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音楽の定義は世界中で大きく異なるものの、既知のあらゆる文化が音楽に関わっており、そのため音楽は文化普遍性を持つと考えられている。音楽の起源については依然として議論が絶えない。評論家はしばしば音楽の起源を言語の起源と関連付けるが、音楽が言語より先に、後に、あるいは同時に生まれたのかについては意見が大きく分かれている。幅広い分野の学者によって多くの理論が提唱されてきたが、広く受け入れられたものはない。ほとんどの文化には、音楽の発明に関する独自の神話的な起源があり、それは一般的にそれぞれの神話的、宗教的、あるいは哲学的信念に根ざしている。
エドゥアール＝レオン・スコット・ド・マルタンヴィルは史上初めて音を録音した人物だが、先史時代の文化の音楽は、骨製の笛の証拠から、紀元前3万8000年頃の後期旧石器時代に初めて確実に遡るとされている。ただし、実際の起源がそれより前の旧石器時代中期（紀元前30万年～5万年）にあるかどうかは依然として不明である。先史時代の音楽についてはほとんど知られておらず、痕跡は主にいくつかの単純な笛や打楽器に限られている。しかし、そのような証拠は、夏王朝やインダス文明などの先史時代の社会に音楽がある程度存在していたことを示している。文字が発達すると、文字文明の音楽、すなわち古代音楽は、中国、エジプト、ギリシャ、インド、ペルシャ、メソポタミア、中東の主要社会に存在した。古代音楽全体について多くの一般論を述べることは難しいが、知られている限りでは、単旋律と即興演奏が特徴であったことが多い。古代の歌の形式では、歌詞と音楽は密接に結びついており、現存する最古の楽譜はこの時代に由来するものの、リグ・ヴェーダや詩経のように、伴奏音楽のないまま残っている歌詞も数多く存在する。やがてシルクロードが出現し、文化間の交流が深まるにつれ、音楽の思想、慣習、楽器の伝承と交換が行われた。こうした交流の結果、唐の音楽は中央アジアの伝統から大きな影響を受け、また唐の音楽、日本の雅楽、朝鮮の宮廷音楽は互いに影響を与え合った。
歴史的に見て、宗教はしばしば音楽の触媒となってきた。ヒンドゥー教のヴェーダはインド古典音楽に多大な影響を与え、儒教の五経は後の中国音楽の基礎を築いた。7世紀にイスラム教が急速に広まると、イスラム音楽はペルシャとアラブ世界を席巻し、イスラム黄金時代には数多くの重要な音楽理論家が活躍した。初期キリスト教会のために、また教会によって作曲された音楽は、西洋古典音楽の伝統を正式に開始したものであり、[ 1 ]中世音楽へと続き、そこでは多声音楽、五線譜、そして多くの現代楽器の原型が発展した。宗教の有無に加えて、社会の音楽は、社会経済組織や経験、気候、技術へのアクセスなど、文化の他のあらゆる側面からも影響を受ける。多くの文化では、中国の四芸や中世のクアドリヴィウムのように、音楽を他の芸術形式と結びつけてきた。音楽が表現する感情や思想、音楽が演奏され聴かれる状況、そして音楽家や作曲家に対する態度は、地域や時代によって様々である。多くの文化圏では、芸術音楽（または「クラシック音楽」）、民俗音楽、ポピュラー音楽を区別してきた、あるいは現在も区別し続けている。
「しかし、音楽はメッセージを精緻化する手段となる言語であり、そのようなメッセージは多くの人に理解されるが、発信できるのはごく少数の人だけであり、そして音楽はあらゆる言語の中で唯一、理解可能でありながら翻訳不可能であるという矛盾した性質を兼ね備えている――これらの事実が、音楽の創造者を神々のような存在にし、音楽そのものを人類の知識における至高の神秘たらしめるのである。」
音楽は文化普遍的なものと見なされているが、[ 3 ] [ 4 ]その定義は文化や歴史によって異なる。 [ 5 ]人間の認知の多くの側面と同様に、音楽の起源がどの程度理解されるかについては議論が続いており、学者たちはしばしば正反対の立場を取っている。[ 6 ] [ 7 ]音楽の起源は言語の起源と並んで議論されることが多く、両者のつながりの性質は多くの議論の対象となっている。[ 8 ]しかし、20世紀半ばから後半までは、どちらのトピックも学者によって本格的に注目されることはほとんどなかった。[ 9 ] [ 10 ] [ n1 ]このトピックが再び注目されるようになってから、主な論争の源は3つの視点に分かれている。音楽は言語につながる一種の原言語（適応の結果）として始まったのか、音楽は言語の結果であるスパンドレル（進化の表現型の副産物）なのか。あるいは、音楽と言語の両方が共通の祖先から派生した場合。[ 12 ] [ 13 ] [ n2 ] [ n3 ]
音楽の起源に関する特定の理論についてはほとんど合意が得られておらず、考古学者、認知科学者、民族音楽学者、進化生物学者、言語学者、神経科学者、古人類学者、哲学者、心理学者（発達心理学および社会心理学）からの貢献が含まれている。[ 22 ] [ n4 ]最も著名な理論のいくつかは次のとおりである。
多くの文化には、音楽の創造に関する独自の神話的起源があります。 [ 35 ] [ 36 ]キリスト教神話のジュバル[ 26 ]、ペルシャ/イラン神話の伝説のシャー・ジャムシード[ 37 ]、ヒンドゥー教の女神サラスワティ[ 38 ]、古代ギリシャ神話のミューズ[ 36 ]など、特定の人物が音楽を発明したとされることもあります。一部の文化では、音楽の複数の起源者がいるとされています。古代エジプト神話では、アメン、ハトホル、イシス、オシリスなど多くの神々が音楽と結び付けられていますが、特にイヒが挙げられます。[ 39 ]中国神話には音楽の起源に関する多くの物語があるが、[ 40 ] [ n 5 ]最も有名なのは、黄帝の命令で神話上の鳳凰鳥の歌を真似て竹笛を発明した音楽家、凌倫の物語である。[ 41 ]
