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コンチェルト（/ kənˈtʃɛərtoʊ /、複数形はconcertos 、またはイタリア語の複数形concerti ）は、後期バロック時代以降、主にオーケストラやその他のアンサンブルの伴奏で1人以上のソリストのために書かれた器楽曲として理解されている。典型的な3楽章構成、すなわち緩徐楽章（例：lentoまたはadagio）の前後に速い楽章（例：prestoまたはallegro）が続く形式は、18世紀初頭から標準となった。[ 1 ]
協奏曲は16世紀後半に声楽曲のジャンルとして誕生しました。器楽曲版はそれから約1世紀後に、アルカンジェロ・コレッリやジュゼッペ・トレッリといったイタリア人が協奏曲を出版し始めた頃に登場しました。数十年後、アントニオ・ヴィヴァルディなどのヴェネツィアの作曲家は数百ものヴァイオリン協奏曲を作曲し、チェロや木管楽器などの他の楽器のためのソロ協奏曲や、複数の独奏者のための合奏協奏曲も作曲しました。ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルのオルガン協奏曲やヨハン・セバスチャン・バッハのチェンバロ協奏曲など、最初の鍵盤楽器協奏曲もほぼ同時期に作曲されました。[ 2 ] [ 3 ]
18世紀後半にはピアノが最もよく使われる鍵盤楽器となり、ヨーゼフ・ハイドン、ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルト、ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンといった古典派時代の作曲家たちはそれぞれ数曲のピアノ協奏曲を作曲し、ヴァイオリン協奏曲やその他の楽器のための協奏曲もそれより少ない数で作曲した。ロマン派時代には、ジュゼッペ・ヴェルディ、ニコロ・パガニーニ、フェリックス・メンデルスゾーン、フレデリック・ショパン、ロベルト・シューマン、ヨハネス・ブラームス、ピョートル・イリイチ・チャイコフスキー、セルゲイ・ラフマニノフなど多くの作曲家が独奏協奏曲、そしてさらに稀なケースではあるが複数の楽器のための協奏曲を作曲し続けた。しかしながら、19世紀にはピアノ、ヴァイオリン、チェロ以外の楽器のための協奏曲は比較的稀であった。 20世紀前半には、モーリス・ラヴェル、エドワード・エルガー、リヒャルト・シュトラウス、セルゲイ・プロコフィエフ、ジョージ・ガーシュウィン、エイトル・ヴィラ＝ロボス、ホアキン・ロドリーゴ、ベーラ・バルトークなどが協奏曲を作曲した。バルトークはオーケストラのための協奏曲、つまり独奏者のいない協奏曲も作曲している。20世紀には、クラリネット、ヴィオラ、フレンチホルンなど、19世紀には軽視されていたオーケストラ楽器のための協奏曲が主要な作曲家によって発表された。[ 3 ] [ 4 ]
20世紀後半から21世紀にかけて、アルフレッド・シュニトケ、ジェルジ・リゲティ、ドミートリイ・ショスタコーヴィチ、フィリップ・グラス、ジェームズ・マクミランなど、多くの作曲家が協奏曲を書き続けてきました。この時期の興味深い特徴は、あまり一般的ではない楽器のための協奏曲が数多く生まれたことです。例えば、コントラバス（エドゥアルド・チュービンやピーター・マックスウェル・デイヴィスなどの作曲家による）やコーラングレ（マクミランやアーロン・ジェイ・カーニスなどの作曲家による）といったオーケストラ楽器だけでなく、民族楽器（チュービンのバラライカ協奏曲、セリーのバセッティ・アコーディオンのためのハ長調協奏曲[ 5 ] [ 6 ] 、ヴィラ＝ロボスやマルコム・アーノルドのハーモニカ協奏曲など）や、ロックバンドのための協奏曲であるディープ・パープルのグループとオーケストラのための協奏曲などがあります。[ 7 ] [ 3 ] [ 8 ]
過去の時代の協奏曲は、コンサートや録音のレパートリーにおいて依然として重要な位置を占めている。かつては一般的だった、演奏家自身が演奏するために協奏曲を作曲するという慣習は、現在ではあまり見られなくなったが、ダニール・トリフォノフのような作曲家兼演奏家によって、その慣習は今もなお受け継がれている。
イタリア語のconcertoは、調和や集まりを意味し、競争や戦いを意味するラテン語の動詞concertareに由来する。 [ 9 ]
1587年にアンドレアとジョヴァンニ・ガブリエーリの協奏曲集が出版された際、初めて楽曲が楽譜のタイトルに協奏曲として記載された。[ 9 ]
