インドネシアの音楽

インドネシアは多くの異なる部族や民族グループが存在する国であり、その音楽もまた非常に多様で、何百もの異なる形式やスタイルがあります。各地域には独自の文化と芸術があり、その結果、地域ごとに伝統音楽もそれぞれ独特の違いがあります。たとえば、それぞれの伝統音楽には、独自のダンスや演劇が伴うことがよくあります。現代の音楽シーンも、アメリカ、イギリス、日本、韓国、インドなど、さまざまな外国の影響を大きく受けています。^[1]

ジャワ島、スマトラ島、バリ島、フローレス島（小スンダ列島）などの島々の音楽は十分に文書化・記録されており、インドネシア国内外の学者によるさらなる研究も進行中です。インドネシアの音楽は歴史的記録よりも古く、インドネシアのさまざまな先住民族は儀式に楽器を伴うチャントや歌を取り入れることがよくあります。今日のインドネシアの現代音楽は、マレーシア、シンガポール、ブルネイなどの近隣諸国でも人気があります。^[2]

一般的に、インドネシアの伝統音楽や歌は、インド、ジャワ、アラビア、中国、マレーの古典音楽の影響を強く受けた力強いビートとハーモニーを特徴としています。その影響は、人気の伝統音楽ジャンルであるダンドゥットに強く表れています。^{[3] [4] [5]}

今日私たちが知っているインドネシアの音楽的アイデンティティは、青銅器時代の文化が紀元前2～3世紀にインドネシア諸島に移住したときに始まりました。^[6]インドネシアの部族の伝統音楽では、ゴングやゲンダン（太鼓）などの打楽器がよく使用されます。ロテ島の弦楽器ササンド、スンダ人のアンクルン、ジャワ島とバリ島の複雑で洗練されたガムランオーケストラなど、精巧で独特の楽器を開発した部族もあります。

インドネシアはゴングチャイムの発祥地です。ゴングチャイムとは、一組の小型で高音の突起のあるゴングの総称です。ゴングは通常、低い木製の枠に支えられた紐の上に突起が上になるように、音程順に配置されます。枠は長方形または円形 (後者は「ゴングサークル」と呼ばれることもあります) で、1 列または 2 列のゴングが並んでいる場合があります。1 人から 4 人のミュージシャンが、それぞれ 2 本のパッド付きスティックでゴングを叩いて演奏します。ゴングチャイムは、ガムラン、クリントアン、タレンポンなど、多くのインドネシアの音楽アンサンブルで重要な楽器です。

ゴングは東南アジア発祥の、主に金属製の様々な大きさの打楽器の一種です。インドネシアでは、ガムラン・アンサンベルでよく使用されます。

ボナンはガムラン楽器のゴング族に属する楽器です。タレンポンは西スマトラのミナンカバウ族の伝統楽器で、形はボナンとほぼ同じです。タレンポンは真鍮で作られることもありますが、木や石で作られるものもあります。タレンポンは木の棒やスティックで叩いて演奏します。タレンポンは通常、タリ・ピリン、タリ・パサンバハン、タリ・アラン、タリ・スンティアン・パングル、タリ・ゲロンバンなど、ダンスや歓迎のパフォーマンスの伴奏に使用されます。タレンポンは通常、アコーディオンの伴奏とともに演奏されます。アコーディオンはオルガンの一種で、演奏者の右手で支えられ、演奏されます。アコーディオンに加えて、サルアン、ガンダン、セルナイなどの楽器や、その他のミナンカバウ族の伝統楽器も、タレンポンでよく演奏されます。

コリンタンまたはクリンタンは、インドネシア東部およびフィリピン原産の青銅と木製の打楽器です。インドネシアでは特に北スラウェシのミナハサ族と関連していますが、マルクやティモールでも人気があります。この楽器は、5〜9個の段階的なポットゴングの列/セットで構成され、フレームの上に水平に置かれ、ピッチ順に並べられ、最も低いゴングが演奏者の左側にあります。^[7]ゴングは、フレームの全長に平行に走る2本のコード/弦の上に楽器の表面を上にして置かれ、竹/木のスティック/バーがフレームに対して垂直に置かれ、「パサンガン」と呼ばれるクリンタンセット全体を形成します。^[8]

コミュニティにおけるクリンタン音楽の主な目的は、プロフェッショナルかつ民俗的なレベルでの社交エンターテイメントとして機能することです。^[9]この音楽は、誰もが参加できるという意味で公共音楽と見なされている点でユニークです。^[10]演奏者が演奏するだけでなく、観客も参加することが期待されています。^[11]これらのパフォーマンスは、コミュニティと隣接地域の人々を結び付け、そうでなければ互いに交流することがなかったかもしれないコミュニティを統合するのに役立つという点で重要です。伝統的に、クリンタン音楽を演奏する場合、演奏者の参加は任意です。^[12]ミュージシャンは、パフォーマンスをコミュニティから認識、名声、尊敬を得る機会としか考えていません。^[13] クリンタン音楽はガムラン音楽とは多くの点で異なりますが、主に後者が骨組みの音と各楽器の所定の入力時間間隔の枠組みの中でメロディーを構築する方法です。クリンタン音楽の枠組みはより柔軟で、時間間隔が存在しないため、即興演奏などがより多く行われるようになります。

アンクルンは、西ジャワのスンダ人原産の竹製楽器です。竹の枠に竹筒を取り付けて作られています。筒は、振動すると独特の共鳴音が出るように彫られています。アンクルンは1つの音しか出ません。^[14] この竹製の楽器は、振って演奏します。アンクルンの音は、竹筒の衝撃から生成されます。各サイズで2、3、4音の構成で振動する独特の音色を持っています。

