ブロードウェイ劇場

ニューヨーク市で最初の重要な劇場は、18 世紀半ば、1750 年頃に設立されました。俳優兼支配人のウォルター マレーとトーマス キーンが、マンハッタン南部のナッソー ストリートにある劇場に常駐劇団を設立し、約 280 人を収容しました。彼らはウィリアム シェイクスピアの戯曲や、『乞食オペラ』などのバラッド オペラを上演しました。^{[ 9 ]} 1752 年、ウィリアム ハラムは、弟のルイスを支配人として、12 人の俳優からなる劇団をイギリスから植民地に送りました。彼らはバージニア州ウィリアムズバーグに劇場を設立し、『ヴェニスの商人』と『解剖学者』で幕を開けました。劇団は 1753 年にニューヨークに移り、 『デーモンとフィリダ』などのバラッド オペラやバラッド ファースを上演しました。

独立戦争中、ニューヨーク市では劇場が閉鎖された。しかし戦争終結後、1798年に劇場が再開され、現在のパーク・ロウのチャタム・ストリートに2,000席のパーク劇場が建設された。^{[ 9 ]} 2番目の主要な劇場であるバワリー劇場は1826年に開場し、^{[ 10 ]}その後も他の劇場が続いた。

1840年代までに、PTバーナムはロウアー・マンハッタンで娯楽施設を運営していた。1829年、ブロードウェイとプリンス・ストリートの角にニブロズ・ガーデンがオープンし、すぐにニューヨーク屈指のナイトスポットとなった。3,000席のこの劇場では、あらゆる種類の音楽劇や演劇が上演された。1844年にはパルモズ・オペラハウスがオープンしたが、オペラを上演したのはわずか4シーズンで、その後破産し、バートンズ・シアターという名称で演劇の会場として再出発した。アスター・オペラ・ハウスは1847年に開場した。1849年には、バワリー劇場の下層階級の観客が、アスター・プレイスの上流階級の観客の傲慢さに反発し、暴動が勃発した。「 1849年のアスター・プレイス暴動の後、ニューヨーク市の娯楽は階級によって分断された。オペラは主に上流中産階級と上流階級向け、ミンストレル・ショーとメロドラマは中産階級向け、コンサート・サルーンでのバラエティ・ショーは労働者階級とスラム街に潜り込む中産階級向けとなった。」^{[ 11 ]}

ウィリアム・シェイクスピアの戯曲は、この時期にブロードウェイの舞台で頻繁に上演され、中でもアメリカ人俳優のエドウィン・ブースはハムレット役で国際的に有名だった。ブースは1865年にウィンター・ガーデン劇場でハムレット役を100回連続で演じ（この公演はブースの兄ジョン・ウィルクス・ブースがエイブラハム・リンカーンを暗殺するわずか数か月前に終了した）、後に自身のブース劇場（一時期は弟のジュニウス・ブルータス・ブース・ジュニアが経営していた）で再びハムレット役を演じた。この時代にニューヨークで活躍した他の著名なシェイクスピア俳優には、ヘンリー・アーヴィング、トマソ・サルヴィーニ、ファニー・ダヴェンポート、チャールズ・フェクターなどがいる。

ニューヨークの劇場は、 1850 年頃から徐々にダウンタウンからミッドタウン・マンハッタンへと移転し、より安価な不動産を求めていました。19 世紀初頭、現在の劇場街を構成する地域は、少数の家族が所有し、いくつかの農場がありました。1836 年、コーネリアス・ローレンス市長は42 番街を開通させ、マンハッタンの人々に「澄んだ空気を楽しんでください」と呼びかけました。^{[ 12 ]}約 60 年後、劇場経営者のオスカー・ハマースタイン 1 世は、西 42 番街に象徴的なビクトリア劇場を建設しました。^{[ 12 ]}

ブロードウェイ初の「ロングラン」ミュージカルは、1857年に50回上演されたヒット作『エルフ』でした。1870年には、ブロードウェイの中心はユニオンスクエアにあり、世紀末までには多くの劇場がマディソンスクエアの近くにありました。 1900年代初頭にはタイムズスクエア周辺に劇場が出現し、1920年代と1930年代に広場周辺に多数の劇場が建設された後、ブロードウェイの劇場はそこに集約されました。ニューヨークでの公演はロンドンでの公演に比べて依然として大きく遅れをとっていましたが^{[ 13 ]} 、ローラ・キーンの「ミュージカル・バーレッタ」『七人姉妹』 （1860年）は253回の公演でそれまでのニューヨークの記録を塗り替えました。