17 世紀には、声楽とオーケストラのための宗教作品は、一般的に協奏曲と呼ばれていました。これは、J. S. バッハが現在カンタータとして知られる多くの作品に「協奏曲」というタイトルを使用したことに反映されています。[ 10 ] [ 11 ]「協奏曲」という用語は、当初は声楽と楽器を含む作品を指すために使用されていました。楽器は独立したパートを持ち、声楽を伴奏する楽器は声楽パートを単に重ねるだけというルネサンス期の一般的な慣習とは対照的です。[ 12 ]この初期の協奏曲の形式の例としては、ジョヴァンニ・ガブリエーリの「In Ecclesiis」やハインリヒ・シュッツの「Saul, Saul, was verfolgst du mich」などがあります。 [ 13 ]
コンチェルトは、アルカンジェロ・コレッリによって発展したコンチェルト・グロッソ形式を皮切りに、後期バロック時代に現代的な形を取り始めた。コレッリのコンチェルティーノは、2つのヴァイオリン、チェロ、通奏低音で構成されていた。[ 14 ]例えば、 J.S.バッハのブランデンブルク協奏曲第5番では、コンチェルティーノはフルート、ヴァイオリン、チェンバロで構成されている。チェンバロはソロ楽器としてフィーチャーされているが、通奏低音の鍵盤伴奏としてリピエーノと共に演奏されることもある。 [ 15 ]
その後、協奏曲は現代的な形式に近づき、通常、協奏曲はオーケストラとともに (またはオーケストラに対して) 演奏する単一のソロ楽器に縮小されました。バロックの協奏曲の主な作曲家は、トンマーゾ アルビノーニ、アントニオ ヴィヴァルディ(例: L'estro armonico、La stravaganza、6 つのヴァイオリン協奏曲 Op. 6、12 の協奏曲 Op. 7、Il cimento dell'armonia e dell'inventione、6 つのフルート協奏曲 Op. 10、6 つの協奏曲 Op. 11 に掲載) です。および6つのヴァイオリン協奏曲作品12）、ゲオルク・フィリップ・テレマン、ヨハン・セバスティアン・バッハ、[ 16 ]ジョージ・フリデリック・ヘンデル、ピエトロ・ロカテッリ、ジャン＝マリー・ルクレール、ジュゼッペ・タルティーニ、フランチェスコ・ジェミニアーニ、ヨハン・ヨアヒム・クヴァンツ。この協奏曲は当時のイタリア様式を典型的に表す作品として意図されており、作曲家たちは皆、イタリア風（all'Italiana）の作曲方法を学んでいた。
バロック協奏曲は主に弦楽器（ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、時にはヴィオラ・ダモーレ、ヴィオラ・ダ・ガンバ、ハープ）または管楽器（フルート、リコーダー、オーボエ、ファゴット、ホルン、トランペット）のために作曲された。バッハは2つのヴァイオリンとオーケストラのための協奏曲も作曲している。[ 17 ]ピアノが発明される前のバロック時代には、鍵盤楽器協奏曲は比較的まれであったが、ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデルの12のオルガン協奏曲とヨハン・セバスチャン・バッハの13のチェンバロ協奏曲は例外である。
ヨハン・セバスチャン・バッハの息子たち、例えばCPEバッハの協奏曲は、バロック時代と古典派時代の協奏曲をつなぐ最良の例と言えるだろう。古典派時代以降の協奏曲の第1楽章はソナタ形式に従うのが通例である。終楽章はロンド形式であることが多く、J.S.バッハのホ長調ヴァイオリン協奏曲もその例である。[ 18 ]
モーツァルトは、1773年に作曲された第1番を除いて、すべて1775年に作曲された5つのヴァイオリン協奏曲を作曲しました。[ 19 ]これらの協奏曲には、特にイタリアとオーストリアの影響が見られます。いくつかの楽章は、オーストリアのセレナーデに見られるように、民謡に傾倒しています。モーツァルトはまた、ヴァイオリン、ヴィオラ、オーケストラのための協奏交響曲も作曲しました。ハイドンは、ヴァイオリンのための協奏曲を3つ、そして何よりもチェロのための協奏曲を2つ作曲しました。ベートーヴェンは、ヴァイオリン協奏曲を1つだけ作曲しましたが、それは1844年5月27日にヴァイオリンの名手ヨーゼフ・ヨアヒムによって演奏され、傑作として明らかになるまで、知られていませんでした。 [ 20 ]
