イタリアの音楽

イタリアは独特の文化、つまり美と感情への深い理解を通して強い国民意識を持っており、それは音楽にも強く表れています。イタリアでは、文化的、政治的、社会的な問題も音楽を通して表現されることがよくあります。音楽への忠誠心はイタリア人の社会的アイデンティティに深く根付いていますが、特定のスタイルが「国民的スタイル」として特徴づけられることはありません。ほとんどの民俗音楽は地域に根ざしており、小さな地域や都市に固有のものです。^{[ 10 ] [ 11 ]}しかし、イタリアの古典音楽の遺産、特にオペラは、国のアイデンティティの重要なポイントです。伝統的なオペラ作品は、音楽の人気を博し、国民的アイデンティティの不可欠な要素となっています。イタリアの音楽作品は、「多様性と創造的な独立性、そして豊かな表現の多様性」によって特徴づけられています。^{[ 11 ]}

20世紀から21世紀にかけて加速した工業化の進展に伴い、イタリア社会は徐々に農業中心から都市と工業の中心へと移行した。この変化は社会の多くの部分で伝統文化を弱体化させた。同様のプロセスは他のヨーロッパ諸国でも起こったが、イタリアはそれらの国々とは異なり、伝統音楽を保存するための大きな取り組みを行わなかった。北アフリカ、アジア、および他のヨーロッパ諸国からの移民は、イタリア音楽のさらなる多様化をもたらした。伝統音楽は、特に地域の音楽的アイデンティティを維持するための熱心なキャンペーンの一環として、ごく限られた地域でのみ存続するようになった。^{[ 12 ]}

イタリアでは、音楽と政治は何世紀にもわたって密接に結びついてきた。イタリア・ルネサンス期の多くの芸術作品が王室やカトリック教会の依頼によって作られたのと同様に、多くの音楽もそのような依頼に基づいて作曲された。宮廷音楽、戴冠式のための音楽、王位継承者の誕生のための音楽、王室行進曲、その他の行事のための音楽などである。こうした依頼から逸脱した作曲家は、一定のリスクを負った。そのような事例の中で最もよく知られているのは、 1799年に短命に終わったナポリ共和国のために共和制賛歌を作曲したナポリの作曲家ドメニコ・チマローザである。共和国が崩壊すると、彼は他の革命家たちと共に反逆罪で裁判にかけられた。チマローザは復古した王政によって処刑されることはなかったが、国外追放された。^{[ 15 ]}

音楽もまた、イタリア半島の統一において重要な役割を果たした。この時期、一部の指導者たちは音楽を用いて統一的な文化的アイデンティティを築こうと試みた。その一例が、ジュゼッペ・ヴェルディのオペラ『ナブッコ』の合唱「行け、わが想いよ」である。このオペラは古代バビロニア王国を題材としているが、合唱には「わが祖国よ」というフレーズが含まれている。これは表向きはイスラエル人の連合の闘争を歌ったものだが、同時にまだ統一されていないイタリアの運命を暗示している。この合唱全体が、 19世紀のイタリア統一運動であるリソルジメントの非公式な賛歌となった。ヴェルディの名前はイタリア統一の代名詞ともなった。「ヴェルディ」は、イタリア国王ヴィットーリオ・エマヌエーレ・レ・ディタリア、つまりイタリア国王ヴィットーリオ・エマヌエーレの頭文字と読めるからである。サヴォイア家の君主で、後に統一イタリアの初代国王ヴィットーリオ・エマヌエーレ2世となった人物である。そのため、「ヴィヴァ・ヴェルディ」は愛国者たちのスローガンとなり、当時オーストリア＝ハンガリー帝国領だったミラノなどの都市の落書きによく登場した。ヴェルディはイタリア統一以前にも検閲の問題を抱えていた。彼のオペラ『仮面舞踏会』は元々『グスタフ3世』というタイトルで、1850年代後半に両シチリア王国の首都ナポリのサン・カルロ歌劇場で上演された。ナポリの検閲官たちは、1790年代のスウェーデン国王グスタフ3世の暗殺を題材にした現実的な筋書きに異議を唱えた。筋書きが変更された後も、ナポリの検閲官はそれを拒否した。^{[ 16 ]}

その後、1920年代と30年代のファシスト時代には、体系的ではなかったものの、政府による音楽の検閲と干渉が行われた。顕著な例としては、1932年の悪名高い反近代主義宣言^{[ 17 ]}や、1934年に一度上演された後、ムッソリーニがGFマリピエロのオペラ『La favola del figlio cambiato』を禁止したことが挙げられる^{[ 18 ]。}音楽メディアは、政治的に過激であるか、イタリア的ではないと見なされた音楽をしばしば批判した^{[ 11 ]} 。Enciclopedia Moderna Italianaなどの一般的な印刷メディアは、ジャコモ・プッチーニやピエトロ・マスカーニなどの伝統的に好まれてきた作曲家と、アルフレード・カゼッラやフェルッチョ・ブゾーニなどの近代主義者など、それほど好まれていない作曲家や音楽家を同じように簡潔に扱う傾向があった。つまり、当時の百科事典の項目は、作曲や教職などの経歴上の節目を列挙しただけのものだった。ファシズムの公然たる反対者であった指揮者アルトゥーロ・トスカニーニ^{[ 19 ]}でさえ、彼の「反体制」の姿勢については全く触れられず、同じように中立的で距離を置いた扱いを受けている^{[ 20 ]} 。音楽と政治が衝突した最も有名なエピソードはおそらくトスカニーニに関するものだろう。彼は1929年にミラノのスカラ座の音楽監督の職を追われたが、それはファシストの歌「ジョヴィネッツァ」で全ての公演を始めることを拒否したためだった。この体制への侮辱のため、彼は1931年の公演後、ボローニャ歌劇場の外の路上で襲撃され、殴打された^{[ 21 ]。}ファシスト時代には、検閲はナチス・ドイツほど組織的ではなかったものの、政治的圧力によってクラシック音楽の発展が阻害された。 1938年に一連の「人種法」が可決され、ユダヤ人の作曲家や音楽家は専門団体や芸術団体への加入を拒否された。^{[ a ]}この時期、イタリアからイタリア系ユダヤ人が大量に逃亡したわけではないが（ドイツの状況と比べると）^{[ b ]}作曲家のマリオ・カステルヌオーヴォ＝テデスコ（イタリア系ユダヤ人）は移住した一人だった。政権に反対する非ユダヤ人も何人か移住した。例えばトスカニーニなど。^{[ 22 ] [ 23 ]}

