アイルランドの伝統音楽

アイルランドの伝統音楽では、歴史的に女性は楽器奏者として公の場で演奏する機会が少なかった。フィドル奏者のジュリア・クリフォードは、1922年のアイルランド自由国建国から20世紀後半までの間、女性の楽器奏者が公の場で演奏する姿はめったに見られなかったと述べている。^{[ 4 ]}彼女はまた、1950年代から1960年代初頭にかけて、ロンドンのパブのセッションで定期的に演奏していた唯一の女性ミュージシャンだったことを回想している。クリフォードを含む一部の演奏者は、音楽活動を続けるために、人知れずコンテストに出場していた。

この限られた認知度は、アイルランドの政治的および社会的構造と関連付けられています。1932年に結婚禁止法が制定され、女性は結婚すると公務員の職を辞めなければならなくなりました。また、1937年のアイルランド憲法は、女性が家庭で家族と過ごす役割を強調しました。^{[ 4 ]} 20世紀初頭のアイルランド社会における聖母マリアへの崇敬の影響もあって、文化的規範は、女性が公的な芸術活動よりも家庭の責任を優先すべきだという期待を強化しました。スロマンスキーなどの学者は、この時期に音楽を続けていた女性を「伝統の担い手」と表現しました。^{[ 1 ]}

こうした困難にもかかわらず、エリザベス・クロッティ、アギー・ホワイト、エレノア・ケイン・ニアリー、サラ・メイケム、ジュリア・クリフォードなど、1950年代以前にも多くの女性がこの伝統音楽に積極的に関わっていた。^{[ 1 ]}移民のパターンも女性の参加に影響を与えた。1926年から1936年の間に、男性よりも多くの女性がアイルランドを離れ、アイルランドの伝統音楽が海外に広まるのに貢献した。推定4万6千人の女性がアイルランドを離れたのに対し、男性はわずか3万人だった。^{[ 4 ]}

クリフォードは後にスリーヴ・ルアクラ音楽の伝統における主要人物として認められるようになった。彼女とデニス・マーフィーのコラボレーションにより、1969年にアルバム『The Star above the Garter』が制作され、これはケリー地方を代表するアイルランド地方音楽の重要な録音として評されている。「ジュリア・クリフォードのポルカ」など、この二人に関連する曲がレパートリーの一部となった。彼女の演奏スタイルは、微妙な音程の変化を含む装飾音で知られており、これは「C-スーパーナチュラル」と呼ばれることもある。^{[ 4 ]}

20世紀後半以降、アイルランドの伝統音楽における女性の存在感は高まった。1984年、ウルスラ・ケネディ、メアリー・クレア・ブレスナック、セオサイムヒン・ニー・ベアグラオイヒなどの音楽家が、公共の場での演奏における男女格差を強調するため、女性演奏家のみをフィーチャーしたコンサートをダブリンで開催した。このイベントの成功により、グループ「マカラ」が結成され、1984年にアルバム「Mná na hÉireann」をリリースした。^{[ 4 ]}

1985年から1990年の間に、女性ミュージシャンを擁するバンドが9組リリースされた。1990年から2000年の間に、その数は46組に増加した。2024年、マカラは国際女性デーにダブリンで40周年記念コンサートのために再結成した。ジュリア・クリフォードのよ​​うなパフォーマーやマカラのようなアンサンブルのキャリアは、アイルランドの伝統音楽における女性が経験してきた困難と、彼女たちの継続的な貢献を示している。^{[ 4 ]}

近年、LGBTQ+コミュニティの認知度は、様々な取り組みによって高まっています。2020年頃に結成されたTrad is Amach（ Isteach is Amachとも呼ばれる）は、アイルランドの伝統音楽家、歌手、ダンサーの集団です。 ^{[ 1 ]}このグループは、プライドイベントやアイルランドの伝統音楽フェスティバルを促進するために、コンサート、セッション、ケイリーを開催しています。アイルランド伝統音楽アーカイブなどの機関や、 Tradfest Temple Barのようなイベントは、アイルランドの伝統音楽におけるLGBTQ+コミュニティの認知度を高める上で重要であるとされています。

アイルランドのダンス音楽は等尺性で、コールアンドレスポンスに似た小節長の旋律フレーズのパターンを中心に構成されています。一般的なパターンは、A フレーズ、B フレーズ、A フレーズ、部分解決、A フレーズ、B フレーズ、A フレーズ、最終解決ですが、これは普遍的なものではありません。たとえば、マズルカでは、部分解決と最終解決の前に、A フレーズの繰り返しの代わりに C フレーズが使われる傾向があります。多くの曲には、A または B パートの開始につながるピックアップノートがあります。マズルカとホーンパイプはスウィング感がありますが、他の曲はストレート感があります。^{[ 5 ]}

曲は通常、2つ（またはそれ以上）のパートに分かれた二部形式で、各パートは4～8小節です。パートはAパート、Bパートなどと呼ばれます。各パートは2回演奏され、曲全体は3回演奏されます。AABB、AABB、AABBです。多くの曲はAパートとBパートの両方で似たような終わりのフレーズを持っています。ホーンパイプでは、各パートの後半が同じであることがよくあります。さらに、ホーンパイプでは、各パートの最後に3つの8分音符または4分音符があり、その後、Aパートの始まりからBパートに戻るためのピックアップノートが続きます。多くのエアはAABA形式です。^{[ 6 ]}

エアは通常単独で演奏されるが、ダンス曲は通常、セットと呼ばれる2～4曲のメドレーで演奏される。^{[ 6 ]}

歴史的に見ると、曲は現代よりもはるかに多くのパートで構成されていたことが多い。最大6パートの曲は文献によく記録されており、曲のパート数に関する明確な規則はない。極端な例としては、24パートからなる曲がある。^{[ 7 ]}短い曲の方が今日では一般的かもしれないが、長い曲も現代のジャムサークルで演奏されることがある。^{[ 8 ] [ 9 ] [ 10 ]}

アイルランド音楽は一般的に旋法に基づいており、イオニア旋法、エオリア旋法、ドリア旋法、ミクソリディア旋法、およびそれらの音階の六音音階と五音音階が用いられます。一部の曲には臨時記号が用いられています。^{[ 11 ]}

歌手や楽器奏者は、装飾音符、ロール、カット、クラン、スライドなどを用いてメロディーを装飾することがよくあります。^{[ 6 ] [ 11 ]}装飾音符は、アイルランドの伝統音楽における装飾の一種で、追加のメロディー音符ではなく、主音符を明瞭にするために使用されます。一般的な伝統楽器では、装飾音符は主音符の近くで指を素早く弾いたり動かしたりすることによって生成されます。通常、非常に短い音符として表記され、速い実現を示すためにしばしばデミセミクエーバーと呼ばれます。^{[ 12 ]}

