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フォーク音楽は、伝統的なフォーク音楽と、20世紀のフォークリバイバル期にそこから発展した現代的なフォーク音楽を含む音楽ジャンルです。フォーク音楽の中には、ワールドミュージックと呼ばれるものもあります。伝統的なフォーク音楽は、口頭で伝えられる音楽、作曲家不明の音楽、伝統的な楽器で演奏される音楽、文化的または国民的アイデンティティに関する音楽、世代間で変化する音楽（フォークプロセス）、民俗伝承に関連する音楽、または長期間にわたって慣習的に演奏される音楽など、さまざまな方法で定義されてきました。商業音楽やクラシック音楽とは対照的です。この用語は19世紀に生まれましたが、フォーク音楽はそれ以前にも広がっています。
20 世紀半ばから、伝統的なフォーク音楽から新しい形のポピュラー フォーク音楽が発展しました。この過程と時代は（第 2 次）フォーク リバイバルと呼ばれ、1960 年代に最盛期を迎えました。この音楽の形式は、以前のフォークの形式と区別するために、現代フォーク音楽またはフォーク リバイバル音楽と呼ばれることもあります。 [ 1 ]小規模で同様のリバイバルは世界の他の地域で他の時期にも発生しましたが、フォーク音楽という用語は通常、それらのリバイバル中に作られた新しい音楽には適用されませんでした。この種のフォーク音楽には、フォーク ロック、フォーク メタルなどの融合ジャンルも含まれます。現代フォーク音楽は一般的に伝統的なフォーク音楽とは区別されるジャンルですが、アメリカ英語では同じ名前を共有し、伝統的なフォーク音楽と同じ演奏者や会場を共有することがよくあります。
フォークミュージックは実に興味深い。なぜなら、フォークミュージックとは何か、そして何ではないのかについて、ほとんど誰もが意見を持っているからだ！
フォークミュージック、フォークソング、フォークダンスという用語は、比較的新しい表現です。これらは、1846 年にイギリスの古物研究家ウィリアム・トムズが「教養のない階級の伝統、習慣、迷信」を説明するために造語した「フォークロア」という用語の拡張です。 [ 3 ]この用語はさらに、半世紀以上前にヨハン・ゴットフリート・ヘルダーとドイツ・ロマン派がポピュラー音楽や国民音楽に適用した「国民全体」という意味のドイツ語の表現「Volk 」に由来しています。[ 4 ]フォークミュージックは民衆の音楽であると理解されていますが、観察者はより正確な定義を見つけるのは難しいと感じています。[ 5 ] [ 6 ]フォークミュージックという用語を使うべきかどうかさえ同意しない人もいます。[ 5 ]フォークミュージックには特定の特性がある傾向がありますが[ 3 ]、純粋に音楽的な観点から明確に区別することはできません。よく挙げられる意味の一つは「作曲者が不明な古い歌」[ 7 ]であり、もう一つは「口承伝承の進化過程を経てきた音楽…つまり、その音楽に民俗的な特徴を与える共同体による音楽の形成と再形成」[ 8 ]である。
こうした定義は、「抽象的な音楽タイプではなく、（文化的）プロセス」、つまり「文化的な二分法の片側を特徴づけるものと見なされる継続性と口頭伝承」に依存しており、そのもう片側は封建社会、資本主義社会、および一部の東洋社会の下層部だけでなく、「原始的」社会や「大衆文化」の一部にも見られる」[ 9 ] 。広く使われている定義の一つは、単純に「民謡とは人々が歌うものだ」というものである[ 10 ]。
ショールズ[ 3 ]やセシル・シャープ、ベーラ・バルトーク[ 11 ]にとって、田舎の音楽は都会の音楽とは異なるという認識があった。民謡はすでに、「芸術音楽[8]や商業音楽、印刷された歌に影響されないコミュニティ」[12]において、「すでに過ぎ去った、あるいは消えようとしている（あるいは場合によっては保存または何らかの形で復活させられる）生活様式の真の表現」と見なされていた。ロイドはこれを否定し、経済階級の単純な区別[ 11 ]を支持したが、彼にとって真の民謡は、チャールズ・シーガーの言葉を借りれば、文化的、社会的に階層化された社会において「下層階級」[13 ]と結びついていた。こうした観点から、民俗音楽は「原始的または部族的」、「エリート的または芸術的」、「民俗的」、「大衆的」という4つの音楽タイプからなる体系の一部と見なすことができる。[ 14 ]
このジャンルの音楽は「伝統音楽」とも呼ばれることが多い。この用語は通常は単なる説明的な意味合いだが、場合によってはジャンル名として使われることもある。例えば、グラミー賞は以前、現代フォーク音楽ではないフォーク音楽に対して「伝統音楽」や「伝統フォーク」という用語を使用していた。[ 15 ]フォーク音楽には、ほとんどの先住民音楽が含まれる可能性がある。[ 5 ]
歴史的な観点から見ると、伝統的な民謡には次のような特徴があった。[ 13 ]
副作用として、以下のような特徴が現れることがあります。
民謡では、曲は短い器楽曲、メロディーであり、多くの場合繰り返し部分があり、通常は何度も演奏されます。[ 16 ]構造的に類似した曲の集まりは曲族として知られています。アメリカの音楽風景[ 17 ]は、「民謡の曲で最も一般的な形式はAABBであり、二部形式としても知られています」と述べています。[ 18 ]
伝統によっては、曲をメドレーやセットとして繋げることがあります。[ 19 ]研究によると、ヨーロッパの音楽遺産に由来する特定の伝統音楽のパターンは数学的な数列に従っており、世代間のメロディーの口頭伝承を通じて伝統的な歌が生き残るのに役立っています。[ 20 ]
人類の歴史のほとんどの期間、録音された音楽を聴くことは不可能でした。[ 21 ] [ 22 ]音楽は、一般の人々が仕事や余暇、そして宗教活動の際に作りました。経済生産の仕事は、多くの場合、手作業で共同で行われました。[ 23 ]手作業には、労働者による歌唱が含まれることが多く、それはいくつかの実用的な目的を果たしました。[ 24 ]歌は、反復作業の退屈さを軽減し、同期した押し引きのリズムを維持し、植え付け、除草、収穫、脱穀、機織り、製粉などの多くの活動のペースを設定しました。余暇には、歌を歌ったり楽器を演奏したりすることが、娯楽や歴史の語り継ぎの一般的な形態でした。電気技術と識字率の普及により、他の形態の娯楽や情報共有が競争的になっている今日よりも、当時の方がさらに一般的でした。[ 25 ]
民謡は芸術音楽として始まり、口承によって変化し、おそらくは堕落したが、その音楽を生み出した社会の特徴を反映していると考える人もいる。[ 3 ]多くの社会、特に文字を持たない社会では、民謡の文化的伝承は耳で学ぶことを必要とするが、一部の文化では記譜法が発展している。 [ 26 ]異なる文化では、「民謡」と「芸術音楽」や「宮廷音楽」の区別に関して異なる概念を持っている可能性がある。ポピュラー音楽のジャンルが増殖するにつれて、一部の伝統的な民謡は「ワールドミュージック」や「ルーツミュージック」とも呼ばれるようになった。[ 27 ]