現代のミュージカルの概念に合致し、物語を伝えるのに役立つダンスやオリジナル音楽を加えた最初の演劇作品は、 1866年9月12日にニューヨークで初演された『ブラック・クルック』だと考えられている。この作品は5時間半にも及ぶ長さだったが、その長さにもかかわらず、記録的な474回の公演を記録した。同じ年に、『ブラック・ドミノ／ビトウィーン・ユー、ミー・アンド・ザ・ポスト』が、自らを「ミュージカル・コメディ」と称した最初のショーとなった。^{[ 14 ]}

トニー・パスターは1881年にユニオン・スクエアの東1ブロックに最初のボードビル劇場を開設し、そこでリリアン・ラッセルが公演を行った。コメディアンのエドワード・ハリガンとトニー・ハートは、1878年（ 『ザ・マリガン・ガード・ピクニック』）から1890年にかけてブロードウェイでミュージカルを制作し、主演した。脚本と歌詞はハリガン、音楽は義父のデイヴィッド・ブラハムが担当した。これらのミュージカル・コメディは、ニューヨークの下層階級の日常生活から取られた登場人物や状況を題材としており、ボードビルやバーレスクからより文学的な形式へと大きく前進した。以前のミュージカルで主演を務めていたアマチュア、しばしばセックスワーカーではなく、質の高いプロの歌手（リリアン・ラッセル、ヴィヴィアン・シーガル、フェイ・テンプルトン）が主演を務めた。

交通機関の発達によりニューヨークの貧困が減少し、街灯の設置によって夜間の移動がより安全になったことで、増加する劇場の潜在的な観客数は飛躍的に増加した。上演時間が長くなっても観客を集めることができ、収益の向上と制作水準の向上につながった。イギリスと同様に、19世紀後半には劇場も浄化され始め、売春が減少することで女性の劇場への来場が妨げられることもなくなった。ギルバートとサリバンの家族向けの喜劇オペラのヒット作は、1878年の『HMSピナフォア』を皮切りに、ニューヨークに輸入された（作者自身による輸入だけでなく、数多くの無許可公演でも）。ニューヨークでは、レジナルド・デコヴェンの『ロビン・フッド』（1891年）やジョン・フィリップ・スーザの『エル・キャピタン』（1896年）といったアメリカの作品に加え、オペラ、バレエ、その他のイギリスやヨーロッパのヒット作が、これらの作品を模倣した。

チャールズ・H・ホイトのショー「チャイナタウンへの旅」 （1891年）は、1893年に「アドニス」の603回の公演を上回り、657回の公演でブロードウェイのロングラン王となった。チャイナタウン自体は、1921年にミュージカル「アイリーン」（1919年）にブロードウェイ最長ロングランミュージカルの座を奪われ、さらにその前の1920年3月には「ライトニン」（1918年）にブロードウェイ最長ロングランショーの座を奪われた。1896年、劇場オーナーのマーク・クローとAL・アーランガーはシアトリカル・シンジケートを結成し、その後16年間、米国のほぼすべての正統派劇場を支配した。^{[ 15 ]}しかし、小規模なボードビル劇場やバラエティ劇場が急増し、19世紀末までにはオフ・ブロードウェイが確立された。

『A Trip to Coontown』 （1898年）は、アフリカ系アメリカ人によって完全に制作され、ブロードウェイ劇場で上演された最初のミュージカルコメディであり（ミンストレルショーのルーティンに大きく影響を受けている）、その後、ラグタイムの要素を取り入れた『Clorindy: The Origin of the Cakewalk』（1898年）、そして大成功を収めた『In Dahomey』（1902年）が続いた。1890年代から1900年代初頭にかけて、ニューヨークのティン・パン・アレーで作曲された楽曲で構成された数百ものミュージカルコメディがブロードウェイで上演され、ガス・エドワーズ、ジョン・ウォルター・ブラットン、ジョージ・M・コーハンなどの作曲家が関わっていた（『 Little Johnny Jones』（1904年）、『45 Minutes From Broadway』（1906年）、『George Washington Jr.』 （1906年））。しかし、第一次世界大戦までは、いくつかの例外を除いて、ニューヨークでの上演期間はロンドンでの上演期間に比べて比較的短かった。 ^{[ 13 ]} 1900年から1901年にかけての『フロロドラ』 など、いくつかの非常に成功したイギリスのミュージカルは、ニューヨークでも引き続き大きな成功を収めた。