カットとは、主音のリズミカルな速いアーティキュレーションで、3つの形式があります。シングルカット、ディバイディングカット、ダブルカットです。同じ音高の2つの音が、より低い音高またはより高い音高のカットによって分離されている場合、それらはカットとみなされます。ディバイディングカットは、従来の記譜法でモルデントとして知られる古典的な装飾音と似た構造を持っています。 ^{[ 12 ]}

クランは、ウイリアン・パイプによく関連付けられる装飾音です。通常は1つの音（たいていはD音）を取り囲み、そこから一連の装飾音が枝分かれして、時に「ゴボゴボと音を立てるD音」と呼ばれるリズミカルな効果を生み出します。「クラン」という用語は、アイルランド・ゲール語で「木」を意味するcrannに由来し、主音から枝分かれする追加の音を表しています。^{[ 12 ]}

ロールは、ターンと呼ばれる古典的な装飾音と混同されることがあります。ロールでは、主音は中心に留まり、その上下の音符は装飾音として機能します。ロールにはショートロールとロングロールの2種類があり、どちらも同じタイミングでクランに現れます。ロールの特徴は、装飾音を通してわずかにクレッシェンドすることで、主音を強調することです。^{[ 12 ]}

トレブルとトリプレットは、アイルランドの伝統音楽における独特なリズム装飾です。トレブルとは、2つの8分音符の長さ内に同じ音高の3つの音を演奏することを指します。トリプレットは、拍が3つの等しい部分に分割されるため、リズム構造が異なります。対照的に、トレブルはしばしば不均等なタイミングを特徴とし、通常、最初の2つの音は3番目の音よりも速く演奏されます。^{[ 12 ]}

ウイリアン・パイプはドローンとレギュレーターを使ってハーモニックなバックアップを提供することがあり、フィドル奏者は演奏中にダブルストップを使うことが多いが、アイルランド音楽ではメロディーが重視されるため、ハーモニーは通常シンプルに保たれるか、あるいは存在しない。^{[ 11 ]}通常、楽器は厳密なユニゾンで演奏され、常にリード奏者に続く。真の対位法は伝統音楽ではほとんど知られていないが、即興の「対旋律」の一種はブズーキやギター奏者の伴奏でよく使われる。西洋の多くのフォーク音楽とは対照的に、曲に決まったコード進行はない。多くの伴奏者は、メロディーが調性を定義できるようにパワーコードを使用したり、響き渡るドローン弦と組み合わせて部分コードを使用して調の中心を強調したりする。多くのギタリストは、これらのアプローチを使用する柔軟性を提供するため、 DADGADチューニングを使用する。ブズーキのGDADチューニングも同様である。^{[ 13 ]}

無伴奏の歌唱はショーン・ノース（「古風なスタイル」）と呼ばれ、伝統的な歌唱の究極の表現とされています。通常はソロで歌われ（ごくまれにデュエットで歌われることもあります）、ショーン・ノースの歌唱は装飾音が多く、声域は高音域が中心となります。トム・レニハンなどの真のショーン・ノース歌手は、各節のメロディーを変化させますが、歌詞を損なうほどではありません。歌詞はメロディーと同じくらい重要視されているからです。

ショーンノースには、リリングと呼ばれる非語彙的な発声が含まれることがあり、これは「ディドリー・ダイデリー」などの音で呼ばれることもあります。

ショーンノース以外の伝統的な歌唱法は、伴奏を用いる場合でも、ショーンノースの歌唱法から派生した装飾や旋律の自由度といったパターンを用い、一般的に同様の声の位置づけを行う。

Caoineadh (アイルランド語: [ kˠiːnʲə(w) ] ) は、悲しみと苦痛を強調する歌詞が特徴的な歌である、嘆きの歌を意味するアイルランド語です。この単語は英語化されて「keening」となります。伝統的に、Caoineadhの歌には、政治的または経済的な理由で移住を余儀なくされた歌手がアイルランドを嘆く歌詞が含まれていました。この歌は、家族の死や愛する人からの便りがないことを嘆くこともあります。アイルランド音楽において、Caoineadh の伝統はかつて広く普及していましたが、18 世紀以降衰退し始め、20 世紀半ばまでにほぼ完全に消滅しました。Caoineadh の歌の例としては、「Far Away in Australia」、「 The Town I Loved So Well」、「Going Back to Donegal」、「 Four Green Fields 」などがあります。 ^{[ 14 ]}国立民俗資料集によると、カオイネアの歌手は元々葬儀で故人を悼むために報酬を受け取っていた。「キーナー」はすすり泣きながら悲しげに故人の善行を朗読した。 ^{[ 15 ]}

アイルランドの伝統音楽とダンスは、ホームパーティー、カントリーダンス、ケイリーダンス、舞台公演や競技会、結婚式、聖人の日、その他の行事など、さまざまな場面で演奏されてきました。アイルランドのダンス音楽が最もよく演奏されるのはセッション（seisiún）で、多くの場合、ダンスは一切行われません。

伝統的なダンス音楽には、リール（^2/2_拍子または^4/4_拍子）、ホーンパイプ（スウィングした8分音符の^4/4_拍子）、ジグ（ダブルジグとシングルジグは^6/8_拍子）などがあります。ジグにはダンス用にさまざまな他の形式があり、スリップジグとホップジグは一般的に^{9/8拍子で書かれてい}_ます。^{[ 6 ] [ 11 ]}

後にレパートリーに加わったものには、ワルツ（^3/4_拍子でダウンビートに強いアクセントがある）や、ドニゴール県では同じ拍子記号だが2拍目にアクセントがあるマズルカなどがある。ドニゴールは、スコットランドのストラスペイのアイルランド版とも言える「ハイランド」でも有名だが、リールに近い雰囲気で、時折スコッツスナップが入る。^{[ 6 ]}

ポルカは、アイルランド南部のコーク県とケリー県の境界にあるスリーヴ・ルアクラ地方_{で主に見られる2/4}拍子の曲^の一種です。マンスター地方のもう一つの特徴的なリズムは、¹² _/8拍子のスライドです。^{[ 6 ]}

「スタイル」という概念は、アイルランドの伝統音楽家にとって非常に重要です。19世紀初頭には、演奏の地域的なスタイルに明確な違いがありました。アイルランドの伝統音楽家の米国での録音（例：マイケル・コールマン、1927年）のリリースや、通信と旅行の機会の増加に伴い、地域的なスタイルはより標準化されました。しかし、ドネガル（例：トミー・ピープルズ）、クレア（例：ジョン＆ジェームズ・ケリー兄弟）、スリーヴ・ルアクラ（例：ジャッキー・デイリー）の音楽家の演奏スタイルが非常に異なることからもわかるように、地域的な演奏スタイルは依然として残っています。ドネガルのフィドル演奏は、弓の動きが速く力強く、装飾音の大部分は弓によって生み出されるのが特徴です。一方、クレアのフィドル演奏は、弓の動きが遅く、装飾音の大部分は指によって生み出されるのが特徴です。弓三連符（3つの個別の音符を、それぞれの音符の間で弓を反転させて演奏する）はドネガルでより一般的ですが、指三連符と指ロール（5つの個別の音符を1回の弓の動きで指で演奏する）はクレアで非常に一般的です。

