バロック

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  ローマのサン・ピエトロ大聖堂、ドナート・ブラマンテ、ミケランジェロ、カルロ・マデルノら作、1615年完成^{[ 27 ]}
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  サンタ・マリア・デッラ・サルーテ、ヴェネツィア、バルダッサーレ・ロンヘナ作、1631 – 1687 ^{[ 28 ]}
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  サン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネ、ローマ、フランチェスコ・ボロミーニ作、1638–1677
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  クワトロ・フィウミの泉、ローマ、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作、1648 – 1651 ^{[ 29 ]}
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  サン・ピエトロ広場、ローマ、ジャン・ロレンツォ・ベルニーニ作、1656年～1667年^{[ 27 ]}
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  サンタ・マリア・デッラ・パーチェ、ローマ、ピエトロ・ダ・コルトーナ作、1656 – 1667 ^{[ 30 ]}

ローマで最初にバロック様式のファサードを持つ建物は、 1584年に建てられたジェズ教会でした。後のバロック様式の基準からすると簡素な造りでしたが、それ以前の伝統的なルネサンス様式のファサードとは一線を画していました。この教会の内部は、盛期バロック時代まで非常に簡素なままでしたが、その後、豪華絢爛な装飾が施されました。

1605年、ローマでパウルス5世は、多様な形態、豊かな色彩、劇的な効果によって感動と畏敬の念を呼び起こすように設計されたバシリカや教会建築を命じた一連の教皇の最初の人物となった。 ^{[ 31 ]}初期バロックの最も影響力のある建造物の中には、サン・ピエトロ大聖堂のファサード（1606～1619年）と、ファサードを以前の教会のミケランジェロのドームに繋ぐ新しい身廊とロッジアがあった。新しいデザインは、高くそびえるドームと不釣り合いに広いファサードとの間に劇的なコントラストを生み出し、ファサード自体ではドーリア式の柱とポルティコの巨大な塊との間にコントラストを生み出した。^{[ 32 ]}

17世紀中頃から後半にかけて、この様式は最盛期を迎え、後に盛期バロックと呼ばれるようになりました。多くの記念碑的な作品は、教皇ウルバヌス8世とアレクサンデル7世によって依頼されました。彫刻家であり建築家でもあるジャン・ロレンツォ・ベルニーニは、サン・ピエトロ広場を囲む新しい4列の列柱廊を設計しました（1656年から1667年）。巨大な楕円形に配置された3つの柱廊は、巨大なドームとのバランスを取り、教会と広場に一体感と巨大な劇場のような雰囲気を与えています。^{[ 33 ]}

イタリア盛期バロックのもう一人の主要な革新者はフランチェスコ・ボッロミーニで、彼の代表作はサン・カルロ・アッレ・クアトロ・フォンターネ教会（四つの噴水の聖カルロ教会）（1634～1646年）である。動きの感覚は装飾ではなく、波打つ壁そのものと、凹面と凸面の要素、凹面のトラバースに挿入された楕円形の塔とバルコニーによって与えられている。内部も同様に革新的で、教会の主要空間は楕円形のドームの下に楕円形であった。^{[ 33 ]}

天使や聖人で溢れかえり、トロンプルイユの建築効果が用いられた天井画は、イタリア盛期バロックの重要な特徴であった。主な作品としては、ローマのサンティニャツィオ教会にあるアンドレア・ポッツォ作「聖イグナティウスの天国への入場」（1685～1695年）や、ローマのジェズ教会にあるジョヴァンニ・バッティスタ・ガウッリ作「イエスの御名の勝利」（1669～1683年）などがあり、後者では人物が画面から溢れ出し、劇的な斜めの光と明暗のコントラストが特徴的であった。^{[ 34 ]}

この様式はローマからイタリアの他の地域へと急速に広まりました。ヴェネツィアでは、バルダッサーレ・ロンゲーナによるサンタ・マリア・デッラ・サルーテ教会（1631～1687年）に現れ、巨大なドームを戴く非常に独創的な八角形の形態となっています。また、トリノでも、特にグアリーノ・グアリーニによる聖骸布礼拝堂（1668～1694年）に現れています。この様式は宮殿にも使われるようになり、グアリーニはトリノのカリニャーノ宮殿を設計し、ロンゲーナは大運河沿いのカ・レッツォーニコ（1657年）を設計し、ジョルジョ・マッサーリが完成させ、ジョヴァンニ・バッティスタ・ティエポロの絵画で装飾しました。^{[ 35 ]}シチリア島で発生した一連の大地震により、これらの宮殿のほとんどが再建を余儀なくされ、いくつかは華やかな後期バロック様式またはロココ様式で建てられました。

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  サン テルモ宮殿、アンダルシア、セビリア、レオナルド デ フィゲロア作、1682 ～ 1754 年
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  メルセド宮殿、コルドバ、アンダルシア、1245 ～ 1760 年
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  ジャン・バウティスタ・サケッティ作、マドリード王宮、1735年～1764年^{[ 36 ]}
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  スペイン、サンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂のファサード、フェルナンド・デ・カサス・ノボア作、1738年^{[ 37 ]}
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  カタルーニャ州バルセロナのヴィレイナ宮殿、1772 年から 1778 年にかけてジョゼップ・アウシッチによって建てられました。
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  カタルーニャ州バルセロナにある慈悲の聖母大聖堂は、1765年から1775年にかけてホセ・マス・ドルダルによって建設された。
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  カスティーリャ イ レオン州サラマンカのラ クレレシア、 1617 年から 1754 年にかけて建設されました。
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  サンタ テレサ修道院、カスティーリャ イ レオン州アビラにあり、17 世紀初頭に建てられました。
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  カスティーリャ ラ マンチャ州クエンカにあるカサ コンストリアル デ クエンカ、 1760 年から 1788 年にかけてロレンソ デ サンタ マリアとマテオ ロペスによって建てられました。
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  バレンシアのサントス・フアネス教会は、1240年から1702年の間に建設されました。

スペインのカトリック教会、特にイエズス会は、スペイン・バロック建築の原動力となった。この様式の最初の主要な作品は、1643年にペドロ・デ・ラ・トーレによって着工されたマドリードのサン・イシドロ礼拝堂である。外観の極めて豊かな装飾と、内部の簡素さが対照的で、複数の空間に分けられ、光の効果を用いて神秘的な雰囲気を醸し出している。^{[ 38 ]}サンティアゴ・デ・コンポステーラ大聖堂は、17世紀末から始まった一連のバロック様式の増築によって近代化された。まず、非常に装飾的な鐘楼（1680年）が建てられ、その後、1738年から1750年の間にフェルナンド・デ・カサス・ノボアによって、さらに高く装飾的なオブラドリオと呼ばれる2つの塔が両脇に増築された。スペイン・バロックのもう1つのランドマークは、レオナルド・デ・フィゲロアによるセビリアのサン・テルモ宮殿の礼拝堂の塔である。^{[ 39 ]}

グラナダは15世紀にムーア人から征服されたばかりで、独自のバロック様式を発展させてきた。画家、彫刻家、建築家でもあったアロンソ・カノは、 1652年から1657年に亡くなるまで、グラナダ大聖堂のバロック様式の内装を設計した。そこには、巨大な白い柱と金色の装飾が劇的なコントラストを成している。