20世紀初頭には、19世紀後半に人気を博したヨーロッパ大陸のオペレッタの翻訳に加えて、1910年代の「プリンセス・シアター」のショーが、PG ウッドハウス、ガイ・ボルトン、ハリー・B・スミスなどの作家によって上演された。ヴィクター・ハーバートは、現代的な設定の親密なミュージカル劇のほか、一連の有名なオペレッタ（『占い師』（1898年）、 『おもちゃの国の子供たち』 （1903年）、『モディスト嬢』（1905年）、『赤い水車』（1906年）、『いたずらなマリエッタ』（1910年））を手がけた。^{[ 16 ]}

『レッド・ミル』を皮切りに、ブロードウェイのショーでは劇場の外に電光看板が設置されるようになった。色付きの電球はすぐに切れてしまうため、白色のライトが使われるようになり、ブロードウェイは「グレート・ホワイト・ウェイ」という愛称で呼ばれるようになった。1919年8月、俳優組合はすべてのプロの公演に標準契約を要求した。ストライキで全ての劇場が閉鎖された後、プロデューサーたちは同意せざるを得なくなった。1920年代までに、シューベルト兄弟はアーランガー・シンジケートから劇場の大部分を引き継ぐまでに成長した。^{[ 17 ]}

この時期、ウィンチェル・スミスとフランク・ベーコンによる戯曲『ライトニン』が、ブロードウェイ史上初めて700回公演を達成した。その後、1000回公演を達成した最初の作品となった。『ライトニン』は、1925年に『エイビーズ・アイリッシュ・ローズ』に公演回数で抜かれるまで、ブロードウェイ最長ロングラン作品だった。

映画は舞台に挑戦状を叩きつけた。当初、映画は無声で、舞台との競争は限定的だった。1920年代末には、『ジャズ・シンガー』のような映画が音声付きで上映されるようになり、批評家たちは映画が舞台を完全に取って代わるのではないかと考えていた。当時の人気ヴォードヴィルスターやコメディアンを起用したこれらの低予算映画には、生のヴォードヴィルは太刀打ちできなかったが、他の劇場は生き残った。狂騒の20年代のミュージカルは、ヴォードヴィル、ミュージックホール、その他の軽娯楽から要素を取り入れ、筋書きよりもスター俳優や女優、派手なダンス、流行歌を強調する傾向があった。

フローレンツ・ジーグフェルドは、豪華な舞台装置と凝った衣装を特徴とするブロードウェイでの毎年恒例の壮大な歌とダンスのレビューをプロデュースしたが、さまざまな演目を結びつけるものはほとんどなかった。1920年代の典型的な作品は、『サリー』、『レディ・ビー・グッド』、『サニー』、『ノー・ノー・ナネット』、『ハーレム』、『オー・ケイ！』、『ファニー・フェイス』などの軽快な作品だった。脚本は忘れられがちだったかもしれないが、ジョージ・ガーシュウィン、コール・ポーター、ジェローム・カーン、ヴィンセント・ユーマンス、ロジャース＆ハートなどによる不朽の名曲を生み出し、ノエル・カワード、シグムント・ロンバーグ、ルドルフ・フリムルはヴィクター・ハーバートの路線を継承した。生演劇は映画の発明を生き延びた。

こうした比較的軽薄な娯楽を後にし、ドラマを一歩前進させた『ショー・ボート』は、 1927年12月27日にジーグフェルド劇場で初演された。音楽、台詞、舞台装置、動きを通して語られるドラマチックなテーマが、それまでのミュージカルよりもシームレスに織り込まれた、脚本と楽譜の完全な融合を体現していた。公演回数は572回に及んだ。^{[ 18 ]}

