女性アーティスト

陶芸の歴史は、ほとんどすべての先進文化に長く、陶器は、3,000年以上前にアフリカで存在したノク文化のように、消滅した文化から残された唯一の芸術的証拠である場合が多い。 ^{[ 8 ]}陶器で特に有名な文化には、中国、クレタ、ギリシャ、ペルシャ、マヤ、日本、韓国の文化、そして現代の西洋文化がある。陶器は、東アジア、サハラ以南のアフリカ、近東、アメリカ大陸など、世界のいくつかの地域で独自に発明されたという証拠がある。職人が誰だったかは不明である。^{[ 9 ] [ 10 ]}

西洋文化の最も古い記録では、特定の個人について言及されることはめったにないが、女性はすべての芸術作品に描かれており、中には芸術家として働く姿が描かれているものもある。ホメロス、キケロ、ウェルギリウスによる古代の記述では、個々の芸術家について論じることなく、織物、詩、音楽、その他の文化活動における女性の重要な役割について言及している。個々の芸術家に関するヨーロッパの最も古い歴史記録の一つは、エジプトのティモンの娘であるエジプトのヘレナを含む、画家であった多くのギリシャ人女性について書いた大プリニウスのものである。 ^{[ 11 ] [ 12 ]}現代の批評家の中には、アレクサンダー・モザイクはフィロクセノスの作品ではなく、エジプトのヘレナの作品であった可能性があると主張する者もいる。古代ギリシャで活動した可能性のある数少ない名前の付いた女性画家の一人である彼女は、ウェスパシアヌスの時代に平和の神殿に飾られていたイッソスの戦いの絵を描いたと伝えられている。^{[ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]}他の女性には、ティマレテ、エイレーネ、カリュプソ、アリスタレテ、イアイア、オリンピアスなどがいる。彼女たちの作品は一部しか残っていないが、古代ギリシャ陶器にはミラノのトルノ・コレクションにカプティ・ヒュドリアがある。^{[ 16 ]}これは紀元前460～450年頃のレニングラードの画家によるものとされており、工房で男性と一緒に花瓶に絵付けをする女性たちを描いている。^{[ 17 ]}

「約3000年の間、ミティラーの女性たち（そして女性だけ）がヒンドゥー教の神々の信仰画を描き続けてきた。したがって、この芸術がインド文明の最も真正な側面を表現していると言っても過言ではない。」^{[ 18 ]}

幾何学模様のイミゴンゴ芸術は東アフリカのルワンダで生まれ、何世紀にもわたる牛の神聖な地位と結びついています。牛糞と灰、粘土を混ぜ合わせ、天然染料を使用することから発展しました。パレットは土の鮮やかな色に限られています。この芸術は伝統的に女性の芸術家と結びついており、この地域の規則的なフリーズを持つ精巧な籠編みの芸術も同様です。^{[ 19 ]}

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  バイユーのタペストリーの一場面。1066年のヘイスティングスの戦いで、バイユー司教オドがウィリアム公の軍隊を鼓舞している様子を描いている。
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  ランズベルクのヘルラド、Hortus deliciarumの自画像、c. 1180
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  ビンゲンのヒルデガルト、ヒルデガルトのリベル・ディヴィノラム・オペラムの「ユニバーサル・マン」イルミネーション、1165年
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  ヒルデガルト・フォン・ビンゲン、「精霊と水からの母性」、1165年、Liber divinorum operum、 Benediktinerinnenabtai Sankt Hildegard、Eibingen (bei Rüdesheim)より

中世の芸術家には、クラリシア、ディエムドゥス、エンデ、グダ、ヘラーデ・フォン・ランツベルク、ヒルデガルト・フォン・ビンゲンなどがいる。中世初期には、女性は男性と並んで働くことが多かった。当時の写本の装飾、刺繍、彫刻された柱頭は、女性がこれらの芸術に従事していた例を明確に示している。文書によると、彼女たちは醸造業者、肉屋、羊毛商人、鉄商人でもあった。当時の芸術家、特に女性は、社会的に地位が高く、こうした重労働から解放されていた少数の階層に属していた。女性芸術家は、裕福な貴族の女性か修道女のどちらかの、読み書きのできる2つの階級に属していた。前者の階級の女性は刺繍や織物を制作することが多く、後者の階級の女性は装飾を制作することが多かった。

当時、イングランドには数多くの刺繍工房があり、特にカンタベリーとウィンチェスターに多く存在していました。オプス・アングリカヌム、すなわち英国刺繍は既にヨーロッパ中で有名で、13世紀の教皇の目録には200点以上の作品が記録されています。これらの作品の制作は、ほぼすべて女性によって行われたと考えられています。

14世紀には、ロンドン塔に王室工房があったことが記録されており、それ以前にも同様の体制があった可能性もある。写本装飾からは、中世の著名な芸術家たちの名を知ることができる。例えば、10世紀のスペインの修道女エンデ、 12世紀のドイツの修道女グーダ、そして12世紀のバイエルンの写字室にいた俗人クラリシアなどが挙げられる。これらの女性たち、そして他にも多くの無名の写本装飾家たちは、当時の女性にとって主要な学問の場であり、知識人にとって最も現実的な選択肢であった修道院という環境の恩恵を受けたのである。

ヨーロッパの多くの地域では、 11世紀のグレゴリウス改革と封建制の台頭により、女性は中世初期にはなかった多くの制約に直面した。こうした社会の変化に伴い、修道院の地位も変化した。ブリテン諸島では、ノルマン征服により、修道院は学問の中心地、そして女性が権力を得る場所としての地位を徐々に失っていった。修道院は、以前のように女子修道院長が率いるのではなく、男性の修道院長の従属的な存在となった。異教徒のスカンジナビア（スウェーデン）では、歴史的に確認されている唯一の女性ルーンマスターであるグンボルガが11世紀に活躍した。^{[ 21 ]}

