音楽の即興

音楽の即興演奏（即興演奏とも呼ばれる）は、演奏と感情や楽器のテクニックの伝達、および他のミュージシャンへの自発的な反応を組み合わせた、即時の（「その場その場での」）音楽作曲の創作活動である。^{[1]即興演奏における}音楽的アイデアは自発的なものになることもあるが、クラシック音楽^[1]や他の多くの種類の音楽におけるコード進行に基づくこともある。定義の 1 つは、「計画や準備なしに即興で演奏すること」である。 ^{[2]別の定義は、「メロディーの}バリエーションを考案したり、新しいメロディー、リズム、ハーモニーを作ったりして、即興で（音楽を）演奏または歌うこと」である。^[2]ブリタニカ百科事典では、「通常は特定の文体規範に従いながらも、特定の音楽テキストの規定的な特徴にとらわれない方法で、音楽の一節を即興で作曲または自由に演奏すること」と定義している。^[3]即興演奏は、既存の和声の枠組みやコード進行に基づいて行われることが多い。即興演奏は、ブルース、ロック、ジャズ、ジャズフュージョンなど、20世紀の音楽の主要な部分を占めており、楽器演奏者がソロ、メロディーライン、伴奏パートを即興で演奏する。

西洋芸術音楽の伝統の時代を通じて、中世、ルネサンス、バロック、古典派、ロマン派の時代を通じて、即興は高く評価された技術でした。J.S .バッハ、ヘンデル、モーツァルト、ベートーヴェン、ショパン、リスト、その他多くの有名な作曲家や音楽家は、特に即興技術で知られていました。即興はモノフォニー時代に重要な役割を果たした可能性があります。ポリフォニーに関する最も古い論文、例えばMusica enchiriadis（9世紀）は、最初の記譜例より何世紀も前から、追加されたパートが即興で演奏されていたことを示しています。しかし、理論家が即興音楽と楽譜を厳密に区別し始めたのは15世紀になってからでした。^[4]

クラシック音楽の形式には、即興演奏のためのセクションが含まれているものもある。例えば、独奏協奏曲のカデンツァや、バッハやヘンデルの鍵盤楽器組曲の前奏曲などである。これらは和音進行の詳細で構成されており、演奏者はこれを即興演奏の基礎として使う。ヘンデルとバッハは、ハープシコードやパイプオルガンで頻繁に即興演奏を行った。バロック時代には、演奏者は装飾音を即興で演奏し、通奏低音の鍵盤奏者は数字付き低音記譜法に基づいて和音のボイシングを即興で演奏した。しかし、20世紀から21世紀初頭にかけて、西洋芸術音楽の演奏が交響楽団、オペラハウス、バレエ団で制度化されるにつれ、即興演奏の役割は小さくなった。同時に、20世紀と21世紀の現代作曲家の中には、創作活動に即興演奏を取り入れることが増えている者もいる。

インドの古典音楽では、即興は演奏の核となる要素であり、演奏の重要な基準である。インド、アフガニスタン、パキスタン、バングラデシュの古典音楽では、ラガ^{は「作曲と即興のための音調の枠組み」である。 [5]}ブリタニカ百科事典では、ラガを「即興と作曲のための旋律の枠組み」と定義している。^[6]

西洋音楽では

中世

ヨーロッパ音楽では、初期から旋律の即興が重要な要素となっていたが、即興技法に関する最初の詳細な情報は、既存の典礼聖歌に別の旋律を加える方法を歌手に指示する9世紀の論文に登場し、オルガヌムと呼ばれるスタイルが用いられている。^[4]中世からルネサンスにかけて、カントゥス・フィルムス（教会音楽とポピュラーなダンス音楽の両方に見られる手法）での即興的な対位法は、あらゆる音楽家の教育の一部を構成し、バロック時代以前の最も重要な種類の非楽譜音楽と見なされている。^[7]^[8]

ルネサンス時代

16世紀初頭に楽譜印刷が発明されて以降、イタリアを中心に、より詳細な即興演奏の実践が教本として出版されるようになった。^[9]カントゥス・フィルムスで対位法を即興で演奏するだけでなく、歌手や楽器奏者はオスティナートの和音パターンでメロディーを即興で演奏したり、メロディーラインに凝った装飾を加えたり、事前に決められた図式なしに即興で音楽を創作したりした。^[10]鍵盤楽器奏者も同様に即興で自由に構成された曲を演奏した。^[11]

