バレエ

バレエ（フランス語: [balɛ] ）は、15世紀のイタリアルネッサンス時代に始まり、後にフランスとロシアでコンサートダンス形式に発展したパフォーマンスダンスの一種です。以来、独自の語彙を持つ、広く普及した高度な技術を要するダンス形式となっています。バレエは世界的に影響力を持ち、他の多くのダンスジャンルや文化で使用される基礎技術を定義してきました。世界中のさまざまな学校が独自の文化を取り入れています。その結果、バレエは独特の方法で進化してきました。

バレエは、バレエ作品の振り付けと音楽から成り立つ統一作品です。バレエは、訓練を受けたバレエダンサーによって振り付けられ、演じられます。伝統的なクラシックバレエは通常、クラシック音楽の伴奏で演じられ、凝った衣装と舞台装置が使用されますが、モダンバレエは、多くの場合、シンプルな衣装で演じられ、凝ったセットや背景は使用されません。

バレエはフランス語で、その語源はイタリア語の「balletto 」である。これは「ballo（ダンス）」の縮小形であり、ラテン語の「ballo」、「ballare（踊る）」に由来する。^{[1] [2]}これはギリシャ語の「βαλλίζω」（ballizo）、「踊る、飛び跳ねる」に由来する。^{[2] [3]}この単語は1630年頃にフランス語から英語に伝わった。

フランス語では、この単語はバレエのパフォーマンス、バレエ作品、そしておそらくダンスのジャンルそのものを指しますが、後者の意味にはdanse classice という表現もあり、こちらの方が曖昧さが少なく、このダンスの習得を指すときによく使用されます。

バレエは15世紀から16世紀のイタリアのルネサンス宮廷で生まれました。カトリーヌ・ド・メディシス女王の影響下でフランスに広まり、そこでさらに発展しました。^{[4]これらの初期の}宮廷バレエのダンサーは、ほとんどが貴族のアマチュアでした。装飾された衣装は観客に印象を与えるためのものでしたが、パフォーマーの動きの自由を制限しました。^[5]

バレエは三方を観客が囲む大きな部屋で上演された。 1618年にプロセニアム・アーチが導入され、観客と演者の距離が遠くなるため、観客はプロのダンサーの技をよりよく鑑賞できるようになった。^{[6] [7]}

フランス宮廷バレエは、ルイ14世の治世中に最高潮に達した。ルイは1661年に、基準を確立し、ダンス指導者を認定するために、王立舞踊アカデミーを設立した。 ^[8] 1672年、ルイ14世はジャン＝バティスト・リュリをパリ王立音楽アカデミーのディレクターに任命し、そこから最初のプロのバレエ団であるパリ・オペラ座バレエ団が誕生した。^[9] ピエール・ボーシャンはリュリのバレエマスターを務めた。彼らのパートナーシップはバレエの発展に劇的な影響を与え、5つの主要な足の位置を考案したとされている。1681年までに、アカデミーで何年も訓練を受けた最初の「バレリーナ」が舞台に立った。^[5]

1830年以降、フランスではバレエは衰退し始めたが、デンマーク、イタリア、ロシアでは発展を続けた。第一次世界大戦前夜にセルゲイ・ディアギレフ率いるバレエ・リュスがヨーロッパに到着したことで、バレエへの関心が復活し、近代時代が始まった。^[10]

20世紀には、バレエは他のダンスのジャンルに幅広い影響を与えました。^{[11]また、20世紀には、バレエはクラシックバレエから}モダンダンス の導入へと方向転換し、いくつかの国でモダニズム運動につながりました。^[12]

20世紀の有名なダンサーには、アンナ・パブロワ、ガリーナ・ウラノワ、ルドルフ・ヌレエフ、マイヤ・プリセツカヤ、マーゴット・フォンテイン、ロゼラ・ハイタワー、マリア・トール・チーフ、エリック・ブルーン、ミハイル・バリシニコフ、スザンヌ・ファレル、ゲルシー・カークランド、ナタリア・マカロワ、アーサー・ミッチェル、ジーン・デヴェローなどがいます。^[13]