スペイン・バロック建築の中で最も装飾的で豪華に装飾された様式は、主にサラマンカとマドリードで活躍したチュリゲラ兄弟にちなんでチュリゲレスク様式と呼ばれています。彼らの作品には、サラマンカのメイン広場であるマヨール広場（1729年）の建物が含まれます。^{[ 39 ]}この非常に装飾的なバロック様式は、スペイン人がアメリカ大陸に建てた多くの教会や大聖堂に影響を与えました。

後期バロック時代の著名なスペイン人バロック建築家には、チュリゲラの弟子でマドリードのレアル・ホスピシオ・デ・サン・フェルナンドを設計したペドロ・デ・リベラや、トレド大聖堂の有名な祭壇画「エル・トランスパレンテ」（1729～1732年）を設計し、特定の光の下では上方に浮かんでいるように見えるナルシソ・トメなどがいる。^{[ 39 ]}

スペイン・バロックの建築家たちはスペイン国外にも大きな影響を与え、彼らの作品はラテンアメリカやフィリピンのスペイン植民地に建てられた教会に大きな影響を与えた。テポツォトランのサンフランシスコ・ハビエル大学のためにイエズス会が建てた、華麗なバロック様式のファサードと塔を持つ教会はその好例である。^{[ 40 ]}

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  ポズナン・ファラ、ポーランド、ポズナン、バルトロミェイ・ナタニエル・ウォソフスキ、ジョバンニ・カテナッツィ、ポンペオ・フェラーリ作、1651–1732
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  ヴィラヌフ宮殿、ワルシャワ、ポーランド、建築家不明、1677年～1679年^{[ 41 ]}
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  ペスト記念柱、オーストリア、ウィーン、マティアス・ラウフミラーとヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1682年と1694年^{[ 42 ]}
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  聖ニコラス教会、プラハ、チェコ共和国、クリストフ・ディエンツェンホーファー作、1703～1711年^{[ 43 ]}
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  ウィーン、カールス教会の外観、ヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1715 ～ 1737 ^{[ 44 ]}
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  カールス教会の内部、ヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ作、1715 ～ 1737 ^{[ 44 ]}
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  ウィーン、ベルヴェデーレ宮殿上部、ヨハン・ルーカス・フォン・ヒルデブラント作、1717 ～ 1723 ^{[ 45 ]}
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  ロガリン宮殿、ロガリン、ポーランド、建築家不明、1768～1774年^{[ 46 ]}

1680年から1750年にかけて、中央ヨーロッパ、オーストリア、ボヘミア、ポーランド南西部に、非常に装飾的な大聖堂、修道院、巡礼教会が数多く建てられた。その中にはロココ様式のものもあった。ロココ様式は、バロック様式から派生した、より華やかで非対称な独特の様式で、18世紀前半に中央ヨーロッパでバロック様式に取って代わり、その後古典主義に取って代わられた。^{[ 47 ]}

その地域の多数の国の君主たちも宮殿や邸宅にバロック様式やロココ様式を選び、しばしばイタリアで訓練を受けた建築家を雇って建設させた。^{[ 48 ]}

注目すべき例として、クリストフ・ディエンツェンホーファーとその息子キリアン・イグナツ・ディエンツェンホーファーによって建てられたプラハの聖ニコラス教会（マラー・ストラナ） （1704～1755年）が挙げられる。教会内部の壁はすべて装飾で覆われている。祭壇は中央ドームの下の身廊に置かれ、礼拝堂に囲まれている。光は上部のドームと周囲の礼拝堂から降り注ぐ。祭壇は、彫刻で豊かに装飾された色石のアーチ、柱、曲線状の手すり、付柱で完全に囲まれており、実際の建築と装飾との間に意図的な混同を生み出している。建築は光、色彩、動きの劇場へと変貌している。^{[ 25 ]}

ポーランドでは、イタリアの影響を受けたポーランド・バロック様式が17世紀初頭から18世紀半ばまで続き、細部の豊かさと色彩が特徴でした。現在のポーランドで最初のバロック建築であり、おそらく最も有名なものの一つは、ジョヴァンニ・バッティスタ・トレヴァーノが設計したクラクフの聖ペテロ・パウロ教会です。 1644年に建てられたワルシャワのジグムントの柱は、柱の形をした世界初の世俗的なバロック様式の記念碑でした。^{[ 49 ]}宮殿風の邸宅様式は、1677年から1696年の間に建設されたヴィラヌフ宮殿に代表される。 ^{[ 50 ]}ポーランドで活躍した最も有名なバロック建築家はオランダ人のティルマン・ファン・ガメレンで、彼の代表作にはワルシャワの聖カジミエシュ教会とクラシンスキ宮殿、クラクフの聖アンナ教会、ビャウィストクのブラニツキ宮殿などがある。^{[ 51 ]}しかし、ポーランド・バロックで最も有名な作品は、ポンペオ・フェラーリによる細部が施されたポズナン・ファラ教会である。三十年戦争後、ヴェストファーレン条約の合意に基づき、 2つの独特なバロック様式の土壁建築物が建てられた。ヤヴォルの平和教会、ヨーロッパ最大の木造バロック寺院であるシュフィドニツァの聖三位一体平和教会である。

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  ツヴィンガー宮殿、ドレスデン、ドイツ、マテウス ダニエル ペッペルマンとバルタザール ペルモーザー作、1710 ～ 1728 年
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  ヴュルツブルク邸宅、ドイツ、ヴュルツブルク、バルタザール・ノイマン、1720 ～ 1744 年
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  聖母教会、ドレスデン、ドイツ、ジョージ・ベーア作、1726 年と 1743 年

今日のドイツの領土にあった神聖ローマ帝国の多くの諸国は、いずれも印象的なバロック建築で自らを表現しようとした。 ^{[ 52 ]}著名な建築家には、バイエルンのヨハン・ベルンハルト・フィッシャー・フォン・エルラッハ、ルーカス・フォン・ヒルデブラント、ドミニクス・ツィンマーマン、ブリュールのバルタザール・ノイマン、ドレスデンのマテウス・ダニエル・ペッペルマンなどがいる。プロイセンでは、プロイセン王フリードリヒ2世がヴェルサイユ宮殿のグラン・トリアノンに触発され、それをモデルとして、ゲオルク・ヴェンツェスラウス・フォン・クノーベルスドルフ（1745～1747年）が設計したポツダムの夏の離宮サンスーシ宮殿を建てた。バロック宮殿建築のもう1つの作品は、 18世紀のザクセン選帝侯の宮殿の旧オランジュリーであるツヴィンガー宮殿（ドレスデン）である。

ロココ様式の教会の最も優れた例の 1 つは、ドイツ南部バイエルン州バンベルク近郊のバート・シュタッフェルシュタインの町の近くにある巡礼教会、バシリカ・フィアツェーンハイリゲン、またはバシリカ・フィアツェーンハイリゲンです。このバシリカはバルタザール・ノイマンによって設計され、1743 年から 1772 年にかけて建設されました。その平面図は、中央の楕円形の周りを一連の絡み合った円が囲む形になっており、祭壇は教会のちょうど中央に配置されています。この教会の内部は、ロココ装飾の頂点を示しています。^{[ 53 ]} この様式のもう 1 つの注目すべき例は、ヴィース巡礼教会 (ドイツ語: Wieskirche ) です。これは、 JBとドミニクス・ツィンマーマン兄弟によって設計されました。ドイツ、バイエルン州ヴァイルハイム・ショーンガウ郡シュタインガーデンの自治体、アルプスの麓に位置しています。建設は1745年から1754年にかけて行われ、内部はヴェッソブルンナー派の伝統に則り、フレスコ画と漆喰装飾で飾られた。現在はユネスコの世界遺産に登録されている。