しかし、ドイツでは、オットー朝時代に修道院は学問機関としての地位を維持した。これは、修道院がしばしば王族や貴族の未婚女性によって運営され、構成されていたことが一因かもしれない。そのため、中世後期における女性による最も偉大な作品はドイツに由来し、ヘラーデ・フォン・ランツベルクやヒルデガルト・フォン・ビンゲンの作品はその好例である。ヒルデガルト・フォン・ビンゲン（1098年～1179年）は、ドイツの中世の知識人であり芸術家として特に優れた例である。彼女は『単純な人の神聖な仕事』、『功績ある人生』、65の賛美歌、奇跡劇、そして樹木、植物、動物、鳥、魚、鉱物、金属のさまざまな性質に関する9巻からなる長大な論文を著した。彼女は幼い頃から幻視を見たと主張していた。教皇庁が校長のこれらの主張を支持したことで、彼女の重要な知識人としての地位は確固たるものとなった。これらの幻視は、1142年に出版された彼女の代表作の一つである『スキヴィアス（主の道を知る）』の一部となった。この著作は、救済の歴史を物語り、図解する35の幻視から構成されている。『スキヴィアス』の挿絵は、最初の挿絵に代表されるように、ヒルデガルトがビンゲンの修道院で座っている間に幻視を体験する様子を描いている。これらの挿絵は、鮮やかな色彩、線への強調、簡略化された形態を特徴としており、同時期にドイツで制作された他の挿絵とは大きく異なっている。ヒルデガルト自身がこれらの絵を描いた可能性は低いが、その独特な性質から、彼女の綿密な監督の下で制作されたと考えられている。

12世紀はヨーロッパで都市が発展し、貿易、旅行、大学も発展した時代でした。こうした社会の変化は女性の生活にも変化をもたらしました。未亡人となった女性は夫の事業を引き継ぐことが許されました。チョーサーの『カンタベリー物語』に登場するバースの女房はその一例です。この時代には、女性は一部の職人ギルドに所属することも許されていました。ギルドの記録によると、フランドル地方や北フランスでは女性が特に繊維産業で活躍していました。中世の写本には、紡錘を持った女性を描いた欄外挿絵が数多く見られます。イングランドでは、女性はオプス・アングリカヌム、つまり衣服や様々な種類の掛け物に教会や世俗で使われる豪華な刺繍を施す役割を担っていました。女性は写本装飾においてもより積極的に活動するようになりました。メートル・オノレの娘やジャン・ル・ノワールの娘など、多くの女性が夫や父親と共に働いていたと考えられます。 13世紀までには、ほとんどの装飾写本は商業工房で制作されるようになり、中世末期には写本の制作が特定の地域で重要な産業となり、特にパリでは、女性が雇われた画家や写字生の大多数を占めていたようである。印刷術への移行、そして書籍の挿絵が木版画や銅版画といった版画技法へと移行したことは、女性画家の進歩にとって後退を意味した。これらの技法には女性はほとんど関わっていなかったようである。

一方、セルビアの貴族で未亡人、正教会の修道女であったイェフィミヤ（1349年 - 1405年）は、亡くなった息子ウグリェシャのために哀歌を書いた詩人としてだけでなく、熟練した裁縫師、彫刻家としても知られるようになった。亡くなった子供を悼むすべての母親の悲しみを不朽のものとする彼女の愛する息子への哀歌は、セレスの司教テオドシエが幼いウグリェシャの洗礼の際に贈った二連祭壇画（聖母子像を描いた二枚組のイコン）の裏面に刻まれた。金、宝石、そして木板に施された美しい彫刻によって既に価値があったこの美術品は、イェフィミヤの哀歌が裏面に刻まれたことで、計り知れない価値を持つようになった。^{[ 22 ]}

15世紀のヴェネツィアでは、ガラス職人アンジェロ・バロヴィエールの娘が、ヴェネツィアのムラーノ島で作られたある特定のガラスのデザインの作者として知られていました。彼女はヴェネツィアのガラス職人、マリエッタ・バロヴィエールでした。^{[ 23 ]} 1443年から1516年の間に記録された14人の専門ガラス画家（ピクトーリ）のうち、彼女とエレナ・デ・ラウドだけが女性でした。^{[ 24 ]}女性がガラス芸術の 分野で活躍できるようになるまでには、数世紀もの歳月が流れたようです。

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  ボローニャの聖カタリナ (Caterina dei Vigri)、(Maria und das Jesuskind mit Frucht)、 c。 1440年代。彼女は芸術家の守護聖人です。
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  カテリーナ・ファン・ヘメッセン、自画像1548
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  ソフォニスバ・アングイッソラ、自画像、1554
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  エスター・イングリス、肖像画、1595年
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  フェデ・ガリツィア作、「ホロフェルネスの首を持つユディト」、1596年。ユディトの姿は自画像であると考えられている。
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  ラヴィニア・フォンタナ作、「ミネルヴァの着替え」、1613年、ボルゲーゼ美術館、ローマ

ルネサンス時代の芸術家には、ソフォニスバ・アングイッソラ、ルチア・アングイッソラ、ラヴィニア・フォンタナ、フェデ・ガリツィア、ディアナ・スカルトリ・ギシ、カテリーナ・ファン・ヘメッセン、エスター・イングリス、バルバラ・ロンギ、マリア・オルマーニ、マリエッタ・ロブスティ（ティントレットの娘）、プロペルツィア・デ・ロッシ、レヴィナなどが含まれる。テールリンク、マイケン フェルフルスト、ボローニャの聖カタリナ (カテリーナ デイ ヴィグリ)。^{[ 25 ] [ 26 ]}

これは西洋史において、多くの世俗的な女性芸術家が国際的な名声を得た最初の時代である。この時期の女性芸術家の台頭は、大きな文化的変化に起因すると考えられる。そのような変化の一つは、プロテスタント主義に反発し、すべての人々の尊厳を肯定する哲学であるヒューマニズムへの動きを生み出した対抗宗教改革から生じたものであり、ヒューマニズムはルネサンス思想の中心となり、女性の地位向上に貢献した。^{[ 6 ]}さらに、一般的に個々の芸術家のアイデンティティがより重要視されるようになった。この時代の重要な芸術家の中で、その身元が不明な者は事実上存在しなくなる。この文化的変化を示す重要なテキストが2つある。『有名な女性について』と『女の都』である。14世紀の人文主義者であるボッカッチョは、女性の伝記集である『有名な女性について』 （ラテン語）（1335～59年）を著した。彼が収録した 104 の伝記の中には、古代ギリシャの壺絵師タマル(またはトミュリス) の伝記も含まれていた。興味深いことに、15 世紀の写本の装飾写本『名高い女性について』には、タマルが自画像を描いているか、あるいは聖母子像を小さく描いている姿が描かれている。中世後期のフランスの著述家、修辞学者、批評家として傑出したクリスティーヌ・ド・ピザンは、1405 年に『淑女の都』を著した。これは、独立した女性が男性の誹謗中傷から解放されて暮らす寓話的な都市についてのテキストである。彼女の作品には、パリで最も優れた装飾写本の 1 つですと考えられていたアナスタシアのような実在の女性芸術家が登場するが、彼女の作品は 1 つも残っていない。他の人文主義のテキストは、イタリアの女性の教育の向上につながった。