バロック時代

ルネサンス期に実践された即興演奏は、主に既存のパートを装飾するか、まったく新しいパートを創作するかのいずれかであり、重要な変更が加えられたものの、初期バロック期まで続いた。装飾は作曲家の管理下に置かれるようになり、場合によっては装飾を書き出すことで、より広範には特定の装飾パターンに記号や略語を導入することで、装飾が強化された。この種の声楽装飾の最も初期の重要な資料として、ジョヴァンニ・バッティスタ・ボヴィチェッリの『レゴレ、音楽の道』（1594年）とジュリオ・カッチーニの『新音楽』（1601/2年）の序文がある^[12]^[13]。

旋律楽器

18世紀の教本には、フルート、オーボエ、ヴァイオリン、その他の旋律楽器の演奏者は、以前に作曲された曲を装飾するだけでなく、前奏曲を即興で演奏することも求められていたことが明記されています。^[14]

通奏低音

通奏低音（伴奏）は主に即興で演奏され、作曲家は通常、数字付き低音と呼ばれる和声のスケッチのみを提供します。即興のプロセスは実現と呼ばれています。

オルガン即興演奏と教会音楽

カテゴリ:オルガン即興演奏者を参照

ブリタニカ百科事典によると、「1600年頃に生まれたモノラルのテクスチャは、即興演奏用にあらかじめ用意されたもので、高音部だけでなく、ほとんど定義上、最小限の和音のアウトラインを示すだけの低音部も、即興演奏用に意図されたものが多かった。」^[3]数字付き低音による即興伴奏は、バロック時代、そしてある程度はその後の時代にも一般的に行われていた。即興演奏は、今でも一部の教会の礼拝におけるオルガン演奏の特徴であり、コンサートでも定期的に演奏されている。

バロック時代には、ディートリヒ・ブクステフーデとヨハン・セバスチャン・バッハが、高度な技術を持つオルガン即興演奏家として認められていました。20世紀には、マルセル・デュプレ、ピエール・コシュロー、ピエール・パンスマイユなど、偉大な即興演奏家として知られる音楽家たちが、フランスのオルガン楽派の伝統にのっとり、この形式の音楽を継承しました。偉大な即興演奏家であったモーリス・デュリュフレは、ルイ・ヴィエルヌとシャルル・トゥルヌミールの即興演奏を編曲しました。オリヴィエ・ラトリーは後に、即興演奏を作曲し、例えば「サルヴェ・レジーナ」を作曲しました。

古典時代

キーボード即興演奏

クラシック音楽はバロック様式から外れ、複数の声が両手を巻き込んだ和音として一緒に動き、通過音のない短いフレーズを形成することがある。このようなモチーフはモーツァルトでは控えめに使用されたが、ベートーヴェンとシューベルトはより自由に取り入れた。このような和音はバッハのイタリア協奏曲の第3楽章のテーマなど、バロック時代の鍵盤楽器音楽にもある程度登場している。しかし当時、このような和音は一度に1つの音部記号（または鍵盤の片手）にしか現れず、後の音楽でより多く見られる独立したフレーズを形成することはなかった。アドルノはイタリア協奏曲のこの楽章をモーツァルトと比較してより柔軟で即興的な形式であると述べており、即興の衰退が明らかになるずっと前から即興が徐々に減少していたことを示唆している。^[15]

しかし、トニック、サブドミナント、ドミナント、トニックという導入部の動きは、そのバロック形式と同様に、ハイドンのピアノソナタ Hob. XVI/52やベートーヴェンのピアノソナタ第24番作品78 のように、高古典派やロマン派のピアノ曲 (および他の多くの音楽) の冒頭に引き続き現れます。

ベートーヴェンとモーツァルトは、コン・アモーレ、アパッショナート、カンタービレ、エクスプレッシヴォなどの気分の表現を発達させました。実際、即興が自発的であるからこそ、それは愛のコミュニケーションに似ているのかもしれません。^[16]

モーツァルトとベートーベン

ベートーヴェンとモーツァルトは、出版した変奏曲集やソナタ、そして即興演奏がどのようなものであったかを示すカデンツァという楽譜に、優れた即興演奏の例を残している。鍵盤奏者として、モーツァルトはムツィオ・クレメンティと少なくとも一度は即興演奏で競い合ったことがある。^{[17]ベートーヴェンは、}ヨハン・ネポムク・フンメル、ダニエル・シュタイベルト、ヨーゼフ・ヴェルフルといったライバルたちとの厳しい即興演奏の戦いに何度も勝利した。^[18]

