楽譜

音楽記譜法は、音楽を視覚的に表現するために使用されるシステムです。記譜法は一般に、特定の音楽の伝統の文脈で演奏する上で重要だと考えられる楽曲の要素を表します。音楽記譜法を解釈するプロセスは、しばしば「楽譜を読む」と呼ばれます。

歴史を通じて、様々な文化によって独特の記譜法が発明されてきました。古代の音楽記譜法に関する情報の多くは断片的です。同じ時代であっても、音楽のスタイルや文化によって記譜法が異なります。たとえば、クラシック音楽の演奏者は、曲を書いたり解読したりするために、五線譜、拍子記号、調号、符頭を使用した楽譜を最もよく使用します。しかし、それだけではありません。プロのカントリー ミュージックでは、ナッシュビル ナンバー システムが主な方法であり、ギターなどの弦楽器では、演奏者がタブ譜を使用するの が一般的です。

使用されるシンボルには、石に刻まれたシンボル、粘土板に刻まれたシンボル、パピルスや羊皮紙、原稿用紙にペンで書かれたシンボル、印刷機(  1400年頃)、コンピューター プリンター(  1980年頃)、その他の印刷技術や現代のコピー技術を使用して印刷されたシンボルなど、あらゆる媒体に作成された古代のシンボルと現代のシンボルが含まれます。

多くの古代文化ではメロディーやリズムを表すのに記号が使われていたが、どれも特に包括的なものではなく、そのことが今日の音楽の理解を制限している。現代の西洋記譜法の直接の祖先は、キリスト教会が聖歌をさまざまな地域で標準化できるように、平歌のメロディーの演奏を標準化しようとした中世ヨーロッパで生まれた。記譜法はルネサンス音楽とバロック音楽の時代にさらに発展した。古典派音楽（1750年 - 1820年）とロマン派音楽（1820年 - 1900年）の時代には、楽器の技術が発達するにつれて記譜法も発展し続けた。20世紀と21世紀の現代クラシック音楽では、一部の現代作曲家によるグラフィカル記譜法の導入や、1980年代以降は音楽の記譜にコンピュータベースのスコアライタープログラムが使用されるなど、音楽記譜法は発展し続けている。音楽記譜法は、クラシック音楽、ポピュラー音楽、伝統音楽など、多くの種類の音楽に採用されてきました。

最も古い形式の楽譜は、紀元前1400年頃、バビロニア（現在のイラク）のニップールで作られた楔形文字の粘土板に見ることができます。粘土板には、音楽の演奏に関する断片的な指示、音楽が3度のハーモニーで作曲され、全音階を使用して書かれたことが記されています。^[2]紀元前1250年頃の粘土板には、より発達した形式の記譜法が示されています。^[3]記譜法の解釈は依然として議論の余地がありますが、この記譜法が竪琴の弦の名前を示しており、その調律は他の粘土板に記述されていることは明らかです。^[4]断片的ではありますが、これらの粘土板は、世界中で発見された最も古い記譜されたメロディーを表しています。 ^[5]

古代ギリシャの音楽記譜法は、少なくとも紀元前 6 世紀から紀元後 4 世紀頃まで使用されていました。この記譜法を使用した完全な作品は 1 つ (セイキロスの墓碑銘) といくつかの断片のみが現存しています。歌曲の記譜法は、音高を表す文字記号で構成され、テキストの音節の上に置かれます。リズムは、長短の記号のみを使用した基本的な方法で示されます。セイキロスの墓碑銘は、紀元前 2 世紀から紀元後 2 世紀までさまざまな年代にさかのぼります。

クレタ島のメソメデスによる賛美歌 3 曲が写本として現存している。紀元前 2 世紀のデルポイ賛美歌でもこの記法が使われているが、完全には保存されていない。古代ギリシャの記法は西ローマ帝国の衰退の頃に使われなくなったようだ。

ビザンチン音楽にはかつて宮廷儀式のための音楽も含まれていたが、ビザンチンの丸い記譜法で記されたモノラル（単旋律）聖歌の様々な正教会の伝統の中で教会の声楽としてのみ生き残った（ギリシャ語のテキストがルーマニア語に翻訳され、キリル文字に音訳されたマカリエのアナスタシマタリオンを参照）。^[6]

6 世紀以来、ギリシアの理論上の範疇 (メロス、ゲノス、ハルモニア、システマ) はビザンチン音楽の理解と伝達に重要な役割を果たし、特にダマスカスの伝統はイスラム以前の近東にペルシア音楽の影響に匹敵する強い影響を与えました。最も古い証拠は、ギリシアのトロポロギアのパピルス断片です。これらの断片は、単にモード署名またはキー (エコー プラギオス プロトスの場合は「 ΠΛ Α」 、エコー デヴテロスの場合は「Β」など) に従って賛美歌のテキストを提示しています。

西洋の記譜法とは異なり、 10 世紀から使用されてきたビザンチンネウマは、常にそのような音部記号またはモード キー (モード署名) に関連したモード ステップ ( 同じモード度数、1 度低い、2 度高いなど ) に関連付けられていました。 もともと、このキーまたは共通のメロディーのインシピットは、エコー内で与えられた特定のメロディー モデルを示すのに十分でした。 聖書の授業中に使用される定型句を示すために典礼書でのみ使用されるエコーフォネティック記譜法の次に、メロディー記譜法が開発されたのは、9 世紀から 10 世紀の間であり、より長いメリスマが予想される場合は常に、テキストの特定の音節の下にシータ( θ )、オクセイア( / )、またはディプレ( // ) が書かれていました。 この原始的な形式は「シータ記譜法」または「ディプレ記譜法」と呼ばれていました。

