楽曲

楽曲とは、オリジナル の楽曲や作品（ボーカルまたは器楽）^[1] 、楽曲の構造、または新しい楽曲の作成や作曲のプロセスを指すことがあります。新しい楽曲を作成する人は作曲家と呼ばれます。主に歌の作曲者は通常ソングライターと呼ばれます。歌の場合、歌詞を書く人は作詞家と呼ばれます。西洋のクラシック音楽を含む多くの文化では、作曲行為には通常、楽譜「スコア」などの音楽記譜法の作成が含まれ、その後、作曲者または他のミュージシャンが演奏します。ポピュラー音楽や伝統音楽では、作詞作曲には、メロディー、歌詞、コード進行を示すリードシートと呼ばれる曲の基本的なアウトラインの作成が含まれる場合があります。クラシック音楽では、オーケストレーション（メロディー、伴奏、対旋律、ベースラインなど、音楽のさまざまなパートを演奏するオーケストラなどの大規模な音楽アンサンブルの楽器を選択すること）は通常、作曲家によって行われますが、ミュージカルやポップミュージックでは、作詞家が編曲家を雇うことがあります。場合によっては、ポップまたは伝統的な作詞家は記譜法をまったく使用せず、代わりに頭の中で曲を作り、それを記憶から演奏、歌唱、または録音することがあります。ジャズやポピュラー音楽では、影響力のある演奏家による注目すべきサウンドレコーディングは、クラシック音楽で書かれた、または印刷された楽譜が果たす役割と同じくらい重視されます。

楽曲は多くの場合、音楽記譜法を使用し、作者は 1 人ですが、常にそうであるとは限りません。音楽作品には複数の作曲家がいる場合があり、これはポピュラー音楽でバンドのメンバー全員が協力して曲を書く場合や、ミュージカル劇場で 1 人がメロディーを書き、2 人目が歌詞を書き、3 人目が曲を編曲する場合によく発生します。

楽曲は、言葉や画像で作曲されることもあるが、20世紀以降は、歌手や音楽家がどのように楽音を作り出すべきかを説明または記譜するコンピュータプログラムで作曲されることもある。例としては、図形記譜法を使用する20世紀の 前衛音楽から、カールハインツ・シュトックハウゼンの『もう一つの時代から』などのテキスト作曲、楽曲の音を選択するコンピュータプログラムまで多岐にわたる。ランダム性と偶然性を多用する音楽は偶然性音楽と呼ばれ、ジョン・ケージ、モートン・フェルドマン、ヴィトルド・ルトスワフスキなど、20世紀に活躍した現代作曲家に関連付けられている。偶然性に基づく、または不確定な音楽のより一般的な例としては、そよ風に揺れるウィンドチャイムの音が挙げられる。作曲の研究は伝統的に西洋クラシック音楽の手法と実践の検討が中心であったが、作曲の定義はポピュラー音楽や伝統音楽の歌曲や器楽作品の創作、フリージャズ演奏者やエウェ族のドラマーなどのアフリカの打楽器奏者による即興作品などを含むほど広い。

2000 年代には、ジャン＝バンジャマン・ド・ラボルド (1780、2:12) によれば、作曲は音楽の各側面(ハーモニー、メロディー、形式、リズム、音色)の操作で構成されると考えられています。

作曲は2つの要素から成り立っています。1つ目は、複数の音を順序付けて配置することです。その連続が耳に心地よいようにすることです。これは古代人がメロディーと呼んだものです。2つ目は、2つ以上の同時音を、その組み合わせが心地よいように聞こえるようにすることです。これはハーモニーと呼ばれ、それだけが作曲の名に値します。^[2]

録音の発明以来、クラシック曲やポピュラーソングは録音物として存在することがある。演奏前に作曲された音楽は、記憶から演奏することも（協奏曲演奏における独奏者やオペラや歌曲リサイタルにおける歌手の標準）、記譜法を読んで演奏することも（オーケストラ、コンサートバンド、合唱団などの大規模なアンサンブルの標準）、あるいはその両方の方法を組み合わせて演奏することもできる。たとえば、オーケストラの首席チェロ奏者は、交響曲ではトゥッティ部分を演奏しており、伴奏パートのほとんどを読むが、指揮者を見ることができるように、ソロの一部を暗記する。楽曲は、ジャンルや文化によって大きく異なる多種多様な音楽要素から構成される。1960年頃以降のポピュラー音楽のジャンルでは、エレキギターやエレキベースなどの電気楽器や電子楽器が多用されている。ポピュラー音楽ほどではないにせよ、現代のクラシック音楽の楽曲やコンサートでも電気楽器や電子楽器が使用されている。たとえば、バロック音楽時代（1600～1750年）の音楽では、弦楽器、金管楽器、木管楽器、ティンパニなどのアコースティック楽器と機械楽器、およびハープシコードやパイプオルガンなどの鍵盤楽器のみが使用されていました。2000年代のポップバンドでは、ギターアンプを通した電子効果で演奏されるエレキギター、デジタルシンセサイザーキーボード、電子ドラムが使用されることがあります。