中でも最も有名なのは、16 世紀のイタリアの人文主義者バルダッサーレ・カスティリオーネの『廷臣論』である。この非常に人気のある作品は、男性も女性も社会芸術を学ぶべきだと主張した。彼の影響により、女性が視覚芸術、音楽、文学に携わることが容認されるようになった。カスティリオーネのおかげで、これはルネサンス史において貴族の女性が絵画を学ぶことができた最初の時代となった。ソフォニスバ・アングイッソラは、人文主義教育の恩恵を受け、その後画家として認められるようになったこれらの下級貴族の中で最も成功した人物である。^{[ 27 ]}クレモナ生まれのアングイッソラは、先駆者であり、将来の世代の女性芸術家の模範でもあった。^{[ 6 ]}貴族の女性ではない芸術家も、人文主義の台頭の影響を受けた。従来の主題に加えて、ラヴィニア・フォンタナやカテリーナ・ファン・ヘメッセンなどの芸術家は、自画像の中で、画家としてだけでなく、音楽家や学者としても自分自身を描き始め、それによって彼女たちの幅広い教育を強調した。フォンタナは、中世以来大学が女性の学者を受け入れていた故郷ボローニャの啓蒙的な態度から恩恵を受けた。[ 6 ]^{人文主義の}台頭とともに、職人から芸術家への移行があった。以前の職人とは異なり、芸術家には遠近法、数学、古代美術、人体研究の知識が求められるようになった。ルネサンス後期には、芸術家の訓練は師匠の工房からアカデミーに移り始め、女性はこの訓練に完全にアクセスできるようになるまで、19世紀後半まで解決されない長い闘いを始めた。^{[ 6 ]}人体の研究には、男性の裸体や死体から作業する必要があった。これは、写実的な群像シーンを作成するための不可欠な背景と考えられていた。女性は一般的に男性の裸体像から訓練を受けることを禁じられていたため、そのような場面を描くこともできなかった。こうした裸体像は、最も権威ある依頼を受ける大規模な宗教画に必要不可欠だった。

多くの貴族の女性は、裸の男性モデルによる人物デッサンという恩恵は受けられなかったものの、ある程度の美術教育を受ける機会があったが、そのほとんどは芸術家としてのキャリアよりも結婚を選んだ。これは、例えばソフォニスバ・アングイッソラの姉妹のうち2人にも当てはまる。この時代に芸術家として認められた女性は、修道女か画家の子供であった。15世紀にイタリアの芸術家として頭角を現した数少ない女性のうち、今日知られているのは修道院と関係のある者たちである。修道女であった芸術家には、カテリーナ・デイ・ヴィルジ、アントニア・ウッチェロ、スオル・バルバラ・ラニョーニなどがいる。15世紀と16世紀には、芸術家としてある程度の成功を収めた女性の大多数は画家の子供であった。これはおそらく、彼女たちが父親の工房で訓練を受けることができたためであろう。父親から訓練を受けた女性芸術家の例としては、画家ラヴィニア・フォンタナ、細密画家レヴィナ・ティールリンク、肖像画家カテリーナ・ファン・ヘメッセンなどが挙げられる。この時代のイタリアの女性芸術家は、たとえ家族から訓練を受けたとしても、やや珍しい存在に思える。しかし、ヨーロッパの特定の地域、特にフランス北部やフランドル地方では、男女を問わず子供が父親の職業に就くことはより一般的だった。実際、女性がより自由であった低地諸国では、ルネサンス期に多くの女性芸術家がいた。例えば、ブルージュの聖ルカ組合の記録には、組合員として女性を受け入れていただけでなく、1480年代には組合員の25パーセントが女性であったことが示されている（その多くは写本装飾家として働いていたと思われる）。

2010年代、フィレンツェにあるもろい22フィートのキャンバスロールが、慈善家のジェーン・フォーチュンとフィレンツェ在住の作家リンダ・ファルコーネ、そして彼女たちの組織であるアドバンシング・ウィメン・アーティスト財団の目に留まった。^{[ 6 ]}女性主導のチームによる4年間の修復により、16世紀の独学のシスター・プラウティラ・ネッリの作品が明らかになり、彼女は「最後の晩餐」を描いた唯一のルネサンス期の女性であることが判明した。^{[ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]}この作品は2019年10月にフィレンツェのサンタ・マリア・ノヴェッラ美術館で展示された。^{[ 31 ]} 2020年初頭現在、AWAはフィレンツェのコレクションから発掘された女性アーティストによる67点の作品の修復を支援している。^{[ 6 ]}

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  アルテミジア・ジェンティレスキ作、「リュート奏者としての自画像」、1615年頃～1617年、カーティス・ギャラリー（ミネアポリス）
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  ルイーズ・モワヨン作、「果物売り」、 1631年、ルーブル美術館
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  ジョヴァンナ・ガルゾーニ作、「レモンの入ったボウルのある静物」、 1640年、羊皮紙にテンペラ、ゲッティ美術館、パシフィック・パリセーズ、ロサンゼルス、カリフォルニア州
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  レイチェル・ルイス作、「花束とプラムのある静物」、油彩、キャンバス、ベルギー王立美術館、ブリュッセル
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  メアリー・ビール作、自画像、 1675年頃～1680年頃
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  エリザベート ソフィー シェロン、自画像、1672
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  ホセファ・デ・アヤラ（ホセファ・デ・オビドス）、静物画、c。 1679 年、サンタレン、市立図書館

