アールヌーボー

アールヌーボー

左上から時計回りに: エクトール・ギマール作のパリ地下鉄アベス駅( 1900 年)、オットー・エックマン作の雑誌「ユーゲント」の表紙 (1896 年)、ルイ・マジョレル作の壁掛けキャビネット、ヴィクトール・オルタ作のブリュッセルのタッセル邸の内装(1892 年 - 1893 年)、ルイ・コンフォート・ティファニー作のランプ(1900 年 - 1910 年)
活動年数	1883年頃～ 1914年頃
位置	西洋世界

アールヌーボー( / ˌ ɑː r ( t ) n uː ˈ v oʊ / AR(T) noo- VOH、フランス語: [aʁ nuvo] ^ⓘ ;直訳すると「新しい芸術」）、ドイツ語でユーゲントシュティール 、セセッションシュティール芸術、建築、応用芸術、特に装飾芸術様式。植物や花のしなやかな曲線など、自然の形状にインスピレーションを得ることが多かったです。^[1]むち打ち線によってもたらされる躍動感と動き、そして珍しい形状とより大きなオープンスペースを生み出すために特に鉄、ガラス、陶磁器、後にはコンクリートなどの現代的な材料を使用することでした。^[2]ベル・エポックに人気があり、^[3]19世紀の建築と装飾芸術の アカデミズム、折衷主義、歴史主義に対する反動でした 

アール・ヌーヴォーの大きな目的の1つは、美術（特に絵画と彫刻）と応用美術の伝統的な区別を打破することだった。アール・ヌーヴォーはインテリアデザイン、グラフィックアート、家具、ガラス工芸、織物、陶芸、宝飾品、金属細工で最も広く使われた。このスタイルは、フランスの建築家ウジェーヌ・エマニュエル・ヴィオレ・ル・デュック（1814年 - 1879年）やイギリスの美術評論家ジョン・ラスキン（1819年 - 1900年）など、19世紀の主要な理論家たちの意見に応えた。イギリスでは、ウィリアム・モリスとアーツ・アンド・クラフツ運動の影響を受けた。ドイツの建築家やデザイナーは、建築、家具、インテリアの芸術を共通のスタイルで統一し、居住者を高揚させ、刺激を与える、精神的に高揚する総合芸術（「総合芸術」）を求めた。^[2]

最初のアール・ヌーヴォー様式の住宅と室内装飾は、1890年代にブリュッセルで、ポール・ハンカール、アンリ・ファン・デ・ヴェルデ、そして特にヴィクトール・オルタが設計した住宅の建築とインテリアデザインに現れた。オルタのタッセル邸は1893年に完成した。^{[4] [5] [6]}それはすぐにパリに伝わり、エクトール・ギマールがブリュッセルでオルタの作品を見て、その様式を新しいパリの地下鉄の入り口に採用した。それは、ルイ・ティファニーなどの芸術家によるアール・ヌーヴォー様式の作品が紹介された1900年のパリ万国博覧会でピークに達した。アルフォンス・ミュシャのポスター、ルネ・ラリックやエミール・ガレのガラス製品などのグラフィックアートにも現れた。

アール・ヌーヴォーはイギリス、ベルギー、フランスからヨーロッパの他の国々に広まり、各国で異なる名前と特徴を帯びました（以下の命名セクションを参照）。アール・ヌーヴォーは、首都だけでなく、芸術的アイデンティティを確立したいと考えていた急成長中の都市（イタリアのトリノとパレルモ、スコットランドのグラスゴー、ドイツのミュンヘンとダルムシュタット、スペインのカタルーニャのバルセロナ）や、独立運動の中心地（当時ロシア帝国の一部であったフィンランドの ヘルシンキ）にも頻繁に現れました。

1914年、第一次世界大戦が始まると、アール・ヌーヴォーはほぼ消滅した。1920年代には、アール・デコ、そしてモダニズムが、アール・ヌーヴォーに取って代わって、建築と装飾の芸術様式の主流となった。^[7]アール・ヌーヴォー様式は、1960年代後半に批評家からより肯定的な注目を集め始め、1970年にはニューヨーク近代美術館でエクトル・ギマールの大規模な展覧会が開催された。 ^[8]

アール・ヌーヴォーという言葉が初めて使われたのは1880年代、ベルギーの雑誌『ラル・モデルヌ』で、芸術を通して改革を求めた20人の画家と彫刻家による「レ・ヴァント」の作品を説明するためだった。この名前は、 1895年にフランス系ドイツ人の美術商ジークフリート・ビングがパリにオープンしたアートギャラリー、メゾン・ド・ラル・ヌーヴォー（「新しい芸術の家」）によって広まった。イギリスではフランス語の「アール・ヌーヴォー」が一般的に使われていたが、フランスでは「スタイル・モダーヌ」（イギリスの「モダン・スタイル」に似ている）や「スタイル1900 」という用語で呼ばれることが多かった。^{[9]フランスでは、} 「スタイル・ジュール・ヴェルヌ」 （小説家ジュール・ヴェルヌにちなんで）、「スタイル・メトロ」（エクトール・ギマールの地下鉄の鉄とガラスの入り口にちなんで）、「アール・ベル・エポック」、または「アート・フィン・ド・シエクル」と呼ばれることもあった。^[10]

アール ヌーヴォーは、言語によって名前が異なります。ドイツ語ではユーゲントシュティール、イタリア語ではスティレ リバティ、カタロニア語ではモダニズム、英語ではモダン スタイルとも呼ばれています。このスタイルは、ヨーロッパやその他の国々でほぼ同時期に出現したスタイルと関連していることが多いですが、必ずしも同一ではありません。それぞれの国では、ムーブメント全体を説明するために、現地の名前がよく使われていました。

• 当時オーストリア＝ハンガリー帝国の一部であったオーストリアおよび近隣諸国では、ウィーン分離派（ハンガリー語：szecesszió、チェコ語：secese、スロバキア語：secesia、ポーランド語：secesja ）の芸術家にちなんで、ウィーン・ユーゲントシュティール（「ウィーンの若者様式」）、またはセセッションシュティール（「分離派様式」）と呼ばれていました。
• ベルギーでは、批判者によってStyle coup de fouet（「むち打ちスタイル」）、Paling Stijl（「うなぎスタイル」）、またはStyle nouille （「麺スタイル」）と呼ばれることもあった。 ^[10]
• 英国では、アール・ヌーヴォーのほかにモダン・スタイル、あるいはグラスゴー派の作品にちなんでグラスゴー・スタイルとしても知られていました。
• デンマークでは、 Skønvirke（「美の作品」）として知られています。
• ドイツとスカンジナビアでは、ドイツの人気美術雑誌ユーゲントにちなんで、 Reformstil（改革様式）またはJugendstil ^{（若者様式） [10]}と呼ばれていたほか、Wellenstil（波様式）またはLilienstil （百合様式）^[9]とも呼ばれていました。現在では、フィンランド、スウェーデン、ノルウェーではJugend 、エストニアではJuugend、ラトビアではJūgendstilsと呼ばれています。フィンランドでは、カレワラ様式とも呼ばれていました。
• イタリアでは、テキスタイルデザインが人気だったロンドンのリバティ社創設者アーサー・ラセンビー・リバティにちなんで、スティレ・リバティ（「リバティ様式」）と呼ばれることが多かった。また、スティレ・フロレアーレ（「花の様式」）やアルテ・ヌオーヴァ（「新しい芸術」）と呼ばれることもあったが、現在は使われていない。^[10]
• 日本では白馬。^[11]
• オランダでは、Nieuwe Kunst (「新しい芸術」) またはNieuwe Stijl (「新しいスタイル」)。^{[12] [9]}
• ポーランドではSecesja (「分離」)。^[13]
• ポルトガルでは、Arte nova (「新しい芸術」)。
• ルーマニアでは、Arta 1900 (「1900 年芸術」)、Arta Nouă (「新しい芸術」)、またはNoul Stil (「新しいスタイル」)。^[14]
• スペインでは、モデルニスモ、モダニズム（カタロニア語）、アルテ・ホベン（「若い芸術」）。
• スイスではスタイルサパン（「モミの木スタイル」）。^[9]
• アメリカでは、ルイス・カムフォート・ティファニーとの関連から、ティファニースタイルと呼ばれることもあった。^{[2] [12] [9] [15]}
• 「モダン」という用語は当時のロシア帝国で使用され、現在もアゼルバイジャン、カザフスタン、ロシア、ウクライナなどの後継国で使用されているが、リトアニアではモデルナスと呼ばれている。絵画に関しては、ミール・イスクーストヴァ（「芸術の世界」）運動の名称も使用されていた。

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  ウィリアム・モリスとフィリップ・ウェッブによるベクスリーヒースのレッド・ハウス（ロンドン） （1859年）
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  歌川国貞による日本の木版画（1850年代）
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  ジェームズ・マクニール・ホイッスラー（1876-77年）作「ピーコック・ルーム」 、現在はワシントンDCのフリーア美術館に所蔵
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  アーサー・マックマードがデザインした椅子（1882-83年）
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  ウィリアム・モリスのプリントテキスタイルデザイン（1883）
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  ウォルター・クレインによる白鳥、葦、アイリスの壁紙デザイン(1883)

この新しい芸術運動は、イギリスのウィリアム・モリスの花のデザインと、モリスの弟子たちが創設したアーツ・アンド・クラフツ運動にそのルーツがある。この様式の初期の原型には、モリスが内装を、フィリップ・ウェッブが建築を担当したレッド・ハウス（1859年）や、ジェームズ・アボット・マクニール・ホイッスラーの豪華なピーコック・ルームなどがある。この新しい運動は、ダンテ・ゲイブリエル・ロセッティやエドワード・バーン＝ジョーンズ^などのラファエル前派の画家たち、そして特にセルウィン・イメージ、ヘイウッド・サムナー、ウォルター・クレイン、アルフレッド・ギルバート、そしてとりわけオーブリー・ビアズリーなどの1880年代のイギリスのグラフィック・アーティストたちから強い影響を受けた。 [16]アーサー・マックマードがデザインした椅子は、アール・ヌーヴォー・デザインの先駆けとして認識されている。^[17]

フランスでは、歴史的なボザール建築様式の公然たる敵対者であった建築理論家・歴史家ウジェーヌ・ヴィオレ・ル・デュクの影響を受け、彼の合理主義理論は中世美術の研究から派生したものである。

• 機能が形態を定義するべきである。^[18]
• 芸術の統一と主要芸術（建築）と副次芸術（装飾芸術）の区別の廃止。^[19]
• 自然の論理は建築に用いられるモデルである。^[20]
• 建築は人間の環境とニーズに適応するべきです。
• 近代的な技術と材料の使用。^[21]

ヴィオレ＝ル＝デュクはアール・ヌーヴォーの先駆者で、1851年にパリのノートルダム寺院にこの様式の典型的な壁画を描いた。^[22]これらの絵画は1945年に非学術的とみなされて撤去された。ボルドー地方のロケタイヤード城にある1865年の室内装飾もアール・ヌーヴォーを予感させるものだった。1872年に出版した著書『建築への取り組み』で彼は「現代ではもはや通用しない伝統にとらわれず、時代が与えてくれた手段と知識を活用することで、新しい建築を始めることができる。機能ごとに素材があり、素材ごとに形と装飾がある」と書いている。^{[23]この本は}ルイ・サリヴァン、ヴィクトール・オルタ、エクトル・ギマール、アントニ・ガウディなど、一世代の建築家に影響を与えた。^[24]

フランスの画家モーリス・ドニ、ピエール・ボナール、エドゥアール・ヴュイヤールは、美術絵画と装飾の融合に重要な役割を果たした。「私は、絵画は何よりもまず装飾でなければならないと信じている」とドニは1891年に書いている。「主題や場面の選択は重要ではない。色調の価値、色面、線の調和によって、私は精神に触れ、感情を呼び覚ますことができるのだ。」^[25]これらの画家は皆、伝統的な絵画と、スクリーンやガラス、その他の媒体を使った装飾画の両方を制作した。^[26]

新しいスタイルにもう一つの重要な影響を与えたのはジャポニスムである。これは日本の 木版画、特に広重、葛飾北斎、歌川国貞の作品に対する熱狂の波であり、1870年代からヨーロッパに輸入された。進取の気性に富んだジークフリート・ビングは1888年に月刊誌「Le Japon artistique」を創刊し、1891年に廃刊するまでに36号を刊行した。それはグスタフ・クリムトを含むコレクターと芸術家の両方に影響を与えた。日本の版画の様式化された特徴は、アール・ヌーヴォーのグラフィック、磁器、宝石、家具に現れた。1860年の初めから、極東の影響が突如現れた。1862年には、ロンドンやパリの芸術愛好家が日本の芸術作品を購入できるようになった。その年、日本はロンドン万国博覧会に初めて出展したからである。 1862年にはパリのリヴォリ通りにラ・ポルト・シノワーズ店がオープンし、日本の浮世絵や極東の品々を販売していた。1867年にはオーウェン・ジョーンズの『中国の装飾品の例』が出版され、1870年にはR・アルコックの『日本の美術と産業』が出版され、2年後にはOHモーザーとTWカトラーが日本美術に関する本を出版した。ヴィクトール・オルタのようなアール・ヌーヴォーの芸術家の中には、特に日本の極東美術のコレクションを所有していた者もいた。^[11]

印刷と出版における新技術により、アール・ヌーヴォーは急速に世界中の人々に知られるようになった。写真やカラー・リトグラフを掲載した美術雑誌は、この新しい様式を普及させる上で重要な役割を果たした。イギリスのスタジオ、フランスのアール・エ・イデとアール・エ・デコレーション、ドイツのユーゲントによって、この様式はヨーロッパの隅々まで急速に広まった。イギリスのオーブリー・ビアズリー、ウジェーヌ・グラッセ、アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック、フェリックス・ヴァロットンは、イラストレーターとして国際的に認知された。^[27] 1893年にジュール・シェレがダンサーのロイ・フラーのために、1895年にアルフォンス・ミュシャが女優サラ・ベルナールのために制作した ポスターにより、ポスターは単なる広告ではなく芸術形式となった。サラ・ベルナールは、収集家に販売するために大量のポスターを取っておいた。^[28]

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  ポール・ハンカー作「ハンカー・ハウス」（1893年）
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  ヴィクトール・オルタ作タッセル館のファサード（1892-93年）
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  タッセルホテルの階段
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  ヘンリー・ファン・デ・ヴェルデ作「ヴィラ・ブルーメンヴェルフ」（1895年）
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  ヴァン・デ・ヴェルデによるブルーメンヴェルフ邸用の椅子（1895年）
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  プリヴァ・リヴモンによる万国博覧会のポスター（1897年）

最初のアール・ヌーヴォー様式のタウンハウスであるポール・ハンカールのハンカールハウス（1893年）とヴィクトール・オルタのタッセル館（1892年 - 1893年）^{[4] [5]は、}ブリュッセルでほぼ同時に建てられました。それらは独創性においては似ていましたが、デザインと外観は大きく異なっていました。

ヴィクトール・オルタは初期アール・ヌーヴォーのもっとも影響力のある建築家のひとりで、ブリュッセルにある彼のタッセル館（1892-1893）はこの様式のランドマークのひとつである。^{[29] [30]オルタは、}レオポルド2世の建築家アルフォンス・バラの助手として建築の訓練を受け、ラーケンにある鉄とガラスでできた巨大な王立温室を建設した。^[31]彼はヴィオレ・ル・デュクの大ファンで、その考えに完全に共感していた。^{[32] [33]} 1892-1893年に、彼はこの経験をまったく別のことに生かした。彼はベルギーの著名な化学者エミール・タッセルの邸宅を、非常に狭く奥行きの深い敷地に設計した。家の中心となるのは階段で、壁で囲まれておらず、オープンで、カールした錬鉄製の手すりで飾られ、高い天窓の下に設置されていた。床は木の幹のような細い鉄の柱で支えられていました。モザイクの床と壁は花や植物の形をした繊細なアラベスク模様で飾られており、これがこのスタイルで最も人気のある特徴となりました。^{[34] [35]}短期間で、オルタはさらに3軒のタウンハウスを建てました。いずれもオープンな内部を持ち、室内の光を最大限に取り込むために天窓が設けられていました。ソルベイ邸、ファン・エートフェルデ邸（エドモンド・ファン・エートフェルデにちなんで）、オルタの家とアトリエです。これら4軒は現在、ユネスコの世界遺産に登録されています。

ポール・ハンカールもまた、初期アール・ヌーヴォーの革新者であった。エノー県フレーマリーで石工の親方の息子として生まれたハンカールは、装飾彫刻家として働きながら、1873年から1884年までブリュッセルの王立美術アカデミーで装飾彫刻と装飾法を学んだ。1879年から1894年までは、折衷主義と新古典主義の建築の巨匠である著名な建築家アンリ・ベイヤールのスタジオで働いた。ハンカールはベイヤールを通じてヴィオレ・ル・デュクの崇拝者にもなった。^{[36] 1893年、ハンカールはブリュッセルに自身の邸宅、ハンカール・ハウスを設計し建設した。美術と装飾芸術の統合を目指し、彫刻家ルネ・ヤンサンスと画家}アルベール・チャンベルラーニを招き、内外をスグラフィティ、つまり壁画で装飾した。ファサードとバルコニーには鉄の装飾と、様式化された花柄のカールした線が特徴で、これはアール・ヌーヴォーの重要な特徴となった。彼はこのモデルに基づいて、芸術家の友人のためにいくつかの家を建てた。また、ブリュッセルのショップ、レストラン、ギャラリーのために一連の革新的なガラスのショーウィンドウを設計し、地元の評論家はそれを「独創性の真の狂気」と呼んだ。^[37]彼は、この運動が認知され始めたちょうどその頃、1901年に亡くなった。^[38]