最も広い意味では、先史時代の音楽（過去には原始音楽と呼ばれることが多かった[ 44 ] [ 45 ] [ n6 ]）は、少なくとも600万年前に人類とチンパンジーが最後に共通の祖先を持っていた時から始まる、文字を持たない文化（先史時代）で作られたすべての音楽を包含する。[ 46 ]音楽は旧石器時代に初めて出現したが[ 47 ]、これが中期旧石器時代（30万年前から5万年前）か後期旧石器時代（5万年前から1万2千年前）かは依然として不明である。[ 48 ]旧石器時代の楽器の大部分はヨーロッパで発見されており、後期旧石器時代のものである。[ 49 ]歌唱は確かにこれよりはるか以前に出現した可能性があるが、これを基本的に確認することは不可能である。[ 50 ]最も古い楽器の可能性があるのは、スロベニアのディブイェ・バベ洞窟で発見されたディブイェ・バベ・フルートで、年代は43,000年前から82,000年前とされ、若い洞窟グマの大腿骨から作られています。[ 51 ]ネアンデルタール人が使用したとされるディブイェ・バベ・フルートは、学術的に広く注目されており、それが本当に楽器なのか、動物によって作られた物体なのかは、激しい議論の対象となっています。[ 42 ]もし前者であれば、それは既知の最古の楽器であり、中期旧石器時代の音楽文化の証拠となります。[ 52 ]ディブイェ・バベ・フルートと他の3つの疑わしいフルートを除けば、[ n 7 ]視覚芸術に関しての状況と同様に、確実な中期旧石器時代の音楽の証拠は事実上残っていません。[ 47 ]楽器として広く認められている最古の遺物は、ドイツのシュヴァーベン・ジュラ山脈、具体的にはガイセンクロステルレ洞窟、ホーレ・フェルス洞窟、フォーゲルヘルト洞窟から出土した骨製の笛である。[ 53 ]オーリニャック文化期（後期旧石器時代）に遡り、初期のヨーロッパの現代人によって使用された。 3つの洞窟すべてから8つの例が見つかっており、4つは鳥の翼の骨から、4つはマンモスの牙から作られており、そのうち3つはほぼ完全な状態である。[ 53 ]ガイセンクロステルレから出土した3つのフルートは、約43,150～39, 370年前と最も古い年代が推定されている。[ 54 ] [ n 8 ]
フルートの相対的な複雑さを考えると、後の狩猟採集社会でよく見られるガラガラ、シェイカー、太鼓などの楽器に似た、より古い時代の楽器が存在していた可能性が高い。[50] この時代以前から他の楽器が存在しなかったのは、葦、ひょうたん、皮、樹皮など、より弱く、したがって生分解性の高い素材を使用していたためかもしれない。 [ 47 ] [ 55 ]紀元前15,000年頃のトロワ・フレール洞窟の壁画には、弓で音楽を奏でるシャーマンが描かれていると考えられている。[ 56 ]
先史時代の文化では、音楽はさまざまな用途に使われており、異なる社会間で統一性はほとんどなかったと考えられている。[ 57 ]食料やその他の基本的なニーズが不足していた時期には、音楽は特に価値があったと考えられる。[ 57 ]また、先史時代の文化では、音楽は本質的に自然と結びついていると考えられており、音楽の使用が自然界に直接影響を与えると信じていた可能性もある。[ 57 ]
先史時代の中国で発見された最古の楽器は、紀元前6000年頃の河南省武陽市賈湖で発見された12本の骨笛である。[ 58 ] [59][n9][n10] 先史時代の夏王朝（紀元前2070年～1600年頃）に遡る楽器は、青銅製の瑪瑙2本、小鐘2個（土器製1個、青銅製1個）、彤1本のみである。[ 61 ]現存する楽器が極めて少なく、夏王朝のほとんどについて不確実な点が多いため、この時代の音楽の物語を作ることは現実的ではない。[ 61 ]インド亜大陸では、先史時代のインダス文明（最盛期は紀元前2500年～ 2000年頃）の考古学的証拠から、単純なガラガラや容器笛が使われていたことが示唆されている一方、図像学的証拠からは、初期のハープや太鼓も存在していたことが示唆されている。[ 62 ]後期のインダス文明の表意文字には、紀元前1800年以前のものとされる、アーチ型ハープの最古の描写が含まれている。 [ 63 ]
文字の出現後、文字文明は古代世界の一部と呼ばれ、その最初のものは紀元前2600年頃のアブ・サラビフ（現在のイラク南部）のシュメール文学である。[ 64 ]古代社会の音楽は非常に多様であったが、そのほぼすべてにおいて、単旋律、即興演奏、音楽的設定におけるテキストの優位性といった基本的な概念が顕著に現れた。 [ 65 ]中国、エジプト、ギリシャ、インド、メソポタミア、ローマ、中東など、古代文化にはさまざまな歌の形式が存在した。[ 66 ]これらの歌のテキスト、リズム、メロディーは、音楽全般と同様に、魔法、科学、宗教と密接に結びついていた。[ 66 ]複雑な歌の形式は、特に中国、ギリシャ、インドの国民的祭典において、後の古代社会で発展した。[ 66 ]後の古代社会では、シルクロードによって導かれることが多い音楽のアイデアや楽器の貿易と伝播も増加した。[ 67 ] [ 68 ]例えば、紀元前4～5世紀の中国の琴の調律キーには、かなりのペルシャの図像が含まれている。 [ 69 ]一般的に、文化間の古代音楽について他の多くの一般化を行うには情報が不足している。[ 66 ]
現存する古代音楽記譜法の実際の例はごくわずかで、通常はパピルスや粘土板に記されている。[ 66 ]音楽の慣習、ジャンル、思想に関する情報は、主に文学、視覚的描写、そして時代が進むにつれて楽器を通して得られる。[ 66 ]現存する最古の書かれた音楽は、シリアのウガリットのフルリ語の歌である。その中で最も古いのはニッカルへの賛歌（賛歌第6番、h. 6）で、ある程度完全な形で残っており、紀元前1400年頃のものとされている。[ 70 ]しかし、セイキロスの墓碑銘は、完全に記録された最古の音楽作品である。紀元2世紀以降に書かれたもので、おそらく無名のセイキロスの妻のための墓碑銘である。 [ 71 ]