スタイルのバリエーションとサブジャンルは、時とともに進化してきました。初期の古典的なバリエーションは、主に地理的起源と関連しています。例としては、ロシアバレエ、フランスバレエ、イタリアバレエなどがあります。後期のバリエーション、例えばコンテンポラリーバレエやネオクラシカルバレエは、古典的なバレエと非伝統的なテクニックや動きの両方を取り入れています。おそらく最も広く知られ、上演されているバレエのスタイルは、後期ロマン派バレエ（またはバレエ・ブラン）です。^[14]

クラシックバレエは、伝統的なバレエのテクニックと語彙に基づいています。^[15]フランスバレエ、イタリアバレエ、イギリスバレエ、ロシアバレエなど、さまざまなスタイルがさまざまな国で生まれました。^[16]クラシックバレエのスタイルのいくつかは、特定のトレーニング方法に関連付けられており、通常は考案者にちなんで名付けられています（以下を参照）。ロイヤルアカデミーオブダンスメソッドは、さまざまなバレエダンサーのグループによって設立されたバレエテクニックとトレーニングシステムです。彼らはそれぞれのダンスメソッド（イタリア、フランス、デンマーク、ロシア）を融合して、組織独自の新しいスタイルのバレエを生み出し、イギリススタイルのバレエとして国際的に認識されています。^[10]クラシックバレエ作品の例には、白鳥の湖、眠れる森の美女、くるみ割り人形などがあります。

ロマンティック・バレエは古典バレエの芸術運動であり、今日でもいくつかの作品が古典バレエのレパートリーとして残っている。ロマンティック時代は、ポワント・ワークの出現、女性ダンサーの優位性、柔らかさと繊細なオーラを表現しようとする長くてゆったりとしたチュチュが特徴的であった。^[5]この運動は19世紀前半から中頃（ロマンティック時代）に起こり、美的経験の源として激しい感情を強調するテーマが特徴であった。多くのロマンティック・バレエの筋書きは、人間の心と感覚を奴隷にする精霊の女性（シルフ、ウィリ、幽霊）を中心に展開した。1827年のバレエ「ラ・シルフィード」が最初のものと広く考えられており、1870年のバレエ「コッペリア」が最後のものと考えられている。^{[4]ロマンティック時代の有名なバレエダンサーには}、マリー・タリオーニ、ファニー・エルスラー、ジュール・ペローがいる。ジュール・ペロは振付家としても知られており、特に『ジゼル』は最も広く称賛されているロマンティック・バレエとみなされています。^[5]

新古典派バレエは通常抽象的で、明確な筋書きや衣装や舞台装置はない。音楽の選択は多様で、しばしば新古典派の音楽も含まれる（例：ストラヴィンスキー、ルーセル）。『 From Petita to Balanchine』の著者ティム・ショールは、 1928年のジョージ・バランシンの『アポロ』を最初の新古典派バレエとみなしている。 『アポロ』はセルゲイ・ディアギレフの抽象バレエへの応答として原点回帰を示した。バランシンはモダンダンスの振付師マーサ・グラハムと協力し、 1959年にバランシンの『エピソード』に出演したポール・テイラーなどのモダンダンサーを自身のカンパニーに迎えた。^[17]

バランシンは新古典派バレエの代表的人物と広くみなされているが、重要な貢献をした人物は他にもいる。フレデリック・アシュトンの『シンフォニック・ヴァリエーション』（1946年）は、この振付師にとって重要な作品である。セザール・フランクの同名の音楽に合わせて、純粋にダンスとして解釈された作品である。^[5]

