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音楽において、形式とは楽曲や演奏の構造を指します。ジェフ・トッド・ティトンは著書『音楽の世界』の中で、楽曲の形式的構造は、例えば「繰り返しや変化を示すリズム、メロディー、ハーモニーの音楽単位の配置、楽器の配置（ジャズやブルーグラスの演奏におけるソロの順序など）、交響曲のオーケストラの編成方法」など、さまざまな要素によって決まる可能性があるとしています。[1]つまり、「聴き手にとって意味のある音楽体験を生み出すために楽曲が形作られる方法」です。[2]
「形式とは、楽曲の最大の形状を指します。音楽における形式は、上記の4つの構造要素[音、ハーモニー、メロディー、リズム]の相互作用の結果です。」[3]
これらの構成要素は、フレーズと呼ばれる小さな単位に分割されることがあります。フレーズは音楽のアイデアを表現しますが、単独では十分な重みがありません。[4] 音楽形式は、これらのアイデアの拡大と発展を通じて時間の経過とともに展開します。調性和声では、形式は主にカデンツ、フレーズ、およびピリオドを通じて表現されます。[ 2 ]「形式は、作品のより大きな形を指します。音楽における形式は、音、ハーモニー、メロディー、およびリズムの4つの構造要素の相互作用の結果です。」[3]
しかし、最近では、音楽の輪郭の影響下で形式が存在する可能性があると述べられており、これは輪郭形式としても知られています。[5] 2017年、スコット・サウィッツは、アントン・ウェーベルンの作品16第2番での出現を強調して、この概念に注目を集めました。
固定された構造に従わず、即興性に頼る作曲は自由形式と見なされます。ファンタジアはその一例です。[6]作曲家ドビュッシーは1907年に「音楽は本質的に、伝統的で固定された形式に押し込められるものではないとますます確信しています。音楽は色彩とリズムでできています。」と書いています。[7]
ラベリング
音楽家たちは、形式を記述するプロセスを支援するために、音楽の単位を文字でラベル付けする単純なシステムを開発しました。クレイグ・ライト教授は、教科書『 Listening to Music』の中で、次のように書いています。
音楽的アイデアの最初の表現はAで示される。それに続く対照的なセクションはB、C、D、などとラベル付けされる。最初の音楽単位または他の音楽単位がさまざまな形で繰り返される場合、そのバリエーションは上付き数字で示される（たとえばA 1、B 2）。各大きな音楽単位の細分は小文字（a、bなど）で示される。[8]
作家によっては、密接に関連しているがわずかに異なるセクションを示すために、プライム ラベル ( 「B プライム」と発音されるB′や 「B ダブル プライム」と発音されるB″など) を使用することもあります。
組織のレベル
音楽形式の創始レベルは、次の 2 つの部分に分けられます。
- 脈拍を、アクセントのない拍とアクセントのある拍に配置すること。これは、調和するとモチーフや音階を生み出す小節のセルです。
- このような小節を反復と変化によってさらに組織化して、例えば長い終音と息継ぎのスペースによって定義される、メロディーとハーモニーに暗示される一定のリズムと持続時間を持つ真の音楽フレーズにします。この「フレーズ」は音楽形式の基本単位と見なすことができます。2拍子または3拍子の小節に分解できますが、その際立った性質は失われます。このレベルでも、反復とコントラスト、弱音と強音、クライマックスと休止の原則の重要性がわかります。[9] [a]したがって、形式は3つの組織レベルで理解できます。この説明の目的のために、これらのレベルは大まかにパッセージ、ピース、サイクルとして指定できます。
通路
構成の最小レベルは、音楽のフレーズが、歌の詩のような音楽的な文章や「段落」に編成される方法に関係します。これは、詩の形式や言葉の拍子、またはダンスのステップと比較され、多くの場合、それらによって決定されます。