紀元前13世紀半ばまでに、後期殷王朝は文字を発達させており、それは主に儀式用の甲骨に刻まれた占いの碑文として、また青銅器の碑文としても存在している。[ 74 ] [ 75 ]甲骨文字のうち11文字は、ある程度音楽に関係している可能性があり、その中には楽器そのものの図像表現であるものもある。[ 76 ]石の鐘「青」は殷の支配階級に特に人気があったようで、[ n 11 ]殷の時代に作られた現存する笛はないが、[ 78 ]甲骨文字の証拠から、彼らはオカリナ（潯）、横笛（小、笛子）、二管笛、口琴（笙）、そしておそらくはパン笛（拍鬙）を使用していたことが示唆されている。[ 79 ] [ n 12 ]紀元前 2000 年に青銅器が出現したため、[ 81 ]殷王朝は鐘(鈴)、鐃(鐃)、鐘(鐘) [ 60 ]に青銅器を使用しました。これらは、舌付きか舌なしか、内側を叩くか外側を叩くかの 2 つの方法で区別できます。[ 82 ]殷王朝以前には見つかっていない太鼓[ 83 ]は、青銅器を使用することもありましたが、多くは木製 (バンゴ) でした。[ 84 ] [ 60 ] [ n 13 ]上記の管楽器は、最初の中国弦楽器である琴(または古琴) とセツィターと同様に、周王朝(紀元前 1046 ～ 256 年) には確かに存在していました。[ 60 ] [注14 ]周王朝時代には主要な宮廷楽団が出現し、有名な曽の怡侯墓（紀元前433年以降）には、複雑で装飾的な楽器が数多く収められている。[ 60 ]この墓の中で最も注目すべき楽器は、65個の調律された碇中（びんちょう）からなる壮大なセットである。鐘は5オクターブの音域を持ち、少なくとも5人の演奏者を必要とする。それらは今でも演奏可能で、楽譜に珍しい銘文が刻まれている。[ 87 ]
古代中国の楽器は、実用的な目的と儀式的な目的の両方に用いられました。人々は生存に必要な超自然的な力に訴えるために楽器を使用し、[ 88 ]パンフルートは狩猟中に鳥を引き寄せるために使用された可能性があり、[ 89 ]太鼓は犠牲や軍事儀式でよく使用されました。[ 83 ]中国の音楽は常に舞踊、文学、美術と密接に関連しており、[ 90 ]多くの初期の中国の思想家は音楽を適切な道徳と社会の統治と同一視しました。[ 91 ] [ n 15 ]殷と周の時代を通して、音楽は皇帝の宮廷にとって権力の象徴であり、[ 94 ]宗教儀式だけでなく祖先や英雄の祝祭にも使用されました。[ 88 ] [ 95 ]孔子（紀元前551 年～479 年）は、儀式や理想的な道徳に関わる音楽を、俗楽（俗語／大衆音楽）に対抗する優れた雅楽（雅楽）と正式に定めた。 [ 88 ] [ 96 ]俗楽には、儀式以外の音楽はほぼすべて含まれていたが、特に過度または好色とみなされる音楽は含まれていなかった。[ 96 ]孔子の生きた戦国時代には、官僚たちはこの区別を無視し、より活気のある俗楽を好み、古い雅楽の伝統は政治的な目的のためだけに利用することが多かった。[ 97 ]孔子や孟子などの弟子たちは、この好みを徳のないものとみなし、音楽は本質的に宇宙と結びついているという理論である「甘孜」[ 98 ]を指導者たちが知らないことを非難した。[ 99 ] [ 100 ] [ n 16 ]このように、古代中国音楽の多くの側面は宇宙論と結びついていました。12音階の「時両」システムは特定の重さや寸法と等しく対応し、五音音階は五行と結びついていました。[ 100 ]そして、中国楽器の8音階分類も同様です。八卦の八つのシンボルを持つバイイン。[ 101 ]古代中国の音楽家の演奏習慣に関する実際の音楽やテキストは残っていない。[ 102 ]周王朝の五経には音楽の解説が含まれており、『易経』と『春秋』には言及があり、『礼記』にはかなりの議論が含まれている（『楽記』の章を参照）。[ 41 ]『楽経』は失われているが、[ 81 ]『詩経』には西周時代（1045～771年）の現在失われた歌のテキストが160個含まれている。[ 103 ]
秦王朝（紀元前221年～紀元前206年）は秦始皇によって建国され、わずか15年間しか続かなかったが、書物の焼却により、それまでの音楽文献が大幅に失われた。[ 68 ]秦では古筝が特に人気のある楽器となった。より持ち運びやすく音量の大きい琴として、新興のポピュラー音楽シーンのニーズを満たした。[ 104 ] [ n 17 ]漢王朝（紀元前202年～紀元220年）では、殷周の音楽が「完璧として理想化」されたため、その再構築が試みられた。[ 101 ] [ 68 ]楽府と呼ばれる音楽局は、少なくとも紀元前120年頃、漢の武帝の治世下で設立されたか、最盛期を迎えており、[ 105 ] [ n 18 ]民謡の収集を担当していた。その目的は2つあった。宮廷は民衆の考えを正しく理解することができ、[ 90 ]また宮廷が宣伝や政治的目的に合わせて歌を適応させ、操作する機会でもあった。[ 101 ] [ 68 ] [ n 19 ]儀式、娯楽、軍事音楽家を雇用し、[ 107 ]局はさまざまな場所で演奏し、新しい音楽を作曲し、司馬祥儒などの著名人に依頼した詩に曲をつけた。[ 108 ]漢王朝は儒教を国家哲学として正式に採用し、 [ 68 ]儒嬰理論が支配的な哲学となった。[ 109 ]しかし実際には、多くの官僚は孔子が素楽よりも雅楽を高く評価していることを無視したり軽視したりし、より活気のある非公式な素楽に従事することを好んだ。[ 110 ]紀元前7年までに、この局は829人の音楽家を雇用していた。同年、哀帝は財政上の制約[ 68 ]と、局のますます重要になる素月のために、この部署を解散または縮小した[ 68 ] [ 108 ]。儒教と相容れない音楽。[ 107 ]漢王朝では、中東や中央アジアからの外国の音楽の影響が顕著に見られました。シルクロードの出現により楽器の交換が行われ、[ 67 ]張騫のような旅行者が新しい音楽ジャンルや技法を伝えることができました。[ 68 ]このような文化伝播による楽器には、金属製のトランペットや、現代のオーボエやウードリュートに似た楽器があり、後者は琵琶になりました。[ 67 ]青（チン） [ 89 ]、パンパイプ[ 111 ]、特に琴（古琴）など、以前から存在していた楽器の人気が大幅に高まりました。琴はそれ以降、最も崇敬される楽器となり、人格や道徳と結び付けられました。[ 86 ]