伝統的な民俗音楽や舞踊を表す英語の「folklore」という用語は、多くのヨーロッパ大陸諸国の語彙に取り入れられ、それぞれの国に民謡収集家や復興家がいた。[ 3 ] 「本物の」民謡と、一般的に国民歌やポピュラーソングとの区別は、特にアメリカやドイツでは常に曖昧だった。[ 3 ]例えば、スティーブン・フォスターのようなポピュラーソングライターは、アメリカでは「フォーク」と呼ばれることがある。[ 3 ] [ 28 ]国際民俗音楽評議会の定義では、この用語は「…個々の作曲家によって生み出され、その後、コミュニティの書き記されていない生きた伝統に吸収された音楽」にも適用できるとしている。しかし、この用語は、既成の形で受け継がれ、変化していない歌、舞踊、または旋律には適用されない。[ 29 ]
第二次世界大戦後のアメリカとイギリスにおけるフォークリバイバルは、現代フォーク音楽という新しいジャンルを生み出し、「フォーク音楽」という用語に新たな意味をもたらした。それは、形式が固定され、著名な作曲家によって作られ、伝統音楽の何らかの形式を模倣した、新たに作曲された歌である。「現代フォーク」の録音の人気により、1959年のグラミー賞に「フォーク」というカテゴリーが登場した[ 30 ] 。 1970年にはこの用語は廃止され、「最優秀民族音楽または伝統音楽録音賞（伝統ブルースを含む）」[ 31 ]に置き換えられたが、1987年には「最優秀伝統フォーク録音賞」と「最優秀現代フォーク録音賞」が区別されるようになった[ 32 ] 。その後、「伝統音楽」というカテゴリーが設けられ、それがさらに発展していった。 21世紀初頭までに、「フォーク」という用語は、 1960年代に登場したスコットランドのドノヴァン[ 33 ]やアメリカのボブ・ディラン[ 34 ]などのシンガーソングライターをはじめ、その他多くのアーティストを包含するようになった。これにより、「フォーク音楽」がもはや伝統的なフォーク音楽だけを意味するものではなくなるというプロセスが完了した。[ 7 ]
伝統的な民謡には歌われる言葉が含まれることが多いが、民謡の器楽は舞踊音楽の伝統によく見られる。物語詩は多くの文化の伝統的な民謡において大きな存在感を放っている。[ 35 ] [ 36 ]これには、伝統的な叙事詩のような形式が含まれる。その多くは元々口頭での上演を目的としており、時には楽器の伴奏を伴う。[ 37 ] [ 38 ]さまざまな文化の多くの叙事詩は、短い伝統的な物語詩の断片をつなぎ合わせて作られたものであり、それがそのエピソード構造、反復的な要素、そして頻繁に物語の途中から始まる展開を説明している。伝統的な物語詩の他の形式は、戦いの結果を語ったり、悲劇や自然災害を嘆いたりする。[ 39 ]
時には、聖書の士師記にある勝利の歌デボラの歌[ 40 ]のように、これらの歌は勝利を祝う。敗北した戦いや戦争、そしてそこで失われた命を嘆く歌も、多くの伝統において同様に重要であり、これらの嘆きは戦いが戦われた大義を生き生きと保つ。[ 41 ] [ 42 ]伝統的な歌の物語は、ジョン・ヘンリー[ 43 ] [ 44 ]やロビン・フッド[ 45 ]のような民衆の英雄を思い出すこともよくある。伝統的な歌の物語の中には、超自然的な出来事や謎の死を思い出すものもある。 [ 46 ]
賛美歌やその他の宗教音楽は、しばしば伝統的で起源不明である。[ 47 ]西洋の楽譜は、グレゴリオ聖歌の旋律を保存するために作られたもので、グレゴリオ聖歌は、その発明以前は修道院共同体で口承によって教えられていた。[ 48 ] [ 49 ]「Green grow the rushes, O present 」のような伝統的な歌は、西洋のクリスマスキャロルや同様の伝統的な歌と同様に、宗教的な伝承を記憶しやすい形で提示している。[ 50 ]
労働歌にはコールアンドレスポンスの構造がよく見られ、歌を歌う労働者が歌のリズムに合わせて努力を調整できるように設計されている。[ 51 ]アメリカ軍では、兵士が行進中に歌うジョディコール（「ダックワースチャント」）が活発な口承伝統として保存されている。 [ 52 ]プロの船乗りも同様に、多数の船乗り歌を使用していた。[ 53 ] [ 54 ]悲劇的または後悔の性質を持つことが多い恋愛詩は、多くの民俗伝統で重要な位置を占めている。[ 55 ] [ 56 ]子供を楽しませたり静かにさせたりするために使われる童謡、子供の歌、ナンセンス詩も、伝統的な歌の題材としてよく見られる。[ 57 ]
地域社会で口頭伝承される音楽は、時が経つにつれて多くの変種を生み出す。なぜなら、口頭伝承では歌詞や音符の正確な再現は不可能だからである。さらに、民謡歌手は耳にした歌を自らアレンジすることもある。
例えば、1970年頃、ムッラー・モハメッド・ジャーンという歌はヘラートからアフガニスタン全土、そして録音されたイランへと広まった。その反復的なリフレインと各節の後半の予測可能性のおかげで、この歌は普及し、各歌手がメロディーや制約的な詩のリズムに過度に気を取られることなく、独自のバージョンを作り出すことができた。[ 58 ]
変種は自然に増殖するため、一般的に「決定版」と呼べる歌は存在しない。伝統歌の研究者たちは、英語圏全体でバーバラ・アレンのバラードの無数の変種に遭遇しており、それらの変種はしばしば大きく異なっている。原曲は不明であり、多くの変種がそれぞれ同等の信憑性を主張している。
影響力のある民俗学者セシル・シャープは、こうした伝統的な歌の様々な変種は、生物学的な自然淘汰に似た改良過程を経ると考えていた。つまり、一般の歌い手にとって最も魅力的な新しい変種だけが他の人々に受け入れられ、時を経て伝承されていくというのである。したがって、コミュニティの漸進的な改良によって、それぞれの伝統的な歌は時間とともに美的にもより魅力的なものになっていくと予想される。
民謡という形式への文学的な関心は、少なくともトーマス・パーシーとウィリアム・ワーズワースの時代にまで遡る。イギリスのエリザベス朝およびスチュアート朝の作曲家は、しばしば民謡を題材として音楽を発展させており、古典派の組曲は様式化された民俗舞踊に基づいており、ヨーゼフ・ハイドンの民謡の使用も注目に値する。しかし、「民謡」という言葉の出現は、「ヨーロッパ全土でナショナリズム感情が爆発した」時期と重なり、特にヨーロッパの周縁部では国民意識が最も強く主張された。中央ヨーロッパ、ロシア、スカンジナビア、スペイン、イギリスでは、ナショナリストの作曲家が台頭した。ドヴォルザーク、スメタナ、グリーグ、リムスキー＝コルサコフ、ブラームス、リスト、ファリャ、ワーグナー、シベリウス、ヴォーン・ウィリアムズ、バルトークなど、多くの作曲家の音楽は民謡の旋律を取り入れている。
ポピュラー音楽の台頭に伴う伝統的な民俗音楽の喪失は世界的な現象であるが、[ 59 ]世界中で均一な速度で起こっているわけではない。[ 60 ]このプロセスは「文化の工業化と商業化が最も進んでいる場所」で最も進んでいるが、 [ 61 ]技術的進歩が低い環境でもより緩やかに進行している。しかし、伝統的な民俗音楽が文化的または国民的アイデンティティの象徴となっている国や地域では、伝統音楽の喪失は緩やかである。民族音楽学者は、ユネスコが組織する無形文化遺産プログラムが、地域の音楽の伝統が消滅するのを防ぐために政府が実施している主要な措置の1つであると指摘している。 [ 62 ]