ロマン主義時代

インストゥルメンタル

即興演奏は、曲の導入部や曲間のつながりという形で、20世紀初頭まで鍵盤楽器による協奏曲の特徴であり続けた。こうした即興演奏を実践した人物としては、フランツ・リスト、フェリックス・メンデルスゾーン、アントン・ルービンシュタイン、パデレフスキ、パーシー・グレインジャー、パックマンなどがいた。芸術音楽の分野での即興演奏は、録音の発達とともに衰退したようだ。^[19]

オペラ

ウィル・クラッチフィールドは、1,200曲以上のヴェルディの初期の録音を研究した後、「ソロ・カヴァティーナは19世紀のオペラにおいて最も明白かつ永続的な独奏の場であった」と結論付けている。^[20]彼はさらに、このレパートリーでオペラ歌手が使用するボーカル即興の7つの主要なタイプを特定している。^[21]

ヴェルディの「終止符」カデンツァ
終止符のないアリア:バラーテ、カンツォーニ、ロマンツェ
内部終止符の装飾
旋律のバリエーション（補間された高音、短調、上昇する 2 音の「スライド」）
節の変化とカバレッタの問題
便宜を図る（句読点、句読点の簡素化など）
レチタティーヴォ

コンテンポラリー

ジャズ

即興は、ジャズを他の種類の音楽と区別する基本要素の 1 つです。ライブパフォーマンスで行われる即興の一体化の瞬間は、演奏者、リスナー、およびパフォーマンスが行われる物理的な空間を包含するものと理解されています。^[22]即興はジャズ以外にも見られますが、すべてのミュージシャンが創造性をある程度まで高め、演奏者が自分の無意識と意識の状態に触れることを要求される「瞬間作曲」の技術にこれほど依存している音楽は他にないでしょう。^[23]即興ジャズの録音の教育的使用は広く認められています。限界があると考えられているにもかかわらず、即興ジャズはパフォーマンスの記録として明確な価値を提供します。これらを利用できるため、何世代にもわたるジャズミュージシャンは、演奏する新しい即興にスタイルや影響を組み込むことができます。^[24]即興では、さまざまなスケールとそのモードを使用できます。それらは、その過程で書き留められることはあまりありませんが、ミュージシャンがジャズのイディオムを練習するのに役立ちます。

ジャズのソリストが行うことの一般的な見方は、次のように表現できます。ハーモニーが流れるにつれて、各コードから音符を選択し、そこからメロディーを作ります。通過音や隣接音で装飾したり、コードに拡張を加えたりすることは自由ですが、優れた即興演奏者は常に変化に従わなければなりません。... [ただし]、ジャズミュージシャンには実際にはいくつかの選択肢があります。コード進行を正確に反映することも、進行を「ざっと流し読み」して曲のキー（親音階）の音符で装飾することも、直感と聴力の経験を使用して独自の声の導きを作ることもできます。これは、リズムセクションが演奏しているコードといくつかの点で衝突する可能性があります。^[25]

現代クラシック音楽

オルガンによる典礼即興演奏という注目すべき例外を除けば、20世紀前半は現代クラシック音楽において実際の即興演奏がほとんど存在しなかったことで特徴づけられる。^[26] 1950年代以降、現代作曲家の中には、曖昧な記譜法（例えば、決められた時間内に一定数の音符を鳴らさなければならないとだけ示すなど）などの技法を用いて、即興演奏者に課す制約を少なくする者もいる。即興演奏を中心に形成された新しい音楽アンサンブルが設立され、イギリスのスクラッチ・オーケストラ、イタリアのムジカ・エレトロニカ・ヴィヴァ、カリフォルニア大学ロサンゼルス校のルーカス・フォス即興室内楽アンサンブル、カリフォルニア大学デービス校のラリー・オースティンの新音楽アンサンブル、アナーバーのONCEグループ、ソニック・アーツ・グループ、ソニックスなどがあり、最後の3つはコンサート、ツアー、助成金によって資金を調達している。重要な作品としては、フォス・タイム・サイクル（1960年）やエコー（1963年）などがある。^[27]