ギリシャの書かれた歴史は古代ギリシャにまで遡り、古代ギリシャ演劇の重要な部分を占めていました。古代ギリシャでは、男女混合の合唱団が娯楽、祝祭、精神的な理由で演奏しました。楽器には、最も重要な管楽器であるダブルリードのアウロス[ 112 ]や、撥弦楽器であるリラ[113]、特にキタラと呼ばれる特別なものがありました。
古代インドの音楽に関する主な資料は文献資料と図像資料である。具体的には、サンスクリット語の理論的な論文がいくつか現存しており、一般文学にも短い言及があり、古代インドの音楽家とその楽器の彫刻が多数存在する。[ 114 ]古代サンスクリット語、パーリ語、プラークリット語の文献には、ヴェーダからカーリダーサの作品、イランゴー・アディガルの叙事詩『シラッパティカラム』に至るまで、音楽に関する記述が頻繁に見られる。[ 115 ]それにもかかわらず、古代インドの実際の音楽の実践についてはほとんど知られておらず、入手可能な情報から、当時の音楽についてやや均質な見方をせざるを得ないが、証拠は実際にははるかに多様であったことを示している。[ 114 ]
壮大な芸術論書であるナティヤ・シャーストラは、古代インド音楽の最も初期の主要な資料の一つであり、音楽部分だけでもグプタ朝時代（西暦4世紀から6世紀）のものと考えられている。[ 116 ]
一般的に、現存する記録が少ないため、ペルシア最古の音楽の徹底的な概要を作成することは不可能です。[ 117 ]紀元前3300～3100年頃のエラムの描写から、アーチ型のハープはペルシア音楽の最初の証拠ですが、芸術的な描写よりもずっと前から存在していた可能性が高いです。[ 118 ]紀元前2450年頃のエラムの雄牛の竪琴がスーサで発見され、紀元前2200～1750年頃のバクトリア・マルギアナ考古学複合体に由来する40個以上の小型のオクサス・トランペットがバクトリアとマルギアナで発見されています。[ 119 ] [ n 20 ]オクサス・トランペットは宗教と動物の両方と密接な関係があったようです。ゾロアスター教の神話でジャムシードがトランペットで動物を引き寄せる場面は、エラム人が狩猟にトランペットを使用していたことを示唆している。[ 120 ]イランで知られている最古の音楽文化は、多くの点でメソポタミアの音楽文化と強く結びついている。古代のアーチ型ハープ（紀元前3000年頃）は後者にも存在し、楽器の少なさから、ハープがどの文化で生まれたのかは不明である。[ 118 ]メソポタミアのウルには、雄牛の頭の竪琴がはるかに多く残っており、特にウルの雄牛の頭の竪琴は有名だが、それらは同時代のエラムの竪琴とほぼ同じである。[ 121 ]テラコッタの銘板の証拠から、紀元前2世紀までに、アーチ型ハープは、20弦の垂直型と9弦の水平型のバリエーションが存在する角型ハープに取って代わられた。 [ 122 ]リュートは少なくとも紀元前2300年までにメソポタミアで使用されていたとされているが、紀元前1300年頃までイランには現れず、イラン西部では主要な弦楽器となった。ただし、入手可能な証拠は、その人気はエリート層以外には及ばなかったことを示唆している。[ 123 ]クル・エ・ファラの岩壁彫刻は、紀元前1世紀に洗練されたペルシャ宮廷アンサンブルが出現したことを示しており、その中心楽器はアーチ型ハープであった。[ 124 ]これらの岩壁彫刻に音楽家が目立つように描かれていることから、彼らは宗教儀式において不可欠な存在であったことが示唆される。[ 125 ]
以前の時代と同様に、アケメネス朝ペルシア帝国（紀元前550～330年）の音楽に関する同時代の情報は極めて少ない。 [ 69 ] [ 126 ]アケメネス朝の音楽文化に関する知識のほとんどは、ギリシャの歴史家によるものである。[ 126 ]ヘロドトスは『歴史』の中で、アケメネス朝の神官は儀式でアウロス音楽を用いなかったと記している一方、クセノフォンは『キュロパイディア』の中でペルシア訪問について回想し、宮廷に多くの女性歌手がいたことに言及している。[ 69 ]アテナイオスもまた、マケドニアの将軍パルメニオンが王の中の王ダレイオス3世から329人の女性歌手を連れ去ったと記す際に、女性歌手について言及している。[ 69 ]後世のペルシアの文献では、ゴサーンと呼ばれる詩人兼音楽家の吟遊詩人が宮廷で著名でかなりの地位にあったと主張されている。[ 127 ]
パルティア帝国（紀元前247年～紀元後224年）では、音楽活動や楽器に関する文献や図像の描写が増加した。紀元前2世紀のパルティアのルタ（酒杯）は、古代の首都ニサで発見されており、当時の音楽家を最も鮮やかに描いたものの一つである。テラコッタの銘板などの絵画資料には女性のハープ奏者が描かれており、バビロンの銘板にはパンパイプのほか、弦楽器（ハープ、リュート、リラ）や打楽器（タンバリン、クラッパー）が描かれている。ドゥラ・エウロポスの青銅像には、大型のパンパイプとダブルアウロスが描かれている。音楽は明らかに儀式や祝祭で用いられており、ハトラのパルティア時代の石のフリーズには、トランペット、タンバリン、様々なフルートを演奏する音楽家が登場する結婚式の様子が描かれている。その他の文献や図像資料は、ゴーサン吟遊詩人が依然として重要な地位を占めていたことを示している。しかし、アケメネス朝時代と同様に、パルティア音楽に関する情報源としてギリシャの著述家が引き続き重要な役割を担っている。ストラボンは、ゴーサンが神々や貴族の物語を語る歌を学んだと記録しており、プルタルコスも同様に、ゴーサンがパルティアの英雄を称え、ローマの英雄を嘲笑していたと記録している。プルタルコスはまた、パルティア軍が戦争の準備にロプトラ（大型の太鼓）を使用していたことに非常に困惑したと記録している。 [ 128 ]