アントワープ生まれのヘンリー・ファン・デ・ヴェルデも、アール・ヌーヴォー誕生の創始者の一人である。ファン・デ・ヴェルデのデザインには、ブリュッセルの邸宅であるヴィラ・ブルーメンヴェルフ（1895年）の内装も含まれている。^{[39] [40]}家の外観は、アーツ・アンド・クラフツ運動の創始者である作家で理論家のウィリアム・モリスの邸宅であるレッド・ハウスにインスピレーションを得たものである。画家として訓練を受けたファン・デ・ヴェルデは、イラストレーション、次に家具デザイン、そして最後に建築家へと転向した。ヴィラ・ブルーメンヴェルフのために、彼は邸宅のスタイルに合わせたテキスタイル、壁紙、銀器、宝石、さらには衣服を制作した。^[41]ファン・デ・ヴェルデはパリに行き、ドイツ系フランス人の美術商ジークフリート・ビングのために家具や装飾をデザインした。ビングのパリのギャラリーがこのスタイルに名前の由来となった。彼はまた、アール・ヌーヴォーの初期の理論家でもあり、ダイナミックでしばしば対照的な線の使用を要求した。ファン・デ・ヴェルデは次のように書いている。「線は他のすべての基本的な力と同様に力である。複数の線が合わさって反対の力を持つと、複数の力と同じくらい強力な存在感を持つ」。1906年、彼はベルギーを離れ、ワイマール（ドイツ）に渡り、そこで大公美術工芸学校を設立した。そこでは歴史的様式の教育は禁止されていた。彼はベルギーに戻る前にドイツ工作連盟で重要な役割を果たした。 ^[42]

ブリュッセルにおけるアール・ヌーヴォー建築の登場は、新しい様式の装飾芸術の波を伴っていた。重要な芸術家には、錬鉄を使ってブリュッセルのファサードにバロック調の効果をもたらしたギュスターヴ・シュトラウヴェン、独創的な椅子や関節式金属製家具で知られる家具デザイナーのギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィ、トンボ、蝶、白鳥、蛇の形の宝飾品を作った宝飾品デザイナーのフィリップ・ウォルファースなどがいた。^[43]

1897年に開催されたブリュッセル万国博覧会では、このスタイルが国際的な注目を集め、オルタ、ハンカール、ヴァン・デ・ヴェルデ、セルリエ＝ボヴィなどが博覧会のデザインに参加し、アンリ・プリヴァ＝リヴモンが博覧会のポスターを制作しました。

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  ジークフリート・ビングは、新しいアール・ヌーヴォーの家（1895年）に現代作品を展示するために芸術家を招きました。
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  ジークフリート・ビングのメゾン・ド・アール・ヌーヴォー・ギャラリー（1895年）
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  フェリックス・ヴァロットンによる新しいアール・ヌーヴォーのポスター(1896 年)
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  エクトール・ギマール作「ベランジェ城の入り口」（1895-1898年）
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  アレクサンドル・ビゴの壁画が飾られたベランジェ城の風通しの良い通路
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  ベランジェ城のメイン階段の詳細

フランス系ドイツ人の美術商で出版者のジークフリート・ビングは、この様式の普及に重要な役割を果たした。1891年、ビングは日本美術を専門とする雑誌を創刊し、ヨーロッパでジャポニスムを普及させるのに貢献した。1892年には、ピエール・ボナール、フェリックス・ヴァロットン、エドゥアール・ヴュイヤール、トゥールーズ＝ロートレック、ウジェーヌ・グラッセを含む7人の芸術家による展覧会を企画し、近代絵画と装飾美術の両方を展示した。この展覧会は、1895年に国立美術協会で開催されました。同年、ビングはパリのプロヴァンス通り22番地に、美術と装飾美術の両方の新作を展示する新しいギャラリー、メゾン・ド・ラル・ヌーヴォーをオープンした。ギャラリーの内装と家具は、アール・ヌーヴォー建築の先駆者の一人であるベルギーの建築家アンリ・ファン・ド・ヴェルデが設計した。アール・ヌーヴォーの館では、ジョルジュ・スーラ、ポール・シニャック、トゥールーズ＝ロートレックの絵画、ルイ・カンフォート・ティファニーやエミール・ガレのガラス製品、ルネ・ラリックの宝飾品、オーブリー・ビアズリーのポスターなどが展示された。展示された作品のスタイルはまったく統一されていなかった。ビングは1902年に「アール・ヌーヴォーは、創設当時、一般的な用語になる栄誉をまったく望んでいなかった。それは単に、自分たちの傾向の現代性を見せたがっている若くて熱心な芸術家たちの結集点として開かれた館の名前に過ぎなかった」と書いている。^[44]

この様式は、隣国フランスでもすぐに注目された。オルタのタッセル館を訪れたエクトール・ギマールは、 1895年から1898年にかけて、パリで最初の新しい様式の建物の一つであるベランジェ城を建設した。 ^{[注 1]パリ市民は、}ナポレオン3世の治世中にジョルジュ・ウジェーヌ・オスマンが建設した大通りの建築の単調さに不満を抱いていた。ベランジェ城は、曲線を描くむち打ち線と自然な形状を持つ、ネオゴシックとアールヌーボーの奇妙な融合であった。自分の作品の巧みな宣伝家であったギマールは、「どんな犠牲を払ってでも避けなければならないのは...平行と対称性だ。自然は最も偉大な建築者であり、自然は平行なものも対称的なものも作らない」と断言した。^[46]

パリ市民はギマールの独創的で絵のように美しいスタイルを歓迎し、ベランジェ城はパリで最も優れた新しいファサードの一つに選ばれ、ギマールのキャリアをスタートさせた。ギマールはパリの新しい地下鉄システムの入り口の設計を依頼され、1900年のパリ万国博覧会を訪れた何百万人もの人々の注目を集めた。^[10]

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  1900 年パリ万国博覧会の正面玄関
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  ビゴ・パビリオンでは、陶芸家アレクサンドル・ビゴの作品が展示されています。
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  ヨーゼフ・ホフマンがデザインした展示品があるオーストリア館の入り口
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  ブルーノ・メーリングが設計したドイツ館
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  エクトール・ギマールが設計したパリのポルト・ドーフィネ地下鉄駅の入り口
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  アルマス・リンドグレーンとエリエル・サーリネンが設計したフィンランド・パビリオン
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  ボスニア館のレストランのためにアルフォンス・ミュシャがデザインしたメニュー
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  セーブル磁器パビリオンのポルティコ（現在はフェリックス・デリュエル広場にある）

1900 年のパリ万国博覧会は、アール ヌーヴォーの最高潮でした。1900 年 4 月から 11 月にかけて、世界中から 5,000 万人近くの来場者が訪れ、この様式の建築、デザイン、ガラス製品、家具、装飾品が展示されました。万国博覧会の建築は、アール ヌーヴォーとボザール建築の融合であることが多く、メイン展示ホールのグラン パレは、内部の壮観なアール ヌーヴォーの階段や展示ホールとはまったく関係のないボザールのファサードでした。

フランスのデザイナーたちは皆、博覧会のために特別な作品を制作した。ラリックのクリスタルとジュエリー、アンリ・ヴェヴェールとジョルジュ・フーケのジュエリー、ドームのガラス、セーヴル磁器製作所の磁器、アレクサンドル・ビゴの陶磁器、エミール・ガレの彫刻ガラスのランプと花瓶、エドゥアール・コロンナとルイ・マジョレルの家具、その他多くの著名な工芸品会社などである。1900年のパリ万博では、ジークフリート・ビングがアール・ヌーヴォー・ビングと呼ばれるパビリオンを出展し、完全にこのスタイルで装飾された6つの異なるインテリアを特徴としていた。^{[47] [48]}

この博覧会は、ヨーロッパ内外のアール・ヌーヴォーのデザイナーや芸術家にとって初の国際的な展示会となった。受賞者と参加者には、ボスニア・ヘルツェゴビナ館の壁画を制作し、同館のレストランのメニューをデザインしたアルフォンス・ミュシャ、ベルリンの装飾家兼デザイナーのブルーノ・パウルとブルーノ・メーリング、トリノのカルロ・ブガッティ、バイエルンのベルンハルト・パンコック、ロシアの建築家兼デザイナーのフョードル・シェフテル、アメリカのルイス・コンフォート・ティファニー・アンド・カンパニーなどがいた。 ^[49]ウィーン出身の建築家オットー・ワーグナーは審査員の一員で、ウィーンにある自身のアパートのアール・ヌーヴォー様式の浴室の模型をガラスの浴槽とともに提出した。^[50]ヨーゼフ・ホフマンはパリの博覧会でウィーン分離派のデザインを強調したウィーン展示を設計した。^[51]エリエル・サーリネンは、フィンランド館の想像力豊かなデザインによって初めて国際的な評価を得ました。^[52]

パリ万博は群を抜いて規模が大きかったが、他の万博もこの様式を普及させるのに大きく貢献した。1888年のバルセロナ万博は、ルイス・ドメネク・イ・ムンタネーの建物がいくつか建てられ、スペインにおけるモダニズム様式の始まりとなった。 1902年にイタリアのトリノで開催された近代装飾芸術国際展では、ベルギーのヴィクトール・オルタやウィーンのジョセフ・マリア・オルブリッヒなどヨーロッパ各地のデザイナーの作品が展示されたほか、カルロ・ブガッティ、ガリレオ・キーニ、エウジェニオ・クアルティなどの地元の芸術家の作品も展示された。^[53]

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  パリ、ラップ通り29 番地にあるジュール・ラヴィロット設計のラヴィロット ビルのファサード(1901 年)
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  ジャン＝バティスト・ラリヴェによる陶器の彫刻が飾られたラヴィロット・ビルの入り口 [fr]
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  パリのロワイヤル通り6 番地にあるジョルジュ フーケの宝石店。アルフォンス ミュシャが設計し、現在はカルナヴァレ美術館に所蔵されている(1901 年)
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  フランソワ・ルヴレによる薬局ルサージュ、ドゥヴル・ラ・デリヴランド市ジェネラル・ド・ゴール通り78番地（1901年）
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  建築家アンリ・ソヴァージュによる家具デザイナー、ルイ・マジョレルのためのナンシーのマジョレル邸（1901–02）
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  パリ、エティエンヌ・ペルネ広場24番地にあるアルフレッド・ワゴンの建物（1905年）
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  フランツ・ジュルダンによるラ・サマリテーヌ百貨店のファサード、パリ、モネ通り（1905–1910）
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  ルーアン・リヴ・ドロワ駅、アドルフ・デルヴォー作、彫刻はカミーユ・ルフェーブル（1928年）

1900年の博覧会の後、アール・ヌーヴォーの中心地はパリとなった。この様式の最も豪華な住宅はジュール・ラヴィロットによって建てられたもので、ファサード全体が陶器の彫刻装飾で覆われていた。最も派手な例はラップ通り29番地のラヴィロット・ビル（1901年）である。オフィスビルやデパートには、ステンドグラスのキューポラと陶器の装飾で覆われた高い中庭があった。この様式は、ロワイヤル通り3番地のマキシムやリヨン駅のル・トラン・ブルー（1900年）など、レストランやカフェで特に人気があった。^[54]

パリの地位は、外国人アーティストをこの街に引き寄せました。スイス生まれのアーティスト、ウジェーヌ・グラッセは、フランスのアール・ヌーヴォーのポスターを最初に制作した人の一人でした。1885年に有名なキャバレー「ル・シャ・ノワール」の装飾を手伝い、パリ祭の最初のポスターを制作し、1890年にはサラ・ベルナールの有名なポスターを制作しました。パリでは、ゲラン美術学校 (エコール・ノルマル・デッサン)で教鞭をとり、そこでの生徒には、アウグスト・ジャコメッティやポール・ベルトンなどがいました。^{[55] [56]}スイス生まれのテオフィル＝アレクサンドル・スタンランは1896年にパリのキャバレー 「黒い猫」の有名なポスターを制作した。チェコの芸術家アルフォンス・ミュシャ（1860年 - 1939年）は1888年にパリに到着し、1895年にルネッサンス劇場で上演されたヴィクトリアン・サルドゥーの演劇「ジスモンダ」に出演する女優サラ・ベルナールのポスターを制作した。このポスターの成功により、ベルナールのさらに6つの演劇のポスターを制作する契約が結ばれた。

ロレーヌ地方のナンシー市は、この新しい様式のもう一つのフランスの首都となった。1901年、ナンシー学校としても知られる地方芸術産業同盟が設立され、絵画や彫刻を装飾芸術より上位に置く階層構造を覆すことに専心した。ここで活動していた主要な芸術家には、ガラスの花瓶やランプを製作したエミール・ガレ、ガラスデザインのドーム兄弟、花や植物をモチーフにした優美な家具を製作したデザイナーのルイ・マジョレルなどがいた。建築家アンリ・ソヴァージュは、 1902年にマジョレル邸を建て、この新しい建築様式をナンシーにもたらした。

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  バプスト＆ファリーズ、ジェルマン・バプスト、ルシアン・ファリーズによるティーセット。部分的に金メッキされた銀、象牙、瑪瑙で作られています（ 1889年頃）
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  ジュール・シェレによるダンサー、ロイ・フラーのポスター（1893年）
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  ナンシーのポワレルギャラリーでの装飾美術博覧会のためのカミーユ・マルタンのポスター(1894 年)
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  アルフォンス・ミュシャによるサラ・ベルナール主演の『ジスモンダ』のポスター（1894年）
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  ナンシーのフランソワ・ヴェクレール商店のステンドグラスの扉（1901年）、ガラスはジャック・グルーバー、扉はエミール・アンドレとウジェーヌ・ヴァラン
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  ヴィラ・マジョレル（1901-02年）の寝室の家具。現在はナンシー美術館に所蔵されている。
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  ルネ・ラリック作「角、金、ダイヤモンドの櫛」（ 1902年頃）、パリのオルセー美術館所蔵

フランス風のスタイルは、『ザ・スタジオ』、『アール・エ・イデ』、『アール・エ・デコレーション』などの新しい雑誌によって広く宣伝され、これらの雑誌の写真やカラーリトグラフによって世界中のデザイナーや裕福な顧客に知られるようになりました。

フランスでは、このスタイルは 1900 年にピークを迎えましたが、その後急速に廃れていき、1905 年までにフランスから事実上姿を消しました。アール ヌーボーは贅沢なスタイルで、熟練した高給の職人を必要とし、簡単にまたは安価に大量生産することはできませんでした。大量生産できる数少ないアール ヌーボー製品のひとつが香水瓶で、現在でもこのスタイルで製造されています。

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  ヴィクトル・オルタ作、ブリュッセルのオテル・ファン・エトベルデ（1895–1901）
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  ホテル ファン エトフェルデのウィンター ガーデンの詳細
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  ヘンリー・ヴァン・デ・ヴェルデ作の椅子（1896年）
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  フィリップ・ウォルファーズ、プルーム・ド・パオン（「孔雀の羽」）、ベルトのバックル（1898年）
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  ポール・サントノワ（1898-99）によるブリュッセルの旧オールドイングランド百貨店
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  ギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィ（1898-99）作のベッドと鏡。現在はパリのオルセー美術館に所蔵されている。
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  ギュスターヴ・シュトラウヴェン（1901-1903）によるブリュッセルのサン・シール邸
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  ブリュッセルにある建築家ポール・コーシーの家。スグラッフィートが特徴的(1905)

ベルギーは、ヴィクトール・オルタの建築のおかげで、アール・ヌーヴォーの初期の中心地となった。オルタは、1893年に最初のアール・ヌーヴォー住宅の1つであるタッセル邸と、同じスタイルのバリエーションの3つのタウンハウスを設計した。これらは現在、ユネスコの世界遺産に登録されている。オルタは、建設中のタッセル邸を見学に来た若きエクトール・ギマールの作品に強い影響を与え、後にオルタがアール・ヌーヴォーの「発明者」であると宣言した。 ^[57]オルタの革新はファサードではなく、内部にあった。鉄とガラスをふんだんに使用して空間を広げ、部屋に光があふれるようにし、植物のような曲線を描く錬鉄の柱と手すりで装飾し、床や壁、オルタがデザインした家具やカーペットにもそれが反映されている。^[58]

ポール・ハンカールもブリュッセルのアール・ヌーヴォーの先駆者でした。彼の家はオルタのタッセル邸と同じ1893年に完成し、ファサードにはスグラフィティの壁画が描かれていました。ハンカールはヴィオレ＝ル＝デュクとイギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動の思想の両方に影響を受けました。彼の構想は装飾芸術と美術を一貫した形で融合させることでした。彼は彫刻家のアルフレッド・クリックと画家のアドルフ・クレスパン [fr]に、家のファサードを彼らの作品で飾るよう依頼しました。最も印象的な例は、ブリュッセルのデファク通り48番地に芸術家アルバート・チャンベルラーニのために建てられた家とスタジオである。チャンベルラーニは、人物や装飾を描いたスグラッフィートの壁画で覆われた華やかなファサードを制作し、 15世紀イタリアの装飾建築を再現した。 ^[31]ハンカールは、作品が評価され始めた1901年に亡くなった。^[59]

ギュスターヴ・シュトラウヴェンは、オルタのもとでアシスタントデザイナーとしてキャリアをスタートし、21歳で独立し、ブリュッセルで最も豪華なアールヌーボー建築のいくつかを手がけた。彼の最も有名な作品は、アンビオリックス広場11番地にあるサン＝シール邸である。この邸宅は幅がわずか4メートル（13フィート）だが、彼の精巧な建築的発明により並外れた高さになっている。邸宅は、多色のレンガと錬鉄製の渦巻く植物の形のネットワークで完全に覆われており、事実上アールヌーボー・バロック様式である。^[60]

ベルギー出身の他の重要なアール・ヌーヴォー芸術家には、建築家でデザイナーのアンリ・ファン・デ・ヴェルデがいるが、彼のキャリアの最も重要な部分はドイツで過ごされた。彼はユーゲントシュティールの装飾に強い影響を与えた。他には、装飾家のギュスターヴ・セルリエ＝ボヴィやグラフィック・アーティストのフェルナン・クノップフがいる。^{[5] [61] [62]ベルギーのデザイナーは、}ベルギー領コンゴから輸入された象牙の豊富な供給を活用し、フィリップ・ウォルファースなどの芸術家による、石、金属、象牙を組み合わせた混合彫刻が人気を博した。^[63]

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  ヤン・トゥーロップ作「デルフトサラダオイル」のポスター（1893年）
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  アムステルダム商品取引所ヘンドリック・ペトルス・ベルラーヘ著（1896–1903）
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  ベルラーヘのキャビネット/デスク（1898年）
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  テオ・コレンブランダーによる抽象的な花柄の花瓶（1898年）
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  J. ユリアーン コックがデザインし、WR スターケンが装飾した磁器の花瓶 (1901)
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  ヘルマン・ヘンドリック・バーダースとゲリット・ファン・アルケルによるアムステルダムのアストリアビル（1905年）
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  アムステルダムのトゥシンスキー劇場、ヒジマン・ルイ・デ・ヨングとウィレム・クロムハウト作（1921年）
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  ハールレムの聖バーフ大聖堂、ジョゼフ・カイパース作（1930年）

