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水彩画（アメリカ英語）または水彩画（イギリス英語、綴りの違いを参照）、またアクアレル（フランス語：[ akwaʁɛl ] 、ラテン語のaqua「水」のイタリア語縮小形に由来） [ 1 ]は、顔料を水性[ 3 ]溶液に懸濁させた絵具を用いる絵画技法[ 2 ]である。水彩画は、画材と、それによって生み出される作品の両方を指す。
水彩画の従来から最も一般的な支持体（絵具を塗布する素材）は紙で、通常は特殊な水彩紙です。その他の支持体または基材には、石、象牙、絹、葦、パピルス、樹皮紙、プラスチック、羊皮紙、革、布、木材、水彩キャンバス（水彩絵具用に特別に調合されたジェッソでコーティングされている）などがあります。水彩紙は、多くの場合、全部または一部が綿でできています。[ 4 ] [ 5 ]これにより、表面に適切な質感が与えられ、濡れたときの歪みが最小限になります。[ 6 ]水彩紙は通常、質感と外観が優れたコールドプレス紙です。もう1つのバリエーションはホットプレス水彩紙で、コールドプレス紙よりも滑らかな質感と外観を持っています。[ 7 ]透明度は水彩絵具の主な特徴です。これは、ガムバインダーが紙に吸収され、分散した顔料粒子の最上層が残ることによって生じ、紙を通して紙がきらめきます。 「水彩絵具は、顔料、アラビアゴムなどの結合剤、グリセリンなどの保湿剤の混合物で構成されており、これらが他の成分とともに、顔料が結合して絵具ペーストを形成し、これが水彩絵具として知られています。色に関しては、顔料の品質と濃度が水彩絵具の良し悪しと価格を決定します。顔料濃度が高いプロ仕様の絵具は、色の鮮やかさを失うことなく大量の水で使用できます。」[ 8 ]水彩絵具は、チャイニーズホワイトを加えることで不透明にすることもできます。19 世紀には、これは議論の的となり、イギリスの伝統では「真の水彩絵具」とは見なされませんでしたが、[ 9 ] 1880 年頃にはこの論争は終わりました。
水彩絵具は、最も古い芸術形式ではないにしても、古代からある絵画形式です。[ 2 ]東アジアでは、墨を使った水彩画[ 10 ]は、筆絵または巻物絵と呼ばれています。中国、韓国、日本の絵画[ 11 ]では、水彩画は主要な媒体であり、多くの場合、黒や茶色の単色で、墨やその他の顔料がよく使われます。インド、エチオピア、その他の国々にも、長い水彩画の伝統があります。
18 世紀後半以降、特にイギリスでは完成した水彩画の重要性が高まった一方で、多くの西洋の画家は、油彩や版画による「完成」作品の準備として、主にスケッチの道具として水彩画を使用していた。[ 12 ] 18 世紀末まで、伝統的な水彩画は「着色されたデッサン」として知られており、[ 13 ]水彩画を「デッサン」と呼ぶことは、少なくとも 20 世紀まで一部で続いていた。19 世紀末までに高品質のカラーリトグラフが開発されたことで、水彩画の魅力的な複製版画が可能になり、特に風景画や静物画では、現在でも広く普及している。
水彩画の歴史は旧石器時代のヨーロッパの洞窟壁画にまで遡り[ 14 ] 、少なくともエジプト時代から写本の挿絵として使われており、特にヨーロッパの中世で顕著でした[ 15 ]。しかし、美術媒体としての水彩画の継続的な歴史はルネサンスから始まります。植物、野生動物、風景の優れた水彩画を数多く描いたドイツ北ルネサンスの画家アルブレヒト・デューラー（1471-1528）は、一般的に水彩画の最も初期の例の1人と考えられています[ 16 ] 。ドイツにおける重要な水彩画の流派は、デューラー・ルネサンスの一環としてハンス・ボル（1534-1593）によって率いられました。