19世紀に録音技術が発達する以前の民俗音楽について知られていることの多くは、学者、収集家、支持者のフィールドワークや著作から得られたものである。[ 63 ]
19世紀以降、学者やアマチュア研究者たちは、失われつつある音楽の伝統に気づき、民衆の音楽を保存するための様々な取り組みを始めた。[ 64 ]そのような取り組みの一つが、 19世紀後半にフランシス・ジェームズ・チャイルドがイングランドとスコットランドの伝統に基づく300以上のバラッドの歌詞を集めたことである（チャイルド・バラッドと呼ばれる）。その中には16世紀以前のものもあった。[ 10 ]
チャイルドと同時期に、サビーヌ・ベアリング＝グールド牧師、そして後にセシル・シャープが、後にイングリッシュ・フォーク・ダンス・アンド・ソング・ソサエティ（EFDSS）となり、現在も存続する団体の庇護の下、イギリスの農村の伝統的な歌、音楽、ダンスの膨大なコレクションを保存するために尽力した。 [ 65 ]シャープは、イギリスの伝統的な歌（彼自身が大幅に編集・検閲したバージョン）を学校の子供たちに教えることで、それらの歌の人気を復活させ、長く続けようと運動し、ある程度の成功を収めた。[ 66 ] [ 67 ] 1960年代から1970年代前半から中頃にかけて、アメリカの学者バートランド・ハリス・ブロンソンは、後にチャイルド・カノンとして知られるようになるものに関連するテキストとメロディーの当時知られていたバリエーションを網羅した4巻のコレクションを出版した。[ 68 ]彼はまた、口承伝承の仕組みに関するいくつかの重要な理論を提唱した。[ 69 ]
同様の活動は他の国々でも行われていた。最も大規模な活動の一つは、おそらくリガのクリシュヤーニス・バロンズによるもので、彼は1894年から1915年の間に、217,996曲のラトビア民謡（Latvju dainas）の歌詞を収録した6巻の書籍を出版し、それを民謡集に保管した。[ 70 ]ノルウェーでは、ルドヴィグ・マティアス・リンデマンなどの収集家の作品が、エドヴァルド・グリーグのピアノのための抒情小品集やその他の作品で広く利用され、非常に人気を博した。[ 71 ]
この頃、クラシック音楽の作曲家たちは伝統的な歌を収集することに強い関心を持つようになり、多くの作曲家が伝統音楽に関する独自のフィールドワークを行った。これには、イギリスのパーシー・グレインジャー[ 72 ]とレイフ・ヴォーン・ウィリアムズ[ 73 ] 、ハンガリーのベーラ・バルトーク[ 74 ]などが含まれる。これらの作曲家は、多くの先人たちと同様に、民謡を編曲したり、伝統的な素材をオリジナルのクラシック作品に取り入れたりした。[ 75 ] [ 76 ]
音声録音技術の出現により、民俗学者は消えゆく音楽形式を保存するための革新的なツールを手に入れた。[ 77 ]初期のアメリカの民俗音楽研究者は、1800 年代後半に設立されたアメリカ民俗学会(AFS) に所属していた。 [ 78 ]彼らの研究はネイティブ アメリカンの音楽を含むまでに拡大したが、民俗音楽は孤立した社会で保存されている歴史的資料としても扱われた。[ 79 ]北米では、1930 年代と 1940 年代に、議会図書館は伝統音楽収集家のロバート ウィンスロー ゴードン[ 80 ] 、アラン ロマックス[ 81 ] [ 82 ] [ 83 ]らの事務所を通じて、北米のフィールド資料をできるだけ多く収集した。[ 84 ]ジョン ロマックス(アラン ロマックスの父) は、カウボーイや南部の黒人の音楽など、明らかにアメリカの民俗音楽を研究した最初の著名な学者だった。彼の最初の主要な出版物は1911年の『カウボーイ・ソングとその他のフロンティア・バラッド』である。[ 85 ]ジョン・ロマックスは、1930年代から1940年代初頭にかけてのフォーク音楽復興の初期において、間違いなく同時代の最も著名なアメリカのフォーク音楽学者であった。セシル・シャープもアメリカで活動し、1916年から1918年にかけてモード・カーペレスとオリーブ・デイム・キャンベルと共同でアパラチア山脈の伝統的な歌を録音し、アメリカのフォーク音楽を扱った最初の主要な学者とみなされている。[ 86 ]キャンベルとシャープは、現代の映画『ソングキャッチャー』で俳優によって別の名前で表現されている。[ 87 ]
20世紀初頭の数十年間、民俗学者の間で強いテーマの一つは地域主義であった[ 88 ] 。これは、特定の歌の歴史的ルーツに基づくのではなく、米国の地域に基づいて民俗音楽（および関連文化）の多様性を分析することである[ 89 ] [ 90 ]。後に、階級と状況のダイナミズムがこれに加わった[ 91 ] 。最も著名な地域主義者は、民俗学に特別な関心を持つ文学者であった[ 92 ] [ 93 ] 。カール・サンドバーグは作家および詩人として米国を頻繁に旅した[ 94 ] 。彼はまた、旅先で歌を収集し、1927年に『アメリカン・ソングバッグ』という本で出版した。[ 95 ]ヴァンダービルト大学で働いていた歴史家のレイチェル・ドナルドソンは、後にフォーク音楽復興の分析の中で『アメリカン・ソングバッグ』について次のように述べている。「サンドバーグは民謡集の中で、アメリカのフォーク音楽に対する一般的な理解に階級的な力学を加えた。これが、初期のフォーク音楽復興運動家たちがアメリカニズムに対する独自の見方を構築した基盤の最後の要素となった。サンドバーグの労働者階級のアメリカ人は、他の学者、公共知識人、民俗学者たちがアメリカのフォークの定義を称賛した民族的、人種的、地域的に多様な市民と結びついた。フォーク復興運動家たちは、アメリカのフォーク音楽に対する独自の理解と包括的なアメリカ人のアイデンティティを構築する際に、これらの定義を用いた。」[ 96 ]
1930年代以前は、民謡の研究は主に学者や収集家の領域であった。1930年代には、大恐慌と関連して、民謡におけるより大規模なテーマ、共通点、および関連性が一般の人々や演奏者の間で発展し始めた。[ 97 ]地域主義と文化的多様性が影響力とテーマとして成長した。この時期に、民謡は政治的および社会的活動のテーマや運動と絡み合うようになった。[ 97 ]関連する2つの展開は、アメリカ共産党がアメリカ人に働きかけ影響を与える手段として民謡に関心を持ったこと[ 98 ]と、政治的に活動的な著名な民謡音楽家や学者が、大恐慌の視点から共産主義をより良いシステムとして見ていたことである。[ 99 ]ウディ・ガスリーはそのような見方をしたソングライターやアーティストの典型である。[ 100 ]
1930年代にはフォーク音楽フェスティバルが急増した。[ 101 ]フランクリン・ルーズベルト大統領はフォーク音楽のファンで、ホワイトハウスでフォークコンサートを開催し、フォークフェスティバルをしばしば後援した。[ 102 ]著名なフェスティバルの1つは、1934年にミズーリ州セントルイスで設立されたサラ・ガートルード・ノットのナショナル・フォーク・フェスティバルである。 [ 103 ]ワシントン・ポストのスポンサーシップの下、このフェスティバルは1937年から1942年までワシントンDCのコンスティテューション・ホールで開催された。[ 104 ]フォーク音楽運動、フェスティバル、そして戦時中の取り組みは、民主主義、文化的多様性、文化や人種に基づく障壁の撤廃といった社会的な善のための力と見なされた。[ 105 ]