1920年代には、ユージン・オニールの登場により、アメリカの劇作家の新時代が到来した。彼の戯曲『地平線の彼方』、『アンナ・クリスティ』、『毛むくじゃらの猿』、『奇妙な幕間』 、『喪服の似合うエレクトラ』は、ブロードウェイで本格的なドラマの観客がいることを証明し、オニールの成功は、エルマー・ライス、マックスウェル・アンダーソン、ロバート・E・シャーウッド、クリフォード・オデッツ、テネシー・ウィリアムズ、アーサー・ミラーといった主要な劇作家や、ジョージ・S・カウフマンやモス・ハートといった喜劇作家の道を切り開いた。古典作品の再演もブロードウェイの観客に人気を博し、特にジョン・バリモアの『ハムレット』と『リチャード三世』、ジョン・ギールグッドの『ハムレット』、『真面目が肝心』 、 『空騒ぎ』 、ウォルター・ハンプデンとホセ・フェラーの『シラノ・ド・ベルジュラック』 、ポール・ロブソンとフェラーの『オセロ』 、モーリス・エヴァンスの『リチャード二世』とジョージ・バーナード・ショーの戯曲、そしてキャサリン・コーネルの『ロミオとジュリエット』 、『アントニーとクレオパトラ』、『キャンディダ』などの作品が挙げられます。

1930年、シアター・ギルドの『ロアー、チャイナ！』は、アジア系キャストが多数を占めるブロードウェイ初の演劇だった。^{[ 19 ]}

第二次世界大戦が近づくにつれ、ヨーロッパにおけるナチズムの台頭とアメリカの不介入問題を扱ったブロードウェイのドラマが12本上演された。最も成功したのは、1941年4月に初演されたリリアン・ヘルマンの『ラインの監視』である。 ^{[ 20 ]}

大恐慌の苦難の時代を経て、ブロードウェイ劇場は1943年の大ヒット作『オクラホマ！』で黄金時代を迎え、2,212回の公演が行われた。ジョン・ケンリックのブロードウェイ・ミュージカルに関する著作によると、「毎シーズン、新しい舞台ミュージカルがヒットチャートのトップに躍り出た。大衆の需要、好景気、そして豊富な創造的才能によって、ブロードウェイは活気に満ちていた。今日に至るまで、1950年代のショーはミュージカル劇場のレパートリーの中核を成している。」^{[ 21 ]}

ケンリックは、「1960年代後半は文化的な激動の時代だった。こうした変化は、舞台裏の人々だけでなく観客も含め、多くの人々にとって苦痛なものとなった」と述べている。^{[ 22 ]} 1970年代については、「伝統的な書籍ミュージカルが再び流行したかに見えた矢先、批評家と観客の間で賛否両論が巻き起こった」とケンリックは書いている。^{[ 23 ]}

ケン・ブルームは、「1960年代と1970年代には、タイムズスクエア周辺地域の状況が悪化し、ブロードウェイで上演される正統なショーの数が減少した」と述べている。^{[ 24 ]}比較のために、1950年から1951年のシーズン（5月から5月）には、ブロードウェイで94作品が上演された。1969年から1970年のシーズン（6月から5月）には、59作品（15作品は再演）だった。^{[ 25 ] [ 26 ]} 1920年代には70～80の劇場があったが、1969年までには36劇場しか残っていなかった。^{[ 27 ]}

この時期、多くのブロードウェイ作品は観客動員数の低迷により苦戦し、その結果、作品の質が平凡だと認識されるようになった。そのため、文化的な価値が高く、補助金なしでは苦戦するであろう作品を支援する目的で劇場開発基金が設立され、それらの作品のチケットを消費者に割引価格で提供した。^{[ 28 ]}

1982年初頭、パブリック・シアターを設立した演劇プロデューサー兼ディレクターのジョー・パップは、「劇場を救え」キャンペーンを主導した。^{[ 29 ]}これは、マンハッタンの裕福な開発業者による近隣の劇場建物の取り壊しから救うために、俳優組合の支援を受けた非営利団体だった。 ^{[ 30 ] [ 31 ] [ 32 ] [ 33 ]}パップは資金を提供し、広報担当者や著名な俳優を募集し、音響、照明、技術スタッフをこの活動に提供した。^{[ 31 ]}

パップの要請により、1982年7月、第97回議会に「HR6885、ニューヨーク市のブロードウェイ/タイムズスクエア劇場地区を国定史跡に指定する法案」という法案が提出された。^{[ 34 ]}この法案は、市が同地区を保存できるよう、米国政府の特定の資源と支援を提供するものであった。^{[ 34 ]}エド・コッチ市長の政権とマンハッタンの企業開発利害関係者による強い反対とロビー活動に直面し、この法案は可決されなかった。セーブ・ザ・シアターズ・キャンペーンはその後、劇場地区を登録史跡として設立することを支援することに力を注いだ。^{[ 35 ] [ 36 ]} 1983年12月、セーブ・ザ・シアターズは「ブロードウェイ劇場地区、保存開発管理計画」を作成し、地区内の各劇場がランドマーク指定を受けるよう要求した。^{[ 36 ]}エド・コッチ市長は最終的に、パップを含む劇場諮問委員会を設立することで対応した。^{[ 31 ]}

