オペレッタ

オペレッタは演劇の一形態であり、軽いオペラの一種である。台詞、歌、踊りが含まれる。音楽、オーケストラの規模、 ^[1]、作品の長さの点でオペラよりも軽い。 ^[2]短い長さを除けば、オペレッタは通常、軽くて楽しい性格をしている。^[3]主題は「恋人の口論、人違い、突然の運命の逆転、きらびやかなパーティー」を描くことがある。^[4]風刺的な解説が含まれることもある。^[5]

「オペレッタ」はイタリア語で「オペラ」の縮小形で、もともとはオペラよりも短く、おそらく野心的ではない作品を表すために使われていました。^[6]オペレッタは、異なる観客を対象とした、わかりやすい形式で、オペラ公演の代替手段を提供します。オペレッタは19世紀半ばにフランスで認識される形式となり、その人気により、多くの国のスタイルのオペレッタが開発されました。^[6]オーストリア=ハンガリー帝国、ドイツ、イギリス、スペイン、フィリピン、メキシコ、キューバ、米国など、国々で独特のスタイルが生まれました。^[7]異なる国々の間でオペレッタが伝播することで、前世紀には文化的コスモポリタニズムが生まれました。 ^{[8]オペレッタはジャンルとして1930年代に人気を失い、現代の}ミュージカル劇場に道を譲りました。^{[9]重要なオペレッタ作曲家には、}ヨハン・シュトラウス、ジャック・オッフェンバック、フランツ・レハール、フランシスコ・アロンソなどがいます。

オペレッタという用語は18世紀半ばのイタリアで生まれ、1850年頃にパリで初めて独立したジャンルとして認識されました。^[2] カスティーリャ・ブレイズの『現代音楽辞典』は、この用語には長い歴史があり、モーツァルトが軽蔑的にオペレッタという言葉を使用した最初の人物の1人であると主張しています。^[7]オペレッタを「ある種の劇的な中絶、くだらないものでいっぱいのミニチュア作品で、ボードビルの冷たい歌と連句しか見つからない」と説明しています。^[10]オペレッタの定義は数世紀にわたって変化しており、各国のこのジャンルの歴史によって異なります。^[9]オフェンバックの長編作品「オペラ・ブッフ」とは対照的に、オフェンバックの一幕物に似た作品を指すことが多いです。^[2]オフェンバックは、1幕以上の作品や4人以上の登場人物がいる作品の上演を巡るフランス政府の抑圧的な法律に対抗して、この芸術形式を発明した。^[5]

オペレッタは1850年頃にパリで音楽ジャンルとして認知されるようになりました。1870年にパリがプロイセン軍に陥落すると、オペレッタの中心地はウィーンに移りました。^{[2]オペレッタの形式は}第一次世界大戦を通じて進化し続けました。^[2]

1850年代半ばから1900年代初頭にかけてフランスのオペラ・ブッフに始まり栄えたオペレッタには、共通の特徴がいくつかある。^[11]楽曲の合間にセリフが散りばめられ、主要人物や合唱団がダンスを求められることが多いが、音楽は主に19世紀のオペラのスタイルに由来し、歌えるメロディーに重点が置かれている。^[6] 20世紀のオペレッタはより複雑で、オーストリアとドイツで頂点に達した。^[7]

オペレッタは、現代のミュージカル、つまり「ミュージカル」の先駆けです。 ^[12] 20世紀初頭、オペレッタは新しいミュージカルと並行して存在し続け、お互いに影響を与えていました。オペレッタの特徴的な特徴は、ジェローム・カーン、リチャード・ロジャース、スティーブン・ソンドハイムのミュージカル作品に見られます。^[2]

オペレッタは19世紀半ばにフランスのパリで最初に創作されたが、これは長編のエンターテイメントとしてシリアスさを増すオペラ・コミックとは対照的に、短くて軽い作品を求める声に応えるためであった。^{[6] [11]}この頃には、ジャンル名の「コミック」という部分は誤解を招くものになっていた。ジョルジュ・ビゼーの『カルメン』（1875年）は悲劇的な筋書きのオペラ・コミックの一例である。「コミック」の定義は「ヒューマニスティック」に近いもので、シェイクスピアが何世紀も前にやったように悲劇と喜劇を並べて表現し、より現実的な方法で「現実の生活」を描くことを意味していた。この新しい意味合いで、オペラ・コミックは悲劇抒情劇の衰退以来、フランスのオペラの舞台を独占してきた。フランスのオペレッタの起源は、喜劇俳優が野外の舞台で市場の群衆を前にダンスや歌を披露したことに始まる。 18世紀初頭、これらの俳優は、既知のオペラの喜劇的なパロディを演じ始めました。これらのパフォーマンスにより、オペラ・コミックから派生したカジュアルなジャンルとしてオペレッタが形成され、よりシンプルな音楽形式に戻りました。^{[13]多くの学者は、オペレッタの発明者として}ジャック・オフェンバックとエルヴェのどちらの作曲家が認められるべきかについて議論してきました。^[14]エルヴェが基礎を完成させ、オフェンバックがこの芸術形式を洗練させ、今日知られているオペレッタの概念に発展させたと結論付けられています。したがって、「オフェンバックはフランスのオペレッタの父と見なされていますが、エルヴェもそうです。」^[9]

