中のフラグループが集まるメリーモナークフラフェスティバルや、ビッグアイランドスラックキーギターフェスティバル、スチールギターアソシエーションフェスティバル、ギャビーパヒヌイ/アッタアイザックススラックキーフェスティバルなど、スラックキーとスチールギターのフェスティバルが数多くある。4月のアロハウィークは、レイバーデーの前後に開催されるモロカイミュージックフェスティバルと同様に、人気の観光スポットである。^[1] ハワイ国際ジャズフェスティバルもあり、1993年から2007年まで開催されていた。^{[3] [4]}毎年恒例のパシフィックリムジャズフェスティバルは、中秋にハワイコンベンションセンターで開催される。^{[5]毎年恒例のマノアジャズ＆ヘリテージフェスティバルは、初秋に}ハワイ大学マノア校のアンドリュースアンフィシアターで開催される。^[6]

ハワイには数多くのホテルがあり、その多くは午後や夜に音楽を演奏します。有名なものとしては、カハラ・ヒルトン、シェラトン・モアナ・ホテル、シェラトン・ワイキキ、ハレクラニ、カサノバズ、キング・カメハメハ・ホテルなどがあります。^[1] ハワイの大きな音楽会場には、600席^[7]を誇りビッグアイランドで最大の会場であるハワイ大学ヒロ校舞台芸術センターがあります。 ^[8] カウアイ島には560席の会場と文化展示センターがあるカウアイ・コミュニティ・カレッジ舞台芸術センターがあります。^[9] ホノルルでは、ニール・S・ブレイズデル・センター・アリーナ、コンサートホール、展示ホールの3つが州内最大級の会場です。^[10]オアフ島にあるハワイアン音楽の会場には他に、主にコンサートや娯楽目的で使用される施設であるワイキキ・シェルがあります。長年にわたり、多くの地元アーティストだけでなく海外アーティストもここでステージを飾ってきました。カピオラニ公園にあるユニークな野外劇場です。この会場の収容人数は2,400人で、芝生エリアにはさらに6,000人まで収容可能です。コンサート、卒業式、フラダンスショーはこの場所のほか、ハワイ大学マノア校のケネディ劇場やアンドリュース野外劇場、ブレイズデルセンターコンサートホール、ホノルルのダウンタウンにあるハワイ劇場、レッドエレファント（ホノルルのダウンタウンにあるパフォーマンススペース兼レコーディングスタジオ）、ウィンドワードコミュニティカレッジのパリク劇場、リーワードコミュニティカレッジ劇場で開催されます。^{[11]歴史あるラナイ劇場は}ラナイ島の文化的ランドマークで、1930年代に建てられました。^{[12] [13]}

ハワイには、様々な分野で有名な音楽団体が数多くある。ホノルル交響楽団は、州の音楽史において重要な役割を果たしており、1900年に設立されたロッキー山脈以西では米国最古のオーケストラである。^{[14]このオーケストラは、}ハワイ・オペラ・シアターや、ホノルル交響楽団合唱団やホノルル室内合唱団を後援するオアフ合唱協会など、他の地元団体と協力している。 ^[15]

ハワイの音楽の伝統に適した特別な音楽スタイルや楽器をサポートするビジネスが数多く設立されました。ギター アンド リュート ワークショップは、1970 年代初頭に特殊なスラック キー ギターを製造および推進した最初の企業であり、カマカ ウクレレカンパニーはハワイの音楽活動のためのウクレレの主要製造企業として設立されました。

ハワイの民俗音楽には、数種類の詠唱（メレ）と、高度に儀式化されたダンス（フラ）のための音楽が含まれています。伝統的なハワイの音楽とダンスは機能的であり、賞賛を表現したり、系譜や神話を伝えたり、ゲーム、祭り、その他の世俗的なイベントに伴奏したりするために使用されました。ハワイ語には音楽と正確に翻訳できる言葉はありませんが、リズム、楽器、スタイル、発声の要素を説明する多様な語彙があります。ハワイの民俗音楽はメロディーとリズムはシンプルですが、「詩、伴奏の模倣ダンス（フラ）、発声スタイルの繊細さなど、今日まで残っている減衰した形態でさえも複雑で豊かです」。^[2]

チャント（メレ）は、通常、イプ・ヘケ（二重のひょうたん）やパフ（サメ皮で覆われた太鼓）を伴奏として用いられます。ダンスによっては、イプ（一重のひょうたん）、イリイリ（水で磨り減った溶岩石のカスタネット）、ウリウリ（羽根の付いたひょうたんのガラガラ）、プイリ（竹の割り棒）、カラアウ（リズム棒）などのフラの道具を使う必要があります。古くからある正式なフラはカヒコと呼ばれ、現代版はアウナと呼ばれています。また、オリと呼ばれる宗教的なチャントもあり、ダンスと太鼓を伴奏として用いる場合は、メレ・フラ・パフと呼ばれます。