さらに最近では、20世紀後半、特に1970年代以降、音楽はイタリアの政治にますます深く関わるようになった。^{[ 23 ]}ルーツ・リバイバルは、作家、収集家、伝統的な演奏家によって主導され、民俗伝統への関心を刺激した。^{[ 11 ]}イタリアの政治的右派は、このルーツ・リバイバルを「特権を持たない階級」の産物として軽蔑的に見ていた。^{[ 24 ]}こうしてリバイバル運動は反対派と結びつき、「自由市場資本主義に対する抗議」の手段となった。^{[ 11 ]}同様に、前衛的なクラシック音楽シーンは、1970年代以降、イタリア共産党と結びつき、同党によって推進されてきた。この変化は、1968年の学生反乱と抗議に遡ることができる。^{[ 12 ]}

オペラは16世紀後半、フィレンツェのカメラータの時代にイタリアで誕生しました。その後数世紀にわたり、オペラの伝統はナポリとヴェネツィアで発展し、クラウディオ・モンテヴェルディ、アレッサンドロ・スカルラッティ、ジャンバッティスタ・ペルゴレージ、そして後にジョアキーノ・ロッシーニ、ヴィンチェンツォ・ベッリーニ、ガエターノ・ドニゼッティのオペラが隆盛を極めました。オペラはイタリア音楽とイタリアのアイデンティティに最も密接に結びついた音楽形式であり続けています。これは19世紀、イタリア文化とイタリア統一の象徴であるジュゼッペ・ヴェルディの作品を通して最も顕著に表れました。20世紀初頭、イタリアはロマン派オペラの音楽的伝統を保持し、その典型例として、アリーゴ・ボイト、ルッジェーロ・レオンカヴァッロ、ピエトロ・マスカーニ、フランチェスコ・チレアなど、前世紀に根ざした音楽を作曲した、いわゆる「若き音楽家集団」の作曲家たちが挙げられます。リアリズム作曲家であったジャコモ・プッチーニは、ブリタニカ百科事典オンライン版で「イタリアオペラの歴史を事実上終わらせた人物」と評されている。 ^{[ 29 ]}

しかし、第一次世界大戦後、オペラは19世紀から20世紀初頭にかけての人気絶頂期に比べて衰退した。その原因としては、ロマン主義からの一般的な文化的転換と、娯楽の主要な源となった映画の台頭が挙げられる。3つ目の原因は、「国際主義」によって現代イタリア・オペラがもはや「イタリア的」ではなくなったという事実である。^{[ 12 ]}これは、少なくとも著名なイタリアの音楽学者で批評家のファウスト・テッレフランカの意見であり、彼は1912年のパンフレット『ジャコモ・プッチーニと国際オペラ』の中で、プッチーニを「商業主義」でイタリアの伝統を捨てたと非難した。伝統的なロマン派オペラは依然として人気があり、実際、20世紀初頭のオペラ出版で支配的だったのはカーサ・リコルディ社であり、同社は1930年代までほぼポピュラー・オペラのみに焦点を当てていたが、その後、主流派の支持を得にくい、より型破りな作曲家にも目を向けるようになった。カリッシュやスヴィーニ・ゼルボーニといった比較的新しい出版社の台頭も、イタリア・オペラの多様化を後押しした。^{[ 12 ]}オペラはイタリア文化の重要な一部であり、イタリア社会のあらゆる分野でオペラへの関心が再び高まったのは1980年代からである。この時代の著名な作曲家には、有名なアルド・クレメンティのほか、マルコ・トゥティーノやロレンツォ・フェレーロといった若い世代の作曲家もいる。^{[ 12 ]}

カトリック発祥の地の一つであるイタリアには、カトリック教会のための音楽の長い歴史があります。1800年頃までは、パレストリーナ、ラッスス、アネリオなどの作曲家によるグレゴリオ聖歌やルネサンス期のポリフォニーを聴くことができました。1800年から1900年頃までは、前述の聖歌やポリフォニーは影を潜め、より大衆的でオペラ風の娯楽的な教会音楽が主流となりました。19世紀後半、この音楽の復興を目指して活動した音楽家たちによって、チェチリアン運動が始まりました。この運動はイタリアではなくドイツ、特にレーゲンスブルクで勢いを増しました。この運動は、ドン・ロレンツォ・ペロージとその支持者（そして後の聖人）であるピウス10世の台頭とともに、1900年頃に頂点を迎えました。^{[ 30 ]}しかし、第二バチカン公会議の到来により、教会からラテン語の音楽はほぼ完全に消滅し、再びより大衆的なスタイルに取って代わられた。^{[ 31 ]}

バレエにおけるイタリアの貢献は、クラシック音楽の他の分野ほど知られておらず、評価もされていない。イタリア、特にミラノは、 15 世紀にはすでに宮廷バレエの中心地であり、王室の祝祭や貴族の結婚式でよく行われる娯楽の影響を受けていた。初期のバレエ振付家や作曲家には、ファブリティオ・カロソやチェーザレ・ネグリなどがいる。イタリアからフランスに伝わった「スペクタクル・アッラ・イタリアーナ」として知られるバレエのスタイルは人気を博し、フランスで最初に上演されたバレエ (1581 年) である「バレエ・コミック・ド・ラ・レーヌ」は、イタリア人のバルタザリーニ・ディ・ベルジョイオーソ^{[ 34 ]}によって振り付けられた。彼はフランス語名ではバルタザール・ド・ボージョワイユーとしてよく知られている。初期のバレエは、ホルン、トロンボーン、ティンパニ、ダルシマー、バグパイプなどの楽器演奏を伴う大規模な演奏を伴っていた。音楽は残っていないが、ダンサー自身が舞台上で楽器を演奏していたのではないかという憶測がある。^{[ 35 ]}その後、フランス革命の余波で、イタリアは再びバレエの中心地となった。これは主に、当時最も著名な作曲家たちと仕事をした振付師サルヴァトーレ・ヴィガノの努力によるものである。彼は1812年にスカラ座のバレエマスターになった。 ^{[ 34 ]} 19世紀のイタリア・バレエで最もよく知られている例はおそらくエクセルシオールで、音楽はロムアルド・マレンコ、振付はルイージ・マンゾッティである。これは1881年に作曲され、19世紀の科学と産業の進歩に対する豪華な賛辞となっている。この作品は現在も上演されており、2002年にも上演された。