ピースは「17世紀以降、主に器楽作品に使われるようになった一般的な非専門用語である。個々に扱われる場合を除いて、『ピース』やその同義語はソナタや交響曲の楽章にはほとんど使われない。作曲家はこれらの用語を[それぞれの言語で]複合形（例えばKlavierstück）で頻繁に使用してきた。声楽では、この用語はオペラアンサンブルに最も頻繁に使用される。」^[3]

作曲技法は、視覚芸術の形式的要素と類似している。時には、作品全体が通し作曲されることもある。つまり、各パートは異なり、セクションの繰り返しはない。その他の形式には、連作、ロンド、詩と合唱などがある。一部の作品は、設定された音階に基づいて作曲されており、その場合、作曲技法は特定の音階の使用とみなされる。他の作品は、演奏中に作曲され（即興を参照）、さまざまな技法が使用されることもある。よく知られている特定の曲から使用されるものもある。^[要出典]

調性音楽の作曲では、旋法や主音など、使用される音階が重要である。同様に、中東の音楽では、即興的な文脈の中で特定の旋法（マカーム）に厳密に基づいた作曲が用いられることが多く、これはヒンドゥスターニー音楽とカルナータカ音楽の両方におけるインド古典音楽でも同様である。^[4]

20世紀と21世紀に技術が発展するにつれ、音楽作曲の新しい方法が生まれました。EEGヘッドセットはミュージシャンの脳波を解釈して音楽を作るためにも使われてきました。^{[5]この方法は、障害を持つミュージシャンとDJフレッシュがコラボレーションしたプロジェクト}・マインドチューンズ^[6]や、アーティストのリサ・パークやマサキ・バトーによっても使われています。

作品を異なる音楽アンサンブルに適応させる作業は編曲またはオーケストレーションと呼ばれ、作曲家自身が行うことも、作曲家の核となる作品に基づいて編曲家が別途行うこともあります。このような要素に基づいて、作曲家、オーケストレーター、アレンジャーは、元の作品の楽器編成を決定する必要があります。2010年代には、現代の作曲家は、標準的なオーケストラで使用される弦楽器セクション、木管楽器セクション、金管楽器セクションから、シンセサイザーなどの電子楽器に至るまで、事実上、ほぼあらゆる楽器の組み合わせで曲を書くことができます。一般的なグループ設定には、フルオーケストラ（弦楽器、木管楽器、金管楽器、打楽器で構成）、コンサートバンド（通常のオーケストラよりも大規模で多様な木管楽器、金管楽器、打楽器で構成）、または室内楽グループ（楽器の数は少ないが、少なくとも2つ）の音楽があります。作曲家は1つの楽器だけのために曲を書くことも選択できます。その場合、これはソロと呼ばれます。ソロは、ピアノ独奏やチェロ独奏の作品のように無伴奏の場合もあれば、別の楽器やアンサンブルによる伴奏付きの場合もあります。

作曲家は楽器のためだけに作曲するわけではなく、声楽のために作曲することもある（合唱作品、一部の交響曲、オペラ、ミュージカルなど）。また、打楽器や電子楽器のために作曲することもある。あるいは、ミュージック・コンクレートの場合のように、作曲家は、タイプライターやサイレンなど、音楽の創作とは関係のない多くの音を使って作業することもできる。 ^[7]エリザベス・スワドスの著書『 Listening Out Loud 』では、作曲家は各楽器の能力を完全に理解していなければならないこと、また楽器が競合するのではなく互いに補完し合わなければならないことを説明している。彼女は、以前の作品でチューバとピッコロを一緒に演奏していた例を挙げている。これでは明らかにピッコロの音がかき消されてしまう。楽曲に選ばれた各楽器には、作曲家が作品の中で伝えようとしていることに貢献する理由がなければならない。^[8]

アレンジとは、マッシュアップや様々な現代クラシック作品のように、先行する素材を利用してそれについてコメントする作曲のことである。^[9]