今日では、スティケラリオンやヘイルモロギオンなどのギリシャ修道院聖歌集でこの記譜法の発展を研究することができます(シャルトル記譜法はアトス山やコンスタンティノープルでは、​​コイスリン記譜法はエルサレムやアレクサンドリアの総主教区では使用されていました)。また、コンスタンティノープル大聖堂の典礼のアスマティコン(聖歌集) やコンタカリオン (独唱者またはモノフォナリスの集) には、もともと別のジェスチャー記譜法が使用されていました。現存する最古の書物は、スラヴ語訳の「コンダカール」で、コンダカリアン記譜法として知られる記譜法がすでに示されています。^[7]ギリシャ語のアルファベットのように、記譜記号は左から右に並べられています (ただし、特定のシリア語写本のように方向を変えることもできます)。リズムの問​​題は、完全にケイロノミア(さまざまな聖歌集に由来するいわゆる大記号の解釈)に基づいていました。これらの大記号（μεγάλα σῃμάδια ）は、大聖堂の儀式の聖歌隊の身振りによって与えられたよく知られた旋律のフレーズを示していた。これらはかつては口承の伝統の一部として存在し、コンダカリア記譜法を発展させ、13世紀にはビザンチンの丸記譜法に統合され、一種の普遍的な記譜システムとなった。^[8]

今日、西洋と東洋のネウマの主な違いは、東洋の記譜記号が絶対的ではなく「微分的」であることです。つまり、それらは音程のステップ（上昇、下降、または同じステップ）を示し、ミュージシャンは楽譜と現在歌っている音符から、どの正しい音程を意味しているかを正しく推測することができます。これらのステップ記号自体、またはより適切には「音声ネウマ」は、筆遣いに似ており、現代ギリシャ語では口語的にgántzoi（「フック」）と呼ばれています。

音高クラスまたは旋法キーとしての音符（通常は旋法記号で記憶される）は、これらのネウマ（写本では通常赤インクで書かれる）の間にのみ表記される。現代の記譜法では、これらは単にオプションのリマインダーとして機能し、必要に応じて旋法とテンポの指示が追加される。パパド記譜法では、中間記号は通常、別のエコーへの一時的な変化を意味した。

いわゆる「大記号」はかつてはケイロノミック記号と関連付けられていましたが、現代の解釈によれば、これらはビザンチン聖歌に不可欠な装飾と微分音の魅力（半音未満のピッチの変化）として理解されています。^[9]

マディトスのクリサントス以来、 「ソルフェージュ」（パララジェ）には7つの標準的な音名が使われているが、pá、vú、g ^h á、d ^h i、ké、zō、nēという。一方、古い慣習では、旋法記号によって与えられる4つのエコーイ、上昇方向のオーセンティックまたはキュリオイ、下降方向のプラガルまたはプラギオイの4つのエネケマタまたはイントネーション式が依然として使用されていた（パパドのオクトエコス）。^[11] vúとzōを除いて、それらはレ、ミ、ファ、ソ、ラ、シ、ドという西洋のソルミゼーション音節にほぼ相当する。ビザンチン音楽では、 Ēkhoi （「音」）によって要素が識別される8つの自然な非平均律スケールのみが使用されているため、使用される特定のĒkhosに応じて、各音の絶対ピッチが毎回わずかに変化する可能性がある。ビザンチン記譜法は、今でも多くの正教会で使用されています。聖歌隊員は、記譜不可能な装飾音を記憶から加えたり、経験から自然な音階に「滑り込ませたり」しながら、西洋式またはキエフ式五線譜への転写を使用することもありますが、クリサントスの改革以降の現代のネウマ版に関しても、多くの詳細は、伝統的な名手とその経験に関する口承からのみ知られています。

1252年、サフィ・アル＝ディーン・アル＝ウルマウィーはリズムを幾何学的表現で表す音楽記譜法を考案した。その後多くのリズム研究者がグラフィカルな幾何学記譜法の開発に努めた。例えば、同様の幾何学体系は1987年にケル・グスタフソンによって発表されたが、その手法ではリズムを2次元グラフとして表す。^[12]

学者で音楽理論家のセビリアのイシドールスは、7世紀初頭の著作の中で、「音は人間の記憶に残らなければ、書き留めることができず、消え去ってしまう」と考えていた。^[13]しかし、9世紀半ばまでに、ヨーロッパの修道院で、グレゴリオ聖歌の記憶手段として、ネウマと呼ばれる記号を使用するネウマ記譜法の一種が開発され始めた。このタイプの現存する最古の楽譜は、850年頃のアウレリアヌス・ディシプリナ（レオームの音楽学）にある。この時期以前には、西ゴート族のネウマと呼ばれる記譜法の一種がイベリア半島から散発的に残っているが、その数少ない現存する断片はまだ解読されていない。^[14]この記譜法の問題点は、旋律の輪郭しか示されておらず、その結果、その音楽を知らない人には音楽を読むことができないということでした。