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  シャトー・ド・メゾン、フランス、フランソワ・マンサール作、1630–1651 ^{[ 54 ]}
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  ギャラリー・ダポロン、パリ、ルーヴル宮殿、ルイ・ル・ヴォーとシャルル・ルブラン作、1661年以降^{[ 55 ]}
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  パリ、ルーブル宮殿の東正面、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォー作、1665年～1680年^{[ 56 ]}
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  ヴェルサイユ宮殿礼拝堂、ヴェルサイユ、フランス、1696年～1710年^{[ 57 ]}
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  パリ、ポルト サン ドニ、フランソワ ブロンデル作、1672 ^{[ 58 ]}
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  アンヴァリッドのドーム、パリ、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1677 ～ 1706 年^{[ 59 ]}
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  ヴェルサイユ宮殿の鏡の間、1678年～1684年^{[ 60 ]}
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  ヴェルサイユ宮殿の庭園側のファサード、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1678年～1688年^{[ 61 ]}
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  ヴェルサイユ宮殿の大理石の中庭、1680年^{[ 62 ]}
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  ヴァンドーム広場、パリ、ジュール・アルドゥアン＝マンサール作、1699–1706 ^{[ 63 ]}
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  オテル・ド・ロトラン・シャロレー、パリ、ピエール・カイユトー作、1700–1704 ^{[ 64 ]}

フランスのバロック様式は、イタリア、スペイン、その他のヨーロッパ諸国の華麗で劇的な地方版バロック様式とは全く異なる発展を遂げた。それに比べると、より厳格で、より抑制的で、新古典主義や啓蒙主義建築に先駆けるように見える。イタリアの建築物とは異なり、フランスのバロック建築には破風や曲線的なファサードはない。宗教建築でさえ、ボッロミーニの作品に見られるような強烈な空間的ドラマを避けている。この様式はルイ14世（在位1643～1715年）のために建てられた作品と密接に関連しており、そのためルイ14世様式とも呼ばれている。ルイ14世はバロックの巨匠ベルニーニにルーブル美術館の新しい東棟の設計を依頼したが、クロード・ペローとルイ・ル・ヴォーによるより古典的な設計を優先して却下した。^{[ 65 ] [ 66 ]}

この様式の主な建築家には、フランソワ・マンサール（1598–1666）、ピエール・ル・ミュエ（ヴァル・ド・グラース教会、1645–1665）、ルイ・ル・ヴォー（ヴォー・ル・ヴィコント、1657–1661）などがいる。マンサールは、主に付加オーダーの頻繁な使用と重厚な粗面仕上げをフランスの建築用語に導入した最初の建築家である。マンサールがマンサールを発明したわけではないが、彼が頻繁に使用したため、彼と関連付けられるようになった。^{[ 67 ]}

この時期の主要な王室プロジェクトは、1661年にル・ヴォーによって着工され、画家シャルル・ル・ブランが装飾を手がけたヴェルサイユ宮殿の拡張であった。庭園は、建築を補完し、さらに引き立てるようにアンドレ・ル・ノートルによって特別に設計された。ル・ブランの絵画が飾られた城の中心である鏡の間は、1678年から1686年にかけて建設された。マンサールは1687年にグラン・トリアノンを完成させた。ロベール・ド・コットが設計した礼拝堂は1710年に完成した。ルイ14世の死後、ルイ15世はより親密なプチ・トリアノンと非常に華麗な劇場を追加した。庭園の噴水は、内部から見えるように設計され、劇的な効果を高めるように設計されている。この宮殿はヨーロッパの他の君主たち、特にロシアのピョートル大帝に賞賛され、模倣された。ピョートル大帝はルイ15世の治世初期にヴェルサイユを訪れ、1705年から1725年の間にサンクトペテルブルク近郊のペテルゴフ宮殿に独自のバージョンを建設した。 ^{[ 68 ]}

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  大学図書館、コインブラ大学、コインブラ、ポルトガル、ガスパール・フェレイラ作、1716–1728 ^{[ 69 ]}
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  マフラ宮殿、ポルトガル、マフラ、ジョアン・フレデリコ・ルドヴィツェ作、1717–1755 ^{[ 70 ]}
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  ポルトガル、リスボンのサン・ビセンテ・デ・フォーラ修道院の回廊にあるアズレージョ。ジャン・ル・ポールトル（不明の建築家または職人）の版画に基づく場面、1730年 - 1735年^{[ 71 ]}
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  ボン・ジェズス・ド・モンテ聖域の大階段、ポルトガル、ブラガ、カルロス・ルイス・フェレイラ・アマランテ他作、c. 1784年^{[ 72 ]}

ポルトガルのバロック建築は、約2世紀（17世紀後半から18世紀）にわたって続いた。ジョアン5世とジョゼフ1世の治世下、いわゆる王権絶対主義の時代には、金とダイヤモンドの輸入が増加し、ポルトガル・バロック建築が隆盛を極めた。

ポルトガルのバロック建築は、ヨーロッパの他の地域とは異なる特別な状況と歴史をたどっている。

ポルトガルの芸術は、いくつかの政治的、芸術的、経済的要因によって規定され、いくつかの段階とさまざまな外部の影響を生み出し、独自の融合を生み出しています。^{[ 73 ]}イタリアの芸術を探している人には誤解されがちですが、ポルトガル独自の多様性を与える特定の形式と特徴が見られます。もう 1 つの重要な要因は、イエズス会建築の存在です。これは「簡素な様式」（Estilo Chão または Estilo Plano）^{[ 74 ]}とも呼ばれ、その名前が示すように簡素で、やや質素に見えます。

これらの建物は、単室のバシリカ様式で、奥行きのある主礼拝堂と側廊礼拝堂（連絡用の小さな扉付き）からなり、内装も外装も装飾がなく、簡素な入口と窓を備えている。実用的な建築様式であるため、わずかな調整を加えるだけで帝国全土に建設でき、後々、あるいは経済的に余裕ができた際に装飾を施すことも可能である。

実際、初期のポルトガル・バロック建築は、装飾（絵画、タイルなど）によって「簡素な様式」を容易に変容させることができたため、建築様式に不足はなかった。空いた空間を、豪華絢爛で精緻なバロック様式の舞台へと変えることができたのである。これは外観にも同様に当てはまる。したがって、時代や場所の好みに合わせて建物を適応させ、新しい特徴や細部を追加することも容易であった。実用的で経済的だった。

人口増加と経済資源の向上に伴い、北部、特にポルトとブラガの地域では、貴族によって建てられた多数の教会、修道院、宮殿に見られるように、建築の刷新が見られました。^{[ 75 ] [ 76 ] [ 77 ]}

ポルトはポルトガルのバロックの街です。その歴史地区はユネスコの世界遺産リストの一部となっています。^{[ 78 ]}

市内の歴史地区やその周辺にあるバロック様式の作品の多くは、ポルトガル在住のイタリア人建築家ニコラウ・ナソーニのもので、クレリゴスの教会や塔、^{[ 79 ]}ポルト大聖堂のロギア、ミゼリコルディア教会、サン・ジョアン・ノーヴォ宮殿、^{[ 80 ]}フライショ宮殿、[ ^{80 ] [81 ]}聖公会宮殿(ポルトガル語: Paço Episcopal do Porto ) ^{[ 82 ]}と他の多くのもの。