接触以前のハワイ語では、メレという言葉はあらゆる種類の詩的表現を指していましたが、現在では歌と翻訳されています。ハワイのチャントには、メレ・オリとメレ・フラの2種類がありました。前者はアカペラの個々の歌で、後者はグループで演奏されるダンス音楽の伴奏でした。チャンターはハク・メレとして知られ、高度な訓練を受けた作曲家および演奏者でした。チャントの中には、不安や愛情などの感情を表現したり、他の人に頼み事をしたりするものがあります。他のチャントは、命名(メレ・イノア)、祈り(メレ・プレ)、サーフィン(メレ・ヘエ・ナル)、系図の朗読 (メレ・コイホヌア) など、特定の目的のためのものです。メレのチャントは厳格な規則によって統制されており、早口のケパケパや発音の早いコイホヌアなど、いくつかのスタイルで行われました。

ハワイ音楽の歴史的記録は、非ハワイ人（ハオレ）が島に到着した18世紀後半以前には及んでいない。1778年以降、ハワイはプロテスタント宣教師の聖歌隊によってもたらされた賛美歌（ヒメニ）を含む、ヨーロッパの音楽のさまざまなスタイルが導入され、文化変容の時代に入った。スペイン語を話すメキシコのカウボーイ（パニオロ）は、音楽の分野で特に影響力のある移民であり、ギターなどの弦楽器や、おそらくはファルセット歌唱のテクニックも紹介した。一方、ポルトガル移民はウクレレに似たブラギーニャを持ち込んだ。^[1]また、世界中からの移民が島に独自の楽器を持ち込んでいた。

エリザベス・タタールは、ハワイ音楽の歴史を7つの時期に分けた。最初の時期は、ヨーロッパ人が最初に到着し、彼らの音楽文化が始まった1820年から1872年頃までである。その後の時期は20世紀初頭まで続き、ヨーロッパの楽器が島中に広まる一方で、ハワイアン文化に適応しながらも特徴的なモダン・ハワイアン・スタイルが生まれた。タタールの3番目の時期である1900年から1915年頃は、英語とハワイアン音楽の表面的な要素のみを使用するハパ・ハオレの歌が発明され、ハワイアン音楽がより広範なアメリカのポピュラー音楽の分野に統合された時期であった。ハワイのレコーディング産業の始まりは、ビクター・トーキング・マシン社がハワイ領土で最初の53枚のレコーディングを行った1906年であった。^[16] 1912年までに、録音されたハワイアン音楽はアメリカ本土でも聴衆を見つけた。^[17] プエルトリコ人のハワイへの移民は、 1899年にプエルトリコの砂糖産業が2つのハリケーンで壊滅的な被害を受けたときに始まりました。この壊滅的な被害により、世界的に砂糖が不足し、ハワイ産の製品に対する需要が急増しました。ハワイのサトウキビ 農園の所有者は、プエルトリコで失業中だが経験豊富な労働者を募集し始めました。彼らは音楽を持ち込み、1900年代初頭にハワイ諸島にカチカチ音楽として知られる音楽をもたらしました。 ^[16]

1915年から1930年にかけて、ハワイ以外の一般聴衆はハワイアン音楽にますます魅了されていったが、この頃にはハワイアンとして売り出されていた歌は、実際のハワイアン音楽の周辺的な側面しか持っていなかった。この時期、特にそのより速く複雑なリズムにおいて、タヒチとサモアの音楽がハワイアン音楽に影響を与えた。続く1930年頃から1960年頃までの時代は、「ハワイアン音楽の黄金時代」と呼ばれている。ホノルルから放送していた全国ラジオ司会者のウェブリー・エドワーズは、人気の1時間ラジオ番組「ハワイ・コールズ」を通じて、オーケストラやビッグバンド向けにアレンジされた本格的なスタイルをほとんどのアメリカ人に初めて紹介した。ラニ・マッキンタイア、ジョン・カメアロハ・アルメイダ、ソル・ホオピイなどのハワイアン演奏家は、番組のレギュラーとして、またライブパフォーマンスを通じて主流のスターになった。 1960年代には、アメリカ本土からロック、ソウル、ポップスが流入し、ハワイアンスタイルの音楽の人気は衰退した。しかし、ハワイアン音楽史の最終段階である近代期には、この傾向は逆転した。近代期は1970年代のハワイアン・ルネッサンスから始まり、インディーズ・ロック、ハワイアン・ラップ（ナ・メレ・パレオ）、ジャワイアンなどの分野で、さまざまな現代音楽シーンの基盤が築かれた。^[17]

リリウオカラニ女王は、ハワイ王朝が倒される前の最後のハワイ女王でした。彼女は音楽家でもあり、多くの楽曲を書いた多作な作曲家でもありました。彼女は「アロハ・オエ」で最もよく知られています。彼女の作品を集めた「女王の歌集」は、1999年にリリウオカラニ女王財団によって出版されました。

リリウオカラニは、ハワイ王室の音楽的才能を持つ多くのメンバーの一人でした。彼らは、カメハメハ5世の要請で皇帝から派遣されたプロイセン軍楽隊のアンリ・ベルガーに師事しました。ベルガーはハワイの民謡に魅了され、それに関する多くの文献を執筆しました。しかし、彼はドイツ音楽の音楽的背景も持ち込み、一緒に仕事をしたハワイのミュージシャンや作曲家を大いに指導しました。