記譜法はメロディーを記譜できるほど発達していたが、リズムを記譜するシステムはまだなかった。13世紀半ばの論文『計量音楽論』では、当時使用されていた6つのリズムモードについて説明しているが^[15]、これらがどのように形成されたかは明らかではない。これらのリズムモードはすべて3拍子で、聖歌のリズムは6つの異なる繰り返しパターンに限定されていた。これはドイツの音楽理論家フランコ・フォン・ケルンが見出した欠陥であり、彼の論文『計量聖歌、または計量記譜法の技法』の一部としてまとめられている。彼は、個々の音符が音符の形で表される独自のリズムを持つことができると示唆した。14世紀になってようやく、現在の固定音符長のシステムのようなものが生まれた。^[要出典]規則的な小節（小節）の使用は、17世紀末までに一般的になった。^[要出典]

現在標準的な五線譜と考えられているものの創始者は、991年頃から1033年以降まで生きたイタリアのベネディクト会修道士、グイド・ダレッツォ^{[16]である。彼は、}ロンバルディアの歴史家パウルス・ザ・ディーコンによって書かれた、Ut Queant Laxisで始まる聖ヨハネ洗礼者への賛美歌に基づいて、ソルミゼーション音節の使用を教えた。最初の節は次の通りである。

1. ウット・クエント・ラキシス
2. ソナーレ・フィブリス、
3. 私のゲストラム
4. ファ・ムリ・トゥオルム、
5. 汚染を解決
6. ラ・ビイ・レアトゥム、
7. サンクト・イ・オハンネス。

グイドは、各行の最初の音節であるUt、Re、Mi、Fa、Sol、La、Siを使用して、記譜された音楽をヘクサコルドで読みました。これらは音名ではなく、文脈に応じてどの音にも適用できました。17世紀には、フランスを除くほとんどの国で、Utは歌いやすい開音節のDoに変更されましたが、これはイタリアの理論家ジョヴァンニ・バッティスタ・ド・ニの名前から、またはラテン語で主を意味するDo minusから取られたと考えられています。^[17]

キリスト教の修道士たちは、世界中の教会で典礼を標準化するために、近代ヨーロッパ音楽記譜法の最初の形式を開発しました。 ^[18]そして、時代を超えて膨大な宗教音楽が作曲されました。これがヨーロッパのクラシック音楽とその多くの派生の出現と発展に直接つながりました。音楽、芸術、建築を包含するバロック様式は、宗教的熱意を刺激することを意図した感動的で感情的な宗教的表現手段を提供したため、宗教改革後のカトリック教会によって特に奨励されました。^[19]

現代の音楽記譜法は、世界中のさまざまなジャンルのミュージシャンによって使用されています。五線譜（イギリス英語では stave または stave）は 5 本の平行な水平線で構成され、これが枠組みとなってピッチが示されます。ピッチは、楕円形の音符の符頭を五線譜上（つまり、五線と交差する）、五線の間（つまり、スペース内）、または五線譜の上下に、加線と呼ばれる小さな追加線を使用して配置することで示されます。記譜は左から右に読むため、右から左に書くスクリプトの音楽を設定するのは困難です。音符のピッチは五線譜内の音符の垂直位置で示され、臨時記号で変更できます。持続時間（音符の長さまたは音価）は、音符の符頭の形状、または音符の符幹と桁または旗を追加して示されます。符幹のない中空の楕円は全音符または全音符であり、両側に 1 本または 2 本の垂直線がある中空の長方形または符幹のない中空の楕円は、倍全音符または全音符です。符幹のある中空の楕円は、半音符または短音符です。実線の楕円では常に符幹が使用され、四分音符(クロッチェット) を示すことができます。また、連桁や旗を追加することで、より小さな区分を示すこともできます。点やタイなどの追加の記号を使用すると、音符の長さを長くすることができます。

楽譜の五線譜は一般に音部記号で始まり、五線譜の音域を示します。ト音記号またはト音記号は、もともとは文字「G」であり、5線五線譜の上2番目の線を中央のCの上の音「G」として示します。ヘ音記号またはヘ音記号は、下2番目の線を中央のCの下の音「F」として示します。ト音記号とヘ音記号が最も広く使用されていますが、アルト記号（ビオラとアルトトロンボーン）やテナー記号（チェロ、ファゴット、テナートロンボーン、コントラバスの一部の楽曲に使用）など、中央のCを示す他の音部記号も一部の楽器で使用されています。バイオリンとフルートはト音記号を使用し、コントラバスとチューバはヘ音記号を使用するなど、主に1つの音部記号を使用する楽器もあります。ピアノやパイプオルガンなど、一部の楽器では、ト音記号とヘ音記号の両方が定期的に使用されます。

音部記号の次には、五線譜上に配置された0 ～ 7 個のシャープ ( ♯ ) またはフラット ( ♭ ) 記号のグループが調号として示され、曲全体を通して特定の音がシャープまたはフラットであることを指定して曲または歌の調を示します。ただし、特定の音符の前に臨時記号を追加して特に指示する場合は除きます。音符の前にフラット ( ♭ ) 記号を置くと、その音符のピッチは半音下がります。同様に、シャープ記号 ( ♯ ) はピッチを半音上げます。たとえば、音符 D にシャープを付けるとD♯に上がり、フラットを付けるとD♭に下がります。ダブルシャープとダブルフラットはあまり一般的ではありませんが、使用されます。ダブルシャープは音符の前に置かれ、音符を 2 半音高くし、ダブルフラットは 2 半音低くします。音符の前に置かれたナチュラル記号は、その音符を「ナチュラル」な形にします。つまり、調号または臨時記号からその音符に適用されたシャープまたはフラットはキャンセルされます。音楽では、技術的に必要とされない場合でも、必要な音程を演奏者に思い出させるために、 礼儀上の臨時記号が使用されることがあります。