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  ペテルゴフ庭園、サンクトペテルブルク、ロシア、建築家不明、1746年～1758年^{[ 83 ]}
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  スモルヌイ修道院、サンクトペテルブルク、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリ作、1748年^{[ 84 ]}
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  ツァールスコエ・セロー、プーシキン、ロシア、フランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリ作、1749年 - 1756年^{[ 85 ]}

ロシア・バロック様式、あるいはピョートル大帝バロック様式の誕生は、1697年から1698年にかけてのピョートル大帝による西ヨーロッパへの長期訪問に端を発する。彼はフォンテーヌブロー城やヴェルサイユ宮殿をはじめとする数々の建築遺産を視察した。ロシア帰国後、彼は1712年にロシアの新首都となったサンクトペテルブルクに同様の建築物を建設することを決意した。ピョートル大帝バロック様式の初期の主要な建造物には、ペトロパヴロフスク大聖堂やメンシコフ宮殿などがある。

アンナとエリザベートの治世中、ロシア建築はイタリア生まれのフランチェスコ・バルトロメオ・ラストレッリの豪華なバロック様式に支配され、それがエリザベス朝バロックへと発展した。ラストレッリの代表作には、冬宮殿、エカテリーナ宮殿、スモーリヌイ大聖堂などがある。エリザベス朝バロックの他の特徴的な建造物としては、トロイツェ・セルギエワ大修道院の鐘楼や赤い門などがある。^{[ 86 ]}

モスクワでは、特に17世紀後半の東方正教会建築において、ナリシキン・バロック様式が広く普及した。これは、西ヨーロッパのバロック様式とロシアの伝統的な民俗様式を融合させたものであった。

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  アッシジの聖フランシスコ教会 (オウロ プレト)、ミナス ジェライス州、ブラジル、アレイジャジーニョ作、1765 ～ 1788 年
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  サンフランシスコ・デ・アシス大聖堂、ハバナ、キューバ、建築家不明、1548 – 1738 ^{[ 87 ]}
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  サンフランシスコ アカテペック教会、サン アンドレス チョルラ、プエブラ、メキシコ、建築家不明、17 ～ 18 世紀
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  キト大聖堂（エクアドル、キト）、アントニオ・ガルシア他作、1535年～1799年
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  ボリビア、スクレにあるスクレ大聖堂、1551年～1712年
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  サント・ドミンゴ教会、サンティアゴ、チリ、建築家不明、1747年～1808年^{[ 88 ]}
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  サンタ・プリスカ・デ・タスコ教会、メキシコ、タスコ、ディエゴ・デュランとカエタノ・シグエンサ作、1751年 - 1758年^{[ 89 ]}
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  ラ・レコレクシオン教会、ニカラグア、レオン、1786–1788

ペルー、クスコのイエズス会教会の正面、ジャン＝バティスト・ジルとディエゴ・マルティネス・デ・オビエド作、1576年～1668年^{[ 90 ]}

ペルー、ワロのサン・ファン・バウティスタ教会内にある、タデオ・エスカランテ作の地獄を描いた 1802 年の植民地時代の壁画が保存されている^{[ 91 ] [ 92 ] [ 93 ]}

ヨーロッパ諸国によるアメリカ大陸の植民地化により、バロック様式は自然と新世界へと広がり、特にスペインとポルトガルが支配する地域で好ましい環境を見出した。両国は中央集権的で、カトリックの君主制が根強く、ひいてはローマの支配下にあり、バロック対抗宗教改革の支持者であった。ヨーロッパの芸術家たちはアメリカ大陸に移住して学校を設立し、熟練した芸術家も多数いたカトリック宣教師の広範な浸透と相まって、民衆の嗜好に影響を受けた多様なバロック様式を生み出した。クリオーリョや先住民の職人たちは、このバロック様式に独自の特色を与える上で大きな役割を果たした。現在も存続するアメリカ大陸バロック様式の主要な中心地は、（この順に）メキシコ、ペルー、ブラジル、キューバ、エクアドル、コロンビア、ボリビア、グアテマラ、ニカラグア、プエルトリコ、パナマである。

特に注目すべきは、いわゆる「宣教師バロック」と呼ばれるもので、メキシコや現在の米国南西部から南はアルゼンチンやチリに至る地域でスペイン人が先住民居住地を組織した際に発展した。これらの居住地は、先住民をキリスト教に改宗させ、西洋文化に同化させるためにスペインのカトリック宣教師によって組織されたもので、先住民文化の影響を受けたハイブリッドなバロック様式を形成した。そこではクリオーリョや多くの先住民の職人や音楽家が活躍し、読み書きもでき、中には優れた才能を持つ者もいた。宣教師の記録には、西洋美術、特に音楽が森林官に催眠術のような影響を与え、聖人の像には大きな力があると信じられていたことがしばしば記されている。多くの先住民が改宗し、神秘主義、迷信、演劇性に満ちた情熱的な新しい形の信仰が生まれ、祝祭的なミサ、神聖なコンサート、神秘的な儀式が盛んに行われた。^{[ 94 ] [ 95 ]}

スペイン領アメリカの植民地時代のバロック建築は、豊富な装飾（メキシコシティのラ・プロフェサ教会の入口、サン・アンドレス・チョルーラのサン・フランシスコ・アカテペック教会やプエブラのサン・フランシスコ修道院教会のようにプエブラ様式のアズレージョで覆われたファサードなど）が特徴であり、いわゆるチュリゲレスク様式ではそれがさらに強調される（ロレンソ・ロドリゲスによるメキシコシティ大聖堂の聖櫃のファサード、テポツォトランのサン・フランシスコ・ハビエル教会、タスコのサンタ・プリスカ教会など）。ペルーでは、1650 年以来、主にリマ、クスコ、アレキパ、トルヒーリョの都市で開発された建築物は、クッション付きの壁やソロモニック柱の使用など、ヨーロッパのバロック様式にすら進歩した独自の特徴を示しています(クスコのヘスス教会、リマのサンフランシスコ大聖堂と修道院)。^{[ 96 ]}他の国には、ボリビアのスクレメトロポリタン大聖堂が含まれます。グアテマラのエスキプラス大聖堂。ホンジュラスのテグシガルパ大聖堂。ニカラグアのレオン大聖堂。エクアドル、キトのヘスス教会。サン・イグナシオ教会、ボゴタ、コロンビア。ベネズエラのカラカス大聖堂。アルゼンチンのブエノスアイレス市議会。チリ、サンティアゴのサント ドミンゴ教会。そしてキューバのハバナ大聖堂。ボリビアのスペイン・イエズス会宣教団、パラグアイのスペイン・イエズス会宣教団、メキシコのスペイン宣教団、カリフォルニアのスペイン・フランシスコ会宣教団の教会の質の高さも特筆に値する。^{[ 97 ]}

ブラジルでは、首都ポルトガルと同様に、建築にはイタリアの影響が色濃く見られ、レシフェの共同大聖堂（1784年）やリオデジャネイロのノッサ・セニョーラ・ダ・グロリア・ド・オウテイロ教会（1739年）に見られるように、ボッロミーネスク様式が主流となっている。ミナスジェライス州では、湾曲した平面構成、凹凸のあるダイナミックなファサード、そしてあらゆる建築要素の造形的な処理が際立つ教会群を設計したアレイジャジーニョの作品が特に注目されている（オウロ・プレトのサン・フランシスコ・デ・アシス教会、1765～1788年）。

