アメリカーナ音楽

アメリカーナ音楽の起源は20世紀初頭に遡り、アメリカの田舎のミュージシャンがフォーク、ブルース、カントリー音楽の要素を自分たちの歌に取り入れ始めたことに始まる。^{[ 3 ]}アメリカーナのミュージシャンはギター、バンジョー、フィドル、アップライトベースなどのアコースティック楽器をよく演奏し、彼らの歌は一般的に日常生活の苦労や困難についての物語を語っていた。^{[ 4 ]}

アメリカのフォーク音楽のリバイバルは1940年代に始まり、1960年代半ばに人気がピークに達した。ニューヨーク市でのフォークリバイバルは、マーゴット・メイヨーなどの指導者によって提唱された1940年代のスクエアダンスとフォークダンスへの関心の復活に根ざしており、ピート・シーガーなどのミュージシャンが広く知られるようになった。^{[ 5 ] [ 6 ] [ 7 ]}より一般的に、大衆的かつ商業的な現象としてのフォークリバイバルは、ピープルズ・ソングスのピート・シーガー、リー・ヘイズ、フレッド・ヘラーマン、ロニー・ギルバートによって1948年11月に結成されたザ・ウィーバーズの活動から始まる。シーガーはピープルズ・ソングスの会長、ヘイズは事務局長を務めていた。

西海岸出身のキングストン・トリオは、そのスタイルと表現においてウィーバーズから直接的な影響を受けており、ウィーバーズの楽曲（主にトラディショナルなもの）をカバーした。キングストン・トリオの人気に続いてジョーン・バエズの人気が高まり、彼女のデビュー・アルバム『ジョーン・バエズ』は1960年後半にトップ10入りを果たし、ビルボード・チャートに2年以上ランクインした。フォーク・ミュージックのカテゴリーには、より伝統的な楽曲ではなく、自らを「シンガーソングライター」と呼ぶ個々のパフォーマーによる、より個人的で詩的な作品が含まれるようになるまで、そう時間はかからなかった。著名な商業フォークアーティストの経済的な成功の結果、レコード会社は、フィル・オクス、トム・パクストン、エリック・フォン・シュミット、バフィー・セント・マリー、デイヴ・ヴァン・ロンク、ジュディ・コリンズ、トム・ラッシュ、フレッド・ニール、ゴードン・ライトフット、ビリー・エド・ウィーラー、ジョン・デンバー、ジョン・スチュワート、アーロ・ガスリー、ハリー・チャピン、ジョン・ハートフォードなど、フォークリバイバルやシンガーソングライターの新世代のレコードを制作・販売し始めた。

この波の一部は家族の歌や演奏の伝統から生まれたもので、一部はそうではなかった。これらの歌手は、ハリー・スミスの有名なLPコンピレーション、1920年代と30年代の忘れ去られた、あるいは知られていない78 回転の「レース」や「ヒルビリー」の商業録音を集めた『フォークウェイズ・アンソロジー・オブ・アメリカン・フォーク・ミュージック』 （1951年）を聴いて発見した、元祖歌手のスタイルを真似て伝統的な楽曲を演奏することに誇りを持っていた。これらの古い録音を残したアーティストの多くはまだ健在で、「再発見」されて1963年と64年のニューポート・フォーク・フェスティバルに招かれた。例えば、伝統主義者のクラレンス・アシュリーは、ドク・ワトソンやスタンリー・ブラザーズなど、古い音楽を今も積極的に演奏している友人たちの音楽をフォーク・リバイバリストに紹介した。

1950年代から1960年代にかけて、フォークリバイバル音楽は進化し、ロックンロールやその他のポピュラー音楽の要素を取り入れるようになった。ボブ・ディランやザ・バーズなどのアーティストは、伝統的なフォークやカントリー音楽にエレキギターやドラムを融合させ、フォークロックとして知られるようになった新しいサウンドを生み出した。^{[ 3 ]}