エルヴェは歌手、作曲家、台本作家、指揮者、舞台画家であった。1842年、ウジェーヌ・スクリーブとXBサンティーヌの人気ヴォードヴィルを基に、 1幕のオペラ『L'Ours et le pacha 』を書いた。1848年、エルヴェは『ドン・キショットとサンチョ・パンサ』（セルバンテスに倣った）で初めてパリの舞台に登場し、これは新しいフランスミュージカルの伝統の出発点とみなすことができる。エルヴェの最も有名な作品は、グノーのパロディ『 Le petit Faust』（1869年）と『Mam'zelle Nitouche』（1883年）である。^[15]

ジャック・オッフェンバックは、オペレッタ（オペラ・ブッフまたはオペレットとも呼ばれる）の発展と普及に最も貢献した人物であり、第二帝政時代およびその後に大流行した。^[6] 1849年、オッフェンバックは、2～3の風刺的な一幕物の寸劇を上演する劇団、テアトル・デ・ブッフ・パリジャンの設立許可を得た。劇団は大成功を収め、これらの寸劇は一晩中上演されるようになった。^[6]しかし、オッフェンバックの作品はパリ警察署の規制を受け、許可される上演の種類が「最大5人の出演者によるパントマイム、2～3人の俳優による一幕物の喜劇的な音楽対話、および5人以下のダンサーによるダンス・ルーチン。合唱は厳しく禁止」と規定されていた。^[10]これらの規則は、オペレッタの定義を次のように定義した。「悲劇的な意味合いを持たず、観客を楽しませるために作られた、気取らない小さなオペラ作品」。^[10]他の2人のフランスの作曲家、ロベール・プランケットとシャルル・ルコックはオフェンバックのモデルに従い、オペレッタ『ノルマンディーの鐘』と『アンゴ夫人の娘』を書いた。^[16]この2つのオペレッタは大ヒットとなった。

オフェンバックとパリの劇場に課されていた政治的な制限は徐々に取り払われ、オペレッタは広く人気を博した。オフェンバックの初期の一幕物には『二人の小僧』『ヴァイオリン協奏曲』『バタ一族』（すべて1855年）があり、これらは成功を収めたが、最初の長編オペレッタ『オルフェの呪い』（1858年）は、群を抜いて最も成功した。この作品は最初のレパートリーオペレッタとなり、ヨーロッパ各地やその外で何百回も上演された。^[10] オフェンバックの遺産は、19世紀後半以降、オーストリア＝ハンガリー帝国にこのジャンルを持ち込むよう小シュトラウスに勧めたことに見て取れる。オフェンバックはまた、生涯で書いた100以上のオペレッタについて音楽家を指導するため、米国や英国を訪れた。 ^[17]この国際旅行の結果、両国に強力な国立学校が誕生した。^[18]しかし、1870年代になるとオフェンバックの人気は衰えました。人々は、後期ロマン派の「優雅さと洗練さ」を示すロマンチックなオペレッタに関心を示すようになりました。これには、メッセンジャーのオペレッタ「ヴェロニック」やルイ・ガンヌの「サルタンバンク」が含まれます。20世紀には、フランスのオペレッタの人気はさらに低下し、国際的な聴衆は、後期ロマン派の時代まで芸術形式を発展させ続けたアングロアメリカとウィーンのオペレッタに目を向けました。

オフェンバックは、大陸中にオペレッタを広めることにためらいはなかった。1861年、彼はウィーンのカール劇場で彼の最近の作品のいくつかを上演し、オーストリアとドイツの作曲家たちに道を開いた。すぐにウィーンはオペレッタ制作の中心地となった。^[10]ウィーンのオペレッタはフランス語ではなく、全編作品を指すのに使われている。^[6]さらに、1866年のプロイセンの敗北後、オペレッタは近代化と産業化を特徴とするオーストリアの新時代の兆しとなった。^[19]