現在、イタリアの主要なオペラ劇場はバレエ団を擁している。これらのバレエ団は、 『アイーダ』や『椿姫』など、多くのオペラで付随的または儀式的なダンスを披露するために存在している。これらのバレエ団は通常、独自のバレエシーズンを設け、古典バレエの標準的なレパートリーを上演するが、その中にイタリアの作品はほとんど含まれていない。親となるオペラ劇場とは独立してバレエのみを上演するロシアのボリショイ・バレエ団や同様のバレエ団に相当するイタリアのバレエ団は、スカラ座バレエ団である。1979年には、ヴィットリオ・ビアージによってレッジョ・エミリアに現代舞踊団アテルバレエが設立された。

実験音楽は、伝統的な古典音楽の旋律や和声の概念を捨て、電子工学という新しい技術を用いてこれまで不可能だった音を作り出す音楽を含む、広範で定義の曖昧な分野である。イタリアでは、実験音楽にいち早く注目した人物の一人がフェルッチョ・ブゾーニであり、1907年に出版された『音楽の新しい美学のためのスケッチ』の中で、未来の音楽における電気音やその他の新しい音の使用について論じている。彼は、伝統音楽の制約に対する不満を次のように述べている。

「私たちはオクターブを12の等間隔の度数に分割し、楽器をその上や下、あるいはその間に入り込むことができないように作りました…私たちの耳はもはやそれ以外の音を聞き取ることができません…しかし、自然は無限の段階を創造しました。無限です！今日、それを知っている人はいますか？」^{[ 36 ]}

同様に、イタリアの未来派画家兼作曲家であるルイージ・ルッソロは、1913年のマニフェスト『騒音の芸術』と『未来派音楽』の中で、新しい音楽の可能性について論じた。彼はまた、主に打楽器であるイントナルモリなどの楽器を発明し製作し、これらはミュジック・コンクレートとして知られるスタイルの前身となった。20世紀初頭の音楽において最も影響力のある出来事の1つは、1915年にアルフレード・カゼッラがフランスから帰国したことである。カゼッラは、実験音楽から伝統音楽まで、さまざまなスタイルの作曲家を育成するイタリア近代音楽協会を設立した。1923年に実験音楽の価値をめぐる論争の後、カゼッラは現代実験音楽を推進するために新音楽協会を設立した。 ^{[ 12 ]}

1950年代、ルチアーノ・ベリオはテープに録音された電子音を伴う楽器の実験を行った。現代イタリアにおいて、アヴァンギャルド音楽や電子音楽の研究を促進する重要な組織の一つが、イタリア電子音響音楽センター連盟（CEMAT）である。CEMATは1996年にローマで設立され、国際電子音響音楽連盟（CIME）の加盟団体である。CEMATは、文化省舞台芸術局と外務省文化関係局が共同で立ち上げた「ソノラ」プロジェクトの活動を推進しており、このプロジェクトはイタリアの現代音楽を海外に普及させることを目的としている。

イタリアのクラシック音楽は20世紀半ばにかけて徐々に実験的で進歩的になっていったが、大衆の好みは過去の確立された作曲家や作品に固執する傾向があった。^{[ 12 ]}ナポリのサン・カルロ劇場での2004年から2005年のプログラムは、現代イタリアの典型例である。上演された8つのオペラのうち、最も新しいのはプッチーニの作品だった。交響曲では、演奏された26人の作曲家のうち21人が19世紀以前の作曲家で、ロマン派時代の典型的な旋律と和声を使用している。この焦点は他のヨーロッパの伝統にも共通しており、無調や不協和音の概念以前の和声や旋律の概念に依拠する思想であるポストモダニズムとして知られている。^{[ 37 ]}こうした歴史的な作曲家への注目は、イタリア社会の幅広い層でクラシック音楽が継続的に存在し続けるのに役立ってきた。音楽が公共の催しや集まりで演奏される場合、よく知られたクラシック音楽からポピュラー音楽まで、非常に幅広いレパートリーから選ばれることが多い。

近年の作品のいくつかは、ルチアーノ・ベリオ、ルイージ・ノーノ、フランコ・ドナトーニ、シルヴァーノ・ブッソッティなどの作曲家による楽譜や演劇作品を含め、現代のレパートリーの一部となっている。これらの作曲家は、特定の流派や伝統に属しているわけではないが、いくつかの技法や影響を共有している。1970年代までに、前衛的なクラシック音楽はイタリア共産党と結びついており、大衆の関心の復活は次の10年間も続き、現代音楽を振興するための財団、フェスティバル、組織が設立された。20世紀末近くになると、音楽機関に対する政府の支援は減少し始め、いくつかのRAI合唱団や市営オーケストラが閉鎖された。それにもかかわらず、多くの作曲家が21世紀初頭に国際的な名声を得た。^{[ 12 ]}

民謡は地理的な影響圏によっていくつかの地域に分けられることがあり、1956年にアラン・ロマックスが提唱した南部、中部、北部の3つの地域という分類システムがしばしば繰り返されている^{[ 42 ]}。さらに、クルト・ザックスはヨーロッパには大陸民謡と地中海民謡という全く異なる2種類の民謡が存在すると提唱した^{[ 43 ]} 。また、前者から後者への移行地帯は、おおよそイタリア中北部、ペーザロとラ・スペツィアの間あたりに位置するとする説もある^{[ 44 ]。}半島の中部、北部、南部はそれぞれ特定の音楽的特徴を共有しており、サルデーニャの音楽とはそれぞれ異なっている^{[ 40 ]}。