アンクルンはインドネシアのヒンドゥー教時代以前から存在していました。スンダ王国時代（12世紀から16世紀）には、アンクルンはさまざまなイベントやお祝い、特に農業の伝統的な行事で常に使用される楽器になりました。当時、アンクルンは「デウィ・スリ」、つまり稲の女神または豊穣の女神への崇拝として演奏され、植えた植物に祝福が与えられ、人生が繁栄することを祈願していました。それだけでなく、スンダ王国では、アンクルンは戦争の精神を刺激するものとしても使用されていました。

楽器として一般的に使用される竹の種類は、黒竹（アウィ・ウルン）とアター竹（アウィ・テメン）で、乾燥すると白っぽい黄色になります。各音（バレル）は、小さいものから大きいものまで、竹の各節ごとに刃（ウィラハン）の形をした竹筒の音から生成されます。竹のサイズごとに音程が異なります。ユネスコは2010年11月18日にアンクルンを人類の口承及び無形遺産の傑作に指定しました^。[15]

スリンとは、インドネシア語で「フルート」を意味するセルリンのスンダ語です。インドネシアのフルートは竹で作られ、常に横笛で吹き、サイズはさまざまです。指の位置によって、スリン本体内の音の共鳴波長が変わります。スリンの頭に最も近い穴からの距離に応じて、異なる音を出すことができます。空気の流れの速度によっても、音の周波数を変えることができます。2倍の周波数の音は、主にスリンの頭の穴に2倍の速度で息を吹き込むことによって出せます。一般的に、スリンが短いほど、音程は高くなります。このシンプルなスリンから奏でられる曲やメロディーは、伝統的に楽しい学習の音として解釈されてきました。インドネシアには、スリンを伝統的な楽器として使用している地域が多くあり、さまざまな地方名が付けられています。ジャワ、スンダ、バリでは、この楽器は一般にスリンと呼ばれ、ミナンではサルアン、トラジャではレンバンフルート、ハルマヘラではバンシル、西ヌサトゥンガラではシルと呼ばれています。スリンとはインドネシアの竹製の輪笛で、ガムラン、ガンブス、ダンドゥットなど、さまざまな伝統音楽のアンサンブル演奏で使用されます。このフルートは、タミアンと呼ばれる長くて薄い壁の竹の管で作られており、細い籐のバンドがマウスピースを取り囲んでいます。

カカピ・スリンとは、カカピ（琴）とスリン（竹笛）の2つの楽器を使用する、西ジャワ地方で人気の即興性の高い器楽音楽の一種である。トゥンバン・スンダと関連がある。カカピのリズミカルな旋律はテンポが遅く、弦楽器によって生み出され、スリンやメリスマ的なボーカルのメロディーと組み合わさると柔らかな音楽に溶け込む。カカピは中国の古筝から派生したスンダの伝統的な琴で、日本の琴、モンゴルのヤトガ、韓国の伽耶琴、ベトナムのダン・トラン、カザフスタンのジェティゲンに似ている。スリンとは竹笛である。

ケンダンまたはゲンダンは、インドネシア諸島の人々が使用する両面太鼓です。ジャワ人、スンダ人、バリ人の間では、ケンダンは片側がもう片側よりも大きく、大きい低音側は通常右側に配置され、通常は水平にスタンドに置かれ、床に座って両側の手で叩きます。バリ人などのグループでは、両側は同じ大きさで、手とスティックの組み合わせを使用して片側または両側で演奏されます。マカッサル人の間では、ガンラン太鼓の方がはるかに重要視されており、ジャワのゴングに匹敵する、すべての楽器の中で最も神聖なものと考えられています。

クンダンの最もよく知られたバリエーションの1つがゲンダン・ベレクです。ゲンダン・ベレクはインドネシアのロンボク島の伝統音楽です。ゲンダン・ベレクという名前はササック語で「大きな太鼓（ビッグ・ゲンダン）」を意味します。^{[16]これは、2つの大きな太鼓（}ゲンダン）を中心に、一団のミュージシャンが伝統楽器を演奏し、踊り、行進するパフォーマンスだからです。太鼓は木製のフレームとヤギ皮のドラムヘッドで作られています。木材は硬くて軽い木材から選ばれます。ゲンダン・ベレクのパフォーマンスでは、ドラマーはゲンダンを持ち、演奏し、ドラマチックで対決的なデュエットを踊ります。ドラマーは大きな太鼓で連動した曲を演奏します。楽器を演奏できることとは別に、演奏者は楽器を持って踊り、行進するために敏捷性とスタミナを持っていなければなりません。

ササンドは、東ヌサ・トゥンガラのロテ島原産の撥弦楽器です。ササンドは、弦を張る複数のくさびで囲まれた竹の筒と、その周囲を乾燥したロンタールまたはヤシの葉 ( Borassus flabellifer ) で作った袋状の扇子で構成され、楽器の共鳴器として機能します。

北スマトラのタパヌリ地域の音楽演奏。タパヌリ・オゴンは、リュート、トランペット、フルートの一種で演奏されるダンス音楽の一種です。

サペ（sampek、sampeʼ、sapek）は、東カリマンタン、西カリマンタン、北カリマンタンの川沿いのロングハウスに住むケニヤ族とカヤン族の伝統的なリュートです。サペは一本の木の幹から彫り出され、現代の楽器の多くは長さが1メートルを超えます。技術的には、サペは比較的単純な楽器で、1本の弦がメロディーを奏で、他の弦がリズミカルなドローンとして伴奏します。実際には、音楽は非常に複雑で、多くの装飾と主題のバリエーションがあります。