1970年代から1980年代にかけての舞台パフォーマー（ザ・ボシー・バンドのようなグループや、ケビン・バークのようなソロ奏者）は、伝統音楽のレパートリーを基に、従来の「セット」やダンサーのために演奏するという制約にとらわれることなく、独自の楽曲群を生み出してきた。バークの演奏は、彼独自の個性的なスタイルの一例であり、クラシック音楽の訓練、伝統的なスライゴ・フィドル・スタイル、そしてその他様々な影響が融合したものである。

伝統的なレパートリーの中で最も重要な楽器の1つであるフィドル（ほとんどの場合、フィドルスタイルで使用されるバイオリン）は、地域によって大きく異なるスタイルで演奏されます。^{[ 17 ]}標準的なGDAEチューニングを使用します。最もよく知られている地域のフィドル演奏の伝統は、ドニゴール県、スライゴ県、クレア県、そしてスリーヴ・ルアクラ のものです。

フィドルはアイルランドに古くから伝わる楽器ですが、16世紀以前のフィドルに関する記述は、現代のバイオリンとは異なる楽器を指していたと考えられます。現代のバイオリンは16世紀の北イタリアで発明されたからです。^{[ 18 ]}アイルランドにおけるフィドルに関する最古の記述は、7世紀のオカリーによるものです。^{[ 19 ]}

1674年、リチャード・ヘッドはアイルランドについて「日曜日には、どの野原にもバイオリンがあり、女の子たちは泡が出るまで踊っている」と書き、現代のバイオリンがすでにアイルランドに存在していたことを示唆している。アイルランドのバイオリンへの言及は、ジョン・ダントンの『ティーグの地、あるいは野性的なアイルランド人への楽しい散策』 （1698年） にも見られる。彼は「日曜日や祝日には、人々は皆、笛吹きやバイオリン奏者とともに村の広場に集まった」と述べている。 1680年にトーマス・ディネリーがアイルランドを訪れた際、音楽に関して「人々は笛吹き、ハープ奏者、またはバイオリン奏者とともに、夜通し騒ぎ踊った」と述べている。^{[ 20 ]} 17世紀には、コークの子供たちがアイルランドのバイオリンを教えられていたという記述がある。^{[ 21 ]}アイルランドでバイオリンが大量生産されるようになったとき、ダブリンのトーマス・ペリー（弦楽器製作者）、トーマス・モリニュー（弦楽器製作者）、ジョン・ニールといった地元の製作者とは異なり、彼らはイギリスのバイオリン製作者の技術に大きく影響を受けていた。ほとんどはイギリスからダブリンに輸入された。^{[ 22 ]} 18世紀にダブリンで発掘された、11世紀のものとされる楽器は、ハナミズキで作られ、先端に動物が彫られていた。それが世界最古の弓だと考えられていたが、それがどの楽器のものであったかはまだ不明である。また、レンスターの書（1160年頃）にもアイルランドのバイオリンへの言及があるかもしれない。^{[ 23 ]}

スライゴのフィドル演奏の伝統は、マイケル・コールマン、ジェームズ・モリソン、パディ・キロランといったアメリカを拠点とする演奏家たちの人気のおかげで、おそらく外部の人々にも最もよく知られているだろう。これらのフィドル奏者たちは、1920年代から1930年代にかけて、アメリカでアイルランド音楽を普及させるのに大きく貢献した。スライゴ出身のフィドル奏者には、マーティン・ウィンやフレッド・フィンなどもいた。

クレア出身の著名なフィドル奏者には、メアリー・カスティ、パディ・キャニー、パトリック・ケリー、ピーダー・オローリン、マーティン・ヘイズなどがいる。

ドネガルからは、ジェームズ・バーン、ジョン・ドハーティ、トミー・ピープルズといった著名な俳優が輩出されている。

ケリー県とコーク県の間にある小さな地域、スリーヴ・ルアクラは、ジュリア・クリフォード、彼女の兄弟であるデニス・マーフィー、ショーン・マグワイア、パディ・クローニン、パドレイグ・オキーフといった著名な音楽家を輩出したことで知られている。スリーヴ・ルアクラ出身の現代のフィドル奏者には、マット・クラニッチやコニー・オコンネルなどがいる。

現代の出演者には、ケビン・バーク、マイレ・ブリートナッハ、マット・クラニッチ、パディ・クローニン、フランキー・ギャビン、パディ・グラッキン、キャサル・ヘイデン、マーティン・ヘイズ、ピーター・ホーラン、ショーン・キーン、マイレアド・ニー・マオナイ、メレアド・ネスビット、ジェリー・オコナー、カオイムヒン・オ・ラグハライ、ドナル・オコナーとポール・オショーネシー。

近年、米国からはウィニフレッド・ホーラン、ブライアン・コンウェイ^{[ 24 ]} 、リズ・キャロル、アイリーン・アイヴァースなど、多くの著名なフィドル奏者が輩出されている。

フルートは、19世紀半ば頃からアイルランドの伝統音楽に欠かせない楽器となっています。当時、芸術音楽家たちは、円錐形の管と少ないキーを持つ木製のシンプルなフルートを捨て、現代のクラシック音楽で使われている金属製のベーム式フルートに切り替えました。工場で製造された笛は1840年にマンチェスターで製造され始め、アイルランドで最も人気のある大量生産モデルはFeadóg Irish tin whistleでした。^{[ 25 ]}

アルバート式フルート、つまり金属製のフルートではなく木製のフルートが選ばれたのは、当初は「時代遅れ」の廃品として古いフルートが中古で安価に入手できたためだった。木製の楽器は独特の音色を持ち、今日でも伝統的な音楽家の間で広く好まれている。ジョアニー・マッデンをはじめとする多くの演奏家は西洋のコンサートフルートを使用しているが、他の多くの演奏家はシンプルなシステムフルートが伝統的なフルート演奏に最適だと考えている。ベーム以前の時代のオリジナルのフルートは今も使われているが、1960年代以降、多くの職人が木製フルート製作の技術を復活させている。PVC製のフルートもある。これらは特に初心者や旅行用楽器として人気があり、木製楽器よりも安価で、湿度の変化にもはるかに強い。