調号の次には拍子記号が続きます。拍子記号は通常2つの数字で構成され、最も一般的なものの1つは⁴
₄上の「4」は、小節 (小節とも呼ばれる) ごとに 4 つの拍があることを示します。下の「4」は、各拍が 4 分音符であることを示します。小節は曲を拍のグループに分割し、拍子記号はそれらのグループを指定します。⁴
₄非常に頻繁に使用されるため、「共通時間」とも呼ばれ、数字ではなく拍子記号で表します。よく使われる他の拍子記号は³
₄（1小節あたり3拍子、各拍子は4分音符）²
₄（1小節あたり2拍子、各拍子は4分音符）⁶
₈（1小節あたり6拍子、各拍子は8分音符）¹²
₈(1 小節あたり 12 拍子で、各拍子は 8 分音符です。実際には、8 分音符は通常 3 つの 8 分音符の 4 つのグループに分けられます。¹²
₈拍子記号は複合拍子の一種である。他にも多くの拍子記号が存在する。²
₂。

古典派音楽時代の短いクラシック音楽作品や、伝統音楽やポピュラー音楽の歌曲の多くは、曲の大部分または全部が1拍子で構成されている。ロマン派音楽時代以降の音楽、特に現代クラシック音楽や、プログレッシブ・ロックやハードコア・パンクのサブジャンルであるマスコアなどのロック音楽のジャンルでは、混合拍子が使用されることがある。つまり、曲や作品は、1つの拍子から別の拍子へと変化する。例えば、⁵
₄そして⁷
₈。

テンポ(例: Andante ) や強弱(例: forte)などの演奏者への指示は、五線譜の上または下に表示されます。曲や楽曲の音楽的表現や「感覚」を示す用語は、楽曲の冒頭と気分が変わるポイント (例: Gelassen) に示されます。声楽の場合、歌詞はメロディーのピッチの近くに書かれます。短い休止 (ブレス) には、リテイク(リテイクは ' マークで示されます) が追加されます。

アンサンブル音楽では、「スコア」はすべての演奏者の音楽をまとめて示し、さまざまな楽器や声部の五線譜が縦に積み重なっています。指揮者は、オーケストラ、コンサートバンド、合唱団、その他の大規模なアンサンブルを率いる際にスコアを使用します。アンサンブル内の個々の演奏者は、個々のミュージシャンが演奏する音楽のみを含む「パート」から演奏します。スコアは、完全なパートセットから作成することも、その逆も可能です。パートをスコアから手でコピーしていたときは、このプロセスは手間と時間がかかりましたが、 1980 年代にスコアライターコンピューター ソフトウェアが開発されて以来、電子的に保存されたスコアは、プログラムによって自動的にパートを準備し、コンピューター プリンターを使用して迅速かつ安価に印刷できるようになりました。

• 打楽器の種類が多岐にわたるため、打楽器の記譜規則は多様です。打楽器は一般に、音高のある楽器 (グロッケンシュピールやチューブラーベルなど) と音高のない楽器 (バスドラムやスネアドラムなど) の 2 つのカテゴリに分類されます。音高のない打楽器の記譜法はそれほど標準化されていません。音高のある楽器では、音程とリズムに標準的な西洋古典記譜法を使用します。一般に、音高のない打楽器の記譜法では 5 線譜を使用し、異なる線とスペースで異なるドラム キット楽器を表します。リズムを示すために、標準的な西洋のリズム記譜法が使用されます。
• 数字付き低音記譜法は、バロック時代の 通奏低音のパート譜に由来しています。アコーディオンの記譜法でも広く使用されています。音楽のベース音は、ハープシコード奏者、オルガン奏者、リュート奏者がどのコードを即興で演奏するかを決定する数字やその他の記号とともに、慣例的に記譜されます。ただし、ハーモニーの正確なピッチは指定されず、演奏者が即興で演奏することになります。
• リードシートは、メロディー、歌詞、ハーモニーのみを指定し、コード記号を上に、歌詞を下に置いた 1 つの譜表を使用します。曲のアレンジや演奏方法を指定せずに、ポピュラーソングの重要な要素を捉えるために使用されます。
• コードチャートまたは「チャート」には、メロディや声部の進行に関する情報はほとんどまたはまったく含まれていませんが、コード進行に関する基本的なハーモニー情報を提供します。一部のコード チャートにはリズム情報も含まれており、完全なビートにはスラッシュ表記法、リズムにはリズム表記法が使用されています。これは、ジャズやその他のポピュラー音楽を演奏するプロのセッション ミュージシャンが使用する最も一般的な種類の楽譜であり、主にリズム セクション(通常はピアノ、ギター、ベース、ドラムを含む) を対象としています。
• よりシンプルなコード表には、コードの変化のみが歌詞の上に置かれることがあります。このようなコード表はメロディーの事前知識に依存し、演奏や非公式のグループ歌唱の際のリマインダーとして使用されます。リズム セクションの伴奏者向けのコード表には、コード進行のみが含まれるものもあります。
• シェイプノートシステムは、特に米国南部の教会の賛美歌集、楽譜、歌集に見られます。慣習的な楕円形の音符頭の代わりに、さまざまな形の音符頭を使用して、長音階上の音の位置を示します。セイクリッド ハープは、シェイプ ノートを使用する最も人気のある曲集の 1 つです。