1965 年 1 月 20 日、バーズはハリウッドのコロンビア スタジオに入り、コロンビアからのデビュー シングルとしてリリースするためにボブ ディランのアコースティック チューン「ミスター タンブリン マン」を録音した。バーズとプロデューサーのテリー メルチャーがこの曲に施した本格的なエレクトリック ロック バンドのアレンジは、フォーク ロックという音楽のサブジャンルのテンプレートを効果的に作り上げた。^{[ 8 ] [ 9 ]}マッギンのメロディックでジャングリーな 12 弦リッケンバッカー ギターの演奏は、非常に明るく持続的なトーンを生み出すために強く圧縮されており、すぐに影響力があり、今日までその影響力は続いている。このシングルには、バンドのサウンドのもう 1 つの大きな特徴も含まれている。それは、通常マッギンとクラークがユニゾンで歌い、クロスビーが高音のハーモニーを担当する、彼らのクリアなハーモニー ボーカルである。^{[ 10 ]}さらに、リッチー アンターバーガーは、この曲の抽象的な歌詞がロックとポップのソングライティングを新たな高みに引き上げたと述べている。これほど知的で文学的な言葉遊びが、ポピュラー音楽グループによってロックの楽器編成と組み合わされたことはかつてなかった。^{[ 11 ]}

3か月以内に「ミスター・タンブリン・マン」は最初のフォークロックの大ヒットとなり、^{[ 12 ]}米国のビルボードホット100チャートと英国のシングルチャートの両方で1位を獲得した。^{[ 13 ] [ 14 ]} このシングルの成功は1965年と1966年のフォークロックブームのきっかけとなり、その間、バーズの影響を受けた多くのバンドがアメリカとイギリスのチャートでヒットを飛ばした。^{[ 11 ]}「フォークロック」という言葉自体は、1965年6月にバンドのサウンドを表現するためにアメリカの音楽プレスによって造語されたもので、これは「ミスター・タンブリン・マン」が米国で1位を獲得したのとほぼ同時期である。^{[ 15 ] [ 16 ]}

ザ・バーズによるボブ・ディランの「ミスター・タンブリン・マン」のカバー・バージョンとデビュー・アルバム『ミスター・タンブリン・マン』の商業的成功、そしてディラン自身がロック楽器を用いて録音したアルバム『ブリンギング・イット・オール・バック・ホーム』（1965年）、『ハイウェイ61リヴィジテッド』（1965年）、『ブロンド・オン・ブロンド』 （1966年）は、サイモン＆ガーファンクルなどの他のフォーク・アーティストがレコードでエレクトリック・バッキングを使用するようになり、バッファロー・スプリングフィールドなどの新しいグループが結成されるきっかけとなった。 1965年7月25日にニューポート・フォーク・フェスティバルでエレクトリック・バンドをバックに演奏したディランの物議を醸したパフォーマンスも、このジャンルの発展における重要な転換点となった。

1990年代には、オルタナティブ・ロックの台頭を反映して、「オルタナティブ・カントリー」という用語が登場し、主流のカントリー・ミュージックの規範や商業構造の外で活動する多様なアーティストのグループを表すようになった。多くのアーティストは、ナッシュビルが支配する業界のますます洗練された制作価値やポップな感性を避け、よりローファイなサウンドを選び、しばしばパンクやロックンロールの美学を強く取り入れた。オルタナティブ・カントリーは、ウディ・ガスリー、ハンク・ウィリアムズ、カーター・ファミリーなどの実践者によって保存され称賛された、労働者階級の音楽である伝統的なアメリカのカントリー・ミュージックから影響を受けており、これらのアーティストは大きな影響源としてよく挙げられる。^{[ 17 ]}もう一つの大きな影響源は、カントリー・ミュージックとロックンロールのサウンドを融合させたカントリー・ロックである。カントリー・ロックの創始者として最も一般的に考えられているアーティストはグラム・パーソンズ（彼は自身のサウンドを「コズミック・アメリカン・ミュージック」と呼んだ）だが、マイケル・ネスミス、スティーヴ・アール^{[ 18 ]}、ジーン・クラークも重要な革新者としてよく挙げられる。^{[ 19 ]} 3つ目の要因はパンクロックで、エネルギーとDIY精神をもたらした。^{[ 18 ]}