ティンホイッスルまたはメタルホイッスルは、運指がほぼ同じであることから、シンプルなシステムのフルートの親戚とも言えるもので、人気があります。19 世紀のイギリスのマンチェスターで、安価な楽器として大量生産されました。クラークホイッスルは、同社が最初に製造したものとほぼ同じものが今でも入手可能ですが、オリジナルの C 調のホイッスルは、伝統音楽では主に D 調のホイッスルに置き換えられています。D 調は伝統音楽の「基本調」です。その他の一般的なデザインは、継ぎ目のないチューブで作られたバレルをプラスチックまたは木製のマウスピースに取り付けたものです。

熟練の職人は、アルミニウム、真鍮、鋼管だけでなく、合成素材や熱帯産の硬材など、さまざまな素材を用いて精巧な特注ホイッスルを製作する。しかしながら、長年この道に携わってきたプロの中には、既製品のホイッスルを使い続ける人も少なくない。

アイルランドの小学生は、他の多くの国でソプラノリコーダーを習うのと同じように、ティンホイッスルの基本的な演奏法を教わるのが一般的です。かつては多くの伝統音楽家がティンホイッスルを単なる「初心者向けのフルート」と考えていましたが、メアリー・バーギンなどの才能あるホイッスル奏者の登場により、そうした考え方は消え去りました。彼女の70年代初頭の代表作であるアルバム『Feadóga Stáin』 （アレック・フィンがブズーキで伴奏）は、伝統音楽におけるティンホイッスルの位置づけを一変させた作品としてしばしば評価されています。

一般的なティンホイッスルの派生形であるローホイッスルも人気があるが、フルートや通常のDホイッスルに比べて、セッション演奏には機敏さに欠けると感じるミュージシャンもいる。

現代の著名なフルート奏者（「フルート奏者」または「フルート奏者」と呼ばれることもある）には、マット・モロイ、ケビン・クロフォード、ピーター・ホーラン、マイケル・マクゴールドリック、デジ・ウィルキンソン、コナル・オグラダ、ジェームズ・カーティ、エマー・メイオック、ジョアニー・マッデン、マイケル・タブリーディ、キャサリン・マクエボイなどがおり、一方、口笛奏者には、パディ・モロニー、カーメル・ガニング、パディ・キーナン、ショーン・ライアン、アンドレア・コー、メアリー・バーギン、パッキー・バーン、コーマック・ブレアトナックなどがいる。^{[ 26 ] [ 27 ] [ 28 ]}

ウイリアン・パイプ（発音はイルインまたはイルヤン）は複雑な楽器です。伝承では、パイプ奏者が楽器を習得したと言えるまでには、7年間の学習、7年間の練習、7年間の演奏が必要だとされています。^{[ 29 ]}ウイリアン・パイプは18世紀初頭頃に発展し、その歴史は、イギリスとアイルランドの同時代の資料にある彫刻や絵画に、牧歌的なパイプやユニオン・パイプとして描かれています。^{[ 30 ]}その現代的な形は18世紀末までに確立され、18世紀半ばのリムリック出身のパイプ奏者ジャクソンやタンドラギーのパイプ製作者ウィリアム・ケネディ、英国国教会の聖職者キャノン・ジェームズ・グッドマン（1828年～1896年）とその友人スキベリーン出身のジョン・ヒングストンといった紳士パイプ奏者によって演奏されました。 20世紀には、シーマス・エニス、レオ・ロウサム、ウィリー・クランシーといった人々が、洗練された華麗な曲や、ジョン・キャッシュやジョニー・ドーランのような旅するバグパイプ奏者が演奏する派手で装飾的な曲を演奏した。^{[ 31 ]}ウイリアン・パイプの伝統は、パディ・モロニー（チーフタンズ）らによって再び人気を博し、ロウサムやエニスといった演奏者、研究者で収集家のブレンダン・ブレスナックを含むバグパイプ奏者に開かれた組織であるナ・ピオバイリ・ウイリアンが結成される前に、ほぼ消滅していた。リアム・オフラリンは、パディ・キーナン、デイビー・スピレーン、ジェリー・オサリバン、ミック・オブライエンと並んで、現代の演奏者の中で最も人気のある一人である。フューリー家、ドーラン家、キーナン家など、多くのパヴィー（移動生活者）の家族は、バグパイプ奏者が多いことで有名である。

ウイリアン・パイプは、バグパイプの中でも最も複雑な楽器の一つです。ダブルリードと2オクターブの音域を持つチャンター、3つのシングルリードのドローン、そしてフルセットと呼ばれる完全な形態では、すべてダブルリードと演奏者の前腕で操作するキーを備えた3つのレギュレーターがあり、メロディーにハーモニーのサポートを提供することができます。 （ほぼすべてのウイリアン・パイプ奏者は、レギュレーターがなく、ふいご、バッグ、チャンター、ドローンのみで構成されるハーフセットで演奏を始めます。フルセットで演奏しないことを選択する人もいれば、レギュレーターをほとんど使用しない人も多くいます。）バッグは、ハイランド・パイプや、スコティッシュ・スモールパイプ、パストラル・パイプ（これもレギュレーターを使用して演奏します）、イングランド北部のノーサンブリアン・パイプ、イングランドとスコットランドの国境地帯の両地域で見られるボーダー・パイプを除くほとんどすべてのバグパイプのように演奏者の肺ではなく、パイプ奏者の肘と脇腹の間に挟んだふいごで空気が満たされます。

ウイリアン・パイプは、アン・ショーン・ノース（「古風なスタイル」）と呼ばれる無伴奏歌唱と密接な関係にあるフォン・モールと呼ばれる器楽音楽の形式で重要な役割を果たしています。ウィリー・クランシー、レオ・ロウサム、ギャレット・バリーは、当時有名だった多くのパイプ奏者のうちの一人でした。パディ・キーナンとデイビー・スピレーンは、今日でも他の多くの曲とともにこれらの伝統的な曲を演奏しています。^{[ 32 ] [ 33 ]}

ハープはアイルランドの主要なシンボルのひとつです。アイルランドの硬貨に描かれ、ギネスビールの広告にも使われているケルトのハープは、10世紀にはすでに演奏されていました。古代において、ハープ奏者は非常に尊敬され、詩人や書記官とともに、ゲール人の古い領主や首長の階級において最も重要な家臣の一人として高い地位を占めていました。今日、このハープ演奏の伝統を代表する人物として最もよく知られているのは、18世紀の盲目のハープ奏者、トゥルロー・オ・キャロランでしょう。彼はしばしばアイルランドの非公式な国民的作曲家とみなされています。少し前のスライゴ県のハープ奏者、トーマス・コネランは、「夜明け」や「ラグラン・ロード」、「キャロランの夢」といった有名な曲を作曲しました。