しかし、ササン朝時代（西暦226～651年）には音楽に関する豊富な証拠が残されている。ササン朝の記録の流入は、特にゾロアスター教が支配的な地域で、帝国に顕著な音楽文化があったことを示唆している[ 37 ]。[ 129 ]帝国の創始者であるアルダシール1世やバフラム5世など、多くのササン朝のシャーハンシャーは音楽の熱心な支援者であった[ 129 ]。ホスロー2世（在位590～628年）は最も傑出した庇護者であり、彼の治世はペルシャ音楽の黄金時代と見なされている。[ 129 ]ホスローに仕えた音楽家には、アーザードヴァル・エ・チャンギ（またはアーザード）、[ 126 ]バムシャード、ハープ奏者のナギサ（ナキサ）、ラムティン、サルカシュ、そして最も有名なバルバド[ 117 ]などがいる。 [ 130 ]これらの音楽家は通常、宮廷詩人と音楽家の両方として活動する吟遊詩人として活躍していた。 [ 131 ]ササン朝では詩と音楽の区別はほとんどなかった。[ 132 ]
西アフリカのノク文化（現在のナイジェリア）は紀元前500年頃から200年頃まで存在し、かなりの数の彫刻を残しました。[ 133 ]これらの彫刻の中には、マラカスと思われる2つの物体を振る男性など、音楽を描いたものがあります。別の彫刻には、口を開けている男性（おそらく歌っている）や、太鼓を叩いている男性の彫刻もあります。[ 134 ]
日本の宮廷では雅楽（雅楽）が発展した。雅楽は飛鳥年間の西暦700年に設立された宮廷音楽院である雅楽寮に由来する。 [ 135 ]雅楽という言葉は中国の雅楽に由来するが、雅楽はもともと儒教の儀式音楽を指していたのに対し、雅楽は多くのジャンル、スタイル、楽器に及ぶ。[ 135 ] [ 136 ] [ n21 ]伝統の初期の歴史では、和楽（日本の伝統音楽）、三楽楽（朝鮮の三国時代の音楽）、唐楽（中国の唐時代の音楽）の3つの主要なジャンルに加え、虎楽、義楽、臨遊楽などのマイナーなジャンルもあった。この時代のアジアの音楽の中では珍しく、 8世紀から11世紀にかけての雅楽の楽譜が数多く現存している。 [ 136 ]
雅楽の大きな転換点は9世紀に起こり、それは唐楽と駒楽の区別が確立されたことである。唐楽は中国の影響を受けた様式で、左楽と呼ばれる林友楽の伝統と融合した。駒楽は右楽と呼ばれ、朝鮮（山楽）と渤海（補海楽）の両方の影響を受けた音楽を包含していた。この区分は顕著であったが、厳密なものではなく、唐楽と駒楽の様式は互いに絡み合い、影響を与え合っていた。[ 136 ]長い平安時代（794～1185年）には、多くの祭事や祝祭に伴奏されたため、宮廷から雅楽が大いに後援された。この時期には、サイバラやローエイといった数多くの新しいジャンルが出現した。[ 136 ] [ 137 ]雅楽アンサンブルは多種多様な楽器で構成され、日本の伝統音楽の中では最大規模の編成である。[ 138 ]
現代の学者は一般的に「中世音楽」を中世の西ヨーロッパの音楽と定義している[ 139 ] 。これはおよそ6世紀から15世紀にかけてのことである。楽器の芸術的な描写、音楽に関する著作、その他の記録からもわかるように、音楽は確かに中世初期に重要な位置を占めていた。しかし、800年以前から今日まで残っている音楽のレパートリーは、ローマ・カトリック教会のグレゴリオ聖歌と呼ばれる典礼音楽のみであり、その大部分はグレゴリオ聖歌と呼ばれている。音楽レパートリーにその名を冠し、自身も作曲家であった可能性のあるグレゴリウス1世は、典礼の音楽部分を現在の形で創始したと一般的に言われているが、彼の貢献の詳細を記した資料は彼の死後100年以上経ってから書かれたものである。多くの学者は、彼の名声は伝説によって誇張されていると考えている。聖歌のレパートリーのほとんどは、グレゴリウスの時代からカール大帝の時代までの数世紀の間に、匿名で作曲されたものである。
9世紀には、いくつかの重要な発展があった。第一に、教会は数多くの聖歌の伝統を統一し、グレゴリオ聖歌を優先してそれらの多くを廃止しようと尽力した。第二に、オルガヌムとして知られる並行歌唱の一形態である、最古の多声音楽が歌われた。第三に、そして音楽史において最も重要なのは、約500年の空白期間を経て記譜法が再発明されたことである。ただし、現代の音楽家が当然のことと考えるような正確さと柔軟性を備えた音高とリズムの記譜法が確立されるまでには、さらに数世紀を要することになる。
1100年以降、いくつかのポリフォニーの流派が隆盛を極めた。サン・マルシャル・オルガヌムの流派は、単一の持続線上で速い動きをするパートが特徴的であった。ノートルダム・ポリフォニーの流派は、作曲家のレオナンとペロタンを含み、1200年頃に2声部以上の音楽を初めて生み出した。ガリシアのサンティアゴ・デ・コンポステーラは、中世後期に多くの伝統を持つ音楽家が集まった巡礼地であり、音楽のるつぼであった。彼らの音楽はコデックス・カリクスティヌスに残されている。そして、ウスター断片とオールド・ホール写本に音楽が残るイギリスの流派である。これらの宗教音楽の流派と並行して、トルバドゥール、トルヴェール、ミンネゼンガーの音楽に代表されるような、活気に満ちた世俗歌曲の伝統が発展した。初期ルネサンス期の後期の世俗音楽の多くは、吟遊詩人、宮廷詩人、旅芸人の形式、思想、音楽的美学から発展したものであり、彼らの文化は13世紀初頭のアルビジョワ十字軍によってほぼ根絶された。