1930年代のアメリカのフォーク音楽復興運動家たちは、フォーク音楽に様々なアプローチをとった。[ 106 ]主に3つの学派が生まれた。「伝統主義者」（サラ・ガートルード・ノットやジョン・ロマックスなど）は、歌を滅びた文化の遺物として保存することを重視した。「機能主義的」民俗学者（ボトキンやアラン・ロマックスなど）は、歌は、その歌を生み出した伝統を保持する文化によって使用される場合にのみ意義を持つと主張した。「左翼的」フォーク復興運動家（チャールズ・シーガーやローレンス・ゲラートなど）は、「人々の社会的および政治的権利のための闘争」における音楽の役割を重視した。[ 106 ] 1930年代末までに、これらの人々やその他の人々がアメリカのフォーク音楽を社会運動へと変えた。[ 106 ]
フォークミュージシャンの中には、学者や擁護者になった者もいる。例えば、ジーン・リッチー（1922年～2015年）は、ケンタッキー州バイパー出身の大家族の末っ子で、その家族はアパラチア地方の古い伝統的な歌を数多く保存していた。[ 107 ]アパラチア地方が外部の影響を受け入れ始めた時代に生きたリッチーは、大学教育を受け、最終的にはニューヨーク市に移り住み、そこで家族のレパートリーの数々の名盤を録音し、これらの歌の重要なコンピレーションを出版した。[ 108 ]
2012年1月、米国議会図書館のアメリカ民俗生活センターは、文化公平協会とともに、ロマックスの1946年以降の膨大な録音アーカイブをデジタル形式で公開すると発表した。ロマックスは、5,000時間の音声録音、40万フィートのフィルム、3,000本のビデオテープ、5,000枚の写真を含む、グローバルジュークボックスと呼ばれるインタラクティブなマルチメディア教育用コンピュータプロジェクトに人生の最後の20年間を費やした。 [ 109 ] 2012年3月現在、これは達成されている。1946年以降のロマックスの録音のうち約17,400件がオンラインで無料で利用できるようになっている。[ 110 ] [ 111 ]アラン・ロマックスが1946年に始めた独立アーカイブからのこの資料は、文化公平協会によってデジタル化され提供されており、「彼が1933年から1942年にかけて議会図書館の後援の下でアセテート盤やアルミ盤に録音した数千もの初期の録音とは区別される。この初期のコレクションには、有名なジェリー・ロール・モートン、ウディ・ガスリー、リード・ベリー、マディ・ウォーターズのセッションや、ロマックスがハイチと東ケンタッキー（1937年）で作成した膨大なコレクションが含まれており、議会図書館のアメリカ民俗生活センターの所蔵品である」[ 110 ] 。
アフリカは広大な大陸であり[ 112 ]、その地域や国にはそれぞれ独自の音楽の伝統がある[ 113 ] [ 114 ] 。北アフリカの音楽は、大部分においてサハラ以南のアフリカの音楽の伝統とは異なる歴史を持っている[ 115 ]。
アフリカ系ディアスポラの音楽やダンスの形式、アフリカ系アメリカ人の音楽やソカ、カリプソ、ズークなどのカリブ海の多くのジャンル、サンバ、キューバのルンバ、サルサなどのラテンアメリカの音楽ジャンル、その他のクラベ（リズム）ベースのジャンルは、奴隷にされたアフリカ人の音楽に様々な程度で基づいており、それが今度はアフリカのポピュラー音楽に影響を与えている。[ 116 ] [ 117 ]
多くのアジア文明では、芸術/宮廷/古典様式と「民俗」音楽を区別している。[ 118 ] [ 119 ]例えば、故アラム・ロハールは、民俗歌手に分類された南アジアの歌手の一例である。[ 120 ]
Khunung Eshei/Khuland Esheiは、アジアの国であるインドのマニプールのメイテイ族の古代の民謡であり、アジアの民謡の一例であり、彼らがそれを独自のジャンルにまとめた例である。[ 121 ]
考古学的発見によると、中国の民俗音楽は7000年前に遡り[ 122 ] 、主にペンタトニックスケールに基づいている[ 123 ]。
漢民族の伝統的な結婚式や葬儀では、通常、スオナと呼ばれるオーボエの一種[ 124 ]と、チュイグショウと呼ばれる打楽器アンサンブル[ 125 ]が演奏されます。口琴（笙）、スオナ（笙）、笛（笛子）、打楽器（特に雲羅銅鑼）からなるアンサンブルは北部の村々で人気があり[ 126 ]、その音楽は北京、西安、五台山、天津の宮廷音楽に由来しています。管楽器と打楽器からなる西安の鼓音楽[ 127 ]は西安周辺で人気があり、中国国外でも商業的に人気があります[ 128 ] 。もう1つの重要な楽器は、中国の管楽器の一種である笙で、アコーディオンなどの西洋の自由葦楽器の祖先である古代の楽器です。[ 129 ]西洋式のブラスバンドが先導するパレードは一般的で、しばしばショーム/チュイグショウバンドと音量で競い合います。
福建省南部と台湾では、南音または南官は伝統的なバラードのジャンルです。[ 130 ]女性が簫と琵琶、その他の伝統楽器の伴奏で歌います。[ 131 ]音楽は一般的に悲しく、恋に悩む人々を題材にしていることが多いです。[ 132 ] [ 133 ]さらに南の汕頭、客家、潮州では、箏アンサンブルが人気です。[ 134 ]簫竹アンサンブルは、笛と弓奏または撥弦楽器を使用して調和のとれたメロディアスな音楽を奏で、西洋の一部の聴衆の間で人気になっています。[ 135 ]これらは南京と杭州、および長江南部の地域で人気があります。[ 136 ]江南梵竹（江南地方の絹と竹の音楽）は、上海の茶館でアマチュア音楽家によって演奏されることが多い器楽のスタイルです。[ 137 ]広東音楽または広東音楽は、広州とその周辺地域の器楽です。[ 138 ]この地域の音楽は、越劇（広東オペラ）音楽に影響を与え、[ 139 ]後に中華人民共和国による中国の「黄金時代」と呼ばれる時代に人気を博しました。[ 140 ]
中国では古代から民謡が記録されてきた。月府という用語は、バラード、哀歌、民謡、恋歌、宮廷で歌われる歌など、幅広い歌を指すのに使われた。[ 141 ]中国は広大な国であり、言語と地理的な地域が多数存在する。民謡は、地理的地域、言語の種類、民族、社会的機能（労働歌、儀式歌、求愛歌など）、音楽の種類によって分類される。中国の民俗学者が収集した現代のアンソロジーでは、伝統的な歌、革命歌、新しく作られた歌を区別している。[ 142 ]中国北西部の歌は「花歌」（花児）として知られており、これは美しい女性を指しているが、かつてはエロティックな内容で悪名高かった。[ 143 ]江蘇省の村の「山歌」（山歌）もまた、恋愛をテーマにした歌でよく知られていた。[ 144 ] [ 145 ]その他の地域的な歌の伝統には、長江デルタ下流域の「かき鳴らし歌」（タンチ）、広東の木魚の伝統（ムユまたはムクユ）、中国北部の太鼓歌（グチ）などがある。[ 146 ]
