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アメリカン・ポピュラー音楽（「アメリカン・ポップ」とも呼ばれる）は、アメリカ合衆国で制作されたポピュラー音楽であり、アメリカのポップカルチャーの一部である。アメリカン・ポピュラー音楽の独特なスタイルは19世紀初頭に出現し、20世紀にはアメリカの音楽業界はブルースや他のジャンルの要素を取り入れた一連の新しい音楽形式を発展させた。これらのポピュラーなスタイルには、カントリー、R&B、ジャズ、ロックなどがある。1960年代と1970年代には、ヘヴィメタル、パンク、ソウル、ヒップホップなど、多くの新しいスタイルの発展を含め、アメリカン・ポピュラー音楽に多くの重要な変化が見られた。
アメリカのポピュラー音楽は、ラグタイム、ブルース、ジャズ、スウィング、ロック、ブルーグラス、カントリー、R&B、ドゥーワップ、ゴスペル、ソウル、ファンク、ポップ、パンク、ディスコ、ハウス、テクノ、サルサ、グランジ、ヒップホップなど、実に多様なスタイルが存在する。さらに、アメリカの音楽業界自体も非常に多様で、ザイデコ、クレズマー、スラックキーといった地域特有のスタイルも数多く存在する。これらのスタイルは必ずしも主流音楽というわけではなかったが、商業的に録音されたこともあり、フォークやクラシック音楽とは対照的に、ポピュラー音楽の例として挙げられる。
アメリカのポピュラー音楽のスタイルは、世界の文化に大きな影響を与えてきた。
アメリカのフォークシンガー、ピート・シーガーは、ポップミュージックを「フォークミュージックとファインアートミュージックの両方を取り入れたプロの音楽」と定義した。[ 1 ] 19世紀のポピュラー音楽は、劇場音楽、バンド音楽、ダンス音楽、教会音楽などの以前の音楽の伝統から主に派生した。[ 2 ]特定の地域や民族のポピュラー音楽とは対照的に、アメリカのポピュラー音楽とみなせる最も初期の歌は、スティーブン・フォスターとその仲間による感傷的なサロンソングと、歌、ダンス、喜劇のパフォーマンスを特徴とする演劇作品であるミンストレルショーで使用することを目的とした歌であった。ミンストレルショーでは、一般的にアフリカの楽器とダンスが使用され、黒塗りの顔をしたパフォーマーが登場した。この技法はブラックフェイスと呼ばれた。19 世紀半ばまでに、巡業劇団はこの音楽をアメリカ合衆国のあらゆる地域だけでなく、イギリス、西ヨーロッパ、さらにはアフリカやアジアにも持ち込んだ。ミンストレル ショーは、ショーの音楽がアフリカ系アメリカ人のスタイルであるかのように宣伝されることが多かったが、これはしばしば真実ではなかった。[ 3 ]音楽史家のラリー・バーンバウムによれば、ミンストレル ショーの音楽は主にヨーロッパ起源であり、イギリス、アイルランド、スコットランドの民謡に基づいていた。[ 4 ]同様に、著者のリチャード・カーリンは、ミンストレル ショーはアフリカ起源の楽器であるバンジョーを使用し、黒人文化を普及させたが、ミンストレル音楽は主にヨーロッパのダンス曲の融合であったと述べている。[ 5 ]アンドリュー・ストットは、「ブラックフェイスの熱狂」を引き起こした歌の多くはヨーロッパ起源であったと述べている。[ 6 ]
アメリカで個人消費向けに出版された最初のポピュラー音楽は、1808年にアイルランドのトーマス・ムーアが出版した『アイリッシュ・メロディーズ』で、主にアイルランド民謡を個人演奏用に編曲した複数巻の本でした。[ 7 ]ムーアに触発されたジョン・ヒル・ヒューイットは、個人消費向けのポピュラー音楽を作曲した最初のアメリカ人ソングライターとなり、彼の最も有名な作品「ミンストレルズ・リターン・フロム・ウォー」は国際的な成功を収めました。[ 7 ] [ 8 ]黒人は南北戦争時代以前からアメリカのポピュラー文化に参加しており、少なくとも1820年代のニューヨークのアフリカン・グローブ・シアターや、1818年の黒人作曲家フランシス・ジョンソンによる最初の音楽の出版に遡ります。フィラデルフィアを拠点とするジョンソンは、1820年代から1840年代にかけてアメリカ史上初のプロのバンドの1つを率いました。[ 9 ]しかし、これらの重要な節目は、依然として完全にヨーロッパ音楽の慣習の中で起こりました。 1830年代と1840年代の注目すべきポピュラー音楽には、ヘンリー・ラッセルやハッチンソン一家による出版物が含まれる。[ 10 ]
最初に非常に人気を博したミンストレルソングは、トーマス「ダディ」ライスの「ジャンプ・ジム・クロウ」で、1832年に初演され、1836年にライスがロンドンで演奏した際にセンセーションを巻き起こした。ライスは、アイルランドのジグから採用した曲に合わせて、厩番の少年からコピーしたダンスを使用した。ミンストレル音楽の人気白人パフォーマーには、スコットランドとアイルランドのメロディーに倣った曲を演奏したジョージ・ワシントン・ディクソンとジョエル・スウィーニーがいた。[ 11 ]アフリカの要素には、西アフリカの弦楽器に由来すると考えられているバンジョーの使用と、アクセントと加算のリズムが含まれる。1843年にバージニア・ミンストレルズがミンストレルショーの形式を普及させた最初のグループとなり、1850年までにミンストレルショーはアメリカ合衆国全土に広まった。[ 11 ]
ミンストレルショーの歌の多くは今日でも記憶に残っており、特にダニエル・エメットとスティーブン・フォスターの作品は有名である。後者は、デイヴィッド・ユーエンによれば、「アメリカ初の主要作曲家であり、世界でも傑出した歌曲作家の一人」である。フォスターの歌は、その露骨な感傷主義と奴隷制度の容認という点で、ミンストレルショー時代の典型的なものであった。しかしながら、フォスターは同時代の多くのソングライターよりも、作中で取り上げる黒人を人間らしく描こうと努めた。例えば、「ネリーは淑女だった」は、妻を亡くした黒人男性の悲しみを歌った、哀愁漂うメランコリックな歌である。1851年、フォスターの歌「オールド・フォークス・アット・ホーム」は全国的な大ヒットとなった。[ 12 ]
ミンストレルショーは、アフリカ系アメリカ人の音楽が大衆向けに流用されるという長い伝統の始まりを告げるものであり、19世紀半ばには、アメリカ独自の音楽形式として初めて国際的な評価を得た。ドナルド・クラークが指摘するように、ミンストレルショーは「本質的には黒人音楽であったが、最も成功した演目は白人によるものであったため、黒人由来の歌や踊りが白人パフォーマーによって模倣され、その後黒人パフォーマーによって取り入れられ、結果として黒人パフォーマーはある程度、自らを模倣することになった」。クラークは、ブラックフェイスの使用は、白人アメリカ人が自由黒人と奴隷黒人の両方の過酷な生活を美化するために、彼らをプランテーション生活や白人観客に容易に受け入れられる単純で楽しい歌の演奏に最も適した、幸せで気楽な人物として描くことを望んでいたためだと考えている。白人の聴衆が真のアフリカ系アメリカ人の音楽に触れるようになったのは南北戦争中になってからで、最初は1861年の奴隷霊歌「Go Down, Moses」、次に1871年のアカペラグループ「Fisk Jubilee Singers」による霊歌の演奏を通してだった。 [ 4 ]南北戦争後、実際の黒人劇団によるミンストレルショーが国中に広がり、ジェームズ・A・ブランドなどの黒人作曲家は1870年代に「Carry Me Back to Old Virginny」や「Oh, Dem Golden Slippers」などの曲で全国的な成功を収めた。[ 4 ] [ 11 ]南北戦争後の時期には、パトリック・ギルモアやジョン・フィリップ・スーザなどの指揮者に率いられたプロのバンド音楽の人気もピークに達した。[ 9 ]軍隊行進曲の作曲で知られるスーザは、アメリカ海兵隊バンドでアメリカとヨーロッパで大きな名声を得た。[ 9 ]
黒人顔のミンストレルショーは19世紀後半を通して人気を保ち、20世紀初頭になってようやく徐々に衰退していった。その間、チャールズ・M・バラスの『ブラック・クルック』を皮切りに、豪華絢爛で凝った演劇形式であるエクストラバガンザが誕生した。当時の新聞や教会は、こうした派手なショーが性的に刺激的であるとして批判した。女性たちが透け透けの服を着て卑猥な歌を歌うからだ。デイヴィッド・ユーエンはこれを、アメリカのミュージカルやポピュラーソングにおける「長く活発な性的搾取の歴史」の始まりだと評した。その後、エクストラバガンザは、19世紀末に非常に人気があった風刺的でパロディ的な作品であるバーレスクの要素を取り入れるようになった。