13 世紀後半に発展した宗教音楽の形式には、モテット、コンダクトゥス、ディスカント、クラウスラエなどがある。珍しい発展の一つは、ガイスラーリートで、これは 2 つの期間に放浪する鞭打ち苦行者の音楽である。1 つは 13 世紀半ば (教会によって弾圧されるまで)、もう 1 つは黒死病の流行中および直後の 1350 年頃で、この時期には彼らの活動が鮮やかに記録され、楽譜で詳細に文書化されている。彼らの音楽は、民謡のスタイルと懺悔または黙示録的なテキストを混ぜ合わせたものである。ヨーロッパ音楽史における 14 世紀は、アルス ノヴァのスタイルが支配的である。慣習的に、これは中世の音楽時代に分類されるが、初期ルネサンスの理想や美学と多くの共通点がある。当時残された音楽の多くは世俗音楽であり、バラード、ヴィルレー、ライ、ロンドーといった、同名の詩の形式に対応する定型形式（formes fixes）を用いる傾向がある。これらの形式の楽曲のほとんどは1声から3声で、おそらく器楽伴奏を伴う。有名な作曲家にはギヨーム・ド・マショーやフランチェスコ・ランディーニなどがいる。
395年から1453年まで存在したビザンツ帝国では、著名で多様な音楽の慣習が存在した。 [ 140 ]聖歌と世俗音楽の両方が一般的で、聖歌は教会の礼拝で頻繁に使用され、世俗音楽は儀式、ドラマ、バレエ、宴会、祭り、スポーツの試合など多くのイベントで使用された。[ 141 ] [ 142 ]しかし、その人気にもかかわらず、世俗のビザンツ音楽は、特にヒエロニムスをはじめとする教父たちから厳しく批判された。[ 142 ]聖歌、特に賛美歌や聖歌の作曲家は、ビザンツ音楽の歴史を通じて概ねよく記録されている。しかし、ユスティニアヌス1世の治世以前の作曲家はほとんど知られていない。修道士アンティモス、アウクセンティオス、ティモクレスはトロパリオンを書いたと言われているが、アウクセンティオスの1つの歌詞だけが残っている。[ 143 ]最初の主要な形式はコンタキオンであり、メロディストのロマノスがその第一人者であった。[ 144 ] 7 世紀後半にはカノンが人気でコンタキオンを上回り、クレタのアンドリューがその最初の重要な作曲家となり、伝統的にこのジャンルの創始者として認められているが、[ 145 ]現代の学者はこの帰属に疑問を抱いている。[ 146 ]カノンは、 8 世紀と 9 世紀にそれぞれダマスカスのヨハネとマイウマのコスマス、後にストゥディオスのテオドロスと烙印のテオファネスの音楽で最盛期を迎えた。[ 141 ]世俗音楽の作曲家については記録がかなり少ない。帝国の歴史の後半になって初めて作曲家の名前が知られるようになり、ヨハネス・ククゼレス、クセノス・コロネス、ヨハネス・グリキスが主要人物として挙げられる。[ 147 ]
同時代の西洋の作曲家と同様に、ビザンツの作曲家も主に男性であった。[ 148 ]カシアはこれに対する大きな例外であり、彼女はスティケロン賛美歌の多作で重要な作曲家であり、ビザンツ典礼に作品が取り入れられた唯一の女性である。[ 149 ]テクラ、テオドシア、マルタ、そしてヨハネス・クラダスの娘（彼女の名前は記録されていない）など、他にも数人の女性が作曲家であったことが知られている。[ 150 ] [ 151 ]後者のみが、1曲のアンティフォナという現存する作品を持っている。[ 152 ]レオ6世賢王やコンスタンティノス7世など、ビザンツ皇帝の中にも作曲家であったことが知られている者がいる。[ 153 ] [ 154 ]
古代から中世にかけて、インド亜大陸の古典音楽は大部分が統一された慣習であった。14世紀までに、デリー・スルタン朝によって引き起こされた社会政治的混乱により、北インドと南インドが分断され始め、それぞれの地域で独立した伝統が出現し始めた。16世紀までに、北のヒンドゥスターニー古典音楽と南のカルナータカ古典音楽という2つの異なる様式が形成された。 [ 155 ]両者の大きな違いの1つは、北のヒンドゥスターニー音楽が当時のペルシャとアラブの音楽慣習に大きく影響を受けていたことである。[ 156 ]カルナータカ音楽は主に宗教音楽であり、歌の大部分はヒンドゥー教の神々に捧げられている。
インド古典音楽（マルガ）は単旋律で、単一の旋律線またはラーガに基づいており、ターラによってリズミカルに構成されています。
音楽におけるルネサンスの始まりは、他の芸術におけるルネサンスの始まりほど明確には示されておらず、他の芸術とは異なり、イタリアではなく北ヨーロッパ、具体的には現在フランス中部および北部、オランダ、ベルギーを含む地域で始まった。フランコ・フランドル楽派の第一世代として知られるブルゴーニュ作曲家のスタイルは、当初は14世紀後半のアルス・スブティリオルの過度に複雑で技巧的なスタイルに対する反動であり、明瞭で歌いやすい旋律と、すべての声部でバランスの取れたポリフォニーを特徴としていた。15世紀半ばのブルゴーニュ楽派で最も有名な作曲家は、ギヨーム・デュファイ、ジル・バンショワ、アントワーヌ・ビュスノワである。
15世紀半ばまでに、低地諸国とその周辺地域出身の作曲家や歌手がヨーロッパ各地、特にイタリアに広がり始め、教皇礼拝堂や芸術の貴族パトロン（メディチ家、エステ家、スフォルツァ家など）に雇われた。彼らは、宗教音楽にも世俗音楽にも適した滑らかなポリフォニーという独自のスタイルを携えていった。当時の宗教音楽の主な形式はミサ、モテット、ラウデであり、世俗音楽の形式にはシャンソン、フロットラ、そして後にマドリガルなどがあった。