オランダでは、このスタイルはニューウェ・スティル（「新しい様式」）またはニューウェ・クンスト（「新しい芸術」）として知られ、ベルギーのより花柄や曲線の多いスタイルとは方向性が異なっていた。ドイツのユーゲントシュティールやオーストリアのウィーン分離派の、より幾何学的で様式化された形態の影響を受けていた。^{[63]また、}インドネシア、当時のオランダ領東インドからの芸術や輸入木材、特にジャワ島の織物やバティックのデザインの影響も受けていた。

この様式で最も重要な建築家で家具デザイナーはヘンドリック・ペトルス・ベルラーヘで、彼は歴史的様式を非難し、純粋に機能的な建築を提唱した。彼は「幻想ではなく本質を見つけるためには、幻想の芸術と闘い、嘘を認識しなければならない」と書いている。^[64]ヴィクトール・オルタやガウディと同様に、彼はヴィオレ・ル・デュクの建築理論の崇拝者だった。^[64]彼の家具は厳密に機能的であり、金属のように曲げたりねじったりするのではなく、木の自然な形を尊重するように設計された。彼はエジプトの家具の例を挙げ、直角の椅子を好んだ。彼の最初の最も有名な建築作品は、アムステルダム商品取引所のブールス・ファン・ベルラーヘ（1896-1903）で、これは彼が構成主義の原則に従って建設したものだ。メインルームの壁を飾るリベットの線を含め、すべてが機能的だった。彼は建物をより目立たせるために非常に高い塔を建てることが多かったが、これはウィーンのジョセフ・マリア・オルブリッヒやフィンランドのエリエル・サーリネンなど、同時代の他のアール・ヌーヴォー建築家たちも行っていた手法である。^[65]

この様式の他の建物には、やはりベルラーヘ設計のアメリカンホテル（1898年 - 1900年）、アムステルダムのヘルマン・ヘンドリック・バーンデスとヘリット・ファン・アルケル設計のアストリア（1904年 - 1905年） 、ハールレムの鉄道駅（1906年 - 1908年）、ロッテルダムの旧ホーランド・アメリカラインズ事務所ビル（現在はホ​​テル・ニューヨーク）（1917年）などがある。

このスタイルの著名なグラフィックアーティストやイラストレーターにはヤン・トゥーロップがおり、彼の作品はサラダオイルのポスターにさえ神秘主義や象徴主義の傾向が見られました。色彩やデザインにはジャワ美術の影響も見られることがありました。^[65]

オランダの陶磁器の重要人物には、ユリアーン・コックやテオ・コレンブランダーなどがいます。彼らは色鮮やかな花柄やより伝統的なアールヌーボーのモチーフを、ジャワのバティック装飾から借用した珍しい陶器の形や暗い色と明るい色のコントラストと組み合わせて使用​​しました。^[66]

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  アーサー・マックマードによるクリストファー・レンに関する本の表紙デザイン（1883年）
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  リバティ百貨店のアーチボルド・ノックスによるベルト バックル(1899)
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  グラスゴーのダンバートン ロード 59 番地にあるジェームズ ホーイ クレイギー設計のパブの建物(1899–1900)
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  グラスゴー、セント ヴィンセント ストリート 144 番地、 142a にあるジェームズ サーモン設計のハトラック ビルディング(1899–1902)
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  ヘンリー・ウィリアムズによる旧エヴァラード印刷工場、ブロードストリート、ブリストル(1900)
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  マーガレット・マクドナルド・マッキントッシュ著『メイ・クイーン』（1900年）^[67]
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  スコットランド、ヘレンズバラのヒルハウスの内部廊下の眺め。ウォルター・ブラッキー（1902-1904）が設計・建設。^[68]

アール・ヌーヴォーは、1860年代に始まり、1880年代までに国際的に認知されたイギリスのアーツ・アンド・クラフツ運動にそのルーツがある。装飾芸術のより良い扱いを求め、中世の職人技とデザイン、そして自然にインスピレーションを得た。^[69]モダン・スタイルの注目すべき初期の例としては、1883年に出版されたサー・クリストファー・レンの都市教会に関するエッセイの表紙用にアーサー・マックマードがデザインしたものと、同年にデザインされたマホガニーの椅子がある。^[70]

イギリスの他の重要な革新者には、グラフィックデザイナーのオーブリー・ビアズリーがいます。彼の絵には、このスタイルの最も特徴的な曲線が描かれています。1880年代の自由に流れる錬鉄や、19世紀のデザインのパターンに影響を受けていたいくつかの平らな花柄の織物デザインも挙げられます。このスタイルで重要な位置を占めた他のイギリスのグラフィックアーティストには、ウォルター・クレインとチャールズ・アシュビーがいます。^[71]

ロンドンのリバティ百貨店は、色鮮やかで様式化された花柄の織物や、マンクスマン（スコットランド系）のアーチボルド・ノックスによる銀、ピューター、宝飾品のデザインを通じて、重要な役割を果たしました。彼の宝飾品のデザインは、素材や形状において、宝飾品デザインの歴史的伝統から完全に逸脱していました。

アール・ヌーヴォー建築と家具デザインにとって、英国で最も重要な中心地はグラスゴーであり、チャールズ・レニー・マッキントッシュとグラスゴー派の作品はスコットランドの貴族建築と日本のデザインに触発されたものでした。^[72] 1895年以降、マッキントッシュはロンドン、ウィーン、トリノの国際博覧会でデザインを展示し、特にウィーンの分離派様式に影響を与えました。彼の建築作品には、グラスゴー・ヘラルド・ビル（1894年）やグラスゴー美術学校の図書館（1897年）などがあります。彼はまた、妻で著名な画家兼デザイナーのマーガレット・マクドナルド・マッキントッシュと密接に協力し、家具デザイナーおよび装飾家としての名声を確立しました。2人は一緒に、幾何学的な直線と緩やかな曲線の花飾りを組み合わせた印象的なデザインを生み出しました。特に、この様式の有名なシンボルであるグラスゴー・ローズがそうです。^[73]

レオン・ヴィクトール・ソロンは、ミントンズのアートディレクターとしてアールヌーボー陶芸に重要な貢献をした。彼は、プレートやチューブライニングを施した花瓶を専門とし、「分離派陶器」（ウィーン芸術運動にちなんで名付けられたとよく言われる）として販売された。^[74]陶芸のほかに、リークシルク産業向けの織物や、製本業者（ニューカッスル・アンダー・ライムのGTバグリー）向けのダブリュールをデザインした。バグリーは1895年に サザーランド製本の特許を取得した。

ジョージ・スキッパーは、おそらくイギリスで最も活躍したアール・ヌーヴォー建築家です。エドワード・エヴァラードの印刷工場を収容するために 1900 年から 1901 年にかけて建設されたブリストルのエドワード・エヴァラード ビルは、アール・ヌーヴォー様式のファサードが特徴です。描かれている人物は、印刷の分野で著名なヨハネス・グーテンベルクとウィリアム・モリスです。翼のある人物は「光の精神」を象徴し、ランプと鏡を持っている人物は光と真実を象徴しています。

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  ミュンヘンのホファトリエ・エルヴィラ写真スタジオのファサード。アウグスト・エンデル（1896-1898）が設計。
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  ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ設計によるダルムシュタット芸術家コロニーのエルンスト・ルートヴィヒ・ハウス（1900年）。現在はダルムシュタット・コロニー博物館となっている。
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  ベルリンのメキシコプラッツ駅、グスタフ・ハートとアルフレッド・レッサー作（1902-1904年）
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  バート・ナウハイムのスパ複合施設シュプルーデルホフ（1905 ～ 1911 年）
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  エンデルによるベルリンのハッケーシェ・ヘーフェ(1906)
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  ダルムシュタット芸術家コロニーのウェディングタワー（1908年）
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  ダルムシュタット芸術家コロニーのグローセス ハウス グリュッケルトの入り口ドア
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  ボンにある、かつての路面電車の車庫で現在はオフィスビルとなっている建物のファサード

ドイツのアール・ヌーヴォーは、ドイツ語でユーゲントシュティール、つまり「若者スタイル」としてよく知られています。この名前は、ミュンヘンで発行されていた芸術雑誌「ユーゲント（若者）」に由来しています。この雑誌は1896年にゲオルク・ヒルトによって創刊され、ヒルトは1916年に亡くなるまで編集長を務めました。雑誌は1940年まで存続しました。20世紀初頭、ユーゲントシュティールはグラフィックアートにのみ適用されていました。^{[76]これは特に、}ユーゲント、パン、シンプリシシムスなどのドイツの雑誌に見られるタイポグラフィとグラフィックデザインの形式を指していました。ユーゲントシュティールは後に、ドイツ、オランダのアール・ヌーヴォーの他のバージョンにも適用されました。この用語は、アール・ヌーヴォーを説明するために、バルト諸国と北欧諸国のいくつかの言語でドイツ語から借用されました（命名セクションを参照）。^{[12] [77]}

1892年、ゲオルク・ヒルトはミュンヘン視覚芸術家協会にミュンヘン分離派という名称を選んだ。1897年に設立されたウィーン分離派^[78]とベルリン分離派もミュンヘン分離派にちなんで名付けられた。

ミュンヘンで発行されていた雑誌『ユーゲント』と『シンプリシシムス』 、ベルリンで発行されていた『パン』は、ユーゲントシュティールの重要な推進者でした。ユーゲントシュティール芸術は、しなやかな曲線とより幾何学的な線を組み合わせ、小説、広告、展覧会のポスターの表紙に使用されました。デザイナーは、1904 年のアルノルト ベックリン書体のように、イメージと調和する独自の書体スタイ​​ルを作成することがよくありました。

オットー・エックマンはユーゲントとパンの両方に関係した最も著名なドイツ人芸術家の一人である。彼のお気に入りの動物は白鳥であり、彼の影響は非常に大きく、白鳥は運動全体のシンボルの役割を果たすようになった。この様式のもう一人の著名なデザイナーはリヒャルト・リーマーシュミットであり、アール・デコを先導する落ち着いた幾何学的なスタイルで家具、陶器、その他の装飾品を作った。^[79]ミュンヘン在住の スイス人芸術家ヘルマン・オブリストは、シクラメンの花の茎から取られた動きを示唆する高度に様式化された二重曲線であるクー・ド・フエまたはむち打ちのモチーフを描いた。

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  ジョセフ・サトラーによるパン誌の表紙（1895年）
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  オットー・エックマンによる雑誌「ユーゲント」の表紙（1896年）
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  オットー・エックマン作「五羽の白鳥」タペストリー（1896-97年）
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  フランツ・シュトゥック（1898-1900）によるミュンヘン分離派のポスター
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  ベルリンのユーゲントシュティール様式のドアハンドル（ 1900年頃）
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  リチャード・リーマーシュミットの椅子（1902年）
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  ピーター・ベーレンス（1900～1901年）によるユーゲントシュティール様式のダイニングルームセットと食器
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  リチャード・リーマーシュミット作のストーンウェアの水差し（1902年）
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  WMFのユーゲントシュティール ピューター皿、デザイン番号 232 (  1906年頃)

ダルムシュタット芸術家コロニーは、1899年にヘッセン大公エルンスト・ルートヴィヒによって設立されました。大公の邸宅とコロニー最大の建造物（婚礼の塔）を建てた建築家は、ウィーン分離派創設者の一人であるヨーゼフ・マリア・オルブリッヒです。コロニーの他の著名な芸術家には、ペーター・ベーレンスとハンス・クリスチャンセンがいます。エルンスト・ルートヴィヒはまた、世紀の初めにバート・ナウハイムの温泉施設の再建を依頼しました。完全に新しいシュプルーデルホーフ [de]複合施設は、ヴィルヘルム・ヨスト [de]の指揮の下、1905年から1911年に建設され、ユーゲントシュティールの主要な目的の1つであるすべての芸術の統合を達成しました。^[80] アールヌーボー様式の建造物を依頼したもう一人の君主一族のメンバーは、ヘッセンおよびバイラインのエリザベート妃でした。彼女は1908年にモスクワにマルフォ＝マリインスキー修道院を設立し、そのカトリコンはアールヌーボーの傑作として知られています。^[81]

ドイツ帝国におけるもう一つの著名な組合は、1907年にミュンヘンでヘルマン・ムテジウスの扇動により、ダルムシュタット植民地の芸術家ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、ペーター・ベーレンス、ウィーン分離派 のもう一人の創設者ヨーゼフ・ホフマン、ウィーン工房（ホフマンが創設者）、リヒャルト・リーメルシュミット、ブルーノ・パウル、その他の芸術家や団体によって設立されたドイツ工作連盟である。^[82]後にベルギーのヘンリー・ファン・デ・フェルデがこの運動に加わった^{[nb 2]} 。彼によってワイマールに設立された大公工芸学校 [de]は、モダニズム建築で最も影響力のある潮流の一つであるバウハウスの前身となった。^[84]

ベルリンでは、ユーゲントシュティールはいくつかの鉄道駅の建設に選ばれました。最も有名なのは^{[85]ブルーノ}・メーリングによるビューロー通り駅（1900-1902）で、他の例としては、メキシコプラッツ駅（1902-1904）、植物園駅（1908-1909）、フローナウ駅（1908-1910）、ヴィッテンベルクプラッツ駅（1911-1913）、パンコウ駅（1912-1914）などがあります。ベルリンのもう1つの注目すべき建造物は、中庭のファサードに多色の施釉レンガを使用したハッケシェ・ヘーフェ駅（1906）です。

ストラスブール（当時はドイツ帝国の一部であり、エルザス＝ロートリンゲン帝国の首都であった）のアール・ヌーヴォーは、ナンシーとブリュッセルの影響とダルムシュタットとウィーンの影響を融合させ、ドイツとフランスの領域の間の都市の歴史を反映した地域的な統合を実現したという点で、独特のブランドでした。

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  ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒによるウィーン分離派会館（1897-98年）
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  オットー・ワーグナー作、ウィーンのマイヨリカハウスのファサードに描かれたアロイス・ルートヴィヒによる花のデザイン（1898年）
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  ワーグナー作、ウィーンのカールスプラッツシュタットバーン駅（1899年）
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  ワーグナー作、ウィーンの聖レオポルド教会（1903-1907年）
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  聖レオポルド教会の内部、レオポルド・フォルストナー作の祭壇画あり
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  ヨーゼフ・ホフマン（1905-1911）によるブリュッセルのストクレ宮殿

ウィーンは、アール・ヌーヴォーの独特な変種であるウィーン分離派の中心地となり、ウィーン分離派として知られるようになった。この運動は、1892年に設立されたミュンヘン分離派にちなんで名付けられた。ウィーン分離派は、グスタフ・クリムト、コロマン・モーザー、ヨーゼフ・ホフマン、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、マックス・クルツヴァイル、エルンスト・シュトーアなどを含む芸術家グループによって1897年4月に設立された。 [ 78 ]画家のクリムトがグループの代表になっ^た。彼らは、芸術家の公式組合であるウィーン・クンストラーハウスが表明した歴史主義への保守的な志向に反対した。分離派は、あらゆるメディアで作品を宣伝するため、雑誌Ver Sacrum^{を創刊した。 [86]}建築家ヨーゼフ・オルブリッヒは、新しい様式でドーム型の分離派の建物を設計し、そこはグスタフ・クリムトや他の分離派の芸術家の絵画の展示場となった。

クリムトは分離派の画家の中で最も有名になり、美術絵画と装飾絵画の境界をしばしば消し去りました。コロマン・モーザーは、このスタイルにおいて非常に多才な芸術家であり、その作品には雑誌の挿絵、建築、銀器、陶磁器、織物、ステンドグラス、家具などが含まれます。

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  ヴァー・セイクラムのヴァンパイア、いいえ。 12、p. 8、エルンスト・シュテア作(1899)
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  マックス・カーツワイル作「黄色いドレスの女」（1899年）
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  Johann Loetz Witwe作の花瓶(  1900年頃)
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  コロマン・モーザーのアームチェア（ 1900年頃）
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  第 14 回分離派展のポスター、アルフレッド・ローラー作(1902 年)
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  グスタフ・クリムト作「接吻」（1907～08年）
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  グラーツのホテル・ヴィースラーにあるレオポルド・フォルストナーのガラスモザイク「泉」

ウィーン分離派の最も著名な建築家はオットー・ワーグナー^[87]で、運動発足直後に弟子のホフマンとオルブリッヒに続いて参加した。彼の主要プロジェクトには、都市鉄道網（シュタットバーン）のいくつかの駅、リンケ・ウィーンツァイレ・ビルディング（マジョリカハウス、メダリオンハウス、ケストラーガッセの家からなる）などがある。カールスプラッツ駅は現在、ウィーン博物館の展示ホールになっている。シュタインホフ精神病院のシュタインホフ教会（1904-1907年）は、分離派の宗教建築のユニークで精巧に作られた例で、伝統的なドーム型の外観だが、内部は金と白の洗練されたモダンなもので、たくさんのモダンなステンドグラスで照らされている。

1899年にヨーゼフ・マリア・オルブリッヒはダルムシュタット芸術家コロニーに移り、1903年にコロマン・モーザーとヨーゼフ・ホフマンは家具、カーペット、織物、装飾品のデザイナーと職人のための訓練学校と工房であるウィーン工房を設立しました。 ^[88] 1905年にコロマン・モーザーとグスタフ・クリムトはウィーン分離派から分離し、その後1907年にコロマン・モーザーもウィーン工房を去り、もう1人の創設者ヨーゼフ・ホフマンはドイツ工作連盟に参加しました。^{[82]グスタフ・クリムトとヨーゼフ・ホフマンは協力関係を続け、1908年に}ウィーンで芸術博覧会 [de]を開催し、ブリュッセルにストックレー宮殿（1905-1911年）を建設してモダニズム建築の到来を告げました。^{[89] [90]} 2009年6月にユネスコの世界遺産に登録されました。^[91]

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  ブダペスト応用芸術美術館、オードン・レヒナー作（1893–1896）
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  ブダペスト地質学博物館、レヒナー作（1898-99年）
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  ケチケメートのシフラパロタのファサードの詳細(1902 年)
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   ブダペストのトレク銀行[fr]ビルのファサードのモザイク、ミクサ・ロート作（1906年）
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  ブダペストのグレシャム宮殿のファサードのレリーフ、ゲザ・マロティ作（1906 年）
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  当時はオーストリア＝ハンガリー帝国の一部であった、現在はルーマニアにあるオラデアの黒鷲宮殿。マルセル・コモルとデジェー・ヤカブ作（1907～08年）
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  現在ルーマニアのティミショアラにあるブリュックハウス（1911年）。オラデアと並んで、ティミショアラはアールヌーボーヨーロッパルートの一部です^[92]
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  フェレンツ・ライヒレ作、セゲドのグロフ宮殿（1913年）