イタリア北西部のピエモンテの谷やリグリア地方の一部の地域では、音楽に古代オック語の影響が色濃く残っている。オック語の吟遊詩人の歌詞は、現存する最古の民謡の例であり、ガイ・セイバーやルー・ダルフィンといった現代のバンドは、オック語の音楽を保存し、現代風にアレンジしている。オック語文化は、6穴または7穴のフルート（フィフレ）やバグパイプ（ピヴァ）の使用を通して、古代ケルトの影響の特徴を保持している。北イタリアの大部分は、さらに北のヨーロッパの地域と同様に、バラード（イタリア語ではカント・エピコ・リリコと呼ばれる）や合唱への関心を共有している。通常は独唱のための手段と考えられているバラードでさえ、合唱で歌われることがある。トレント県では、「民謡合唱団」が最も一般的な音楽形態である。^{[ 45 ]}

南部の音楽の特徴的な違いとしては、音程による声部歌唱の使用が増えたことや、民族楽器の種類が増えたことが挙げられる。北部のグループや開放声部の合唱曲に見られるケルトやスラブの影響は、南部のより強いアラビア、ギリシャ、北アフリカの影響を受けた力強いモノディへと変化している。 ^{[ 46 ]}プーリアの一部（例えば、グレチア・サレンティーナ）では、グリコ語が歌によく使われている。プーリアの都市タラントは、南イタリアで広く行われているリズミカルなダンス、タランテラの発祥地である。プーリアの音楽全般、特にサレンティーナの音楽は、民族音楽学者やアラミレによって十分に研究され、記録されている。

サルデーニャ島の音楽は、テノールの多声的な詠唱で最もよく知られています。テノールの音色はグレゴリオ聖歌のルーツを想起させ、リグリアのトララレーロに似ていますが、それとは異なります。代表的な楽器には、洗練された複雑な方法で使われるサルデーニャの三重管楽器ラウネッダがあります。エフィシオ・メリスは1930年代の有名なラウネッダの名手でした。 ^{[ 47 ]}

イタリアの民謡には、バラード、叙情歌、子守唄、童謡、クリスマスなどの祝日を中心とした季節の歌、結婚式、洗礼式、その他の重要な出来事を祝うライフサイクルの歌、ダンスの歌、牛の呼び声、漁師、羊飼い、兵士などの職業に関連した職業歌などがあります。バラード（canti epico-lirici）と叙情歌（canti lirico-monostrofici）は、2つの重要なカテゴリーです。バラードは北イタリアで最も一般的ですが、叙情歌は南イタリアで広く歌われています。バラードは英語の形式と密接に関連しており、一部のイギリスのバラードはイタリアの歌と完全に一致しています。他のイタリアのバラードは、フランスのモデルに近くなっています。叙情歌は、子守唄、セレナーデ、労働歌などからなる多様なカテゴリーであり、伝統的なレパートリーに基づいているものの、しばしば即興で歌われます。^{[ 40 ]}

イタリアの他の民謡の伝統は、バラードや叙情歌ほど一般的ではありません。有節形式の宗教的なラウデは、ラテン語で歌われることもあり、今でも時折演奏されます。叙事詩も知られており、特に五月の祝祭の歌は有名です。プロの女性歌手は、ヨーロッパの他の地域と同様のスタイルの挽歌を歌います。ヨーデルは北イタリアに存在しますが、最も一般的には他のアルプス諸国の民謡と関連付けられています。イタリアのカーニバルは、いくつかの種類の歌と関連付けられており、特にブレシアのバゴリーノのカーニバルが有名です。合唱団やブラスバンドは四旬節中旬の祝祭の一部であり、物乞いの歌の伝統は年間を通して多くの祝祭に及んでいます。^{[ 40 ]}

楽器編成は、イタリアの民俗音楽のあらゆる側面において不可欠な要素です。ヨーロッパの他の地域では新しいモデルが広く普及しているにもかかわらず、古い形式を保持している楽器がいくつかあります。ザンポーニャ・バグパイプのように、クリスマスにしか聴かれない楽器など、多くのイタリアの楽器は特定の儀式や行事と結びついています。 ^{[ 48 ]}イタリアの民俗楽器は、弦楽器、管楽器、打楽器のカテゴリーに分類できます。 ^{[ 49 ]}一般的な楽器には、サルタレッロと最も密接に関連するアコーディオンであるオルガネットがあります。ダイアトニック・ボタン・オルガネットはイタリア中部で最も一般的ですが、クロマチック・アコーディオンは北部で主流です。多くの自治体には、ルーツ・リバイバル・グループと共演するブラスバンドがあります。これらのアンサンブルは、クラリネット、アコーディオン、バイオリン、ベルで飾られた小さなドラムを中心に構成されています。^{[ 40 ]}

イタリアの管楽器には、最も代表的なものとして様々な民族フルートがあります。これには、ダクトフルート、球形フルート、横笛のほか、パンフルートの様々なバリエーションが含まれます。ダブルフルートはカンパニア、カラブリア、シチリアで最も一般的です。^{[ 50 ]}クアルタラと呼ばれる陶器のピッチャーも管楽器として使用され、狭いボトルネックの開口部に息を吹き込みます。これはシチリア東部とカンパニアで見られます。シングルリード（ciaramella）とダブルリード（piffero）のパイプは、通常2つまたは3つのグループで演奏されます。^{[ 40 ]}いくつかの民族バグパイプはよく知られており、中央イタリアのザンポーニャなどが含まれます。バグパイプの方言名はイタリア全土で異なり、ベルガモではeghet 、ロンバルディアではpiva、アレッサンドリア、ジェノヴァ、パヴィア、ピアチェンツァではmüsaなどです。

イタリアの民俗音楽には、木ブロック、ベル、カスタネット、ドラムなど、数多くの打楽器が用いられています。いくつかの地域には、独自のガラガラがあり、ラガネッラ歯車ガラガラや、儀式的な豊穣の意味を持つ、種子ガラガラが永久的に取り付けられた紡ぎ棒または羊飼いの杖であるカラブリアのコノッキエなどがあります。ナポリのガラガラは、木製の枠に複数のマレットを取り付けたトリッカバラッカです。タンバリン（タンブリーニ、タンブレロ）や、摩擦太鼓プティプなどの様々な種類のドラムがあります。タンブレロは、現代の西洋のタンバリンと非常によく似ていますが、実際には（中東の演奏に影響を受けた）はるかに明瞭で洗練されたテクニックで演奏され、幅広い音域を生み出します。口琴、スカッチャペンシエリまたはケアチェイサーは、北イタリアとシチリア島でのみ見られる独特の楽器です。^{[ 40 ]}