バロック時代の芸術家には、メアリー・ビール、エリザベート・ソフィー・シェロン、マリア・テレサ・ファン・ティーレン、カタリーナ・ペピン、カタリーナ・ピーターズ、ヨハンナ・ヴェルゴーウェン、ミカリーナ・ウォーティエ、イザベル・デ・シスネロス、ジョヴァンナ・ガルツォーニ^{[ 25 ]}アルテミシア・ジェンティレスキ、ジュディス・レイスター、マリア・シビラが含まれる。メリアン、ルイーズ・モイヨン、ホセファ・デ・アヤラ（ホセファ・デ・オビドスとして知られる）、マリア・ファン・ウースターウェイク、マグダレナ・デ・パッセ、クララ・ピーテルス、マリア・ヴァージニア・ボルゲーゼ（美術収集家オリンピア・アルドブランディーニの娘）、^{[ 32 ]}ラ・ロルダナとして知られるルイーサ・ロルダン、レイチェル・ルイシュ、マリア・テレサ・ファン・ティーレン、アンナ・マリア・ヴァン・ティーレン、フランソワーズ＝カテリーナ・ファン・ティーレンとエリザベッタ・シラーニ。ルネサンス期と同様に、バロック期の芸術家の中には芸術家の家系出身の女性が多くいた。アルテミジア・ジェンティレスキはその一例である。彼女は父オラツィオ・ジェンティレスキから訓練を受け、父の多くの依頼作品で共に働いた。ルイサ・ロルダンは父（ペドロ・ロルダン）の彫刻工房で訓練を受けた。

この時代の女性芸術家たちは、美術における女性の描写方法を変え始めました。バロック時代に芸術家として活動していた女性の多くは、常に男性であったヌードモデルから訓練を受けることはできませんでしたが、女性の身体には非常に精通していました。エリザベッタ・シラーニのような女性たちは、超然としたミューズではなく、意識のある存在としての女性像を創造しました。この新しい表現の最良の例の1つは、アルテミジア・ジェンティレスキの「ホロフェルネスの首を斬るユディト」で、ユディトは自らの運命を決定し復讐する強い女性として描かれています。ロンドンのナショナル・ギャラリーで2020年に開催されたジェンティレスキ展のキュレーター、レティツィア・トレベスは、「タッシがジェンティレスキを強姦したことを思い浮かべずにこの絵を見ることはできない」と述べています。^{[ 33 ]}この絵の要素は「情熱よりも技巧を優先した画家であることを物語るほど巧みにバランスが取れている」のです。^{[ 6 ]}ボッティチェッリやより伝統的な女性画家フェデ・ガリツィアなど他の画家は受動的なユディトで同じ場面を描いたが、ジェンティレスキの斬新な表現では、ユディトは目の前の課題において有能な役者であるように見える。アクションこそがこの作品の本質であり、ユディトがその場を去る別の絵画も彼女の作品である。静物画は1600年頃、特にオランダで重要なジャンルとして登場した。この絵画の潮流の最前線にいたのは女性たちであった。このジャンルは、静物画の材料を容易に入手できるため、特に女性に適していた。北では、こうした画家には、バンケットチェ（朝食の皿）や高級品を配置した場面を描いたクララ・ペ​​ータース、国際的に有名な花の画家マリア・ファン・オーステルウェイク、視覚的に力強い花の配置を描いたラヘル・ライスなどがいる。他の地域では静物画はあまり一般的ではなかったが、このジャンルには重要な女性画家がいた。例えば、羊皮紙に写実的な野菜の配置を描いたジョヴァンナ・ガルツォーニや、鮮やかな色彩で知られる果物の静物画を描いたルイーズ・モワヨンなどが挙げられる。

時代のインフルエンサー

ジュディス・レイステルは織物職人の娘で、9人兄弟の8番目でした。^{[ 34 ]}彼女は伝統的な芸術家一家に生まれたわけではありませんでしたが、画家になるという彼女の決意は家族に支えられ、11歳から16歳まで絵画を学びました。^{[ 34 ]} 10代の頃、レイステル家と歴史画家フランス・ペータース・デ・グレバーとの間に繋がりが生まれました。グレバーは、レイステルの両親が愛した刺繍入りの織物を通して彼女と知り合いました。レイステルは、自分のスタジオを開く前に、グレバーの弟子として何年も働きました。^{[ 34 ]}彼女は最終的に、ハーレム組合に加入した最初の女性となりました。^{[ 35 ]}彼女の作品は、当時多くの女性画家には見られなかった力強く奔放な技法を示しており、アルテミジア・ジェンティレスキの作品のように男性的なものと見なされていました。^{[ 36 ]}レイステルの死後、彼女の作品は2世紀以上にわたって多くの人に見過ごされていましたが、その後、歴史研究に紹介されました。^{[ 34 ]}

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  エリザベート・ヴィジェ＝ルブラン（1755年 - 1842年）、『自画像』、1780年代頃。彼女が販売用に描いた数多くの作品のうちの1つ。
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  ロサルバ・カリエラ(1675–1757)、自画像、1715 年
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  ウルリカ・パッシュ、自画像、c。 1770年
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  アンヌ・ヴァラエ＝コステール、『音楽の属性』、1770年
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  アンナ・ドロテア・テルブッシュ作、「自画像」、1777年
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  アンジェリカ・カウフマン、『文学と絵画』、1782年、ケンウッド・ハウス
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  マリー＝ガブリエル・カペー、自画像、1783
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  アンナ・ラジェッカ、イグナシー・ポトツキの肖像、1784
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  アデライド・ラビル＝ギアール、二人の生徒との自画像、マリー＝ガブリエル・カペとマリー＝マルグリット・カロー・ド・ローズモン、 1785年、メトロポリタン美術館
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  マルグリット・ジェラール作、「最初の一歩」、油彩、キャンバス、45.5 x 55  cm、1788年頃
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  二人の女性 by榊百選

この時期のアーティストには、ロサルバ・カリエラ、^{[ 37 ]}マリア・コスウェイ、マルグリット・ジェラール、アンジェリカ・カウフマン、アデライド・ラビル＝ギアール、ジュリア・ラマ、メアリー・モーザー、ウルリカ・パシュ、アデル・ロマニー、アンナ・ドロテア・テルブッシュ、アンヌ・ヴァレイヤー＝コスター、エリザベート・ヴィジェ＝ルブラン、マリー・ギルミーヌ・ブノワとアンナ・ラジェッカ、別名マダム・ゴー・ド・サンジェルマン。