インドネシアの音楽ジャンルの多様性は、インドネシア国民の音楽的創造性と、その後のインドネシア諸島への外国音楽の影響との文化的遭遇の結果です。独特の土着音楽の他に、中東イスラム音楽のガンブスやカシダー、ポルトガルの影響を受けたケロンコン、ヒンディー音楽の影響が顕著なダンドゥットなど、いくつかのジャンルは外国の影響に起源をたどることができます。

インドネシアの地方民俗ポップミュージックは、インドネシア文化とインドネシア民族の多様性を反映しており、主に地元の言語を使用し、西洋と地方のスタイルの音楽や楽器が混在しています。インドネシアの民俗音楽は非常に多様で、今日ではポップ、ロック、ハウス、ヒップホップなどのジャンルに加えて、インドネシア独特の形式も取り入れています。「民族」ポップミュージックにはいくつかの種類があり、一般的にポップ・ダエラ（地方ポップ）としてグループ化されています。これらには、ポップ・スンダ、ポップ・ミナング、ポップ・バタク、ポップ・マレー、ポップ・アンボン、ポップ・ミナハサなどがあります。各地方文化のラグ・ダエラ（地方の伝統歌）の遺産をフィーチャーする以外に、ミュージシャンは自分の母国語でいくつかの新しい作品を作成することもあります。

インドネシア音楽の中で最も人気があり有名なのは、おそらくガムランでしょう。これは、鉄琴、太鼓、銅鑼、鑢、竹笛などの調律された打楽器のアンサンブルです。同様のアンサンブルはインドネシア、シンガポール、マレーシア全土で普及していますが、ガムランはジャワ島、バリ島、ロンボク島が起源です。

中部ジャワのガムランは、複雑で細心の注意を払って演奏されます。中心となるメロディーはオーケストラの中央にある鉄琴で演奏され、前方ではメロディーに細工や装飾が加えられ、後方ではゴングがゆっくりと音楽を強調します。調律システムは 2 つあります。各ガムランはそれぞれに合わせて調律されており、音階上の音の間隔はアンサンブルによって異なります。鉄琴は 4 オクターブをカバーし、スレンセム、デムン、サロン パネラス、バルンガンなどの種類があります。ガムランの魂は大きなゴング、つまりゴング アゲンに宿ると信じられています。その他のゴングは音階の各音に合わせて調律されており、ケトゥク、ケノン、クンプルなどがあります。オーケストラの前方セクションは多様で、レバブ、スリン、シテル、ボナン、ガンバンが含まれます。男性コーラス（ゲロン）と女性ソロボーカリスト（ペシンデン）が一般的です。オランダの植民地支配者の到来とともに、音楽を記録するためにケパティハンと呼ばれる番号システムが開発されました。当時の音楽とダンスは、スラカルタ、ジョグジャカルタ、パクアラマン、マンクヌガランなど、その地域の主要な宮廷に基づいていくつかのスタイルに分かれていました。

東ジャワのガムランは、島の中央部や西部ほど有名ではありません。おそらく、この地域で最も特徴的なのは、非常に大きなガムヤック太鼓です。西ジャワ（旧スンダ）には、いくつかの種類のガムランがあります。ガムラン デグン、ガムラン サレンドロ、テンバン スンダの3 つが主な種類です。東ジャワのオシン ジャワ少数民族は、結婚式やその他のお祝いのためのガンドゥンと呼ばれる社交音楽や、若いアマチュア少年が演奏するアンクルンで知られており、バリのガムランに非常に似ています。

インドネシアでは、ガムランはダンス、ワヤン人形劇、儀式や式典によく伴奏として用いられる。通常、ガムランの演奏者はダンスの動きや詩に精通しており、ダンサーはアンサンブルで演奏することができる。^[17]ワヤンでは、ダラン（人形遣い）は音楽の合図を出すため、ガムランについて十分な知識を持っていなければならない。ガムランは「クレネンガン」スタイルで単独で演奏することも、ラジオ放送用に演奏することもでき、20世紀半ばに設立された国立芸術学校ではコンサートが一般的である。^[18]

ガムランの儀式における役割は非常に重要で、ジャワには「ゴングが鳴らされるまでは正式なものではない」という諺があるほどである。^[19]ジョグジャカルタのスルタンの訪問など、一部の演奏は王族と関連している。ガムランの中には、マウリド・アン・ナビ（ムハンマドの誕生日）のお祝いに使われるガムラン・セカテンなど、特定の儀式と関連しているものもある。バリ島では、ほとんどすべての宗教儀式にガムランの演奏が含まれている。ガムランはインドネシアのカトリック教会の儀式でも使われている。^{[20]演奏や儀式の始めと終わりに使われる曲もある。「終わりの」曲（「}ウダン・マス」など）が始まると、観客はイベントがほぼ終わったことを知り、帰り始める。また、一部の曲には魔力があると信じられており、悪霊を追い払うために使うこともできる。^[19]

テンバン・スンダは「セニ・ママオス・チアンジュラン」または単にチアンジュランとも呼ばれ、チアンジュールの植民地時代に生まれた歌詩の一種である。最初は貴族の芸術として知られ、チアンジュランの作曲家の一人はチアンジュールの統治者（1834-1862）の RAA クスマニングラット（ダレム・パンチャニティ）であった。チアンジュランの楽器は、カカピ・インドン、カカピ・リンチク、スリンまたは竹笛、そしてサレンドロ作曲用のレバブである。歌詞は通常自由詩で歌われるが、より現代的なバージョンであるパナンビは韻律的である。通常は太鼓が使われる。