正幹譜は世宗大王の時代に作られた伝統的な音楽記譜法で、東アジアで初めてリズム、ピッチ、時間を表すシステムでした。^{[20] [21]}韓国の様々な伝統音楽の中で、正幹譜は正楽（정악, 正樂）という特定のジャンルを対象としています。

正幹法は、「正幹」と呼ばれるボックスに音程の名前を記入して音程を指定します。1 正幹はそれぞれ 1 拍で、2 拍、3 拍、またはそれ以上に分割して半拍、4 拍、さらにそれ以上の拍を記入できます。

また、装飾品などを示す刻印も多数あります。これらの多くは、後に金基洙によって創作されたものです。

サマヴェーダのテキスト（紀元前1200年-紀元前1000年）には記譜されたメロディーが含まれており、これらはおそらく世界最古の現存するメロディーです。^[22]音楽記譜法は通常、サマヴェーダのテキストのすぐ上、時には行内に、サマヴェーダのサカ（流派）に応じて音節形式または数字形式で書かれています。^[23]インドの学者で音楽理論家のピンガラ（紀元前200年頃）は、チャンダ・スートラの中で、サンスクリットの詩の韻律を示すために長音節と短音節を示す記号を使用しました。

タミル・ナードゥ州クドゥミヤンマライにある紀元7～8世紀頃の岩碑文には、初期の楽譜の例が含まれています。これは考古学者/碑文学者のD.R. バンダルカールによって初めて特定され、出版されました。^[24] 7世紀のパッラヴァ・グランタ文字で書かれたこの碑文には、長方形の岩面（寸法は約13×14フィート）に38行の音符が横書きで刻まれています。音符の各行には64文字（音符を表す文字）が含まれ、4つの音符ごとに書かれています。7つの音符を表す基本文字「sa ri ga ma pa dha ni」には、a、i、u、eの母音の接尾辞が付けられていることがわかります。たとえば、「sa」の代わりに、「sa」、「si」、「su」、「se」のいずれかが使用されています。同様に、ri の代わりに 'ra'、'ri'、'ru'、're' のいずれかが使用される。水平線によって記譜は 7 つのセクションに分割される。各セクションには 4 行から 7 行の記譜が含まれ、タイトルはその音楽の「モード」を示す。これらのモードは少なくとも 6 世紀から人気があり、後に発展したインドの「ラガ」システムに組み込まれた可能性がある。しかし、この記譜に見られるいくつかの珍しい特徴については、学者によっていくつかの決定的ではない解釈がなされている。^[25]

インドのラーガの記譜法では、ソルフェージュに似たサルガムというシステムが使われている。西洋のソルフェージュと同様に、長音階の7つの基本音高には名前がある（シャジャ、リシャバ、ガンダーラ、マディヤマ、パンチャマ、ダイヴァタ、ニシャダ、通常はサ・レ・ガ・マ・パ・ダ・ニと短縮される）。どの音階でも、主音はサ、属音はパと名付けられる。サはどの音階でも固定されており、パはその5度上で固定されている（平均律の5度ではなくピタゴラスの5度）。この2つの音はアチャラ・スワール（固定音）として知られている。

他の 5 つの音、Re、Ga、Ma、Dha、Ni はそれぞれ、標準のメジャー スケールのピッチに相当する「通常の」ピッチ (shuddha) を取ることも (したがって、スケールの 2 番目の度数である shuddha Re は、Sa より全音高い)、または shuddha ピッチの半音上または半音下の変形ピッチを取ることもできます。Re、Ga、Dha、Ni にはすべて、半音低い (Komal - 「フラット」) 変形パートナーがあります (したがって、komal Re は Sa より半音高い)。

Ma には半音高い ( teevra -「シャープ」) 異音階のパートナーがあります (したがって、tivra Ma は Sa より 4 度上の増音です)。Re、Ga、Ma、Dha、Ni はvikrut swar (「可動音」) と呼ばれます。Ravi Shankar が考案したインドの記譜法では、音高は西洋文字で表されます。大文字は achala swar と、すべての vikrut swar の高音に使用されます。小文字は vikrut swar の低音に使用されます。

インドのスワラリピなど、12音平均律以外の音楽や非西洋音楽には他のシステムも存在します。

ズナメニ聖歌は、ロシア正教会で用いられている歌唱の伝統で、 「フックと旗」記譜法を用いている。ズナメニ聖歌は、ユニゾンの、メリスマ式の 典礼歌唱で、ストルプ記譜法と呼ばれる独自の記譜法がある。ストルプ記譜法で用いられる記号は、クリュキ（ロシア語：крюки、「フック」）またはズナミョーナ（ロシア語：знамёна 、「旗」）と呼ばれる。記号の名前は、ストルプ記譜法を指すのによく用いられる。ズナメニ聖歌のメロディーは、8つのモード（イントネーション構造、グラシと呼ばれる）からなるシステムの一部であり、メロディーは流暢でバランスが取れているのが特徴である。^{[26]ズナメニ聖歌には、}ストルポヴォイ、マリイ（小）ズナメニ聖歌、ボリショイ（大）ズナメニ聖歌と呼ばれるものなど、いくつかの種類があります。ルーシ聖歌（プロストピニエ）は、ズナメニ聖歌の伝統の下位区分と見なされることもあり、モスクワ聖歌（本来のズナメニ聖歌）は同じ音楽的連続体の2番目の分派です。