21世紀には、多くの愛されてきた中国の民謡がユネスコの無形文化遺産代表リストに登録されました。[ 147 ]その過程で、かつては下品と見なされていた歌が、今ではロマンチックな求愛歌として再構築されています。[ 148 ]多くの地域で人気のある地方歌謡コンクールは、プロの民謡歌手を職業として促進し、一部の民謡歌手は全国的に有名になりました。[ 149 ]
スリランカの芸術、音楽、舞踊は自然の要素から生まれ、仏教の環境の中で楽しまれ、発展してきました。[ 150 ]音楽にはいくつかの種類があり、使用される楽器の種類は限られています。[ 151 ]民謡や詩は、社交の場で協力するために使われていました。インドの影響を受けた古典音楽は独自のものへと発展しました。[ 152 ] [ 153 ] [ 154 ] [ 155 ]シンハラ軽音楽の伝統的な劇、音楽、歌は典型的なスリランカのものです。[ 156 ] 寺院の絵画や彫刻には、鳥、象、野生動物、花、木々が描かれており、伝統的な18の舞踊では鳥や動物の踊りが表現されています。[ 157 ]例えば、
シンハラ古典オーケストラは5つのカテゴリーの楽器で構成されていますが、打楽器の中ではドラムがダンスに不可欠です。[ 174 ] ドラムのリズムの力強いビートがダンスの基本を形成します。[ 175 ]ダンサーの足は床から跳ね上がり、ドラムのビートの複雑なリズムを反映したパターンで跳躍したり回転したりします。このドラムのビートは、初めて聞くと単純に聞こえるかもしれませんが、ドラマーが時に強度のクレッシェンドに導く複雑なリズムとバリエーションを習得するには長い時間がかかります。ドラムには、3つのスタイル（片面、両面、平面）に分類される6つの一般的なタイプがあります。[ 176 ] [ 177 ]
その他の楽器には以下が含まれます。
オーストラリア先住民の音楽には、オーストラリア先住民と呼ばれるアボリジニとトレス海峡諸島民の音楽が含まれます。[ 193 ]オーストラリア先住民が実践するさまざまな独特な伝統音楽スタイルに加え、オーストラリア先住民アーティストが解釈し演奏する、ヨーロッパの伝統との融合や現代音楽スタイルも幅広く取り入れています。 [ 194 ]音楽は、数千年にわたる個人および集団の歴史を経て、今日に至るまで、これらの人々の社会的、文化的、儀式的な慣習の不可欠な部分を形成してきました。 [ 195 ] [ 196 ]伝統的な形式には、特定の地域やオーストラリア先住民グループに固有の演奏や楽器の多くの側面が含まれます。[ 197 ]音楽の伝統の同等の要素は、オーストラリア大陸の大部分、さらにはそれ以外の地域にも共通しています。[ 198 ]トレス海峡諸島民の文化はニューギニアの隣接地域の文化と関連しており、そのため彼らの音楽も関連している。音楽はオーストラリア先住民の文化維持に不可欠な部分である。[ 199 ]
民謡の伝統は、イングランド、スコットランド、アイルランドからの初期入植者によってオーストラリアにもたらされ、特に奥地の農村地帯で根付いた。[ 200 ] [ 201 ]ブッシュバラッドの形式で書かれた韻を踏んだ歌、詩、物語は、しばしばオーストラリアのブッシュの放浪的で反抗的な精神と関連しており、作者や演奏者はブッシュバードと呼ばれることが多い。[ 202 ] 19世紀はブッシュバラッドの黄金時代だった。[ 203 ] 1950年代に録音したジョン・メレディスを含む数人の収集家が歌をカタログ化しており、彼の録音はオーストラリア国立図書館のコレクションの基礎となった。[ 202 ]
これらの歌は、オーストラリアの広大な田園地帯での生活に関する個人的な物語を語っています。[ 204 ] [ 205 ]典型的な題材には、鉱業、牛の飼育と移動、羊の毛刈り、放浪、戦争の話、1891年のオーストラリアの毛刈り職人のストライキ、土地を持たない労働者階級と不法占拠者（地主）の間の階級闘争、ネッド・ケリーのような無法者、恋愛、そしてトラック輸送のようなより現代的な題材が含まれます。[ 206 ]最も有名なブッシュバラードは「ワルツィング・マチルダ」で、「オーストラリアの非公式の国歌」と呼ばれています。[ 207 ]
ケルト音楽とは、アーティスト、レコード会社、音楽店、音楽雑誌が、ケルト民族の民俗音楽の伝統から発展した幅広い音楽ジャンルを指すために用いる用語である。[ 208 ]これらの伝統には、アイルランド、スコットランド、マン島、コーンウォール、ウェールズ、ブルターニュの伝統が含まれる。[ 209 ]アストゥリアスとガリシアの音楽も含まれることが多いが、これらが密接な音楽的関係にあることを示す重要な研究はない。[ 210 ] [ 211 ]ブルターニュのフォークリバイバルは、1950年代に「バガドゥー」と「カンハディスカン」で始まり、1960年代半ば以降、アラン・スティヴェルの作品によって世界的に有名になった。 [ 212 ]
アイルランドでは、クランシー・ブラザーズやトミー・メイケム（メンバーは全員アイルランド生まれだが、ニューヨークのグリニッジ・ヴィレッジを拠点に活動していた頃に有名になった[ 213 ]）、ダブリナーズ[ 214 ] 、クラナド、プランクスティ[ 215 ]、チーフタンズ[ 216 ] [ 217 ]、ポーグス[ 218 ]、コーズ[ 219 ]、アイリッシュ・ローヴァーズ[ 220 ]、その他様々なフォークバンドが、ここ数十年の間にアイルランドの伝統音楽を活性化し、再び人気を博すために多大な貢献をしてきた[ 221 ]。これらのバンドは、多かれ少なかれアイルランド音楽の伝統に根ざしており、シーマス・エニスやピーター・ケネディなどのアーティストの努力の恩恵を受けてきた[ 212 ]。
スコットランドでは、ザ・コリーズ[ 222 ] 、シリー・ウィザード[ 223 ] [ 224 ] 、 ケイパーケイリー[ 225 ] 、ランリグ[ 226 ] 、ジャッキー・レヴェン[ 227 ] 、ジュリー・フォウリス[ 228 ]、カリーヌ・ポルワート[ 229 ] 、アラスデア・ロバーツ[ 230 ] [ 231 ] 、ディック・ゴーガン[ 232 ]、ウルフストーン[ 233 ] 、ボーイズ・オブ・ザ・ラフ[ 234 ]、ザ・サイレンサーズ[ 235 ]が、伝統的なスコットランド民謡やゲール民謡をより現代的なジャンルと融合させることで、スコットランド民謡を活気に満ちた新鮮なものに保ってきた[236]。これらのアーティストは、ヨーロッパ大陸や北アメリカでも商業的に成功している。[ 237 ]スコットランドの伝統音楽シーンでは、マンラン[ 238 ]スキピニッシュ[ 239 ]バールース[ 240 ]やブリーバッハ[ 241 ]などのバンドや、パッツィ・リード[ 242 ]ロビン・ステープルトン[ 243 ]やミーシャ・マクファーソン[ 244 ]などのソロアーティストが近年大きな成功を収めており、才能豊かな新進アーティストが数多く現れている。[ 245 ]
東側諸国時代には、民族舞踊は国家によって積極的に奨励された。[ 246 ]ロシアとポーランドの舞踊団は、1937年頃から1990年頃まで非共産主義ヨーロッパを巡業した。[ 247 ]赤軍合唱団は多くのアルバムを録音し、最も人気のある軍楽隊となった。[ 248 ]東ヨーロッパは、ユダヤのクレズマー音楽の伝統の発祥地でもある。[ 249 ]