ジャイポンガンは、ジャワ島西部のスンダ人による非常に複雑なリズムのダンス音楽です。リズムはランダムに変化する傾向があるため、ほとんどのリスナーにとってダンスは困難です。楽器はすべてスンダのもので、輸入楽器は一切使用されていません。ジャイポンガンは、1960 年代に スカルノがロックンロールやその他の西洋のジャンルを禁止した後、ググム・グンビラなどのアーティストによって考案されました。

ガンブスは文字通りウードを意​​味し、リュートまたは12弦の洋ナシ型ギターの一種を指し、中東由来のイスラムの声楽および器楽音楽です。これらの伝統は16世紀までにインドネシアの多くの地域に取り入れられ始めました。

カシダーとは、詠唱と打楽器を伴う宗教詩を意味する古代アラビア語である。カシダー・モダンはこれをポップス向けにアレンジしたものである。これは、イエメンからのイスラム教徒入植者によってもたらされたと考えられている、ある種のオーケストラとそれが演奏する音楽を指すために使用されている。カシダー・モダンはイスラムのポップスから派生したもので、インドネシアの現代問題を扱った地元の方言と歌詞が加えられている。インドネシアのアラブ人の間では人気があるが、他の地域ではあまり人気がない。インドネシアで最も古いカシダー・モダン音楽グループの1つは、ナシダ・リアである。^[21]

インドネシアにおける中東の影響を受けたイスラム音楽の現代形態は、スーフィズムの音楽アプローチを特徴とするバンドDebuによって代表されます。このバンドはメッセージを広めるために音楽に取り組んでいます。

イスラム教徒が多数を占める国であるインドネシアでは、多くの歌手が、主に、あるいはレパートリーに加えて、イスラム声楽のジャンルで ある伝統的または現代的なナシードを演奏しています。

クロンチョン（別名：ケロンチョン）は、ヨーロッパの楽器を持ち込んだポルトガル人の到来以来、進化を続けています。1900年代初頭には、下層階級の都会の音楽とみなされていました。1930年代にインドネシアの映画産業がクロンチョンを取り入れ始めると、状況は一変しました。そして、1940年代半ばから後半にかけて、クロンチョンは独立闘争と結び付けられるようになりました。

おそらく、クロンチョン スタイルで最も有名な曲は、1940 年にソロのミュージシャン、ゲサン マルトハルトノによって書かれた「ベンガワン ソロ」でしょう。第二次世界大戦中に日本軍が島を占領していたときに書かれたこの曲 (ジャワ島最長で最も重要な川であるベンガワン ソロ川について) は、ジャワ人の間で広く人気を博し、その後、録音が地元のラジオ局で放送されたことで全国的に広まりました。この曲は日本兵の間でもかなり人気があり、戦争が終わって彼らが日本に帰国したときに、再録音 (日本人アーティストによる) がベストセラーになりました。この曲は長年にわたり、主にアジア内だけでなく、アジア以外でも (アンネケ グロンローなど) 著名なアーティストによって何度も再リリースされており、場所によってはインドネシア音楽の代表的曲と見なされています。ゲサン自身は、このスタイルの最も有名な代表者であり続けています。このスタイルは、今ではやや堅苦しく「時代遅れ」の形式と見なされていますが、特に年配の世代を中心に、依然として多くの人々の間で人気があります。

第二次世界大戦後、インドネシア国民革命（1945-1949）の間およびその後、クロンチョンは愛国心と関連付けられており、インドネシアの詩人や愛国歌の作者の多くが、作品のジャンルとしてクロンチョンとややジャズフュージョンを使用している。愛国的なテーマとロマンチックな戦時中のロマンスは、イスマイル・マルズキの作品、「 Rayuan Pulau Kelapa」、「Indonesia Pusaka 」、「Sepasang Mata Bola」、「Keroncong Serenata」、「Juwita Malam」などに顕著に表れている。これらの愛国的な歌は賛美歌やオーケストラで歌われることもあるが、ほとんどの場合、クロンチョン・ペルジュアンガン（闘争クロンチョン）として知られるクロンチョン様式で歌われた。クロンチョンの歌姫であるワルドジナ、スンダリ・スココ、ヘッティ・コーズ・エンダンは、1980年代にこの様式を復活させるのに重要な役割を果たした。

スラカルタ（ソロ）に固有のクロンコンには、クロンコンとガムランの7 音階 を融合したランガム ジャワと呼ばれるスタイルがあります。

20 世紀初頭、クロンチョンはコメディ スタンブルと呼ばれるタイプの劇場で使用されていました。この目的に合わせて、音楽はガンバン クロモンと呼ばれました。ガンバン クロモンは、ジャカルタのブタウィ文化で非常に普及しています。

タンジドルはジャカルタの伝統的なブタウィ 音楽アンサンブルです。^[22]使用される楽器は、軍のマーチングバンドや鼓隊/鼓笛隊とほぼ同じで、通常はチューバまたはスーザフォン、トランペット、クラリネット、タンバリン、太鼓で構成されます。^[23]タンジドルという用語は、ポルトガル語の tanger（音楽を演奏する）とtangedor（屋外で音楽を演奏する）に由来し、その後ブタウィ語でtanji（音楽）として採用されました。 ^[23]ジャカルタ以外にも、西カリマンタン州ポンティアナックにもタンジドル音楽アンサンブルがあります。^[24]