ニューヨーク市でのCOVID-19パンデミックのため、ブロードウェイ劇場は2020年3月12日に閉鎖され、上演中または上演準備中だった16のショーが中止となった。ブロードウェイリーグの閉鎖は2020年から2021年にかけて複数回延長された。^{[ 37 ] [ 38 ]}アンドリュー・クオモ知事は、ニューヨークのほとんどのセクターの制限が2021年5月19日に解除されると発表したが、物流上の理由からブロードウェイ劇場はこの日にすぐに公演を再開することはできないと述べた。2021年5月、クオモはブロードウェイ劇場が9月14日に再開できるという目標を設定した。リーグは秋のシーズンに公演が再開されることを確認した。^{[ 39 ]}

「スプリングスティーン・オン・ブロードウェイ」は、2021年6月26日にセント・ジェームズ劇場でワクチン接種済みの観客1,721人を前に公演を再開した最初の長編ショーとなった。 ^{[ 40 ]}その後、「パス・オーバー」は8月4日に最初のプレビュー公演を行い、2021年8月22日に開幕し、最初に上演された新作劇となった。 ^{[ 41 ] [ 42 ]}「ハデス・タウン」と「ウェイトレス」は、2021年9月2日に公演を再開した最初のミュージカルとなった。 ^{[ 43 ]}第74回トニー賞も延期され、トニー賞のノミネートは2020年10月15日に発表され、 ^{[ 44 ]} 2021年9月26日に開催された^{。 [ 45 ]} 2021年7月30日、すべてのブロードウェイ劇場は、12歳以上の観客にCOVID-19ワクチンの完全接種証明の提示を義務付けると発表した。 12歳未満の人は、COVID-19検査の陰性証明書（公演開始時刻から72時間以内のPCR検査、または6時間以内の抗原検査）を提出する必要がありました。11月8日からは、5～11歳の人は少なくとも1回のワクチン接種の証明を提出するオプションもありました。12月14日からは、ニューヨーク市のワクチン接種義務に従い、5～11歳のゲストは2022年1月29日まで少なくとも1回のワクチン接種を受ける必要があり、その時点でワクチン接種を完了する必要がありました。 ^{[ 46 ]}ワクチン接種義務は4月30日まで続き、 ^{[ 47 ] [ 48 ]}また、参加者は7月1日までフェイスマスクを着用する必要がありました。 ^{[ 49 ]}

COVID-19による閉鎖期間中、シューバート・オーガニゼーション、ネダーランダー・オーガニゼーション、ジュジャムシンは、少なくとも1つの劇場を黒人の演劇関係者にちなんで命名することを含め、劇場の人種的および文化的多様性を高めることを約束した。^{[ 50 ]}ジュジャムシンが所有するオーガスト・ウィルソン劇場は、2005年に黒人劇作家オーガスト・ウィルソンにちなんで改名された。^{[ 51 ]}シューバートは2022年3月、当時改修中だったコート劇場を俳優ジェームズ・アール・ジョーンズにちなんで改名すると発表した。^{[ 52 ] [ 53 ]} 2022年6月、ネダーランダーズはブルックス・アトキンソン劇場をレナ・ホーンにちなんで改名すると発表した。^{[ 54 ] [ 55 ] [ 51 ]}ジェームズ・アール・ジョーンズ劇場は2022年9月に再献堂され、^{[ 56 ]}レナ・ホーン劇場は同年11月に再献堂された。^{[ 57 ]}

既存のミュージカルや再演は2021年以降もまずまずの収益を上げ続けているが、新作ミュージカルのほとんどはコロナ禍以降苦戦している。2026年1月現在、2021年以降に上演されたミュージカルで利益を計上したのは『MJ』、『& Juliet』、『Six』、『The Outsiders』の4作品のみである。さまざまな説明がなされている。ミュージカルの上演費用は以前より大幅に高くなり、給与、機材、賃料、手数料などに多額の資金が費やされているが、チケット価格はそれに比例して上昇していない。パンデミックにより、上演待ちの作品が大量に書き上げられ、短期間のうちにそれらがすべて注目を集めようと競い合った。^{[ 58 ]}