カメハメハ 5 世はまた、1847 年に、現在のロイヤル ハワイアン バンドである「キングス オウン バンド」の「バンド リーダー」として、ドイツのワイマール出身のウィリアム マースバーグをドイツに派遣しました。彼はヘンリー カレイアロハ アレンの曽祖父です。ヘンリー カレイアロハ アレンは「ハワイのハワイアン音楽の生きた至宝」の 1 人であり、音楽教育の達人でもあり、上院議場や州議会で何度もその功績をたたえられています。

ギターがハワイに伝わった経路はいくつかある。船乗り、宣教師、カリフォルニアを行き来する旅行者など。最もよく語られる話は、 1832年にカメハメハ3世が原住民に牛の過剰繁殖を抑える方法を教えるために連れてきたメキシコのカウボーイ（バケロ）にギターが同行したというものである。ハワイのカウボーイ（パニオロ）は、伝統的なフォークミュージックでギターを使用していた。ポルトガル人は、カバキーニョの小型の4弦マデイラ楽器であるブラギーニャという楽器を持ち込んだ。この楽器はウクレレの前身である。^[1]

1860年代にはポルトガル人とともにスチール弦ギターも伝わり、1880年代後半にはスラックキーがハワイ諸島全土に広まった。 1879年8月23日、マデイラ島からポルトガル人の農作業員を乗せたレイヴンスクラッグ号がホノルルに到着した。伝説によると、そのうちの1人、後に人気ミュージシャンとなったジョアン・フェルナンデスが、友人のブラギーニャでフォークミュージックを演奏してハワイの人々を感心させようとしたという。また、ハワイの人々は、この男の素早い指使いにちなんで、この楽器を「ウクレレ（跳びはねるノミ）」と呼んだとも言われている。この言葉は「この地にやってきた贈り物」という意味、または「ウクレレレ（踊るウケケ、3弦の弓）」が訛ったものだと主張する者もいる。^[1]

1920 年代を通じて、独特のスライド スタイルのギター演奏を伴うハワイアン ミュージックが人気となり、1931 年にジョージ ボーシャンによってラップ スチール ギター( 「フライパン」)としてエレクトリック ギターが発明されました。電気増幅により、ハワイアン スタイルのギターは、より大きな人気バンドの演奏でも聞かれるようになりました。

1880年代から90年代にかけて、デイビッド・カラカウア王はハワイ文化を推進し、ウクレレやおそらくはスチールギターなどの新しい楽器の導入も奨励した。カラカウアは1891年に亡くなったため、彼がそれを耳にした可能性は非常に低い。^[18]カラカウアの後継者である妹のリリウオカラニも多作な作曲家で、「アロハ・オエ」など、今でも人気のある曲をいくつか書いた。この時期、ハワイアン音楽はヨーロッパの楽器の派生語を使用して「新しい独特の」スタイルに進化した。広く普及した弦楽器の他に、ロイヤル・ハワイアン・バンドなどのブラスバンドがハワイアンソングや人気の行進曲やラグタイムを演奏した。

1889年頃、ジョセフ・ケククがギターの弦に鋼鉄の板を滑らせ、スティールギター（キカキラ）を発明した。ほぼ同時期に、英語の歌詞がついた伝統的なハワイアン音楽が人気を博した。20世紀までハワイアン音楽はボーカルが主流だったが、楽器が主役となった。現代のスラックキーギターの多くは完全に楽器演奏となっている。^[1]

1895 年から 1915 年にかけて、ハワイアン ミュージックのダンス バンドの需要がますます高まりました。これらは通常、弦楽五重奏団でした。ラグタイム音楽の影響を受け、歌詞には英語の単語がよく使用されていました。ポピュラー音楽の影響を受け、歌詞が英語とハワイ語 (または完全に英語) の組み合わせであるこのタイプのハワイアン音楽は、ハパ ハオレ(文字通り、半分白人) 音楽と呼ばれています。1903 年、アルバート "ソニー" クニャがMy Waikiki Mermaid を作曲しました。これはおそらく最初のポピュラー ハパ ハオレ ソングです (最も古いハパ ハオレ ソングである "Eating of the Poi" は、1888 年にホノルルのKa Buke o na Leo Mele Hawaii...o na Home Hawaiiに掲載されました [Kanahele, George S., Hawaiian Music and Musicians pp 71–72を参照])。

1927年、ハワイアン歌手のローズ・モー（1908年 - 1999年）は、サモア人ギタリストの夫タウ・モー（1908年 - 2004年）とともに、マダム・リヴィエールズ・ハワイアンズとのツアーを開始した。1929年、彼らは東京で8曲を録音した。ローズとタウは50年以上ツアーを続け、ドイツ、レバノン、インドなどの国に住んでいた。彼らは、ナチスの人種差別が高まり、肌の色が濃い人は劣等人種とみなされていた1938年までドイツで公演を行い、アドルフ・ヒトラーの前でも演奏したと言われている。^[19]タウ・モー一家は子供たちとともに、ハワイアン・フォーク・ミュージックとハパ・ハオレ・ミュージックのサウンドを世界中に広めることに大きく貢献した。1988年、タウ・モー一家はミュージシャンで民族音楽学者のボブ・ブロズマンの協力を得て、1929年のセッションを再録音した。