印刷術の発明は音楽様式の普及に多大な影響を与え、フランコ・フランドル音楽家の運動とともに、カール大帝によるグレゴリオ聖歌の統一以来、ヨーロッパ音楽における最初の真に国際的な様式の確立に貢献した。フランコ・フランドル楽派の中期の作曲家には、対位法的に複雑な様式で、多様なテクスチャと精緻なカノン的手法を用いた音楽を作曲したヨハネス・オケゲム、 15世紀末の数十年間で最も有名なミサ曲作曲家の一人であるヤコブ・オブレヒト、そしてパレストリーナ以前のヨーロッパで最も有名な作曲家であり、16世紀にはあらゆる形式において最も偉大な芸術家の一人として名声を博したジョスカン・デ・プレなどがいる。ジョスカンの後の世代の音楽は、対位法の複雑さを増していった。おそらく最も極端な表現はニコラ・ゴンベールの音楽に見られるだろう。彼の対位法的な複雑さは、カンツォーナやリチェルカーレといった初期の器楽曲に影響を与え、最終的にはバロック時代のフーガ形式へと結実した。
16世紀半ばまでに、国際様式は崩壊し始め、非常に多様な様式の傾向がいくつか明らかになった。例えば、対抗宗教改革のトレント公会議の指示による宗教音楽の簡素化の傾向（ジョヴァンニ・ピエルルイージ・ダ・パレストリーナの音楽に代表される）、マドリガルの複雑さと半音階主義の傾向（ルッツァスキのフェラーラ楽派の前衛的な様式や、世紀末のマドリガル作曲家カルロ・ジェズアルドに極限に達した）、そしてヴェネツィア楽派の壮大で響き豊かな音楽（ヴェネツィアのサン・マルコ大聖堂の建築を利用して対位法的な対比を生み出した）などである。ヴェネツィア楽派の音楽には、オーケストレーション、装飾的な器楽パート、通奏低音パートの発展が含まれており、これらはすべて1600年頃の数十年の間に起こった。ヴェネツィアの著名な作曲家には、ガブリエーリ兄弟（アンドレアとジョヴァンニ）のほか、この時代の末期における最も重要な革新者の一人であるクラウディオ・モンテヴェルディなどがいる。
19世紀末までに、ヨーロッパのほとんどの地域では、活発で明確に分化した音楽の伝統が確立されていた。イギリスでは、トーマス・タリスやウィリアム・バードといった作曲家が、大陸で作曲されたものと同様の様式で宗教音楽を作曲した一方、活発な国内のマドリガル作曲家グループが、イタリアの形式をイギリス人の好みに合わせて翻案した。有名な作曲家には、トーマス・モーリー、ジョン・ウィルビー、トーマス・ウィールクスなどがいる。スペインでは、独自の器楽および声楽の様式が発展し、トマス・ルイス・デ・ビクトリアはパレストリーナに似た洗練された音楽を作曲し、その他多くの作曲家が新しいギターのために作曲した。ドイツでは、プロテスタントのコラールを基にした多声形式が発展し、ローマ・カトリックのグレゴリオ聖歌に代わって宗教音楽の基礎となり、ヴェネツィア楽派の様式が輸入された（ヴェネツィアでは、この様式の出現がバロック時代の始まりを決定づけた）。さらに、オランダとドイツの作曲家、特にヤン・ピーテルスゾーン・スウェーリンクは膨大な量のオルガン曲を作曲し、後のバロックオルガン様式の基礎を築き、それはJ.S.バッハの作品で頂点に達した。フランスでは、世俗的なシャンソンに用いられる「ミュジック・メジュレ」と呼ばれる独自の音楽表現様式が発展し、ギヨーム・コステリーやクロード・ル・ジューヌといった作曲家がこの運動で重要な役割を果たした。
1570年代から1580年代にかけてフィレンツェで起こった最も革新的な運動の一つは、フィレンツェ・カメラータの活動によるものでした。皮肉なことに、彼らの意図は反動的なものでした。当時の音楽の堕落に不満を抱いていた彼らは、古代ギリシャの音楽を復興することを目指したのです。その中心人物は、天文学者の父であるヴィンチェンツォ・ガリレイとジュリオ・カッチーニでした。彼らの努力の成果は、モノディと呼ばれる朗唱的な旋律歌唱スタイルと、それに対応する舞台劇形式、つまり今日オペラとして知られる形式でした。1600年頃に書かれた最初のオペラは、ルネサンスの終焉とバロック時代の始まりをも象徴しています。
1600年以前の音楽は、調性音楽というよりは旋法音楽であった。16世紀後半、ジョゼッフォ・ザルリーノやフランキヌス・ガフリウスによる音階と旋法に関する著作など、いくつかの理論的発展が、共通慣習調性の発展に直接つながった。長音階と短音階が古い教会旋法に取って代わり始め、この特徴は当初、楽曲の終止部分で最も顕著であったが、次第に広く普及していった。1600年以降の音楽、すなわちバロック時代の調性音楽から始まる音楽は、しばしば共通慣習時代に属するものとみなされる。
バロック時代は1600年から1750年まで続き、バロック様式の芸術がヨーロッパ全土で隆盛を極め、この間、音楽は範囲と複雑さを増していきました。バロック音楽は、最初のオペラ（オーケストラ伴奏による劇的な独唱音楽）が作曲されたことから始まりました。バロック時代には、複数の独立した旋律線が同時に用いられる多声対位法音楽が重要視されました（対位法は中世の声楽曲において重要でした）。ドイツ、イタリア、フランス、オランダ、ポーランド、スペイン、ポルトガル、イギリスのバロック作曲家は、弦楽器、金管楽器、木管楽器などの小編成アンサンブルに加え、合唱やパイプオルガン、チェンバロ、クラヴィコードなどの鍵盤楽器のための楽曲を作曲しました。この時代には、フーガ、インヴェンション、ソナタ、協奏曲など、後の時代にも発展・進化を遂げた主要な音楽形式がいくつか確立されました。[ 157 ]後期バロック様式は多声的に複雑で、豊かな装飾が施されていました。バロック時代の重要な作曲家には、ヤン・ピーテルゾーン・スウェーリンク、ヨハン・セバスティアン・バッハ、アルカンジェロ・コレッリ、フランソワ・クープラン、ジローラモ・フレスコバルディ、ジョルジュ・フリデリック・ヘンデル、ジャン＝バティスト・リュリ、ジャン＝フィリップ・ラモー、クラウディオ・モンテヴェルディ、ゲオルグ・フィリップ・テレマン、ドメニコ・スカルラッティ、アントニオ・ヴィヴァルディ。