例外もあるが、無期限公演のショーは通常、火曜日から土曜日の夜公演で、午後7時 または 午後8時に開演する。午後の「マチネ」公演は、 水曜日と土曜日は午後2時、 日曜日は午後3時である。これにより、1週間に8回の公演が行われる。このスケジュールでは、ほとんどのショーは月曜日に上演されず、その日はショーと劇場は「休館」であると言われている。^{[ 59 ] [ 60 ]}これらのショーの俳優とスタッフは、日曜日の夜から月曜日の夜までを週末と考える傾向がある。トニー賞の授賞式は、このスケジュールに合わせて、通常6月の日曜日の夜に開催される。

近年、火曜日の公演時間を1時間早めて 午後7時に変更したショーもある。^{[ 59 ]}この変更の理由は、平日にショーを観に来る観光客が少ないため、火曜日の観客数は地元の観客に大きく依存しているからである。開演時間が早まったことで、郊外の観客はショーの後、妥当な時間までに帰宅できるようになった。特にディズニーが制作するショーの中には、季節に応じて公演スケジュールをかなり頻繁に変更するものがある。これは、ターゲットとする観客へのアクセスを最大化するために行われている。

ブロードウェイのプロデューサーや劇場オーナーのほとんどは、ブロードウェイ・リーグ（旧称「アメリカ劇場・プロデューサー連盟」）の会員です。この業界団体は、ブロードウェイ演劇全体を振興し、様々な演劇組合との契約交渉やギルドとの協定締結を行い、サービス団体であるアメリカン・シアター・ウィングと共同でトニー賞を運営しています。リーグと演劇組合は、新たな契約交渉の時期には対立することもありますが、ニューヨークのプロの演劇を振興するための多くのプロジェクトやイベントで協力し合っています。

ブロードウェイに劇場を持つ非営利劇団4団体（リンカーン・センター・シアター、マンハッタン・シアター・クラブ、ラウンドアバウト・シアター・カンパニー、セカンド・ステージ・シアター）はすべてレジデント・シアターズ・リーグに加盟しており、他のブロードウェイ劇場やプロデューサーとは別に交渉された劇団組合との契約を結んでいる。（ディズニーもリーグとは別に交渉しており、リベントも事業閉鎖前はそうだった。）

ブロードウェイの劇場の大部分は、3つの組織によって所有または運営されている。非営利団体であるシューベルト財団の営利部門であるシューベルト・オーガニゼーションは17の劇場を所有し、ネダーランダー・オーガニゼーションは9つの劇場を管理し、ATGエンターテインメントは7つのブロードウェイ劇場を所有している。

ブロードウェイのミュージカルもストレートプレイも、より多くの観客を集めたり、新たな観客を劇場に呼び込んだりするために、主役に有名な俳優を起用することが多い。映画やテレビの俳優は、ブロードウェイ作品の再演によく起用されたり、降板した俳優の代役として使われたりする。しかし、舞台俳優を主役とし、ほとんどの時間を舞台上で過ごし、映画やテレビの役は二の次という俳優も依然として存在する。ニューヨーク・タイムズのパトリック・ヒーリーが指摘したように、

ブロードウェイにはかつて、ネイサン・レインが『アダムス・ファミリー』でそうであったように、1年間ショーに出演することを約束する地元出身のスターがたくさんいた。2010年には、レイン氏のような演劇界の大御所の中にはノミネートすらされなかった者もいた。その代わりに、多くの映画スター俳優が他の仕事に移らなければならなかったため、ブロードウェイでの上演期間が短いことを前提とした作品に、いくつかのトニー賞が贈られた。^{[ 61 ]}

マーク・シェントンによれば、「過去10年ほどで、大西洋の両岸における商業演劇界で最も大きな変化の一つは、大スターが舞台に出演するケースが増えた一方で、彼らが出演を約束する期間が短くなったことだ。かつては、プロデューサーはスターに最低でも6ヶ月、場合によっては1年の出演を要求していたが、今では13週間の公演が標準となっている。」^{[ 62 ]}

ブロードウェイのオーケストラの最小規模は、音楽家組合（アメリカ音楽家連盟第802支部）とブロードウェイ・リーグとの協定によって定められています。例えば、この協定では、ミンスコフ劇場のオーケストラの最小規模は18人、ミュージック・ボックス劇場のオーケストラの最小規模は9人と規定されています。^{[ 63 ]}