エクストラバガンザやバーレスクと同様に、バラエティショーはコミカルで猥雑な内容のショーで、19世紀半ばから末期にかけて人気を博し、その頃にはボードビルへと発展した。この形式は、トニー・パスターのようなプロデューサーによって革新されたもので、彼は女性や子供たちにもショーを見に来てもらおうと試みた。劇場は長らく粗暴で秩序を乱す人々の集まりだったため、女性や子供たちが観劇に躊躇していたのだ。20世紀初頭までに、ボードビルは女性や子供たちにとって尊敬される娯楽となり、ガス・エドワーズのような作曲家は全国的に人気のある曲を作曲した。最も人気のあるボードビルショーは、ジーグフェルド・フォリーズのような歌と寸劇の連続で、その後のブロードウェイミュージカルやティンパンアレーの歌の発展に大きな影響を与えた。[ 13 ]
ティン・パン・アレーは、ニューヨーク市の西28番街[ 14 ]とその周辺地域であり、1890年代半ばまでに音楽出版の中心地となった。この時代の作曲家たちは定型的な曲を作曲し、その多くは感傷的なバラードだった。この時代、特に米西戦争後、アメリカ合衆国が強大な世界大国へと成長するにつれ、国民意識が芽生えつつあった。鉄道や郵便サービスの普及と効率化は、流行歌を含む様々な思想の伝播を促進した。
ティン・パン・アレーで最も著名な出版社には、ウィリス・ウッドワード、M・ウィットマーク＆サンズ、チャールズ・K・ハリス、エドワード・B・マークス、ジョセフ・W・スターンなどがいた。スターンとマークスはティン・パン・アレーで最も有名なソングライターの一人であり、1894年にアマチュアとして共同で作曲を始めた。
人気のある主流のバラードやその他の上品な歌に加えて、ティン・パン・アレーの出版社の中には、下品で際どい歌に焦点を当てたものもあった。ティン・パン・アレーのもう一つの重要な要素は、ミンストレル・ショーの歌を薄めたもので、ラグタイムのリズムを取り入れることで「活気と躍動感」がもたらされた。最初の人気アライグマ歌は、 1880年にジョセフ・P・スケリーが発表した「ダンディ・クーンズ・パレード」と、1883年にJS・パットナムが発表した「ニュー・クーン・イン・タウン」で、その後、アーネスト・ホーガンやメイ・アーウィンといったアライグマ歌い手が続いた。[ 4 ]黒人作曲家の中で有名な人物としては、バート・ウィリアムズ、ジョージ・W・ジョンソン、アーヴィング・ジョーンズなどが挙げられる。[ 15 ] [ 4 ]また、「ラグ」という言葉が楽譜に初めて登場するのは、アーネスト・ホーガンの1896年の歌「All Coons Look Alike to Me」の楽器伴奏に関するものであり、この2つのジャンルのつながりを示している。[ 4 ]
20世紀初頭には、ミュージカル専門の劇場群であるブロードウェイが発展しました。ブロードウェイは世界有数のミュージカル劇場の拠点となり、数々の名曲を生み出し、ドナルド・クラークはこの時代を「作曲の黄金時代」と称しました。劇場や物語の制約に合わせて楽しい楽曲をアレンジする必要性から、作曲の発展が促され、ジョージ・ガーシュウィン、ヴィンセント・ユーマンス、アーヴィング・バーリン、ジェローム・カーンといった作曲家が台頭しました。これらのソングライターたちは、今もなお人気を保ち、今日ではグレート・アメリカン・ソングブックとして知られる曲を書いた。[ 16 ]
19世紀を通じて上流階級の間で外国のオペラが人気を博した一方、オペレッタ、バラッド・オペラ、オペラ・プーフといった他のスタイルのミュージカルも存在した。ギルバートとサリバンのイギリスのオペレッタは特に人気が高かったが、アメリカの作品はなかなか観客に受け入れられなかった。ジョージ・M・コーハンは、ミュージカルの作曲家として最初に名を馳せた人物であり、オペレッタから脱却した最初の人物でもあり、作品に口語的な言語を用いたことでも知られている。しかし、20世紀初頭には、ウィル・マリオン・クック、ジェームズ・リース・ヨーロッパ、ジェームズ・P・ジョンソンらの作品を皮切りに、黒人の劇作家、作曲家、音楽家たちがミュージカルに大きな影響を与えるようになった。黒人ミュージカルで最初に大ヒットしたのは、 1921年の『シャッフル・アロング』である。
輸入されたオペレッタや、コーハンなどの白人、クック、ヨーロッパ、ジョンソンなどの黒人による国内作品は、いずれもブロードウェイに大きな影響を与えた。ガーシュウィン、ポーター、カーンといった作曲家たちは、喜劇ミュージカルを国民的な娯楽へと昇華させ、ヨーロッパのモデルに頼らない、紛れもなくアメリカ的な感覚を確立した。これらの作曲家のほとんどはユダヤ人であり、コール・ポーターだけが例外だった。彼らは19世紀にロシア帝国での迫害から逃れてきた移民の子孫で、ニューヨーク市の様々な地域に最も大きな影響力を持って定住した。初期のミュージカルの多くは黒人音楽の影響を受けており、初期のジャズの要素が見られる。例えば『イン・ダホメー』など。これらの作品のユダヤ人作曲家は、伝統的なアフリカ系アメリカ人のブルーノートと自分たちのユダヤ民謡との関連性を見出していたのかもしれない。[ 17 ]
ブロードウェイの楽曲は世紀の変わり目頃に録音されたが、劇場以外の場で広く人気を博したのはずっと後のことだった。ジェローム・カーンの「They Didn't Believe Me 」は、全国的に人気を博した初期の楽曲である。カーンのその後の革新には、1927年の「ショー・ボート」を皮切りに、初期の楽曲を中心に構成されたややまとまりのない物語よりも、より説得力のある筋書きが含まれる。ジョージ・ガーシュウィンは、1919年の「スワニー」を皮切りに、ジャズバンドやオーケストラのための作品も手掛け、ブロードウェイで最も影響力のある作曲家だったと言えるだろう。彼の最も長く愛されている作品は、おそらくオペラ「ポーギーとベス」だろう。これは2人の黒人の物語で、ガーシュウィンはこれを一種の「フォーク・オペラ」、つまりアメリカの慣用句に基づいた新しいスタイルのアメリカン・ミュージカル・シアターの創造として意図した。
ラグタイムはピアノを中心としたダンス音楽のスタイルで、シンコペーションのリズムと半音階的変化が用いられた。このジャンルで最も有名な演奏家兼作曲家は、間違いなくスコット・ジョプリンでしょう。ドナルド・クラークは、ラグタイムはミンストレルショーやボードビルで最初に使われたクーンソングの集大成であり、ミンストレルショーのリズムが主流に浸透した結果だと考えています。また、ラグタイムの特徴的なサウンドは、アフリカ系アメリカ人のバンジョーをキーボードで模倣しようとした試みから生まれた可能性もあると示唆しています。音楽史家のイライジャ・ウォルドによれば、ラグタイムはアメリカで最初の真のポップジャンルを構成しており、それ以前のアメリカの音楽、例えばミンストレルショーの音楽などは、独自のスタイルやサウンドを持つことよりも、黒人の顔やコメディとの関連性によって特徴づけられていた。[ 18 ]
ラグタイムは本質的にアフリカ系アメリカ人の音楽であるため、アメリカのポピュラー音楽の中で真に黒人音楽と言える最初のスタイルとして広く認識されています。ラグタイムはシンコペーションを取り入れ、より本格的な黒人音楽のサウンドをポピュラー音楽にもたらしました。人気のラグタイム曲は楽譜として記録・販売されましたが、そのスタイルは全国各地でより非公式に演奏されていました。こうしたアマチュア演奏家たちは、より自由奔放なラグタイムを演奏し、それが後にジャズに大きな影響を与えることになります。
トーマス・エジソンの蓄音機シリンダーの発明は、録音音楽の誕生のきっかけとなった。最初にリリースされたシリンダーは、アメリカ海兵隊バンドの「 Semper Fidelis 」だった。当初、シリンダーのリリースは少なかったが、売上が伸びるにつれて流通量も増加した。これらの初期の録音曲は、ボードビル、バーバーショップ・カルテット、行進曲、オペラ、ノベルティソング、その他のポピュラーソングが混在していた。「The Good Old Summertime」、「Shine On Harvest Moon」、「Over There」など、多くのポピュラースタンダードがこの時代に生まれた。ジャズの分野でも初期のヒット曲がいくつかあり、 1917年のオリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンドの録音を皮切りに、より本格的なニューオーリンズ・ジャズ・スタイルで演奏したキング・オリバーズ・クレオール・ジャズ・バンドが続いた。
ブルースは、アメリカ史上初の録音されたポピュラー音楽の爆発的な普及期にその一部となるずっと以前から存在していました。この爆発的な普及期は1920年代に訪れ、マ・レイニー、ベッシー・スミス、メイミー・スミスといった女性ブルース歌手が絶大な人気を博しました。この分野における最初のヒット曲は、メイミー・スミスの「クレイジー・ブルース」でした。こうした都会的なブルース歌手たちは、ポピュラー音楽の概念を、誰でも簡単に歌えるシンプルな曲から、主に個々の歌手と結びついた作品へと変えました。 「サム・オブ・ジーズ・デイズ」で知られるソフィー・タッカーのような歌手は、自身のヒット曲と密接に結びつき、彼女たちの個性的な解釈が楽曲そのものと同じくらい重要視されるようになりました。
