音楽表現

音楽表現とは、音楽に対する個人的な反応をもって演奏したり歌ったりする芸術である。^[1]

実践的には、音楽に命を吹き込むために、強弱、フレージング、音色、アーティキュレーションを適切に使うことを意味します。 ^[2] 作曲家は、多かれ少なかれ、これらの表現の側面を楽譜の記譜法で指定することがあります。

音楽表現の本質は、クラシック音楽の歴史を通じて理論的なレベルで議論されてきました。共通の見解は、音楽は感情を表現すると同時に呼び起こし、音楽家と聴衆の間の感情的なコミュニケーションの導管を形成するというものです。この見解は音楽史のほとんどを通じて存在してきましたが、音楽のロマン主義で最も明確に表現されました。^{[3]しかし、音楽における感情の役割は、音楽を純粋な芸術形式と見なし、表現を無関係な気晴らしと見なす}イーゴリ・ストラヴィンスキー のような人々によって時折異議を唱えられてきました。

バロック音楽と古典音楽の時代において、音楽（そして美学全体）はアリストテレスの模倣理論に強く影響を受けました。芸術は自然、言語、感情の完成と模倣を表現しました。^[4]

スピーチが音楽のモデルとされたため、バロック時代の作曲と演奏は修辞学の影響を強く受けた。情動理論として知られるようになった理論によれば、音楽家は、古典的な修辞学の規則に従って演説する演説家とほぼ同じように、聴衆の感情をかき立てることが求められた。その結果、音楽作品の目的は、喜び、悲しみ、怒り、穏やかさなど、特定の感情を生み出すことであった。音楽のハーモニー、メロディー、調性、拍子、構造は、アーティキュレーションや強弱など、演奏者の制御下にあるすべての側面と同様に、この目的のために機能した。^[5]

ヨハン・ヨアヒム・クヴァンツはこう書いている。

弁論家と音楽家は、作品の準備と最終的な実行の両方に関して、根本的に同じ目的を持っています。つまり、聴衆の心の支配者になり、彼らの情熱を喚起したり静めたり、彼らを今はこの感情、今はあの感情に移すことです。

— ヨーゼフ・ヨアヒム・クヴァンツ『フルート演奏について』（ERライリー訳）、ロンドン＆ニューヨーク、1966年

バロック時代の作曲家は表現的な記号をあまり使用しなかったため、今日の音楽家がバロック時代のスコアを解釈するのは、特に歴史的に情報に基づいた演奏の観点を取り入れ、当時認識されていたかもしれないアプローチを再現しようとする場合、難しい場合があります。一般的な原則がいくつかあります。曲のリズムを見ると、遅いリズムは深刻になりがちで、速いリズムは軽くて軽薄になりがちです。旋律線では、短い音程は通常憂鬱を表し、大きな跳躍は喜びを表すために使用されました。^{[6]ハーモニーでは、使用される}不協和音の選択は、どのような感情を意図するか（または作り出すか）に大きな影響を与え、クヴァンツは不協和音が極端であればあるほど、音量を大きくして演奏することを推奨しました。終止符は通常、文の終わりを表します。^[7]

音楽に対する修辞的なアプローチは、このようにして聴衆の情熱をかき立てることが、芸術は自然を模倣することによってのみ効果的であるというアリストテレスの考えと両立するのかどうかという哲学的な疑問を招いた。18世紀の音楽に関する著述家の中には、アリストテレスの考えに忠実な者もいた。チャールズ・バトゥーは、趣味と美の唯一の統一原理は、自然物の背後にある理想的な形態の再現であると書いた。しかし、この見解は、音楽の役割は感情的な効果を生み出すことであると考える他の人々によって異議を唱えられた。たとえば、ウィリアム・ジョーンズ卿は1772年に次のように書いている。「『詩、音楽、絵画の最も優れた部分は情熱を表現し、共感によって私たちの心に作用する。一方、それらの劣った部分は自然物の説明であり、主に代替によって私たちに影響を与える』」^[8]

1785年、ミシェル・ド・シャバノンは、音楽はそれ自体の言語として理解するのが最も効果的であり、音楽表現に結びつくが音楽表現に限定されない感情的な反応を引き起こすと提唱した。同じ音楽でも、リスナーのさまざまな感情的反応と結びつく可能性がある。シャバノンは音楽に対する修辞的アプローチを拒否した。音楽の特徴と感情的影響の間に単純な対応関係があるとは信じていなかったからだ。その後の音楽哲学の多くはシャバノンの見解に依存していた。^[9]

19世紀初頭、音楽は一種の「感情の究極の言語」^{[10]であるという考えが広まりました。}ロマン主義の新しい美学理論は、崇高で高揚した感情を芸術的経験の中核に据え、これらの感情を伝えることが音楽演奏の目的となりました。音楽は、作曲家のビジョンに非常に個人的な強烈な感情を伝えることが期待されていました。19世紀が進むにつれて、音楽のナショナリズムはこれらの感情を個人的なレベルを超えて、国家全体の感情を体現するまでに拡大しました。^[11]

感情的なコミュニケーションを重視する傾向は、より複雑なハーモニーの使用に対する自信の高まりと、より極端な強弱表現が可能な楽器やアンサンブルによって支えられた。19世紀初頭には「pp」や「ff」などの強弱記号が最も一般的に使用されていたが、世紀末には「pppp」や「ffff」などの記号が楽譜に現れるようになった。ロマン派の作曲家たちはまた、クレッシェンドやディミヌエンド、アクセントやアーティキュレーション記号などの表現記号をますます細かく使用するようになった。^[12]

19世紀から20世紀初頭にかけて音楽において表現と感情が重視されるようになった後、反発が起こりました。^[13]

「ほとんどの人が音楽を好むのは、音楽が喜び、悲しみ、悲しみ、自然のイメージといった感情を与えてくれるからであり、空想の対象、あるいはもっと良いのは「日常生活」からの忘却である。彼らは麻薬、つまりドラッグを求めている。音楽がそのような目的に成り下がれば、音楽にはほとんど価値がない。人々が音楽そのものを愛することを学べば、他の耳で音楽を聴くとき、彼らの楽しみははるかに高く、より強力なものとなり、彼らは音楽をより高いレベルで判断し、その本質的な価値を理解できるようになるだろう。」 -イーゴリ・ストラヴィンスキー^[14]

• 音楽のフレージング
• テンポルバート

• 「表現」 。新国際百科事典。1905年。