古典派時代の音楽は、ホモフォニックなテクスチャー、つまり伴奏を伴う明瞭な旋律を特徴としています。これらの新しい旋律は、ほとんど声楽のように歌いやすく、作曲家は歌手に代わって音楽の中心となることができました。そのため、器楽曲はオペラやその他の歌唱形式（オラトリオなど）に取って代わり、音楽愛好家のお気に入りとなり、偉大な作曲の典型となりました。しかし、オペラは消滅したわけではありません。古典派時代には、多くの作曲家が一般大衆向けに母国語でオペラを作曲し始めました（それまでのオペラは一般的にイタリア語でした）。
声部が徐々に取って代わり、より力強く明瞭な旋律が用いられるようになるのに伴い、対位法もまた、作品の終盤や単一の楽章でよく用いられる装飾的な装飾として用いられるようになった。その代わりに、アルペジオやピアノ音楽ではアルベルティ・バス（通常左手で繰り返されるパターンによる伴奏）などの単純なパターンが、混乱を招く追加の声部を作り出すことなく、楽曲の楽章を活気づけるために用いられた。現在人気の器楽曲は、ソナタ、交響曲、協奏曲といういくつかの明確な形式によって支配されていたが、これらは当時、現在の音楽理論のように具体的に定義され、教えられていたわけではなかった。これら3つはすべてソナタ形式に由来し、ソナタ形式は作品全体の全体形式であると同時に、単一の楽章の構造でもある。ソナタ形式は古典派時代に成熟し、19世紀を通じて器楽曲の主要な形式となった。
初期古典派は、ヨハン・シュターミッツ、フランツ・クサヴァー・リヒター、カール・シュターミッツ、クリスティアン・カンナビヒといった作曲家を含むマンハイム楽派によって幕を開けました。この楽派はヨーゼフ・ハイドンに深い影響を与え、彼を通してその後のヨーロッパ音楽全体にも影響を与えました。ヴォルフガング・アマデウス・モーツァルトは古典派の中心人物であり、あらゆるジャンルにおける彼の驚異的で多様な作品群が、この時代の私たちの認識を決定づけています。ルートヴィヒ・ヴァン・ベートーヴェンとフランツ・シューベルトは過渡期の作曲家であり、既存の音楽のジャンル、形式、さらには機能までも拡張することで、ロマン派時代へと導いたのです。
ロマン派の時代には、音楽はより表現豊かで感情的になり、文学、芸術、哲学を包含するまでに拡大しました。初期の有名なロマン派作曲家には、シューマン、ショパン、メンデルスゾーン、ベッリーニ、ドニゼッティ、ベルリオーズなどがいます。19世紀後半には、オーケストラの規模が劇的に拡大し、コンサートが都市社会の一部としての役割を担うようになりました。同世紀後半の有名な作曲家には、ヨハン・シュトラウス2世、ブラームス、リスト、チャイコフスキー、ヴェルディ、ワーグナーなどがいます。1890年から1910年の間には、グリーグ、ドヴォルザーク、マーラー、リヒャルト・シュトラウス、プッチーニ、シベリウスなどの第三の波の作曲家たちが、中期ロマン派の作曲家の作品を基に、さらに複雑で 、しばしばはるかに長い 音楽作品を創作しました。 19世紀後半の音楽の顕著な特徴は、ドヴォルザーク、シベリウス、グリーグといった作曲家に代表されるような、民族主義的な熱狂である。その他、同時代の著名な作曲家には、サン＝サーンス、フォーレ、ラフマニノフ、フランク、ドビュッシー、ラヴェル、リムスキー＝コルサコフなどがいる。
20世紀には、ラジオが世界的に普及し、音楽を録音、編集、配信するための新しいメディアや技術が開発されたことで、音楽鑑賞に革命が起こりました。演奏の放送や録音により、音楽演奏はますます視覚的なものになりました。[ 158 ]
20世紀の音楽は、それまでの時代の音楽の既成概念に挑戦する新しい音楽スタイルや形式による新たな自由と幅広い実験をもたらした。20世紀半ばの音楽増幅装置と電子楽器、特にシンセサイザーの発明は、クラシック音楽とポピュラー音楽に革命をもたらし、新しい音楽形式の発展を加速させた。[ 159 ]
クラシック音楽に関しては、2 つの基本的な流派が世紀の方向性を決定づけました。それは、アルノルト・シェーンベルクの流派とイーゴリ・ストラヴィンスキーの流派です。[ 160 ]しかし、他の作曲家も顕著な影響を与えました。例えば、ベーラ・バルトーク、アントン・ウェーベルン、ドミートリイ・ショスタコーヴィチ、オリヴィエ・メシアン、ジョン・ケージ、ベンジャミン・ブリテン、カールハインツ・シュトックハウゼン、ソフィア・グバイドゥーリナ、クシシュトフ・ペンデレツキ、ブライアン・ファーニーホウ、カイジャ・サーリアホなどです。[ 161 ]
20世紀には、ポピュラー音楽、つまり幅広い層にアピールする音楽がかつてないほど普及しました。[ n 22 ]この用語は、1880年代にニューヨーク市で出現し始めた著名な音楽家や出版社のグループであるアメリカのティン・パン・アレーの音楽にルーツがあります。ポピュラー音楽は「ポップミュージック」と呼ばれることもありますが、これらの用語は必ずしも互換性があるわけではありません。[ 163 ]ポピュラー音楽は、人口の大部分の好みにアピールするさまざまな音楽ジャンルを指しますが、[ 164 ]ポップミュージックは通常、ポピュラー音楽の中の特定のジャンルを指します。[ 165 ]ポピュラー音楽の歌や楽曲は、一般的に歌いやすいメロディーを持っています。ポピュラー音楽の楽曲構成は、一般的にセクションの繰り返しを含み、詩とコーラスまたはリフレインが曲全体を通して繰り返され、ブリッジは楽曲内で対照的で移行的なセクションを提供します。[ 166 ]
{{cite news}}: CS1メンテナンス: アーカイブサービスは非推奨になりました (リンク)ビザンツ帝国はいつ存在したか?: ビザンツ帝国は、ローマ帝国が分裂した紀元395年頃から1453年まで存在した。
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