ズナメニ聖歌は音符（いわゆる線記法）ではなく、ズナメーナ（ロシア語で「マーク」、「旗」）またはクリュキ（「フック」）と呼ばれる特別な記号で書かれます。これらの記号の一部はフックに似ているためです。各記号には、大きな黒いフックまたは黒い線、いくつかの小さな黒い「点」と「カンマ」、フックの近くまたはフックを横切る線が含まれます。記号によっては、1 つの音符のみを意味するもの、2 つから 4 つの音符を意味するもの、複雑なリズム構造を持つ 10 音符以上のメロディー全体を意味するものがあります。ストルプ記法は、キエフ大公国でビザンチンのニューマ音楽記法の東スラヴ的改良として開発されました。

この記譜法の最も注目すべき特徴は、音符ではなくメロディーの遷移を記録することです。記号はまた、メロディーのこの部分をどのように歌うかという雰囲気と段階（テンポ、強さ、献身、柔和さなど）を表します。すべての記号には独自の名前があり、精神的なシンボルとしての特徴もあります。たとえば、「小さな鳩」（ロシア語：голубчик （ゴルブチク））と呼ばれる特定の記号があり、これは2つの上昇音を表しますが、聖霊のシンボルでもあります。徐々にシステムはますます複雑になりました。このシステムは曖昧でもあり、最も訓練され教育を受けた歌手を除いて、ほとんど誰も未知のメロディーを一目見て歌うことができませんでした。記号はメロディーを再現するのに役立っただけで、それを明確な方法でコード化したわけではありませんでした。（ビザンチン帝国を参照）

中国で音楽について言及している文献の最も古い例は、曾の易侯（紀元前433年没）の墓で発見された楽器の銘文である。41個のチャイムストーンと65個の鐘のセットには、音高、音階、移調に関する長い銘文が刻まれていた。鐘は今でも銘文に記された音高で鳴る。記譜された楽曲は発見されていないが、銘文は、音楽記譜を可能にするほどシステムが進歩していたことを示している。音高の命名法には、相対音高と絶対音高の2つのシステムが存在した。相対音高には、ソルミゼーションシステムが使用されていた。^[27]

ゴンチェ記譜法では音階の名前に漢字が使われます。

日本の音楽は非常に多様であるため、さまざまな記譜法が必要です。たとえば、日本の尺八音楽では、明確な音程よりもグリッサンドや音色が重要視されることが多いのに対し、太鼓の記譜法では個別のストロークに重点が置かれています。

琉球 三線音楽では、各文字が特定の弦の指の位置に対応する 漢字表記法であるくんくんしが使用されています。

インドネシアの口承伝統において、記譜法は比較的小さな役割を果たしている。しかし、ジャワ島とバリ島では、19世紀末から、当初は記録保管を目的として、いくつかのシステムが考案された。今日、最も普及しているのは、音程が1から7までの数字のサブセットで表され、1はスンダのガムランのように特定のオクターブの最高音、またはジャワの ガムランのケパティハン記譜法のように最低音に対応する、という暗号記法（最も広い意味での「アンカ」ではない）である。

中央オクターブの外側の音域の音符は、各数字の上または下に 1 つ以上のドットで表されます。ほとんどの場合、これらの暗号記法は、骨組みのメロディー (バルンガン)とボーカル パート (ゲロンガン) を記譜するために主に使用されますが、詳細な楽器バリエーションの転写が分析や指導に使用されることもあります。ドラム パートは、ドラミング パターンを学習して記憶するために使用される語彙を表す文字を主に基づいた記号システムで記譜されます。これらの記号は通常、特定の曲または一般的な曲の骨組みのメロディーの下にグリッド内に配置されます。

太鼓の記譜に使われる記号（および表現される語彙）は、場所や演奏者によって大きく異なります。これらの現在のシステムに加えて、2 つの古い記譜法では、一種の五線譜が使用されていました。ソロネ語の文字では、横五線譜に波線を描いてペシンデンの柔軟なリズムを表現できましたが、ジョグジャカルタでは梯子のような縦五線譜で、バルンガンを点で記譜でき、重要な太鼓の打ち方も含まれていました。バリ島では、古いバリ文字のアルファベット記譜法を採用した、ガムランの男女別ワヤン曲集の本が数冊出版されています。

インドネシア国内外の作曲家や学者も、ガムランのスレンドロとペログの 調律システムを、微分音のさまざまな記号の有無にかかわらず、西洋の五線譜にマッピングしました。オランダの作曲家トン・デ・レーウも、彼の作品「ゲンディン」のために3線五線譜を発明しました。しかし、これらのシステムは広く普及していません。

20 世紀後半、インドネシアの音楽家や学者は、暗号記法を他の口承伝統にも拡張し、西洋関連のジャンル (教会の賛美歌、ポピュラー ソングなど) の記譜には全音階の暗号記法が一般的になりました。ガムラン音楽の暗号記法では「固定ド」(つまり、ガムランのチューニングの自然な変動の範囲内で、1 は常に同じピッチに対応します) が使用されますが、インドネシアの全音階の暗号記法は「移動可​​能なド」記法であるため、スコアではどのピッチが数字 1 に対応するかを示す必要があります (たとえば、「1=C」)。

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  スラカルタ法で記譜されたスレンドロの短いメロディー。^[28]
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  同じものをジョグジャカルタ方式または「チェッカー記法」で記譜したもの。^[28]
• 
  ケパティハン記法で表記したものも同様である。^[28]
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  西洋の記法で近似したもの。^[28] 再生^ⓘ