CPE バッハの鍵盤協奏曲には、技巧的なソロの書き方が含まれている。それらのいくつかは、途切れることなく楽章が連続しており、楽章をまたいだ主題の参照が頻繁にある。[ 21 ]モーツァルトは、子供の頃、今ではあまり知られていない作曲家による4つのソナタを鍵盤とオーケストラ用に編曲した。その後、ヨハン・クリスティアン・バッハの3つのソナタ楽章を編曲した。20歳になる頃には、モーツァルトは協奏曲リトルネッリを書くことができ、独奏者が素材を展開する前に、5つか6つの鋭く対照的な主題で提示部でオーケストラがその性格を主張する素晴らしい機会を与えた。彼の27のピアノ協奏曲のうち、最後の17は高く評価されている。[ 22 ]目録に記載されている11の鍵盤協奏曲はハイドンに帰属され、そのうち7つは真作と考えられている。[ 23 ]ベートーヴェンはピアノとオーケストラのための協奏曲を5つ書いた。
CPE バッハはフルート協奏曲を 5 曲、オーボエ協奏曲を 2 曲作曲しました。モーツァルトはホルン協奏曲を 4曲、フルート協奏曲を2 曲、オーボエ協奏曲を 1 曲 (後にフルート用に編曲され、フルート協奏曲第 2 番として知られる)、クラリネット協奏曲を 1曲、ファゴット協奏曲を 1 曲、フルートとハープ協奏曲を 1 曲、そして事実上のソプラノ協奏曲である Exsultate, jubilate を作曲しました。[ 24 ]これらはすべて独奏楽器の特性を活用し、探求しています。ハイドンは重要なトランペット協奏曲と、ヴァイオリン、チェロ、オーボエ、ファゴット、オーケストラのための協奏交響曲、そしてホルン協奏曲を 1 曲作曲しました。ハイドンはコントラバス協奏曲も作曲しましたが、1779 年のエステルハーザの大火で失われてしまいました。
19世紀には、技巧を披露する手段として協奏曲が隆盛を極め、協奏曲はますます複雑で野心的な作品へと発展していった。バロック時代の典型的な協奏曲の演奏時間は約10分であったのに対し、ベートーヴェンの協奏曲は30分以上かかることもあった。コンチェルティーノ、あるいはドイツ語のコンツェルトシュトゥック（「協奏曲」）という用語は、完全な協奏曲とみなされるほど大きくない小品を指すために使われるようになったが、この区別は正式には定められておらず、多くのコンチェルティーノは依然としてバロック時代の協奏曲よりも長い。
ロマン派時代には、チェロは協奏曲の楽器としてますます用いられるようになったが、ヴァイオリンとピアノが最も頻繁に使用された楽器であり続けた。ベートーヴェンは、ピアノ、ヴァイオリン、チェロ、オーケストラのための三重協奏曲で、複数のソリストのための協奏曲のレパートリーに貢献し、その後、ブラームスはヴァイオリン、チェロ、オーケストラのための二重協奏曲を作曲した。
20世紀初頭に作曲された協奏曲の多くは、後期ロマン派、ひいては近代主義運動に属する。傑作は、エドワード・エルガー（ヴァイオリン協奏曲とチェロ協奏曲）、セルゲイ・ラフマニノフとニコライ・メトネル（それぞれ4曲と3曲のピアノ協奏曲）、ジャン・シベリウス（ヴァイオリン協奏曲）、フレデリック・ディーリアス（ヴァイオリン協奏曲、チェロ協奏曲、ピアノ協奏曲、ヴァイオリンとチェロのための二重協奏曲）、カロル・シマノフスキ（2曲のヴァイオリン協奏曲とピアノのための「協奏交響曲」）、リヒャルト・シュトラウス（2曲のホルン協奏曲、ヴァイオリン協奏曲、チェロを独奏楽器とする交響詩「ドン・キホーテ」、後期の作品ではオーボエ協奏曲）によって作曲された。
しかし、20世紀初頭の数十年間、ドビュッシー、シェーンベルク、ベルク、ヒンデミット、ストラヴィンスキー、プロコフィエフ、バルトークといった作曲家たちは、音楽の作曲方法、そして場合によっては演奏方法にも大きな影響を与えることになるアイデアの実験を始めた。こうした革新の中には、旋法のより頻繁な使用、非西洋音階の探求、無調性や新調性の発展、不協和音のより広い受容、十二音技法の発明、ポリリズムや複雑な拍子記号の使用などが含まれる。
これらの変化は、協奏曲という音楽形式にも影響を与えた。音楽言語に多かれ少なかれ根本的な変化をもたらしただけでなく、新たな拡張された楽器演奏技術や、これまで軽視されてきた音の高さ、音色、強弱といった側面への注目など、ヴィルトゥオーゾの概念の再定義にもつながった。場合によっては、ソリストの役割やオーケストラとの関係性にも新たなアプローチをもたらした。
20世紀初頭の音楽における二人の偉大な革新者、シェーンベルクとストラヴィンスキーは、ともにヴァイオリン協奏曲を作曲した。シェーンベルクの協奏曲の素材は、ベルクの協奏曲と同様に、十二音技法によって結び付けられている。20世紀、特に第二次世界大戦後、チェロはかつてないほどの人気を博した。その結果、チェロの協奏曲のレパートリーは、量と質の両面でピアノやヴァイオリンのレパートリーに追いついた。