ハンガリー語で「分離派」を意味する「セセッション」の先駆者であり預言者であった建築家オドン・レヒナーは、ハンガリー建築における歴史主義からモダニズムへの移行を象徴する建物を作った。^[93] ハンガリー建築様式に関する彼のアイデアは、建築用陶器と東洋のモチーフの使用であった。彼の作品には、1886年までにジョルナイ磁器工場で生産されていたピゴルガナイトが使用された。^{[93]この材料は、}ハンガリー国会議事堂やマーチャーシュ教会など、他の様式のハンガリーの著名な建物の建設にも使用された。

オドン・レヒナーの作品^[94]には応用美術館（1893-1896）があり、同様の特徴を持つ他の建物には地質学博物館（1896-1899）と郵便貯金銀行の建物（1899-1902）があり、すべてブダペストにあります。しかし、ハンガリーの建築界がレヒナーの成功に反対したため、すぐに以前の建物に匹敵する新しい注文を獲得できなくなりました。^[93]しかし、レヒナーは新しいスタイルを普及させる上で主要な役割を果たした次の世代の建築家にとってインスピレーションと師匠でした。^[93]マジャル化の過程で、王国の郊外で彼の弟子たちに数多くの建物が発注された。例えば、マルセル・コモル [hu]とデジェ・ヤカブは、シャバトカ（現在のセルビア、スボティツァ）のシナゴーグ（1901-1903年）と市庁舎（1908- 1910年）、マロスヴァーシャールヘイ（現在のルーマニア、タルグ・ムレシュ）の県庁舎（1905-1907年）、文化宮殿（1911-1913年）の建設を委託された。後にレヒナー自身は、1909-1913年にポジョニ（現在のスロバキア、ブラティスラバ）に青の教会を建設した。

もう一人の重要な建築家は、ジョン・ラスキンとウィリアム・モリスの信奉者だったカーロイ・コスである。コスはフィンランドの国民ロマン主義運動をモデルにし、トランシルヴァニアの地方文化にインスピレーションを得た。^{[95]彼の最も有名な建築物には、}ゼベゲーニのローマカトリック教会（1908–09年）、ブダペスト市立動物園のパビリオン（1909–1912年）、セプシセントジェルジ（現在はルーマニアのスフントゥ・ゲオルゲ）のセーケイ国立博物館（1911–12年）がある。

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  パックス、ミクサ・ロートによるモザイク、1900年のパリ万国博覧会で銀メダルを受賞
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  ブダペスト出身のオドン・ファラゴによるキャビネット (1901 年)
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  ブダペストのヴィラ・アルパールの花をモチーフにした窓、ミクサ・ロート作（1903年）

芸術におけるシェセッシオーの推進運動は、ジョン・ラスキンとウィリアム・モリスの信奉者で、ブダペスト王立応用芸術学校の教授でもあったアラダール・コレシュフォイ＝クリースチによって1901年に設立されたゴデレー芸術コロニーであった。 ^{[96]その芸術家たちは、ブダペストの}フランツ・リスト音楽アカデミーを含む多くのプロジェクトに参加した。^[97]

^{ゲドルー・アート・コロニー[98]} のアソシエートであるミクサ・ロートは、グレシャム宮殿(ステンドグラス、1906 年) やトレク銀行 [fr] (モザイク、1906 年)を含むブダペストの建物を含む数十のセーセッシオ プロジェクトにも携わり、モザイクやステンドグラスも制作しました。文化宮殿用のガラス(1911 ～ 1913 年)マロスヴァーシャーリー。

著名な家具デザイナーとしては、伝統的な大衆建築、東洋建築、国際的なアールヌーボーを非常に絵画的なスタイルで組み合わせたオドン・ファラゴ [hu]がいます。もう一人のハンガリー人デザイナー、パル・ホルティ [hu]は、オーク材に黒檀と真鍮の繊細な装飾を施した、はるかに落ち着いた機能的なスタイルを持っていました。

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  ヨゼフ・ファンタによるプラハ中央駅（1901-1909年）
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  ドゥシャン・ユルコヴィッチ作、スカリツァの文化の家（1905年）
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  プロスチェヨフの国立家、ヤン・コテラ作（1905–1907）
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  オスバルド・ポリフカとアントニン・バルシャーネクによるプラハの市庁舎（1905–1912）
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  アルフォンス・ミュシャによる市庁舎のフレスコ画
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  ミュシャによるプラハの聖ヴィート大聖堂のステンドグラス
• 
  ラディスラフ・シャルーン作プラハのヴィオラ劇場の陶板レリーフ
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  ポリフカによるプラハの新市庁舎（1908-1911）

プラハで最も有名な分離派の建物は、独特の建築、彫刻、絵画を備えたトータルアートの例です。 ^[99] 中央駅（1901-1909）はヨゼフ・ファンタによって設計され、ヴァーツラフ・ヤンサの絵画、ラディスラフ・シャルーンとスタニスラフ・スハルダ、その他の芸術家の彫刻が特徴です。市民会館（1904-1912）はオスヴァルド・ポリフカとアントニーン・バルシャーネクによって設計され、有名なチェコの画家アルフォンス・ミュハによって描かれ、ヨゼフ・マジャトカとラディスラフ・シャルーンの彫刻が特徴です。ポリフカ、マジャトカ、シャルーンはスタニスラフ・スハルダとともに新市庁舎（1908-1911）の建設に同時に協力し、ミュシャは後に聖ヴィート大聖堂のステンドグラスを独特のスタイルで描きました。

この時期の最も重要なチェコ人建築家は、ウィーンでオットー・ワーグナーに師事したヤン・コチェラです。彼の最も有名な作品は、プラハのヴァーツラフ広場12番地にあるペテルカの家（1899年 - 1900年）、プロスチェヨフの国立家（1905年 - 1907年）、フラデツ・クラーロヴェーの東ボヘミア博物館（1909年 - 1912年）です。ヨーゼフ・ホフマン、フーベルト・ゲスナー、ヨーゼフ・マリア・オルブリッヒ、レオポルド・バウアーなど、多くの重要なウィーンの建築家は、モラヴィアやオーストリア領シロンスクで生まれました。

ハンガリーのシェセッシオー様式と国民的建築要素を組み合わせたスタイルは、スロバキアの建築家ドゥシャン・ユルコヴィッチの典型的な作品である。彼の最も独創的な作品には、シャコルツァ（現スロバキアのスカリツァ）の文化会館（1905年）、ルハチョヴィツェ（現チェコ共和国）の温泉施設（1901～1903年）、ガリツィア（現ポーランド）のノヴィ・ジミグロド近くの35の戦争墓地（1915～1917年）があり、そのほとんどは地元のレムコ（ルシン）の民芸品や木工技術の影響を強く受けている。

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  クラクフの芸術宮殿、フランチェシェク・メンチンスキ作（1898–1901） - 南側のファサード
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  メンチンスキ作クラクフ芸術宮殿（1898–1901） - 東側ファサード
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  メンチンスキとタデウシュ・ストリイェンスキによるクラクフの「地球の下の家」（1904–05）
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  クラクフの地球儀の下の家の内部（ヨゼフ・メホッファー作）
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  リヴィウ駅、ヴワディスワフ・サドウォフスキ作（1899–1904）
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  ビエルスコ・ビャワのカエルの家、エマヌエル・ロスト作（1903年）
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  ビェルスコ・ビャワの聖ニコラス大聖堂、レオポルド・バウアー作（1909–10）

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  メホッファー作のステンドグラス「短い眠りの生涯」 （1895年）、クラクフ国立博物館所蔵
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  アポロ（コペルニクス体系）、スタニスワフ・ヴィスピアンスキ作ステンドグラス、クラクフ医師会館（1905年）
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  孔雀。カジミエシュ・スタブロフスキ作「ゾフィア・ボルチンスカの肖像」（1908年）
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  カジミェシュ・シチュルスキ作「フツル聖母」三連祭壇画（1909年）、ウィーン、オスターライヒッチェ・ギャラリー・ベルヴェデーレ所蔵
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  「アイリス」のステンド グラスの窓、クラクフ、ポレラ ホテル、30 Szpitalna Street (  1900年頃)

ガリツィアにおける分離派の中心地として最も重要なのは、クラクフ、リヴィウ、ビェルスコ＝ビャワであった。クラクフにおける分離派様式の最も重要な例は、ウィーンの分離派会館の影響を受けてフランシスコ・マンチンスキが設計した芸術宮殿（1898年 - 1901年）である。マンチンスキがクラクフでタデウシュ・ストリイェンスキと共同で設計した他の重要な作品には、地球儀の下の家（1904年 - 1905年）と旧劇場（1903年 - 1906年）がある。最も重要なインテリアデザイナーはスタニスワフ・ヴィスピアンスキとユゼフ・メホッフェルで、彼らは多くのステンドグラスの窓と建物の内装をデザインした。前者の最も重要な作品は、フランシスコ会教会とクラクフ医師会館（1905 年）のステンドグラスであり、後者の最も重要な作品は、地球儀の下の館の内部にあるステンドグラスです。

リヴィウで最も重要な建築家は、ウィーンで学び、オットー・ワーグナーの影響を受けたヴワディスワフ・サドウォフスキである。彼は、リヴィウ駅（1899年 - 1904年）、リヴィウ・フィルハーモニー管弦楽団（1905年 - 1908年）、工業学校（1907年 - 1908年）を設計した。ワーグナーに影響を受けた他の重要な建築家には、イヴァン・レヴィンスキーがいる。

ビェルスコ＝ビャワで最も有名な建物の一つは、エマヌエル・ロストによるいわゆる「カエルの家」 （1903年）です。セセッションの他の重要な例は、ウィーン分離派の建築家によって設計されました。マックス・ファビアーニはバルリツキエゴ通り1番地の家（1900年）を設計し、レオポルド・バウアーはストヤウォフスキエゴ通り51番地の家（1903年）と聖ニコラス大聖堂の再建（1909～10年）を設計しました。

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  ヨシップ・ヴァンカシュ作、サラエボのヘシュア・D・サロム邸（1901年）
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  ヴァンカシュ作、リュブリャナのグランド ホテル ユニオン(1902–03)
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  ヴィェコスラフ・バストル作、ザグレブのカリナ・ハウス（1903–04）
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  シリル・メトッド・コッホ作、リュブリャナのハウプトマンビル（1904年）
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  マックス・ファビアーニによるトリエステのバルトリハウス（1906年）
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  ヴァンカシュ作、サラエボ中央郵便局（1907–1913）
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  ルドルフ・ルビンスキー（1911-1913）によるザグレブのクロアチア国立公文書館

最も多作なスロベニア分離派建築家はキリル・メトッド・コッホである。^[100]彼はウィーンでオットー・ワーグナーの授業で学び、1894年から1923年までライバッハ（現在のスロベニア、リュブリャナ）市議会で働いた。1895年のライバッハ地震の後、彼は1900年から1910年にかけて、分離派様式で多くの世俗的な建物を設計した。^{[100]ポガチュニク・ハウス（1901年）、チュデン・ビル（1901年）、農民ローン銀行（1906-07年）、1904年に分離派様式で改装されたハウプトマン・ビル。彼のキャリアのハイライトは、1906年のラドマンスドルフ（現在の}ラドヴリツァ）のローン銀行であった。 ^[100]

ボスニアでも活躍した他の重要なスロベニア人建築家としては、グランドホテルユニオン(1902–1903) やリュブリャナのシティ貯蓄銀行 (1902–1903)、イェシュアD. サロム邸(1901)、サラエボの中央郵便局 (1907–1913) などの作品の作者であるヨシップ ヴァンカシュがいます。また、ウィーン分離派の重要な建築家であるヨジェ プレチニクとマックス ファビアーニもスロベニア生まれです。後者はスロベニアとトリエステで、トリエステのバルトリ ハウス (1906) などいくつかの建物を設計しました。

クロアチアにおける分離派の最も重要な例としては、ザグレブにあるヴィェコスラフ・バストル設計のカリナハウス（1903～1904年）と、ザグレブにあるルドルフ・ルビンスキー設計のクロアチア国立公文書館（1911～1913年）が挙げられます。

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  ブカレストのレジーナ・エリザベータ通りにあるミネルヴァ出版社の本社。建築家は不明（ 1900年頃、第二次世界大戦の爆撃により破壊された）
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  ストラーダのフリーズコンスタンティン F. ロベスク no.ブカレストの 1 人、無名建築家 (  1900年頃)
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  ミハイル コガルニセアヌ広場の扉 No. 7 ブカレスト、建築家不明 (  1900年頃)
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  ブカレストのロムルス・ポレスク邸（Strada Doctor Paleologu no. 12）、ディミトリエ・マイマロル作（1905年）^[101]
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  ダニエル・レナールとペトレ・アントネスクによるコンスタンツァのコンスタンツァ・カジノ（1905～1910年）
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  ブカレストの旧アル・アサン商店（Strada Lipscani no. 72-74）、建築家不明（1906年以前）^[102]
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  ニコラエ・C・ミハエスクによるブカレストの自転車乗りの家ミチャ（1908年）、ボザール様式とアールヌーボー様式の融合^[103]

ルーマニアでもアール・ヌーヴォーが西ヨーロッパと同じ時期に登場している（1890年代初頭から第一次世界大戦が勃発する1914年まで）が、この様式の建物は少なく、ボザール様式が主流である。その中で最も有名なのはコンスタンツァ・カジノである。ルーマニアのアール・ヌーヴォー建築のほとんどは、実際にはボザール様式とアール・ヌーヴォーが混在したもので、ブカレストにあるロムルス・ポレスク邸やヴァシレ・ラスカル通り61番の家などがその例である。^{[104]これは、当時}オーストリア＝ハンガリー帝国の一部であったトランシルヴァニアでこの様式が人気だったため、ルーマニアの建築ではいくぶん違法であったためである。トランシルヴァニアでは、人口の多数派であるルーマニア人が抑圧され、差別されていた。そのため、1900年代から1910年代初頭にかけてアール・ヌーヴォー様式の家を望んだ人々は、アール・ヌーヴォー様式を彷彿とさせる繊細な装飾を施すことしかできず、残りは完全にボザール様式か、まれにルーマニア・リバイバル様式となった。その一例が、アルフレッド・ポッパーが1914年に建てたブカレストのファニー＆イサク・ポッパー邸（Strada Sfinților no. 1）で、主にボザール様式のアカデミックなスタイルだが、2つのピラスター基部には女性が踊ったり楽器を演奏したりするアール・ヌーヴォー様式のレリーフがあり、アーチ型の扉の上には花模様がある。このスタイルを彷彿とさせる頻繁な特徴は、曲線の木工要素を持つアーチ窓である。しかし、この窓の特徴は必ずしもアール・ヌーヴォーではないかもしれない。なぜなら、ボザール様式やロココ・リバイバル様式の建築では、特に1890年代、1900年代、1910年代には、曲線的でしなやかなラインが使われる傾向があるからである。

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  ステファン・ルチアンによる若い女性、雑誌「イレアナ」の表紙用に描かれた絵（1900年）
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  春、ルチアンによる装飾パネル（1901年）
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  ニコラエ・ヴァーモント作「竪琴を持つ女性（音楽の寓意）」（1903年）
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  エレナ・アレクサンドリア・ベドナリック作『水の妖精』（1908年）
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  ブカレストのミシャ ザ サイクリスト ハウス (Strada Biserica Amzei no. 9) のストーブ、おそらくニコラエ C. ミハエスクによって設計された (1908 年) ^[103]

ルーマニア出身の最も著名なアール・ヌーヴォー画家の一人はステファン・ルキアンで、短期間でアール・ヌーヴォーの革新的かつ装飾的な方向性をすぐに引き継ぎました。この時期は、1897年のイレアナ協会の設立と同時期で、ルキアンは同協会の創立メンバーの一人であり、同協会はユニオン・ホテルで「独立芸術家展」（1898年）と題した展覧会を企画し、雑誌「イレアナ・マガジン」を発行しました。^[105]

トランシルヴァニアには、アールヌーボー様式とルーマニア復興様式の建物の両方の例があり、前者はオーストリア・ハンガリー帝国時代のものである。そのほとんどは、「ルーマニアのアールヌーボーの首都」と呼ばれるオラデアで見ることができるが、 ^[106]ティミショアラ、トゥルグ・ムレシュ、シビウでも見ることができる。^{[107] [108] [109]}

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  パレルモのヴィッリーノ・フローリオ作：エルネスト・バジーレ（1899–1902）
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  ジュゼッペ・ソンマルガ作、ミラノのカスティリオーニ宮殿（1901–1903）
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  レオナルド・ビストルフィによる1902年トリノ万博のポスター
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  カルロ・ブガッティ作のコブラチェアとデスク（1902年）、ニューヨーク市ブルックリン美術館所蔵
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  ミラノのカーサ・グアッツォーニの入り口、ジョヴァンニ・バティスタ・ボッシ作（1904–1906）

イタリアのアール・ヌーヴォーは、アルテ・ヌオーヴァ、フローレアル様式、モデルノ様式、特にリバティ様式として知られていた。リバティ様式は、アーサー・ラセンビー・リバティと、彼が1874年にロンドンに設立した店、リバティ百貨店にちなんで名付けられた。リバティ百貨店は、日本や極東からの装飾品、織物、美術品の輸入を専門としており、色鮮やかな織物は特にイタリアで人気があった。この様式の著名なイタリア人デザイナーには、マジョリカ焼きの模様からインスピレーションを得た陶器をよく作ったガリレオ・キーニがいた。彼は後に画家、舞台美術家として知られるようになり、プッチーニの有名なオペラ「ジャンニ・スキッキ」と「トゥーランドット」の舞台装置をデザインした。^{[110] [111] [12]}

リバティ様式の建築は多種多様で、特にバロック様式などの歴史的様式を踏襲していることが多かった。ファサードは装飾や彫刻で覆われていることが多かった。リバティ様式の例としては、パレルモのエルネスト・バジーレによるヴィッリーノ・フローリオ（1899年 - 1902年） 、ミラノのジュゼッペ・ソマルーガによるパラッツォ・カスティリオーニ（1901年 - 1903年）、ミラノのジョヴァンニ・バッティスタ・ボッシ（1904年 - 1906年）によるカーサ・グアッツォーニ（1904年 - 1905年）などがある。^[112]