もう一つの形式であるモダンバレエも、新古典主義から派生して登場した。この形式の革新者には、グレン・テトリー、ロバート・ジョフリー、ジェラルド・アルピーノなどがいた。モダンバレエを新古典主義から切り離すのは難しいが、これらの振付師の作品は、バレエの繊細さから離れた、より運動的な要素を好んでいた。身体性はより大胆になり、雰囲気、主題、音楽はより強烈になった。その一例が、ジョフリーの『アスタルト』（1967年）で、ロック音楽と性的なニュアンスを振付に取り入れていた。^[10]

このバレエスタイルは裸足で踊られることが多い。コンテンポラリーバレエにはパントマイムや演技が含まれることがあり、通常は音楽（通常はオーケストラだが、時にはボーカル）に合わせて踊られる。この形式をネオクラシカルバレエやモダンバレエと区別するのは難しいかもしれない。コンテンポラリーバレエはコンテンポラリーダンスにも近い。なぜなら、コンテンポラリーバレエのコンセプトの多くは、フロアワークや脚の内転など、20世紀のモダンダンスのアイデアや革新から来ているからだ。主な違いは、コンテンポラリーバレエを踊るにはバレエテクニックが不可欠だということだ。

ジョージ・バランシンは、現代バレエの先駆者とみなされています。もう一人の初期の現代バレエ振付師、トワイラ・サープは、1976年にアメリカン・バレエ・シアターのために『Push Comes To Shove』を振付し、1986年には自身のカンパニーのために『In The Upper Room』を創作しました。これらの作品はどちらも、トウシューズの使用と古典的な訓練を受けたダンサーの使用と、明らかに現代的な動きを融合させた点で革新的であると考えられていました。

今日、現代バレエ団や振付師は数多く存在します。これらには、アロンゾ・キングと彼のカンパニーLINES Ballet、マシュー・ボーンと彼のカンパニーNew Adventures、コンプレクションズ・コンテンポラリー・バレエ、ナチョ・ドゥアトと彼のカンパニー・ナシオナル・デ・ダンサ、ウィリアム・フォーサイスとフォーサイス・カンパニー、そしてネーデルランド・ダンス・シアターのイジー・キリアンが含まれます。マリインスキー（キーロフ）バレエ団やパリ・オペラ座バレエ団などの伝統的に「クラシック」なカンパニーも、現代作品を定期的に上演しています。

バレエという用語は、それに関連するすべての形式を含むように進化しました。バレエダンサーとして訓練を受ける人は、現在では新古典派、現代、現代の作品を演じることが期待されます。バレエダンサーは、古典的な作品では堂々とした威厳のある演技を、新古典派の作品では自由で叙情的な演技を、現代および現代の作品では控えめで荒々しく平凡な演技をすることが求められます。さらに、ヒップレットなど、古典的なバレエのテクニックと現代舞踊を融合させた現代のダンスの種類がいくつかあり、ダンサーは西洋以外のダンススタイルの練習をする必要があります。^[18]

バレエを教えたり学んだりするために広く使われ、国際的に認められているメソッドが6つあります。これらのメソッドとは、フランス流、ワガノワメソッド、チェケッティメソッド、ブルノンヴィルメソッド、ロイヤルアカデミーオブダンスメソッド（イギリス式）、バランシンメソッド（アメリカ式）です。^{[19] [20]}さまざまな国に、さらに多くのテクニックの流派が存在します。

就学前の子供はバレエスタジオにとって有利な収入源であるが、バレエの指導は一般的に幼児には適していない。^{[21] [検証失敗]}最初の指導では、踊るのではなく、じっと立って姿勢に集中する必要がある。このため、多くのバレエプログラムは歴史的に約8歳になるまで生徒を受け入れていない。創造的な動きと要求の厳しくないプレバレエクラスが子供たちのための代替として推奨されている。^{[22] [23]}