同時に、パラマウント・レコードやオーケー・レコードなどのレコード会社は、アフリカ系アメリカ人の聴衆を対象としたブルースを中心とした「レース・ミュージック」の分野を立ち上げた。これらのアーティストの中で最も有名なのは、チャーリー・パットン、ロニー・ジョンソン、ロバート・ジョンソンなど、後のブルースやブルースから派生したジャンルの普及に大きく影響を与えたアーティストたちである。[ 19 ]
ジャズは、ブルーノート、シンコペーション、スウィング、コールアンドレスポンス、ポリリズム、即興演奏を特徴とする音楽の一種です。元々はダンス音楽の一種でしたが、現在では「ポピュラー音楽または民俗音楽の一種とみなされるようになり、また、コンサートホールの音楽と重要な形で相互作用する洗練された芸術形式にもなっています」。ジャズの発展は、現代のラグタイム、ブルース、ゴスペル、カントリーミュージックとほぼ同時期に起こり、これらはすべて明確な境界線のない連続体の一部と見なすことができる。特にジャズはラグタイムと最も密接に関連しており、より複雑なリズムの即興演奏の使用、暗示された拍から大きく外れた音符の使用によって区別することができる。初期のジャズバンドは、ベンドやブルーノート、楽器の「唸り声」やスミアなど、ブルースの語彙の多くを採用した。ジャズアーティストのルディ・ヴァレーは、おそらく20世紀のマスメディアポップスターの最初の完全な例となった。[ 20 ]ヴァレーは、クルーナーという新しいスタイルのポピュラーシンガーの最も著名で、おそらく最初の人物となった。[ 20 ]
ポール・ホワイトマンは1920年代で最も人気のあるバンドリーダーであり、「ジャズの王様」の称号を自らに与えた。彼は同時代の優秀な白人ジャズミュージシャンを数多く起用したが、後世のジャズ愛好家からは、ホワイトマンの音楽は真のジャズとはかけ離れていると評されることが多かった。しかしながら、ジャズと精緻なオーケストレーションを融合させるという彼の発想は、後世の作曲家や編曲家によって繰り返し取り上げられてきた。
ホワイトマンはガーシュウィンの「ラプソディ・イン・ブルー」を委嘱し、ホワイトマン楽団が初演した。テッド・ルイスのバンドは1920年代にはポール・ホワイトマンに次いで人気が高く、特に1920年代後半の録音では、ホワイトマンよりも気取らずに本物のジャズを演奏していたと言えるだろう。この10年間の他の「ジャズ」バンドには、ハリー・レサー、レオ・ライスマン、エイブ・ライマン、ナット・シルクレト、ジョージ・オルセン、ベン・バーニー、ボブ・ヘリング、ベン・セルヴィン、アール・バートネット、ガス・アーンハイム、ルディ・ヴァリー、ジーン・ゴールドケット、イシャム・ジョーンズ、ロジャー・ウルフ・カーン、サム・ラニン、ヴィンセント・ロペス、ベン・ポラック、フレッド・ウェアリングのバンドなどがあった。[ 21 ]
1920年代、これらのアーティストが演奏する音楽は一般大衆に非常に人気があり、一般的にジャズと呼ばれていました。しかし今日では、この音楽はジャズの純粋主義者によって軽視され、「甘い音楽」とレッテルを貼られています。今日人々が「ジャズ」と考える音楽は、マイノリティによって演奏されることが多かったのです。しかし1920年代から1930年代初頭にかけては、大多数の人々が今日でいう「甘い音楽」を聴いており、ハードコアなジャズは「ホットな音楽」または「人種音楽」に分類されていました。
当時最大かつ最も影響力のあるレコードレーベルであったビクター・トーキング・マシーン（1928年以降はRCAビクター）は、 1926年10月にエディ・キングが退社するまで、 「スウィート・ジャズ」の発展を抑制していた。キングは、当時のポピュラー音楽の基準で許容されるソロ演奏以外では、仕事中の飲酒や楽譜からの大幅な逸脱を許さない権威主義者としてよく知られていた。これは、有名なトランペット奏者ビックス・バイダーベックを含む多くのビクター・ジャズ・アーティストを苛立たせた。スッドハルターは『ロスト・コーズ』の中で、ミュージシャンにかなりの自由が許されたゴールドケット・オーケストラの1927年の録音を例に挙げ、「もしエディ・キングが指揮を執っていて、よりリベラルなナット・シルクレットが指揮を執っていなかったら、この演奏はどうなっていたのだろうか」と述べている。ビクターの台帳には、キングが実際にゴールドケット・オーケストラを指揮した1926年1月と2月に少なくとも5回の録音セッションが記録されているため、ゴールドケットとキングのアプローチを比較することは容易である。
アメリカのポップミュージックの初期のジャンルの一つに、20世紀初頭に流行したダンススタイルであるスウィングブームがあった。 [ 22 ] 1935年、スウィングミュージックは一般大衆に人気を博し、すぐにジャズに取って代わって最も人気のある音楽となった（最初は多少の抵抗もあったが）。スウィングミュージックの特徴は、通常ダブルベースとドラムで構成される力強いリズムセクションが中速から高速のテンポで演奏し、スウィングノートなどのリズム技法が用いられることである。スウィングは主に1930年代のジャズにブルースの要素とティンパンアレーのポップセンスが融合したものである。スウィングは、他のジャズよりも大規模なバンド編成を用い、バンドリーダーが楽曲を緻密にアレンジすることで、ジャズの本質的な要素であった即興演奏を抑制した。デヴィッド・クラークは、スウィングを「ポピュラー音楽の中心に位置する最初のジャズ志向のスタイルであり、単にポピュラー音楽に骨格を与えるものではなかった」と評した。1930年代末までに、ボーカリストはますます重要な存在となり、アメリカ音楽家連盟のストライキによって大編成バンドでのレコーディングが法外な費用になったことをきっかけに、最終的には中心的な役割を担うようになった。スウィング音楽には、スウィングダンスと呼ばれる人気のダンスが伴うようになり、このダンスはアメリカ全土で、白人、黒人を問わず、特に若者の間で非常に人気を博した。
アメリカの主流派が聴いていた人気のジャズやスウィング音楽に加えて、少数民族や地方の人々など、特定のグループの間で人気のある他のジャンルも数多く存在した。1920年代に始まり、1940年代に大きく加速したブルースは、急速に多様化し、幅広い新しいスタイルへと発展していった。これには、リズム・アンド・ブルース（R&B）と呼ばれるアップテンポでエネルギッシュなスタイル、ブルースとアングロ・ケルトの歌が融合したカントリー音楽、賛美歌やスピリチュアルとブルースの構造が融合したゴスペル音楽などが含まれる。これらの他のスタイルよりも後の1940年代には、ブルース、R&B、カントリーが融合したロックンロールが発展し、1960年代初頭にはアメリカのポピュラー音楽を席巻するようになった。
カントリーミュージックは、主にアフリカ系アメリカ人のブルースやスピリチュアルとアパラチアのフォークミュージックが融合したもので、ポップミュージック向けにアレンジされ、1920年代から普及しました。特に重要なのは、アイルランドやスコットランドの曲、ダンスミュージック、バラード、ボーカルスタイルです。ネイティブアメリカン、スペイン、ドイツ、フランス、メキシコの音楽も含まれる。初期のカントリーミュージックの楽器編成は、ヨーロッパ由来のフィドルとアフリカ由来のバンジョーが中心で、後にギターが加わった。カントリーミュージックの楽器編成には、コールアンドレスポンス形式、即興音楽、シンコペーションのリズムなど、アフリカの要素が用いられた。さらに後になって、 20世紀初頭のハワイアンミュージックの人気と、ソル・ホオピイやラニ・マッキンタイアなどのミュージシャンの影響により、ウクレレやスティールギターなどの弦楽器が一般的になった。現代カントリーミュージックのルーツは、一般的に1927年に音楽タレントスカウトのラルフ・ピアがジミー・ロジャーズとカーター・ファミリーを録音したことに遡るとされている。彼らの録音は、現代カントリーミュージックの基礎と考えられている。1927年以前にもカントリーとみなせるポピュラー音楽は存在したが、エース・コリンズが指摘するように、これらの録音は国内の音楽市場に「ごくわずかで非常に不安定な」影響しか与えず、当時ヒルビリー音楽として知られていたものとは表面的な類似性しかなかった。ロジャースとカーター夫妻に加え、ボブ・ウィルズという名のミュージシャンも影響力のある初期のパフォーマーであり、1920年代から30年代にかけて非常に人気を博したウェスタン・スウィングと呼ばれるスタイルで知られ、カントリーミュージックにジャズの顕著な影響をもたらした人物である。
