アニメーションの歴史

静止画像から動画を作成する方法であるアニメーションの歴史には、1888年のセルロイドフィルムの出現に始まる初期の歴史と近代史があります。 1895年から1920年の間に映画産業が勃興し、オブジェクト、人形、粘土または切り抜きを使用したスト​​ップモーションや、描画またはペイントされたアニメーションなど、いくつかの異なるアニメーション技術が開発または再発明されました。 手描きアニメーションは、主にセルに描かれた一連の静止画像で構成され、 20世紀の主流の技術であり、伝統的なアニメーションとして知られるようになりました。

今日、コンピュータアニメーションはほとんどの地域で主流のアニメーション技術となっている（手描きアニメーションは米国以外では依然として非常に人気があり、たとえば日本のアニメやヨーロッパの手描き作品など）。コンピュータアニメーションは主に、詳細な陰影のある3次元の外観に関連付けられているが、コンピュータではさまざまなアニメーションスタイルが生成またはシミュレートされている。一部の作品はFlashアニメーションとして認識されることがあるが、実際には、比較的2次元の外観、くっきりとした輪郭、陰影の少ないコンピュータアニメーションは、コンピュータで作成された場合でも一般に「従来のアニメーション」と見なされる。カメラを使用せずにコンピュータで作成された最初の長編映画は「レスキュー・ダウン・アンダー」（1990年）であるが、そのスタイルはセルアニメーションとほとんど区別がつかない。

アニメーション映画は、物語、視覚芸術、演劇における古代の伝統の一部です。映画以前の動画の人気の技法には、影絵、機械スライド、幻灯ショー（特にファンタスマゴリア）の移動式プロジェクターなどがあります。空想的な3次元の動く人物の技法には、仮面や衣装、操り人形、オートマタなどがあります。イラスト付きの児童書、風刺画、政治漫画、特にコミックストリップは、アニメーションと密接な関係があり、視覚的なスタイルやユーモアの種類に多大な影響を与えています。

現代のアニメーションの原理は、1833 年にストロボ ディスク (フェナキスティスコープとしてよく知られている) で導入されたストロボの動きの錯覚に基づいています。これらのアニメーション ディスクには、通常、多くのGIFアニメーションのように無限ループとして設計された、平均 8 ～ 16 枚の画像があり、家庭用の手動の「哲学的なおもちゃ」として使用されていました。何人かの先駆者は、劇場での使用のために長いシーンに適用できることを期待していましたが、19 世紀を通じてこの技術のさらなる開発は、主にステレオスコープ(1838 年に導入) と写真(1839 年に導入) との組み合わせに集中しました。映画撮影の飛躍的進歩は、実物そっくりの動画を記録して再生できる技術の斬新さに部分的に依存していました。最初の数年間、アニメの絵を描くことは比較的時代遅れの技術のように思われていましたが、一部のアーティストが人気があり影響力のある短編アニメを制作し、プロデューサーが安価な技術を採用して人気のコミックをアニメに変えるまでは、時代遅れの技術に変わりました。

シャルル＝エミール・レイノーは、投影プラキシノスコープを、2 つのスプールに巻かれた長い穴あきストリップに手描きされた透明な色鮮やかな絵を備えたテアトル オプティークへと発展させ、1888 年 12 月に特許を取得しました。1892 年 10 月 28 日から 1900 年 3 月まで、レイノーはパリのグレヴァン美術館で 50 万人を超える来場者に向けて 12,800 回以上のショーを行いました。彼のアニメーション映画「パントマイム ルミヌーズ」シリーズは、 300 ～ 700 フレームを前後に操作して、1 本の映画につき 10 ～ 15 分間続きました。背景シーンは別途投影されました。ピアノ音楽、歌、および一部のセリフは生演奏され、一部の効果音は電磁石で同期されていました。最初のプログラムには、3 つの漫画が含まれていました。『貧しいピエロ』（1892 年作成）、『良い箱』（1892 年作成、現在は紛失）、『道化師と犬たち』 （1892 年作成、現在は紛失）です。後に、 『Autour d'une Cabine』（1894 年作成）と『A rêve au coin du feu』 （1894 年作成）というタイトルが上演されました。

レイノーの映画の成功にもかかわらず、1895年にリュミエールがシネマトグラフを導入した後の映画産業でアニメーションが採用されるまでにはしばらく時間がかかった。ジョルジュ・メリエスの初期のファンタジー映画やトリック映画（1896年から1913年の間に公開）には、塗装された小道具や塗装された背景の前を動く塗装された生き物（主に針金を使用）や、手作業による映画のカラー化など、アニメーションに似た要素が時折含まれている。メリエスはまた、ショット間のシーンに1つの変更を加えるストップトリックを普及させたが、これは1895年にトーマス・エジソンの『メアリー・スチュアートの処刑』で既に使用されており、おそらく数年後のストップモーションアニメーションの開発につながったと思われる。 ^{[1]適切なアニメーション映画が映画館で上映されたのは1906年になってからである。アニメーションが使用されたと推定される初期の映画の年代については異論があり、}ストップモーションやその他のアニメーション技術を使用した可能性のある他の初期の映画は紛失しているか、特定されていない。