色鮮やかなフレスコ画、絵画、陶器、彫刻は、内装と外装の両方に見られ、リバティ様式の人気の要素でした。アックエ・デッラ・サルーテの浴場やミラノのカーサ・グアッツォーニのように、古典的なテーマと花のテーマの両方が取り入れられています。

リバティ様式のデザインで最も重要な人物は、建築家兼装飾家の息子で、リバティ彫刻家のレンブラント・ブガッティと有名な自動車デザイナーのエットーレ・ブガッティの父であるカルロ・ブガッティである。彼はミラノのブレラ美術アカデミーで学び、後にパリの美術アカデミーで学んだ。彼の作品は異国情緒と奇抜さで際立っており、銀器、織物、陶磁器、楽器などを手がけたが、最もよく知られているのは、1888年のミラノ美術見本市で初めて発表された革新的な家具デザインである。彼の家具は鍵穴のデザインを特徴とすることが多く、羊皮紙や絹などの珍しい張り地や、骨や象牙の象嵌が施されていた。また、カタツムリやコブラを模した、驚くような有機的な形をしていることも時々あった。^[113]

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  アルバート・カルマン・クレシーとウルマン・ジュラによるパンチェヴォのプチュカ銀行（1868年）
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  アレクサンダル・ブガルスキー作、ベオグラードのヴク財団の家（1879年）
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  ノヴィ・サドのヨウ素温泉（1897年）
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  マルセル・コモールとデズシュ・ヤカブによるスボティツァ・シナゴーグ（1901年）
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  スボティツァのライヒレ宮殿（1904年）
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  ズレニャニンのカラジョルジェヴィッチ橋(以前の名前はフランツ・ヨーゼフ橋) (1904 年)
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  リポ・バウムホルン作「ノヴィ・サッド・シナゴーグ」（1905年）
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  ニコラ・ネストロヴィッチとアンドラ・ステヴァノヴィッチによるベオグラードの商人スタメンコヴィッチの建物（1907年）
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  ヨヴァン・イルキッチ作、ベオグラードのホテル・モスクワ（1908年）
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  リポ・バウムホルン作、ノヴィ・サドのメンラット宮殿（1908年）
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  スボティツァ市庁舎デズシュ・ヤカブ作（1910年）
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  ベオグラードのミカ・アラスの家、ペタル・バヤロヴィッチ作（1910年）

オーストリア＝ハンガリー帝国に近く、ヴォイヴォディナは1918年まで帝国の一部であったため、ウィーン分離派とハンガリー分離派の両方が、今日のセルビア北部と首都ベオグラードで普及した運動であった。 [ ^{114]オーストリアとハンガリーの有名な建築家が、}スボティツァ、ノヴィ・サド、パリッチ、ズレニャニン、ヴルバス、ゼンタ、キキンダで多くの建物を設計した。ベオグラード、パンチェヴォ、アランジェロヴァツ、ヴリニャチカ・バニャのアール・ヌーヴォーの遺産は、フランス、ドイツ、オーストリア、ハンガリー、および地元セルビアの運動が混ざり合ったものである。スボティツァのシナゴーグの曲線的な花の美しさから、ベオグラードの電信局ビルのモラヴァ様式に触発されたロゼットまで、アール・ヌーヴォー建築は今日のセルビアで様々な形をとっている。

1900年代初頭、サヴァ川とドナウ川の北では、ハンガリーの国民感情が再燃し、スボティツァやゼンタの建物に地元の花柄の民族モチーフが取り入れられました。一方、小さなセルビア王国では、ブランコ・タネゼヴィッチやドラグティン・インキオスティリ・メデンジャク（ともにオーストリア＝ハンガリー帝国生まれ）などの国民的ロマン主義者が、セルビアの伝統的なモチーフを素晴らしい建物に取り入れました。ミラン・アントノヴィッチやニコラ・ネストロヴィッチなどの建築家は、当時流行していたしなやかなラインや自然のモチーフを裕福なパトロンの住宅や事業所に取り入れ、パリ、ミュンヘン、ウィーンの流行に遅れずについていくことを誇示しました。^[115]

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  カンタブリア州コミージャスのエル・カプリチョ・デ・ガウディ、アントニ・ガウディ作（1883–1885）
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  ガウディ作、バルセロナのサグラダ・ファミリア大聖堂（1883–）
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  サン・パウ病院ルイス・ドメネク・イ・モンタネール作（1901–1930）
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  ガウディとジョゼップ・マリア・ジュジョルによるバルセロナのカサ・バトリョのトレンカディのファサード（1904～1906年）
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  ガウディ作、バルセロナのカサ・ミラ（1906–1912）^[116]
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  ジョゼップ・プッチ・イ・カダファルシュ作「バルセロナのカサ・デ・レス・プンクセス」（1905年）
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  フェデリコ・アリアス・レイ（1911-1914）作、マドリードのカサ・ガヤルド
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  バレンシアのコミュニティ、ノベルダのマリア マグダレナの聖域 [ca] (1918–1946)

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Catalonia, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. It was called Modernisme in Catalan and Modernismo in Spanish. Its most famous creator was Antoni Gaudí. Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th-century Modernism."^{[117][118][119]} He integrated crafts as ceramics, stained glass, wrought ironwork forging and carpentry into his architecture. In his Güell Pavilions (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904–1906) and Casa Milà (1906–1912),^[116] are most closely related to the stylistic elements of Art Nouveau.^[120] Later structures such as Sagrada Família combined Art Nouveau elements with revivalist Neo-Gothic.^[120] Casa Batlló, Casa Milà, Güell Pavilions, and Parc Güell were results of his collaboration with Josep Maria Jujol, who himself created houses in Sant Joan Despí (1913–1926), several churches near Tarragona (1918 and 1926) and the sinuous Casa Planells (1924) in Barcelona.

Besides the dominating presence of Gaudí, Lluís Domènech i Montaner also used Art Nouveau in Barcelona in buildings such as the Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) and Hospital de Sant Pau (1901–1930).^[120] The two latter buildings have been listed by UNESCO as World Cultural Heritage.^[121]

Another major modernista was Josep Puig i Cadafalch, who designed the Casa Martí and its Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the Casa de les Punxes ('House of Spikes').

A distinctive Art Nouveau movement was also in the Valencian Community. Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud, and José María Manuel Cortina Pérez. Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the façade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives.

Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or Modernismo madrileño, with such notable buildings as the Longoria Palace, the Casino de Madrid or the Cementerio de la Almudena, among others. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti and Francisco Andrés Octavio [es].

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  Ramon Casas and Pere Romeu on a Tandem by Ramon Casas (1897)
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  Sculpture of polychrome terracota by Lambert Escaler [ca] (1902)
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  Furniture by Gaspar Homar [ca] (1903)
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  Prie Dieu, or prayer desk, designed by Antoni Gaudí for Casa Batlló (1904–1906)
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  Stained glass ceiling of Palau de la Música Catalana by Antoni Rigalt (1905–1908)
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  Window of the Palace of the Valencian Regional Exposition, in Valencia (1908)

The Modernisme movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan).^[122] The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernisme, such as Pablo Picasso and Ramon Casas i Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas and Pere Romeu on a Tandem that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century.

Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House. He influenced another notable Catalan furniture designer, Gaspar Homar [ca] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.^[123]

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  Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves in Lisbon (1904–05)
• 
  Livraria Lello bookstore in Porto (1906)
• 
  Façade of Major Pessoa Residence in Aveiro (1907–1909)^[124]
• 
  Atrium of Major Pessoa Residence
• 
  Details of Almirante Reis, 2-2K building in Lisbon (1908)
• 
  Ceramic tile of Cooperativa Agrícola in Aveiro (1913)

The Art Nouveau variant in Aveiro (Portugal) was called Arte Nova, and its principal characteristic feature was ostentation: the style was used by bourgeoisie who wanted to express their wealth on the façades while leaving the interiors conservative.^[125] Another distinctive feature of Arte Nova was the use of locally produced tiles with Art Nouveau motifs.^[125]

The most influential artist of Arte Nova was Francisco Augusto da Silva Rocha.^[125] Though he was not trained as an architect, he designed many buildings in Aveiro and in other cities in Portugal.^[126][125] One of them, the Major Pessoa residence, has both an Art Nouveau façade and interior, and now hosts the Museum of Arte Nova.^[125]

There are other examples of Arte Nova in other cities of Portugal.^[127][128] Some of them are the Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves by Manuel Joaquim Norte Júnior [pt] (1904–1905) in Lisbon, Café Majestic by João Queiroz [pt] (1921) and Livraria Lello bookstore by Xavier Esteves [pt] (1906), both in Porto.

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  Main entrance of the Pohjola Insurance building in Helsinki, sculptures by Hilda Flodin (1899–1901)
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  Tampere Cathedral in the Finnish National Romantic Style by Lars Sonck (1902–1907)
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  By the River of Tuonela in the Finnish National Romantic Style by Akseli Gallen-Kallela (1903)
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  Chair by Eliel Saarinen (1907–1908)
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  Statues at Helsinki Central railway station by Emil Wikström (1919)

Art Nouveau was popular in the Nordic countries, where it was usually known as Jugendstil, and was often combined with the National Romantic Style of each country. The Nordic country with the largest number of Jugendstil buildings is the Grand Duchy of Finland, then a part of Russian Empire.^[129] The Jugendstil period coincided with Golden Age of Finnish Art and national awakening. After Paris Exposition in 1900 the leading Finnish artist was Akseli Gallen-Kallela.^[130] He is known for his illustrations of the Kalevala, the Finnish national epic, as well as for painting numerous Judendstil buildings in the Duchy.

The architects of the Finnish pavilion at the Exposition were Herman Gesellius, Armas Lindgren, and Eliel Saarinen. They worked together from 1896 to 1905 and created many notable buildings in Helsinki including Pohjola Insurance building (1899–1901) and National Museum of Finland (1905–1910)^[131] as well as their joint residence Hvitträsk in Kirkkonummi (1902). Architects were inspired by Nordic legends and nature, rough granite façade thus became a symbol for belonging to the Finnish nation.^[132] After the firm dissolved, Saarinen designed the Helsinki Railway Station (1905–1914) in clearer forms, influenced by American architecture.^[132] The sculptor who worked with Saarinen in construction of National Museum of Finland and Helsinki Railway Station was Emil Wikström.

Another architect who created several notable works in Finland was Lars Sonck. His major Jugendstil works include Tampere Cathedral (1902–1907), Ainola, the home of Jean Sibelius (1903), Headquarters of the Helsinki Telephone Association (1903–1907) and Kallio Church in Helsinki (1908–1912). Also, Magnus Schjerfbeck, brother of Helene Schjerfbeck, made tuberculosis sanatorium known as Nummela Sanatorium in 1903 using the Jugendstil style.^{[133][134][135]}

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  Viking-Art Nouveau chair by Lars Kinsarvik (1900)
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  Art Nouveau Centre in Ålesund (1905–1907)
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  Graphic design by Gerhard Munthe (1914)
• 
  Interior of Art Nouveau Centre in Ålesund
• 
  Ornaments of a door in Art Nouveau Centre in Ålesund

Norway also was aspiring independence (from Sweden) and local Art Nouveau was connected with a revival inspired by Viking folk art and crafts. Notable designers included Lars Kisarvik, who designed chairs with traditional Viking and Celtic patterns, and Gerhard Munthe, who designed a chair with a stylised dragon-head emblem from ancient Viking ships, as well as a wide variety of posters, paintings and graphics.^[136]

The Norwegian town of Ålesund is regarded as the main centre of Art Nouveau in Scandinavia because it was completely reconstructed after a fire of 23 January 1904.^[137] About 350 buildings were built between 1904 and 1907 under an urban plan designed by the engineer Frederik Næsser. The merger of unity and variety gave birth to a style known as Ål Stil. Buildings of the style have linear decor and echoes of both Jugendstil and vernacular elements, e.g. towers of stave churches or the crested roofs.^[137] One of the buildings, Swan Pharmacy, now hosts the Art Nouveau Centre.

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  Vase with blackberry, painting by Per Algot Eriksson, and silver by E. Lefebvre, in the Bröhan Museum, Berlin
• 
  Cup and saucer from the 'iris' service (1897), in the Los Angeles County Museum of Art
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  Inkwell and stamp box, by Jens Dahl-Jensen (c. 1900), in the Hessisches Landesmuseum Darmstadt, Germany
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  Great Hall of City Library of Aarhus by Karl Hansen Reistrup
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  Altar of Engelbrektskyrkan in Stockholm (1914)
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  Poster for the Baltic Exhibition in Malmö (1914)

Jugendstil masterpieces of other Nordic countries include Engelbrektskyrkan (1914) and Royal Dramatic Theatre (1901–1908) in Stockholm, Sweden^[138] and former City Library (now Danish National Business Archives) in Aarhus, Denmark (1898–1901).^[139] The architect of the latter is Hack Kampmann, then a proponent of National Romantic Style who also created Custom House, Theatre and Villa Kampen in Aarhus. Denmark's most notable Art Nouveau designer was the silversmith Georg Jensen. The Baltic Exhibition in Malmö 1914 can be seen as the last major manifestation of the Jugendstil in Sweden.^[140]

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  An Art Nouveau Fabergé egg^{[nb 3]} (1898)
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  Illustration of the Firebird by Ivan Bilibin (1899)
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  Chairs by Sergey Malyutin (c. 1900), Talashkino Art Colony
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  Ceramic fireplace on Russian folklore theme by Mikhail Vrubel (1908)
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  Set for Nikolai Rimsky-Korsakov's ballet Sheherazade by Léon Bakst (1910)
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  Program design for Afternoon of a Faun by Bakst for Ballets Russes (1912)

Модерн ('Modern') was a very colourful Russian variation of Art Nouveau which appeared in Moscow and Saint Petersburg in 1898 with the publication of a new art journal, Мир искусства (Mir Iskusstva, 'The World of Art'), by Russian artists Alexandre Benois and Léon Bakst, and chief editor Sergei Diaghilev. The magazine organized exhibitions of leading Russian artists, including Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan, and the book illustrator Ivan Bilibin. The World of Art style made less use of the vegetal and floral forms of French Art Nouveau; it drew heavily upon the bright colours and exotic designs of Russian folklore and fairy tales. The most influential contribution of the Mir Iskusstva was the creation of a new ballet company, the Ballets Russes, headed by Diaghilev, with costumes and sets designed by Bakst and Benois. The new ballet company premiered in Paris in 1909, and performed there every year through 1913. The exotic and colourful sets designed by Benois and Bakst had a major impact on French art and design. The costume and set designs were reproduced in the leading Paris magazines, L'Illustration, La Vie parisienne and Gazette du bon ton, and the Russian style became known in Paris as à la Bakst. The company was stranded in Paris first by the outbreak of World War I, and then by the Russian Revolution in 1917, and ironically never performed in Russia.^[141]

Of Russian architects, the most prominent in the pure Art Nouveau style was Fyodor Schechtel. The most famous example is the Ryabushinsky House in Moscow. It was built by a Russian businessman and newspaper owner, and then, after the Russian Revolution, became the residence of the writer Maxim Gorky, and is now the Gorky Museum. Its main staircase, made of a polished aggregate of concrete, marble and granite, has flowing, curling lines like the waves of the sea, and is illuminated by a lamp in the form of a floating jellyfish. The interior also features doors, windows and ceiling decorated with colorful frescoes of mosaic.^[142] Schechtel, who is also considered a major figure in Russian symbolism, designed several other landmark buildings in Moscow, including the rebuilding of the Moscow Yaroslavsky railway station, in a more traditional Moscow revival style.^[142]

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  Façade of the Hotel Metropol in Moscow with mosaics by Mikhail Vrubel (1899–1907)
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  Ryabushinsky House in Moscow by Fyodor Schechtel (1900)
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  Main staircase of Ryabushinsky House in Moscow by Schechtel (1900)
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  Teremok House in Talashkino, a Russian Revival work by Sergey Malyutin (1901–02)
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  Holy Spirit Church in Talashkino by Malyutin (1903–1906)
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  Singer House in Saint-Petersburg by Pavel Suzor (1904)
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  Cartouche with a mascaron, on the façade of the Singer House
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  Pertsova House in Moscow by Malyutin (1905–1907)
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  Dining room of the Grand Hotel Europe in Saint Petersburg (1910)

Other Russian architects of the period created Russian Revival architecture, which drew from historic Russian architecture. These buildings were created mostly in wood, and referred to the Architecture of Kievan Rus'. One example is the Teremok House in Talashkino (1901–1902) by Sergey Malyutin, and Pertsova House (also known as Pertsov House) in Moscow (1905–1907). He also was a member of Mir iskusstva movement. The Saint Petersburg architect Nikolai Vasilyev built in a range of styles before emigrating in 1923. This building is most notable for stone carvings made by Sergei Vashkov inspired by the carvings of Cathedral of Saint Demetrius in Vladimir and Saint George Cathedral in Yuryev-Polsky of the XII and XIII centuries. Another example of this Russian Revival architecture is the Marfo-Mariinsky Convent (1908–1912), an updated Russian Orthodox Church by Alexey Shchusev, who later, ironically, designed Lenin's Mausoleum in Moscow.

Several art colonies in Russia in this period were built in the Russian Revival style. The two best-known colonies were Abramtsevo, funded by Savva Mamontov, and Talashkino, Smolensk Governorate, funded by Princess Maria Tenisheva.