リズム・アンド・ブルース（R&B）は、1930年代から1940年代にかけて生まれたスタイルで、より複雑な楽器編成を用いた、リズミカルでアップテンポなブルースの一種です。作家のアミリ・バラカは、初期のR&Bを「巨大なリズム隊が、叫び声を上げるブルース歌手の後ろで激しく演奏し、歌手たちは様々な電気楽器のけたたましい音やかき鳴らす音、そして激しく渦巻くリズムセクションに負けないように叫ばなければならなかった」と表現しています。この時期にもR&Bは録音されたが、それほど多くはなく、また、その示唆的な歌詞と力強いリズムのため、特に中流階級の白人など、大多数の聴衆には適さないとレコード会社が考えていたため、広くプロモーションされることはなかった。ルイ・ジョーダンなどのバンドリーダーは、初期のR&Bサウンドに革新をもたらした。ジョーダンのバンドは、小規模なホーンセクションと際立ったリズム楽器を特徴とし、ブルース調の歌詞を持つ楽曲を演奏した。1940年代末までに、彼は19もの大ヒット曲を生み出し、ワイノニー・ハリス、ジョン・リー・フッカー、ロイ・ミルトンといった同時代のアーティストたちの道を切り開いた。
キリスト教の霊歌と田舎のブルース音楽は、現在ゴスペル音楽として知られるものの起源となった。1920年代頃から、アフリカ系アメリカ人の教会では、信者が即興的でしばしば音楽的な方法で信仰を表明する（証言する）という形で、初期のゴスペルが演奏されるようになった。現代のゴスペルは、作曲家たちの作品、中でもトーマス・A・ドーシーの作品から始まった。彼は「馴染みのある霊歌や賛美歌を基に、ブルースやジャズのリズムと融合させた曲を作曲した」。20世紀初頭のこれらの教会から、ゴスペル音楽は全米に広まった。それはほぼ完全にアフリカ系アメリカ人の教会と結びついており、通常は聖歌隊と1人以上の卓越したソリストをフィーチャーしていた。
ロックンロールは、カントリー、ブルース、R&Bを起源とするポピュラー音楽の一種です。世界で最も人気のある音楽スタイルであることは間違いありませんが、ロックの正確な起源や初期の発展については、これまで激しい議論が交わされてきました。音楽史家のロバート・パーマーは、このスタイルの影響は非常に多様であり、アフロ・カリビアンの「ボ・ディドリー・ビート」、ビッグバンド・スウィングの要素、キューバのソンやメキシコの「リズム」といったラテン音楽も含まれると指摘しています。別の著者であるジョージ・リプシッツは、ロックはアメリカの都市部で生まれたと主張している。そこでは「多言語的な労働者階級の文化が形成され、それまでブルース、カントリー、ポルカ、ザイデコ、ラテン音楽によって個別に伝えられていた社会的意味が、都市環境の中で融合することで新たな表現を見出した」という。
20世紀半ばには、アメリカのポピュラー音楽において数々の重要な変化が見られました。この時期、レコードの価格が下がるにつれて需要が高まり、レコード業界の利益も増加したため、ポップミュージックの分野は飛躍的に発展しました。その結果、音楽マーケティングがますます重要になり、それまで考えられなかったほどの人気を誇る多くのポップスターが誕生しました。こうしたスターの先駆けとなったのは、ディーン・マーティン、ルディ・ヴァリー、トニー・ベネット、ペリー・コモ、フランキー・レインといったイタリア系アメリカ人のクルーナーたちで、中でも最も有名なのは「ファンを熱狂させた最初のポップボーカリスト」であるフランク・シナトラです。最も成功したクルーナーの一人はビング・クロスビーだった。クロスビーは、人気歌手のアル・ジョルソンを自身の主な影響源の一人として挙げている。クロスビーはペリー・コモからも影響を受けているとされている。[ 23 ]クロスビーはフランク・シナトラの歌唱にも影響を与えた。[ 24 ]クロスビーとシナトラは1956年の映画『上流社会』で共演している。[ 25 ]
1950年代のイージーリスニングブームが全国ラジオネットワークでポップミュージックの主流になると、その音楽的内容も進化しました。イージーリスニングは、最初は「親の音楽」に見られる古い曲から始まり、その後、ヒットバラード、インストゥルメンタル、ショーチューンなど、ロック以外の幅広いアーティストによって演奏されるようになりました。その中には、ボーカリストのドリス・デイ、ローズマリー・クルーニー、ナット・キング・コール、ヴィック・ダモーン、サミー・デイヴィス・ジュニア、ビリー・ホリデイ、パティ・ペイジ、ジョニー・レイ、メル・トーメ、ジョー・スタッフォード、サラ・ヴォーンなどがいました。[ 26 ]作曲家や編曲家もすぐに、アルバムに収録された豪華なオーケストラスコアで新しいジャンルを紹介することに刺激を受けました。その中には、ザビア・クガート、 ジャッキー・グリーソン、アンドレ・コステラネッツ、ガイ・ロンバルド、マントヴァーニ、ジョン・セリーなどがいました。[ 27 ] [ 28 ] [ 29 ]
しかし、現代のティーンポップスターの時代は1960年代に始まった。1960年代のアメリカのポップミュージックの例としては、ザ・モンキーズが挙げられる。[ 30 ]ザ・モンキーズのようなバブルガムポップグループは、音楽的な能力よりも、外見とレコードの売り上げ能力だけで選ばれた。しかし、同じ時期には、ロック、ソウル、ポップフォークなど、アメリカのポピュラー音楽の分野でより恒久的な地位を築いた新しい形態のポップミュージックも台頭した。1960年代末までに、2つの展開がポピュラー音楽を完全に変えた。1つは、政治的および社会的活動と並行して主流の音楽に明確に反対するカウンターカルチャーの誕生、もう1つは、プロの作曲家から歌手と作詞作曲家の両方を兼ねる演奏家への移行である。
ロックンロールが初めて主流のポピュラー音楽に登場したのは、ロカビリーと呼ばれるスタイルを通してだった。ロカビリーは、黎明期のロックサウンドとカントリーミュージックの要素を融合させたものだった。それまで黒人によるロックンロールは主流音楽界ではあまり成功していなかったため、当時、R&Bやカントリースタイルで説得力のある歌唱力を持つ白人パフォーマーが成功すれば良いと考える人もいた。テネシー州メンフィスのサン・レコードのサム・フィリップスは、エルヴィス・プレスリーというそのようなパフォーマーを見出し、プレスリーは史上最も売れたミュージシャンの一人となり、ロックンロールを世界中の聴衆に届けた。プレスリーの成功に先立ち、白人歌手のビル・ヘイリーが活躍した。彼の「ロック・アラウンド・ザ・クロック」は、ロック時代の幕開けとして挙げられることもある。しかし、ヘイリーの音楽は、ロカビリーの「より自由なリズム」に比べて「より緻密に構成され」「より計算された」ものであり、また、ロカビリーはヘイリーとは異なり、サックスやコーラスを使用していなかった。
1950年代、R&Bは黒人層の間で絶大な人気を誇ったが、その扇情的な性質から、白人や、いわゆる中流階級の黒人にはふさわしくないと考えられていた。そのため、多くの人気R&Bソングは、パット・ブーンのような白人ミュージシャンによって、より親しみやすく主流派的なスタイルで演奏され、ポップヒットとなった。しかし、1950年代末には、黒人のブルースロックやカントリーの影響を受けたR&Bのパフォーマーたちが、白人リスナーの間でかつてないほどの人気を獲得する波が押し寄せた。その中には、ボ・ディドリーやチャック・ベリーなどが含まれる。時が経つにつれ、R&B分野のプロデューサーたちは、リトル・リチャードやファッツ・ドミノのようなロック色の強いアーティストに徐々に目を向けるようになった。[ 31 ]
ドゥーワップは、1950年代に人気を博したグループによって演奏されたボーカルハーモニー音楽の一種です。[ 32 ]ロックの一種と見なされることもありますが、ドゥーワップはより正確には、ボーカルR&B、ゴスペル、ジャズとブルースやポップの構造の融合です。しかし、1960年代までは、ロックとドゥーワップ、R&B、その他の関連スタイルを隔てる境界線は非常に曖昧だった。ドゥーワップは、R&Bから派生した音楽スタイルとして初めて「形を成し、人々が新しい、異質な、奇妙な、自分たちのものとして認識できるものとなった」（原文強調）。ドゥーワップの人気が高まるにつれ、ベースをリードボーカルとするスタイルなど、新たな革新が加えられていった。このスタイルは、ザ・レイブンズのジミー・リックスによって始められた。ドゥーワップのパフォーマーは当初ほぼ全員が黒人だったが、すぐに白人や人種混合のグループも人気を博すようになった。その中には、ディオン＆ザ・ベルモンツのようなイタリア系アメリカ人のグループが数多く含まれており、また、女性ボーカリストを加えたり、ほぼ男性ばかりだったこの分野で女性だけのグループを結成したりするグループもあった。ザ・クイーンズやザ・シャンテルズなどがその例だ。