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  中国マカオのサンパウロ、建築家不明、1601年^{[ 98 ]}
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  インド、ディウのサンパウロ、建築家不明、1601年^{[ 99 ]}
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  1792年に描かれたマニラ大聖堂（フィリピン、マニラ市イントラムロス地区）の絵画
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  インド、ゴアにあるボン・ジェズス大聖堂、1594年～1605年

ポルトガル領インド（ゴア、ダマン、ディウ）では、バロック様式とヒンドゥー教の要素が融合した建築様式が栄え、ゴアのセー大聖堂や、聖フランシスコ・ザビエルの墓があるボン・ジェズス大聖堂などがその代表例である。ゴアの教会群と修道院群は、1986年に世界遺産に登録された。

3世紀以上にわたりスペインの植民地であったフィリピンには、数多くのバロック建築が保存されている。これらのうち4つと、バロック様式と新古典主義様式が融合した都市ビガンは、いずれもユネスコ世界遺産に登録されている。また、正式な分類はないものの、マニラの城壁都市とタヤバス市には、スペイン・バロック時代の建築物が数多く残っている。

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  ゴリア修道院教会、ヤシ、ルーマニア、建築家不明、1650年～1660年
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  ホレズ修道院、ルーマニア、ホレズ、ソロモンの柱、建築家不明、17～18世紀^{[ 100 ]}
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  ホレズ修道院聖コンスタンティン・聖ヘレナ教会の扉とピサニエ（装飾部分） 、建築家または彫刻家不明、1692年～1694年
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  ポトロギ宮殿の過剰な装飾の手すり、ポトロギ、建築家不明、1698年
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  モゴショアイア宮殿のねじれた柱と手すり、モゴショアイア、建築家不明、18世紀初頭^{[ 101 ]}
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  ブカレストのアンティム修道院の中庭にある、損傷した石に刻まれたカルトゥーシュ。作者不明、17世紀末～18世紀初頭。

既に述べたように、バロック様式はイタリアで生まれた西洋の様式です。モルダビアやワラキアを含むバルカン半島諸国とのイタリア人の商業的・文化的交流を通じて、バロック様式の影響は東ヨーロッパにも伝わりました。これらの影響は、主に建築や石彫装飾に見られ、ビザンチン美術やイスラム美術から取り入れた細部が複雑に混ざり合っているため、それほど強いものではありませんでした。

ビザンツ帝国の崩壊前も崩壊後も、ワラキアとモルダヴィアの芸術は主にコンスタンティノープルの芸術の影響を受けていた。16世紀末まで、教会や修道院の平面図、壁画、石に彫られた装飾は、ほとんど変化することなく、以前と変わらなかった。イタリア・バロック様式が普及した時期と重なるマテイ・バサラブ（1632～1654年）とヴァシレ・ルプ（1634～1653年）の治世から、新たな装飾が加えられ、宗教的な家具の様式も変化した。これは決して偶然ではなかった。装飾の要素や原理は、イタリアからヴェネツィアやダルマチア地方を経由してもたらされ、東方の建築家や職人によって採用されたのである。窓枠やドア枠、献辞の入ったピサニエ、墓石、柱や手すり、そしてブロンズ、銀、木製の家具の一部は、以前よりも重要な役割を担うようになった。これらは以前から存在しており、ビザンチン様式に影響を受けているが、より写実的な外観となり、繊細な花模様が表現されている。以前から存在していたレリーフも、ボリュームと一貫性が増し、より強調されるようになった。この時代以前、ワラキアやモルダヴィアのレリーフは、東方のものと同様に、表面と深部の2つのレベルしかなく、互いにわずかな距離を保っていた。大きな花、おそらくバラ、牡丹、アザミ、厚い葉、アカンサス、または同様の植物が柱に絡みつき、ドアや窓を囲んでいた。バロック様式の影響が強く現れた場所の一つが柱と手すりである。柱頭は以前よりも葉で装飾されている。柱にはしばしばねじれた軸があり、これはソロモン柱の地域的な再解釈である。これらの柱の間には、ランソーで装飾されたマキシマリスト様式の手すりが設置されています。モゴショアイア宮殿のものの中には、イルカで装飾されているものもあります。カルトゥーシュも時折使用され、主にコンスタンティン・ブランコヴェアヌの墓石のように墓石に用いられます。この様式は、ワラキア公国の統治者で、その治世（1654～1714年）がこの種の建築様式とデザインと深く結びついているコンスタンティン・ブランコヴェアヌにちなんで、ブランコヴェネスク様式として知られています。この様式は18世紀と19世紀の一部にも見られます。ボヤールやヴォイヴォダによって建てられた多くの教会や邸宅には、これらの時代の中でも、ブランコヴェネスク様式は特に顕著です。バロック様式の影響は明確に見て取れますが、ブランコヴェネスク様式は地元の伝統からより多くのインスピレーションを得ています。

18世紀が過ぎ、ファナリオット家（イスタンブールのファナール出身の著名なギリシャ系家族）がワラキアとモルダヴィアを統治するようになるにつれ、バロック様式の影響はイスタンブールからも伝わるようになった。17世紀にもバロック様式の影響はあったが、ファナリオット家によって、オスマン帝国に伝わった西洋バロック様式のモチーフは、現在のルーマニアに最終的に到達した。モルダヴィアでは、イタリア美術の影響が強かったロシアからもバロック様式の要素が伝わっている。^{[ 102 ]}

ヒスパニックアメリカでは、最初の影響はセビリアのテネブリズム、特にスルバランからもたらされました。スルバランの作品の一部はメキシコとペルーに今も残っており、メキシコのホセ・フアレスやセバスティアン・ロペス・デ・アルテアガ、ボリビアのメルチョル・ペレス・デ・オルギンの作品に見ることができます。クスコ派の絵画は、1583年にイタリアの画家ベルナルド・ビッティが到着し、マニエリスムをアメリカ大陸にもたらした後に生まれました。クスコ派は、イタリアのアンジェリーノ・メドロの弟子であり、アンダワイリリャスのサン・ペドロ教会の壁画の作者であるルイス・デ・リアーニョの作品を際立たせています。また、インド (ケチュア) の画家ディエゴ・キスペ・ティトとバシリオ・サンタ・クルス・プマッカヤオ、そしてクスコ大聖堂の高いアーチを覆う 50 枚の大きなキャンバスの作者マルコス・サパタにも焦点を当てました。エクアドルでは、主にメスティーソのミゲル・デ・サンティアゴとクリオロ・ニコラス・ハビエル・デ・ゴリバルを代表とするキト学派が形成された。

18世紀には彫刻的な祭壇画が絵画に取って代わられ始め、特にアメリカ大陸ではバロック絵画が発展した。同様に、貴族階級や聖職者階級の肖像画といった市民作品への需要も高まった。主な影響はムリレスク様式であり、クリオーリョのクリストバル・デ・ビジャルパンドのように、フアン・デ・バルデス・レアルの影響を受けた作品もあった。この時代の絵画は、より感傷的なトーンを持ち、甘く柔らかなフォルムが特徴である。その代表的な画家には、コロンビアのグレゴリオ・バスケス・デ・アルセ・イ・セバージョス、メキシコのフアン・ロドリゲス・フアレス、ミゲル・カブレラなどがいる。