1897年までに、ドイツの玩具メーカーであるゲブリューダー・ビング社は玩具キネマトグラフの最初の試作品^[2]を完成させ、1898年11月にライプツィヒで開催された玩具コンベンションで発表した。その後すぐに、エルンスト・プランク、ジョルジュ・カレット、ラピエールなどドイツとフランスの他の玩具メーカーも同様の機器の販売を開始した。キネマトグラフは基本的に伝統的な玩具の幻灯機で、標準的な「エジソンパーフォレーション」35mmフィルムを使用する1つまたは2つの小さなスプール、クランク、シャッターが取り付けられていた。これらの映写機は、ほとんどのメーカーがすでにプラキシノスコープや幻灯機で提供していたのと同じタイプの「家庭用娯楽」玩具市場を対象としていた。比較的高価な実写映画とは別に、メーカーは石版印刷の絵を印刷して安価な映画を多数製作した。これらのアニメーションは、 1898年か1899年から白黒で制作されていたと思われるが、遅くとも1902年までにはカラーで制作されていた。画像は実写映画からトレースされることが多かった（後のロトスコープ技術のように）。これらの非常に短い映画は、通常、単純な反復動作を描写し、そのほとんどはループとして投影されるように設計されており、映画の終わりをエンドレスに再生する。リトグラフのプロセスとループ形式は、ストロボディスク、ゾエトロープ、プラキシノスコープによって確立された伝統に従っている。^{[3] [4]}

『活動写真』 （1907年から1912年にかけて制作）は、日本最古のアニメーション作品と推測されており、おそらく西洋の同様の印刷されたフィルムストリップを模倣して作られたものと思われる。 ^[5]

J. スチュアート ブラックトンはイギリス系アメリカ人の映画製作者で、ヴィタグラフ スタジオの共同設立者であり、映画にアニメーションを使用した最初の一人です。彼の『魔法の絵』 （1900 年）は、標準的な画像フィルムに記録された、アニメーション要素を含む最初の劇場用映画とみなすことができますが、これは絵の変化を数フレームだけ表したものです。この映画では、ブラックトンが顔、葉巻、ワインのボトル、グラスの「ライトニング スケッチ」を行っています。ブラックトンが顔の口にワインを注いだとき、またはブラックトンが葉巻を取ったときに、顔の表情が変わります。この映画で使用された技法は基本的にストップ トリックです。シーンの唯一の変化は、絵を異なる表情の類似の絵に置き換えることです。いくつかのシーンでは、描かれたボトルとグラスが実際の物体に置き​​換えられました。ブラックトンは、失われた 1896 年のライトニング スケッチ フィルムで同じ技法を使用していた可能性があります。^[1]

ブラックトンの 1906 年の映画「Humorous Phases of Funny Faces」は、標準フィルムで描かれた最古の手描きアニメーションとみなされることが多い。この作品には、2 つの顔の表情の変化と葉巻の煙のもくもくを見せる、フレーム間で切り替わる黒板の絵を使ったシーケンスと、より滑らかな動きを実現する類似の切り抜きアニメーションを使った 2 つのシーケンスが含まれている。

アレクサンドル・シルヤエフはマリインスキー劇場に勤めていたロシアのバレエダンサー、バレエマスター、振付師で、ストップモーションアニメーションを独自に発明したと言われています。1906年から1909年にかけて、人形アニメーション、手描きアニメーション、混合技術を使用して、ロシアで作られた最も初期のアニメーション映画を制作しました。いくつかは実験として作られましたが（たとえば、鳥が一列に飛んでいく20分の手描きアニメーション）、ほとんどの映画はバレエダンサーに振り付けがどのように見えるかを示す教育目的で作られました。人形アニメーションの長さは1分強から10分まででした。シルヤエフの映画はマリインスキー劇場内で出演者向けにのみ上映され、一般公開されることはなく、2003年にロシアのドキュメンタリー作家でバレエ史家のヴィクトル・ボチャロフがさまざまな映画の断片を収録した 「遅ればせながらの初演」と題した1時間の映画を公開するまで、一般には知られていませんでした。