1950年代には、その後の音楽スタイルに大きな影響を与えることになる、数々の短い流行が見られた。ピート・シーガーやザ・ウィーバーズといったパフォーマーたちは、アングロ・アメリカン音楽の古き良き時代のリバイバルというジャンルを普及させた。 この分野は最終的に政治的な左翼や共産主義と結びつき、アーティストがブラックリストに載せられたり批判されたりするにつれて、受け入れられる度合いが低下していった。それにもかかわらず、この形態のポップ・フォークは、1950年代のフォーク・ロックや関連スタイルという形で大きな影響を与えた。大衆化されたアングロ・フォーク音楽のやや散発的な成功と並行して、マンボ、ルンバ、チャチャチャ、ブーガルーなどの一連のラテンダンスの流行があった。その成功もまた散発的で短命であったが、ラテン音楽はロック、ソウル、その他のスタイルに継続的に影響を与え続け、最終的には1970年代にサルサ音楽へと発展した。
1920年代後半から、当初「オールドタイム」または「ヒルビリー」音楽と呼ばれた独特のスタイルが、南部や中西部の農村部で放送や録音されるようになった。初期のアーティストには、カーター・ファミリー、チャーリー・プールとそのノースカロライナ・ランブラーズ、ジミー・ロジャーズなどがいる。この音楽の演奏と普及は当初は地域限定だったが、第二次世界大戦による人口移動によってより広範囲に広まった。戦後、人種音楽やヒルビリー音楽として知られていたものを含む、特定のスタイルへの関心が高まり、これらのスタイルはそれぞれリズム・アンド・ブルース、カントリー・アンド・ウェスタンと改名された。大手レコード会社は、テックス・ウィリアムズのような南部のノベルティ歌手と、ポップとカントリーを伝統的な感傷的なスタイルで融合させたフランキー・レインのような歌手という、2種類のカントリー歌手のプロモーションで一定の成功を収めた。 [ 33 ]この時期には、アラバマ州北西部でティー・トットという名の黒人ストリートミュージシャンからブルースを学んだ白人カントリー歌手、ハンク・ウィリアムズも台頭した。[ 34 ]ハンク・ウィリアムズは1953年に亡くなるまでに、それぞれ少なくとも100万枚を売り上げたシングルを11枚録音し、ナッシュビル・サウンドの先駆けとなった。
ナッシュビル・サウンドは、1950年代に生まれた人気のカントリーミュージックの一種で、人気のビッグバンドジャズやスウィングに、ホンキートンク・カントリーの叙情性を融合させたものだった。ハンク・ウィリアムズのレコーディングが大ヒットしたことで、レコード会社はカントリーミュージックが主流の聴衆を獲得できると確信した。レコード会社はその後、カントリーミュージックから粗野でホンキートンクな要素を取り除き、ウィリアムズを有名にした、遠慮のない田舎風のサウンドを排除しようとした。ナッシュビルの音楽業界は、ロカビリー歌手エルヴィス・プレスリーの台頭に反応し、カントリーとポップの境界を越えるパフォーマーを売り出していた。[ 35 ] RCAのカントリーミュージック部門の責任者であるチェット・アトキンス[ 36 ]は、カントリーの粗野な要素を捨てることでナッシュビルサウンドの革新に最も貢献し、オーウェン・ブラッドリーは洗練された制作技術と滑らかな楽器編成を使用し、それが最終的にナッシュビルサウンドの標準となり、弦楽器や合唱団も取り入れられるようになった。[ 37 ] 1960年代初頭までに、ナッシュビル・サウンドはより伝統的なパフォーマーやファンから薄められたものと認識されるようになり、その結果、ラボック・サウンドや、最も影響力のあるベーカーズフィールド・サウンドなど、多くのローカル・シーンが生まれました。
1950年代を通して、最も人気のあるカントリーミュージックは、洗練されたポップ志向のスタイルであるナッシュビル・サウンドでした。多くのミュージシャンはより荒削りなサウンドを好み、それがラボック・サウンドやベーカーズフィールド・サウンドの発展につながりました。ベーカーズフィールド・サウンドは、1950年代半ばから後半にかけて、カリフォルニア州ベーカーズフィールドで、ウィン・スチュワートなどのパフォーマーによって生み出されました。彼らは、ブレイクビーツなどのウェスタン・スウィングやロックの要素と、ホンキートンクのボーカルスタイルを融合させました。彼に続いて、バック・オーウェンズやマール・ハガードなど、このスタイルを普及させたパフォーマーたちが続々と現れた。
ソウルミュージックは、1950年代後半にアメリカで始まったR&Bとゴスペルの融合です。ソウルミュージックの特徴は、ゴスペルのテクニックを用いながらもボーカリストをより重視し、世俗的なテーマを取り入れている点です。サム・クック、レイ・チャールズ[ 38 ]、ジェームス・ブラウンの1950年代の録音は、ソウルミュージックの始まりと一般的に考えられています。ソロモン・バークがアトランティック・レコードで行った初期の録音は、このスタイルを確立しました。ピーター・グラルニックが書いているように、「バークとアトランティック・レコードが結びついて初めて、ムーブメントらしきものが見られるようになった」のです。
ミシガン州デトロイトのモータウン・レコード・コーポレーションは、ポップの影響を強く受けたソウル・レコードを次々とリリースし、成功を収めた。これらのレコードは白人リスナーにも受け入れられ、R&Bやソウルが主流の聴衆に受け入れられるきっかけとなった。[ 39 ]ソウル・ミュージックのレコーディングの中心地の一つは、FAMEスタジオが運営されていたアラバマ州フローレンスだった。ジミー・ヒューズ、パーシー・スレッジ、アーサー・アレクサンダーはFAMEでレコーディングを行い、1960年代後半にはアレサ・フランクリンもこの地域でレコーディングを行った。フローレンス近郊の町にちなんでマッスル・ショールズと呼ばれることも多いFAMEスタジオは、スタックスと密接な関係にあり、メンフィスで活動していた多くのミュージシャンやプロデューサーがアラバマでのレコーディングにも貢献した。
メンフィスでは、スタックス・レコードがソウルのパイオニアであるオーティス・レディング、ウィルソン・ピケット[ 40 ] 、ドン・コヴェイのレコーディングをプロデュースした。エディ・フロイドやジョニー・テイラーといった他のスタックス所属アーティストもソウルミュージックに大きく貢献した。1968年までに、ジェームス・ブラウンやスライ＆ザ・ファミリー・ストーンがソウルとリズム・アンド・ブルースの両方を拡張し、抽象化して他の形式へと発展させ始めたため、ソウルミュージック運動は分裂し始めた。グラルニックは、「何よりも…私にとってソウルの時代を急激に、そして不安にさせる形で終焉させたのは、1968年4月のマーティン・ルーサー・キングの死だったように思える」と書いている。
1960年代の主要な新ロックジャンルの先駆けの一つが、カリフォルニア出身のディック・デイルが開拓したサーフ・ロックだった。サーフ・ロックは主にインストゥルメンタルでギターを主体としたロックであり、歪んだ独特の響きが特徴で、南カリフォルニアのサーフィン文化と結びついていた。デイルはレオ・フェンダーと協力し、「ショーマン・アンプ」と「サーフ・ミュージック特有のファジーなサウンドを生み出すリバーブ・ユニット」を開発した。
サーフィンの音楽的基盤ではなくとも、その歌詞の焦点に触発されたザ・ビーチ・ボーイズは、1961年に「サーフィンUSA 」などのヒット曲を連発してキャリアをスタートさせた。彼らのサウンドはインストゥルメンタルでもギター中心でもなく、「豊かで濃密、そして紛れもなく特別な」「ドローン音のような推進力のある重厚なサウンドに乗せた、フォー・フレッシュメン風のハーモニーを伴う浮遊感のあるボーカル」に満ちていた。ビーチ・ボーイズのソングライター、ブライアン・ウィルソンは次第に奇抜になり、台頭するカウンターカルチャーと結びつくにつれて、新しいスタジオ技術を実験するようになった。[ 41 ]
カウンターカルチャーは、政治活動、特にベトナム戦争への反対、そしてさまざまなヒッピーの理想の推進を含む若者の運動でした。ヒッピーは主に2種類の音楽と関連付けられていました。ボブ・ディランやグラム・パーソンズのような人々のフォークロックやカントリーロック、そしてジェファーソン・エアプレインやドアーズのようなバンドのサイケデリックロックです。[ 42 ]この運動は、1960年代の大部分で人気を博したイギリスのバンドの波であるブリティッシュ・インヴェイジョンと非常に密接に関連していました。ブリティッシュ・インヴェイジョンには当初、ビートルズ、ローリング・ストーンズ[ 43 ]、ザ・ゾンビーズなどのバンドが含まれており、後にムーディー・ブルースやザ・フーなどのバンドが加わりました。[ 44 ]これらのバンドのサウンドはハードエッジなロックで、ビートルズは当初、リトル・リチャード、チャック・ベリー、スモーキー・ロビンソン、ザ・シャイレルズ、アイズレー・ブラザーズなどのクラシックなブラックロックの曲に似た曲で知られていました。その後、カウンターカルチャーが発展するにつれて、ビートルズはより高度な技術やシタールなどの珍しい楽器、そしてより独創的な歌詞を使用するようになった。[ 45 ]