インドネシアの現代音楽は多様で活気に満ちている。^{[誰によると？ ]}インドネシアのミュージシャンは歴史を通じて、世界のさまざまな音楽ジャンルの外国の影響を受けてきた。アメリカのジャズはアジアで大々的に宣伝され、フォックストロット、タンゴ、ルンバ、ブルース、ハワイアンギターのスタイルはすべてインドネシアのミュージシャンによって模倣された。^[25]その結果、インドネシアの音楽の枠組みの中で、インドネシアのポップ、ロック、ゴスペル、ジャズ、R&B、ヒップホップなど、さまざまなジャンルが生まれた。

インドネシアの音楽は、インドネシアの創造的なポップカルチャーにおいても重要な役割を果たしており、^{[誰によると？ ]}特にインドネシア映画やシネトロン（インドネシアのテレビドラマ）のサウンドトラックやテーマソングとして重要な役割を果たしています。インドネシア映画「Badai Pasti Berlalu」（1977年）も、同年に同名のサウンドトラックがヒットし、1999年にクリスイエをメインシンガーとしてアーウィン・グタワがオーケストラスタイルでアレンジしてリメイクされました。2007年にこの映画は、同じ曲を若い世代のアーティストが演奏した新しいサウンドトラックで再度リメイクされました。インドネシアのもう1つの人気のある青春映画「Ada Apa Dengan Cinta 」（2002年）も、メリー・ゴエスラウがほとんどの曲を作詞作曲し演奏したサウンドトラックがヒットしました。

1990年代後半、インドネシアのポピュラー音楽の中に現代的なイスラムの歌が登場し、その演奏者は説教の手段として音楽を作った。主なジャンルはナシード（Aa Gym）、イスラムロック（Ahmad DhaniとDewa 19）、フュージョンスタイル（Cak NunとKiai Kanjeng）である。^[26]

今日、インドネシアの音楽産業は全国的な人気を誇っています。インドネシア語とマレー語の共通文化と理解しやすい言語のおかげで、インドネシア音楽はマレーシア、シンガポール、ブルネイなどの近隣諸国で地域的な人気を誇っています。しかし、マレーシアにおけるインドネシア音楽の圧倒的な人気は、マレーシアの音楽産業を警戒させました。2008年、マレーシアの音楽産業は、マレーシアのラジオ放送でインドネシアの歌を制限するよう要求しました。^[27]

西洋のクラシック音楽は、18世紀というオランダ領東インド時代にインドネシアに伝わったが、バタビアのソシエテイト・アルモニーやバンドンのソシエテイト・コンコルディアなどのエリート社交クラブや舞踏会で楽しむものばかりだった。バタビア劇場（現在のジャカルタのゲドゥン・ケセニアン）は、19世紀にコンサートホールとして設計された。クラシック音楽は、東インド植民地時代には、洗練され、裕福で、教育を受けた上流階級の人々に限定されており、それ以外の人々には浸透しなかった。^[要出典]当時、社会的障壁を越えた西洋由来の音楽のタイプは、下層階級の音楽として知られるクロンチョンであった。

オランダ植民地時代に、バタヴィアフィルハーモニー管弦楽団と呼ばれるアマチュアグループが設立されました。 1912年にラジオ放送局Nederlandsch-Indische Radio Omroep Maatschappijが発足すると、 NIROM管弦楽団になりました。今日ではジャカルタ交響楽団として知られ、流行やニーズに合わせて形式を変えながら、ほぼ1世紀にわたってインドネシアの音楽界に存在してきました。1950年に、ジョエル・クレバーのコスモポリタン管弦楽団と、ステジョとイスカンダルのジャカルタスタジオ管弦楽団が合併し、ヘンキー・ストレークのクラシックレパートリーのジャカルタラジオ管弦楽団と、シャイフル・バクリのジャカルタスタジオ管弦楽団がインドネシアの曲を専門に演奏するようになりました。2010年、ジャカルタ交響楽団はかなり長い休止期間を経て復活しました。^[28] ジャカルタ交響楽団は1970年代に登場しました。

1960年代から1980年代にかけて、インドネシアのクラシック音楽は主に国営ラジオ放送局のラジオ共和国（RRI）と国営テレビ局のテレビ共和国（TVRI）の番組で放送されていました。この数十年間、クラシックオーケストラは主に大学の学生の課外活動として発展し、その中には合唱団も含まれていました。1990年代にはプロの交響楽団が形成され始め、特にアディ・MSが率いるトワイライト・オーケストラは1991年6月に設立され、当初は20人の音楽家からなるアンサンブルでした。その後、このアンサンブルは70人の音楽家と63人のトワイライト合唱団を擁するフル交響楽団に成長し、レパートリーはベートーベンからビートルズにまで及びます。^[29]オーケストラはインドネシア音楽の振興、特にインドネシアの作曲家による国民的歌曲や伝統歌曲の保存に役割を果たしてきました。アディ・MSは、ビクトリアン・フィルハーモニー管弦楽団とトワイライト合唱団の協力を得て、 WR・スプラトマン作曲のインドネシア国歌「インドネシア・ラヤ」を、ジョス・クレバーによるオリジナルのオーケストラ編曲で再録音したほか、インドネシアのその他の人気国民的歌をアルバム「Simfoni Negeriku」に収録した。

クラシック音楽と現代音楽の分野で世界的に最も有名で有名なインドネシアの作曲家は、アナンダ・スカルラン（1968年生まれ）です。彼は多くの管弦楽曲、室内楽、器楽作品を残しています。彼の最も有名な作品は、インドネシアの民謡をモチーフにしたピアノ独奏のための名人芸「ラプソディア・ヌサンタラ」シリーズです。彼はボストン交響楽団やバイオリニストの五嶋みどりなどのミュージシャンのために作品を書いており、彼の作品は世界中で広く演奏されています。