たとえば、12 小節ブルースは特定の詩の形式ですが、共通メーターは多くの賛美歌やバラードに見られ、また、エリザベス朝のガリアードは、多くのダンスと同様に、その反復するステップのパターンに合うように特定のリズム、ペース、メロディーの長さを必要とします。より単純なスタイルの音楽は、このレベルの形式で多かれ少なかれ完全に定義される可能性があり、したがって、最初に述べた緩い意味と大きくは異なりません。この意味では、リズム、ハーモニー、音色、臨時記号、メロディーの慣習が伴う場合があります。
ピース（または動き）
次のレベルは、単一の自己完結的な楽曲または楽章の全体構造に関するものです。上で言及した賛美歌、バラード、ブルース、またはダンスが、単に同じ音楽素材を無限に繰り返す場合、その楽曲は全体として連節形式であると言われます。設定、装飾、または楽器編成などで、毎回明確で持続的な変化を伴って繰り返される場合、その楽曲は主題と変奏曲です。詩とコーラスが交互に繰り返される歌や、ハンガリーのチャルダッシュの緩急が交互に繰り返される部分のように、2つの明確に異なる主題が無限に交互に繰り返される場合、これは単純な2部形式を生み出します。主題が（おそらく2回）演奏され、新しい主題が導入され、その後、楽曲が最初の主題に戻って終了する場合、単純な3部形式になります。
「3部構成」や「2部構成」といった用語によって、大きな議論や誤解が生じる可能性がある。複雑な楽曲には、異なる構成レベルで両方の要素が含まれることがあるからである。[要出典]メヌエットは、他のバロック舞曲と同様に、一般的には単純な2部構成 ( AABB ) であったが、ソロ楽器用に編曲された別のメヌエット (トリオと呼ばれる) の導入によって頻繁に拡張され、その後最初のメヌエットが再び繰り返されて楽曲が終了する (これが3部構成である) ABA : 楽曲は、低い作曲レベルでは2部構成であるが、高いレベルでは3部構成である。構成レベルは、西洋音楽学では明確かつ普遍的に定義されておらず、「セクション」や「パッセージ」などの言葉は、さまざまな学者によってさまざまなレベルで使用されており、シュランカー[要出典]が指摘するように、その定義は、音楽家によって考案された無数の革新やバリエーションに追いつくことができない。
サイクル
最も壮大なレベルの編成は「循環形式」と呼ばれる。[要出典]これは、いくつかの独立した作品を大規模な作品に編成することに関する。たとえば、関連するテーマを持つ一連の歌曲は歌曲集として提示され、バロックダンスのセットは組曲として提示される。オペラやバレエでは、歌とダンスをさらに大きな形式に編成することがある。交響曲は一般に 1 つの作品と見なされているが、複数の楽章に分かれている (単独で演奏する場合は通常、独立した作品として機能する)。このレベルの音楽形式は、これもさまざまなジャンルに適用され、生み出されるが、使用される音楽編成の方法をより考慮している。たとえば、交響曲、協奏曲、ソナタは規模と目的が異なりますが、編成方法は一般的に互いに似ています。より大きな形式を構成する個々の作品は、楽章と呼ばれることがある。
西洋音楽の一般的な形式
ショールズは、ヨーロッパのクラシック音楽には、単純二部曲、単純三部曲、複合二部曲、ロンド、変奏曲付きアリア、フーガの6つの独立した形式しかないと提唱した（ただし、音楽学者アルフレッド・マンは、フーガは主に作曲方法であり、時には特定の構造的慣習を採用していると強調した）。[10]
チャールズ・カイルは形式と形式の詳細を「部分的、発展的、または変奏的」に分類した。[11]
断面形状
この形式は、文字で表すこともできるが、導入部とコーダ、提示部、展開部と再現部、詩、合唱またはリフレイン、ブリッジなどの総称を持つこともある明確な単位[12]の連続から構成される。セクション形式には 以下のものがある。
節形式
連節形式（詩繰り返し形式、合唱形式、AAA歌曲形式、または一部歌曲形式とも呼ばれる）は、テキストのすべての詩または節が同じ音楽に合わせて歌われる歌の構造です。
メドレーまたは「チェーン」形式
メドレー、ポプリ、またはチェーン形式は、その正反対で、「無制限のバリエーション」です。つまり、単に自己完結的なセクション ( ABCD ...) の不定のシーケンスであり、繰り返し ( AABBCCDD ...) が含まれることもあります。
バイナリ形式