アイルランド固有のハープの伝統は、独自の規範と編曲・作曲構造の規則を持つ貴族的な芸術音楽であり、現代のアイルランド伝統音楽の祖先である庶民の民俗音楽とは、ごくわずかしか関連していなかった。オキャロランなど、ハープの伝統を受け継いだ後期の演奏家の中には、ダブリンの劇場やコンサートホールで演奏されていたヴィヴァルディなどのイタリア・バロック音楽に影響を受けた者もいた。ハープの伝統は、それを支えていたアイルランド固有のゲール貴族階級の衰退とともに、長くは続かなかった。19世紀初頭には、アイルランドのハープとその音楽は、事実上消滅していた。ハープの伝統に由来する曲は、民俗音楽に取り入れられた非和声の旋律としてのみ生き残ったか、エドワード・バンティング（彼は1792年にベルファスト・ハープ・フェスティバルに参加した）のような楽譜集に記譜された形で保存された。これらの楽譜集では、曲は多くの場合、英国化された中流階級や上流階級の居間のピアノフォルテに合うように改変されていた。

20世紀の復興運動の初期の世代は、主にガット弦（第二次世界大戦後にナイロン弦に置き換えられることが多かった）のネオ・ケルト・ハープを指の腹で演奏し、長い爪で弾く古い真鍮弦のハープは演奏しなかった。彼らはアイルランドの伝統音楽の舞曲や歌曲、そして入手可能な古いハープ曲を選び、オーケストラ（ペダル）ハープから派生した技法と、リズム、アレンジ、テンポに対するアプローチを適用した。そのアプローチは、古いハープの伝統やアイルランド音楽の生きた伝統よりも、主流のクラシック音楽と共通点が多いものが多かった。ベルファストのハープ伴奏による民謡の伝統は、マクピーク一家によって保存された。現在では、中世の楽器のレプリカが真鍮、銀、さらには金の弦を使って演奏されるなど、初期のアイルランド・ハープの復興が進んでいる。この復興は、 1930年代のイギリスのアーノルド・ドルメッチ、1960年代のブルターニュのアラン・スティヴェル、1970年代から現在までのアメリカのアン・ヘイマンなど、多くの音楽家の活動によって発展しました。 2019年には、アイルランドのハープ演奏はユネスコによって人類の無形文化遺産の代表リストに登録され、その文化的意義が認められました。^{[ 34 ]}

モダンハープの著名な奏者としては、デレク・ベル(チーフタンズ)、ライーズ・ケリー(バンブルビーズ)、グレイン・ハンブリー、マイレ・ニー・チャササイ、メアリー・オハラ、アントワネット・マッケンナ、アイン・ミノーグ、パトリック・ボールなどが挙げられます。

しかしながら、ハープはアイルランドの伝統音楽において、主にソロ演奏や、一人の歌手の唯一の伴奏楽器として、独自の地位を保ち続けている。弦楽器としての前奏的な役割や、背景の伴奏としての役割は、アンサンブル演奏においてはギター、マンドリン、アイルランドのブズーキなどに取って代わられつつある。

アコーディオンは現代アイルランド音楽において重要な役割を果たしている。アコーディオンは19世紀後半にアイルランドに伝わった。10鍵盤のメロディオンは島全体で人気があったと言われている。アメリカではジョン・キンメル、フラナガン兄弟、エディ・ハーボーン、ピーター・コンロンらが録音している。メロディオンは今ではあまり一般的ではないが、特にコネマラ地方ではジョニー・コノリーによって演奏されている。

現代のアイルランドのアコーディオン奏者は、一般的に2列ボタン式のアコーディオンを好んで使用します。ヨーロッパやアメリカの他の音楽伝統で用いられる同様のアコーディオンとは異なり、2列のボタンは半音ずつ間隔をあけて調律されています。これにより、楽器を半音階で演奏することが可能になります。現在、B/C調とC#/D調のアコーディオンが圧倒的に人気です。

B/Cアコーディオンは流れるようなスタイルに適しており、1940年代後半から1950年代にかけてティペラリー州のパディ・オブライエン、 1950年代から60年代にかけてジョー・バークとソニー・ブローガンによって普及しました。ダブリン出身のジェームズ・キーンはこの楽器をニューヨークに持ち込み、1970年代から現在に至るまで影響力のあるレコーディングと演奏活動を続けています。その他の有名なB/C奏者には、オファリー州のパディ・オブライエン、ボビー・ガーディナー、フィンバー・ドワイヤー、ジョン・ノーラン、ジェームズ・キーン、ビリー・マコミスキーなどがいます。^{[ 35 ]}

C#/Dアコーディオンは、より力強い演奏スタイルに適しており、特にケリー音楽のスライドやポルカで人気があります。著名な演奏家には、トニー・マクマホン、マーティン・オコナー、シャロン・シャノン、チャーリー・ピゴット、ジャッキー・デイリー、ジョー・クーリー、ジョニー・オリアリーなどがいます。

ピアノアコーディオンは1950年代に非常に人気を博し、現在に至るまでケイリーバンドや古き良きアイルランドのダンス音楽で盛んに演奏されています。その広い音域、キー変更の容易さ、より滑らかなアクション、そして力強いミュゼット調律は他の楽器とシームレスに融合し、この時代に高く評価されました。ピアノアコーディオンは、アイルランドとスコットランドのトップケイリーバンドの主要楽器です。ダーモット・オブライエン、マラキー・ドリス、ショーン・クイン、ミック・フォスターは、この楽器の有名なアイルランドのソロマスターであり、多くの録音を残しています。1970年代後半の伝統音楽の最新のリバイバルも、この多才な楽器への関心を再び高めました。ボタンキーアコーディオンと同様に、ドライ調律、より軽快な演奏スタイル、よりリズミカルに変化に富んだベースを特徴とする新しい演奏スタイルが生まれました。この現代的なスタイルの著名な演奏者には、カレン・ツイード（イングランド）とアラン・ケリー（ロスコモン）がいます。

コンサーティーナにはいくつかの種類があり、アイルランドの伝統音楽で最も一般的なのはアングロシステムですが、現在ではイングリッシュシステムを演奏するミュージシャンも少数ながら存在します。構造や演奏方法において、それぞれに違いがあります。アングロシステムの最も特徴的な点は、蛇腹が圧縮されているか膨張しているかによって、各ボタンが異なる音を出すことです。アングロコンサーティーナには通常、音を出すボタンが2列または3列あり、さらに右手の親指の近くに「エアボタン」があり、音を出さずに蛇腹に空気を注入したり排出したりすることができます。

2列のアングロ・コンサーティーナには通常、音を出すためのボタンが20個あります。1列10個のボタンは、共通の調の音符を表しています。したがって、2列の主要なボタンには、C調とG調など、2つの調の音符が含まれています。各列は2つに分かれており、楽器の左端にある5つのボタンは、その調の低い音符を演奏し、右端にある5つのボタンは、高い音符を演奏します。高い調のボタンの列は、それぞれの手首に近い位置にあります。20キーのコンサーティーナは、使用できる臨時記号の範囲が限られているため、アイルランドの伝統音楽での使用は限定的です。