今日では、ジャカルタ、バンドン、ジョグジャカルタ、スラバヤ、メダン、バタムなどの大都市には、独自の交響楽団があり、オーケストラ音楽には馴染み深い。たとえば、ジャカルタには、ヌサンタラ交響楽団、トワイライト管弦楽団、ジャカルタ室内管弦楽団がある。

インドネシアには、国民に使用され、演奏され、暗記されている愛国歌も数多くあり、これらの国民歌のいくつかは、オランダ領東インド、日本占領時代、そして今日のインドネシアで使用されています。これらの歌の多くは、 Addie MSが指揮する「Simfoni Negeriku」など、さまざまなアルバムでオーケストラ録音を使用して録音されています。

クラシック音楽と関係のある現代インドネシアの音楽家には、作曲家のアナンダ・スカルランとシンタ・ウルルがいます。ピアニストはヘンドリー・ウィジャヤ、エドゥアルドゥス・ハリム、エスター・ブディアルジョ、ヴィクトリア・オードリー・サラスヴァティ。フルーティストのエンボン・ラハルジョ。ソプラノ歌手のプラナウェングラム・カタムシ、アニン・カタムシ、イシャナ・サラスヴァティ（彼女はポップ・センチメンタル・バラードのボーカリストとしても成功している）。

今日のインドネシアのポップミュージックは、単に「ポップインドネシア」として知られており、西洋音楽のトレンドやレコーディングの影響を受けることもあります。^[25]アメリカのポップ、イギリスのポップ、アジアのJポップなどからの影響は明らかですが、インドネシアのポップ現象は完全に派生したものではなく、現代のインドネシアの生活の感情やスタイルを表現しています。

後にKoes Plusとして結成されたKoes Bersaudaraは、1960年代から1970年代にかけてのインドネシアのポップスとロックンロール音楽の先駆者の一人と考えられています。Koes Bersaudaraの音楽にはアメリカとイギリスの音楽の影響が顕著で、このバンドの主な影響源はビートルズであることが知られています。ポップスやバラード歌手のIwan FalsやChrisye、ロック界の伝説God Bless、Panbers、D'Lloyd、ダンドゥットの巨匠Rhoma Iramaなど、何十年も生き残り、インドネシア音楽の伝説となったインドネシアのミュージシャンは数多くいます。特に2000年代初頭のポップミュージック界で最も影響力のあるインドネシアの歌手の一人は、後にAgnez Moとして知られるようになったAgnes Monicaです。

90 年代後半から 2000 年代にかけて、人気バンドにはSlank、Dewa 19、Peterpan、Gigi、Sheila on 7、Jamrud、Padi、Ungu、Radja、Letto、D'Masiv、Nidjiなどがあり、これらはすべてインドネシア、シンガポール、マレーシアで定期的にツアーを行っています。MTV Asiaでも紹介されました。

インドネシアのポップバンドの中には、マレーのルーツを再燃させ、「バンド・ポップ・メラユ」（ポップ・マレー・バンド）と呼ばれるジャンルを復活させ、2000年代後半に人気を博したバンドもあります。ポップ・マレー・バンドには、カンゲン・バンド、WALI、ヒジャウ・ダウン、アルマダ、アンカサ、ST 12などがあります。

1980年代から1980年代にかけてのインドネシアのポップミュージックは、日本のジャンルとの類似性から、一般的に「インドネシアのシティポップ」と呼ばれています。日本のシティポップ自体は、2010年代後半にインターネットを通じて若者やアマチュアミュージシャンの間で人気を博しました。

インドネシアのポップミュージックに対する最近の外国の影響は、日本のポップミュージックから来ています。J -Rocksなどのいくつかのバンドは、日本のポップカルチャーを模倣しています。7iconsやCherrybelleなどのボーイズバンドや、日本のAKB48から派生したJKT48の間でもガールズグループが広がっています。

ダンドゥットはインドネシアの人気の伝統音楽のジャンルで、インド、アラブ、マレーの音楽から一部派生しています。特に古典的なダンドゥットのバージョンでは、メインのタブラを打楽器のビートとして使用し、メロディアスでハーモニーのある音楽で構成されています。もともとはインドネシアのダンス音楽でしたが、東南アジア全体に広がり、1970年代半ばにポップスタイルの主流となりました。若者にアピールする脈打つビートとやや道徳的な歌詞で有名なダンドゥットのスターは、現代のポップシーンを席巻しています。しかし、特に女性歌手によって演奏されるダンドゥットは、より多くの聴衆にアピールするために、挑発的なダンスの動きやエッチな歌詞を特徴とすることも多くあります。この展開は、保守的な古い世代のダンドゥットアーティストから強く反対されました。

ダンドゥットは歌手を中心に活動しており、スターにはローマ・イラマとエルヴィ・スカエシ（ダンドゥットの王と王妃）、マンシュール・S、A・ラフィク、カメリア・マリク、ファーミー・シャハブが含まれる。若い世代の チシ・パラミダ、エヴィー・タマラ、イヌル・ダラティスタ、ジュリア・ペレス、デウィ・ペルシクらも参加した。

ジャワの伝統音楽とダンドゥットを融合した音楽スタイルで、主に中部ジャワ、ジョグジャカルタ、東ジャワのジャワ文化圏で普及しています。おそらく、現在の最も優れたアーティストはディディ・ケンポットです。ジャワ島西部では、スンダのダンドゥットまたはスンダのカンプルサリバージョンが生まれ、独特の太鼓の音色を持つ伝統的なジャイポン音楽から発展しました。