ブロードウェイのショーのほとんどは、プロデューサーや投資家（「出資者」または「エンジェル投資家」）の利益を目的とした商業作品であり、そのため上演期間（公演期間）は無期限です。つまり、上演期間は事前に決められておらず、批評家の反応、口コミ、ショーの宣伝効果など、チケット販売に影響を与える要素によって決まります。商業作品への投資には、さまざまな程度の財務リスクが伴います。ショーはすぐに利益を上げる必要はなく、週ごとの運営費（nut）を賄うか、プロデューサーが許容できる範囲の赤字であれば、最終的には初期費用を回収して利益が出るという期待のもと、上演が続けられることがあります。ぎりぎりの状況では、プロデューサーはショーの打ち切りを防ぐために、ロイヤリティの一時的な減額や免除、あるいは組合の許可を得て出演者に減給を求めることさえあります。ほとんどの作品で利益分配の対象ではない劇場オーナーは、ショーの継続のために賃料を免除または減額したり、資金を貸し付けたりすることもあります。

ブロードウェイのショーの中には、定期的な定期公演の一環として非営利団体によって制作されるものもある。リンカーン・センター・シアター、ラウンドアバウト・シアター・カンパニー、マンハッタン・シアター・クラブ、セカンド・ステージ・シアターは、現在ブロードウェイに常設の劇場を持つ4つの非営利劇場である。その他の作品の中には、財政上の問題、出演者の以前の契約、ある作品の終了から次の作品の開始までの劇場の一時的な空きなど、いくつかの理由で「限定公演」としてブロードウェイで制作されるものもある。しかし、限定公演として計画されたショーの中には、批評家からの評価や興行収入の成功を受けて、公演期間を延長したり、無期限公演に変更したりするものもある。2007年の『オーガスト：オスエイジ・カウンティ』、2009年の『ゴッド・オブ・カーネージ』、2012年の『ニュージーズ』、2022年の『テイク・ミー・アウト』がそうであった。^{[ 64 ]}

歴史的に、ブロードウェイのミュージカルは「ストレート」（つまりミュージカルではない）演劇よりも上演期間が長い傾向があります。2006年1月9日、マジェスティック劇場の「オペラ座の怪人」は7,486回の公演でブロードウェイ最長上演ミュージカルとなり、「キャッツ」を抜きました。^{[ 65 ]}「オペラ座の怪人」は、 35周年を祝った直後の2023年4月16日に、合計13,981回の公演を経てブロードウェイで閉幕しました。^{[ 66 ] [ 67 ]}

ブロードウェイのショーを観ることは、ニューヨークでよくある観光アクティビティです。TKTSブースでは、多くのブロードウェイやオフ・ブロードウェイのショーの当日券（場合によっては翌日のマチネー券も）を20～50%割引で販売しています。^{[ 68 ]} TKTSブースは、タイムズスクエア、ロウアーマンハッタン、リンカーンセンターにあります。このサービスはシアター・デベロップメント・ファンドによって運営されています。多くのブロードウェイ劇場では、劇場をできるだけ満席にして興行収入を最大化するために、学生割引、当日の「ラッシュ」チケットや「抽選」チケット、立ち見席チケットなども提供しています。^{[ 69 ]}

ブロードウェイリーグによると、 2018～2019年のブロードウェイの総観客数は1477万人で、 2017～2018年の1379万人と比較して増加した。^{[ 70 ]} 2017～18年の劇場シーズンのブロードウェイ観客の平均年齢は40歳で、過去20年近くで最低だった。^{[ 71 ]} 2018年までに、ブロードウェイのチケットの約20%が海外からの観光客に販売されたが、多くの観光客がチケットを使用できなかったと報告している。^{[ 72 ]} COVID-19パンデミック以来初の本格的なシーズンである2022～2023年には、ブロードウェイの劇場は1230万枚のチケットを販売し、そのうち35%が地元住民、17%が海外からの観光客だった。当時、劇場の観客の平均年齢は40.4歳で、観客の約3分の2が女性で、29%が人種的マイノリティであると回答した。^{[ 73 ]}