3列コンサーティーナは、3列目に臨時記号（つまり、2列の主音列で表される調に含まれないシャープとフラット）と冗長音（つまり、主音列の音と同じだが、3列目の一番外側の列にある音）を追加することで、楽器をほぼすべての調で演奏できるようにします。ホームキー列では、ボタンを押して蛇腹を圧縮し、同じボタンを押して蛇腹を伸ばし、次のボタンに移動して同じプロセスを繰り返すことで、一連の音を連続して演奏できます。この配置の結果、演奏者は蛇腹の方向を変える必要がある場面に頻繁に遭遇し、隣接する2つの音の間に明確な分離が生じます。これにより、音楽はより区切りのある、弾むようなサウンドになり、特にホーンパイプやジグに適しています。

一方、イングリッシュ・コンサーティーナは、蛇腹の動きの方向に関係なく、どのボタンを押しても同じ音が出ます。そのため、蛇腹が伸びている状態でも縮んでいる状態でも、どの音も演奏できます。結果として、蛇腹の動きを変えることなく、連続した音を演奏することが可能です。これにより、蛇腹の動きを中断することなく、滑らかで途切れのない音の連続を演奏できます。

アングロ・コンサーティーナの本来の弾力性とイングリッシュ・コンサーティーナの本来の滑らかさにもかかわらず、アイルランドの伝統音楽の熟練した演奏者は、演奏スタイルを適応させることで、それぞれの楽器でどちらの効果も得ることができます。例えば、アングロ・コンサーティーナでは、さまざまな列の音符が部分的に重なり合っており、3列目には追加の冗長な音符があるため、同じ音符を複数のボタンで鳴らすことができます。多くの場合、1つのボタンで蛇腹を圧縮したときに特定の音符が鳴るのに対し、別の列の別のボタンでは、蛇腹を拡張したときに同じ音符が鳴ります。このように、列をまたいで演奏することで、演奏者は音符ごとに蛇腹の方向を変えることを避けることができ、音楽的な目的がより滑らかな音色である場合に有効です。同様に、イングリッシュ・コンサーティーナも、その本来の滑らかさと音符間の連続性に対抗する演奏スタイルに対応しています。具体的には、音楽がそれを必要とする場合、演奏者は蛇腹の方向を反転させることを選択でき、連続する音符をより明確に発音することができます。^{[ 36 ]}

人気のコンサーティーナ奏者には、モーセン・アミニ、ナイル・ヴァレリー、キティ・ヘイズ、ギアロイド・アルムフライン、ノエル・ヒル、パドレイグ・リンなどが含まれます。リアム・クランシー（クランシー・ブラザーズおよびマケム・アンド・クランシーのメンバー）も、2009 年に亡くなるまでコンサーティーナを演奏しました。

4弦テナーバンジョーは、アイルランドの伝統音楽の演奏者によってメロディー楽器として演奏され、一般的にはフィドルより1オクターブ低いGDAEに調律されます。これは、アフリカの奴隷によって開発されたアメリカ合衆国から帰国した移民によってアイルランドにもたらされました。アイルランド音楽ではめったにかき鳴らされることはなく（古い録音ではバンジョーが伴奏楽器として使用されている場合もあります）、代わりにピックまたは「指ぬき」を使用してメロディー楽器として演奏されます。^{[ 37 ]}

ダブリナーズのバーニー・マッケナは、バンジョーの現在の人気を開拓した人物としてしばしば称賛され、2012年に72歳で亡くなるまで精力的に演奏を続けた。著名な演奏家には、キーラン・ハンラハン、チャーリー・ピゴット、ジョン・カーティ、アンジェリーナ・カーベリー、ジェリー・オコナー、エンダ・スカヒル、ケビン・グリフィン、そしてオール・アイルランド・フレアのチャンピオンであるブライアン・スカネルなどがいる。

トム・ハンウェイ[ ^{38 ]}などいくつかの例外を除いて、5弦バンジョーはアイルランドの伝統音楽においてメロディー楽器としての役割をほとんど果たしてこなかった。^{マーガレット}・バリー、ペッカー・ダン、ルーク・ケリー、アル・オドネル、ボビー・クランシー、トミー・メイケムといった歌手たちが伴奏に使用してきた。

マンドリンは、アイルランドの伝統音楽家の間で一般的な楽器となっている。フィドルとマンドリンは音域がほぼ同じで、左手の運指も（フィドルにはフレットがないことを除けば）ほぼ同じであるため、マンドリン奏者にとってフィドルの曲は容易に演奏できる。

アイルランドの伝統音楽にはほぼどんな種類のアコースティック・マンドリンでも十分かもしれないが、アイルランドの演奏家は、イタリア式のボウルバック・マンドリンやブルーグラス・マンドリン奏者に好まれるfホール付きのカーブドトップ・マンドリンよりも、楕円形のサウンドホールを持つフラットバック・マンドリンを好む。前者はセッションで存在感を発揮するには音が柔らかすぎることが多く（演奏者の膝の上で安定しない傾向がある）、後者は伝統的な耳には耳障りで押し付けがましい音に聞こえる傾向がある。正式な演奏や録音には、フラットトップの「アイリッシュスタイル」マンドリン（第一次世界大戦時代のマーティン・アーミー・ネイビー・マンドリンを彷彿とさせる）や、1920年代のギブソンAスタイルなどの楕円形のサウンドホールを持つカーブド（アーチ）トップ・マンドリンが圧倒的に好まれる。ナショナル・レゾフォニックのRM-1のようなリゾネーター・マンドリンは、音が十分に大きく聴き取りやすいため、アメリカのアイルランド音楽セッションで使われるようになってきている。

アイルランドの著名なマンドリン奏者には、アンディ・アーバイン（ジョニー・モイニハンと同様、ほぼ常にEをDにチューニングする）^{[ 39 ] : 38}、ミック・モロニー、ポール・ケリー、デクラン・コーリー、クローディン・ランギルなどがいる。ダブリナーズのフィドル奏者ジョン・シーハンとテナーバンジョー奏者バーニー・マッケナも、優れたマンドリン奏者である。