ヨーロッパの多くの国では、アカデミーが様式の決定権者でした。アカ​​デミーはまた、芸術家の育成、作品の展示、そして意図的か否かにかかわらず、美術品の販売促進にも責任を負っていました。ほとんどのアカデミーは女性に門戸を開いていませんでした。例えばフランスでは、パリの有力なアカデミーは17世紀からフランス革命まで450人の会員を擁していましたが、女性はわずか15人でした。そのうちのほとんどは会員の娘か妻でした。18世紀後半、フランス・アカデミーは女性を一切受け入れないことを決定しました。この時代の絵画の頂点は歴史画、特に歴史的または神話的な状況を描いた人物群による大規模な構図でした。このような絵画を制作する準備として、芸術家は古代彫刻の石膏像を研究し、男性の裸体像からデッサンを行いました。女性はこのアカデミーの学習にほとんど、あるいは全くアクセスできなかったため、この時代の女性による大規模な歴史画は現存していません。肖像画など他のジャンルで名を馳せた女性もいました。エリザベート・ヴィジェ＝ルブランは肖像画の経験を活かして寓意的な場面「平和が豊かさを取り戻す」を制作し、これを歴史画に分類してアカデミーへの入学の根拠とした。作品の展示後、正式な授業に出席しなければ絵を描く免許を失うと告げられた。彼女は宮廷のお気に入りとなり、有名人となり、40点以上の自画像を描き、それを売ることができた。^{[ 27 ]}

イギリスでは、アンジェリカ・カウフマンとメアリー・モーザーという2人の女性が、 1768年にロンドンの王立芸術院の創設メンバーとなった。カウフマンはマリア・コスウェイがアカデミーに入会するのを手助けした。コスウェイは神話の場面を描く画家として成功を収めたが、2人とも王立芸術院ではやや曖昧な立場に置かれていた。これは、現在ロイヤル・コレクションに所蔵されているヨハン・ゾファニー作の「王立芸術院の会員たち」のグループ肖像画からも明らかである。この肖像画では、アカデミーの男性のみが裸の男性モデルと共に大きなアトリエに集まっている。裸のモデルに対する礼儀上の理由から、2人の女性はそこにいるのではなく、壁に飾られた肖像画として描かれている。^{[ 38 ]}アカデミー美術 では訓練中に裸体の研究に重点が置かれていたため、20世紀まで、実際に授業に参加できるかどうかという点でも、中流階級の女性が芸術家になることに対する家族や社会の態度という点でも、女性が美術を学ぶ上で大きな障壁となっていた。この３人以降、ローラ・ナイトが１９３６年にアカデミーの正会員になるまで、女性はアカデミーに入会できず、女性がアカデミーの学校に入学できるようになったのは１８６１年になってからだった。１８世紀後半には、女性アーティストにとって重要な前進があった。パリでは、アカデミーが創設した作品展であるサロンが１７９１年に非アカデミーの画家にも開放され、女性が権威ある年次展で作品を展示できるようになった。さらに、ジャック＝ルイ・ダヴィッドやジャン＝バティスト・グルーズといった著名なアーティストが、女性を生徒として受け入れることも増えていった。

19世紀初頭の女性芸術家には、肖像画を専門としたマリー＝ドゥニーズ・ヴィレール、肖像画や寓意画を描いたコンスタンス・マイヤー、ナザレ派の宗教画で主に知られるマリー・エレンリーデル、父と兄の跡を継いで画家兼製図家となったルイーズ＝アデオーネ・ドローリングなどがいる。

19世紀後半には、エマ・サンディス、マリー・スパルタリ・スティルマン、エレノア・フォーテスキュー・ブリックデール、マリア・ザンバコ^{[ 39 ]}がラファエル前派の女性芸術家であった。ラファエル前派の影響を受けた人物には、エヴリン・ド・モーガンや活動家で画家のバーバラ・ボディションもいる。

印象派の画家ベルト・モリゾ、マリー・ブラックモン、そしてアメリカ人のメアリー・カサットとルーシー・ベーコンは、 1860年代から1870年代にかけてのフランス印象派運動に関わりました。アメリカ人印象派のリラ・キャボット・ペリーは、モネとの共同研究と19世紀後半の日本美術の影響を受けました。セシリア・ボーは、フランスで学んだアメリカ人の肖像画家です。アンナ・ビリンスカを除けば、オルガ・ボズナンスカはポーランド人女性画家の中で最も有名で、印象派と様式的に結びついています。

ローザ・ボヌールは、動物画で国際的に名声を得た、当時最も有名な女性画家でした。^{[ 40 ]}エリザベス・トンプソン（レディ・バトラー）は、おそらく政府学校での甲冑を着た人物のデッサン教室に触発され、軍事行動の場面、特に多くの馬が登場する場面を専門とする、大規模な歴史画で有名になった最初の女性の一人でした。最も有名なのは、ウォータールーでの騎兵突撃を描いた「スコットランドよ永遠に！」です。

キティ・ランゲ・キーランドはノルウェーの風景画家であった。

エリザベス・ジェーン・ガードナーはアメリカのアカデミック画家で、パリ・サロンに出品した最初のアメリカ人女性である。1872年には、サロンで金メダルを獲得した最初の女性となった。

1894年、スザンヌ・ヴァラドンはフランス国立美術協会に入会を認められた最初の女性となった。アンナ・ボックはポスト印象派の画家であり、ローラ・マンツ・ライアルも同様にポスト印象派の画家で、1893年にイリノイ州シカゴで開催された世界コロンビア博覧会に出品し、その後1894年にはパリで開催されたフランス芸術家協会の展覧会にも出品した。