水彩画は早くから始まったものの、バロック時代のイーゼル画家は一般的にスケッチ、模写、または下絵（実物大のデザイン画）にのみ使用していました[ 17 ] 。水彩画の初期の著名な実践者には、ヴァン・ダイク[ 18 ]（イギリス滞在中）、クロード・ロラン、ジョヴァンニ・ベネデット・カスティリオーネ、そして多くのオランダとフランドルの画家がいます[ 19 ] 。しかし、植物画と野生動物画はおそらく水彩画の最も古く重要な伝統を形成しています。植物画はルネサンス期に人気を博し、書籍や大判の印刷物に手彩色された木版画として、また羊皮紙や紙に彩色されたインク画として普及しました。植物画家は伝統的に最も厳密で熟練した水彩画家の一人であり、今日でも、水彩画は、フルカラーで要約、明確化、理想化する独自の能力により、科学出版物や博物館の出版物の挿絵として使用されています。野生動物のイラストレーションは、ジョン・ジェームズ・オーデュボンなどの画家によって19世紀に最盛期を迎え、今日でも多くの博物学者の野外ガイドには水彩画が挿絵として用いられている。
18 世紀、特にイギリスでは、水彩画の普及に寄与した要因がいくつかあった。[ 20 ]エリート層や貴族階級の間では、水彩画は良質な教育の付随的な装飾の一つであった。地図製作者、軍人、技術者は、土地、地形、[ 21 ]要塞、野外地質を描写したり、公共事業や委託されたプロジェクトをイラスト化したりするのに役立つことから、水彩画を高く評価した。水彩画家は、地中海、アジア、新世界での発見を記録するために、ディレッタンティ協会(1733 年設立) の資金提供を受けた地質学または考古学の探検に同行することがよくあった。これらの探検は地形画家の需要を刺激し、当時の流行に敏感な若者が皆行ったイタリアへのグランドツアー沿いの有名な場所 (および名所) の記念絵画を次々と制作した。[ 22 ]
18 世紀後半、イギリスの聖職者ウィリアム・ギルピンは、イギリスの田園地帯を巡る絵のように美しい旅を描いた一連の非常に人気のある本を執筆し、川の谷、古い城、廃教会などを描いた自作の感傷的なモノクロの水彩画で挿絵をつけた。 [ 23 ]この例は、個人的な旅行記の一形態として水彩画を普及させた。こうした文化的、工学的、科学的、観光的、そしてアマチュア的な関心の融合は、水彩画が紛れもなくイギリスの「国民芸術」として称賛され、促進されることにつながった。ウィリアム・ブレイクは、手彩色された彫刻詩集を数冊出版し、ダンテの『神曲』の挿絵を提供し、また水彩で大きなモノタイプ作品も試みた。[ 24 ]この時代の他の多くの重要な水彩画家の中には、トーマス・ゲインズバラ、[ 25 ]ジョン・ロバート・コゼンス、フランシス・タウン、[ 26 ]マイケル・アンジェロ・ルーカー、ウィリアム・パース、[ 27 ]トーマス・ハーン、[ 28 ]およびジョン・ワーウィック・スミス[ 29 ]がいた。
18世紀後半から19世紀にかけて、印刷書籍と家庭用美術品の市場は、この媒体の成長に大きく貢献した。[ 30 ]水彩画は、収集価値のある風景画や観光版画が制作される際の基本的な資料として使用され、手描きの水彩画のオリジナルや有名な絵画の複製は、多くの上流階級の美術ポートフォリオに貢献した。トーマス・ローランドソンによる風刺的な一枚刷りの印刷物（多くはルドルフ・アッカーマンによって出版された）も非常に人気があった。
水彩画を独立した成熟した絵画技法として確立したとされるイギリスの画家は、しばしば「イギリス水彩画の父」と呼ばれるポール・サンドビー（1730～1809年） 、大型のロマンティックまたはピクチャレスクな風景画に水彩画の使用を開拓したトーマス・ガーティン（1775～1802年）、そして水彩画を力と洗練の最高峰にまで高めたジョセフ・マロード・ウィリアム・ターナー（1775～1851年）[31]です。ターナーは数百点もの素晴らしい歴史的、地形的、建築的、神話的な水彩画を制作しました。濡れた紙の上に大きく曖昧な色の領域を作り、ウォッシュとグレーズを連続して重ねることでイメージを洗練させるという、段階的に水彩画を発展させる彼の手法[ 33 ]は、「工房の効率性」 [ 34 ]で多数の絵画を制作することを可能にし、また、当時としては初めてだった自身の画廊での販売などによって、彼を億万長者にしました。ターナーとガーティンの同時代人で、重要かつ才能に溢れた画家には、ジョン・ヴァーリー、ジョン・セル・コットマン[ 35 ] 、アンソニー・コプリー・フィールディング、サミュエル・パーマー[ 36 ] 、ウィリアム・ハヴェル[ 37 ]、サミュエル・プラウトなどがいた。スイスの画家アブラハム＝ルイ＝ロドルフ・デュクロスも、水彩で描かれた大判のロマンチックな絵画で広く知られていた。