弦楽器は地域によって大きく異なり、全国的に有名な代表楽器はありません。ヴィッジャーノはハープの伝統の本拠地であり、その歴史的基盤はアブルッツォ州、ラツィオ州、カラブリア州にあります。カラブリア州だけでも30の伝統的な楽器があり、その中には強い古風な特徴を持ち、イタリアの他の地域ではほとんど消滅してしまったものもあります。カラブリア州には、キタッラ・バッテンテと呼ばれる4弦または5弦のギターと、リラと呼ばれる3弦の弓奏フィドル[ 51 ^{]の本拠地}であり、リラはクレタ島や南東ヨーロッパの音楽にも同様の形で見られます。トロトテラと呼ばれる1弦の弓奏フィドルは、イタリア北東部で一般的です。ドイツ語圏である南チロル地方はツィターで知られており、エミリア州、ピエモンテ州、ロンバルディア州にはギロンダ（ハーディガーディ）があります。^{[ 40 ]} 既存の、根付いた、広く普及した伝統は、樹皮、葦（アオアシ）、葉、繊維、茎で作られた一時的なおもちゃの楽器の生産を裏付けており、例えばファビオ・ロンバルディの研究からもそれが明らかになっている。

ダンスはイタリアの民俗伝統に欠かせない要素です。ダンスの中には古くから伝わるものもあり、ある程度は今日でも受け継がれています。呪術的な儀式舞踊や収穫舞踊もあり、カラブリアの漁村の「海の収穫」舞踊やトスカーナのワイン収穫舞踊などが挙げられます。有名なダンスとしては、南イタリアのタランテラがあります。おそらくイタリアのダンスの中で最も象徴的なタランテラは^6/8_拍子で、タランチュラの毒を治すための民俗儀式の一部です。トスカーナの人気のダンスでは、儀式的にウサギ狩りを演じたり、武器を使ったダンスで戦闘の動きを模倣したり、あるいは武器をダンス自体の様式化された道具として使用したりします。例えば、北イタリアのいくつかの村では、剣の代わりに緑色の刺繍を施した木製の半輪が使われ、北ヨーロッパのいわゆる「花輪のダンス」に似ています。^{[ 52 ]}サルデーニャのドゥルドゥルダンスのように、愛や求愛のダンスもある。 ^{[ 53 ]}

これらのダンスの多くはグループ活動であり、グループは列または円になって配置されます。愛や求愛のダンスなど、カップルが参加するものもあり、1組または複数組のカップルが参加します。タンムリアータ（タンバリンの音に合わせて踊られる）は、南イタリアで行われるカップルダンスで、ストランボットと呼ばれる叙情歌が伴奏されます。その他のカップルダンスはまとめてサルタレッロと呼ばれます。^{[ 40 ]}しかし、ソロダンスもあります。その中でも最も典型的なのは、イタリアのさまざまな地域の「旗のダンス」で、ダンサーは町の旗やペナントを首に巻き、脚の間を通し、背中の後ろに回し、しばしば高く空中に投げ上げてキャッチします。これらのダンスは、ソロダンサーのグループがユニゾンで踊ったり、ダンサー間で旗の受け渡しを調整したりして行うこともできます。北イタリアには、作曲家ムツィオ・クレメンティによって西洋芸術音楽に取り入れられた伴奏付きダンス、モンフェリーナもあります。^{[ 40 ]}

社会学や人類学の観点からダンスを研究することへの学術的な関心は、イタリアでは伝統的に軽視されてきたが、現在では大学や大学院レベルで再び活発化している。^{[ 54 ]}

テノール歌手のエンリコ・カルーソー（左）とルチアーノ・パヴァロッティ（右）

イタリアのオペラは19世紀に絶大な人気を博し、国内の最も田舎の地域にまで知られるようになった。ほとんどの村では時折オペラが上演され、オペラで用いられる技法は田舎の民俗音楽に影響を与えた。オペラは、地元の村を中心に巡回楽団やブラスバンドを通じて広まった。これらの市民楽団（banda communale）は楽器を用いてオペラのアリアを演奏し、男性の声部にはトロンボーンやフリューゲルホルン、女性の声部にはコルネットを用いた。^{[ 40 ]}

19 世紀には、イタリア全土で地方音楽も人気を博しました。これらの地方の伝統の中で特に注目すべきは、カンツォーネ・ナポレターナ、つまりナポリ民謡です。何世紀も前のナポリの匿名の記録された歌もありますが^{[ 56 ]} 、現在ではカンツォーネ・ナポレターナという用語は、一般的に「オー・ソーレ・ミオ」、「トルナ・ア・スリエント」、「フニクリ・フニクラ」などの比較的最近作曲された大衆音楽の大きなグループを指します。18 世紀には、アレッサンドロ・スカルラッティ、レオナルド・ヴィンチ、ジョヴァンニ・パイジエッロなどの多くの作曲家が、喜劇オペラの歌詞に地元の言語を使用することで、ナポリの伝統に貢献しました。その後、ガエターノ・ドニゼッティをはじめとする他の作曲家が、イタリア国内外で大きな名声を得たナポリ民謡を作曲しました。^{[ 40 ]}ナポリ民謡の伝統は、1830年代に、毎年開催されるピエディグロッタ祭のための作曲コンクールを通じて正式に確立されました。^{[ 57 ]}この祭は、ナポリのメルジェッリーナ地区にある有名な教会、ピエディグロッタの聖母に捧げられています。この音楽はナポリと結びついていますが、1880年から1920年頃にかけてナポリと南イタリアからの大規模な移民の波に乗って海外に広まり、有名になりました。言語はナポリ民謡の非常に重要な要素であり、常にカンパニア州の地域少数言語であるナポリ語で書かれ、演奏されます。 ^{[ 58 ]}ナポリ民謡は通常、シンプルなハーモニーを使用し、リフレインと物語の詩の2つのセクションで構成され、多くの場合、対照的な相対的または平行的な長調と短調で演奏されます。^{[ 40 ]}音楽以外の用語で言えば、これは多くのナポリ民謡が、ある瞬間には喜びに満ち、次の瞬間には憂鬱に聞こえることを意味します。