ポルカは中央ヨーロッパのダンスであり、ヨーロッパとアメリカ大陸全体でよく知られているダンス音楽のジャンルでもあります。19 世紀半ばにボヘミアで生まれました。[ 250 ]ポルカは今でも多くのヨーロッパ諸国で人気のフォーク音楽のジャンルであり、ポーランド、ラトビア、リトアニア、チェコ共和国、オランダ、クロアチア、スロベニア、ドイツ、ハンガリー、オーストリア、スイス、イタリア、ウクライナ、ベラルーシ、ロシア、スロバキアのフォークアーティストによって演奏されています。[ 251 ]このダンスの地域的なバリエーションは、北欧諸国、イギリス、アイルランド共和国、ラテンアメリカ（特にメキシコ）、アメリカ合衆国でも見られます。
カルミナ・ブラーナ[ 252 ]のような歌曲写本によって後世に伝えられてきたドイツの民謡は、中世のミンネザングやマイスタージンガーの伝統に遡る[ 253 ]。これらの民謡は、18世紀後半のドイツ・ロマン主義の時代に復活し[ 254 ]、最初にヨハン・ゴットフリート・ヘルダー[ 255 ] [ 256 ]や他の啓蒙主義の提唱者たち[ 257 ]によって推進され、後にアヒム・フォン・アルニム[ 258 ]やクレメンス・ブレンターノ（少年の魔法の角笛）[ 259 ]、そしてルートヴィヒ・ウーラント[ 260 ]によって編纂された。
フォルクスムジークと民俗舞踊のジャンルは、特にバイエルン、オーストリア、スイス（クーライエン）、南チロルのアルプス地方では、今日まで工業化を背景に農村共同体で存続している[ 261 ] ―低地ドイツ語の船歌やウィーンの歌[ 262 ]（シュランメルムジーク）は注目すべき例外である。スロベニアの民俗音楽も、オーバーカルニオラとシュタイアーマルクで、多作なロイゼ・スラキ・アンサンブルのように、アルプスの伝統に由来している[ 263 ]伝統的なフォルクスムジークは、その派生形である商業的なフォルクスシュテュムリッヒェ・ムジークと混同してはならない[ 264 ] 。
ハンガリーのグループMuzsikás は数多くのアメリカツアーを行い[ 265 ]、ハリウッド映画The English Patient [ 266 ]に参加した一方、歌手のMárta Sebestyén はバンドDeep Forestと活動した[ 267 ]。1970年代に始まったハンガリーのタンチャーズ運動は、音楽学の専門家と熱心なアマチュアの強力な協力関係を伴っている[ 268 ] 。しかし、ハンガリーの伝統的な民俗音楽と民俗文化は、ハンガリーの農村部の一部でかろうじて生き残っており、トランシルヴァニアのハンガリー系住民の間でも消滅し始めている。タンチャーズ運動は、音楽、ダンス、衣装のより広範な民俗伝統をまとめて復活させ、新しいタイプの音楽クラブを作り出した[ 269 ] 。この運動は、世界の他の地域のハンガリー系コミュニティにも広がった[ 269 ] 。
バルカンの民謡は、オスマン帝国時代のバルカンの民族集団の混交によって影響を受けた。[ 270 ]ボスニア・ヘルツェゴビナ、ブルガリア、クロアチア、ギリシャ、モンテネグロ、セルビア、ルーマニア、北マケドニア、アルバニア、ユーゴスラビアやセルビア・モンテネグロの歴史的国家の一部、そしてトラキアなどの地理的地域の音楽が含まれる。[ 271 ]複雑なリズムが特徴的な音楽もある。[ 272 ]
注目すべき作品としては、第32回グラミー賞で最優秀トラディショナル・フォーク・レコーディング賞を受賞した「ブルガリアの声の謎」がある。[ 273 ] [ 274 ]
バルカン半島の民俗音楽全体において重要な部分を占めるのは、地元のロマ民族の音楽であり、これはタラヴァやブラスバンド音楽と呼ばれている。[ 275 ] [ 276 ]
北欧の民俗音楽には、北ヨーロッパ、特にスカンジナビア諸国の多くの伝統が含まれます。北欧諸国は一般的にアイスランド、ノルウェー、フィンランド、スウェーデン、デンマーク、グリーンランドを含むとされています。[ 277 ]時にはバルト三国のエストニア、ラトビア、リトアニアも含まれるとされることがあります。[ 278 ]
北欧諸国の多くの地域は、いくつかの伝統を共有していますが、その多くはデンマーク、スウェーデン、ノルウェーの詩篇歌のように大きく分岐しています。[ 279 ]バルト三国（または場合によってはエストニアのみ）とロシア北西部の一部は文化的類似性を共有しているとしてグループ化できますが、[ 280 ]近年その関係は冷え込んでいます。[ 281 ]ノルウェー、スウェーデン、デンマーク、そして大西洋の島々であるアイスランドとフェロー諸島とは対照的で、これらの国々はそのような類似性をほとんど共有していません。グリーンランドのイヌイット文化には独自の音楽の伝統があります。[ 282 ]フィンランドはバルト諸国とスカンジナビア諸国の両方と多くの文化的類似性を共有しています。スウェーデン、ノルウェー、フィンランド、ロシアのサーミ人は独自の文化を持ち、近隣の文化とつながりがあります。[ 283 ]
スウェーデンの民謡は、 19 世紀初頭にスウェーデンで始まった民俗収集作業に大きく基づいた音楽ジャンルです。 [ 284 ]スウェーデンの民謡の主な楽器はフィドルです。[ 285 ]スウェーデンの伝統に特有のもう 1 つの一般的な楽器はニッケルハルパです。[ 286 ]スウェーデンの器楽民謡のほとんどはダンス音楽です。スウェーデンの民謡の代表的な音楽とダンスの形式はポルスカです。[ 287 ]スウェーデンのボーカルと器楽の伝統は、別々に演奏されてきたものの、歴史的に曲を共有する傾向がありました。 [ 288 ] 1970 年代の民謡復興から、ボーカリストと器楽奏者は民謡アンサンブルで一緒に演奏するようになりました。
アメリカ大陸の民俗音楽は、主に3つの音楽ジャンル、すなわちヨーロッパの伝統音楽、アメリカ先住民の伝統音楽、そしてアフリカ大陸から奴隷と共にもたらされた部族音楽が出会い、融合して生まれたものである。
ラテンアメリカと南アメリカの音楽の具体的な例は、アンデス音楽[ 289 ]をはじめとする他の土着の音楽スタイル（カリブ海[ 290 ]やパンパ音楽など）、スペインとポルトガルのイベリア音楽、そして一般的にアフリカの部族音楽を指し示しており、これら3つが融合して中央アメリカと南アメリカで分化した音楽形式へと発展しました。
アンデス音楽は、ヨーロッパ人との接触以前にインカ帝国の周辺地域に住んでいたケチュア族、アイマラ族、その他の民族の地域に由来する。 [ 291 ]ボリビア、エクアドル、[ 292 ]チリ、コロンビア、ペルー、ベネズエラの一部の民俗音楽も含まれる。アンデス音楽はラテンアメリカ全域で程度の差こそあれ人気があり、農村部や先住民の間で中心的な人気を博している。 1970年代のヌエバ・カンシオン運動はラテンアメリカ全域でこのジャンルを復活させ、知られていなかったり忘れ去られていたりした地域にももたらした。
ヌエバ・カンシオン（スペイン語で「新しい歌」の意）は、ラテンアメリカおよびイベリア半島の民謡、民謡に影響を受けた音楽、そして社会派音楽におけるムーブメントでありジャンルである。その発展と役割は、北米における第二次民謡復興運動といくつかの点で類似している。これには、伝統的な民謡からこの新しいジャンルが進化してきたこと、つまり本質的には現代民謡であるが、英語のジャンル用語は一般的には適用されないという点が含まれる。ヌエバ・カンシオンは、1970年代から1980年代にかけてのポルトガル、スペイン、そしてラテンアメリカにおける社会変動において、大きな役割を果たしたと認識されている。