アマチュア活動、出版市場、中流階級の美術品収集、19 世紀の技法が融合した結果、イギリスの水彩画協会が設立されました。水彩画家協会(1804 年設立、現在は王立水彩画協会として知られています) と新水彩画協会(1832 年設立、現在は王立水彩画家協会として知られています) です。(スコットランド水彩画家協会は1878 年に設立され、現在は王立スコットランド水彩画家協会として知られています。) [ 38 ]これらの協会は、多くの画家のために毎年展覧会を開催し、買い手を紹介しました。また、伝統的な (「透明」) 水彩画の支持者と、ボディーカラーやグワッシュ(「不透明」水彩画)で可能なより濃い色をいち早く採用した人々との間で、ささいな地位争いや美的論争も繰り広げられました。後期ジョージアン時代とヴィクトリア時代には、ターナー、ヴァーリー、コットマン、[40] デイヴィッド・コックス、ピーター・デ・ウィント[41] ウィリアム・ヘンリー・ハント、ジョン・フレデリック・ルイス[42] マイルズ・バーケット・フォスター[43] フレデリック・ウォーカー[44] トーマス・コリアー、アーサー・メルヴィルなど多くの画家によって、 19世紀の紙作品の中でも最も印象的な作品群である英国水彩画が頂点を迎えた。特に、リチャード・パークス・ボニントン[ 45 ] による優美で精緻、雰囲気のある水彩画（「風俗画」）は、特に1820年代のイギリスとフランスで水彩画の国際的な流行を生み出した。19 世紀後半には、肖像画家フレデリック・ハヴィルがイギリスにおける水彩画の確立に重要な役割を果たした。美術評論家のハントリー・カーターは、ハヴィルを「水彩画派の創始者」と評した。[ 46 ]
水彩画の人気は、より厚手でサイズの異なる織り目の紙や、水彩画専用に製造された筆（「鉛筆」と呼ばれた）など、多くの革新を促しました。この時期には、ヴァーリー、コックスらが水彩画のチュートリアルを初めて出版し、今日でもこのジャンルの特徴となっている段階的な絵画指導法を確立しました。イギリスの美術評論家ジョン・ラスキンによる水彩画のチュートリアル『 The Elements of Drawing』は、1857年の初版以来、一度しか絶版になっていません。市販の水彩絵具ブランドが販売され、絵具は金属チューブに詰められたり、スタジオの磁器で「こすり出す」（溶かす）ことができる乾燥ケーキ状、または野外で携帯用の金属製絵具箱に入れて使用できる形で販売されました。化学の進歩により、合成ウルトラマリンブルー、コバルトブルー、ビリジアン、コバルトバイオレット、カドミウムイエロー、オーレオリン（亜硝酸コバルトカリウム）、亜鉛白、そして多種多様なカーマインやマダーレーキなど、多くの新しい顔料が利用可能になった。これらの顔料は、あらゆる絵画媒体における色彩の使用を促進したが、特にラファエル前派の画家たちによるイギリスの水彩画において顕著であった。
水彩画は19世紀にアメリカでも人気を博し、初期の傑出した画家にはジョン・ジェームズ・オーデュボンや、ウィリアム・H・バートレットやジョージ・ハーヴェイといった初期のハドソン・リバー派の画家などがいた。世紀半ばには、ジョン・ラスキンの影響で水彩画への関心が高まり、特にジョン・W・ヒル・ヘンリー、ウィリアム・トロスト・リチャーズ、ロデリック・ニューマン、フィデリア・ブリッジズといった画家による緻密な「ラスキン風」スタイルが用いられた。アメリカ水彩画家協会（現在のアメリカ水彩画協会）は1866年に設立された。19世紀後半のアメリカにおける水彩画の代表的な画家には、トーマス・モラン、トーマス・エイキンズ、ジョン・ラファージ、ジョン・シンガー・サージェント[ 47 ]、チャイルド・ハッサム、そして特にウィンスロー・ホーマーなどがいる。