• ジョヴァンニ・ガブリエリ( 1554年頃/1557 ～ 1612 年)ソナタ・ピアン・エ・フォルテ(1597 年)、『エクレシス』 ( Symphoniae sacrae book 2、1615 年)
• クリストバル・デ・メドラノ(1561 年頃 – 1597 年)、 声を上げてセックスをする(1594 年)
• ジョヴァンニ ジローラモ カプスペルガー(1580 年頃 - 1651 年)ヴィラネル図書館、20 歳(1610 年)
• クラウディオ・モンテヴェルディ(1567–1643)、『オルフェオ、音楽のファヴォラ』 (1610)
• ハインリヒ・シュッツ(1585–1672)、音楽演奏家(1629、1647、1650)
• フランチェスコ・カヴァッリ(1602–1676)、レギスト(1643)、エルコレ・アマンテ(1662)、シピオーネ・アフリカーノ(1664)

  

• ヨハン・ヤーコプ・フローベルガー（1616年 - 1667年）、チェンバロとオルガンのための全楽曲、シモーネ・ステラ
• ジャン＝バティスト・リュリ（1632–1687）、アルミド（1686）
• マルク＝アントワーヌ・シャルパンティエ（1643–1704）、テ・デウム（1688–1698）
• ハインリヒ・イグナス・フランツ・ビーバー(1644–1704)、ミステリー・ソナタ(1681)
• ジョン・ブロウ（1649年 - 1708年）、『ヴィーナスとアドニス』（1680年 - 1687年）
• ヨハン・パッヘルベル（1653年 - 1706年）、カノン ニ長調（1680年）
• アルカンジェロ コレッリ(1653–1713)、12 の協奏曲 Op. 6 (1714)
• マリン マレ(1656–1728)、ソヌリ ド サン ジュヌヴィエーヴ デュ モン ド パリ(1723)
• ヘンリー・パーセル（1659年 - 1695年）、『ディドとエネアス』（1688年）
• アレッサンドロ スカルラッティ(1660–1725)、ロネスタ ネグリ アモリ(1680)、イル ポンペオ(1683)、ミトリダーテ エウパトーレ(1707)
• フランソワ・クープラン(1668–1733)、『神秘のバリケード』 (1717)
• トマーゾ アルビノーニ(1671–1751)、ディドンネ アバンドナータ(1724)
• アントニオ・ヴィヴァルディ（1678年 - 1741年）、『四季』（1725年）
• ヤン ディスマス ゼレンカ(1679–1745)、イル セルペンテ ディ ブロンツォ(1730)、ミサ サンクティッシマエ トリニタティス(1736)
• ゲオルグ・フィリップ・テレマン(1681–1767)、Der Tag des Gerichts (1762)
• ヨハン・ダヴィッド・ハイニヒェン(1683–1729)
• ジャン=フィリップ・ラモー(1683–1764)、ダルダヌス(1739)
• ゲオルク・フリードリヒ・ヘンデル（1685年 - 1759年）、『水上の音楽』（1717年）、『メサイア』（1741年）、『王室花火のための音楽』（1749年）
• ドメニコ・スカルラッティ(1685–1757)、チェンバロのためのソナタ
• ヨハン・ゼバスティアン・バッハ(1685–1750)、トッカータとフーガ ニ短調(1703–1707)、ブランデンブルク協奏曲(1721)、マタイ受難曲(1727)
• ニコラ・ポルポラ(1686–1768)、セミラミデ・リコノシウタ(1729)
• ジョヴァンニ・バッティスタ・ペルゴレージ(1710–1736)、スターバト・マーテル(1736)

16世紀末、スペインで始まった発展に倣い、本質的に移動生活を送っていた喜劇団はプロ化を始めた。プロ化に伴い、規制と検閲が始まった。ヨーロッパと同様に、劇場は寛容と政府による保護、そして（例外はあるものの）拒絶や教会による迫害の間を揺れ動いた。劇場は、望ましい行動やモデル、社会秩序や君主制への敬意、宗教的教義の学校を広める手段として当局にとって有用であった。^{[ 152 ]}

コラールは、公演の恩恵を共有する病院のために運営された。定住地のない地域で即席の野外舞台で演劇を上演した巡業劇団（または「同盟の」劇団）は、活動するために副王の許可証が必要であり、その料金またはピンシオンは施しと宗教的活動に充てられた。^{[ 152 ]}首都や主要都市で安定して活動する劇団にとって、主な収入源の一つは聖体祭の祝祭への参加であり、これは経済的利益だけでなく、認知度と社会的威信ももたらした。副王宮殿や貴族の邸宅での公演では、レパートリーの喜劇と、照明効果、舞台装置、舞台装置を駆使した特別な作品の両方を上演し、高収入で名誉ある仕事の重要な源泉となった。^{[ 152 ]}

ヌエバ・エスパーニャ副王領で生まれ^{[ 153 ]}、後にスペインに定住したフアン・ルイス・デ・アラルコンは、ヌエバ・エスパーニャのバロック演劇で最も著名な人物である。ロペ・デ・ベガの新しい喜劇に順応したにもかかわらず、アラルコンの「顕著な世俗主義」、慎重さと抑制、そして「心理的洞察力」の鋭さが、スペインの同時代の劇作家たちとの違いとして指摘されている。彼の作品の中で特に注目すべきは、彼の絶え間ない道徳的な目的を反映した登場人物の喜劇『疑わしい真実』である^{[ 152 ]} 。ソル・フアナ・イネス・デ・ラ・クルスの劇的上演は、彼女をスペイン系アメリカ・バロック演劇の第二の人物として位置づけている。彼女の作品の中で言及する価値があるのは、自伝的劇『神聖なるナルシソ』と喜劇『一家の家事』である。

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  Meudon Observatory, Château de Meudon, Meudon, France, an example of an early Rococo building from the last years of Louis XIV, unknown architect, 1706–1709^[162]
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  Chest of drawers; by Charles Cressent; c.1730; various wood types; gilt-bronze mounts and a Brèche d'Aleps marble top; height: 91.1 cm; Waddesdon Manor, Waddesdon, UK
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  Amalienburg, Nymphenburg Palace Park, Munich, Germany, by François de Cuvilliés, 1734–1739^[163]
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  Salon Oval de la Princesse of the Hôtel de Soubise, Paris, by Germain Boffrand, Charles-Joseph Natoire and Jean-Baptiste Lemoyne, 1737–1739
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  The Triumph of Venus; by François Boucher; 1740; oil on canvas; 130 × 162 cm; Nationalmuseum, Stockholm, Sweden
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  Vieux-Laque Room, Schönbrunn Palace, Vienna, Austria, decorated with Chinese black lacquerware panels, by Nikolaus Pacassi, 1743–1763^[164]
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  Gate with two statues and elaborate wrought-iron grilles, Würzburg, Germany, grilles by Johann Georg Oegg, 1752
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  Chinese House, Sanssouci Park, Potsdam, Germany, an example of Chinoiserie, by Johann Gottfried Büring, 1755–1764^[165]
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  Coffeepot, decorated with foliage; 1757; silver; height: 29.5 cm; Metropolitan Museum of Art, New York
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  The Music Lesson; by the Chelsea porcelain factory; c.1765; soft-paste porcelain; 39.1 × 31.1 × 22.2 cm; Metropolitan Museum of Art
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  Pagod, based on Asian figures of Budai, an example of Chinoiserie; by Johann Joachim Kändler; c.1765; hard paste porcelain; Metropolitan Museum of Art^[166]
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  Cartouche from the Second Livre de Cartouches, an example of asymmetry; c.1710–1772; engraving on paper; 23 x 19.8 cm; Rijksmuseum, Amsterdam, the Netherlands