フランス式メソッドは、すべてのバレエ訓練の基礎となっている。ルイ14世は1661年に王立ダンスアカデミーを創設した際、訓練方法に関係なく、今日でも専門家によって使用されている体系化されたテクニックの作成に貢献した。フランス式バレエ団は、 1980年代にルドルフ・ヌレエフのもとで特に再活性化した。彼の影響により、このスタイルが再活性化され、新たな評価がもたらされ、バレエ全体に大きな影響を与えた。^[24] 実際、フランス式バレエ団は現在、ヌレエフ流と呼ばれることもある。フランス式メソッドは、技術的な正確さ、流動性と優雅さ、エレガントですっきりとしたラインを特徴とすることが多い。このスタイルでは、パフォーマーが舞台上を軽やかに漂っている印象を与えるために、素早いフットワークがよく用いられる。^[25]この技法の2つの重要な特徴は、ポール・ド・ブラとエポールマンの特定の踊り方であり、ロシア風に踊るよりも丸みを帯びているが、デンマーク風ほど丸みを帯びていない。^[26]

ワガノワ・メソッドは、ロシア・バレエから生まれた、アグリッピナ・ワガノワによって考案されたバレエのトレーニング・スタイルである。1916年に舞踊界を引退した後、ワガノワは1921年にレニングラード舞踊学校で教師となった。彼女のトレーニング・メソッドは現在では国際的に認められており、彼女の著書『古典舞踊の基礎』（1934年）は古典的な参考書となっている。このメソッドは、フランスの古典様式、特にロマン派時代の要素と、イタリア・メソッドの運動能力、そしてロシア・バレエの魂のこもった情熱が融合しているのが特徴である。^[25]彼女は著書『ロシア古典舞踊の基礎原理』（1948年）で、極めて正確な指導法を開発した。^[27]これには、生徒のバレエ・キャリアにおいていつ技術的な要素を教えるか、どのくらいの期間それに焦点を当てるか、生徒のキャリアの各段階でどの程度の焦点を当てるべきかが概説されている。これらの教科書は、今日のバレエ指導において極めて重要であり続けている。

このメソッドは、バレエを正しく演じるために、強さ、柔軟性、持久力の発達を重視しています。彼女は、バレエを演じる際には腕と脚を同等に重視すべきだと考えており、そうすることで身体全体の調和と表現力が向上するとしています。^[28]

エンリコ・チェケッティ（1850-1928）によって開発されたこのメソッドは、クラシックバレエに関連する解剖学の理解に深く依存していることで国際的に知られています。このメソッドの目標は、生徒が教師の模倣に頼らなくても済むように、バレエのパフォーマンスに重要な特徴を植え付けることです。このメソッドの重要な要素は、バランス、エレベーション、バルーン、バランス、および強さの強調です。^[29]

このメソッドは、美しく優雅なラインを作るために体のすべての部分が一緒に動くことを認識することの重要性を説いており、腕、脚、首、胴体を別々の部分としてバレエを考えることに対して警告しています。このメソッドは、8つのポール・ド・ブラが利用されることでよく知られています。^[25]

ブルノンヴィル・メソッドは、オーギュスト・ブルノンヴィルが考案したデンマークのバレエメソッドである。ブルノンヴィルは、父のアントワーヌ・ブルノンヴィルや他の重要なフランスバレエの巨匠たちから訓練を受けたため、初期のフランスバレエメソッドの影響を強く受けた。このメソッドには、今日教えられている他のバレエメソッドとは異なるスタイルの違いが数多くある。^[30]重要な要素は、斜めのエポールマンの使用であり、通常は上体が作業足の方に向く。このメソッドには、非常に基本的な腕の使い方、低いデヴェロッペ・ポジションからセカンドへのピルエット、動きの始めと終わりに第5ポジションのブラス・アン・バスを使用することも組み込まれている。