1920年代には、モアナホテルやロイヤルハワイアンホテルの演奏家によって革新的なハワイアンスタイルのジャズが誕生しました。 ^[20]

スラックキーギター（ハワイ語でkī ho`alu）はフィンガーピッキングの演奏スタイルで、オープンコード（指を使わないコード）を作るために弦を「緩める」ことが多いことからこの名がついた。オープンコードとは、メジャーコード（最も一般的なのは G で、「タロパッチ」チューニングと呼ばれる）またはメジャーセブンス（「ワヒネ」チューニングと呼ばれる）のことである。チューニングは特定の曲を演奏するため、または特定の効果を容易にするために考案されることがあり、1960 年代後半まで、チューニングは家族の秘密として扱われ、世代から世代へと受け継がれることが多かった。しかし、ハワイアンルネッサンスの頃には、アリス・ナマケルアおばさん、レナード・クワン、レイモンド・ケイン、ケオラ・ビーマーなどの演奏家の例によって、チューニングやテクニックの共有が促進され、このスタイルが絶滅から救われたと考えられる。演奏テクニックには、「ハンマリングオン」、「プリングオフ」、「チャイム」（ハーモニクス）、「スライド」などがあり、これらの効果はハワイアンソングでよく見られるファルセットやボーカルブレイクを模倣することが多い。

ギターは、船乗り、入植者、契約労働者など、さまざまな方面からハワイ文化に入りました。このスタイルの重要な源の 1 つは、19 世紀前半にハワイ島で働くために雇われたメキシコのカウボーイです。これらのパニオロはギターと音楽を持ち込み、彼らが去った後、ハワイの人々は独自の楽器演奏スタイルを開発しました。

スラック キー ギターは、ハワイアン ダンスのリズムやハワイアン チャントのメロディーに合わせて進化しました。ハワイアン音楽全般は、国威発揚と文化復興を目的に、デイビッド カラカウア王の治世下で推進され、伝統的なハワイのビートやヨーロッパの軍隊行進曲からリズムを取り入れ、キリスト教の賛美歌や島々の国際的な人々 (主にアメリカ人) からメロディーを取り入れました。

20世紀初頭、ハワイアンたちは小規模な楽団を率いてアメリカをツアーし始めた。1912年にブロードウェイの「バード・オブ・パラダイス」というショーが多くのアメリカ人にハワイアン音楽を紹介し、1915年にはサンフランシスコでパナマ・パシフィック国際博覧会が開催された。1年後にはハワイアン音楽のレコードがアメリカの他のすべての音楽ジャンルの売り上げを上回った。^[21]

ハワイアン音楽の普及はブルースやカントリーミュージシャンに影響を与え、このつながりは現代のカントリーでも聞くことができます。逆に、ベニー・ナワヒのようなミュージシャンは、スチールギター、ウクレレ、マンドリン音楽にジャズを取り入れ始め、カラマカルテットはグループでファルセットで歌うスタイルを導入しました。

ミュージシャンのソル・ホオピイはこの時期に登場し、ハワイアンミュージックとジャズ、ウエスタンスウィングとカントリーの両方を演奏し、ペダルスチールギターを開発した。彼のレコーディングは、人気のあるカントリーミュージックのナッシュビルサウンドを確立するのに役立った。^[1] ラニ・マッキンタイアは、ジミー・ロジャースやビング・クロスビーとのレコーディングを通じて、ハワイアンギターのサウンドをアメリカの主流のポピュラー音楽に取り入れたもう一人のミュージシャンである。

1920年代から30年代にかけて、ハワイアンミュージックは地元の観光業に欠かせないものとなり、ほとんどのホテルやアトラクションが何らかの形で音楽を取り入れるようになった。最も初期かつ最も人気のある音楽アトラクションの1つは、コダックがスポンサーとなっていたコダック・フラ・ショーで、観光客がコダックのフィルムを購入し、ダンサーやミュージシャンの写真を撮影した。^[1] このショーは1937年から2002年まで開催された。コダック・フラ・ショーの音楽を収録したビニールLPが数枚、ワイキキ・レコードからリリースされ、ショーの出演者のフルカラー写真が収録されている。^[22]

20 世紀前半、ホノルルのビーチで泳いだりサーフィンをしたりしていた若い男性の多くがワイキキ ビーチボーイズとして知られるようになり、彼らのパーティーはハワイ全土や海外で有名になりました。彼らのほとんどはビーチに座って一日中ウクレレを弾き、やがて観光客をもてなすためにホテルで働くようになりました。