The Rococo is the final stage of the Baroque, and in many ways took the Baroque's fundamental qualities of illusion and drama to their logical extremes. Beginning in France as a reaction against the heavy Baroque grandeur of Louis XIV's court at the Palace of Versailles, the rococo movement became associated particularly with the powerful Madame de Pompadour (1721–1764), the mistress of the new king, Louis XV (1710–1774). Because of this, the style was also known as Pompadour. Although it's highly associated with the reign of Louis XV, it didn't appear in this period. Multiple works from the last years of Louis XIV's reign are examples of early Rococo. The name of the movement derives from the French rocaille, or pebble, and refers to stones and shells that decorate the interiors of caves, as similar shell forms became a common feature in Rococo design. It began as a design and decorative arts style, and was characterized by elegant flowing shapes. Architecture followed and then painting and sculpture. The French painter with whom the term Rococo is most often associated is Jean-Antoine Watteau, whose pastoral scenes, or fêtes galantes, dominate the early part of the 18th century.

There are multiple similarities between Rococo and Baroque. Both styles insist on monumental forms, and so use continuous spaces, double columns or pilasters, and luxurious materials (including gilded elements). There also noticeable differences. Rococo designed freed themselves from the adherence to symmetry that had dominated architecture and design since the Renaissance. Many small objects, like ink pots or porcelain figures, but also some ornaments, are often asymmetrical. This goes hand in hand with the fact that most ornamentation consisted of interpretation of foliage and sea shells, not as many Classical ornaments inherited from the Renaissance like in Baroque. Another key difference is the fact that since the Baroque is the main cultural manifestation of the spirit of the Counter-Reformation, it is most often associated with ecclesiastical architecture. In contrast, the Rococo is mainly associated with palaces and domestic architecture. In Paris, the popularity of the Rococo coincided with the emergence of the salon as a new type of social gathering, the venues for which were often decorated in this style. Rococo rooms were typically smaller than their Baroque counterparts, reflecting a movement towards domestic intimacy.^[167] Colours also match this change, from the earthy tones of Caravaggio's paintings, and the interiors of red marble and gilded mounts of the reign of Louis XIV, to the pastel and relaxed pale blue, Pompadour pink, and white of the Louis XV and Madame de Pompadour's France. Similarly to colours, there was also a transition from serious, dramatic and moralistic subjects in painting and sculpture, to lighthearted and joyful themes.

One last difference between Baroque and Rococo is the interest that 18th-century aristocrats had for East Asia. Orientalist trends in Western aesthetics were present before the Baroque period, but they tended to draw inspiration from Islamic rather than East Asian sources. This continued during the Baroque period, as exemplified by the Turkish-inspired style known as Turquerie. Orientalist fascination with the Islamic world (including Turquerie) would continue into and beyond the Rococo period; however, by that time, Chinese and other East Asian cultures would also come to influence Western aesthetics. Chinoiserie was a style in fine art, architecture and design, popular during the 18th century, that was heavily inspired by Chinese art, but also by Rococo at the same time. Because traveling to China or other Far Eastern countries was hard at that time and so remained mysterious to most Westerners, European imagination were fuelled by perceptions of Asia as a place of wealth and luxury, and consequently patrons from emperors to merchants vied with each other in adorning their living quarters with Asian goods and decorating them in Asian styles. Where Asian objects were hard to obtain, European craftsmen and painters stepped up to fill the demand, creating a blend of Rococo forms and Asian figures, motifs and techniques. Aside from European recreations of objects in East Asian style, Chinese lacquerware was reused in multiple ways. European aristocrats fully decorated a handful of rooms of palaces, with Chinese lacquer panels used as wall panels. Due to its aspect, black lacquer was popular for Western men's studies. Those panels used were usually glossy and black, made in the Henan province of China. They were made of multiple layers of lacquer, then incised with motifs in-filled with colour and gold. Chinese, but also Japanese lacquer panels were also used by some 18th-century European carpenters for making furniture. In order to be produced, Asian screens were dismantled and used to veneer European-made furniture.

The pioneer German art historian and archeologist Johann Joachim Winckelmann also condemned the baroque style, and praised the superior values of classical art and architecture. By the 19th century, Baroque was a target for ridicule and criticism. The neoclassical critic Francesco Milizia wrote: "Borrominini in architecture, Bernini in sculpture, Pietro da Cortona in painting...are a plague on good taste, which infected a large number of artists."^[168] In the 19th century, criticism went even further; the British critic John Ruskin declared that baroque sculpture was not only bad, but also morally corrupt.^[168]

The Swiss-born art historian Heinrich Wölfflin (1864–1945) started the rehabilitation of the word Baroque in his Renaissance und Barock (1888); Wölfflin identified the Baroque as "movement imported into mass", an art antithetic to Renaissance art. He did not make the distinctions between Mannerism and Baroque that modern writers do, and he ignored the later phase, the academic Baroque that lasted into the 18th century. Baroque art and architecture became fashionable in the interwar period, and has largely remained in critical favor. The term "Baroque" may still be used, often pejoratively, describing works of art, craft, or design that are thought to have excessive ornamentation or complexity of line.^[169] At the same time "baroque" has become an accepted terms for various trends in Roman art and Roman architecture in the 2nd and 3rd centuries AD, which display some of the same characteristics as the later Baroque.

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  Cabinet; c.1850–1870; Boulle marquetry; unknown dimensions; Musée départemental de l'Oise, Beauvais, France
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  Large console with central projection; by Benjamin Deguil and Benjamin-Paul Ramillon; 1850–1875; gilt wood and marble; 100 x 283 x 77 cm; Napoleon III Apartments, Louvre Palace, Paris^[170]
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  The Grand Salon of the apartments of the minister of state, currently known as the Napoleon III Apartments, designed by Hector Lefuel and decorated with paintings by Charles Raphaël Maréchal, 1859–1860^[171]
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  Jewelry toilet of Empress Eugénie; by Jules Fossey; c.1860; unknown materials; unknown dimensions; Château de Compiègne, Compiègne, France
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  Candelabrum with eleven lights; by Ferdinand Barbedienne; 1861; gilt bronze; height: 83.7 cm, length: 49.4 cm; Napoleon III Apartments^[172]
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  Exterior of the Palais Garnier, Paris, an example of Beaux Arts architecture, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Grand foyer of the Palais Garnier, inspired by the Hall of Mirrors of the Palace of Versailles, but with some ornaments taken from other historical styles, like the neo-Renaissance column lower parts, or the Greek Revival lyres at the tops of windows, by Charles Garnier, 1860–1875^[173]
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  Table; 2nd half of the 19th century; Boulle marquetry; unknown dimensions; in a temporary exhibition called "Dress Code Parfum de Secol XIX" at the Suțu Palace, Bucharest, Romania
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  Petit Palais, Paris, an example of Beaux Arts architecture, with Ionic columns very similar to those of the reign of Louis XIV, by Charles Giraud, 1900^[174]
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  Rue Guynemer no. 2, Paris, with a facade made up from a mix of detailed stone elements and big simple brick surfaces like what is in Place des Vosges from Paris, by Louis Périn, 1914
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  Door of Rue Guynemer no. 2, Paris, with palmettes, shells, volutes, garlands, proportions and other elements seen on wrought iron, furniture, textiles and ceramics from the reign of Louis XIV