1750 年代以降の西洋クラシック音楽のように、音楽が比較的正確に記譜されている場合でも、記譜では音楽演奏の要素がすべて指定されているわけではないため、演奏者や指揮者が下す必要がある決定は数多くあります。 以前に作曲され記譜された音楽をどのように演奏するかを決定するプロセスは、「解釈」と呼ばれます。 同じ音楽作品に対する異なる演奏者や指揮者の解釈は、選択されるテンポ、演奏または歌唱スタイル、メロディーのフレージングの点で大きく異なる場合があります。 コンサートで自分の音楽を披露する作曲家や作詞家は、他の人の音楽を演奏する人と同じように、自分の曲を解釈しています。 特定の時間と場所に存在する標準的な選択とテクニックの集合は、演奏実践と呼ばれますが、解釈は一般に演奏者の個々の選択を意味します。^{[引用が必要]}

著作権は政府により付与される独占権であり、一定期間内に、作曲者または職務著作の場合は作曲者の雇用主などの楽曲の所有者に、楽曲の内容と演奏方法を説明した楽譜を出版する独占権など、楽曲に対する一連の排他的権利を与えるものである。著作権では、楽曲を同じように使用したい人は誰でも、所有者からライセンス（許可）を取得する必要がある。法域によっては、作曲者が著作権の一部を他の当事者に譲渡することができる。多くの場合、自身が出版社として事業を行っていない作曲者は、正式な出版社に著作権権を一時的に譲渡し、その出版社に作曲者の作品の出版とその後のライセンスの両方を管理するライセンスを与える。これらの作曲家と出版社の契約は、著作権法ではなく契約法によって規定されており、通常、作品に関連する出版社の活動から得られた利益を、著作権使用料の形で作曲家とどのように分配するかについての合意が含まれる。

著作権の範囲は一般に、さまざまな国際条約とその実施によって定義され、これらは国内法の形をとり、慣習法域では判例法の形をとります。これらの協定と対応する法律は、録音に適用される権利と楽曲に適用される権利を区別しています。たとえば、ベートーベンの第 9 交響曲はパブリック ドメインですが、世界のほとんどの地域では、その楽曲の特定の演奏の録音は通常パブリック ドメインではありません。著作権の観点からは、歌詞やその他の演奏された言葉は、非歌詞要素とは作者や著作権者が異なっていても、楽曲の一部とみなされます。多くの法域では、楽曲の特定の使用について強制ライセンスを認めています。たとえば、著作権法では、レコード会社が作曲者または出版社が所属する著作権団体に少額の料金を支払うことと引き換えに、カバー バンドによる作曲者または出版社の楽曲の演奏を収録した CD を作成し配布する権利を認めている場合があります。ライセンスが「強制的」なのは、著作権者がライセンスを拒否したり、ライセンスの条件を設定したりできないためです。著作権団体は通常、ライブミュージシャンによるものでも、ラジオやインターネットを介した録音の送信によるものでも、楽曲の公開演奏のライセンスも管理します。

米国の最初の著作権法には楽曲は含まれていなかったが、1831年の著作権法の一部として追加された。米国著作権局が発行した楽曲および録音物の著作権登録に関する回状によると、楽曲は次のように定義されている。「楽曲は音楽と付随する言葉で構成され、通常は舞台芸術の作品として登録されます。楽曲の著作者は通常、作曲者であり、作詞家がいる場合は作詞家です。楽曲は、記譜されたコピー（たとえば楽譜）の形式、またはレコード（たとえばカセットテープ、LP、CD）の形式である場合があります。レコードの形式で楽曲を送付することは、必ずしも録音物の著作権を主張することを意味するものではありません。」^[10]

1988年著作権・意匠・特許法では、音楽作品とは「音楽とともに歌われたり、話されたり、演奏されることを意図した言葉や動作を除いた、音楽からなる作品」と定義されています。 ^[11]

インドでは、1984年に著作権（改正）法が導入されるまで、1957年の著作権法が文学、演劇、音楽、美術のオリジナル作品に適用されていました。改正法では、音楽作品に新たな定義が設けられ、「音楽作品とは、音楽で構成され、その作品のグラフィック表記を含むが、音楽に合わせて歌われたり、話されたり、演奏されることを意図した言葉や動作は含まれない作品を意味する」としています。^[12]

• ラボルド、ジャン＝バンジャマン・ド。 1780. Essai sur la musique Ancienne et moderne、4 巻。パリ: Ph.D.ピエール＆ウジェーヌ・オンフロワ。

• ソース・ケラー、マルチェロ [それ;で]。 1998. 「Siamo tutti compositori. Alcune riflessioni sulla distribuzione sociale del processo compositivo」。Schweizer Jahrbuch für Musikwissenschaft、Neue Folge 18:259–330。
• ソルセ・ケラー、マルチェロ。2019「作曲」、ジャネット・スターマン（編）SAGE音楽文化百科事典。ロサンゼルス：SAGEリファレンス、2019年、第2巻、618〜623。

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