ヌエバ・カンシオンは、1960年代にチリで「チリの新歌」として初めて登場しました。この音楽スタイルはその後まもなくスペインやラテンアメリカ各地に広がり、同様の名称で知られるようになりました。ヌエバ・カンシオンは伝統的なラテンアメリカの民謡を刷新し、その政治的な歌詞から、革命運動、ラテンアメリカ新左翼、解放の神学、ヒッピー運動、人権運動などとすぐに結びつきました。ラテンアメリカ全域で絶大な人気を博し、スペイン語ロックの先駆けとみなされています。
クエカとは、チリ、ボリビア、ペルーに伝わる音楽様式とそれに伴う舞踊の総称である。
トロバとソンは、オリエンテ州を起源とするキューバの伝統音楽のスタイルであり、ボレロやコントラダンサといったスペインの歌や踊りの影響に加え、アフロ・キューバンのリズムやパーカッションの要素も取り入れている。
ヴィオラ音楽は、ブラジルの民俗音楽の総称です。6弦ナイロン弦のアコースティックギターで演奏されることが多いですが、最も伝統的な楽器はヴィオラ・カイピラです。歌の内容は、田舎で働く人々の生活の苦難を詳細に描写したものが中心です。テーマは、土地、動物、民話、叶わぬ恋、別れなど多岐にわたります。明るい曲もありますが、ほとんどはノスタルジックでメランコリックな雰囲気です。
カナダの伝統的な民俗音楽は特に多様である。[ 293 ] 1960年代に移民法を自由化する以前から、カナダは民族的に多様で、数十もの異なる先住民族とヨーロッパ系のグループが存在していた。音楽に関して言えば、学者たちはカナダの伝統ではなく、民族の伝統（アカディア音楽、アイルランド系カナダ音楽、ブラックフット音楽、イヌ音楽、イヌイット音楽、メティスのフィドルなど）や、後にカナダ東部の地域的伝統（ニューファンドランド音楽、ケープブレトンのフィドル、ケベック音楽など）について語っている。
ヨーロッパ起源の伝統的な民謡は、16世紀から17世紀にかけて最初のフランス人やイギリス人入植者がカナダに到着して以来、カナダに存在してきた。彼らは沿岸海域で漁をし、後にニューファンドランド島、ノバスコシア州、ニューブランズウィック州、プリンスエドワード島、そしてケベック州のセントローレンス川流域となる地域の海岸で農業を営んだ。
毛皮貿易とその航海者たちは、これをカナダのさらに北と西へと運び込み、その後、伐採事業と木こりたちがこの流れを継続させた。
19世紀初頭、オンタリオ州東部および南部、そしてケベック州西部における農業開拓は、多くのアングロ・カナダ民謡やイギリスおよびアメリカ由来のブロードサイド・バラードが存続する上で好ましい環境を作り出した。大規模な工業化にもかかわらず、民謡の伝統は今日まで多くの地域で受け継がれてきた。オンタリオ州北部では、フランス系オンタリオ人の人口が多く、フランス起源の民謡が生き続けている。
大西洋沿岸諸州の人口の多いアカディア人コミュニティは、ケベック州を中心としたフランス起源の膨大な民謡群に、独自の歌のバリエーションを提供した。大西洋沿岸地域、特にニューファンドランドには、アングロ・カナダ民謡の豊かな源泉がある。この音楽民俗のモザイクを完成させるのは、スコットランド人入植地、特にケープブレトンのゲール語音楽と、1840年代のアイルランド飢饉によってアイルランド人が北米へ大規模に移住したことをきっかけにカナダ東部に伝わった数百のアイルランド民謡である。[ 293 ]
「カナダの歴史を知ることは、カナダの民謡のモザイクを理解する上で不可欠です」とイザベル・ミルズは1974年に書いた。「このモザイクの一部は、ヨーロッパ人やアングロサクソン人の入植者が新天地に持ち込んだカナダの民謡によって構成されています。」[ 13 ]彼女は、ケベックのフランス植民地がフランスからの移民を招き、その後まもなくイギリス、ドイツ、その他のヨーロッパ諸国からの移民の波が続き、皆が故郷の音楽を持ち込み、その一部が今日まで生き残っている様子を描写している。民族誌学者で民俗学者のマリウス・バルボーは、1万曲以上のフランス民謡とその変種がカナダで収集されたと推定している。その頃には、古い民謡の多くはフランスで消滅していた。
音楽がプロの娯楽として有料で提供されるようになったのは、19世紀から20世紀初頭にかけて、特に地方の僻地では比較的ゆっくりとしたペースで進んだ。都市部ではダンスホールやボードビルといった音楽クラブが人気を博し、その後ジャズが流行したが、地方のカナダは依然として伝統音楽が主流だった。しかし、1920年代から1930年代にかけてアメリカのラジオ放送網がカナダに向けて開局すると、カナダの伝統音楽の聴衆は次第に減少し、アメリカのナッシュビル・スタイルのカントリーミュージックやジャズなどの都市型音楽が主流となっていった。
カナダ音楽のアメリカ化は、1930年代にカナダ放送連盟が国営放送局の設立を働きかけるきっかけとなり、最終的に1936年にカナダ放送協会（CBC）が設立されるに至った。CBCはラジオ、そして後にテレビ放送で、伝統音楽を含むカナダ音楽を積極的に紹介したが、20世紀半ばの「モダン」なものへの熱狂は、ロックやポップスに比べてフォーク音楽の衰退を招いた。しかし、カナダは1950年代から60年代にかけてのフォーク音楽復興の影響を受け、モントリオール・フォーク・ワークショップなどの地元の会場や、全国各地のフォーククラブやコーヒーハウスが、新進気鋭のソングライターやパフォーマーの育成の場となり、海外から訪れるアーティストとの交流の場ともなった。
アメリカの伝統音楽はルーツ音楽とも呼ばれます。ルーツ音楽は、ブルーグラス、カントリー音楽、ゴスペル、オールドタイム音楽、ジャグバンド、アパラチア民謡、ブルース、ケイジャン音楽、ネイティブアメリカン音楽などを含む幅広い音楽ジャンルです。この音楽がアメリカ音楽とみなされるのは、アメリカ合衆国に起源を持つか、外国の起源からアメリカで発展し、音楽学者にとって明らかに新しいものとして認識されるほどに発展したためです。この音楽が「ルーツ音楽」と呼ばれるのは、後にアメリカで発展したロックンロール、現代フォーク音楽、リズム・アンド・ブルース、ジャズなどの音楽の基礎となったからです。これらのジャンルの中には、伝統的なフォーク音楽とみなされるものもあります。
「それは自己永続的で再生力がある。いわば永遠のアメリカの歌だ。復活や蘇生は必要ないと思う。それは生き続け、繁栄する。本当に必要なのは、18歳の人たちがそれに触れることだ。しかし、彼らがいようといまいと、それは続いていく。フォークソングはラジオで流れるもの、リリースされるものよりも力強い…それは長い間続く声の凝縮であり、それがフォークソングを強くするのだ。」[ 297 ]
「フォーク音楽の復興」とは、伝統的なフォーク音楽への関心が再び高まった時期、あるいはそれを変容させる出来事や時期のいずれかを指し、後者には通常、社会活動の要素が含まれる。前者の顕著な例は、1890年から1920年頃のイギリスのフォーク復興である。後者の最も顕著で影響力のある例（通常 「フォーク音楽の復興」と呼ばれるほど）は、20世紀半ばのフォーク復興であり、英語圏、特にアメリカ合衆国を中心として、現代フォーク音楽を生み出した。[ 298 ]