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  Zemstvo building in Poltava by Mykhailo Krychevskyi (1903–1908)
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  Dnister credit society building in Lviv by Ivan Levynskyi (1905–06)
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  Building on Pankivska Street, 8 in Kyiv by Mykola Shekhonin (1909–1914)
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  Albashy railway station in Krasnodar Krai, Southern Russia (historic Kuban region) by Serhiy Tymoshenko (1910)
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  Khrennikov House (now Hotel Ukraine) in Dnipro by P. Fetisov and L. Khoinovskyi (1910–1913), detail
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  Zemstvo school in Kizlivka, Poltava Region by Opanas Slastion (1912)
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  Kharkiv State Academy of Design and Arts (1913)

Early 20th-century architecture in Ukrainian lands (southwestern part of the Russian Empire, Eastern Galicia, Bukovina and Transcarpathia in Austria-Hungary) developed under the influence of Ukrainian folk architecture, as well as trends of European Art Nouveau, such as Zakopane Style. Ukrainian "modern" architecture first came to prominence in Poltava Governorate, where its most active promoters were Vasyl Krychevskyi and Opanas Slastion. In the late 1900s and early 1910s, a number of buildings in what was then known simply as "Ukrainian style" were constructed in Kyiv, Kharkiv, Odesa, Katerynoslav and a number of other places in the Russian Empire. In Western Ukraine, which was at that time part of Austria-Hungary, the local Ukrainian style was influenced by Hutsul architecture, as well as Western European trends and influences from Great Ukraine.^[143]

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  Façade of house at Elizabetes ielā, 10b, by Mikhail Eisenstein (1903)
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  Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903), now hosting Riga Jūgendstils museum
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  National Romantic decoration on a house built by Pēkšēns (1908)
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  Ministry of Education, built by Edgar Friesendorf (1911)

Riga, the present-day capital of Latvia, was at the time one of the major cities of the Russian Empire. Art Nouveau architecture in Riga nevertheless developed according to its own dynamics, and the style became overwhelmingly popular in the city. Soon after the Latvian Ethnographic Exhibition in 1896 and the Industrial and Handicrafts Exhibition in 1901, Art Nouveau became the dominant style in the city.^[144] Thus Art Nouveau architecture accounts for one-third of all the buildings in the centre of Riga, making it the city with the highest concentration of such buildings anywhere in the world. The quantity and quality of Art Nouveau architecture was among the criteria for including Riga in UNESCO World Cultural Heritage.^[145]

There were different variations of Art Nouveau architecture in Riga:

• in Eclectic Art Nouveau, floral and other nature-inspired elements of decoration were most popular. Examples of that variation are works of Mikhail Eisenstein,
• in Perpendicular Art Nouveau, geometrical ornaments were integrated into the vertical compositions of the façades. Several department stores were built in this style, and it is sometimes also referred to as "department store style" or Warenhausstil in German,
• National Romantic Art Nouveau was inspired by local folk art, monumental volumes and the use of natural building materials.

Some later Neo-Classical buildings also contained Art Nouveau details.

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  Villa Fallet with fir-inspired decoration by Le Corbusier (1904–05)
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  Crematorium (1908–1910), interior, with stylised fir tree design on ceiling. The symbolist murals by L'Epplattenier were added later.
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  Crematorium, with stylised sapin or pine cone detail
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  Crematorium, with pine cone detail

A variation called Style Sapin ('Fir-tree Style') emerged in La Chaux-de-Fonds in the Canton of Neuchâtel in Switzerland. The style was launched by the painter and artist Charles l’Eplattenier and was inspired especially by the sapin, 'fir tree', and other plants and wildlife of the Jura Mountains. One of his major works was the crematorium in the town, which featured triangular tree forms, pine cones, and other natural themes from the region. The style also blended in the more geometric stylistic elements of Jugendstil and Vienna Secession.^[146]

Another notable building in the style is the Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, a chalet designed and built in 1905 by a student of L'Epplattenier, the eighteen-year-old Le Corbusier. The form of the house was a traditional Swiss chalet, but the decoration of the façade included triangular trees and other natural features. Le Corbusier built two more chalets in the area, including the Villa Stotzer, in a more traditional chalet style.^{[147][146][148][149]}

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  Windows of the Wainwright Building in St. Louis, Missouri, by Louis Sullivan (1891)
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  Tiffany Chapel from the 1893 Word's Columbian Exposition, now in the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida
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  Glass vase by Louis Comfort Tiffany (1893–1896), now in the Cincinnati Art Museum
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  Century Magazine, poster by Louis John Rhead (1894)
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  Detail of the Prudential (Guaranty) Building in Buffalo, N.Y., by Sullivan (1896)
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  South State Street entrance to the Carson, Pirie, Scott and Company Store in Chicago, Illinois, by Sullivan (1899)
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  The Flight of Souls window by Tiffany won a gold medal at the 1900 Paris Exposition
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  Wisteria lamp by Tiffany (c. 1902), in the Virginia Museum of Fine Arts
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  National Farmer's Bank of Owatonna by Sullivan (1907–08)
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  Tiffany window in his house at Oyster Bay, N.Y. (1908)

In the United States, the firm of Louis Comfort Tiffany played a central role in American Art Nouveau. Born in 1848, he studied at the National Academy of Design in New York City, began working with glass at the age of 24, entered the family business started by his father, and in 1885 set up his own enterprise devoted to fine glass, and developed new techniques for its colouring. In 1893, he began making glass vases and bowls, again developing new techniques that allowed more original shapes and colouring, and began experimenting with decorative window glass. Layers of glass were printed, marbled and superimposed, giving an exceptional richness and variety of colour in 1895 his new works were featured in the Art Nouveau gallery of Siegfried Bing, giving him a new European clientele. After the death of his father in 1902, he took over the entire Tiffany enterprise, but still devoted much of his time to designing and manufacturing glass art objects. At the urging of Thomas Edison, he began to manufacture electric lamps with multicoloured glass shades in structures of bronze and iron, or decorated with mosaics, produced in numerous series and editions, each made with the care of a piece of jewellery. A team of designers and craftsmen worked on each product. The Tiffany lamp in particular became one of the icons of the Art Nouveau, but Tiffany's craftsmen designed and made extraordinary windows, vases, and other glass art. Tiffany's glass also had great success at the 1900 Exposition Universelle in Paris; his stained glass window called the Flight of Souls won a gold medal.^[150] The Columbian Exposition was an important venue for Tiffany; a chapel he designed was shown at the Pavilion of Art and Industry. The Tiffany Chapel, along with one of the windows of Tiffany's home in New York, are now on display at the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida.

Another important figure in American Art Nouveau was the architect Louis Sullivan. Sullivan was a leading pioneer of American modern architecture. He was the founder of the Chicago School, the architect of some of the first skyscrapers, and the teacher of Frank Lloyd Wright. His most famous saying was "Form follows function." While the form of his buildings was shaped by their function, his decoration was an example of American Art Nouveau. At the 1893 World's Columbian Exposition in Chicago, most famous for the neoclassical architecture of its renowned White City, he designed a spectacular Art Nouveau entrance for the very functional Transportation Building.^[151][152]

While the architecture of his Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (now the Sullivan Center) was strikingly modern and functional, he surrounded the windows with stylised floral decoration. He invented equally original decoration for the National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907–1908) and the Merchants' National Bank in Grinell, Iowa. He invented a specifically American variety of Art Nouveau, declaring that decorative forms should oscillate, surge, mix and derive without end. He created works of great precision which sometimes combined Gothic with Art Nouveau themes.^[153]

Also worth noting are the Uhl brothers from Toledo, Ohio, who set new standards in metal furniture production with their designs for the Toledo Metal Furniture Co.

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  Entrance of Casa de los lirios in Buenos Aires by Eduardo Rodríguez Ortega (1905)
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  No Hi Ha Somnis Impossibles building in Buenos Aires by Eduardo Rodriguez Ortega (1907)
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  Stained glass and sculptures by Ercole Pasina in Calise House in Buenos Aires (1911)
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  Galería Güemes in Buenos Aires by Francesco Gianotti (1914)
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  Confitería del Molino in Buenos Aires by Francesco Gianotti (1916)
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  Metal work, ceramics and statues at the façade of Club Español building [es] in Rosario (1912)
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  Palacio Cabanellas in Rosario by Francesc Roca i Simó (1916)
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  Palacio Barolo in Buenos Aires by Mario Palanti (1923)

Flooded with European immigrants, Argentina welcomed all artistic and architectural European styles, including Art Nouveau. There was an environment of huge investments and flexible rules for construction, which encouraged young architects from Europe to come and grow their portfolio to later go back to Europe. As a result of this, Argentina became the country outside of Europe with most art nouveau buildings.^[154] Cities with the most notable Art Nouveau heritage in Argentina are Buenos Aires, Rosario and Mar del Plata.^[155]

Paris was a prototype for Buenos Aires with the construction of large boulevards and avenues in the 19th century.^[154] The local style along with French influence was also following Italian Liberty as many architects (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) were Italians. In works of Julián García Núñez [es] Catalan influence can be noted as he completed his studies in Barcelona in 1900 as well as in the work of Eduardo Rodríguez Ortega.^[154] The influence of Vienna Secession can be found at Paso y Viamonte building, Club Español, Regimiento de Granaderos a Caballo and the Savoy hotel.^[154]

Some local features are the adaptation to the previously existent "chorizo house" format of buildings, which implied a relatively narrow façade for an actually deep building inside of the block, with multiple patios or holes for air and light; as well as the characteristic "cut corners" on every block that was a requirement by law in Buenos Aires since the end of 1800s; material availability was also different than in Europe, and buildings will often be covered of a "simil piedra París" which was an imitation of the Parisian stone made by mixing cement with sand and different minerals.

The introduction of Art Nouveau in Rosario is connected to Francisco Roca Simó [es] who trained in Barcelona.^[156] His Club Español building [es] (1912) features one of the largest stained glass windows in Latin America produced (as well as tiling and ceramics) by the local firm Buxadera, Fornells y Cía.^[157] The sculptor of the building is Diego Masana from Barcelona.^[157]

Belgian influence on Argentinian Art Nouveau is represented by the Villa Ortiz Basualdo, now hosting the Juan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata where the furniture, interiors, and lighting are by Gustave Serrurier-Bovy.

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  Théâtre municipal in Tunis, Tunisia (1902)
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  Art Nouveau/Neoclassical Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts) in Mexico City, Mexico (1904–1934)
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  An Allegorical Wedding: Sketch for a carpet (Triptych from right to left): Exile, Marriage and Redemption by Ephraim Moses Lilien (1906)
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  Goerke-Haus in Lüderitz, Namibia (1909–1910)
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  Mexico City Gran Hotel interior, built in 1918 by Jacques Grüber^[158][159]
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  Faenza Theatre in Bogotá, Colombia (1924)

As in Argentina, Art Nouveau in other countries was mostly influenced by foreign artists:

• Spaniards were behind Art Nouveau projects in Havana, Cuba, they were even not qualified enough to be called architects.^[160] Spaniards were not directly involved in works in Ponce, Puerto Rico but were an inspiration and a subject of study for local architects in the development of local styles such as Ponce Creole,^[161]
• French were behind Art Nouveau in Tunisia (that was a French protectorate then),
• Germans were behind Jugendstil heritage of Lüderitz, Namibia;^[162] Qingdao, China,
• Italians were behind Art Nouveau in Valparaíso, Chile;^[163] Montevideo, Uruguay; Rio de Janeiro, Brazil,^[164]
• Russians were behind Art Nouveau heritage of Harbin, China,^[165]
• Art Nouveau Heritage in Lima consists of work of Italians Masperi brothers, French architect Claude Sahut and British masters of stained glass^[166]
• Palacio de Bellas Artes in Mexico City was a result of the cooperation of Italians (architect Adamo Boari and sculptor Leonardo Bistolfi), local architect Federico Mariscal [es], Hungarian artists Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti and Miksa Róth, Catalan sculptor Agustí Querol Subirats and French master Edgar Brandt.^[167]

Art Nouveau motifs can also be found in French Colonial artchitechture throughout French Indochina.

A notable art movement called Bezalel school appeared in the Palestine region in dating to the late Ottoman and British Mandate periods. It has been described as "a fusion of oriental art and Jugendstil."^[168] Several artists associated with the Bezalel school were noted for their Art Nouveau style, including Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien and Abel Pann.^[169]

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  Exposure of structural elements – Hôtel Tassel, Brussels, by Victor Horta (1892–1893)
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  Coup de Fouet or whiplash motif, depicting the stems of cyclamen flowers – Wall tapestry, by Hermann Obrist (1895)
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  Functional elements transformed into ornament – Pins on the jointings of a balcony of the Castel Béranger (Rue Jean-de-La-Fontaine no. 14, Paris, by Hector Guimard (1895–1898)
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  Windows not aligned horizontally, while still looking harmonious – Castel Béranger
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  Depiction of the woman as a creature of the night, fused with the natural world – Breast ornament, by René Lalique (1898–1900), Kunstgewerbemuseum Berlin
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  Decorative stylised lettering – Grave of the Caillat Family in Père Lachaise Cemetery, Paris, by Guimard (1899)^[170]
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  Flat colours and visible outline, inspired by Japanese art – Jane Avril, by Henri de Toulouse-Lautrec (1899), multiple exemplars in different locations
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  Faded earthy colours – Poster for Pippermint, by Jules Chéret (1899), Bibliothèque nationale de France, Paris
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  Floral patterns – Lamp with Wisteria design, by Louis Comfort Tiffany (1899–1900), Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, US
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  Inspiration taken from folklore and local tradition – Chair, by Lars Kinsarvik (before 1900), Musée d'Orsay, Paris
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  Organic shapes – Carafe, unknown designer (c. 1900), in a temporary exhibition in the Municipal House, Prague
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  Flowers and plants (in this case poppies and sunflowers) – Mantel clock, by Louis Chalon, E. Colin & Cie. (c. 1900), Hessisches Landesmuseum Darmstadt, Germany
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  Horseshoe arches, present in both windows and doors, inspired by moon gates (a traditional architectural element in Chinese gardens) – Window of Strada Jules Michelet no. 21 in Bucharest, unknown architect (c. 1900)
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  Asymmetry (not just objects, but also buildings) – Inkwell, by Maurice Bouval (c. 1900), Musée d'Orsay
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  The femme fatale – Judith and the Head of Holofernes, by Gustav Klimt (1901), Österreichische Galerie Belvedere, Vienna
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  Gesamtkunstwerk (literally 'total artwork'), which refers to everything being designed to fit together, from carpets to wallpaper, and from room compartmentation to light fixtures – Design for a house of an art lover, by Charles Rennie Mackintosh and Margaret Macdonald Mackintosh (1901)
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  Combinations of rectangular shapes, straight or almost straight lines, with sinous organic shapes (like ovals that are assymetfic horizontally) - door handle of the House of Paul Verdussen (Avenue Brugmann no. 211) in Brussels, by Paul Hamesse (1901)
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  Sinous oblate arches – Windows of the Fernand Dubois House (Avenue Brugmann no. 80) in Brussels, by Horta (1901–1903)
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  Insects – Libelle ('Dragonfly'), pendant made of gold, opal, enamel, rubies and diamonds by Philippe Wolfers (1902)
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  Polychrome glazed ceramic façade ornaments – Avenue Gallieni no. 14 in Paris, by Eugène Coulon (1903–04)
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  Sinuous onion-shaped tops – Félix Potin Building (Rue de Rennes no. 140–140bis) in Paris, by Paul Auscher (1904)
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  Exotic materials and decoration – Mahogany and amourette wood cabinet with water lily decoration of gilded bronze, by Louis Majorelle (1905–1908), Fin-de-Siècle Museum, Brussels
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  Geometric lines (a key feature of the Vienna Secession and the Glasgow School) – Stoclet Palace in Brussels, by Josef Hoffmann (1905–1911)
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  Simplicity (sometimes) - Cours Léopold no. 48 in Nancy, unknown architect (1905-1907)^[171]
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  Ethereal scenes (used especially in reliefs on buildings and objects, and in posters) – Façade of Rue Perrée no. 18 in Paris, by Raymond Barbaud and Édouard Bauhain (1908)
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  Highly stylised plant motifs, nearly abstract – Balcony of the Hôtel Guimard (Avenue Mozart no. 122) in Paris, by Guimard (1909)
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  Peacocks and motifs inspired by their feathers (and sometimes other animals) – Relief above the door of Rue Octave-Feuillet no. 19 in Paris, by Maurice Du Bois d’Auberville (1910)
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  Nymphs – Relief on the Fanny and Isac Popper House (Strada Sfinților no. 1), Bucharest, by Alfred Popper (1914)^[172]

Early Art Nouveau, particularly in Belgium and France, was characterized by undulating, curving forms inspired by lilies, vines, flower stems and other natural forms, used in particular in the interiors of Victor Horta and the decoration of Louis Majorelle and Émile Gallé.^[173] It also drew upon patterns based on butterflies and dragonflies, borrowed from Japanese art, which were popular in Europe at the time.^[173]

Early Art Nouveau also often featured more stylised forms expressing movement, such as the coup de fouet or "whiplash" line, depicted in the cyclamen plants drawn by designer Hermann Obrist in 1894. A description published in Pan magazine of Hermann Obrist's wall hanging Cyclamen (1894), compared it to the "sudden violent curves generated by the crack of a whip,"^[174] The term "whiplash", though it was originally used to ridicule the style, is frequently applied to the characteristic curves employed by Art Nouveau artists.^[174] Such decorative undulating and flowing lines in a syncopated rhythm and asymmetrical shape, are often found in the architecture, painting, sculpture, and other forms of Art Nouveau design.^[174]

Other floral forms were popular, inspired by lilies, wisteria and other flowers, particularly in the lamps of Louis Comfort Tiffany and the glass objects made by the artists of the School of Nancy and Émile Gallé. Other curving and undulating forms borrowed from nature included butterflies, peacocks, swans, and water lilies. Many designs depicted women's hair intertwined with stems of lilies, irises and other flowers.^[175] Stylised floral forms were particularly used by Victor Horta in carpets, balustrades, windows, and furniture. They were also used extensively by Hector Guimard for balustrades, and, most famously, for the lamps and railings at the entrances of the Paris Metro. Guimard explained: "That which must be avoided in everything that is continuous is the parallel and symmetry. Nature is the greatest builder and nature makes nothing that is parallel and nothing that is symmetrical."^[176]

Earlier Art Nouveau furniture, such as that made by Louis Majorelle and Henry van de Velde, was characterized by the use of exotic and expensive materials, including mahogany with inlays of precious woods and trim, and curving forms without right angles. It gave a sensation of lightness.

In the second phase of Art Nouveau, following 1900, the decoration became purer and the lines were more stylised. The curving lines and forms evolved into polygons and then into cubes and other geometric forms. These geometric forms were used with particular effect in the architecture and furniture of Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser and Josef Hoffmann, especially the Stoclet Palace in Brussels, which announced the arrival of Art Deco and modernism.^[89][90][91]

Another characteristic of Art Nouveau architecture was the use of light, by opening up of interior spaces, by the removal of walls, and the extensive use of skylights to bring a maximum amount of light into the interior. Victor Horta's residence-studio and other houses built by him had extensive skylights, supported on curving iron frames. In the Hotel Tassel he removed the traditional walls around the stairway, so that the stairs became a central element of the interior design.