フォークロックは、キングストン・トリオやアルマナック・シンガーズといったグループが時折メインストリームで成功を収めたことから影響を受けており、一方、ウディ・ガスリーやピート・シーガーは、地方の白人フォーク音楽を政治的に過激化させるのに貢献した。人気ミュージシャンのボブ・ディランは1960年代半ばに頭角を現し、フォークとロックを融合させ、黎明期の音楽シーンを公民権運動と密接に結びつけた。彼に続いて、ザ・バーズやフライング・ブリトー・ブラザーズといったカントリーロックバンド、ジョーン・バエズやカナダ出身のジョニ・ミッチェルといったフォーク系のシンガーソングライターが続いた。しかし、1960年代末には、ジェームス・テイラーやキャロル・キングといったポップシンガーソングライターの歌詞には、政治的あるいは社会的な意識はほとんど見られなくなり、彼らの自作曲は非常に個人的で感情的なものとなった。
サイケデリック・ロックは、カリフォルニア州サンフランシスコと密接な関係にある、ハードで力強いギター・ロックの一種でした。ジェファーソン・エアプレインは、1967年の「サムバディ・トゥ・ラブ」と「ホワイト・ラビット」で全国的なヒットを飛ばした唯一のサンフランシスコのサイケデリック・バンドでしたが、フォーク、カントリー、ブルーグラスの要素を取り入れたジャム・バンド、グレイトフル・デッドは、「サンフランシスコのシーンのあらゆる要素を体現し、カウンターカルチャーを国全体に広める存在となった」のです。グレイトフル・デッドはまた、カウンターカルチャーや国全体に、ティモシー・リアリーのような人物の思想、特にLSDなどの幻覚剤を精神的、哲学的目的で使用するという考え方を紹介したことでも知られるようになりました。
1960年代から1970年代初頭にかけての激動の政治、社会、音楽の変化を経て、ロック音楽は多様化していった。かつてロックンロールと呼ばれ、比較的明確な音楽スタイルであったものが、単にロック音楽と呼ばれる包括的なカテゴリーへと進化し、最終的にはヘヴィメタル、パンクロック、そして時にはヒップホップといった多様なスタイルを包含するようになった。しかし、1970年代には、これらのスタイルのほとんどは主流音楽の一部ではなく、アンダーグラウンドの音楽シーンで発展を遂げていた。
1970年代初頭には、1960年代のフォークロックに見られる内省的で感情豊かでパーソナルな歌詞を継承するシンガーソングライターが数多く登場した。ジェームス・テイラーやキャロル・キングなどがその代表例で、彼らはパフォーマンスだけでなく作詞能力でも高く評価された。同じ時期には、オールマン・ブラザーズ・バンドやレーナード・スキナードといったブルース色の強いサザンロックやカントリーロックのグループも台頭した。1970年代には、ソフトロックが発展した。これは、アメリカやブレッドといったバンドに代表される、シンプルで控えめで穏やかなポップロックの一種である。しかし、これらのバンドのほとんどは今日ではあまり知られておらず、多くは一発屋だった。さらに、シカゴやスティクスといったハードなアリーナロックバンドも大きな成功を収めた。
1970年代初頭には、荒々しくエッジの効いた新しいスタイルのカントリーミュージックが登場し、瞬く間に最も人気のあるカントリーミュージックの形態となった。それがアウトローカントリーであり、ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングスといった主流派のスターもこのスタイルに含まれていた。アウトロー・カントリーはロック色の強い音楽で、歌詞は犯罪行為、特に薬物やアルコールに関連した悪行に焦点を当てており、彼らは髪を長く伸ばし、デニムや革の服を着て、ナッシュビル・サウンドを推進していた清潔感のあるカントリー歌手とは対照的に、ヒッピーのような外見をしていた。
1970年代半ばまでに、ダンスミュージックの一種であるディスコが人気を博し、アンダーグラウンドのダンスクラブからアメリカの主流へと発展していった。ディスコは映画『サタデー・ナイト・フィーバー』の公開と、同映画およびビー・ジーズのサウンドトラックをめぐる現象によって頂点に達した。しかし、ディスコの時代は短く、1980年までにはパンクロックシーンから発展したニューウェーブなどの多くのジャンルに取って代わられた。ブルース・スプリングスティーンは、1970年代半ばから後半、そして1980年代を通して、難解で複雑な歌詞と中流階級や下層階級の共感を呼ぶアンセム的な楽曲で大スターとなった。
1970年代初頭、ソウルミュージックはサイケデリックロックやその他のスタイルから影響を受けた。当時の社会や政治の激動は、マーヴィン・ゲイやカーティス・メイフィールドといったアーティストに、痛烈な社会批評を込めたアルバムを発表するきっかけを与えた。ジェームス・ブラウンのようなアーティストは、ソウルをよりダンス志向の音楽へと導き、それが最終的にファンクへと発展した。ファンクは、パーラメント・ファンカデリック、ザ・メーターズ、そしてジェームス・ブラウン自身といった1970年代のバンドによって典型的に表されたが、ウォー、コモドアーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアーといったより多才なグループも人気を博した。1970年代には、フィラデルフィアのホール＆オーツのような非常に洗練された商業的なブルーアイドソウルグループがメインストリームで成功を収めたほか、デルフォニックスやハワード大学のユニフィクスといった、ストリートコーナーのハーモニーやシティソウルの新世代グループも登場した。
1970年代末までに、フィラデルフィア・ソウル、ファンク、ロック、その他ほとんどのジャンルはディスコの影響を受けた楽曲に席巻された。この時期、オージェイズやスピナーズといったファンクバンドはヒット曲を出し続けた。1980年にディスコが終焉を迎えた後、ソウルミュージックは短期間生き残ったものの、再び変貌を遂げた。エレクトロミュージックやファンクの影響を取り入れたことで、ソウルミュージックはより洗練され、より洗練されたものとなり、再びR&Bと呼ばれるジャンルが誕生した。このジャンルは、以前のリズム・アンド・ブルースとは区別され、現代R&Bとして認識されるようになった。
1960年代までには、 「リズム・アンド・ブルース」という用語は広く使われなくなり、代わりに「ソウル・ミュージック」などの用語が黒人アーティストによるポピュラー音楽を指すのに使われるようになった。しかし、1980年代には「リズム・アンド・ブルース」が再び使われるようになり、多くの場合「R&B」という形で用いられ、この用法は現在まで続いている。現代のR&Bは、プリンスのような官能的なファンクシンガーが、マイケル・ジャクソンやマドンナのようなダンス志向のポップスターと並んで非常に人気を博したことで生まれた。
1980年代末までに、ポップロックは主にラジオ向きのグラムメタルバンドで構成されるようになった。これらのバンドは、イギリスのグラムムーブメントから派生したイメージと、男らしい歌詞や態度、そしてハードロック音楽とヘヴィメタル特有の技巧的なソロ演奏を特徴としていた。この時代のバンドには、デフ・レパードのような多くのイギリスのグループに加え、ヘヴィメタルに影響を受けたアメリカのバンド、モトリー・クルー、ガンズ・アンド・ローゼズ、ボン・ジョヴィ、ヴァン・ヘイレンなどが含まれる。
1980年代半ばには、ゴスペル音楽の人気がピークに達した。コンテンポラリー・クリスチャン・ミュージック（CCM）と呼ばれる新しい形のゴスペルが生まれた。CCMは1960年代後半から存在しており、宗教的な歌詞を少し加えたポップ／ロック・サウンドが特徴だった。1980年代半ばには、エイミー・グラント、マイケル・W・スミス、キャシー・トロッコリといったアーティストの活躍もあり、CCMは最も人気のあるゴスペルの形態となった。エイミー・グラントは1980年代で最も人気のあるCCM歌手であり、ゴスペル歌手でもあった。CCMで前例のない成功を収めた後、1980年代と1990年代にはメインストリームのポップ界に進出した。マイケル・W・スミスもCCMで大きな成功を収めた後、ポップ・ミュージック界でも成功を収めた。グラントは後に、CCM初の全米ナンバーワン・ポップ・ヒット曲（「Baby Baby」）と、CCMで最も売れたアルバム（「Heart in Motion」）をプロデュースした。