水彩画はヨーロッパ大陸ではあまり人気がなかった。18世紀には、グワッシュはイタリアの画家マルコ・リッチとフランチェスコ・ズッカレッリにとって重要な画材であり、彼らの風景画は広く収集された。[ 48 ]グワッシュはフランスでも多くの画家によって使用された。19世紀には、イギリス派の影響でフランスで「透明」水彩画が普及し、ウジェーヌ・ドラクロワ、フランソワ・マリウス・グラネ、アンリ＝ジョゼフ・アルピニエ、風刺画家オノレ・ドーミエにとって重要な画材となった。水彩画を頻繁に用いた他のヨーロッパの画家には、ドイツのアドルフ・メンツェルとポーランドのスタニスワフ・マスウォフスキがいる。
19世紀には、水彩絵具は大規模な油絵の精緻な複製を作るために用いられた。その一例として、フレデリック・エドウィン・チャーチの『アンデスの心臓』の水彩版が挙げられるが、研究者たちはこれをオリジナル作品ではなく複製であると特定している。作品の素材や改変点の分析から、この時期における水彩絵具の重要性が明らかになる。[ 49 ]
鮮やかな色の石油由来のアニリン染料（およびそれらから調合された顔料）の採用と、1857年に大英博物館が相続した2万点のJMWターナーの絵画を適切に保存する努力により、水彩絵具の顔料の耐久性に対する否定的な再評価が生じた。[ 50 ]これにより、水彩絵具の地位と市場価値は急激に低下した。それにもかかわらず、一部の画家は20世紀までこの技法を好み、発展させ続けた。ポール・シニャックは風景画や海洋画の水彩画を制作し、ポール・セザンヌは純粋な色の小さなグレーズを重ねるだけの水彩画のスタイルを開発した。
20世紀に水彩画で重要な作品を制作した多くの芸術家の中には、ワシリー・カンディンスキー、エミール・ノルデ、パウル・クレー、エゴン・シーレ、ラウル・デュフィなどがいた。アメリカでは、チャールズ・バーチフィールド、エドワード・ホッパー、ジョージア・オキーフ、チャールズ・デムス、ジョン・マリン（全作品の80%が水彩画）などが主な代表者であった。この時期、アメリカの水彩画はしばしばヨーロッパの印象派やポスト印象派を模倣したが[ 51 ] 、1920年代から1940年代にかけての「地域的」[ 52 ]スタイルの水彩画では、顕著な個性が花開いた。特に、「クリーブランド派」または「オハイオ派」の画家たちはクリーブランド美術館を中心とし、カリフォルニア・シーン[ 53 ]の画家たちはハリウッドのアニメーションスタジオやシュイナード美術研究所（現在のカリフォルニア芸術大学）と関係が深かった。カリフォルニアの画家たちは、州の多様な地理、地中海性気候、そして「自動車移動」を利用して、屋外または「プレインエア」の伝統を活性化させた。その中でも最も影響力があったのは、フィル・ダイク、ミラード・シーツ、レックス・ブラント、ドン・キングマン、ミルフォード・ゾーンズである。1921年に設立され、後にナショナル・ウォーターカラー・ソサエティと改名されたカリフォルニア水彩画協会は、彼らの作品の重要な展覧会を後援した。現在世界最大の水彩画（高さ9フィート（3メートル） 、幅16フィート（5メートル） ）は、ビル6の肖像：室内である。[ 54 ]アメリカ人アーティストのバーバラ・プレイがMASS MoCAの依頼で制作したこの作品は、 MASS MoCAのロバート・W・ウィルソン・ビルディングで見ることができる。[ 55 ]
フランスには、水彩画に特化したフェスティバルがいくつかあり、例えばブリウド水彩画ビエンナーレ[ 57 ]は7月に開催され、2年ごとに様々な国籍の水彩画家が集まります。ブリウド村では、実演や講演会が開催されます。