ドイツ語オペレッタの最も重要な作曲家は、オーストリアのヨハン・シュトラウス2世（1825-1899）である。シュトラウスはダンスホールから採用され、このジャンルに独特のウィーンスタイルを導入した。^[6] シュトラウスはオフェンバックの作品に多大な影響を受け、最も人気のある作品ではオフェンバックの台本作家の多くと協力した。^[5]彼のオペレッタ「こうもり」（1874年）は、世界で最も上演されたオペレッタとなり、彼の最も人気のある舞台作品であり続けている。シュトラウスは全部で16のオペレッタと1つのオペラを作曲し、そのほとんどが初演時に大成功を収めた。^[6]

シュトラウスの風刺は、現実の事柄についてコメントしたオッフェンバックとは異なり、一般的なものが多かった。^[5]

シュトラウスのオペレッタ、ワルツ、ポルカ、行進曲は、ウィーン風のスタイルが強く、その人気から、​​オーストリアの国民的作曲家と考える人も多くいます。アン・デア・ウィーン劇場では、彼の舞台作品が初演されると、必ず大勢の観客が集まりました。多くの曲が終わると、観客は大声でアンコールを叫びました。

フランツ・フォン・スッペは、フランチェスコ・エゼキエーレ・エルメネジルド、カヴァリエーレ・スッペ・デメリとしても知られ、1819年に生まれ、その名声はオッフェンバックに匹敵する。スッペはウィーンを代表する作曲家、指揮者であり、オペレッタ『軽騎士道』（1866年）、『ファティニッツァ』（1876年）、『ボッカッチョ』（1879年）で最もよく知られている。^[20]スッペはシュトラウスと同時代の人で、30以上のオペレッタ、180以上の茶番劇、バレエ、その他の舞台作品を作曲した。最近では、彼の作品の大半は忘れ去られているが、その多くが映画、漫画、広告などで再演されている。シュトラウスとスッペはともに、ウィーン・オペレッタ黄金時代の最も著名な作曲家であると考えられている。^[21]

ヨハン・シュトラウスと同時代人フランツ・フォン・スッペの死後、フランツ・レハールが後継者となった。レハールは20世紀を代表するオペレッタ作曲家として広く知られており、最も成功したオペレッタ『メリー・ウィドウ』は今でもレパートリーに残る古典的なオペレッタの一つである。^[22]

レハールはオペレッタをウィーンオペレッタの銀の時代へと導くのに貢献した。この時期、1919年にウィーン検閲法が改正された。^[23]レハールは、このジャンルに新たな活力を与えることに最も貢献している。プラハ音楽院で学んだレハールは、劇場のヴァイオリニストとしてスタートし、その後オーストリア＝ハンガリー帝国で作曲家として飛躍した。この1905年、レハールの『メリー・ウィドウ』は、ファル、オスカー・シュトラウス、カールマンなどの作曲家がオペレッタの伝統を継続するための道を開いた。レハールは、映画に取り入れ始めた最初の作曲家の一人でもあった。[2]

ウィーンの伝統は、オスカー・シュトラウス、カール・ツェラー、カール・ミレッカー、レオ・フォール、リチャード・ホイベルガー、エドムント・アイスラー、ラルフ・ベナツキー、ロバート・シュトルツ、レオ・アッシャー、エメリッヒ・カルマン、ニコ・ドスタル、フレッド・レイモンド、イーゴ・ホフシュテッター、ポール・エイブラハム、アイヴォによって引き継がれました。20世紀の ティヤルドヴィッチ。

ウィーンがオーストリアのオペレッタの中心地であったのと同様に、ベルリンはドイツのオペレッタの中心地でした。ベルリンのオペレッタは、特に第一次世界大戦後に、ジャズやその他のシンコペーションされたダンスのリズム、大西洋横断スタイル、不規則な行進曲の存在など、独自のスタイルを持つことがよくありました。ベルリンのオペレッタには、バーレスク、レビュー、茶番劇、キャバレーなどの側面が含まれることもありました。

パウル・リンケは1899年に『フラウ・ルナ』でベルリン・オペレッタの先駆けとなった。この曲には「ベルリンの空気」^[24]が含まれており、これはベルリンの非公式の国歌となった。彼の『リシストラタ』 （1902年）には歌曲『ホタル』が含まれており、これは今でも国際的に非常に人気がある。ずっと後の1920年代から1930年代にかけて、クルト・ヴァイルはベルリン・オペレッタのスタイルをより極端に取り入れ、オペラ、オペレッタ、ミュージカルに取り入れた。クルト・ヴァイルの作品のいくつかはモダニズム・オペレッタと見なすことができると議論されている。 ^[25]