即興演奏に取り組んだ他の作曲家には、リチャード・バレット、ベンジャミン・ボレッツ、ピエール・ブーレーズ、ジョセフ・ブレント、シルヴァーノ・ブソッティ、コーネリアス・カーデュー、ヤニ・クリストウ、ダグラス・J・クオモ、アルヴィン・カラン、スチュアート・デンプスター、ヒュー・デイヴィス、カールハインツ・エッスル、モハメッド・ファイルーズ、ロルフ・ゲールハール、ヴィンコ・グロボカール、リチャード・グレイソン、ハンス・ヨアヒム・ヘスポス、バートン・マクリーン、プリシラ・マクリーン、スティーブン・ナクマノヴィッチ、ポーリン・オリヴェロス、アンリ・プーサー、トッド・レイノルズ、テリー・ライリー、フレデリック・ジェフスキー、サマン・サマディ、ウィリアム・O・スミス、マンフレート・シュタンケ、カールハインツ・シュトックハウゼン、武満徹、リチャード・タイテルバウムなどがいます。ヴァンゲリス、マイケル・ヴェッター、クリスチャン・ヴォルフ、ヤニス・クセナキス、イツハク・イェディド、ラ・モンテ・ヤング、フランク・ザッパ、ハンス・ゼンダー、ジョン・ゾーン。

現代ポピュラー音楽

サイケデリック・ロックとプログレッシブ・ロック

1960年代と1970年代のイギリスとアメリカのサイケデリックロックバンドは、即興演奏を使って音楽言語で自分たちを表現した。 ^[28]アメリカのロックバンド、グレイトフル・デッドは即興ライブパフォーマンスを中心にキャリアを築いたため、2度のショーが同じサウンドになることはなかった。^[29]^[30]即興演奏は、 1967年から1972年にかけてピンク・フロイドの音楽の重要な部分を占めていた。 ^[31]即興演奏を取り入れた別のプログレッシブ・ロックバンドはキング・クリムゾンで、ライブパフォーマンスは多くの即興曲で構成されていた。^[32]即興演奏は1980年代に下火になったが、1990年代に復活した。

無声映画音楽

無声映画音楽の演奏の分野では、これらの映画に合わせて即興演奏をする音楽家（劇場のオルガン奏者やピアノ奏者）がいて、批評家、学者、観客等から傑出したものとして認められてきた。^[33]^[34] ニール・ブランドは作曲家であると同時に即興演奏も行っていた。^[35]ブランドは、ギュンター・A・ブッフバルト、フィリップ・カーリ、スティーブン・ホーン、ドナルド・ソーシン、ジョン・スウィーニー、ガブリエル・ティボードーと共に、イタリアのポルデノーネで開催された無声映画に関する年次会議「Le Giornate del Cinema Muto」で演奏した。無声映画のための即興演奏では、演奏者は伴奏する映画の雰囲気、スタイル、テンポに合った音楽を演奏しなければならない。場合によっては、音楽家は準備なしに一目見て映画に合わせて伴奏しなければならなかった。即興演奏者は幅広い音楽スタイルを知り、時には3時間を超える映画のシークエンスを演奏するスタミナが必要であった。演奏に加えて、映画で即興演奏する技術を磨きたい人のためにマスタークラスを教えるピアニストもいました。トーキー（音声付き映画）が導入されると、これらの才能ある即興演奏家は他の仕事を探さなければなりませんでした。2010年代には、映画の伴奏に生の即興演奏家を使って、ビンテージの無声映画を上映する映画協会が少数あります。

会場

世界中には、ライブ即興演奏をサポートする会場がたくさんあります。メルボルンでは、 1998 年以来、Make It Up Club (メルボルンのブランズウィックストリートにある Bar Open で毎週火曜日の夜に開催) が、概念的およびパフォーマンスの最高水準 (イディオム、ジャンル、楽器に関係なく) のアバンギャルドな即興音楽とサウンドパフォーマンスを促進することに専念したコンサートシリーズを毎週開催しています。Make It Up Club はオーストラリアの即興音楽の機関となり、世界中のアーティストを定期的にフィーチャーしています。

音楽教育

即興演奏を教えるアプローチは、ジャズ教育学、ポピュラー音楽教育学、ダルクローズメソッド、オルフ＝シュルヴェルク、サティス・コールマンの創作音楽など、多岐にわたっている。音楽教育における現在の研究では、即興演奏がどのくらいの頻度で教えられているか、^[36]音楽専攻生や教師が即興演奏を教えることにどの程度自信を持っているか、^[37]即興演奏の神経科学と心理学的側面、^[38]教育的アプローチとしての自由即興演奏の調査などがある。^[39]