20世紀には、協奏曲のレパートリーを持つ楽器も増え、その中にはこれまで協奏曲として使われたことがほとんどない、あるいは全くない楽器もあり、ラインホルト・グリエールによる無言のコロラトゥーラ・ソプラノのための協奏曲さえも生まれた。[ 25 ]その結果、現在ではほとんどすべてのクラシック楽器に協奏曲のレパートリーがある。多作な作曲家アラン・ホヴァネスの作品の中には、トランペットと弦楽器のための「聖グレゴリウスの祈り」があるが、これは通常の意味での協奏曲ではない。20世紀後半には、マックスウェル・デイヴィスなどの作曲家が協奏曲の伝統を受け継ぎ、彼のストラスクライド協奏曲シリーズでは、独奏楽器としてはあまり馴染みのない楽器が活用されている。
さらに、20世紀には、正統的な協奏曲の形式の中で、さまざまな非伝統的なオーケストラ楽器を取り入れることで、さらなる実験を試みた作曲家が数多く現れた。このグループには、パウル・ヒンデミット（ 1931年のトラウトニウムと弦楽オーケストラのための協奏曲） [ 26 ]、アンドレ・ジョリヴェ（ 1947年のオンド・マルトノ協奏曲） [ 27 ] 、エイトル・ヴィラ＝ロボス（1956年のハーモニカ協奏曲）[ 28 ] [ 29 ]、ジョン・セリー・シニア（1966年のバセッティ・アコーディオンのためのハ長調協奏曲） [ 30 ] [ 31 ] 、アストル・ピアソラ（ 1979年のバンドネオン、弦楽オーケストラ、打楽器のための協奏曲「アコンカグア」）[ 32 ] 、ピーター・マックスウェル・デイヴィス（ 1996年のピッコロとオーケストラのための協奏曲作品182）[ 33 ] [ 34 ]、タン・ドゥン（ 1998年のウォーター・パーカッションとオーケストラのための協奏曲）[ 35 ] [ 36 ]
この時代の他の作曲家たちは、バロック時代やロマン派時代に協奏曲形式を特徴づけていた特定の要素を新古典主義的に否定した。そのうち何人かは、協奏曲の構造の中にジャズの領域から様々な音楽的要素を取り入れることでこの目的を達成した。このグループには、アーロン・コープランド（ピアノ協奏曲、1926年）、モーリス・ラヴェル（左手のための協奏曲、1929年）、イーゴリ・ストラヴィンスキー（クラリネットとジャズバンドのためのエボニー協奏曲、1945年）、ジョージ・ガーシュウィン（ヘ長調協奏曲、1925年）が含まれる。[ 37 ]また、協奏曲形式の中でオーケストラ自体を主要な技巧的要素として機能させることを求めた作曲家もいた。このアプローチは、ベーラ・バルトークの管弦楽協奏曲だけでなく、ウォルター・ピストン（1933年）、ゾルターン・コダーイ（1939年）、マイケル・ティペット（1962年） 、エリオット・カーター（1969年）など、同時代の他の作曲家にも採用された。[ 37 ]
吹奏楽との協奏曲には以下のようなものがある。
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ヴィオッティのヴァイオリン協奏曲には初期ロマン派の特徴が見られるが、 1802年から1827年の間に作曲されたシュポアの12のヴァイオリン協奏曲こそが、旋律的かつ劇的な特質において真にロマン派の精神を体現している。[ 39 ]
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チェロ協奏曲の中で最も頻繁に演奏される「中核」となるレパートリーは、エルガー、ドヴォルザーク、サン＝サーンス、ハイドン、ショスタコーヴィチ、シューマンの作品だが、他にも多くの協奏曲がほぼ同頻度で演奏されている。
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バロック時代には、ヴァイオリン2本とチェロ1本がコンチェルト・グロッソの標準的な編成であった。古典派時代には、コンチェルト・グロッソに代わってシンフォニア・コンチェルタンテが用いられるようになったが、2人または3人の独奏者のための協奏曲も作曲され続けた。ロマン派時代以降、複数の独奏楽器奏者とオーケストラのための作品は再び協奏曲と呼ばれるようになった。
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20世紀と21世紀には、多くの作曲家が管弦楽のための協奏曲を作曲しました。これらの作品では、管弦楽団や吹奏楽団の様々なセクションや楽器が、曲の途中でソロパートや楽器が変化するなど、ソロパートやソロ楽器が強調される場面が何度か登場します。例としては、以下のような作曲家による作品が挙げられます。
デュティユーは自身の作品『メタボール』をオーケストラのための協奏曲と表現したこともある。
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