アメリカでは、抽象表現主義の台頭や、アマチュア画家や広告や工房の影響を受けた絵画様式の軽視化により、1950年頃以降、水彩画の人気は一時的に低下しましたが、[ 58 ]マーサ・バーチフィールド、ジョセフ・ラファエル、アンドリュー・ワイエス、フィリップ・パールスタイン、[ 59 ]エリック・フィッシュル、ゲルハルト・リヒター、アンゼルム・キーファー、フランチェスコ・クレメンテなどの画家は水彩画を使い続けています。スペインでは、セフェリ・オリベが革新的なスタイルを確立し、ラファエル・アロンソ・ロペス・モンテロやフランセスク・トルネ・ガバルダなどの弟子たちがそれに倣いました。メキシコでは、イグナシオ・バリオス、エドガルド・コグラン、アンヘル・マウロ、ビセンテ・メンディオラ、パストール・ベラスケスが主な代表者です。この絵画技法を多く取り入れているカナリア諸島には、ホセ・コマス・ケサダのような著名な芸術家がいる。
水彩絵具は主に4つの成分から構成されています。[60] 顔料、 [ 61 ] [ 62 ]顔料を懸濁状態に保つための結合剤としてのアラビアゴム、[ 63 ]蜂蜜などの添加剤、顔料と溶媒の混合物の粘度、隠蔽力、耐久性、または色を変えるための防腐剤、そして塗布のために絵具を薄めるために使用される溶剤としての蒸発水。
より一般的な用語である水性絵具とは、水を溶剤として使用し、筆、ペン、またはスプレーで塗布できるあらゆる絵画用画材を指します。これには、ほとんどのインク、水彩絵具、テンペラ絵具、カゼイン絵具、ガッシュ絵具、および現代のアクリル絵具が含まれます。
「水彩絵具」とは、水溶性の複合炭水化物を結合剤として用いる絵具を指します。元々（16世紀から18世紀にかけて）、水彩絵具の結合剤としては糖類や動物性膠が用いられていましたが、19世紀以降は天然のアラビアゴムが好んで用いられるようになり、グリセリンや蜂蜜などの添加物を加えることで結合剤の可塑性や溶解性を向上させ、さらに他の化学物質を加えることで製品の保存期間を延ばしています。
「ボディカラー」という用語は、透明ではなく不透明な絵具を指します。通常は、グワッシュとして知られる不透明な水彩絵具を指します。[ 64 ]現代のアクリル絵具は、バインダーとしてアクリル樹脂分散液を使用しています。
現代の水彩絵具の代わりに水溶性の着色インクを使用した絵画は、専門家によってアクアレルム・アトラメント（ラテン語で「インクで作られた水彩画」）と呼ばれています。しかし、この用語は現在ではあまり使われなくなっています。[ 65 ] [ 66 ]
蛍光水彩絵具は通常、光に非常に敏感です。研究によると、この種の水彩絵具の材料は、紫外線を含む日光にさらされると退色する可能性があります。紫外線波長を除去すると退色プロセスを遅らせることができるという研究結果がありますが、さまざまな照明条件によっては外観の変化が生じる可能性があります。[ 67 ]
蛍光水彩絵具の外観は、反射光と蛍光発光の影響を受けます。保存修復の研究から、照明条件の変化によってこれらの絵具の明るさと色が完全に変化する可能性があることがわかっています。特定の光への曝露に対するこの反応は、保存修復中にこれらの絵具の色を正確に一致させることを複雑にする可能性があります。[ 67 ]
保存研究では、水彩絵具の時間の経過に伴う色の変化を測定することの重要性が強調されています。水彩絵具と植物由来の顔料を比較する研究では、光や熱にさらされた後の退色や変色を測定および追跡するための特定のツールが使用されます。これらの手順は、水彩絵具の顔料が時間の経過とともにどのように変化し、形作られるかについての理解を深めるのに役立ちます。[ 68 ]