インドの古典音楽では

ラーガは、インド古典音楽で使用される旋律モードの1つです。ロッテルダム音楽院のジョープ・ボルは、ラーガを「作曲と即興のための調性フレームワーク」と定義しています。 ^{[5]カリフォルニア大学ロサンゼルス校の}民族音楽学部長であるナジール・ジャイラズボイは、ラーガを音階、上昇と下降の線、一時性、強調された音符とレジスター、イントネーションと装飾によって区別すると特徴付けました。^{[40]ラーガは、}メロディーを構成する5つ以上の音符の連続を使用します。しかし、音符自体よりも、音符へのアプローチ方法と音楽フレーズでの表現方法、およびそれらが伝える雰囲気の方が、ラーガを定義する上で重要です。インドの音楽の伝統では、ラーガは1日のさまざまな時間や季節に関連付けられています。インドの古典音楽は常にラーガに設定されています。人気のあるインドの映画の歌やガザルなどの非古典音楽では、作曲にラーガが使用されることがあります。

ブリタニカ百科事典によると、インド、バングラデシュ、パキスタンの古典音楽におけるラガ（北インドではラグ、南インドではラガムとも綴られ、サンスクリット語で「色」または「情熱」を意味する）は、「即興と作曲のための旋律の枠組みである。ラガは、特定の音符セット、メロディーに現れる典型的な順序、特徴的な音楽モチーフを含む音階に基づいている。ラガの基本構成要素は、音階の形で書き留めることができる（上昇と下降が異なる場合もある）。これらの音符のみを使用し、音階の特定の度合いを強調し、ラガに特徴的な方法で音符から音符へと進むことで、演奏者は、問題のラガに固有の気分や雰囲気（ラサ）を作ろうとする。現在使用されているラガは数百あり、理論的には数千のラガが可能である。」^[6]

アラパ（サンスクリット語で「会話」）は、「ラガの音楽的特徴を明らかにする即興のメロディー構造」です。^[6]「アラパは通常、ラガ演奏の最初のセクションを構成します。ボーカルまたは楽器演奏で、ドローン（持続音）楽器の伴奏が付き、また、数秒の遅れでソリストのフレーズを繰り返す旋律楽器の伴奏が付くこともよくあります。アラパの主要部分は韻律的ではなく、リズム的に自由です。ヒンドゥスターニー音楽では、徐々にジョールと呼ばれるセクションに移行します。ジョールでは、タラ（韻律サイクル）はありませんが、リズムの脈拍が使用されます。アラパの演奏者は、演奏するラガの重要な音符と旋律のターンを徐々に導入します。ソリストは、ラガの旋律の可能性を完全に示し、その独特の雰囲気と個性を確立したと確信したときにのみ、中断することなく、曲の韻律的に構成されたセクションに進みます。正式なコンサートでは通常、ドラマーがいる場合、ドラマーの最初のビートは、アラパが終了したことを聴衆に知らせる合図となります。」^[41]

人工知能

機械即興演奏は、既存の音楽素材に即興演奏を作成するためにコンピュータアルゴリズムを使用します。これは通常、ライブまたは録音済みの既存の音楽から抽出された音楽フレーズを巧みに組み合わせることによって行われます。特定のスタイルで信頼性の高い即興演奏を実現するために、機械即興演奏は機械学習とパターンマッチングアルゴリズムを使用して既存の音楽例を分析します。次に、結果として得られたパターンを使用して、元の音楽の「スタイル」で新しいバリエーションを作成し、スタイルの再注入の概念を開発します。これは、既存の音楽例の分析を行わずにアルゴリズム作曲を使用して新しい音楽を生成するコンピューターを使用した他の即興演奏方法とは異なります。^[42]

参照

注記

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外部リンク

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即興の即興: カールハインツ・エッスルとジャック・ハウザーがコンピューターを使った音楽の即興演奏について語る
ジャズのメロディーを即興で演奏する方法、ボブ・ケラー著
マーク・サバテラ著「ジャズ即興入門」ジャズ即興に関する情報
気まぐれな響きアート・ランゲによる即興演奏に関するコラム
即興へのアプローチ音楽即興テクニックのチュートリアル

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