「バイナリ形式」という用語は、長さがほぼ同じ2つのセクションを持つ楽曲を表すために使用されます。バイナリ形式は、ABまたはAABBと表記されます。[13]グリーンスリーブスの例を使用すると、最初のシステムは2番目のシステムとほぼ同じです。最後の小節半がわずかに異なるため、最初のシステムをA、2番目のシステムをA′（Aプライム）と呼びます。次の2つのシステム（3番目と4番目）もほぼ同じですが、最初の2つのシステムとはまったく新しい音楽のアイデアです。最後の小節半がわずかに異なるため、3番目のシステムをB、4番目のシステムをB' （Bプライム）と呼びます。全体として、この音楽作品はバイナリ形式： AA′BB′です。[13]
三項形式
三部形式は、第3部が第1部の主要なアイデアを繰り返すか、少なくともそれを含む3部構成の音楽形式で、ABAと表される。[14]単純三部形式と複合三部形式の両方がある。ダ・カーポ・アリアは通常、単純三部形式（つまり「頭から」）である。複合三部形式（またはトリオ形式）も同様にABAパターンを伴うが、各セクション自体はバイナリ（繰り返される可能性のある2つのサブセクション）または（単純）三部形式のいずれかである。
ロンド形式
この形式には、繰り返し登場する主題と、それと交互に現れる異なる (通常は対照的な) セクション (「エピソード」と呼ばれる) があります。非対称 ( ABACADAEA ) または対称 ( ABACABA ) の場合があります。繰り返し登場するセクション、特にメインテーマは、より徹底的に変化する場合もあれば、1 つのエピソードがメインテーマの「展開」である場合もあります。同様のアレンジは、バロックのコンチェルト グロッソのリトルネッロ形式です。アーチ形式( ABCBA ) は、メインテーマの中間繰り返しのない対称的なロンドに似ています。
変分形式
変奏形式とは、変奏が重要な形成要素となる形式です。
主題と変奏:主題は、それ自体はどんな短い形式 (2 部、3 部など) でも構いませんが、唯一の「セクション」を形成し、無限に繰り返されます (連節形式の場合のように) が、そのたびに変化します (A、B、A、F、Z、A)。そのため、一種のセクション チェーン形式になります。17 世紀の英国音楽やパッサカリア、シャコンヌでよく使われたこの変奏の重要なバリエーションは、グラウンド ベースです。グラウンド ベースとは、繰り返されるベース主題またはバッソオスティナートの上で、その周囲に残りの構造が展開され、多くの場合、ポリフォニックまたは対位法のスレッドを紡ぎ、または分割とデスキャントを即興で行いますが、常にそうとは限りません、無伴奏または伴奏付きの独奏器楽音楽の最も優れた形式ですロンドには、さまざまなセクション ( AA 1 BA 2 CA 3 BA 4 ) または ( ABA 1 CA 2 B 1 A )が含まれることがよくあります。
ソナタ・アレグロ形式
ソナタ・アレグロ形式（ソナタ形式または第1楽章形式とも呼ばれる）は、通常、提示部、展開部、再現部の名目上の区分を持つ、より大きな三部形式に成形されます。常にではありませんが、通常、「A」部分（それぞれ提示部と再現部）は、2つまたは3つのテーマまたはテーマグループに分割され、ばらばらにされて再結合され、「B」部分（展開部）を形成します。つまり、たとえば、(AabB[aおよび/またはbの分解]A 1 ab 1 +コーダ)となります。
ソナタ形式は「古典派から20世紀に至るまでの音楽形式、または形式上の最も重要な原則」である。[15]通常は多楽章作品の第1楽章の形式として使用される。そのため、「第1楽章形式」または「ソナタ・アレグロ形式」とも呼ばれる（通常、最も一般的な第1楽章はアレグロのテンポであるため）。[16]
ソナタ形式の楽章の各セクションには独自の機能があります。
- 冒頭に紹介文があるかもしれません。
- 序論に続いて、提示部が最初の必須セクションとなります。ここでは、主題の素材を基本的な形で提示します。提示部には通常 2 つのテーマまたはテーマ グループがあり、それらは対照的なスタイルとキーで、トランジションによって接続されています。提示部の最後には、セクションを締めくくる終曲テーマがあります。
- 序論の後には、序論の内容を展開する展開セクションが続きます。
- 展開部の後には、主題が主調で戻る再現部と呼ばれる戻り部があります。