フランチェスコ・トスティの音楽は20世紀初頭に人気を博し、軽快で表情豊かな歌曲で知られています。彼の作風はベル・エポック時代に非常に人気を博し、サロン音楽として知られています。彼の最も有名な作品は『セレナータ』、『アッディオ』、そしてナポリ民謡として人気の高い『マレキアーロ』で、歌詞は著名なナポリ方言詩人サルヴァトーレ・ディ・ジャコモによるものです。

録音されたポピュラー音楽は19世紀後半に始まり、1910年代後半には国際的なスタイルがイタリア音楽に影響を与えていましたが、 1922年にファシスト政権が文化孤立主義政策であるアウタルキアを台頭したことで、国際的なポピュラー音楽から遠ざかることになりました。この時期、イタリアのポピュラー音楽家は海外を旅し、ジャズ、ラテンアメリカ音楽、その他のスタイルの要素を学びました。これらの音楽はイタリアの伝統に影響を与え、世界中に広がり、第二次世界大戦後の自由化によってさらに多様化しました。^{[ 40 ]}

1922年に政権を握ったファシスト政権の孤立主義政策の下、イタリアは孤立した音楽文化を発展させた。外国の音楽は抑圧され、ムッソリーニ政権はナショナリズムと言語的・民族的純粋性を奨励した。しかし、人気のある演奏家たちは海外へ旅し、新しいスタイルやテクニックを持ち帰った。^{[ 40 ]}アメリカのジャズは、スウィングスタイルで知られるようになったアルベルト・ラバリアーティなどの歌手に大きな影響を与えた。ジャズとブルースの両方のハーモニーとメロディーの要素は多くのポピュラーソングで使用され、リズムはタンゴ、ルンバ、ベギンなどのラテンダンスから取られることが多かった。イタリアの作曲家はこれらのスタイルの要素を取り入れ、イタリア音楽、特にナポリ民謡はラテンアメリカ全域のポピュラー音楽の一部となった。^{[ 40 ]}

映画音楽は、映画そのものよりも二次的なものですが、それ自体が批評家から高く評価され、非常に人気があります。1930年代のイタリア映画のための初期の音楽としては、リッカルド・ザンドナイの作品があり、映画『タラカノヴァ公女』（1937年）と『カラヴァッジョ』（1941年）の音楽を担当しました。戦後の例としては、ゴッフレード・ペトラッシの『Non c'e pace tra gli ulivi』（1950年）やロマン・ヴラドの『ジュリエッタとロメオ』 （1954年）などがあります。もう一人有名な映画音楽作曲家はニーノ・ロータで、戦後のキャリアにはフェデリコ・フェリーニの映画や、後に『ゴッドファーザー』シリーズの音楽が含まれています。その他の著名な映画音楽作曲家には、エンニオ・モリコーネ、リズ・オルトラーニ、ピエロ・ウミリアーニなどがいます。^{[ 59 ]}

1950年代から1970年代にかけて、イタリアのポップミュージックは、影響力のある歌手やカンタウトーリ（シンガーソングライター）の波に乗って隆盛を極めた。国際的なヒット曲「ヴォラーレ」で有名なドメニコ・モドゥーニョのような初期のポップスターは、イタリアの音楽的アイデンティティの形成に貢献した。この時代には、ミーナ、ミア・マルティーニ、アドリアーノ・チェレンターノ、クラウディオ・バグリオーニ、オルネラ・ヴァノーニ、パティ・プラヴォといった実力派ボーカリストも活躍し、彼らは国民的な人気を博し、イタリアンポップのサウンドを確立した。

1960年代は、詩的、政治的、あるいは社会的なテーマに焦点を当てたシンガーソングライター、カンタウトーリの伝統が台頭した時代だった。このムーブメントの先駆者には、ファブリツィオ・デ・アンドレ、パオロ・コンテ、ジョルジオ・ガベル、ウンベルト・ビンディ、ジーノ・パオリ、ルイージ・テンコなどがおり、彼らの歌詞は激動の時代と高まる文化意識を反映していた。

1970年代には、この知的で社会意識の高い作詞は、ルチオ・ダッラ、ピノ・ダニエレ、フランチェスコ・デ・グレゴリ、イヴァノ・フォッサティ、フランチェスコ・グッチーニ、エドアルド・ベンナート、リノ・ガエターノ、ロベルト・ヴェッキオーニといったアーティストによって深まり、彼らは叙情的な洗練と批評的なコメントの灯火を受け継いだ。この時期にはルチオ・バッティスティも登場し、イタリアのメロディの伝統とイギリスのロックやポップミュージックを革新的に融合させたことで際立った。ルチオ・バッティスティは、1960年代後半から1990年代半ばにかけて、イタリアの音楽とイギリスのロックやポップを融合させ、キャリアの後半ではシンセポップ、ラップ、テクノ、ユーロダンスといったジャンルも取り入れたが、アンジェロ・ブランデュアルディとフランコ・バッティアートは、イタリアのポップミュージックの伝統により重点を置いたキャリアを追求した。^{[ 60 ]}カントーリと「プロテストソング」の歌手と見なされる人々の間には、ジャンルの重複がいくつかある。 ^{[ 61 ]}

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  アドリアーノ・チェレンターノ
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  推定ベストセラーのイタリア人歌手、ミナ
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  ミア・マルティーニ、批評家から絶賛されている歌手
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  ルチオ・バッティスティ
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  ルチオ・ダッラ

1980年代から2000年代初頭にかけて、イタリア音楽は進化を続け、より幅広いジャンルと制作スタイルを取り入れていった。ブルースの影響を受けたポップロックのズッケロや、メロディアスで地中海的なサウンドで知られるマンゴーといったアーティストが台頭した。ヴァスコ・ロッシのロックテイストとジャンナ・ナンニーニの力強い歌声は、イタリア音楽シーンに新たな活力をもたらした。