劇場の分類は、俳優組合の契約書に記載されている条項によって規定されています。トニー賞の対象となるには、公演は500席以上の劇場で、ブロードウェイ劇場の定義となるシアター・ディストリクトで行われる必要があります。オフ・ブロードウェイやオフ・オフ・ブロードウェイのショーは、ブロードウェイの大きな劇場では不可能な、より実験的で挑戦的、かつ親密なパフォーマンスを提供することがよくあります。しかし、ミュージカル『ヘアー』、『リトル・ショップ・オブ・ホラーズ』、『スプリング・アウェイクニング』 、『ネクスト・トゥ・ノーマル』 、『レント』 、『アベニューQ』、『イン・ザ・ハイツ』 、『ファン・ホーム』、『コーラスライン』、『ディア・エヴァン・ハンセン』、『ハミルトン』など、ブロードウェイのショーの中には、オフ・ブロードウェイで上演を開始し、後にブロードウェイに移り、より大きな劇場で親密な体験を再現しようとしたものもあります。その他の作品は、まずワークショップで開発され、その後地方で試演を経てからブロードウェイに移ります。『メリリー・ウィー・ロール・アロング』は、公式開幕前に地方公演をスキップし、ブロードウェイでプレビュー公演（実際には地方公演）を行おうとしたことで有名だが、結果は悲惨なものだった。^{[ 74 ] [ 75 ]}

ブロードウェイ劇場での公演が成功した後、あるいは公演中にも、プロデューサーはしばしば新しいキャストとスタッフで作品を再演し、全米各地の主要都市の劇場を巡るブロードウェイ全国ツアーを開催します。ブロードウェイで公演が終了すると、オリジナルキャストのほとんど、あるいは全員がそのままの状態で、作品全体がツアーカンパニーとして再始動することがあり、これが「ブロードウェイ全国ツアー」と呼ばれる所以です。作品によっては、ニューヨークで上演中かどうかに関わらず、複数のツアーカンパニーが同時に活動している場合もあり、多くのカンパニーが他の主要都市で長期公演を行っています。一流都市を巡るブロードウェイ全国ツアーでは、ブロードウェイ作品全体がほぼそのまま移植され、各公演地で数ヶ月（あるいは数年）にわたって上演されることもあります。例えば、オペラ座の怪人の米国初ツアーでは、セット、機材、衣装のすべてを運ぶために全長53フィート（16.1メートル）のセミトレーラーが26台必要で、それらのトラックからすべてを適切に降ろし、劇場にすべてを設置するのにほぼ10日かかりました。^{[ 76 ]}

二級都市やそれより小さい都市でも全国ツアーを誘致することはできますが、これらは「バスとトラック」ツアーであることが多いです。^{[ 76 ]}これらは、より大規模な全国ツアー公演の縮小版で、歴史的には、出演者が飛行機ではなくバスで移動し、セットや機材がトラックで移動することからその名前が付けられました。この種のツアーは、数ヶ月ではなく数週間続くことが多く、より小さな会場やタイトなスケジュールに対応し、より少ないトラックに収まるように、物理的な制作規模が縮小されることがよくあります。^{[ 76 ]} 典型的な二級都市では、通常、最大で約8公演（1週間）のチケットしか販売できません。^{[ 76 ]} それより小さい都市では、ツアー公演は週に2回（「分割週」）または毎日（「一夜限り」）移動する可能性があります。^{[ 76 ]} 「バスとトラック」ツアーの場合、制作価値は通常、典型的なブロードウェイの全国ツアーや全国ツアー作品よりも豪華ではなく、俳優は俳優組合のメンバーではあるものの、別の、より収益性の低い組合契約に基づいて報酬を受け取ります。ブロードウェイリーグが主催するツーリングブロードウェイアワードは、ツアーブロードウェイの優秀さを称えるものです。

ブロードウェイの作品やアーティストは、アメリカン・シアター・ウィングとブロードウェイ・リーグが授与する毎年恒例のアントワネット・ペリー賞（一般に「トニー賞」または「トニー」と呼ばれる）で表彰され、この賞は1947年に初めて授与されました。^{[ 77 ]}トニー賞は、ハリウッド映画作品のアカデミー賞に匹敵する、ブロードウェイで最も権威のある賞です。授賞式が全国テレビで放送されるようになった1967年以降、その重要性は増しています。テレビの視聴率を上げる戦略として、劇場とはほとんど関係のない有名人が司会に選ばれることがよくあります。^{[ 78 ]}最新のトニー賞授賞式は2026年6月7日に開催されました。ブロードウェイ作品に贈られるその他の賞には、1955年から授与されているドラマ・デスク賞、1936年に初めて授与されたニューヨーク・ドラマ批評家協会賞、 1950年に初めて授与されたアウター・クリティクス・サークル賞などがあります。

以下の作品は、今後ブロードウェイで上演されることが確定しています。上演予定の劇場は、まだ未定であるか、現在別の作品が上演されているため、現時点では未定です。