ブルノンヴィル・メソッドは、美しいバロン（「計り知れない軽さの錯覚」^[31]）を持つダンサーを生み出します。

ロイヤル・アカデミー・オブ・ダンス・メソッドは、英国式バレエとも呼ばれ、1920年にジニー、カルサヴィナ、ベデルズ、E・エスピノサ、リチャードソンによって確立されました。このメソッドの目的は、英国全土でクラシックバレエの学術的トレーニングを促進することです。このスタイルは米国にも広まり、今日でも広く利用されています。このメソッドのトレーニングを完了するには、生徒が特定の学年を通過しなければなりません。^{[32] [33]}この指導法の重要な原則は、基本的なバレエテクニックはゆっくりとしたペースで教えなければならず、難易度の進行は他のメソッドよりもはるかに遅いことが多いということです。その背後にある考え方は、生徒が基本的なステップを完璧にするために多大な努力を払う場合、これらのステップで学んだテクニックにより、生徒はより難しいステップをはるかに簡単に利用できるようになるというものです。^[25]

ニューヨーク・シティ・バレエ団のジョージ・バランシンが開発した。彼のメソッドは、ロシアでのダンサーとしての自身のトレーニングに大きく基づいている。このテクニックは、ルーチン全体を通しての極端なスピード、ラインの強調、深いプリエで知られている。おそらく、このスタイルの最もよく知られた違いの1つは、体の非正統的な位置である。^[25]このスタイルのダンサーは、しばしば手や足を曲げ、バランスの悪い姿勢をとる。このメソッドを教えている重要なバレエスタジオは、マイアミ・シティ・バレエ、バレエ・シカゴ・スタジオ・カンパニー、ニューヨークのスクール・オブ・アメリカン・バレエである。 ^[34]

バレエの衣装はバレエ界において重要な役割を果たしている。衣装はしばしば作品の中で唯一残るものであり、舞台の想像上の生きた絵を象徴している。^[35]

バレエの起源はフランスとイタリアのルネッサンス時代に遡り、当時は宮廷衣装がバレエ衣装の始まりでした。バレエ衣装は15世紀初頭から存在していました。綿と絹を亜麻と混ぜて半透明のガーゼ^[35]に織り、美しいバレエ衣装を作りました。

17世紀には、衣装をより華やかで目を引くものにするために、さまざまな種類の生地やデザインが使われました。この世紀には、女性の宮廷服はまだ残っていました。シルク、サテン、本物の金や宝石で刺繍された生地は、バレエ衣装に関連する華やかな装飾のレベルを高めました。^[35]女性の衣装はまた、重い衣服と膝丈のスカートで構成されていたため、動きやジェスチャーを表現するのが困難でした。

18 世紀の間、舞台衣装は依然として宮廷衣装と非常に似ていましたが、時とともに進化しました。その大きな要因は、フランスのダンサーでバレエ マスターのジャン ジョルジュ ノヴェール(1727 年 - 1810 年) です。ノヴェールの画期的な著書『ダンスとバレエに関する論文』 (1760 年)には、バレエを近代化する提案が盛り込まれています。ノヴェールの本によって、舞台衣装の重点は、ダンサーの身体的な動きや感情に移りました。

ヨーロッパのバレエはパリ・オペラ座が中心でした。^[35]この時代、スカートは地面から数インチ浮いていました。花、フリル、リボン、レースがこの豪華な女性的なスタイルを強調し、シトロン、ピーチ、ピンク、ピスタチオなどの柔らかいパステル調が色の範囲を支配していました。^[35]

19世紀初頭には、体にぴったりフィットする衣装、花冠、コサージュ、宝石が使われ、ロマン主義の理想が女性の動きに反映されました。^[35]

バレリーナの体のラインを強調するためにコルセットが使われるようになり、衣装はよりタイトになりました。宝石やキラキラ輝く衣装がさらに人気になりました。

20 世紀には、バレエの衣装は再びロシア バレエの影響下に移行しました。バレリーナのスカートは膝丈のチュチュになり、後には正確なトウシューズの動きを披露できるようになりました。舞台衣装に使用される色もはるかに鮮やかになりました。デザイナーは、バレエ ダンサーが舞台で踊るときに視覚的な表現を生み出すために、赤、オレンジ、黄色などの色を使用しました。