ベルリン風のオペレッタは、よりブルジョア的で、愛嬌があり、家庭的で、愛国的なドイツのオペレッタと共存していた。その一部はフォルクス・オペレッタ（民俗オペレッタ）と呼ばれていた。代表的な例は、レオン・イェッセルの1917年の大人気作品『黒い森の娘』である。^[26]これらの牧歌的で郷愁を誘う家庭的なオペレッタは、1933年以降、ベルリン風のオペレッタよりも公式に好まれるようになった。ナチスが政権を握り、ライヒスムジッカマー（国立音楽院）を設立したのだ。ライヒスムジッカマーは、ジャズなどの「退廃的な」音楽や、同様の「外国の」音楽形式を軽蔑し、禁止した。21世紀初頭、ドイツにおけるオペレッタの復活は、予期せぬ演劇の発展であった。^[27]

著名なドイツのオペレッタ作曲家には、パウル・リンケ、エドゥアルト・キュネケ、ヴァルター・コロ、ジャン・ギルバート、レオン・イェッセル、ルドルフ・デリンガー、ヴァルター・ゲッツェ、ルートヴィヒ・シュミッゼダーなどがいます。

オフェンバックの影響は1860年代までにイギリスにも及んだ。ギルバート・アンド・サリバンのコンビの一員だったアーサー・サリバンは、オフェンバックの『二人の男』 （1855年）への直接的な反応として『コックスとボックス』 （1866年）を作曲した。^[6]ギルバートとサリバンは、ヴィクトリア朝時代の長きにわたる共同作業によって、イギリスでこの形式を確立した。W・S・ギルバートが台本を書き、サリバンが音楽を作曲し、この2人は14の喜劇オペラを制作し、後にサヴォイ・オペラと呼ばれるようになった。そのほとんどはイギリス、アメリカ、その他の地域で絶大な人気を博した。ギルバート、サリバン、そしてプロデューサーのリチャード・ドイリー・カートは、この家族向けの作品を1850年代や1860年代のきわどいフランスのオペレッタと区別するために、自らの共同作品を喜劇オペラと呼んでいる。 ^[28] 彼らの作品である『HMSピナフォア』、『ペンザンスの海賊』、『ミカド』は、英語圏で定期的に上演され続けています。^[29]これらのオペラの多くは非常に明るい雰囲気のようですが、『ミカド』などの作品は、当時まだ広く行われていた死刑を主なテーマとして、イギリス政府と軍隊に対する政治的な論評をしています。^[30]

イギリスのオペレッタは 1890 年代まで続き、エドワード・ジャーマン、イヴァン・キャリル、シドニー・ジョーンズ などの作曲家による作品が生まれました。これらはすぐに、エドワード朝ミュージカルコメディとして知られる、より軽妙な歌と踊りの作品へと進化しました。1907 年の『メリー・ウィドウ』を皮切りに、ウィーンのオペレッタの多くがイギリスの舞台に非常にうまく翻案されました。この現象を説明するために、デレク・スコットは次のように書いています。

1908年1月、ロンドンのデイリー・メール紙は、メリー・ウィドウはウィーンで450回、ベルリンで400回、サンクトペテルブルクで350回、コペンハーゲンで300回上演され、現在ヨーロッパでは毎晩9つの言語で上演されていると報じた。アメリカでは5つの劇団が上演しており、「ニューアムステルダム劇場のチケット争奪戦」は「危機に瀕した銀行の扉を囲む熱狂的な群衆」に例えられた。スタン・チェコはレハールの伝記の中で、1910年までに「154のアメリカ、142のドイツ、135のイギリスの舞台で10の言語で約18,000回上演された」と主張している。^[31]

オペレッタが国際的に受け入れられるようになったのは、ロンドンのウエストエンドとニューヨークのブロードウェイの発展と直接関係している。[31] アメリカの観客が初めてオペレッタに触れたのは、1878年のギルバート・アンド・サリバンの『HMSピナフォア』を通じて^だった。[ ^32]アメリカのオペレッタ作曲家にはヴィクター・ハーバートがおり、20世紀初頭の彼の作品はウィーンのオペレッタとギルバート・アンド・サリバンの両方の影響を受けていた。^{[33]その後に}ジークムント・ロンバーグとルドルフ・フリムルが続いた。しかし、第一次世界大戦の終わりまでに、アメリカのオペレッタはプリンセス劇場のミュージカルやレビューなどのミュージカルに大きく取って代わられ、その後にロジャース＆ハート、コール・ポーター、アーヴィング・バーリンらのミュージカルが登場した。英語のオペレッタで有名なものとしては、レナード・バーンスタインの『キャンディード』がある。それは「喜劇オペレッタ」として宣伝された。^[34]キャンディードのスコアは、ワルツがいくつか含まれており、ある意味では宣伝されたジャンルの典型的なものであったが、バーンスタインはショティッシュ、ガヴォット、その他のダンスを追加し、またアリア「きらめいて陽気に」でオペラハウスに登場した。