この時代はまた、心に響くバラードで世界的な成功を収めたラウラ・パウジーニや、クラシック音楽とポップスを融合させ、世界的な称賛を浴びたテノール歌手アンドレア・ボチェッリといった国際的なスーパースターの台頭も特徴としていた。

ルチオ・バッティスティはキャリア後半においても革新を続け、初期のポップロック・サウンドにシンセポップ、ラップ、テクノ、ユーロダンスといったジャンルを融合させ、現代のトレンドへの驚くべき適応力を見せた。一方、アンジェロ・ブランデュアルディやフランコ・バッティアートといったアーティストは、イタリアの伝統音楽、クラシック音楽の影響、実験的なサウンドを取り入れた、より折衷的な道を歩み、豊かで多様なポップミュージックのシーンに貢献した。

2000 年代のイタリアのポップ ミュージックは、特にラウラ パウジーニ、エロス ラマッツォッティ、ズッケロ、アンドレア ボチェッリ、ティツィアーノ フェッロ、イル ヴォーロのおかげで国境を越えることができました。^{[ 62 ]}

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  ジーノ・パオリ
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  アンドレア・ボチェッリ
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  ローラ・パウジーニ
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  フランチェスコ・デ・グレゴリ
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  ジョルジア
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  エリサ
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  ティツィアーノ・フェッロ
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  マルコ・メンゴーニ

イタリアは、特に1970年代後半から1980年代初頭にかけてイタロディスコが誕生して以来、エレクトロニックダンスミュージックに関して重要な国となっている。ディスコから派生したこのジャンルは、「憂鬱なメロディー」をポップやエレクトロニックミュージックと融合させ、シンセサイザーやドラムマシンを使用することで、しばしば未来的なサウンドを生み出した。 ^{[ 63 ]}ガーディアン紙の記事によると、ヴェローナやミラノなどの都市では、プロデューサーが歌手と協力し、大量生産されたシンセサイザーやドラムマシンを使用し、それらを「クラシックポップの感性」^{[ 63 ]}を持つ実験的な音楽のミックスに取り入れ、ナイトクラブ向けに制作していた。^{[ 63 ]}制作された楽曲は、後にミラノを拠点とするディスコマジックなどのレーベルや企業によって販売されることが多かった。^{[ 63 ]}

イタロディスコは、ペット・ショップ・ボーイズ、イレイジャー、ニュー・オーダーなどのエレクトロニック・グループ^{[ 63 ]}や、ユーロダンス、ユーロビート、フリースタイルなどのジャンルに影響を与えた。しかし、1988年頃までに、このジャンルはヨーロッパの他のダンスやエレクトロニック・ミュージックの形態と融合し、その1つがイタロハウスとなった。イタロハウスは、イタロディスコの要素と伝統的なハウスミュージックを融合させたもので、そのサウンドは概して高揚感があり、ピアノのメロディーを多用した。このジャンルのバンドには、ブラック・ボックス、イースト・サイド・ビート、49ersなどがある。

1990年代後半には、ユーロダンスのサブジャンルであるイタロダンスが登場した。イタロディスコやイタロハウスの影響を受けたイタロダンスは、一般的にシンセサイザーのリフ、メロディックなサウンド、ボコーダーの使用を特徴としている。このジャンルは、イタリアで最も人気のあるエレクトロニックグループの一つとなったEiffel 65のシングル「 Blue (Da Ba Dee)」のリリース後に主流となり、彼らのアルバム「Europop」はChannel 4によって1990年代最高のアルバムに選ばれた。^{[ 64 ]}また、イタロダンスのサブジャンルであるLento Violento （「スローで暴力的」）は、Gigi D'Agostinoによって、よりスローでハードなタイプの音楽として開発された。BPMは、典型的なイタロダンストラックの半分にまで下げられることが多い。ベースはしばしば目立つほど大きく、曲を支配している。^{[ 65 ]}

長年にわたり、イタリアには重要なダンスミュージックの作曲家やプロデューサーが何人もいました。例えば、ジョルジオ・モロダーは、その音楽でアカデミー賞を3回、ゴールデングローブ賞を4回受賞しています。彼のシンセサイザーを使った作品は、ニューウェーブ、テクノ、ハウスミュージックなど、多くの音楽ジャンルに大きな影響を与えました。^{[ 66 ]} Allmusicでは「ディスコサウンドの主要な立役者の一人」と評されており、^{[ 67 ]}また「ディスコの父」とも呼ばれています。^{[ 68 ] [ 69 ]}

ベル・エポックの間、カフェ・シャンタンでポピュラー音楽を演奏するというフランスの流行は ヨーロッパ中に広まった。^{[ 70 ]}この伝統はキャバレーと多くの共通点があり、カフェ・シャンタン、カフェ・コンセール、キャバレー、ミュージックホール、ボードビル、その他類似のスタイルの間には重複があるが、少なくともイタリアにおけるその形態では、この伝統は概して非政治的であり、軽快な音楽、しばしば際どいが下品ではない音楽に焦点を当てていた。イタリアで最初のカフェ・シャンタンは、1890年にナポリの新しいガレリア・ウンベルトの敷地内にオープンしたサローネ・マルゲリータであった。 ^{[ 71 ]}イタリアの他の場所では、ミラノのグラン・サローネ・エデンとローマのミュージックホール・オリンピアがその後まもなくオープンした。カフェ・シャンタンは、イタリア語化されたカフェ・コンチェルトとしても知られていた。主な演奏者は通常女性で、フランス語ではシャントゥーズと呼ばれた。イタリア語の「sciantosa」は、フランス語から直接借用された造語である。これらの歌自体はフランス発祥ではなく、イタリア語で作曲された軽快な、あるいはやや感傷的な歌であった。こうした音楽は第一次世界大戦の勃発とともに廃れていった。