ポップミュージックと同様、インドネシアのロックシーンもアメリカのロックミュージックの発展に大きく影響を受けました。最も影響力のあったインドネシアのロックバンドは、おそらく1970年代から1980年代に人気があったPanbersとGod Blessでしょう。1980年代後半から1990年代半ばには、 Nicky Astria、Nike Ardilla、インドネシアでポップロック歌手としてキャリアをスタートさせ、その後フランスに移住して国際的なキャリアを追求したAnggunなど、「レディロッカーズ」として広く知られる女性ロック歌手がインドネシアで有名になりました。その他の著名なハードロックバンドやポップロックバンドには、Slank、Jamrud、Dewa 19などがあります。メタルバンドも存在し、メタルコアバンドのKilling Me Inside、デスメタル/グラインドコアバンドのJasad、グルーヴメタル/メタルコアバンドのBurgerkillなどがあります。パンク音楽シーンもアンダーグラウンドで着実に成功を収め、ピー・ウィー・ガスキンズ、スーパーマン・イズ・デッド、ネトラルなどのバンドが主流に躍り出ました。スカ音楽の注目アーティストはティペ・エックスです。

インドネシアでは、重要な実験音楽シーンが発達しており、多くのアーティストがインドネシアの伝統的なボーカル技術や楽器編成を、ガバやアンビエントなどのメタルやエレクトロニックのジャンルと組み合わせた音楽を演奏しています。実験バンドSenyawaは、こうした融合で国際的な成功を収めています。ジョグジャカルタの Yes No Wave などのレーベルは、インドネシアの実験シーンの推進の最前線に立っています。

ゴスペル音楽もインドネシアに大きな影響を与えています。ゴスペル音楽は、1980年代に米国の福音派の人物（福音運動）によってインドネシアに持ち込まれ始めました。ゴスペル音楽自体は、1991年代にインドネシアで人気のピークを迎え、その頃、フランキー・シホンビングが多くのキリスト教の霊歌を創作しました。インドネシアへのゴスペル音楽の導入は、インドネシアの音楽愛好家にはあまり求められませんでしたが、教会の音楽に多くの変化をもたらしました。現在、インドネシアの多くの教会は、ゴスペル音楽を礼拝の手段として使用しています。それとは別に、多くの有名なインドネシアのゴスペルミュージシャンもおり、彼らは伝道と弟子訓練の手段としてインドネシアの会衆のために歌をリリースしています。それとは別に、ジョイ・トビン、シドニー・モヘデ、サリ・シモランギル、フランキー・シホンビングなどのよく知られたインドネシアのゴスペルミュージシャンや、JPCC Worshipなどの教会の賛美と礼拝チームのミュージシャンもいます。インドネシアのゴスペル音楽は現在、キリスト教のスピリチュアル音楽というジャンル全体にまで拡大しています。

近年、ゴスペル音楽もインドネシアの人々、特にキリスト教徒の間でますます人気が高まっています。インドネシアで開催されるゴスペル音楽コンサートには、さまざまな界隈、特にキリスト教のリバイバル集会からのゴスペル音楽ファンがいつも集まります。それとは別に、インドネシアのゴスペル音楽はマレーシアなどの近隣諸国の教会でも人気があります。マレーシア語は同国で公用語および礼拝の指導言語として使用されており、インドネシア語などの類似言語があるため、密接な関連があり、部分的に相互理解が可能です。

インドネシアのミュージシャンやバンドの中には、ジャズ音楽を探求している人もいます。著名なインドネシアのジャズミュージシャンには、ジャック・レスマナ、ベニー・リクマフワ、ベニー・ムスタファ、マリョノ、ブビ・チェン・マリク、D'Essentialsなどがいます。他のさまざまなグループが、現代の西洋化されたジャズフュージョン音楽を、故郷の伝統的な民族音楽の伝統と融合させています。西ジャワのバンドであるクラカタウとサンバスンダの場合、伝統的なスンダのカカピ・スリンやガムランオーケストラが、ドラムセット、キーボード、ギターとともに演奏されます。ジャカルタ国際ジャワ・ジャズフェスティバルは毎年開催されています。インドネシアのジャズの最新の発展は、毎年開催される多くのジャズフェスティバルに反映されています。

1970年代以降、レゲエはインドネシアで最も影響力のある音楽の1つであり、ダンドゥット、地方のポップ、その他の人気ジャンルとの融合現象も起こしています。レゲエには、スティーブン＆ココナッツ・トゥリーズ、シャギードッグ、ソウルジャーなどのバンドや、ムバ・スリップ、アムテナー、ディヨ・ハウ、イマネズ、ノンク・ク・ノンクライ、トニー・Q・ラスタファラなどの歌手が関わっています。

現在、コンテンポラリー R&B はインドネシアのミュージシャンによって生み出された最も人気のある音楽ジャンルの 1 つです。すでに高い評価を得ているミュージシャンも新人ミュージシャンも、独自の音楽カラーを提示しており、R&B をより広く紹介し、インドネシア社会のさまざまなグループに受け入れられるには十分です。

インドネシアでは、ヒップホップ音楽は一般的にベンヤミン・スエブとファリド・ハルジャによって最初に紹介されました。その後、イワ・Kや他のヒップホップミュージシャンなど、他のヒップホップミュージシャンもヒップホップ音楽を一般に紹介しました。