オペレッタはイタリアに最初に輸入された声楽ジャンルであった。^[35] 1860年代以降、オッフェンバック、エルヴェ、スッペ、シュトラウス2世、レハールといったフランスやウィーンの作曲家が、イタリアのオペラの伝統に大きな影響を与えた。イタリアにおける外国のオペレッタの広範な人気は、世紀の変わり目に最高潮に達し、特に1907年にミラノで初演された『ラ・ヴェドーヴァ・アレグラ』の成功がそれを物語った。 ^[35]イタリアのオペレッタ作曲家は、イタリアのロマン派オペラの美しさに合わせるために、他の国よりも「オペレッタ」の定義を広げる傾向があった。一例としてジャコモ・プッチーニが挙げられ、彼は作品を写実的なヴェリシモ様式で展開し、「3幕のオペレッタ」を作曲した。^[36]イタリアのオペレッタの他の著名な作曲家には、ヴィンチェンツォ・ヴァレンテ、ルッジェロ・レオンカヴァッロ、パスカーレ・マリオ・コスタ、ピエトロ・マスカーニ、カルロ・ロンバルド、エンリコ・トセッリ、ヴィルジーリオ・ランツァート、ジュゼッペ・ピエトリが含まれる。^[36]

1860年代から1870年代にかけてのオペレッタの観客は、騒々しく騒々しかったと評されている。^[35]オペレッタは、1860年代から1920年代にかけてのイタリアの音楽と文化に関する主要な論争の1つと考えられていた。^[35]その期間中、イタリアでは強い国家主義的な色合いが国のアイデンティティを統一しようと努めていた。オペレッタは外国のジャンルであると認識され、イタリアのオペラを汚すか、舞台におけるその優位性を不当に損なう芸術形式であると認識されていた。^[35]イタリアの作曲家が体系的にオペレッタの執筆に取り組むようになったのは、20世紀初頭になってからであった。

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情報メモ

引用

文献

• ジェイコブス、アーサー（1984年）。『アーサー・サリヴァン：ビクトリア朝の音楽家』オックスフォード大学出版局。ISBN 0-19-315443-9。

さらに読む

• ボードマン、ジェラルド（1981）『アメリカン・オペレッタ』ニューヨーク：オックスフォード大学出版局。
• Clarke, Kevin (2007) 『Glitter and be Gay: Die authentische Operette und ihre schwulen Verehrer』。ハンブルク: Mänerschwarm Verlag.(ドイツ語)
• ガンツル、クルト（2001）ミュージカルシアター百科事典（全3巻）。ニューヨーク：シルマーブックス。
• チャールズ・グーレ (1981) 『Sur la scène et dans la coulisse 』 。ケベック州、ケベック州: 文化省。ISBN 2-551-04178-3 
• マリオン、リンハルト (2006)レジデンツシュタットとメトロポール。 Zu einer kulturellen Topographie des Wiener Unterhaltungstheaters (1858–1918)。ベルリン：マックス・ニーマイヤー・フェルラーク。 (ドイツ語)
• トラウブナー、リチャード（1983）『オペレッタ：演劇史』ガーデンシティ、ニューヨーク：ダブルデイ。
• Viagrande、iccardo (2009) Tu che m'hai preso il cuor。 Un viaggio nel mondo dell'operetta。モンツァ: カーサ ムジカーレ エコ。 (イタリア語)

ウィキメディア・コモンズには、オペレッタに関連するメディアがあります。

• オペレッタ、ライトオペラ、その作曲家に関する情報を豊富に掲載したサイト
• オフェンバッハ、ヨハン・シュトラウス2世とその同時代の作曲家のオペレッタに関するエッセイ
• オペレッタ研究センター（歴史的レビューの膨大なアーカイブあり）
• クルト・ガンツルの2019年のお気に入りオペレッタ
• Schwarzkopf Sings Operetta [ストリーミングオーディオ]。(2005)。ワーナーミュージック。(2005)。Alexander Street データベースから取得。
• オペレッタとミュージカルの違い: 歌のビジネス – Expert Village Leaf Group が投稿した YouTube 動画
• 有名なオペレッタ – Kaleb Fair が投稿した YouTube 動画