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  マリー・エレンリーダー、画家としての自画像、 1819年
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  メアリー・カサット作、「お茶」、 1880年、油彩、キャンバス、25½ × 36¼インチ、ボストン美術館所蔵
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  マリア・バシュキルツェワ作、「アトリエにて」、 1881年、油彩、キャンバス、74×60.6インチ、ドニプロ国立美術館所蔵
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  スザンヌ・ヴァラドン、自画像、1883
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  ベルト・モリゾ、タブリエ・ルージュの子供、1886年、アメリカ美術館
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  ジェナ・バウク作、デンマークの画家ベルタ・ヴェグマンによる肖像画、19世紀後半
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  アンナ・ビリンスカ、黒人、1884年、ワルシャワ国立博物館
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  オルガ・ボズナンスカ作、「菊を持つ少女」、1894年、クラクフ国立博物館所蔵
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  ローザ・ボヌール作、「馬市」、1853～1855年、メトロポリタン美術館、ニューヨーク
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  エリザベス・トンプソン作「残党の軍隊」（1879年、テート美術館所蔵）。彼女は軍事場面を描くことを得意としていた。
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  炎（焔、炎）、1918年。東京国立博物館、上村松園作

エレノア・コアド（1733年 - 1821年）は、ジョージ王朝時代のイギリスで、1769年から亡くなるまでの50年以上にわたり、リソディピラまたはコアド石で作られた新古典主義の彫像、建築装飾、庭園装飾品を製造したことで知られるようになりました。 ^{[ 41 ]}リソディピラ（「二度焼成した石」）は、高品質で耐久性のある成形耐候性陶器です。この陶器で作られた彫像や装飾品は、今日でもほとんど新品のように見えます。コアドは「人工石」を発明したわけではありませんが、粘土の配合と焼成プロセスの両方を完成させた可能性が高いです。彼女は、高品質の製造と芸術的センスを、起業家精神、ビジネス、マーケティングのスキルと組み合わせ、当時圧倒的に成功した石製品を生み出しました。彼女は、ウィンザーのセント・ジョージ礼拝堂、ブライトンのロイヤル・パビリオン、ロンドンのカールトン・ハウス、グリニッジの王立海軍大学のために陶器を製造しました。^{[ 41 ]}

エレノア・コアドは彫刻家としての才能を開花させ、 1773年から1780年の間に芸術家協会で古典をテーマにした彫刻を約30点展示し、当時の出展者カタログに掲載された。^{[ 42 ]}彼女の死後、コアドの陶器はバッキンガム宮殿の改修や、ウィリアム・フレデリック・ウディントンのロンドン、ウェストミンスター橋にあるサウスバンク・ライオン（1837年）のような著名な彫刻家による記念碑的な作品に使用された。この像は別々のパーツで作られ、鉄製のフレームで接合された。

19世紀には東洋で女性彫刻家が輩出され、日本の根付彫刻家であり俳句作家でもある清陽堂文昭女（1764年 - 1838年）がいた。^{[ 43 ] [ 44 ]}彼女は清陽堂富春の娘である。^{[ 44 ]}彼女の作品はウォルターズ美術館で見ることができる。^{[ 45 ]}一方、西洋では、ジュリー・シャルパンティエ、エリザベス・ネイ、エレーヌ・ベルトー、フェニア・チェルトコフ、サラ・フィッシャー・エイムズ、ヘレナ・ウニエルジスカ（ヤン・マテイコの娘）、ブランシュ・モリア、アンジェリーナ・ベロフ、アンナ・ゴルブキナ、マーガレット・ジャイルズ（メダリストでもある）、カミーユ・クローデル、エニッド・ヤンデル、エドモニア・ルイスがいた。ニューヨーク出身のアフリカ系オジブワ族ハイチ系アメリカ人アーティストであるルイスは、オーバリン大学で美術の勉強を始めた。彼女の彫刻家としてのキャリアは1863年に始まった。彼女はイタリアのローマにスタジオを設立し、ヨーロッパとアメリカ各地で大理石の彫刻を展示した。^{[ 46 ]}

コンスタンス・フォックス・タルボットは、おそらく史上初めて写真を撮った女性でしょう。^{[ 47 ]}その後、ジュリア・マーガレット・キャメロンとガートルード・ケーゼビアは、従来の制約や確立された訓練に阻まれることのない新しいメディアである写真で有名になりました。もう一人のイギリス人写真家、ソフィア・ホアは、タヒチやオセアニアの他の地域で活動しました。

写真という媒体の発祥地であるフランスには、ジュヌヴィエーヴ・エリザベート・ディスデリ（1817年頃～1878年）しかいなかった。1843年、彼女は先駆的な写真家アンドレ＝アドルフ＝ウジェーヌ・ディスデリと結婚し、 1840年代後半からブレストのダゲレオタイプ写真スタジオで彼と共同経営を行った。 ^{[ 48 ]} 1852年に夫がパリへ移住した後も、ジュヌヴィエーヴは一人でアトリエを経営し続けた。彼女は、主に建築物を中心としたブレストの風景写真28点を撮影し、1856年に『ブレストとその周辺』として出版したことで知られている。 ^{[ 49 ]} 1872年、彼女はパリに移り、リュ・デュ・バックにスタジオを開設し、そこで息子のジュールが彼女を手伝った可能性がある。取引記録によると、彼女は1878年にパリの病院で亡くなるまでスタジオを経営し続けた。^{[ 50 ]} 彼女は世界で最初の女性プロ写真家の1人で、ドイツのベルタ・ベックマン、スウェーデンのブリタ・ソフィア・ヘッセリウス、マリー・キンバーグのすぐ後に活躍した。

19世紀には、ヨーロッパと北アメリカにおいて、女性が美術学校や正式な美術教育を受ける機会がさらに拡大した。後にロイヤル・カレッジ・オブ・アートとなる英国政府デザイン学校は、 1837年の創立当初から女性を受け入れていたが、入学できたのは「女子校」のみで、そこでは男性とは少し異なる扱いを受けていた。「人物画」の授業は、数年間にわたって甲冑を着た男性を描くという内容だった。