英語の詩 (ハパハオレ) を伴奏とするハワイアン ミュージックは、狭義ではこう説明できます。一般的に、歌はウクレレまたはスチール ギターに合わせて歌われます。スチール弦ギターが伴奏することもあります。メロディーには、完全 4 度や完全 8 度などの音程の跳躍がよく見られます。ファルセット ボーカルはこのような跳躍に適しており、ハワイアン シンギングではよく使用されます。微分音の使用も同様です。リズムは主に 2 拍子です。ハワイアン ミュージックに特有の音階が独特の雰囲気を醸し出しており、ハワイアン スケールという名前が付けられています。

1915年にサンフランシスコで開催されたパナマ・パシフィック博覧会では、ハワイアン・スティールギターがアメリカ本土のカントリーミュージックアーティストに紹介され、1930年代にはカントリースターのフート・ギブソンやジミー・デイビスがハワイのミュージシャンとレコードを作っていた。^[23]

第二次世界大戦中に何千人ものアメリカ兵がハワイに流入したことで、ポピュラーなスウィング リズムとカントリー サウンドの両方に対する需要が生まれました。1930 年代から本土で人気を博したウエスタン スウィング スタイルは、スチール ギターを主要な要素として採用していたため、自然な流れでした。1945 年以降、ホノルルのベル レコード カンパニーは、ウエスタン スウィング バンドのフィドリング サムと彼のハワイアン バカルー (フィドラーのホーマー H. スパイヴィーが率い、ロイド C. ムーア、タイニー バートン、アル ヒットル、カルバート デューク、トルバート E. スティネット、レイモンド "ブラッキー" バーンズが参加) による一連のリリースで、この需要に応えました。1945 年から 1950 年にかけて、ベルはハワイアン バカルーによる 40 曲ほどをリリースしました。その中にはスクエア ダンスの曲も含まれていました。

近年、ハワイの伝統音楽はルネッサンス期を迎え、ハワイ民族とそれ以外の人々の両方から新たな関心が寄せられている。ハワイ諸島では、ロック、ポップ、ヒップホップ（ナ・メレ・パレオ）、ダブステップ、ソウル、レゲエの著名なアーティストも数多く輩出しており、ワイキキやホノルルのクラブでは、さまざまな「ハワイアン」ジャンル以外の演奏をする地元ミュージシャンも数多くいる。ハワイには独自の地域音楽産業があり、録音されたポピュラー音楽にはいくつかの特徴的なスタイルがある。ハワイのポピュラー音楽は主にアメリカのポピュラー音楽に基づいているが、伝統的なハワイ音楽の特徴も残っている。^[2]

ハワイアン・ルネッサンスとは、ハワイ民族の間でハワイアン音楽、特にスラックキーへの関心が再び高まったことだ。ギャビー・パヒヌイのような長年の演奏家は、キャリアに活力を得た。1947年にレコーディングを始めたパヒヌイは、ライ・クーダーが彼とその家族と演奏したセッションが、本土の大手レーベルから『ギャビー・パヒヌイ・ハワイアン・バンド Vol. 1』としてリリースされ、ついに全米の主流の聴衆に受け入れられた。パヒヌイは、スラックキー、レゲエ、カントリー、ロック、その他のスタイルをミックスした演奏をする大勢の追随者を刺激した。より伝統的な演奏家としては、リーランド・"アッタ"・アイザックス・シニア、ソニー・チリングワース、レイ・ケイン、レナード・クワン、レドワード・カアパナ、デニス・パヴァオなどがおり、一方、ケオラ・ビーマー、ピーター・ムーンはより折衷的なアプローチをとっている。エマーソン兄弟は、1920年代のビンテージスタイルのナショナルスチールギターで、ソルホオピイのクラシックなサウンドを復活させました。ジョージカナヘレのハワイアンナショナルミュージック財団は、特に1972年の大規模なコンサート以降、スラックキーやその他のハワイアンミュージックの普及に大きく貢献しました。^[1]

ドン・ホー(1930-2007) は、もともとホノルルの小さな地区カカアコ出身で、20 世紀最後の数十年間で最も広く知られたハワイアン エンターテイナーでした。彼は「伝統的な」ハワイアン ミュージックを演奏したわけではありませんが、アメリカ本土だけでなく世界中でハワイ文化の非公式な親善大使となりました。ホーのスタイルは、伝統的なハワイアンの要素と、1950 年代や 1960 年代の古いスタイルのクルーナー ミュージックをイージー リスニングのタッチで組み合わせたものが多かったです。

ロイヤル・ガーナーは、ラスベガス風のラウンジ パフォーマンスやレコーディングした曲にもハワイの要素を取り入れました。3 人目の著名なパフォーマーであるマイラ・イングリッシュは、1963 年にビル・マックの曲「Drinking Champagne」をレコーディングしてハワイで彼女の代表曲となった後、「シャンパン レディ」として知られるようになり、地元でも海外でもかなりの商業的成功を収めました。