若者がまだロックミュージックを愛していた80年代、Iwa-Kは楽器よりもしゃべりのテクニックを重視した音楽ジャンルであるラップミュージックに取り組み始めました。

ファンコットは、1990 年代に登場したインドネシア発祥の エレクトロニック ダンス ミュージックのジャンルです。

2000年代の終わりまでに、 Mocca、White Shoes & the Couples Company、Efek Rumah Kacaなどのいくつかのインディーズバンドが主流に登場し、映画のサウンドトラックやその後の海外ツアーを提供しました。新しい10年（2010年代）に入ると、インディーズ音楽はミニマルでメランコリックなサウンドと年齢相応の歌詞により、青少年の間ではるかに大きな人気を博し、主流文化に飛び込みました。このジャンルの商業的な躍進は、Payung Teduh、Fourtwenty、Stars and Rabbit、Danilla、Banda Neira、Barasuara、Fiersa Besariによって牽引されました。

• アグネス・モ
• ベニヤミン・スエブ
• ビング・スラメット
• ブライアン・イマニュエル（リッチ・ブライアン）
• クリスイ
• エビエット・G・アデ
• ファリス RM
• ゲサン
• ゴンブロー
• グル・スカルノプトラ
• ハリー・ロースリ（1950年代～1970年代）
• イワン・ファルス
• ニコール・ゼファニャ（ニキ）
• ティティエク・プスパ
• ティルマン兄弟は、ヨーロッパで人気を博したインドネシア出身のユーラシアンです。彼らのスタイルは、植民地時代にユーラシアンを指して使われていた「インド・ヨーロッパ人」の略称「インド」にちなんで「インドロック」と呼ばれています。
• レイニッチ
• ステファニー・ポエトリ

• アヌゲラ・ムジーク・インドネシア
• インドネシアのミュージシャンと音楽グループのリスト
• インドネシアの作曲家一覧
• インドネシアのロックバンドのリスト
• インドネシアのポップミュージシャンのリスト
• ミナンカバウ音楽
• バリ島の音楽
• ジャワの音楽
• スマトラの音楽
• スンダの音楽
• インドネシアのポピュラー音楽の録音

• バス、コリン。「リスクなし -- 楽しさなし!」2000年。サイモン・ブロートン、マーク・エリンガム、ジェームズ・マコナチー、オーラ・デュアン（編）共著『ワールドミュージック 第2巻：ラテンアメリカ、北米、カリブ海、インド、アジア太平洋』 131～142ページ。ラフ・ガイド社、ペンギン・ブックス。ISBN 978-1-85828-636-5 
• ヒートン、ジェニー、ステップトー、サイモン。「A Storm of Bronze」。2000 年。サイモン・ブロートン、マーク・エリンガム、ジェームズ・マコナチー、オーラ・デュアン (編) 共著『ワールド ミュージック、第 2 巻: ラテン & 北米、カリブ海、インド、アジア、太平洋』 、 117～ 130 ページ。ラフ ガイド社、ペンギン ブックス。ISBN 978-1-85828-636-5 

• インドネシア音楽[シリーズ]。フィリップ・ヤンポルスキー編。ワシントンDC：スミソニアン/フォークウェイズ、1990-1999年。ライナーノーツ付きコンパクトディスク20枚。参考文献。
  • Vol. 1: 夜明け前の歌: ガンドゥルン・バニュワンギ。
  • Vol. 2: インドネシアのポピュラー音楽: クロンコン、ダンドゥット、ランガム ジャワ。
  • Vol. 3: ジャカルタ郊外の音楽: ガンバン クロモン。
  • Vol. 4: ニアスと北スマトラの音楽: ホホ、ゲンダン カロ、ゴンダン トバ。
  • 第5巻：ジャワ島北海岸のブタウィ音楽とスンダ音楽。
  • 第6巻：西スマトラの夜の音楽。
  • 第7巻：リアウとメンタワイの森の音楽。
  • 第 8 巻: 東フローレス島と中央フローレス島の声楽と器楽。
  • 第9巻：フローレス島中部と西部の声楽。
  • Vol. 10: ビアクの音楽、イリアン・ジャヤ。
  • Vol. 11: スマトラ島とリアウ諸島のメラユ音楽。
  • 第12巻：スマトラ島のゴングと声楽。
  • 第13巻：カリマンタンストリングス。
  • Vol. 14: ロンボク島、カリマンタン島、バニュマス: ガムランとワヤンのあまり知られていない形式。
  • 第15巻：南スラウェシの弦楽器。
  • 第16巻：南東部の音楽：スンバワ島、スンバ島、ティモール島。
  • Vol. 17: カリマンタン: ダヤの儀式と祭りの音楽。
  • 第18巻：スラウェシ島：祭り、葬儀、そして仕事。
  • Vol. 19: マルクの音楽: ハルマヘラ、ブル、ケイ。
  • 第20巻：インドネシアのギター。

• スミソニアン フォークウェイズによるインドネシア音楽シリーズ 20 枚の CD
• (フランス語)オーディオクリップ: インドネシアの伝統音楽。ジュネーブ民族学博物館。 2010 年 11 月 25 日にアクセス。
• BBC TV チャンネル 3 オーディオ (60 分): バリ島の音楽。2010 年 11 月 25 日にアクセス。
• BBCラジオ3オーディオ（60分）：ジャワ、ジャカルタからソロ。2010年11月25日にアクセス。
• インドネシアの伝統音楽
• インドネシアフュージョン
• インドネシアの楽器の種類
• バリのガムランを聴く：Connexions の初心者向けガイド、2012 年 1 月 20 日アクセス