ロイヤル・アカデミー・スクールは1861年からようやく女性の入学を認めたが、当初はドレープをまとったモデルしか描けなかった。しかし、 1870年代のスレード美術学校など、ロンドンの他の学校はより自由だった。世紀末までには、西ヨーロッパや北米の多くの都市で、女性は裸体、あるいはほぼ裸体の人物像を研究できるようになった。女性芸術家協会（現在は女性芸術家協会と呼ばれている）は1855年にロンドンで設立され、1857年以来毎年展覧会を開催している。1857年には149人の女性による358点の作品が展示され、中にはペンネームを使った人もいた。^{[ 51 ]}しかし、高等教育や専門教育を拒否されながらも「突破口を開いた」女性の一人が、自然科学者、作家、イラストレーターのビアトリクス・ポター（1866-1943）である。^{[ 52 ]}

リー・ミラーはソラリゼーションを再発見し^{[ 66 ]}、ハイファッション写真家となった。ドロシア・ラングは大恐慌を記録した。ベレニス・アボットは有名な建築物やセレブリティの画像を制作し、マーガレット・バーク＝ホワイトは最初のライフ誌の表紙と巻頭記事に掲載された産業写真を制作した。ダイアン・アーバスは主流社会のアウトサイダーを題材に写真を制作した。グラシエラ・イトゥルビデの作品はメキシコの生活とフェミニズムを扱っており、ティナ・モドッティは1920年代のメキシコから「革命の象徴」を生み出した^{[ 67 ]} 。アニー・リーボヴィッツの写真作品はロックンロールやその他のセレブリティを題材にしていた。ガラスの天井を打ち破った他の女性には、マグナムのイヴ・アーノルド、マリリン・シルバーストーンとインゲ・モラス、ダフネ・ジレリ、アーニャ・テイシェイラ、エルザ・ティーマン、サビーネ・ヴァイス、ザイザ・クルス・バカニなどがいる。

1970年代は、他の意味で先駆的な芸術を生み出す創造的な10年間でした。それは「芸術とマスメディアの関係という点で分水嶺となる瞬間」でした。著名な写真家の一人にシンディ・シャーマンがいます。彼女は、この関係を考察する作品を制作した「ピクチャーズ・ジェネレーション」と呼ばれるアーティストグループの一員となりました。彼女の作品は、映画や広告だけでなく、テレビも現実の一部として育ってきた観客に向けて作られています。 ピクチャーズ・ジェネレーションのもう一人の重要人物であるバーバラ・クルーガーは、消費主義的で家父長制的な構造の文脈で権力を探求するために、広告やグラフィックデザインの技術を取り入れ始めました。これらのアーティストの出現と同時期に起こったフェミニズム運動は、女性の解放、特に生殖権とセクシュアリティに関する問題に取り組みました。こうした問題は、一部の西側諸国で女性の身体的自律性に関する法的権利が後退する中で、再び注目を集めています。^{[ 68 ]}

稀有な女性漫画家であるクレール・ブレテシェールをはじめとする女性グラフィックアーティストやイラストレーターは、それぞれの分野に多大な貢献をしてきた。^{[ 69 ]}より大きな規模で見ると、舞台デザイナーの中では、エリザベス・ポルニン、ドリス・ジンケイゼン、アデル・エンガード、キャスリーン・アンカース、マデリーン・アーバー、マルタ・ベケット、マリア・ビョルンソン、マデリーン・ボイド、グラディス・カルスロップ、マリー・アン・チメント、ミリア・ダベンポート、キルステン・デールホルム、ヴィクトリーナ・デュラン、ローレン・エルダー、ハイディ・エッティンガー、ソウトラ・ギルモア、レイチェル・ハウク、マージョリー・B・ケロッグ、エイドリアンヌ・ロベル、アンナ・ルイゾス、エレイン・J・マッカーシー、エリザベス・モンゴメリー、アルマンド・オズワルド、ナターシャ・ランボヴァ、キア・スティーブ＝ディッカーソン、カレン・テンアイク、ドニャール・ウェルレなどが注目に値する。

メアリー・キャロル・ネルソンはマルチメディアのレイヤリスト協会（SLMM）を設立し、そのアーティスト会員はエミール・ビストラムと超越絵画グループ、そして太平洋岸北西部のビジョナリー・アート・スクールのモリス・グレイブスの伝統を受け継いでいる。1970年代には、ジュディ・シカゴがフェミニスト・アートの非常に重要な作品である「ディナー・パーティー」を制作した。ヘレン・フランケンターラーは抽象表現主義の画家で、ジャクソン・ポロックの影響を受けた。リー・クラズナーも抽象表現主義のアーティストで、ポロックと結婚し、ハンス・ホフマンの弟子だった。エレイン・デ・クーニングはウィレム・デ・クーニングの弟子であり、後に彼の妻となった抽象具象画家だった。アン・ライアンはコラージュ作家だった。ジェーン・フランクもハンス・ホフマンの弟子で、キャンバスにミクストメディアで作品を制作した。カナダでは、マルセル・フェロンがオートマティズムの提唱者だった。

1960年代以降、フェミニズムは女性アーティストとその学術研究への関心の高まりをもたらした。美術史家のジャーメイン・グリア、リンダ・ノックリン、グリゼルダ・ポロック、キュレーターのジャシア・ライヒャルトらが顕著な貢献をした。ダフネ・ハルディンなどの美術史家は、女性アーティストのリストを作成することで男性中心の歴史のバランスを是正しようと試みたが、これらの努力の多くは未発表のままである。^{[ 70 ]}アルテミジア・ジェンティレスキやフリーダ・カーロのような人物は、比較的無名からフェミニストの象徴へと浮上した。 1985年に結成された匿名の女性グループ、ゲリラ・ガールズは「美術界の良心」であった。彼女たちは、特に美術界におけるジェンダーと人種に対する無関心と不平等について声を上げた。ゲリラ・ガールズは、コミュニティの意識を高め、変化を起こすために、通常はユーモラスな方法で注目を集める手段として、多くのポスターを作成してきました。1996年、キャサリン・デ・ゼーガーは、 20世紀の偉大な女性アーティスト37人の展覧会を企画しました。ボストンのICAからワシントンの国立女性美術館、ロンドンのホワイトチャペル、パースの西オーストラリア美術館へと巡回した展覧会「 Inside the Visible 」には、1930年代から1990年代までのアーティストの作品が含まれており、クロード・カアン、ルイーズ・ブルジョワ、ブラチャ・エッティンガー、アグネス・マーティン、キャリー・メイ・ウィームズ、シャーロット・サロモン、エヴァ・ヘッセ、ナンシー・スペロ、フランチェスカ・ウッドマン、リジア・クラーク、モナ・ハトゥム、そしてインスタレーションにテキスタイルを使用したことで高く評価されているマグダレーナ・アバカノヴィッチ^{[ 71 ]}などが紹介されました。