ギターはアイルランド音楽の伝統的な楽器ではありませんが、現代のセッションでは広く受け入れられています。通常、メロディー奏者や時には歌手の伴奏として、ピック（プレクトラム）でかき鳴らされます。アイルランドの伴奏では、基本的な第1ポジションや第2ポジションの「カウボーイコード」ではなく、ネック全体にわたってコードボイシングが使われる傾向があります。ジャズで使用されるものとは異なり、これらのコードボイシングではバレーフィンガリングはほとんど使われず、5フレット以上で押さえた弦と1本以上の開放弦を組み合わせて使うことがよくあります。通常のメジャーコードやマイナーコードに加えて、モーダルコード（ルートと5度、3度を除く、メジャーでもマイナーでもない）が広く使われ、サスペンデッドコードや、時にはよりエキゾチックな増三和音も使われます。ただし、メジャーセブンスコードやマイナーセブンスコードは、他の多くの音楽スタイルほど使われません。

理想的には、ギタリストはリズムやテンポをコントロールしようとするのではなく、リードメロディー奏者や歌手に正確に追従します。ほとんどのギターパートは、他のアコースティックジャンルのようにメロディーを主導するのではなく、メロディーからインスピレーションと方向性を得ています。^{[ 40 ]}

伝統音楽で活躍した初期の著名なギタリストの多くは、Dáithí SprouleやThe Bothy BandのMícheál Ó Domhnaillのように、楽器を「DADGAD」チューニングで演奏していました。Steve Cooney、Arty McGlynn、John Doyleなど、他の多くのプレイヤーは「標準」（EADGBE）チューニングや「ドロップD」（DADGBE）チューニングを使用しています。また、一部のプレイヤーは他にも様々な代替チューニングを使用しています。これらのチューニングの特徴は、フィンガリングされたコードシェイプと共に演奏される1本以上の開放弦が、コードのドローン音の一部となることです。

ギタリストやブズーキ奏者は、ハーモニー伴奏の代わりに単音のメロディーを演奏することもあるが、2、3人以上の演奏者が参加するライブのアコースティックセッションでは、ドラムやバイオリン、ペニーホイッスルの甲高い音に負けない音量を出すのは難しい。

伝統的な楽器ではないものの、アイルランドのブズーキ^{[ 39 ]}は現代のアイルランドの伝統音楽シーンで居場所を見つけた。ギリシャのブズーキは1960年代後半にジョニー・モイニハンによってアイルランドの伝統音楽に紹介され、その後ドナル・ラニー、アンディ・アーバイン、アレック・フィンによって普及した。

今日のアイリッシュ・ブズーキは（通常）4コースの2弦（通常）で、G2−D3−A3−D4にチューニングされています。ベースコースはほとんどの場合ユニゾンでチューニングされており、これはアイリッシュ・ブズーキをギリシャのブズーキと区別する特徴の1つですが、ベースにオクターブを付ける奏者もいます。ギリシャのブズーキの板張りの丸いバックの代わりに、アイリッシュ・ブズーキは通常、平らかわずかにアーチ状のバックを持っています。アイリッシュ・ブズーキを最初に製作した楽器製作者（1970年にドナル・ラニーのために）のピーター・アブネットは、3ピースの板張りのバックを製作しています。トップは平らか、アーチトップギターやマンドリンのように彫刻されていますが、バックとトップの両方を彫刻する製作者もいます。

アレック・フィンとミック・コネリーは、ギリシャのブズーキ（D3−A3−D4に調弦された、古いスタイルのトリクソルドと呼ばれる3コース（6弦）の楽器）を今でも使用している数少ない著名な演奏家である。

曲げ木とヤギ皮で作られたフレームドラムであるボドランは、伝統的なダンス音楽に比較的新しく加わった楽器と考えられています。音楽学者の中には、もともとは聖ステファノの日のレンボーイやその他の準儀式的な行列での使用に限られていたと示唆する人もいます。1960年代にショーン・オ・リアダによって紹介/普及され（ただし、19世紀半ばにはすでにジルのない「タンバリン」が演奏されていたという記述があります）、すぐに人気を博しました。著名な演奏者には、リアム・オ・マオンライ（ホットハウス・フラワーズ）、ジョニー・「リンゴ」・マクドナ、トミー・ヘイズ、ベオガのイーモン・マレー、コルム・マーフィー、フルークのジョン・ジョー・ケリー、ザ・コーズのキャロライン・コーなどがいます。

ここで、骨（細長く湾曲した骨または木の棒2本）と「スプーン」についても触れておくべきだろう。これら2つを片手で持ち、リズミカルに打ち合わせることで、打楽器のようなカチカチという音を出す。

パブでのセッションでは、時折、西アフリカのジェンベドラム（低く響くベース音と高音の両方を出すことができる）やカリブ海のボンゴドラムなど、従来とは異なるハンドドラムが使われることがある。これらのドラムは、セッション中にバウロンのバリエーションとして、あるいはバウロンと組み合わせて使用​​される。

アイルランドのハーモニカの伝統は、他のフリーリード楽器ほど詳しく記録されてはいないものの、リック・エッピング、ミック・キンセラ、ポール・モラン、ウェックスフォード州出身のマーフィー一家、エディ・クラーク、ブレンダン・パワー（後者はニュージーランド出身）によって代表されている。^{[ 41 ]}パディ・クランシーは、1960年代初頭にクランシー・ブラザーズとトミー・メイケムの一員として、世界的に有名な最初のアイルランドのフォークハーモニカ奏者となった。

アイルランドの伝統文化への関心の復活は、ナショナリストによる独立運動と密接に関連しており、1893年のゲール語連盟の設立によって促進された。ゲール語連盟は、アイルランド語に焦点を当てることでアイルランドの伝統芸術の再発見と確立を促そうとしただけでなく、活動の中心として1903年に年次競技会「フェス・ケオル」を設立した。

米国では、シカゴなどの大都市のアイルランド系コミュニティで伝統音楽家が人気を博し続けた。シカゴはアイルランド移民にとって主要な移住先であった。1920年までに、この地域には約22万人のアイルランド生まれの住民がおり、そのうち5万7千人以上がシカゴに住んでいた。^{[ 42 ]}フランシス・オニール（1848年- 1936年）はアイルランドの伝統音楽の収集家であり推進者であり、その業績は「20世紀のアイルランドの伝統舞踊音楽の発展に大きな影響を与えた」。^{[ 43 ]}オニールは、大規模な楽曲集を出版しただけでなく、エジソンのワックスシリンダーにアイルランドの音楽家の初期の録音をいくつか行ったことでも知られている。^{[ 44 ]} 1920年代と1930年代には、エド・リーヴィー、マイケル・コールマン、ジェームズ・モリソン、ジョン・マッケナなどの移民音楽家のレコードが、アイルランドで演奏される音楽に新たな息吹を吹き込んだ。^{[ 45 ]}