初期の復興運動の一つは、西洋クラシック音楽に影響を与えた。パーシー・グレインジャー、レイフ・ヴォーン・ウィリアムズ、ベーラ・バルトークといった作曲家たちは、民謡歌手や音楽家の演奏を録音したり、楽譜に書き起こしたりした。
スペインでは、イサーク・アルベニス（1860～1909）がスペインの伝統を反映したピアノ作品を制作し、その中には組曲「イベリア」（1906～1909）も含まれる。エンリケ・グラナドス（1867～1918）は、スペインの軽歌劇であるサルスエラや、スペイン舞曲集を作曲した。マヌエル・デ・ファリャ（1876～ 1946 ）は、アンダルシアのフラメンコのカンテ・ホンドに興味を持ち、その影響は彼の多くの作品に強く表れており、その中には「スペインの庭園の夜」や声楽とピアノのための「7つのスペイン民謡」などがある。フェルナンド・ソルやフランシスコ・タレガなどの作曲家は、ギターをスペインの国楽器として確立した。現代のスペイン民謡アーティストは数多く存在し（ミリ・イ・マリア、ロシアン・レッドなど）、先祖の伝統を尊重しながら現代化を図っている。
フラメンコは20世紀を通じて人気が高まり、ガリシア地方のケルト音楽など北部の音楽スタイルも同様に人気を博した。ビゼーからラヴェルに至るまで、フランスのクラシック作曲家たちもスペインのテーマを取り入れ、スペイン特有の音楽ジャンルは世界的に認知されるようになった。
フォーク音楽の復興、あるいはルーツ音楽の復興は、世界中で伝統音楽への関心が再び高まっている現象を包含する。これは多くの場合、若者によるもので、自国の伝統音楽を中心に展開され、社会意識や社会運動、そして同じスタイルにおける新たな音楽の発展といった要素が取り入れられることが多い。ヌエバ・カンシオン（Nueva canción）は、スペイン語圏のいくつかの国で、社会的なメッセージを込めた新しい音楽の形態として同様に発展した例である。
アメリカ合衆国で最も初期のフォーク音楽フェスティバルは、バスコム・ラマー・ランスフォードによって設立された、ノースカロライナ州アッシュビルでの1928年のマウンテン・ダンス・アンド・フォーク・フェスティバルであると主張されることがある。 [ 299 ] [ 300 ]ナショナル・フォーク・フェスティバル（USA）は、アメリカ合衆国を巡回するフォークフェスティバルである。[ 302 ] 1934年以来、ナショナル・カウンシル・フォー・ザ・トラディショナル・アーツ（NCTA）によって運営され、全国26のコミュニティで開催されてきた。[ 303 ]ナショナル・フォーク・フェスティバルは、これらのコミュニティの一部を去った後、ローウェル・フォーク・フェスティバル[ 304 ] 、リッチモンド・フォーク・フェスティバル[305 ] 、アメリカン・フォーク・フェスティバル[ 306 ] 、そして最近ではモンタナ・フォーク・フェスティバル[ 307 ]など、地元で運営されるフォークフェスティバルをいくつか生み出した。
ニューポート・フォーク・フェスティバルは、ロードアイランド州ニューポート近郊で開催される毎年恒例のフォーク・フェスティバルです。[ 308 ] 1959年から1970年までと1985年から現在までほぼ毎年開催され、毎年約1万人が来場しています。[ 309 ]
4日間のフィラデルフィア・フォーク・フェスティバルは1962年に始まりました。[ 310 ]非営利団体であるフィラデルフィア・フォークソング協会が主催しています。[ 311 ]このイベントでは、ワールド/フュージョン、ケルト音楽、シンガーソングライター、フォークロック、カントリー、クレズマー、ダンスなどのジャンルの現代および伝統的なアーティストが出演します。[ 312 ] [ 313 ]毎年8月の第3週末に開催されます。[ 314 ]現在、このイベントには約12,000人の来場者が訪れ、6つのステージでバンドが演奏します。[ 315 ]
インディアナ州のハンターズムーン祭には、毎年約6万人の観光客が訪れる。[ 316 ]
シドマス・フェスティバルは1954年に始まり[ 317 ]、ケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは1965年に始まった[ 318 ]。イギリスのケンブリッジで開催されるケンブリッジ・フォーク・フェスティバルは、フォークミュージシャンとして招待できる人の定義が非常に広いことで知られている[ 319 ] 。 「クラブテント」では、参加者は多数の無名のアーティストを発見することができ、各アーティストは10分または15分ずつフェスティバルの観客に作品を披露する[ 320 ] 。
ナショナル・フォーク・フェスティバルはオーストラリアで最も権威のあるフォーク・フェスティバルであり、5万人以上が参加します。[ 321 ] [ 322 ]ウッドフォード・フォーク・フェスティバルとポート・フェアリー・フォーク・フェスティバルも同様にオーストラリア最大の年間主要イベントであり、トップクラスの国際的なフォーク・パフォーマーや多くの地元アーティストを惹きつけています。[ 323 ] [ 324 ]
スタン・ロジャースは、オンタリオ州オーウェンサウンドで毎年開催されるカナダのフォークフェスティバル「サマーフォーク」の不動の顔であり、メインステージと円形劇場は「スタン・ロジャース記念天蓋」として捧げられている。[ 325 ]このフェスティバルは伝統をしっかりと受け継いでおり、ロジャースの歌「メアリー・エレン・カーター」は、観客やフェスティバルの出演者など、関係者全員によって歌われる。[ 326 ] [ 327 ]キャンモア・フォーク・ミュージック・フェスティバルは、アルバータ州で最も長く続くフォークミュージックフェスティバルである。[ 328 ]
カナダ全土には数多くのフォークフェスティバルがあります。ノバスコシア州カンソーでは、1997年以来毎年7月の最終週末にスタン・ロジャース・フォークフェスティバルが開催されています。ウルフビルでは毎年9月にディープ・ルーツ・ミュージック・フェスティバルが開催されます。ケルティック・カラーズ・ケルティック・ミュージック・フェスティバルは、ケープブレトン島で毎年秋、木の葉が色づき始める頃に開催され、島内の様々な会場で行われます。ノバスコシア州ルーネンバーグでは、 1986年からルーネンバーグ・フォーク・ハーバー・フェスティバルが開催されています。
オンゲルマンランド州ウルクルト・ネーソーケルは毎年 8 月に開催され、スウェーデン最大の世界音楽フェスティバルと言われています。[ 329 ]
{{cite book}}: CS1メンテナンス: パブリッシャーの場所 (リンク)オスマン帝国末期、トルコ人行政官、バルカン半島の商人、移民労働者は都市間の交流を絶えず維持し、バルカン半島全域に新しいスタイルを広めた。それらの普及は、プロとアマチュアの両方の制度化された音楽活動の始まりを示している。
（参考文献として使用されたものは含まない）