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  Mix of Art Nouveau and Rococo Revival – Jardinière, with a shape that is similar with that of Rococo ones (c. 1900), private collection
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  Mix of Art Nouveau and Gothic Revival – Rue Gustave-Lemaire no. 51 in Dunkerque, France, with pointed arched-dormer windows and balcony loggia, unknown architect, decorated with sculptures by Maurice Ringot (1903–1910)^[177]
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  Mix of Art Nouveau and Egyptian Revival – Round corner window of the Romulus Porescu House (Strada Doctor Paleologu no. 12) in Bucharest, decorated with lotus flowers, a motif used frequently in Ancient Egyptian art, designed by Dimitrie Maimarolu (1905)^[178]
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  Mix of Art Nouveau and Beaux Arts architecture – Entrance of Rue Georges-Berger no. 10 in Paris, with a structure, proportions and materials used widely in Beaux Arts architecture, by Jacques Hermant (1906)
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  Mix of Art Nouveau and Neoclassicism – Laurel wreath, a motif taken from Greco-Roman antiquity, on a façade of the Czech Technical University (Trojanova no. 11) in Prague, designed by František Schlaffer (1907)

As an art style, Art Nouveau has affinities with the Pre-Raphaelites and the Symbolist styles, and artists like Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt and Jan Toorop could be classed in more than one of these styles. Unlike Symbolist painting, however, Art Nouveau has a distinctive appearance; and, unlike the artisan-oriented Arts and Crafts movement, Art Nouveau artists readily used new materials, machined surfaces, and abstraction in the service of pure design.

Art Nouveau did not eschew the use of machines, as the Arts and Crafts movement did. For sculpture, the principal materials employed were glass and wrought iron, resulting in sculptural qualities even in architecture. Ceramics were also employed in creating editions of sculptures by artists such as Auguste Rodin.^[179] though his sculpture is not considered Art Nouveau.

Art Nouveau architecture made use of many technological innovations of the late 19th century, especially the use of exposed iron and large, irregularly shaped pieces of glass for architecture.

Art Nouveau tendencies were also absorbed into local styles. In Denmark, for example, it was one aspect of Skønvirke ('Aesthetic work'), which itself more closely relates to the Arts and Crafts style.^[180][181] Likewise, artists adopted many of the floral and organic motifs of Art Nouveau into the Młoda Polska ('Young Poland') style in Poland.^[182] Młoda Polska, however, was also inclusive of other artistic styles and encompassed a broader approach to art, literature, and lifestyle.^[183]

Architecturally, Art Nouveau has affinities with styles that, although modern, exist outside the modernist tradition established by architects like Walter Gropius and Le Corbusier. It is particularly closely related to Expressionist architecture, which shares its preference for organic shapes, but grew out of an intellectual dissatisfaction with Art Nouveau's approach to ornamentation. As opposed to Art Nouveau's focus on plants and vegetal motifs, Expressionism takes inspiration from things like caves, mountains, lightning, crystal, and rock formations.^[184] Another style conceived as a reaction to Art Nouveau was Art Deco, which rejected organic surfaces altogether in preference for a rectilinear style derived from the contemporary artistic avant-garde.

Art Nouveau is represented in painting and sculpture, but it is most prominent in architecture and the decorative arts. It was well-suited to the graphic arts, especially the poster, interior design, metal and glass art, jewellery, furniture design, ceramics and textiles.

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  The Peacock Skirt, by Aubrey Beardsley (1892)
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  Divan Japonais lithograph by Henri de Toulouse-Lautrec (1892–93)
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  Poster for Grafton Galleries by Eugène Grasset (1893)
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  Poster for The Chap-Book by Will H. Bradley (1895)
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  Poster for Rayon d'Or by Jean de Paléologue ("Pal") (1895)
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  Biscuits Lefèvre-Utile by Alphonse Mucha (1896)
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  Zodiac Calendar by Mucha (1896)
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  Motocycles Comiot by Théophile-Alexandre Steinlen from Les Maîtres de l'affiche (1899)
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  Mir iskusstva cover by Maria Yakunchikova (1899)
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  Ver Sacrum illustration by Koloman Moser (1899)
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  Illustration from Ver Sacrum by Moser (1900)
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  Festival poster by Ludwig Hohlwein (1910)

The graphic arts flourished in the Art Nouveau period, thanks to new technologies of printing, particularly colour lithography, which allowed the mass production of colour posters. Art was no longer confined to galleries, museums and salons; it could be found on Paris walls, and in illustrated art magazines, which circulated throughout Europe and to the United States. The most popular theme of Art Nouveau posters was women; women symbolizing glamour, modernity and beauty, often surrounded by flowers.

In Britain, the leading graphic artist in the Art Nouveau style was Aubrey Beardsley (1872–1898). He began with engraved book illustrations for Le Morte d'Arthur, then black and white illustrations for Salome by Oscar Wilde (1893), which brought him fame. In the same year, he began engraving illustrations and posters for the art magazine The Studio, which helped publicize European artists such as Fernand Khnopff in Britain. The curving lines and intricate floral patterns attracted as much attention as the text.^[185]

The Swiss-French artist Eugène Grasset (1845–1917) was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat noir in 1885 and made his first posters for the Fêtes de Paris. He made a celebrated poster of Sarah Bernhardt in 1890, and a wide variety of book illustrations. The artist-designers Jules Chéret, Georges de Feure and the painter Henri de Toulouse-Lautrec all made posters for Paris theaters, cafés, dance halls cabarets. The Czech artist Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895 made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda by Victorien Sardou. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. Over the next four years, he also designed sets, costumes, and even jewellery for the actress.^[186][187] Based on the success of his theater posters, Mucha made posters for a variety of products, ranging from cigarettes and soap to beer biscuits, all featuring an idealized female figure with an hourglass figure. He went on to design products, from jewellery to biscuit boxes, in his distinctive style.^[188]

In Vienna, the most prolific designer of graphics and posters was Koloman Moser (1868–1918), who actively participated in the Secession movement with Gustav Klimt and Josef Hoffmann, and made illustrations and covers for the magazine of the movement, Ver Sacrum, as well as paintings, furniture and decoration.^[189]

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  Le Corsage rayé by Édouard Vuillard (1895), National Gallery of Art
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  Women at the Spring by Paul Sérusier (1898), Musée d'Orsay
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  Beethoven Frieze in the Sezessionshaus in Vienna by Gustav Klimt (1902)
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  Watercolour and ink painting of Loïe Fuller dancing, by Koloman Moser (1902)
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  Six-winged Seraph (Azrael) by Mikhail Vrubel (1904)
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  Sgraffito by Paul Cauchie on his residence and studio, Brussels (1905)
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  Detail of the frieze by Klimt in the Stoclet Palace, Brussels (1905–1911)
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  Slavia by Alphonse Mucha (1908)

Painting was another domain of Art Nouveau, though most painters associated with Art Nouveau are primarily described as members of other movements, particularly Post-Impressionism and symbolism. Alphonse Mucha was famous for his Art Nouveau posters, which frustrated him. According to his son and biographer, Jiří Mucha, he did not think much of Art Nouveau. "What is it, Art Nouveau? he asked. "... Art can never be new."^[190] He took the greatest pride in his work as a history painter. His Art Nouveau-inspired painting Slava is a portrait of the daughter of his patron in Slavic costume, which was modelled after his theatrical posters.^[190]

The painters most closely associated with Art Nouveau were Les Nabis, post-impressionist artists who were active in Paris from 1888 until 1900. One of their stated goals was to break down the barrier between the fine arts and the decorative arts. They painted not only canvases, but also decorative screens and panels. Many of their works were influenced by the aesthetics of Japanese prints. The members included Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, and Paul Sérusier.^[191]

The Austrian painter Gustav Klimt was an exponent of Art Nouveau painting, and more specifically a representative of the Modernist movement of the Viennese Secession. Klimt painted canvases and murals in an ornate personal style, which he also expressed through handicrafts, such as those found in the Viennese Secession Gallery. Klimt found one of his most recurring sources of inspiration in the female nude. His works are sensual, with a naturalistic, individual, organic style, inspired by nature following the decorative style of Gaudí.

The Catalan modernist painters (Ramón Casas, Santiago Rusiñol, Aleix Clapés, Joaquim Sunyer, Hermenegildo Anglada Camarasa, Juan Brull, Ricard Canals, Javier Gosé, Josep Maria Sert, Miguel Utrillo, etc.), closely connected with the avant-garde in Paris, and hugely influenced by Antoni Gaudí, had in the Els Quatre Gats tavern their meeting place. Pablo Picasso came out of the group.

Disciples of Anglada Camarasa were the Argentines Gregorio López Naguil, Tito Cittadini and Raúl Mazza who were responsible for carrying art nouveau painting to South America

In Belgium, Fernand Khnopff worked in both painting and graphic design. Wall murals by Gustav Klimt were integrated into decorative scheme of Josef Hoffmann for the Stoclet Palace (1905–1911). The Klimt mural for the dining room at the Stoclet Palace is considered a masterpiece of late Art Nouveau.

One subject did appear both in traditional painting and Art Nouveau; the American dancer Loie Fuller, was portrayed by French and Austrian painters and poster artists.^[44]

One particular style that became popular in the Art Nouveau period, especially in Brussels, was sgraffito, a technique invented in the Renaissance of applying layers of tinted plaster to make murals on the façades of houses. This was used in particular by Belgian architect Paul Hankar for the houses he built for two artist friends, Paul Cauchie and Albert Ciamberlani.

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  Par une telle nuit cup by Émile Gallé (1894)
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  Au Nouveau Cirque, Papa Chrysanthème by Henri de Toulouse-Lautrec and Louis Comfort Tiffany (c. 1894), stained glass, Musée d'Orsay, Paris
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  Blown glass with flower design by Karl Koepping (1896)
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  Daum vase (1900)
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  Daum lamp (1900)
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  Lily lamp by Tiffany (1900–1910)
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  Rose de France cup by Gallé (1901)
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  Window for the House of an Art Lover, by Margaret Macdonald Mackintosh (1901)
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  Lampe aux ombelles by Gallé (c. 1902)
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  Stained glass windows by Koloman Moser for the Church of St. Leopold, Vienna (1902–1907)
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  Architecture stained glass window by John La Farge (1903)
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  Stained glass window Veranda de la Salle by Jacques Grüber in Nancy, France (1904)
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  Iridescent vase by Tiffany (1904)
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  Glass designed by Otto Prutscher (1909)
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  Jack-in-the-pulpit vase by Tiffany (c. 1913)^[192]

Glass art was a medium in which Art Nouveau found new and varied ways of expression. Intense amount of experimentation went on, particularly in France, to find new effects of transparency and opacity: in engraving win cameo, double layers, and acid engraving, a technique that permitted production in series. The city of Nancy became an important centre for the French glass industry, and the workshops of Émile Gallé and the Daum studio, led by Auguste and Antonin Daum, were located there. They worked with many notable designers, including Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (illustrateur) [fr], and Amalric Walter. They developed a new method of incrusting glass by pressing fragments of different coloured glass into the unfinished piece. They often collaborated with the furniture designer Louis Majorelle, whose home and workshops were in Nancy. Another feature of Art Nouveau was the use of stained glass windows with that style of floral themes in residential salons, particularly in the Art Nouveau houses in Nancy. Many were the work of Jacques Grüber, who made windows for the Villa Majorelle and other houses.^[193]

In Belgium, the leading firm was the glass factory of Val Saint Lambert, which created vases in organic and floral forms, many of them designed by Philippe Wolfers. Wolfers was noted particularly for creating works of symbolist glass, often with metal decoration attached. In Bohemia, then a region of the Austro-Hungarian Empire noted for crystal manufacture, the companies J. & L. Lobmeyr and Joh. Loetz Witwe also experimented with new colouring techniques, producing more vivid and richer colours. In Germany, experimentation was led by Karl Köpping, who used blown glass to create extremely delicate glasses in the form of flowers; so delicate that few survive today.^[194]

In Vienna, the glass designs of the Secession movement were much more geometrical than those of France or Belgium; Otto Prutscher was the most rigorous glass designer of the movement.^[194] In Britain, a number of floral stained glass designs were created by Margaret Macdonald Mackintosh for the architectural display called The House of an Art Lover.

In the United States, Louis Comfort Tiffany and his designers became particularly famous for their lamps, whose glass shades used common floral themes intricately pieced together. Tiffany lamps gained popularity after the World's Columbian Exposition in Chicago in 1893, where Tiffany displayed his lamps in a Byzantine-like chapel. Tiffany experimented extensively with the processes of colouring glass, patenting in 1894 the process Favrile glass, which used metallic oxides to colour the interior of the molten glass, giving it an iridescent effect. His workshops produced several different series of the Tiffany lamp in different floral designs, along with stained glass windows, screens, vases and a range of decorative objects. His works were first imported to Germany, then to France by Siegfried Bing, and then became one of the decorative sensations of the 1900 Exposition. An American rival to Tiffany, Steuben Glass, was founded in 1903 in Corning, N.Y., by Frederick Carder, who, like Tiffany, used the Fevrile process to create surfaces with iridescent colours. Another notable American glass artist was John La Farge, who created intricate and colourful stained glass windows on both religious and purely decorative themes.^[194]

Examples of stained glass windows in churches can be found in the Art Nouveau religious buildings article.

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  Wrought iron balcony of Castel Béranger in Paris, by Hector Guimard (1897–98)
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  Tulip candelabra by Fernand Dubois (1899)
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  Cast iron Baluster by George Grant Elmslie (1899–1904)
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  Chocolate pot with a molinet (stirring rod) by Lucien Bonvallet made of silver, ivory and palmwood (c. 1900)
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  Teapot by Alphonse Debain made of gilt silver and ivory (1900)
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  Paris Métro balustrade plaque by Guimard (1900)
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  Table Lamp by François-Raoul Larche in gilt bronze, with the dancer Loïe Fuller as model (1901)
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  Wrought iron balconies of the Saint-Cyr House in Brussels, by Gustave Strauven (1901–1903)
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  Light fixture by Victor Horta (1903)
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  Lamp by German architect Friedrich Adler (1903–04)
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  Lamp by Ernst Riegel made of silver and malachite (1905)
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  Gate of Villa Knopf in Strasbourg, France (1905)
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  Bat goblet by Henri Husson made of embossed and hammered copper, gold and silver applications (c. 1909)
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  Door detail of Hauptstraße no. 11 in Berlin (unknown date)

The 19th-century architectural theorist Viollet-le-Duc had advocated showing, rather than concealing the iron frameworks of modern buildings, but Art Nouveau architects Victor Horta and Hector Guimard went a step further: they added iron decoration in curves inspired by floral and vegetal forms both in the interiors and exteriors of their buildings. They took the form of stairway railings in the interior, light fixtures, and other details in the interior, and balconies and other ornaments on the exterior. These became some of the most distinctive features of Art Nouveau architecture. The use of metal decoration in vegetal forms soon also appeared in silverware, lamps, and other decorative items.^[195]

In the United States, the designer George Grant Elmslie made extremely intricate cast iron designs for the balustrades and other interior decoration of the buildings of Chicago architect Louis Sullivan.

While French and American designers used floral and vegetal forms, Joseph Maria Olbrich and the other Secession artists designed teapots and other metal objects in a more geometric and sober style.^[196]

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  Dragonfly Lady brooch by René Lalique, made of gold, enamel, chrysoprase, moonstone, and diamonds (1897–98)
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  Carved horn decorated with pearls, by Louis Aucoc (c. 1900)
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  Translucent enamel flowers with small diamonds in the veins, by Aucoc (c. 1900)
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  Flora brooch by Aucoc (c. 1900)
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  A corsage ornament by Philippe Wolfers (1900)
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  Brooch with woman by Lalique
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  Necklace by Charles Robert Ashbee (1901)
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  Niké brooch by Wolfers (1902), collection King Baudouin Foundation, depot: KMKG-MRAH
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  Brooch of horn with enamel, gold and aquamarine by Paul Follot (1904–1909)
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  Bay Tree Fabergé egg (1911)

Art Nouveau jewellery's characteristics include subtle curves and lines. Its design often features natural objects including flowers, animals or birds. The female body is also popular often appearing on cameos. It frequently included long necklaces made of pearls or sterling-silver chains punctuated by glass beads or ending in a silver or gold pendant, itself often designed as an ornament to hold a single, faceted jewel of amethyst, peridot, or citrine.^[197]

Art Nouveau jewellery is distinguished by its extensive use of detailed, symbolic motifs that embody the movement's deep connection to nature and mythology. Predominant motifs include the ethereal forms of dragonflies and peacocks, which symbolise transformation and beauty, and the detailed depictions of plants and flowers, highlighting nature's cyclicality and growth. Intricately designed insects like butterflies and scarabs, often rendered with meticulous enamelling, add a layer of mysticism, symbolising rebirth and protection. This style also frequently featured sinuous figures of women, suggesting sensuality and the connection to the earth. More ominous figures such as snakes and mythical creatures like Medusas and chimeras were used to evoke the darker aspects of the natural and mythical worlds. The use of these motifs was not merely for embellishment; each was imbued with meanings, reflecting Art Nouveau's philosophy of integrating art, nature, and spiritual symbolism.^[198]

The Art Nouveau period brought a notable stylistic revolution to the jewellery industry, led largely by the major firms in Paris. For the previous two centuries, the emphasis in fine jewellery had been creating dramatic settings for diamonds. During the reign of Art Nouveau, diamonds usually played a supporting role. Jewellers experimented with a wide variety of other stones, including agate, garnet, opal, moonstone, aquamarine and other semi-precious stones, and with a wide variety of new techniques, among others enamelling, and new materials, including horn, moulded glass, and ivory. These materials allowed them to create organic forms and intricate details, highlighting the era's departure from traditional jewellery design towards more artistic and expressive creations. Techniques like plique-à-jour enamelling were employed to achieve translucent effects akin to stained glass, adding depth and luminosity to their pieces.^[199]

Early notable Paris jewellers in the Art Nouveau style included Louis Aucoc, whose family jewellery firm dated to 1821. The most famous designer of the Art Nouveau period, René Lalique, served his apprenticeship in the Aucoc studio from 1874 to 1876. Lalique became a central figure of Art Nouveau jewellery and glass, using nature, from dragonflies to grasses, as his models. Artists from outside of the traditional world of jewellery, such as Paul Follot, best known as a furniture designer, experimented with jewellery designs. Other notable French Art Nouveau jewellery designers included Jules Brateau and Georges Henry. In the United States, the most famous designer was Louis Comfort Tiffany, whose work was shown at the shop of Siegfried Bing and also at the 1900 Paris Exposition. Siegfried Bing's Paris gallery, Maison de l'Art Nouveau, played a pivotal role in promoting Art Nouveau jewellery. By showcasing works from avant-garde jewellers like René Lalique, Henri Vever, and Edward Colonna, Bing elevated jewellery to the status of fine art and fostered international appreciation for the style.^[200]