1980年代、カントリーミュージックのチャートは、カントリーミュージックの影響をわずかに受けただけのポップシンガーが席巻し、その傾向はその後も続いている。1980年代には、ドワイト・ヨーカムや、エミルー・ハリス、リッキー・スカッグスといった新伝統主義 者の台頭により、ホンキートンクスタイルのカントリーが復活した。また、アンクル・トゥペロのようなオルタナティブ・カントリー・アーティストの台頭も見られた。後に、ウィスキータウンのライアン・アダムスやウィルコといったオルタナティブ・カントリー・アーティストが、ある程度のメインストリームでの成功を収めた。
1970年代には、アメリカの主流ポピュラー音楽とは対照的な、多様なスタイルが数多く出現した。これらのジャンルは、一般大衆に多くのレコードを売るという意味では必ずしも人気があったわけではないが、フォークやクラシック音楽とは異なり、ポピュラー音楽の一例であった。1970年代初頭、ニューヨーク市のアフリカ系アメリカ人とプエルトリコ人はヒップホップ文化を発展させ、ヒップホップと呼ばれる音楽スタイルを生み出した。ほぼ同時期に、ニューヨークのラテン系の人々、特にキューバ人とプエルトリコ人は、ラテン音楽の様々な形式とR&Bやロックを融合させたサルサ音楽も生み出した。パンクロックとヘヴィメタルのジャンルは、1970年代にはイギリスと最も密接に関連していたが、アメリカでは1970年代後半から1980年代にかけて様々な派生ジャンルが発展した。一方、デトロイトでは、ハウスやテクノといった一連のエレクトロニック音楽ジャンルが徐々に発展し、後に世界中のポピュラー音楽の主要部分となった。
ヒップホップは文化運動であり、音楽はその一部であり、グラフィティやブレイクダンスも同様である。音楽は2つの部分から構成されている。1つはラップで、これは素早く、非常にリズミカルで叙情的なボーカルを披露することである。もう1つはDJingで、これはサンプリング、楽器演奏、ターンテーブリズム、ビートボックスなどによって楽器を制作することである。ヒップホップは1970年代初頭、ニューヨーク市ブロンクスで誕生した。ジャマイカ移民のDJクール・ハークはヒップホップの創始者として広く知られており、彼はポピュラーソングのリズムに合わせてトースティングするスタイルをニューヨークにもたらした。クール・ハークのようなDJは、ファンク、ディスコ、ロックなどの人気曲のレコードをかけた。当初、MCは曲を紹介し、観客を盛り上げて踊らせる役割を担っていたが、時が経つにつれ、DJはパーカッションブレイク（曲のリズム的なクライマックス）を抜き出し、MCがラップする反復ビートを作り出すようになった。
ラップには、友人や敵への挨拶、ダンスへの呼びかけ、色彩豊かでしばしばユーモラスな自慢話が含まれていた。1980年代初頭には、シュガーヒル・ギャングの「ラッパーズ・ディライト」のような人気のヒップホップソングや、 LL クール Jやカーティス・ブロウといったシーンの著名人がいた。他のパフォーマーは政治的な歌詞や社会意識を試み、またジャズ、ヘヴィメタル、テクノ、ファンク、ソウルとの融合を披露した。ヒップホップは1980年代後半に多様化し始めた。オルタナティブ・ヒップホップや、それと密接に関連するジャズ・ラップ・フュージョンといった新しいスタイルが登場し、デ・ラ・ソウルやグルーといったラッパーが先駆者となった。この時代にヒップホップを全国的に注目させるのに最も貢献したのはパブリック・エネミーとNWAだった。前者は扇動的で政治的な歌詞でそれを成し遂げ、後者はギャングスタ・ラップの最初の顕著な例となった。
サルサ音楽は、多様なスタイルとバリエーションを持つ、主にカリブ海地域に由来するリズムで、多くのラテンアメリカ諸国で人気があります。サルサには様々なスタイルとバリエーションがあり、この用語は、キューバ発祥の人気音楽ジャンル（チャチャチャやマンボなど）のほとんどあらゆる形態を指すのに使用できます。しかし、より具体的には、サルサとは、1970年代半ばにニューヨーク市近郊のキューバ系およびプエルトリコ系移民グループによって米国で発展した特定のスタイル、そして1980年代のサルサ・ロマンティカのようなスタイルの派生を指します。
サルサ音楽は常に4/4拍子です。音楽は2小節のグループでフレーズ化され、繰り返されるリズムパターンと、歌詞や楽器のフレーズの始まりが使用されます。通常、パーカッションで演奏されるリズムパターンはかなり複雑で、多くの場合、複数の異なるパターンが同時に演奏されます。クラーベのリズムは、サルサの基礎を形成する重要な要素です。パーカッションの他に、ギター、トランペット、トロンボーン、ピアノなど、さまざまなメロディー楽器が伴奏として一般的に使用され、演奏者によって異なります。バンドは通常、ホーンセクションとリズムセクションに分かれており、1人または複数の歌手（ソネロまたはサルセロ）が率いています。
パンクは、1970年代に当時のポピュラー音楽、特に退屈で刺激のないと見なされていたディスコへの反動として始まった、反骨精神あふれるロック音楽の一種である。パンクは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、ザ・ストゥージズ、ニューヨーク・ドールズといったアメリカのバンドから影響を受けた。パンクは、うるさくて攻撃的で、演奏にはほとんど音楽の訓練を必要としない、非常にシンプルな音楽だった。1960年代後半には、セックス・ピストルズやザ・クラッシュといったイギリスのバンドが、イギリス国内で大きな人気を博し、アメリカでもそれよりは低いものの、人気を博した。このジャンルのアメリカのバンドとしては、最も有名なのはラモーンズだが、トーキング・ヘッズのようなバンドは、パンクと密接に関連した、より芸術的な音楽を演奏し、最終的にはポップ・ニューウェーブへと発展していった。その他の主要な出演者には、ブロンディ、パティ・スミス、テレビジョンなどがいる。これらのバンドのほとんどは、パンク・ロックの「グラウンド・ゼロ」[ 46 ]とされるCBGBというクラブで活動を始めた。ニューヨークのこの小さなクラブは1975年に「未発表のトップ40ロックバンド」を紹介するフェスティバルを開催した。これらのバンドの中には、前述のラモーンズ、セックス・ピストルズ、ブロンディなどが含まれていた。
ハードコア・パンクは、 1970年代後半に世界中で巻き起こったパンク・ロックの爆発的な流行に対するアメリカの若者たちの反応だった。ハードコアは、パンク・ロックやニュー・ウェーブから時にエリート主義的で芸術的な傾向を取り除き、不満を抱えた若者たちの心に響く、短く、速く、激しい楽曲を生み出した。ハードコアはロサンゼルス、ワシントンD.C.、ニューヨーク、ボストンといったアメリカの大都市で爆発的に広まり、1980年代末までにはほとんどのアメリカの都市に独自のローカル・シーンが形成された。
オルタナティブロックは、1980年代にアメリカで主流の音楽シーンと真っ向から対立する形でハードコアシーンから発展した、多様なロックバンドのグループです。この10年間に発展したオルタナティブロックのサブジャンルには、インディーロック、ゴシックロック、ノイズロック、グランジ、カレッジロックなどがあります。ほとんどのオルタナティブバンドは、1970年代にアンダーグラウンドやオルタナティブミュージックの基礎を築いたパンクへの共通の影響を受けています。このジャンルはロックとみなされていますが、一部のスタイルはアメリカのフォーク、レゲエ、ジャズの影響を受けています。パンクやハードコアと同様に、オルタナティブロックは1980年代のアメリカでは主流の成功を収めることはほとんどありませんでしたが、ツアー、カレッジラジオ、ファンジン、口コミによるインディーシーンの草の根的な確立を通じて、オルタナティブバンドは次の10年間でこのジャンルがアメリカの大衆の意識に浸透するための基礎を築きました。
ヘヴィメタルは、攻撃的で力強いリズムと、高度に増幅された歪んだギターを特徴とする音楽の形態であり、一般的に壮大な歌詞と技巧的な楽器演奏を伴います。ヘヴィメタルは、ブルース、ブルースロック、ロック、プログレッシブロックの発展形です。その起源は、1967年から1974年の間にブルースとロックを取り入れ、ギターとドラムを中心とした重厚なサウンドを持つハイブリッドを生み出したイギリスのハードロックバンドにあります。ブラック・サバスのようなこの分野の先駆者のほとんどはイギリス人でしたが、ブルー・チアーやジミ・ヘンドリックスのようなアメリカのパフォーマーから影響を受けたバンドも数多くありました。