ジャワイアンは、ハワイアンスタイルのレゲエ音楽である。^[24]レゲエ音楽は、1960年代後半からジャマイカで発展したジャンルである。世界中で人気となり、特にネイティブアメリカン、太平洋諸島民、オーストラリア先住民など、歴史的に抑圧されてきた民族グループや人種の間で人気となっている。ハワイでは、ハワイの民族や州内の他の人々が1980年代初頭にレゲエと地元の音楽をミックスした音楽を演奏し始めたが、それが地元の音楽の新しいジャンルとして認識されるようになったのは1980年代後半になってからだった。バンドのシンプリシティは、クワイエット・ストーム・レコードによってジャワイアンスタイルの創始者として認められており、他の影響を受けた人物には、ハワイアン・レゲエの父として知られるウォルター・アイポラニがいる。 ^{[25] 1980年代の終わりまでに、ジャワイアンは地元の音楽シーンを支配するようになり、}ホノルル・スター・ブレティンが1970年代後半の「ディスコは最悪」運動に例えた反発も引き起こした。 ^[26]

レゲエ文化全体がハワイを席巻し始め、多くの地元民がボブ・マーリーの記念品を身に着け、多くの地元商品や土産物がハワイ王国の赤、黄、緑の色や、ラスタファリ運動のシンボルとして知られるユダのライオンの旗で飾られるようになった。ラスタカラーは地元の誇りのシンボルにもなった。

ロックンロール音楽はハワイで長い間人気があり、数多くのロックンロールアーティストが成長期をハワイで過ごし（アソシエーション、エレクトリック・プルーンズ、セブンス・オーダー、ヴィシャス・ルーマーズのメンバーや、ギタリストのマーティ・フリードマン、チャーリー・「イカロス」・ジョンソンなど）、地元での人気はロック音楽の黎明期にまで遡ります。^[27] エルヴィス・プレスリーのキャリアには、ハワイに関連したパフォーマンスやレコードがいくつか含まれていました。1961年3月にパールハーバー・ブロック・アリーナで行われたアリゾナ記念館の建設資金集めのためのライブパフォーマンス、^[28] 1973年の「カムバック」レコードとコンサートである アロハ・フロム・ハワイ・ヴィア・サテライト、そして彼の映画のうち3本はハワイを舞台にしていました（ブルー・ハワイ、ガールズ！ガールズ！ガールズ！、パラダイス・ハワイアン・スタイル）。

1960年代から1970年代にかけて、ホノルル国際センターやワイキキシェルなどの会場では、ジミ・ヘンドリックス、レッド・ツェッペリン、ローリング・ストーンズ、ドアーズ、エリック・クラプトン、ディープ・パープル、ジェフ・ベックなど、多くのトップロックアーティストによるロックコンサートが頻繁に開催されました。^[29]

1960年代から1970年代にかけてダイアモンドヘッドで3日間にわたって行われたクレーター・フェスティバル（新年と7月4日の祝日に開催）は、その時代を通じて多くの観客を集め、 ^[30]フリートウッド・マック、ジャーニー、サンタナなどの人気バンドが頻繁に出演した（カルロス・サンタナとバディ・マイルズは、 1972年のクレーター・フェスティバルでのパフォーマンスをLP 「Carlos Santana & Buddy Miles! Live! 」で実際にリリースした）。

ハワイの著名な現役および引退したジャズミュージシャンには、ゲイブ・バルタザール（サックス）、マーティン・デニー（ピアノ）、アーサー・ライマン（ビブラフォンとマリンバ）、ヘンリー・アレン（ギター）、フォンバロン（ドラム）、デビッド・チョイ（サックス）、リッチ・クランドール（ピアノ）、ダン・デル・ネグロ（キーボード）、ピエール・グリル（ピアノ/キーボード/トロンボーン）、ブルース・ハマダ（ベース）、デシャノン・ヒガ（トランペット）、ジム・ハワード（ピアノ）、スティーブ・ジョーンズ（ベース）、ジョン・コリヴァス（ベース）、ノエル・オキモト（ドラム/パーカッション/バイブ）、マイケル・パウロ（リード）、 1960年代初頭にジャズ会場でハワイアン音楽を録音した先駆者であり、ハワイの伝説的な音楽界の巨匠の一人であるレネ・パウロ（アコースティックグランドピアノ）、ロバート・シノダ（ギター）、アレックス・イケハラ（ベース）、フィル・ベネット（ドラム）、アロン・マクレラン（ピアノ）などがいます。ネルソン (ピアノ)、テニスン・スティーブンス (ピアノ)、ディーン・タバ (ベース)、ベティ・ルー・テイラー(ピアノ)、ティム・ツキヤマ (サックス)、レジ・パディーヤ (サックス)、エイブ・ラグリマス・ジュニア (ドラム/ウクレレ/バイブ)。

ハワイの現役および引退した著名なジャズ歌手には、ジミー・ボルゲス、レイチェル・ゴンザレス、アズール・マッコール、ダナ・ランド、ジョイ・ウッド、I. ミハナ・ソウザなどがいます。ハワイの歌手メルヴィーン・リードは、主にハワイアン音楽や「ハワイアン・カントリー」音楽を歌うことで知られていますが、ジャズ歌手としても高い評価を得ています。