18世紀初頭以前の水彩画家は、薬局や専門の「顔料商人」から顔料を購入し、アラビアゴムやその他のバインダーと混ぜて絵具を自作しなければなりませんでした。初期の市販の絵具は、小さな樹脂の塊で、使える色の濃さを得るためには、水で濡らして苦労して「こすり出す」必要がありました。ウィリアム・リーブスは1766年頃に顔料商人として事業を始めました。1781年、彼と弟のトーマス・リーブスは、イギリス水彩画の「黄金時代」に導入された、時間を節約できる便利な湿潤水彩絵具ケーキの発明により、芸術協会のシルバーパレット賞を受賞しました。この「ケーキ」は、濡れた筆で触れるとすぐに溶けました。[ 69 ]
現代の市販の水彩絵具は、チューブ、パン、液体の形で販売されています。[ 70 ]現在販売されている絵具の大部分は、標準サイズの折りたたみ式の小さな金属チューブに入っており、特定の水分成分がすでに混合されているため、歯磨き粉に似た粘度になっています。使用するには、このペーストをさらに水で希釈する必要があります。パン絵具（開いたプラスチック容器に入った小さな乾燥したケーキまたはバー状の絵具）は通常、フルパンとハーフパンの2つのサイズで販売されています。
現代の工業有機化学のおかげで、今日入手可能な画材の色の種類、彩度、耐久性は大幅に向上しました。ハンザイエロー、フタロシアニンブルー、キナクリドンの導入により、正確で無毒な原色が利用可能になりました。これらの3色から、原理的には他のすべての色を混ぜ合わせることができます。これは、古典的な技法では白を使用しないためです。顔料の現代的な開発は、芸術的な需要によって推進されたものではありません。画材業界は、世界の染料や顔料の製造に対して市場的な影響力を行使するには小さすぎます。オーレオリンなどのまれな例外を除いて、すべての現代の水彩絵具は、より広い工業用途を持つ顔料を使用しています。絵具メーカーは、工業基準からすると非常に少量のこれらの顔料を購入し、それをビヒクル、溶剤、添加剤とともに粉砕し、包装します。より高価なブランドでは、無機顔料の粉砕プロセスにより粒子サイズが小さくなり、絵具を水で塗布したときの色の流れが良くなります。
19 世紀のイギリス美術界の党派的な議論では、グワッシュは伝統的な水彩絵具とはっきりと対比され、隠蔽力の高さや「透明性」の欠如を理由に酷評され、「透明」な水彩絵具が称賛されました。不透明な絵具への嫌悪感は、19 世紀後半まで鉛白が隠蔽力を高めるために使用されていたという事実に由来します。この顔料は、硫黄を含む大気汚染の影響ですぐに黒く変色し、作品を完全に台無しにする傾向がありました。[ 71 ]「透明」な水彩絵具は、ステンドグラスを紙に置いたように機能するため「輝き」を得るという伝統的な主張、つまり光が顔料を通過し、紙で反射し、鑑賞者に向かう途中で再び顔料を通過するため色が強まるという主張は誤りです。水彩絵具は通常、アクリル絵具や油絵具のようにまとまりのある絵具層を形成するのではなく、顔料粒子を紙の表面にランダムに散布するだけです。透明感は、粒子間に紙が見えることによって引き起こされます。[ 72 ]水彩絵具は、顔料がより純粋な形で塗布され、顔料の色を覆い隠す充填剤（カオリンなど）がほとんどまたはまったくないため、アクリル絵具や油絵具よりも鮮やかに見えることがあります。通常、ガムバインダーのほとんどまたはすべてが紙に吸収され、バインダーが顔料の視認性を変えるのを防ぎます。[ 72 ]吸収されたガムは、顔料の紙への接着力を低下させるのではなく、増加させます。顔料の粒子が繊維に浸透しやすくなるためです。実際、ガムの重要な機能の1つは、画家が描画領域に明るい部分を作りたい場合に、色の「持ち上げ」（除去）を容易にすることです。[ 72 ]さらに、ガムは顔料粒子の凝集を防ぎます。 [ 72 ]
水彩画は、絵具の透明性、流動性、そして水や紙との相互作用を活かした様々な技法を用いる。これらの技法は、完成した作品の外観、質感、そして奥行きに影響を与える。
最も一般的な技法の一つにウォッシュ（薄めの顔料を紙全体に均一に塗布する技法）があります。ウォッシュには、均一な色を作り出すフラットウォッシュと、濃い色から薄い色へと徐々に変化させるグラデーションウォッシュがあります。ウォッシュは、背景、空、または広い色の領域を表現するためによく用いられます。