古代ユダヤ教のテキストには、音楽のカンティレーション音符を割り当てる一連の記号が含まれています。ヘブライ語では Ta'amim、イディッシュ語では Trope として知られ、6 世紀と 7 世紀からこれらの記号の記録があり、ユダヤ教の祈りとテキストの伝統として受け継がれてきました。伝統的に、付随するヘブライ語テキストの上と周囲に書かれた一連の記号である Trope 記号は、短い音楽モチーフを表します。ユダヤ人の離散地全体で、付随するメロディーにはさまざまなバリエーションがあります。ヘブライ語のカンティレーションには、バビロニア システム、パレスチナ システム、ティベリア システムの 3 つの主要なシステムがあります。

アラビア数字を長音階の度数に割り当てる暗号記法は、少なくとも16世紀のイベリアのオルガンのタブ譜以来使用されており、Siffernotskriftなどの異国風の改変も含まれています。今日最も広く使用されているのは、本文で説明する中国のJianpuです。数字は、上記のジャワのkepatihan記法のように、異なる音階システムに割り当てることもできます。

ソルフェージュは、音階名に音節を割り当てる方法です。順番は、今日では、ドレミファソラシド（オクターブ）です。古典的なバリエーションは、ドレミファソラシドです。西洋で初めて音符の機能名を導入したのは、グイド・ディ・アレッツォ（991年頃 - 1033年以降）で、ラテン語の賛美歌Ut queant laxisの最初の6行の冒頭の音節が使用されました。元の順序はUt Re Mi Fa Sol Laで、各詩節は音階の音より高く始まっていました。「Ut」は後に「Do」になりました。インド音楽で使用されている同等の音節は、サレガマパダニです。ソルフェージュ、サルガム、コダーイ手話も参照してください。

トニックソルファはソルフェージュの頭文字を使った記譜法の一種です。

12音階の音符は、A～Gの文字名で表記され、 A ♯やB ♭などの臨時記号が後に付く場合もあります。

ABC記法は、コンピュータと人間が読めるプレーンテキスト文字を使用したコンパクトな形式です。現在、10万曲以上の曲がこの形式で書き起こされています。^[29]

タブ譜は中世にオルガン音楽に初めて使用され、その後ルネッサンス時代にリュート音楽に使用されました。^[30]ほとんどのリュートタブ譜では五線譜が使用されていますが、音高の値の代わりに五線譜の線が楽器の弦を表しています。指で押さえるフレットは各線に書かれており、文字または数字で示されています。リズムは、最も速く動く部分の長さを示す標準的な音価のさまざまなバリエーションで別途書かれています。タブ譜が、演奏の物理的および技術的要件（線とそれらの上の記号、およびそれらの相互関係が実際の演奏動作を表す）と音楽自体の展開（タブ譜の水平線は音楽の実際の時間的展開を表す）の両方を1つの記譜システムに組み合わせているという事実に言及した人はほとんどいないようです。後の時代には、リュートとギターの音楽は標準的な記譜法で書かれました。タブ譜は、 ASCII 形式で簡単に書き起こしてインターネット上で共有できるため、20 世紀後半に人気のギター音楽やその他のフレット楽器で再び注目を集めました。

いくつかの半音階システムは、標準的なピアノのキーボードの黒鍵と白鍵のレイアウトを利用して作成されています。「五線譜」は、​​ピアノの黒鍵と白鍵を拡張して作成されたもので、 最も一般的には「ピアノロール」と呼ばれています。

Klavarskribo ( klavarと略されることもある) は、1931 年にオランダ人のCornelis Potによって導入された音楽記譜システムです。この名前はエスペラント語で「キーボード記譜」を意味します。従来の音楽記譜法とはさまざまな点で異なり、読みやすいように設計されています。klavar の読者の多くはオランダ人です。

過去3世紀にわたり、伝統的な西洋音楽記譜法に代わるものとして、何百もの記譜法が提案されてきた。これらの記譜法の多くは、12の音高のそれぞれが五線譜上で独自の位置を持つ「半音階譜」を使用することで、伝統的な記譜法を改良しようとしている。その一例が、ジャック＝ダニエル・ロシャのドデカ記譜法である。^{[31] [32]}これらの記譜法では、標準的な調号、臨時記号、音部記号を使用する必要がない。また、伝統的な記譜法よりも一貫して正確に音程関係を表す。例えば、長3度は短3度よりも広く表示される。これらの記譜法の多くは、ガードナー・リードの「音楽記譜法改革案集」で説明され、図解されている。

「グラフィック記譜法」という用語は、楽曲の演奏に関する情報を伝えるために非伝統的な記号やテキストを現代的に使用することを指します。ヨハンナ・ベイヤー、クリスチャン・ウルフ、カルメン・バラダス、アール・ブラウン、オノ・ヨーコ、アンソニー・ブラクストン、ジョン・ケージ、モートン・フェルドマン、キャシー・ベルベリアン、グラシエラ・カスティーヨ、クリストフ・ペンデレツキ、コーネリアス・カーデュー、ポーリン・オリヴェロス、ロジャー・レイノルズなどの作曲家は、この初期の実践者です。ジョン・ケージとアリソン・ノウルズによる著書『 Notations 』も、この種の記譜法のもう 1 つの例です。

簡略化された音楽記譜法は、初見での読み取りを容易にするために考案された、音楽記譜法の代替形式です。これは古典的な五線記譜法に基づいていますが、符頭の形状にシャープとフラットが組み込まれています。二重シャープや二重フラットなどの音符は、実際に演奏されるピッチで表記されますが、その前に、移調されていることを示すヒストリー記号と呼ばれる記号が付きます。