女性の織物は、以前は私的な領域に追いやられ、芸術として認識されるよりも家庭生活と結び付けられていました。以前は、芸術には男性らしさと結びついた「芸術家の才能」を示すことが求められていました。織物が機能的であると見なされた場合、それは芸術とはみなされませんでした。^{[ 72 ]}このため、女性は女性らしさと結びついた技法、つまり織物から繊細な線や特定の「女性的」な色の使用まで、女性らしさと結びついた技法を避けるようになりました。それは、女性的な芸術家と呼ばれたくなかったからです。^{[ 73 ]} しかし、近年ではこれに異議が唱えられ、織物は女性の経験や苦悩を表す芸術を創造するために使われるようになりました。パーカーの「反逆のステッチ」は、フェミニストが刺繍を転覆させてフェミニスト的な主張をし、織物は家庭生活や女性らしさとだけ結び付けられるべきだという考えに異議を唱えていることを示しています。^{[ 74 ]}ミクナは、女性を排除する芸術的慣習に異議を唱えることで、伝統芸術の政治性やジェンダーバイアスが露呈し、階級に基づく家父長制的な分断を打破するのに役立つと述べている。^{[ 75 ]}こうした伝統的に女性の表現形式は、現在では女性をエンパワーメントし、知識を発展させ、社会がこれまで軽視してきた伝統的な女性の技能を取り戻すために用いられている。^{[ 76 ]}

クラフト活動も参照してください。

19世紀後半に日本とヨーロッパで陶磁器の美術品が再び制作されるようになったことは、スタジオ陶芸として知られるようになったが、彫刻や、紀元前3千年紀のペルシャに遡るモザイクキューブであるテッセラも含まれる。スタジオ陶芸の出現には、マーティン兄弟やウィリアム・ムーアクロフトの作品に見られる美術陶芸、アーツ・アンド・クラフツ運動、バウハウス、伝統的な職人陶芸の再発見、中国における大量の宋代陶器の発掘など、いくつかの影響があった。^{[ 10 ]}

20 世紀のイギリスのスタジオ陶芸における主要な潮流は、男性と女性の両方によって代表されています。バーナード・リーチ、ウィリアム・ステイト・マレー、ドーラ・ビリングトン、ルーシー・リー、ハンス・コパーです。リーチ (1887–1979) は、中国、韓国、日本、中世イギリスの様式に強く影響を受けた陶芸のスタイル、倫理的な陶器を確立しました。彼のスタイルは、20 世紀半ばのイギリスのスタジオ陶芸を支配しました。リーチの影響は、特に彼の著書『陶芸家の本』^{[ 77 ]}と、コーンウォールのセント・アイヴスにある彼の陶器工房で運営していた徒弟制度によって広まりました。

他の陶芸家たちは、美術学校での地位を通じて影響力を行使した。ドーラ・ビリングトン（1890-1968）はハンリー美術学校で学び、陶器業界で働き、中央美術工芸学校の陶芸科主任となった。彼女はリーチが扱わなかった素材、例えば錫釉陶器などを扱い、ウィリアム・ニューランド、キャサリン・プレイデル＝ブーヴェリー、マーガレット・ハインなどの陶芸家に影響を与えた。^{[ 78 ] [ 79 ]}

1960年代以降、キャンバーウェル美術学校やセントラル・スクール・オブ・アート・アンド・デザインの影響を受けた新世代の陶芸家たち、アリソン・ブリットン、ルース・ダックワース、エリザベス・フリッチらが、抽象的な陶器作品や多様な表面効果、釉薬効果を実験的に取り入れ、高い評価を得ました。エリザベス・フリッチの作品は、世界中の主要なコレクションや美術館に収蔵されています。さらに、イギリスの陶芸家の名声は世界中から才能を引きつけ、この分野で著名なアーティストを輩出してきました。その中には、インドのニルマラ・パトワルダン、ケニアのマгдаレン・オドゥンド、イランのホマ・ヴァファイエ・ファーリーなどがいます。

イギリスと同様に、陶芸は19世紀後半から20世紀初頭にかけてのアメリカのアーツ・アンド・クラフツ運動に不可欠な要素でした。アルフレッド大学のニューヨーク州陶芸学校の初代校長であったチャールズ・ファーガス・ビンズは、重要な影響力を持っていました。アメリカの陶芸家の中には、イギリスや日本で台頭しつつあったスタジオ陶芸運動の手法を取り入れた者もいました。世界各地やヨーロッパからアメリカにやってきたアーティストたちは、陶芸を芸術として一般に広く認識させることに貢献しており、その中にはマルグリット・ヴィルデンハイン、マイヤ・グロテル、スージー・シンガー、ガートルードとオットー・ナッツラーなどがいます。アメリカの著名なスタジオ陶芸家には、オットーとヴィヴィカ・ヘイノ、ベアトリス・ウッド、アンバー・アギーレなどがいます。 

一方、リフトバレーのアフリカ大湖地域の原生林が減少する中で、採集生活という祖先から受け継いだ生活様式を守り続けている人々がいる。彼らはバトワ族であり、世界で最も疎外された人々のひとつである。彼らの女性（そして時折男性も）は、この地域の農民や牧畜民との物々交換に使われてきた陶器を作るという何世紀にもわたる習慣を続けている。彼らの陶器は、簡素なものから非常に装飾的なものまで多岐にわたる。^{[ 80 ] [ 81 ] [ 82 ]}

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  伝統的な陶器を持つバトワ族の女性たち
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  ルーシー・リー作の花瓶
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  マーガレット・ハイン作、陶器の鳥の置物、1950年代。釉薬をかけた炻器にスクラッチ技法による装飾が施されている。
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  エリザベス・フリッチによる手作りの陶器
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  マグダレン・オドゥンドのろくろ成形された磨き上げられた陶器
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  タイトル：「閉じ込められた」 年：2015年 著者：ベス・カヴェナー・スティクター