パンクとカントリーを融合させようとする試みは、ナッシュビルのジェイソン・アンド・ザ・スコーチャーズによって先駆的に行われ、1980年代の南カリフォルニアのカウパンクシーンでは、ロング・ライダーズ^{[ 20 ]}やX ^{[ 21 ]}、ミネアポリスを拠点とするジェイホークスなどのバンドが活躍した。Xは1982年に大手レーベルのエレクトラと契約し、トレードマークのサウンドから脱却したアルバム『Under the Big Black Sun』をリリースした。このアルバムは、依然として速くてラウドで、生々しいパンクギターが特徴的だったが、カントリーへの傾倒が徐々に現れていた。スコーチャーズは、1982年に自主制作EP『Reckless Country Soul』をインディーズレーベルのプラクシスからリリースした。これらのスタイルは、アンクル・トゥペロの1990年のLP『No Depression 』で完全に融合し、このアルバムは最初の「オルタナティブ・カントリー」アルバムとして広く認められており、このムーブメントを支えるオンライン掲示板や最終的には雑誌の名前にもなった。

1990年代から2000年代にかけて、アメリカーナ音楽の人気が再燃し、新世代のアーティストたちが伝統的なアメリカ音楽の要素を楽曲に取り入れ始めた。ウィルコ、ルシンダ・ウィリアムズ、ジリアン・ウェルチなどのアーティストは、ロック、フォーク、カントリー、ブルースの要素を融合させた新しいスタイルのアメリカーナ音楽を普及させるのに貢献した。^{[ 22 ] [ 23 ]}

ローリングストーン誌は次のように指摘している。

「アメリカーナ」という言葉が音楽的な表現として流行したのは、1990年代半ばのことだった。当時、ナッシュビル、カリフォルニア、テキサスに散らばっていたラジオプロモーターや業界の部外者たちが、ガイ・クラーク、ダレル・スコット、ジム・ローダーデールといった伝統的な作風のソングライターたちのために独自の市場を開拓しようとしていた。彼らの作品は、ガース・ブルックスやシャナイア・トゥエインが人気を博していたカントリーミュージック業界ではもはや受け入れられなくなっていたのだ。^{[ 24 ]}

この新しい音楽スタイルは、伝統的なアメリカ音楽の形式に対する新たな関心を反映したものであり、アメリカーナ音楽を独自の重要なジャンルとして確立するのに貢献した。

アメリカン・ルーツ・ミュージックを世界中で推進する非営利の業界団体であるアメリカン・ミュージック・アソシエーションは、1999年に設立されました。 ^{[ 25 ]}これは、アメリカン・アーティスト、ラジオ局、レコードレーベル、出版社などのネットワークであり、認知度と経済的実現可能性を高めるインフラストラクチャを開発することを目的としています。

2010年代には、アメリカーナ音楽に関連するいくつかの音楽グループがビルボードチャートにランクインしました。マムフォード＆サンズ、ザ・ルミニアーズ、アヴェット・ブラザーズなどのバンドは、これまで以上に多くの人々に現代アメリカーナを届けました。アーティストとしての彼らの人気は、カントリーやロックの陰に隠れたニッチなジャンルだったこのジャンルをメインストリームへと押し上げました。^{[ 26 ]}

2011年に、このジャンルは正式にメリアム・ウェブスター辞典に収録された。^{[ 27 ]}

近年、このジャンルは、これまで常に顕著であったカントリーやフォークの要素に加えて、ブルース、R&B、ソウルの影響をより多く取り入れるようになった。こうした音楽的変化と並行して、アメリカーナは特にヨーロッパで国際的な人気も高まっている。アド・ヴァンデルヴィーンやザ・コモン・リネッツといった著名なオランダ人アーティストは、このジャンルがアメリカ国外に拡大するのに貢献してきた。2025年6月、オランダ人シンガーソングライターのタスクヘッドは、ユーロ・アメリカーナ・チャートで「注目すべきアーティスト」に選ばれ、アメリカーナ・シーンにおけるヨーロッパ人アーティストの存在感の高まりを反映した。^{[ 28 ]} 2017年、ローリング・ストーン誌は、アメリカーナが「アイデンティティ危機」に陥っていると主張する記事を掲載し、ジャンルの定義の変化や民族的多様性を促進する取り組みに焦点を当てた。

2014年、伝統的なカントリーミュージシャンのデール・ワトソンは、ホンキートンク、アウトロー、ウェスタンスウィング、ロカビリーといったジャンルに焦点を当てたアメリポリタン・ミュージック・アワードを設立した。これは、これらのジャンルはもはやカントリーやアメリカーナとして適切に分類できないため、「アメリポリタン」という新しい用語を作る必要があるという前提に基づいている。