修正五線譜記譜法(MSN) は、通常の楽譜を拡大しても読みにくい人のために、音楽を記譜する代替方法です。

パーソンズコードは、音楽を簡単に検索できるようにエンコードするために使用されます。

点字音楽は、印刷音楽記譜法とはまったく独立した記号と記譜法を持つ、完成度が高く、よく発達した、国際的に認められた音楽記譜システムです。点字音楽は本質的に線形であり、印刷言語に似ており、標準的な印刷音楽記譜法の2次元の性質とは異なります。ある程度、点字音楽はMusicXML ^[34]やNIFFなどの音楽マークアップ言語^[33]に似ています。

整数表記法、つまりピッチの整数モデルでは、すべてのピッチ クラスとピッチ クラス間の間隔は0 から 11 までの数字を使用して指定されます。

ラップの表記法の標準的な形式は「フロー図」で、ラッパーは「ビート番号」の下に歌詞を並べる。^[35]ヒップホップの研究者もラッパーが使用するのと同じフロー図を使用している。How to RapとHow to Rap 2という本では、ラップのトリプレット、フラム、休符、押韻構成、韻の連続、韻の破れなどのテクニックを説明するために、この図が広く使用されている。^[36]音楽学者のアダム・クリムズは著書「ラップ音楽とアイデンティティの詩学」^[37]で、カイル・アダムズはラップのフローに関する研究で同様のシステムを使用している。^[38]ラップは通常、強い 4/4 ビートを中心に展開し、^[39]特定の音節がビートに揃えられているため、すべての表記法は同様の構造になっている。つまり、すべての表記法で図の上部に 4 つのビート番号があり、音節をビートに合わせて書くことができる。^[39]

6 穴の木管楽器に使用され、基本的にはアイルランドの民謡に使用されます。ティン ホイッスルのタブ譜は、楽譜の表記に慣れていない人にとって特に便利です。

音楽記号 Unicode ブロックは、正式な音楽記譜法の広範なシステムをエンコードします。

その他の記号ブロックには、より一般的な記号がいくつかあります。

• U+2669 ♩ 四分音符
• U+266A ♪ 八分音符
• U+266B ♫ 連音八分音符
• U+266C ♬ 16分音符の連桁
• U+266D ♭ 音楽フラット記号
• U+266E ♮ 音楽 自然 記号
• U+266F ♯ 音楽シャープ記号

その他の記号と絵文字ブロックには、音符の描写が含まれる可能性がある 3 つの絵文字があります。

• U+1F3A7 🎧 ヘッドフォン
• U+1F3B5 🎵 音符
• U+1F3B6 🎶 複数の音符

音楽記譜を作成するためのさまざまなコンピュータ プログラム (スコアライターまたは音楽記譜ソフトウェアと呼ばれる) が開発されています。音楽は、グラフィック記譜の出力以外の目的で、さまざまなデジタル ファイル形式で保存されることもあります。

フィリップ・タッグとリチャード・ミドルトンによると、音楽学、そしてある程度はヨーロッパの影響を受けた音楽実践は、記譜法の特性によって偏った方法論である「記譜中心主義」に苦しんでいる。^{[40] [41]} 20世紀と21世紀の様々な作曲家が、標準的な西洋音楽記譜法を採用するか、グラフィック記譜法を使用することで、この問題に対処してきた。^{[説明が必要]}これらには、ジョージ・クラム、ルチアーノ・ベリオ、クシストフ・ペンデレツキ、アール・ブラウン、ジョン・ケージ、ヴィトルド・ルトスワフスキなどが含まれる。^{[42] [43]}

• 現代記譜法の音楽記号の一覧。
• ヘブライ語の詠唱
• 色付きの楽譜
• 楽譜を読む際の目の動き
• グイド・ディ・アレッツォ、近代音楽記譜法の発明者
• 音楽出版の歴史
• スコアライター一覧
• 計量記法
• モーダル記法
• 音楽彫刻、機械による複製を目的とした楽譜の描画
• 音楽OCR、光学文字認識を応用した楽譜の解釈
• ネウマ（聖歌記譜法）
• ピッチクラス
• ラストラムは、空白の楽譜に平行五線を引くために使われる5つの先端を持つ筆記具である。
• スコアライター
• セマシオグラフィ
• 視唱
• 楽譜
• 時間単位ボックスシステム、ポリリズムに便利な記譜システム
• トンガ音楽記法、標準音楽記法のサブセット
• トネッツ
• ズナメニーチャント

• ビザンチン音楽記譜法。ビザンチン音楽記譜法 (ネウマ) のガイドが含まれています。
• CCARH—人文科学におけるコンピュータ支援研究センター スタンフォード大学の音楽表現に関するコースに関する情報。リンク ページには、さまざまな表記法の例が表示されます。
• 音楽マークアップ言語。音楽記譜用の XML ベースの言語。
• 「楽譜」 ブリタニカ百科事典第19巻（第11版）。1911年。96～87頁。
• 楽譜百科事典の概要 (CWN のトピックから、Gould、Vinci、Wanske、Stone、Read の書籍への索引)
• Gehrkens、Karl Wilson 音楽記譜法と用語。プロジェクト・グーテンベルク。
• ギルバート、ニーナ。「アメリカ英語とイギリス英語の音楽用語集」1998 年 6 月 17 日掲載、2000 年 9 月 7 日更新。