宗教もまた、アイルランド文化の再構築において重要な役割を果たした。イギリスからの独立という実際の成果は、アイルランド文化をヨーロッパの主流から切り離したいという新たなアイルランド支配層の願望と密接に一致していたが、新アイルランド政府は「ジャズダンス」の抑制や、アイルランドの道徳の堕落を示唆するその他の聖職者の要求にも耳を傾けた。ただし、誰でも自由にイベントを開催できる権利が制限されたのは、1935年の公共ダンスホール法が制定されてからのことだった。それ以降、許可なく公共の場で音楽やダンスのイベントを開催することはできなくなり、許可は通常、「適切な」人物、多くの場合教区司祭にのみ与えられた。

継続的な移民と、聖職者たちが無許可のイベントを閉鎖しようとする必然的な熱意が相まって、結果として伝統音楽とダンスは再び民家へと追いやられ、1960年代初頭に帰国した移民たちがパブのオーナーたちを説得してセッションを開催するようになるまで、その状態が続いた。

アイルランドの伝統音楽の第二の復興において重要な人物は、クラシック音楽の訓練を受けた作曲家ショーン・オ・リアダで、1950年代と1960年代にアイルランド音楽をより幅広い聴衆に広めるのに貢献しました。彼は、コンサート形式でアイルランドの伝統音楽を発表し、オーケストラ作品と組み合わせた最初の人物の一人でした。彼の作品「Mise Eire」は、現代的な文脈でアイルランド音楽を新しい聴衆に紹介しました。^{[ 46 ]}ショーン・オ・リアダのチーフタンズ、クランシー・ブラザーズ、アイリッシュ・ローヴァーズ、ダブリナーズ、スウィーニーズ・メンは、1960年代のアイルランド民謡の第二の復興の波に大きく貢献し、 70年代にはプランクスティ、ボシー・バンド、クラナドが続きました。この復活は、伝統音楽の保存を目的として 1951 年に設立された音楽家たちの緩やかな運動であるComhaltas Ceoltóirí Éireannによって部分的に支援され、人気の Fleadh Cheoil (音楽祭) につながりました。

1960年代には、数々の革新的なパフォーマーが登場した。例えば、クリスティ・ムーアとドナル・ラニーは、当初はデュオとして活動し、後に当時最も有名なバンドの一つであるプランクスティとムービング・ハーツ（1980年代）を結成した。クランシーズは、1960年代初頭にアメリカで音楽シーンを開拓し、ダブリナーズのようなボーカルグループに影響を与えた。また、チェオルトイリ・チュアランのインストゥルメンタル音楽は、おそらく最も有名なアイルランドの伝統音楽バンドであるチーフタンズを生み出し、このバンドは1963年に結成された。

1970年代までに、プランクスティとクラナドはアイルランド音楽の大衆的な開花の舞台を整えた。^{[ 47 ]} 1974年に結成されたザ・ボシー・バンドは、そのムーブメントの先鋒となり、デビュー・アルバム『1975』（1975）は多くのファンを魅了した。^{[ 48 ]}彼らの後に登場した新しいグループには、ドナル・ラニーとクリスティ・ムーアによって結成され、デイヴィー・スピレーンがウイリアン・パイプを演奏するムービング・ハーツなどがあり、これはロックの場で実際に実現した最初の例だった。^{[ 49 ]}アイルランド民俗音楽協会は1971年に設立され、^{[ 50 ]}アイルランド伝統音楽アーカイブは1987年に設立された。^{[ 51 ]}

ヴァン・モリソンはトラッドロックのシーンでも知られており、ソウルやR&Bを取り入れたことでも有名である。

ケルティック ロックは、アイルランドで開拓されたフォーク ロックのジャンルであり、ケルティック フュージョンの形態で、ケルティック音楽、楽器、テーマをロック音楽の文脈に取り入れたものです。これは、大成功を収めた主流のケルティック バンドや人気ミュージシャンの発展の重要な基盤と見なされており、さらにフュージョンを通じて重要な派生を生み出しています。^{[ 52 ]}おそらくこのシーンで最も成功した産物は、バンドThin Lizzyでしょう。1969 年に結成された彼らの最初の 2 つのアルバムは、明らかにアイルランドの伝統音楽の影響を受けており、1972 年の彼らの最初のヒット シングル「Whiskey in the Jar」は、アイルランドの伝統歌のロック バージョンでした。^{[ 53 ]}この時点から彼らはハード ロックに向かい始め、一連のヒット シングルとアルバムを獲得しましたが、 Jailbreak (1976 年)などの後のアルバムでは、時折ケルティック ロックの要素を残しました。 1970年に結成されたホースリップスは、「ケルティック・ロック」という用語が適用される最初のアイルランドのグループであり、伝統的なアイルランド/ケルトの音楽と楽器、ケルトのテーマとイメージ、アイルランド神話に基づくコンセプト・アルバムを制作し、ハードロック・サウンドを駆使してプログレッシブ・ロックの領域に踏み込んだ。^{[ 54 ]}ホースリップスは、母国を離れることなく成功を収めた最初の主要バンドであり、アイルランドやその他の地域でケルティック・ロックのひな形を提供したと見なされているため、アイルランドのロックの歴史において重要であると考えられている。^{[ 55 ]}

伝統音楽、特にショーン・ノース歌唱は、20世紀後半のアイルランドのポピュラー音楽で大きな役割を果たし、ヴァン・モリソン、ホットハウス・フラワーズ、シネイド・オコナーはポピュラーソングに伝統的な要素を取り入れた。エンヤはニューエイジとケルト音楽の融合で国際的に大成功を収めた。シェイン・マクゴーワン率いるザ・ポーグスは、アイルランドのフォークとパンク・ロックの融合に貢献した。その結果、アイルランド、イギリス、アメリカでトップ10ヒットが生まれた。アフロ・ケルト・サウンド・システムは、 1990年代にケルト音楽の楽器演奏と西アフリカの影響、ドラムンベースを融合させた。

1980年代には、デ・ダナン、アルタン、ダーヴィッシュ、パトリック・ストリートといった著名なフォークバンドが活躍した。この時期、アイルランド音楽への関心が高まり、メアリー・ブラックやシャロン・シャノンなど、多くのアーティストが海外でより広く知られるようになった。BBCは、アイルランド音楽の影響について「Bringing it all Back Home」というドキュメンタリーシリーズを放映した（これはボブ・ディランのアルバムと、アイルランドのディアスポラに伴って新世界に伝わり、それが現代のアイルランドのロック音楽に影響を与えたアイルランドの伝統音楽の伝承の両方を指している）。このシリーズは、アイルランド国外ではあまり知られていなかった多くのアーティストの知名度向上にも貢献した。

2000年代において、Beoga、Gráda、Danú、Teadaは、主に伝統的な傾向を持つ、最も若い主要なインストゥルメンタルバンドのいくつかである。

Flook、Kíla、Gráda、The Dave Munnelly Bandなど、地元音楽とアイルランド音楽を融合させた音楽を展開しているアイルランドのバンドは他にも多数存在する。