画家はしばしば、ウェット・オン・ウェット技法とウェット・オン・ドライ技法を区別します。ウェット・オン・ウェット技法では、絵具を濡らした筆に取り、湿った紙または濡れた紙に塗布します。これにより、色が柔らかく広がり、混ざり合い、濃い色を薄くすることができます。この技法は、しばしば雰囲気のある効果や自由なフォルムを表現するのに適しています。一方、ウェット・オン・ドライ技法では、絵具を乾いた紙に塗布します。これにより、よりシャープな輪郭と優れたコントロールが可能になり、細かい部分の描写に役立ちます。この技法で描いた絵は、筆と絵具に付着した水分量が多いため、ウェット・オン・ウェット技法よりも暗く乾きます。
重ね塗り（グレーズとも呼ばれる）は、もう一つの基本的な技法です。透明な絵具を乾いた絵具の上に重ねることで、奥行きを出したり、色合いを変えたり、影を作ったりすることができます。水彩絵具は透明なので、下の層が透けて見え、最終的な色彩効果に影響を与えます。
質感や視覚的な面白さを生み出すために、追加の技法が用いられます。ドライブラシは、最小限の水で筆を使い、紙の質感を強調する粗く途切れ途切れの線を描く技法です。この技法は、波、草、木の幹の質感など、質感のある表現によく用いられます。リフティングは、筆、スポンジ、布などを使って湿った紙や乾いた紙から顔料を取り除き、ハイライトや修正を加える技法ですが、色によっては染み込みやすいものもあり、顔料を完全に取り除くことができない場合もあります。また、マスキングという技法を用いるアーティストもいます。これは、周囲をペイントする間、紙の白さを保つために一時的に一部を覆う技法です。この技法は、ネガティブペインティングにも用いられ、マスキング液で覆った部分をペイントし、その周りをペイントすることで、覆われた部分が絵の中で浮かび上がるように表現します。
様々な質感を生み出すために、画家は時にコーシャーソルトのような家庭にある身近な材料を使うことがあります。この技法では、絵がまだ濡れているものの、塩が溶けてしまうほど濡れていない状態で、絵の上に塩を振りかけます。塩は顔料をはじきながら水分を吸収し、滲み効果を生み出します。これは特に、暗い背景の雪景色を描く際によく用いられます。細かい塩を使うと、滲みは小さくなります。
保存修復の際、水彩画の色調調整や修復に使用される材料は、色の安定性を考慮して慎重に選ばれます。紙の保存に関する科学的研究によると、日本の薄紙に塗布された植物由来の染料は、現代の水彩絵具に比べて色の変化が大きいことがわかっています。そのため、長期間にわたって視覚的に安定していることが求められる絵画の修復には、通常、市販の顔料が使用されます。[ 68 ]
紙の保存に関する研究では、さまざまな種類の着色材料が水彩画の修復に使用される伝統的な材料とどのように相互作用するかについても調査されています。天然植物染料と合成水彩顔料を比較した研究があり、植物由来の顔料は熱や湿気に対する耐性が低いことがわかっています。これは、水彩画に天然染料を使用する際のリスクを浮き彫りにしています。[ 68 ]
これらの技法は水彩画の基礎を形成し、画家たちはスタイル、題材、個人の好みに応じて、それらを応用したり組み合わせたりするのが一般的である。
ブラント、レックス（1949）。レックス・ブラントによる水彩画：学生画家のためのハンドブック。シュイナード美術研究所およびコロナ・デル・マーのブラント＝ダイク夏季学校で教えられている水彩画の材料、技法、表現方法を網羅。カリフォルニア州コロナ・デル・マー？、1949年頃。ホワイト、マシュー（2023年7月5日）。この3ステップの水彩画プロセスであなたの芸術を向上させましょう。スミス、ダニエル。『水彩肖像画の描き方』ロンバルド、A.（2005年3月15日）。中国水彩画技法：動物の絵。リード・ビジネス・インフォメーション。