1970年代初頭、ブルー・オイスター・カルトやエアロスミスといった最初のアメリカのメジャーバンドが登場し、エディ・ヴァン・ヘイレンのようなミュージシャンがキャリアをスタートさせた。しかし、ヘヴィメタルは依然として大部分がアンダーグラウンドな現象であった。1980年代には、ポイズン、ボン・ジョヴィ、モトリー・クルー、ラットといったスーパースターに率いられ、パーティー好きの精神とグラムロックの影響を受けたビジュアル美学（「ヘアメタル」と呼ばれることもある）を特徴とするポップベースのハードロックが音楽チャートを席巻した。1987年にデビューしたガンズ・アンド・ローゼズは、サンセット・ストリップの荒々しい裏側を反映したイメージを持つハードロックバンドであり、少なくとも部分的にはヘアメタルの過度に洗練されたイメージへの反動であったが、このバンドの大成功は、多くの点でハードロックとメタルシーンの最後のあがきであった。 1980年代半ばまでに、「ヘヴィメタル」という用語が多くの議論の的となるにつれ、そのスタイルはさまざまな方向に枝分かれし、ファン、レコード会社、ファンジンによって新しい分類が作られるようになった。ただし、特定のスタイルに属するとされるアーティストでさえ、さまざまなサブジャンルの違いが不明瞭な場合もあった。1980年代の米国におけるメタルサブジャンルの中で最も注目すべきものは、Anthrax、Megadeth、Metallica、Slayerなどのバンドによって開拓された、スピーディーでアグレッシブなスラッシュメタルスタイルであった。
1990年代のアメリカのポピュラー音楽で最も重要な変化は、グランジの人気によるオルタナティブロックの台頭だったと言えるでしょう。これは以前は明確に反主流派のジャンルの集まりでしたが、1990年代初頭から大きな人気を博しました。このジャンルの初期段階では、主にブルース・パヴィットとジョン・ポネマンが設立したサブ・ポップ・レコードが中心でした。このレーベルと契約した重要なグランジバンドには、グリーン・リバー（このバンドのメンバーの半数は後にパール・ジャムの創設メンバーとなりました）、ソニック・ユース（グランジバンドではありませんでしたが、グランジバンドに影響を与え、実際、キム・ゴードンの主張によりデヴィッド・ゲフィン・カンパニーがニルヴァーナと契約しました）、そしてニルヴァーナがいました。グランジは「暗く、陰鬱なギターベースのスラッジ」サウンドを持つオルタナティブロックのサブジャンルです。ヘヴィメタルやパンク、そしてソニック・ユースのようなバンドの要素を取り入れ、「型破りなチューニングを用いて、ありきたりなポップソングを完全に歪めている」。ニルヴァーナのようなバンドのサウンドに「メロディックでビートルズ風の要素」が加わったことで、グランジはアメリカ全土で爆発的な人気を博した。
グランジは1990年代初頭に商業的に成功を収め、1991年から1994年にかけてピークを迎えた。アメリカ太平洋岸北西部、特にワシントン州シアトルのバンドがグランジを生み出し、後に主流の聴衆にも人気を博した。グランジの人気がピークに達した頃に成人を迎えた、いわゆるジェネレーションX世代は、グランジと密接な関係にあり、グランジは「（その）世代の絶望感を象徴する」サウンドとなった。フー・ファイターズやクリードなどのバンドは、ポスト・グランジと呼ばれるオルタナティブ・ロックの一形態となり、音楽的に影響を受けたグランジ・バンドとは異なりラジオ向きだったため人気を博した。グリーン・デイやブリンク182などのポップ・パンク・バンドも人気を得た。1990年代後半には、リンキン・パーク、コーン、リンプ・ビズキット、スリップノットなどのバンドでニュー・メタルが台頭した。インディーズ文化は、ローファイ（ベック、スパークルホース、ガイデッド・バイ・ヴォイセズ）、マス・ロック（スリント、シェラック）、ポスト・ロック（エクスプロージョンズ・イン・ザ・スカイ、トータス）などの新しいジャンルとともにアンダーグラウンド・シーンで眠っていた。エモコアやポスト・ハードコアは、アット・ザ・ドライヴインやフガジなどのバンドでより知られるようになった。
ギャングスタ・ラップはヒップホップの一種で、最も重要な特徴は、男らしさ、肉体性、危険で犯罪的なイメージに焦点を当てた歌詞である。ギャングスタ・ラップの起源は、1980年代半ばのフィラデルフィアのスクーリー・Dや西海岸のアイス・Tのラップに遡ることができるが、このスタイルは通常、トゥー・ショート、NWAなどが名声を得たロサンゼルスとオークランド地域で始まったと言われている。この西海岸のラップシーンは、1990年代初頭のGファンク・サウンドを生み出した。Gファンクは、ギャングスタ・ラップの歌詞と、1970年代のPファンクのサンプルに頼ることが多い、重厚でぼやけたトーンを組み合わせたもので、このサウンドの最も有名な提唱者は、ブレイクスルー・ラッパーのドクター・ドレーとスヌープ・ドッグである。
1990年代末から2000年代初頭にかけて、ポップミュージックは主にポップヒップホップとR&Bの要素を取り入れたポップの組み合わせで構成され、ボーイバンドも数多く登場した。ビヨンセ（ソロ活動とデスティニーズ・チャイルドのリードシンガーとして）、ブリトニー・スピアーズ、クリスティーナ・アギレラ、ケイティ・ペリー、レディー・ガガ、テイラー・スウィフトといった著名な女性歌手も、アメリカおよび世界のポピュラー音楽界でその地位を確固たるものにした。また、2000年代半ばから後半にかけて、ヒップホッププロデューサーがポピュラー音楽に与えた影響も特筆すべきである。アッシャーの『Confessions』やネリー・ファータドの『Loose』で初めて聴かれたサウンドは、マドンナ、エイコン、レディー・ガガといったアーティストによってラジオで広く模倣された。 2000年代後半から2010年代初頭にかけて、ポップミュージックはヨーロッパのエレクトロニックダンスミュージックシーンから大きな影響を受けるようになり、デヴィッド・ゲッタ、カルヴィン・ハリス、スウェディッシュ・ハウス・マフィア、スクリレックスといったプロデューサーを通して大学生の間で根付いた。
ヒップホップとポップの融合も、2000年代から2010年代初頭にかけて主流となり始めた。2010年代初頭には、ブルーノ・マーズ、ドレイク、リル・ウェイン、2チェインズ、ケンドリック・ラマー、マシン・ガン・ケリー、マックルモアといった著名なアーティストたちが、メインストリームの音楽シーンを席巻し始めた。
1990年代のカントリーミュージックの主流はポップスであり、カントリーの要素はごくわずかだった。これには、クリント・ブラック、シャナイア・トゥエイン、フェイス・ヒル、そしてこうしたクロスオーバー・スターの先駆けであるガース・ブルックスなど、1990年代に最も売れたアーティストの多くが含まれる。
一方で、ギター・リバイバルが起こり、ポストパンク・リバイバルやガレージロック・リバイバルと呼ばれる新世代のオルタナティブ・ギターバンドが台頭した。この世代の代表的なアメリカのバンドとしては、ホワイト・ストライプス、ザ・ストロークス、ザ・キラーズなどが挙げられる。
アメリカのポピュラー音楽は国際的に非常に人気が高まっている。ロック、ポップ、ヒップホップ、ジャズ、カントリーなどのスタイルは世界中にファンがいる。1960年代半ばから1970年代半ばにかけて、国際的なポピュラー音楽とアメリカのポピュラー音楽の要素を融合させようとする試みがあった。しかし、その融合の結果は、ほとんど成功しなかった。[ 47 ]例えば、 BBCラジオのDJアンディ・カーショーは、カントリー音楽は事実上世界中で人気があると指摘している。実際、「アメリカ人が世界文化に貢献してきたあらゆるものの中で、（アメリカのポピュラー音楽は）全世界に（最も）受け入れられてきた」。アメリカのポピュラー音楽の他のスタイルも国際的に大きな影響を与えており、西アフリカのアフロビートの基礎となったファンク、ジャマイカのレゲエの主要な源泉となったR&B、そして世界中のほとんどすべてのポピュラー音楽のジャンルに深く影響を与えたロックなどが挙げられる。ロック、カントリー、ジャズ、ヒップホップは多くの国で定着し、オーストラリアのカントリーミュージック、タンザニアのボンゴ・フラバ、ロシアのロックといった地域特有の音楽を生み出している。
ロックはポピュラー音楽に決定的な影響を与え、その結果、「ポピュラー音楽とは何か」という概念そのものを変容させた。チャーリー・ジレットは、ロックンロールは「都市生活の絶え間ない鼓動と圧倒的な音量を音楽そのものに取り入れた最初のポピュラー音楽ジャンルだった」と主張している。
アメリカのポピュラー音楽が社会に与えた影響は、アメリカ国内だけでなく海外にも及んでいる。19世紀後半の華やかなショーの時代から、アメリカのポピュラー音楽は性的に刺激的すぎること、暴力、薬物乱用、そして一般的に不道徳な行為を助長するものとして批判されてきた。
{{cite book}}ISBN /日付の不一致（ヘルプ）ガロファロ著、76ページに引用{{cite book}}ISBN /日付の不一致（ヘルプ）