ハワイ大学のジャズバンドによる演奏が頻繁に行われます。

ウクレレは19世紀末にマデイラ諸島からの移民によってハワイにもたらされた。ポルトガル人はマチェーテと呼ばれるギターに似た小型の楽器を持ち込んだ。この楽器はハワイ文化で非常に人気があり、ハワイアンソングの大半にウクレレが登場する。ハワイ語でウクレレは文字通り「ノミ（ウク）が跳びはねる（レレ）」という意味である。弾いたときに高音の弦がノミが跳びはねる姿を思い起こさせることからこの名が付けられた。現在ウクレレにはソプラノ、コンサート、テナー、バリトンの4つのサイズがある。^[31]

最後のハワイ女王リリウオカラニ女王は、ウクレレの名前は「ここに来た贈り物」を意味すると信じていました。ハワイ語で「贈り物または報酬」を意味する「uku」と「来る」を意味する「lele」からそう信じていました。^[32]

ウクレレは、シンプルなかき鳴らし方や複雑なかき鳴らし方、またフィンガーピッキングで演奏することができます。

コア材は、ウクレレに深みのあるクリアな音を生み出す高品質の木材の1つです。これにより、コアウクレレは音で非常に区別できます。このため、コア材はウクレレを作るための尊敬される木材として知られています。コアウクレレは音だけでなく、見た目でも区別できます。独特の木目と色があり、平均的な木材よりも際立っています。^[33]

ウケケは、口で演奏するハワイの楽器の弓です。ハワイ固有の唯一の弦楽器です。

オヘハノ イフ（ハワイ語：オヘ = 竹、ハノ = 息、イフ = 鼻）は、ハワイの伝統的な鼻笛とも呼ばれ、文化的、音楽的に重要なハワイ楽器の一種です。一本の竹から作られています。テ ランギ ヒロア著『ハワイの美術工芸』によると、ビショップ博物館所蔵の古いフルートには、節の部分に息を入れる穴があり、指穴が 2 つまたは 3 つあります。指穴が 3 つある標本では、指穴が息穴の近くに 1 つあります。長さは 10 インチから 21 インチ (250～530 mm) です。さまざまな家庭の口承によると、指穴の数は 1 つから 4 つで、穴の位置は演奏者の音楽的嗜好によって異なっていました。^[34]

鼻笛は主に求愛楽器として個人的に演奏され、個人的な楽しみのために演奏されますが、チャント、歌、フラと組み合わせて使用​​されることもあります。クム フラ(ダンスの達人) は、フルートをチャントしているように鳴らしたり、演奏しながらチャントしたりできたと言われています。クム フラのレイレフア ユエンは、鼻笛をこのように演奏する数少ない現代のハワイアン ミュージシャンの 1 人です。

19世紀から20世紀初頭にかけて、若い男性は依然として女性の愛情を勝ち取る手段としてオヘ・ハノ・イフを使用していました。^[35]今日、オヘ・ハノ・イフは再び人気を集めています。

2 つの異なる口承伝承が、オヘ ハノ イフを演奏するために鼻を使う理由を説明しています。1 つによると、オヘ ハノ イフは口ではなく鼻から空気を出して演奏されます。これは、人のhā (呼吸) が人の内面を表現するためです。hā は na`ao (腸) から口を通って移動するため、hā を使って嘘をつくことができます。hā が鼻を通って移動すると、嘘をつくことはできません。したがって、若い男性が女性を愛している場合、その愛はオヘ ハノ イフで演奏する音楽で表現されます。もう 1 つの伝承によると、この楽器は鼻で演奏されるため、演奏者は演奏しながら静かに歌ったり詠唱したりできます。

現代の民間伝承によれば、ハワイアン フルートは「アロハ」を表現すると言われています。なぜなら、フルートを聞くには、演奏者の「顔」または「存在」を意味する「アロ」に近づかなければならず、「神聖な息吹」を意味する「ハ」を聞くことができないため、聞き手は「お互いの存在を感じ、神聖な息吹を共有する」という体験をするからです。ハワイアン フルートの瞑想的で個人的な性質を思い出す方法としては便利ですが、この語源を裏付ける実際の語源的証拠はなく、伝統的なチャントや物語にもこの語源を裏付ける証拠はありません。ハワイ語では、「息」を意味する「ハ」は、原因を表す接頭辞である「ハ」とは無関係です。関連言語で同義語を検索しても、「アロハ」という語の語源は見つかりません。

レイレフア・ユエン著『オヘ』によると、この楽器は1970年代にビーマー家の人々によって普及した。彼らは北米やハワイ諸島でのツアー公演でこの楽器を演奏した。子供向けの教育番組「セサミストリート」で、ケオラ・ビーマーと大きな人形のキャラクターの1人であるスナッファルパガス氏がオヘ・ハノ・イフを演奏する場面が放送され、この楽器は全国的に注目されるようになった。ケオラ・ビーマーの母親で有名なクム・フラのウィノナ・ビーマーも、フラでのオヘ・ハノ・イフの使い方を教えた。彼女のハナイ族の娘、マイレ・ビーマー・ルーは、その伝統を守り、教え、フラ保存協会を通じてハワイの音楽とパフォーマンスの重要な側面を記録し続けている。