Highly criticized, the Baroque would later be a source of inspiration for artists, architects and designers during the 19th century through Romanticism, a movement that developed in the 18th century and that reached its peak in the 19th. It was characterized by its emphasis on emotion and individualism, as well as glorification of the past and nature, preferring the medieval to the classical. A mix of literary, religious, and political factors prompted late-18th and 19th century British architects and designers to look back to the Middle Ages for inspiration. Romanticism is the reason the 19th century is best known as the century of revivals.^[175] In France, Romanticism was not the key factor that led to the revival of Gothic architecture and design. Vandalism of monuments and buildings associated with the Ancien Régime (Old Regime) happened during the French Revolution. Because of this an archaeologist, Alexandre Lenoir, was appointed curator of the Petits-Augustins depot, where sculptures, statues and tombs removed from churches, abbeys and convents had been transported. He organized the Museum of French Monuments (1795–1816), and was the first to bring back the taste for the art of the Middle Ages, which progressed slowly to flourish a quarter of a century later.^[176]

This taste and revival of medieval art led to the revival of other periods, including the Baroque and Rococo. Revivalism started with themes first from the Middle Ages, then, towards the end of the reign of Louis Philippe I (1830–1848), from the Renaissance. Baroque and Rococo inspiration was more popular during the reign of Napoleon III (1852–1870), and continued later, after the fall of the Second French Empire.^[177]

Compared to how in England architects and designers saw the Gothic as a national style, Rococo was seen as one of the most representative movements for France. The French felt much more connected to the styles of the Ancien Régime and Napoleon's Empire, than to the medieval or Renaissance past, although Gothic architecture appeared in France, not in England.

The revivalism of the 19th century led in time to eclecticism (mix of elements of different styles). Because architects often revived Classical styles, most Eclectic buildings and designs have a distinctive look. Besides pure revivals, the Baroque was also one of the main sources of inspiration for eclecticism. The coupled column and the giant order, two elements widely used in Baroque, are often present in this kind of 19th and early 20th century buildings. Eclecticism was not limited only to architecture. Many designs from the Second Empire style (1848–1870) have elements taken from different styles. Little furniture from the period escaped its three most prevalent historicist influences, which are sometimes kept distinct and sometimes combined: the Renaissance, Louis XV (Rococo), and Louis XVI styles. Revivals and inspiration also came sometimes from Baroque, like in the case of remakes and arabesques that imitate Boulle marquetry, and from other styles, like Gothic, Renaissance, or English Regency.^[178]

The Belle Époque was a period that begun around 1871–1880 and that ended with the outbreak of World War I in 1914. It was characterized by optimism, regional peace, economic prosperity, colonial expansion, and technological, scientific, and cultural innovations. Eclecticism reached its peak in this period, with Beaux Arts architecture. The style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Buildings in this style often feature Ionic columns with their volutes on the corner (like those found in French Baroque), a rusticated basement level, overall simplicity but with some really detailed parts, arched doors, and an arch above the entrance like that of the Petit Palais in Paris. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV's Versailles. When it comes to the design of the Belle Époque, all furniture from the past was admired, including, perhaps, contrary to expectations, the Second Empire style (the style of the proceeding period), which remained popular until 1900. In the years around 1900, there was a gigantic recapitulation of styles of all countries in all preceding periods. Everything from Chinese to Spanish models, from Boulle to Gothic, found its way into furniture production, but some styles were more appreciated than others. The High Middle Ages and the early Renaissance were especially prized. Exoticism of every stripe and exuberant Rococo designs were also favoured.^[179]

Revivals and influence of the Baroque faded away and disappeared with Art Deco, a style created as a collective effort of multiple French designers to make a new modern style around 1910. It was obscure before WW1, but became very popular during the interwar period, being heavily associated with the 1920s and the 1930s. The movement was a blend of multiple characteristics taken from Modernist currents from the 1900s and the 1910s, like the Vienna Secession, Cubism, Fauvism, Primitivism, Suprematism, Constructivism, Futurism, De Stijl, and Expressionism. Besides Modernism, elements taken from styles popular during the Belle Époque, like Rococo Revival, Neoclassicism, or the neo-Louis XVI style, are also present in Art Deco. The proportions, volumes and structure of Beaux Arts architecture before WW1 is present in early Art Deco buildings of the 1910s and 1920s. Elements taken from Baroque are quite rare, architects and designers preferring the Louis XVI style.

At the end of the interwar period, with the rise in popularity of the International Style, characterized by the complete lack of any ornamentation led to the complete abandonment of influence and revivals of the Baroque. Multiple International Style architects and designers, but also Modernist artists criticized Baroque for its extravagance and what they saw as "excess". Ironically this was just at the same time as the critical appreciation of the original Baroque was reviving strongly.

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  Basilica of Our Lady of Peace, Yamoussoukro, Ivory Coast, by Pierre Fakhoury, 1985–1990
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  St. Peter's Basilica, Rome, by Donato Bramante, Michelangelo, Carlo Maderno and others, completed in 1615^[27]
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  Dolphin Hotel, Orlando, Florida, US, with urn tops that are reminiscent of urns that decorate corners, tops and roof railings of buildings and furniture from the reign of Louis XIV, by Michael Graves, 1989^[180]
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  Urns that decorate the roof railing of the Marble Court of the Palace of Versailles, Versailles, France, by Louis Le Vau and Jules Hardouin-Mansart, c.1660–1715^[181]
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  Concave facade of the Teatro Politeama, Catanzaro, Italy, by Paolo Portoghesi, 2002
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  Rounded facade of the Oratorio dei Filippini, Rome, by Francesco Borromini, 1637–1650
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  Bourgie lamp, by Ferruccio Laviani for Kartell, 2004, polycarbonate, sold at Kartell Milano (Via Carlo Porta no. 1), Milan, Italy
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  Church candlestick, 1681, silver, Museum of the Kotor Cathedral, Kotor, Montenegro
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  Hotel Zaandam, Amsterdam, the Netherlands, inspired by Dutch 16th and 17th century canal houses, by Wam Architecten, 2010^[182]
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  Herengracht no. 120, Amsterdam, unknown architect, c.1625^[183]
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  Box, part of the Le Jardin de Versace collection, with complex rinceaux that are reminiscent of the Baroque ones from the 17th and very early 18th centuries, but also similar to the ones from the reign of Napoleon; designed by Versace and produced by Rosenthal; unknown date; porcelain; unknown dimensions or location
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  Baroque rinceaux with putti painted on the boiserie of a room from the Hôtel Colbert de Villacerf, now in the Musée Carnavalet, Paris, unknown architect, sculptor and painter, c.1650^[184]

Appreciation for the Baroque reappeared with the rise of Postmodernism, a movement that questioned Modernism (the status quo after WW2), and which promoted the inclusion of elements of historic styles in new designs, and appreciation for the pre-Modernist past. Specific references to Baroque are rare, since Postmodernism often included highly simplified elements that were 'quotations' of Classicism in general, like pediments or columns.

More references to Baroque are found in Versace ceramic ware and fashion, decorated with maximalist acanthusrinceaux, very similar to the ones found in Italian Baroque ornament plates and in Boulle work, but also similar to the ones found on Empire objects, especially textiles, from the reign of Napoleon I.