プロのダンサーは一般的に給料が高くなく、一般的な労働者よりも収入が少ない。^[36] 2020年現在、アメリカのダンサー（バレエやその他のダンス形式を含む）の平均時給は19ドルで、パフォーマーよりも教師の方がいくらか給料が高い。^[36]

雇用の見通しは明るくなく、就職競争は激しく、応募者数は求人数を大幅に上回っています。^{[36]ほとんどの仕事は私立の}ダンススクール で教えることです。^[36]

振付師はダンサーよりも給料が高い。^[36] ミュージシャンや歌手はダンサーや振付師よりも時給が高く、時給約30ドルである。しかし、ミュージシャンがフルタイムで働くことは珍しい。^[37]

10代の少女バレエダンサーは、第一肋骨の疲労骨折を起こしやすい。^[38]後方足首インピンジメント症候群（PAIS）は、バレエダンサーなど、反復性足底屈曲を行う人に最もよく見られる。 ^[39]摂食障害は一般的であると考えられており、2014年のメタ分析では、研究ではバレエダンサーが一般の人々よりもいくつかの種類の摂食障害のリスクが高いことが示唆されている。^[40]さらに、一部の研究者は、バレエの集中的なトレーニングにより腕の骨密度が低下することを指摘している。 ^[41]

バレエの振り付けのほとんどは、比較的若いダンサーにしか踊れないように書かれています。^[42] バレエの構造は、（通常は）男性の振付師や演出家が（主に）女性の身体を使って芸術的ビジョンを表現するというもので、女性を傷つけると批判されてきました。^{[誰が？ ] [43]}

• バレエダンサー
• バレエ用語集
• バレエ トウシューズ
• バレエ関連リスト
• ダンスと健康
• バレエ作品一覧（タイトル別）
• 西洋における男性バレエダンサーのステレオタイプ

• アンダーソン、ジャック (1992)。『バレエとモダンダンス：簡潔な歴史』（第 2 版）。プリンストン、ニュージャージー：プリンストン ブック カンパニー、パブリッシャーズ。ISBN 978-0-87127-172-3。
• Au, Susan (2002)。バレエとモダンダンス（第2版）。ロンドン：テムズ＆ハドソンワールドオブアート。ISBN 978-0-500-20352-1。
• ブランド、アレクサンダー（1976年）。西洋世界におけるバレエとダンスの歴史。ニューヨーク：プレガー出版社。ISBN 978-0-275-53740-1。
• ダリウス、アダム（2007年）。『アラベスク・スルー・タイム』ヘルシンキ：ハーレクイン・ブックス。ISBN 951-98232-4-7 
• ゴードン、スザンヌ（1984）。 『オフバランス：バレエの真実の世界』。マグロウヒル。ISBN 978-0-07-023770-4。
• カント、マリオン（2007年）。『ケンブリッジ・バレエ入門』『ケンブリッジ・ミュージック入門』（第1版）。ケンブリッジ、イギリス：ケンブリッジ大学出版局。ISBN 978-0-521-53986-9。
• カースタイン、リンカーン、スチュアート、ミュリエル(1952)。『クラシックバレエ』。ニューヨーク：アルフレッド A ノップフ。
• リー、キャロル（2002年）。『西洋文化におけるバレエ：その起源と進化の歴史』ニューヨーク：ラウトレッジ。ISBN 978-0-415-94256-0。

ウィキメディア・コモンズには、バレエに関連するメディアがあります。

無料辞書『ウィクショナリー』でバレエを調べてみましょう。

• ヒュー・チザム編 (1911)。「バレエ」 。ブリタニカ百科事典(第 11 版)。ケンブリッジ大学出版局。