20 世紀後半から 21 世紀初頭にかけての著名なテオヘ ハノ イフのミュージシャンには、マヒ ビーマー、ノナ ビーマー、ケオラ ビーマー、カポノ ビーマー、カルビン ホー、ネルソン カイ、アンソニー ナティビダッド、マヌ ジョサイアなどがいます。

ホノルル出身のブルーノ・マーズは、2015 年の「 Uptown Funk 」を含む 8 曲の Billboard Hot 100 ヒット曲で第 1 位を獲得しています。

グレン・メデイロスは、 1990 年にボビー・ブラウンをフィーチャリングした 「 She Ain't Worth It 」で Hot 100 チャートの 1 位を獲得しました。

同じくホノルル出身のベット・ミドラーは、 1989年に 「 Wind Beneath My Wings 」でホット100チャート1位を獲得した。

ハワイで育ったタネ・ケインは、 1982年に 「 Holdin' On 」でHot 100チャート37位のヒットを記録した。

ホノルル出身のイヴォンヌ・エリマンは、 1978年に 『サタデー・ナイト・フィーバー』のディスコソング「If I Can't Have You」でホット100チャート1位を獲得した。

• カチカチ音楽
• ハワイからの呼びかけ
• ハワイアンミュージックの殿堂
• カニカピラ
• ナ・ホク・ハノハノ賞

• 「ビッグアイランド：エンターテイメント」。オルタナティブ・ハワイ。2006年2月2日閲覧。
• 「クアウイ：エンターテイメント」。オルタナティブ・ハワイ。 2006年2月2日閲覧。
• クーパー、マイク (2000)。「スティール スライド フラ バルース」。サイモン ブロートン、マーク エリンガム、ジェームズ マコナチー、オーラ デュアン (編)。ワールド ミュージック、第 2 巻: アフリカ、ヨーロッパ、中東。ロンドン: ラフ ガイド。pp. 56–57。ISBN 1-85828-636-0。
• 「ラナイ：エンターテイメント」。オルタナティブ・ハワイ。 2006年2月2日閲覧。
• マヌエル、ピーター（1988年）。『非西洋世界のポピュラー音楽』ニューヨーク：オックスフォード大学出版局。pp. 236–241。ISBN 0-19-506334-1。
• カナヘレ、ジョージ S. ; バーガー、ジョン、編 (2012) [1979]。ハワイアンミュージックとミュージシャン（第2版）。ホノルル、ハワイ、米国：Mutual Publishing、LLC。ISBN 9781566479677. OCLC  808415079.
• ウンターバーガー、リッチー (1999)。『Music USA: The Rough Guide』。ロンドン: Rough Guides。pp. 465–473。ISBN 1-85828-421-X。
• 「ワイキキ・フラ・ショーが終了」。ホノルル・スター・ブレティン。 2006年3月29日閲覧。
• タタール、エリザベス (1979)。「スラック キー ギター」。カナヘレ、ジョージ S. (編)。ハワイの音楽とミュージシャン。ハワイ大学出版局。pp. 350–360。ISBN 0-8248-0578-X。
• インディーズ ブログ、2008 年: 「カントリー ミュージックのミュージシャンは、1915 年にサンフランシスコのパン パシフィック博覧会でハワイアン スチール ギターを初めて耳にしたとき、ハワイアン ミュージックに魅了されました。すぐに、フート ギブソンやジミー デイビスなどのアーティストがハワイアンとレコーディングを始めました。ハワイのカントリー ミュージックへの愛着は、米国本土から大量の軍人が流入した第二次世界大戦にまで遡ります。地元のレコード レーベルは、この新たな関心を満たすために「ヒルビリー ミュージック」をリリースしようと躍起になりました。ベル レコードは、1945 年にフィドリング サム & ヒズ ハワイアン バックルーズのレコードをリリースしました。
• ロックウェル、T. マルコム、ハワイアン & ハワイアン ギター レコード 1891 - 1960 (Mahina Piha Press © 2007) ISBN 978-0-615-14982-0 - ref. 78data.com 

• ハワイ・アカデミー・オブ・レコーディング・アーツ（HARA）は、Na Hoku Awards の本拠地です。
• ライブ ウクレレ: 現代および伝統的なハワイアン ソングとタブ譜のコレクション。
• ハパハオレの歌、英語で書かれた島の歌
• Territorial Airwaves - ハワイアン音楽の歴史に関する情報源
• ハワイ・ミュージック・アワード「ピープルズ・チョイス」賞。
• ハワイアンミュージックの殿堂
• ワパラ、ハワイアンミュージック、フラのアーカイブ
• Taro Patch、インターネットと国際的なSlack Keyコミュニティ
• ジョーンズ、ラリー W.「ラリー W ジョーンズによるアイランドソング歌詞第 1 巻」。Lulu.com。2012年9 月 11 日取得–インターネット アーカイブ経由。^{[自費出版ソース]}
• ハワイ大学民族音楽学アンサンブル
• http://www.midweek.com/for-the-love-of-nose-flutes/