- 楽章の終わりには再現部の後にコーダが置かれることがある。 [16]
西洋のポピュラー音楽で使用される形式
いくつかの形式は、ジャンル特有の形式を含め、主にポピュラー音楽で使用されています。ポピュラー音楽の形式は、多くの場合、連節形式（AAA曲形式）、32小節形式（AABA曲形式）、ヴァース・コーラス形式（AB曲形式）、12小節ブルース形式（AAB曲形式）から派生しています。[17]
断面形状
- AABA 別名アメリカンポピュラー
- AB 別名ヴァース/コーラス
- ABC 別名バース/コーラス/ブリッジ
- アバブ
- ABAC 別名バース/コーラス/バース/ブリッジ
- ABCD （通し作曲）
- ブルースの歌の形式
- AAB 別名12 小節ブルース
- 8小節ブルース
- 16小節ブルース
[17]を参照
拡張フォーム
拡張フォームは、上記のフォームのいずれかをルートとして持ちますが、追加のセクションによって拡張されたフォームです。例:
- ああああ
- アアババ
複合語
ハイブリッド歌曲形式とも呼ばれる。複合歌曲形式は2つ以上の歌曲形式を組み合わせたものである。[17]
ポピュラー音楽のセクション名
- 紹介またはイントロ
- 詩
- 控える
- プレコーラス / 上昇 / 上昇
- コーラス
- ポストコーラス
- 橋
- ミドルエイト
- ソロ / インストゥルメンタルブレイク
- 衝突
- コーダ / アウトロ
- アドリブ（CODA / Outro でよく使われる）
循環形式
13 世紀には、関連する歌曲の集まりである連作歌曲集が登場しました (組曲は関連するダンスの集まりです)。オラトリオは、歌手が演じるのではなく語る物語として 16 世紀後半に形作られました。[説明が必要]
参照
注記
- ^ 参照:拍子 (音楽)
参考文献
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- ^ abc 「歌の形式ガイド - 歌の形式の概要」Songstuff。2014年2月19日。
さらに読む
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- ケイル、チャールズ。1987年。「参加の不一致と音楽の力」文化人類学2、第3号（8月）：275-83。
- Cadwallader, Allen. 1990. 「形態と音調のプロセス。異なる構造レベルのデザイン」。Schenkerian Research の動向、A. Cadwallader 編。ニューヨークなど: Schirmer Books: 1-21。
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- シュマルフェルト、ジャネット。1991年、「シェンカーの概念と伝統的および最近の形式理論との調和に向けて」、音楽分析10:233-287。
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- ウェブスター、ジェームズ。2009年、「理論と実践における形式学」、音楽形式、形式、形式学：3つの方法論的考察、P.ベルジェ編。ルーヴェン：LUP：123-139。
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- シュマルフェルト、ジャネット。2011年、「生成の過程：19世紀初頭の音楽の形式に関する分析的および哲学的観点」、ニューヨーク：オックスフォード大学出版局。
- チェッキ、アレッサンドロ (編)。 2015.シェンカーのフォルメンレーレ。Rivista di Analisi e Teoria Musicale XXI、第 2 番。
外部リンク
Wikiquote に音楽形式に関する引用句があります。
- パーシー・ゲッチアス著『音楽形式のレッスン』、1904年
- 音楽形式の学習ガイド: 標準化された形式カテゴリと概念の完全な概要 (Robert T. Kelley 著) 2019-01-11 にWayback Machineでアーカイブ
- アラン・ベルキン著『音楽作曲の実践ガイド』
- 形態形成：形態を構造化する一般的な手順、Panayiotis Kokoras 著