第二次世界大戦終結以来、アメリカのポップミュージックの影響は強かった。豪華なブロードウェイ・ショーのナンバー、ビッグバンド、ロックンロール、ヒップホップは今も人気が高い。ラテン音楽、特にブラジルのボサノヴァも人気があり、プエルトリコのレゲトンは急速に主流のダンスミュージックになりつつある。ラウラ・パウジーニ、エロス・ラマゾッティ、ズッケロ、アンドレア・ボチェッリといった現代のイタリアのポップアーティストが、オリジナルのイタリア語バージョンに加えて英語やスペイン語の新曲をリリースすることも珍しくない。イル・ヴォーロというグループはイタリア語、英語、スペイン語、ドイツ語で歌っている。そのため、現在のイタリアのテレビでは定番となっているミュージカル・レビューでは、一晩のうちにビッグバンドのダンサーのナンバーからエルビスの物真似芸人、そしてプッチーニのアリアを歌う現代のポップシンガーまで、簡単に内容が変わる。

ジャズは第一次世界大戦中に、シンコペーションの効いた音楽を演奏する軍楽隊にアメリカ人ミュージシャンがいたことでヨーロッパに伝わった。 ^{[ 72 ]}しかしそれ以前にも、イタリアは1904年にミラノのエデン劇場で公演を行ったクレオール歌手やダンサーの形で大西洋を越えて新しい音楽の片鱗を受け取っていた。彼らは自らを「ケークウォークの創始者」と称していた。しかしイタリアで最初の本格的なジャズオーケストラは、アルトゥーロ・アガッツィなどのバンドリーダーによって1920年代に結成され、すぐに成功を収めた。^{[ 55 ]} 1930年代のファシスト政権の反米文化政策にもかかわらず、アメリカのジャズは人気を保ち続けた。

戦後間もない頃、イタリアではジャズが隆盛を極めた。ビバップからフリージャズ、フュージョンに至るまで、アメリカの戦後ジャズのあらゆるスタイルがイタリアにも存在した。イタリア文化の普遍性のおかげで、イタリア全土にジャズクラブが次々と誕生し、ラジオ局やテレビ局にはジャズを基調としたハウスバンドが常駐するようになり、イタリアの音楽家たちはヨーロッパの歌曲形式、クラシック音楽の作曲技法、民謡を基にした独自のジャズを育み始めた。現在では、イタリアのすべての音楽院にジャズ科があり、毎年ジャズフェスティバルが開催されている。中でもウンブリア・ジャズ・フェスティバルは最も有名で、ジャズ専門誌『 Musica Jazz』などの著名な出版物も存在する。

イタリアのポップロックは、ズッケロのような大スターを生み出し、多くのヒット曲を生み出してきた。業界メディア、特にテレビは、こうした音楽にとって重要な媒体であり、テレビ番組「サバト・セラ」はその典型例である。^{[ 73 ]}イタリアは、1970年代のプログレッシブ・ロック運動の最前線にいた。このスタイルは主にヨーロッパで発展したが、世界の他の地域でも聴衆を獲得した。これは、イタリアン・プログレッシブ・ロックという独立したジャンルと見なされることもある。ザ・トリップ、エリア、プレミアータ・フォルネリア・マルコーニ（PFM）、バンコ・デル・ムトゥオ・ソッコルソ、ニュー・トロールズ、ゴブリン、オザンナ、サン・ジュスト、ル・オルメなどのイタリアのバンドは、シンフォニック・ロックとイタリアのフォーク音楽を融合させ、ヨーロッパとアメリカ全土で人気を博した。Perigeo、Balletto di Bronzo、Museo Rosenbach、Rovescio della Medaglia、Biglietto Per L'Inferno、Alphataurusなどの他のプログレッシブバンドはあまり知られていないが、彼らのアルバムは今日ではコレクターの間でクラシックとみなされている。Area 、Picchio dal Pozzo、Opus Avantra、Stormy Six、Saint Just、Giovanni Lindo Ferrettiなどのいくつかのアヴァンギャルドロックバンドやアーティストは、革新的なサウンドで悪名を馳せた。イタリアのプログレッシブロックコンサートは、強い政治的なニュアンスとエネルギッシュな雰囲気を帯びる傾向があった。イタリアの人気メタルバンドには、Rhapsody of Fire、Lacuna Coil、Elvenking、Forgotten Tomb、Fleshgod Apocalypseなどがある。^{[ 5 ]}

イタリアのヒップホップシーンは、1990年代初頭にミラノのArticolo 31から始まり、そのスタイルは主にイーストコーストラップの影響を受けていた。他の初期のヒップホップクルーは、 99 Posseのように政治的な志向が強く、後にイギリスのトリップホップの影響をより強く受けるようになった。最近のクルーには、サルデーニャのLa Fossaのようなギャングスタラッパーがいる。最近輸入された他のスタイルには、Gabry Ponte、Eiffel 65、Gigi D`Agostinoなどのアーティストが演奏するテクノ、トランス、エレクトロニカがある。^{[ 74 ]}ヒップホップは特に南イタリアで好まれており、南部のrispetto（尊敬、名誉）という概念、つまり言葉による論争の一形態と結びついている。これらの事実は、南イタリアの音楽をアフリカ系アメリカ人のヒップホップスタイルと結びつけるのに役立っている。^{[ 75 ]}さらに、イタリアにはパチャンカと呼ばれるスタイルを演奏するバンドが多数あり、これは伝統音楽、パンク、レゲエ、ロック、政治的な歌詞が混ざり合ったものが特徴です。モデナ・シティ・ランブラーズは、アイルランド音楽、イタリア音楽、パンク、レゲエ、その他多くの音楽形式をミックスすることで知られる人気バンドの1つです。^{[ 74 ]}

イタリアは、地中海フュージョンプロジェクトの拠点にもなっている。これには、シチリアを拠点とし、パレスチナ人のナビル・ベン・サラメが率いる多文化バンド、アル・ダラウィッシュが含まれる。ルイージ・チンクエ・タランチュラ・ハイパーテキスト・オーケストラもその一例であり、ファレグとヌール・エディンによるタラグナワ・プロジェクトも同様である。マンゴーは、ポップスとワールドミュージックや地中海音楽を融合させた最も有名なアーティストの一人であり、アルバム『アデッソ』、『シルタキ』、『コメ・ラクア』などは彼のスタイルの例である。ナポリの人気歌手、マッシモ・ラニエリも、北アフリカのリズムと楽器を取り入れた伝統的なナポリ民謡のCD『オッギ・オ・ディマーネ』をリリースしている。 ^{[ 74 ]}