In Britain, the most prominent figure was the Liberty & Co. & Cymric designer Archibald Knox, who made a variety of Art Nouveau pieces, including silver belt buckles. C. R. Ashbee designed pendants in the shapes of peacocks. The versatile Glasgow designer Charles Rennie Mackintosh also made jewellery, using traditional Celtic symbols. In Germany, the centre for Jugendstil jewellery was the city of Pforzheim, where most of the German firms, including Theodor Fahrner, were located. They quickly produced works to meet the demand for the new style.^[197]

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  Entrance of Hôtel Solvay in Brussels by Victor Horta (1895–1900)
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  Thistles and curve-lined mascarons in decoration of Les Chardons building in Paris by Charles Klein (1903)
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  Whiplash motifs at Vitebsky railway station in Saint Petersburg by Sima Mihash and Stanislav Brzozowski (1904)
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  One of the mascarons made by Adamo Boari in the façade of the Palacio de Bellas Artes in Mexico City (1904–1934)
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  Asymmetric façade with curved lines of De Beck building in Brussels by Gustave Strauven (1905)
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  Irises and mascaron at the façade of Schichtel building in Strasbourg, France, by Aloys Walter (1905–06)
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  Jugendstil straight-lined mascaron in Riga (1906)
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  Relief on the façade of the Fanny and Isac Popper House (Strada Sfinților no. 1) in Bucharest, designed by Alfred Popper (1914)^[172]

Art Nouveau architecture was a reaction against the eclectic styles that dominated European architecture in the second half of the 19th century. It was expressed through decoration: either ornamental (based on flowers and plants, e.g. thistles,^[201] irises,^[202] cyclamens, orchids, water lilies etc.) or sculptural (see the respective section below). While faces of people (or mascarons) are referred to ornament, the use of people in different forms of sculpture (statues and reliefs: see the respective section below) was also common in some forms of Art Nouveau. Before Vienna Secession, Jugendstil and the various forms of the National romantic style façades were asymmetrical, and often decorated with polychrome ceramic tiles. The decoration usually suggested movement; there was no distinction between the structure and the ornament.^[203] A curling or "whiplash" motif, based on the forms of plants and flowers, was widely used in the early Art Nouveau, but decoration became more abstract and symmetrical in Vienna Secession and other later versions of the style, as in the Stoclet Palace in Brussels (1905–1911).^[204]

The style first appeared in Brussels' Hankar House by Paul Hankar (1893) and Hôtel Tassel (1892–93) of Victor Horta. The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). Horta and Guimard also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations of the new Paris Métro, which opened in 1900. Though few of the originals survived, these became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building façades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Bow windows were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighbourhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, around the Villa Majorelle (1901–02), the residence of the furniture designer Louis Majorelle. It was designed by Henri Sauvage as a showcase for Majorelle's furniture designs.^[203]

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  Spiral staircase in Maison and Atelier Horta in Brussels by Victor Horta (1898–1901)
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  Entrance buildings in Parc Güell, Barcelona, by Antoni Gaudí (1900–1914)
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  Interior of Palau de la Música Catalana in Barcelona (1905–1909)
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  Detail of the Stoclet Palace in Brussels (1905–1911)

Many Art Nouveau buildings were included in UNESCO World Cultural Heritage list as a part of their city centres (in Bern, Budapest, Lviv, Paris, Porto, Prague, Riga, Saint Petersburg, Strasbourg (Neustadt), Vienna). Along with them, there were buildings that were included in the list as separate objects:

•  Belgium: the works of Victor Horta (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison and Atelier Horta)^[5] and the Stoclet Palace by Josef Hoffmann in Brussels;
•  Spain: the works of Lluís Domènech i Montaner^[121] (Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau in Barcelona), and the works of Antoni Gaudí^[205] (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens in Barcelona; Colònia Güell in Santa Coloma de Cervelló).

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  High-relief of swans and statues in the interior of Aarhus Theatre, Denmark, by Karl Hansen Reistrup (1897–1900)
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  Dancer with a Scarf, made for the Manufacture nationale de Sèvres, France, by Agathon Léonard (1898)
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  Bust decorating the balconies of 29 avenue Rapp, Paris, by Alexandre Bigot and Jean-Baptiste Larrivé [fr] (1901)
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  High-relief of owls in Katajanokka (Helsinki) by Georg Wasastjerna (1903)
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  Sculpture in Nancy, France, by Ernest Bussière
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  Atlantes, caryatids at Sankt-Mang-Brunnen in Kempten, Germany, by Georg Wrba (1905)
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  Bear statue at the National Museum of Finland in Helsinki by Emil Wikström (1905–1910)
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  Bas-relief in Sprudelhof, Bad Nauheim, Germany, by Heinrich Jobst (1905–1911)
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  Monument to Siege of Zaragoza by Agustí Querol Subirats (1908)
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  Ceramic relief and statue in Hradec Králové, Czech Republic, by Stanislav Sucharda (1909–1912)
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  Gargoyle in Tortosa, Catalonia, Spain, by Josep Plantada i Artiga (1915)
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  Ceramic putti in the Municipal Music Conservatory of Barcelona by Eusebi Arnau (1916–1928)

Sculpture was another form of expression for Art Nouveau artists, crossing with ceramics sometimes. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard won recognition both in ceramics and in sculpture at the Paris Exposition in 1900. Sculptors of other countries also created ceramic sculptures: Bohemian Stanislav Sucharda and Ladislav Šaloun, Belgian Charles Van der Stappen and Catalan Lambert Escaler [ca], who created statues of polychrome terracotta. Another notable sculptor of that time was Agustí Querol Subirats from Catalonia who created statues in Spain, Mexico, Argentina, and Cuba.^[206]

In architectural sculpture not only statues but also reliefs were used. Art Nouveau architects and sculptors found inspiration in animal motifs (butterflies,^[207] peacocks,^[208] swans,^[209] owls,^[210] bats,^[211] dragons,^[212] bears^[213]). Atlantes,^[214] caryatids,^[215] putti,^[216] and gargoyles^[217] were also used.

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  Chair by Rupert Carabin (1895)
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  Chair by Henry van de Velde (1896)
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  Chair by Charles Rennie Mackintosh (1897–1900)
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  Stool by Paul Hankar (1898)
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  Chair by Charles Rohlfs (1898–99)
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  Wardrobe by Richard Riemerschmid (1902)
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  Snail chair and other furniture by Carlo Bugatti (1902)
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  Furniture from Turin by Victor Horta (1902), in the collection of the King Baudouin Foundation
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  Furniture set by Horta from the Hôtel Aubecq in Brussels (1902–1904)
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  Chair by Gaspar Homar (1903)
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  Dining room by Eugène Vallin (1903)
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  A bedroom by Louis Majorelle (1903–04)
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  Dawn and Dusk bed by Émile Gallé (1904)
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  Adjustable armchair Model 670 Sitting Machine designed by Josef Hoffmann (1904–1906)
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  TOLEDO UHL steel chair "SODA FOUNTAIN" from 1910, Ohio

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé and Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d'art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of marquetry in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin and Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers.

Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; and Georges de Feure, Eugène Gaillard, and Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for "abstract naturalism", its unity of straight and curved lines, and its rococo influence. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolism. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, and Alexandre Charpentier.^[218] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rococo furniture were re-interpreted in a new style.^[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau movement, Victor Horta and Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Arts and Crafts movement, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.^[219] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens and the Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier style.^[220]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí and the Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.^[136]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, N.Y., whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art and Gothic art, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.^[136]

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  Glazed earthenware vase, by Émile Gallé (1880–1885), Metropolitan Museum of Art, New York City
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  Faience or earthenware vase with two feet, with mountain night scene on the back and a floral daylight scene with butterfly on the front, by Gallé (1884–85), Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum, New York City
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  Plate with peacock feathers, by Auguste Delaherche (1887–1894), Museum of Decorative Arts, Paris
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  Hand-painted tile panel on the façade of the Grande Maison de Blanc in Brussels, designed by Privat Livemont and made by the Boch Frères Kéramis (1897–98)^[221]
• 
  Amphora with elm-leaf and blackberry, manufactured by Stellmacher & Kessner (c. 1900), Museum of Applied Arts, Budapest
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  Vase, by József Rippl-Rónai (1900), in the Museum of Applied Arts, Budapest
• 
  Vase with vines and snails, by Pál Horti (1900), Museum of Applied Arts, Budapest
• 
  Ceramic façade decoration of Lavirotte Building (Avenue Rapp no. 29) in Paris, designed by Jules Lavirotte and decorated with sculpture and ceramic tiles made by the ceramics manufacturer Alexandre Bigot (1901)
• 
  The Scarf Dance, by Agathon Léonard (1901–02), Art Institute of Chicago, US
• 
  Tiles in the hallway of Allée de la Robertsau no. 56 in Strasbourg, France, designed by Frantz Lütke and Heinrich Backes (1902)^[222]
• 
  Vase, by Edmond Lachenal (1902), Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Mosaics of the Schmidl Mausoleum in Budapest by the Zsolnay factory and Miksa Róth (1902–03)
• 
  Mistletoe vase, by Artus Van Briggle for Van Briggle Pottery (1904), Metropolitan Museum of Art
• 
  Fireplace mantel, attributed to Émile Müller (c. 1904), Museum of Decorative Arts, Paris
• 
  Facade of Avenue Charles-de-Gaulle no. 43, Nevers, France, by Georges-Théodore Renaud (architect) and Alexandre Bigot (ceramist) (1905)^[223]
• 
  Polychrome tiled stove in the Mița the Cyclist House (Strada Biserica Amzei no. 9) in Bucharest, by Nicolae C. Mihăescu (1908)^[224]
• 
  Panel on the façade of Genval railway station in Rixensart, Belgium, designed by architect G. De Lulle (1910)

Ceramic art, including faience, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider art pottery movement. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional stoneware (grés) methods and reinvented them with new motifs.^[225]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte and Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectural ceramics, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.^[225]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou and Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germany, and Doulton in Britain. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr] and Auguste Delaherche.^[226]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

The Zsolnay factory in Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, then at the 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a Grand Prix. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.^[227]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

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  Maiolica mural of Abramtsevo Colony, Russia (1870s–1890s)
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  Majolica House in Vienna by Otto Wagner (1898)
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  Majolica fireplace, house of Bazhanov, Abramtsevo Colony, by Mikhail Vrubel (1898)
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  Mosaics of Fox and Anchor pub in London by William James Neatby (1898)
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  Mosaic which portrays summer as a woman, with a neo-Byzantine golden background, in Antwerp, Belgium
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  Mosaics designed by Oskar Graf for Merkel’sches Schwimmbad [de] in Esslingen am Neckar, Germany (1905–1907)
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  Mandylion by Nicholas Roerich in Talashkino, Russia (1908–1914)^[228]
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  Mosaic floors in Quai Duguay-Trouin no. 30 in Rennes, France, designed by Emmanuel Le Ray (c. 1910)
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  Mosaics for Palace of Culture in Târgu Mureș, Romania by Aladár Körösfői-Kriesch and Miksa Róth (1911–1913)
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  Trencadís mosaics in Park Güell, Barcelona, by Antoni Gaudí (1914)
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  Mosaics by Louis Comfort Tiffany (1915)

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernisme (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera and many others). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Colourful Maiolica tile in floral designs were a distinctive feature of the Majolica House in Vienna by Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Abramtsevo Colony, especially those by Mikhail Vrubel.

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  Silk and wool tapestry design, Cyclamen, by Hermann Obrist, an early example of the Whiplash motif based on the stem of a cyclamen flower (1895)
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  Page on the Water Lily, from the book by Eugène Grasset on ornamental uses of flowers (1899)
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  Textile design by Koloman Moser (1899)
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  Printed cotton from the Silver Studio, for Liberty department store (1904)
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  The Shepherd tapestry by János Vaszary (1906) combined Art Nouveau motifs and a traditional Hungarian folk theme
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  A carpet by Victor Horta in the collection of the King Baudouin Foundation

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Arts and Crafts movement and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty department store in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Silver Studio, which provided colourful stylised floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgow School, and Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylised eggs, geometric forms and the "Rose of Glasgow".

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the "whiplash" style based on flower stems, which became a major motif of the style. The Belgian Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d'Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin and of the Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batik patterns from the Dutch colonies in the East Indies. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe and Frida Hansen in Norway. The Five Swans design of Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.^[229]

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

• Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with a large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
• House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphonse Mucha museum are Art Nouveau monuments);
• Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
• Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

Criticized for "its primitive extravagances", Art Nouveau started to fade away after 1911.^[233] In histories of European architecture in the 20th century, from the 1930s to the 1950s, influential historians, like Nikolaus Pevsner, Sigfried Giedion and Henry-Russell Hitchcock, did not take Art Nouveau into consideration. This left the first versions of Pevsner's The Genius of European Architecture without a mention of Hector Guimard or Antoni Gaudí. The first major works dealing with Art Nouveau were published at the end of the 1950s, with Johnny Watser.

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  Entry for the House for an art lover competition, by Charles Rennie Mackintosh (1900)^[234]
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  Secessionist exterior of the Bazil Assan House (Strada Scaune no. 21–23, currently Strada Tudor Arghezi) in Bucharest, by Marcel Kammerer (1902–1911), demolished in the late 1950s or the 1960s to make space for the National Theatre Bucharest^[235]
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  Secessionist façade of the Stoclet Palace in Brussels, by Josef Hoffmann (1905–1911)^[236]
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  Secessionist putto with two cornucopias with floral cascades, very similar to the ones found in a lot of Art Deco of the 1910s and 1920s, by Michael Powolny, designed in c. 1907, produced in 1912, ceramic, Kunstgewerbemuseum Berlin^[237]
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  Via Statuto no. 12 (Art Deco) in Milan, Italy, by Giovanni Greppi (1919), similar to Charles Rennie Mackintosh's buildings
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  Art Deco door with spirals and sinuous lines, of the Mihai Zisman House (Calea Călărașilor no. 44) in Bucharest, by Soru (1920)
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  Art Deco Rolls Royce radiator figurine, similar to Art Nouveau ethereal figures of women in graceful wavy garments, designed by Charles Robinson Sykes (1920s), in the Antique and Classic Car Museum, Torre Loizaga, Galdames, Spain
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  Art Deco museum design, similar to Josef Hoffmann's Secessionist buildings, part of a series of sketches known as Une cité moderne, by Robert Mallet-Stevens (1922)
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  Art Deco balconies with sinuous bases of Avenue Richerand no. 1 in Paris, unknown architect (c. 1930)
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  Sinuous curves on the façade of Avenue Montaigne no. 26 in Paris, by Louis Duhayon and Marcel Julien (1937)^[238]

Art Nouveau was one of the factors that led to Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to create a new modern style around 1910. This is because Art Nouveau broke the supremacy of 19th-century revivalism and eclecticism, opposing academic conventions. Through its various manifestations, it invented new ornamental systems, no longer dependent on historical formulae, through curvy plant forms in most of the world, geometric decoration in Austria-Hungary and the UK, and reinterpretations of national tradition in the countries of Northern, Central and Eastern Europe. The idea of creating a new style, with new ornaments and shapes, was a significant contribution that Art Nouveau brought to the invention of Art Deco. Another aspect taken from Art Nouveau is the emphasis put on domestic luxury.

Some of the fine details and sinuous lines of Art Nouveau are also found in Art Deco architecture and design of the 1920s, but slightly simplified. Similarly, the flat colours and visible outlines popularized by Art Nouveau posters are very often used in Art Deco illustration. Compared to many Art Nouveau designs, where the vegetal motifs seem to grow and morph on the object or architectural ornament, most Art Deco works have a clear compositional structure, similar to Neoclassicism.

Aside from ideas taken from Franco-Belgian Art Nouveau, influence came also from the geometric motifs and volumes found in the UK and Vienna. The flowers, spirals and squares found here are very similar to the ones found in Art Deco. Charles Rennie Mackintosh even anticipated Art Deco forms in his later creations. One of the Secessionist works that best anticipates the style is the Stoclet Palace in Brussels, with its ziggurat-shaped setbacks, the vertical slit of the staircase window, and the overall simplicity and modest ornamentation.^[239]

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  Cover of the San Francisco Oracle, vol. 1, no. 5, from facsimile edition, an example of a psychedelic rock poster, unknown author (1966 or 1967)
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  Kalandestraat no. 1 in Ghent, Belgium, by Denis Van Impe and Colette Van Vynckt (1980)^[240]
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  Waseda El Dorado in Tokyo by Von Jour Caux (1983)
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  Hundertwasserhaus in Vienna by Friedensreich Hundertwasser (1983–1985)
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  Strada Dimitrie Racoița in Bucharest, unknown architect (c. 2010)
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  Gustav Klimt's The Kiss printed on various objects in the window of a shop in Salzburg, Austria (2019)

During the 1960s, Postmodernism was born. This was and is a movement that questions Modernism (the status quo after World War II), and promoted the inclusion and reinterpretation of elements of historic styles in new designs. Although several international exhibitions on Art Nouveau happened in the 1950s, a successful revival appeared in the 1960s, and especially in the 1970s with the rise of Postmodernism. Aside from exhibitions, this revival might be connected with the "flower power" generation that set the tone at the time recognized its own life ideals in the floral ornament and the erotically "emancipated" art themes of the years around 1900.

Art Nouveau was also one of the main sources of inspiration for many posters of psychedelic rock from the same period. Leading proponents of the 1960s psychedelic art movement were San Francisco poster artists such as Rick Griffin, Victor Moscoso, Bonnie MacLean, Stanley Mouse, Alton Kelley, and Wes Wilson. Compared to the earthy colours that characterize Art Nouveau, these posters had highly saturated colours put in contrast, and also highly stylised text, sometimes hard to read. This style flourished from about 1966 to 1972.

Gustav Klimt's iconic paintings are found today on many kitschy souvenirs: mugs, plates, napkins, key chains, and so on. The Kiss has been printed on countless sizes and materials. In a similar situation are Alphonse Mucha's posters.

One of the artists who found in Art Nouveau a major source of inspiration was the Austrian painter and architect Friedensreich Hundertwasser. He took inspiration from multiple sources, including Egon Schiele, Baroque and Persian miniature, and the curvy ornamentation of Art Nouveau.^[241]

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• Art Nouveau European Route, a non-profit association for the international promotion and protection of Art Nouveau heritage
• Europeana virtual exhibition of Art Nouveau