スペインの映画監督セグンド・デ・チョモンはフランスの映画会社パテのために多くのトリック映画を制作した。1906年までに、彼は『魔法使いの家』 ^[6]や『ボブの劇場』^[7]（どちらも米国では1906年4月に公開）など、いくつかの短編映画でストップモーションを使用していた。ブラックトンの『幽霊ホテル』（1907年2月23日）^[8]には、 『魔法使いの家』と非常によく似たストップモーションの要素が含まれている。公開日が正確であれば（そして翻訳タイトルが混同されていなければ）、ブラックトンはデ・チョモンの作品に触発されたはずであり、その逆ではないが、『幽霊ホテル』はフランスや他のヨーロッパ諸国で大ヒットし、エミール・コールを含む地元の映画監督が革新的なアニメーション技術に取り組み始めるきっかけとなった映画だと考えられている。^{[1]ド・ショモンは、}ピクセル化された短いシーンを含む関連した短編映画『エレクトリック・ホテル』（1908年）も制作した。

1907年、フランス人アーティストのエミール・コールはストップモーション技法を独創的に使用した『Japon de faintasie』^[9]で映画製作のキャリアをスタートさせた。次の短編映画『 Fantasmagorie』 (1908年)は、後に伝統的アニメーション手法として知られるようになる手法を使用した最初のアニメーション映画とみなされる。^[10]この映画は、主に棒人間が動き回り、ワインボトルが花に変形するなど、さまざまな変形オブジェクトに遭遇するシーンで構成されている。アニメーターの手がシーンに入る実写の部分もある。この映画は、各フレームを紙に描き、次に各フレームをネガフィルムに撮影することで作成されており、画像に黒板のような外観を与えている。コールはその後、1912年にニューヨーク市近郊のニュージャージー州フォートリーに移り、フランスのスタジオであるエクレアで働き、そのアニメーション手法を米国に広めた。

1910年代には大規模なアニメーションスタジオが誕生し、ソロアーティストは世間の目から消えていった。^[11]最初のプロの女性アニメーターとして知られるベッシー・メイ・ケリーは、1917年にキャリアをスタートした。^[12]

新聞漫画家として成功したウィンザー・マッケイは、 1911年に彼のもっとも人気の高かったキャラクターであるリトル・ニモを題材にした短編映画を皮切りに、それまで映画館で上映されていたどのアニメーションよりも細部まで手描きのアニメーションを制作した。1914年の映画『恐竜ガーティ』では、手描きのアニメーションでキャラクターが開発された初期の例を取り上げている。^[13]この映画は、実写映像とアニメーションを組み合わせた最初の映画でもあった。もともとマッケイはこの映画を自身のボードビル芸に使用していた。彼はスクリーンの横に立ってガーティに話しかけ、ガーティは一連の身振りで応答した。映画の最後には、マッケイは映写スクリーンの後ろを歩き、事前に録画された映像にシームレスに切り替わり、彼自身がスクリーンに入り、漫画の恐竜の背中に乗ってフレーム外に飛び出していく。^{[14] [15]}マッケイは、彼の映画のために何千枚もの絵のほとんどすべてを自ら手描きした。^[11]マッケイの他の注目すべき作品としては、『蚊の行動』（1912年）や『ルシタニア号の沈没』（1918年）などがある。

1915年から1916年にかけて、ダドリー・バクストンとアンソン・ダイアーは、第一次世界大戦中に、主に切り抜きアニメーションを使用して26の時事漫画シリーズを制作し、ジョン・ブルのアニメーションスケッチブックとして発表しました。^[16]エピソードには、ドイツの戦艦によるスカボローの砲撃^[17]や、1915年6月のエピソード4でのルシタニア号の沈没などの出来事が含まれていました。 ^[18]

1913年頃、ラウル・バレは、各図面の下に2つの穴を開け、2本の固定ピンにそれらを配置することで、図面の位置合わせを容易にするペグシステムを開発した。彼はまた、「スラッシュ・アンド・ティア」技法を使用して、すべてのフレームで背景やその他の動きのない部分全体を描画しなくても済むようにした。次のフレームで変更が必要な部分は、図面から慎重に切り取られ、下のシートに必要な変更が記入された。^{[19]バレは}エジソン・スタジオでアニメーションのキャリアを開始した後、1914年にアニメーション専用の最初の映画スタジオの1つを設立した（最初はビル・ノーランと共同）。バレ・スタジオは、人気コミック・ストリップ「マット・アンド・ジェフ」 （1916年 - 1926年）の翻案の制作で成功を収めた。スタジオは、フランク・モーザー、グレゴリー・ラ・カーヴァ、ヴァーノン・スタリングス、パット・サリバンなど、後にアニメーションで著名なキャリアを築くことになる数人のアニメーターを雇用した。

1914年、ジョン・ブレイはジョン・ブレイ・スタジオを開設し、アニメーションの制作方法に革命をもたらした。^[20] ブレイの従業員の一人、アール・ハードはセル技法の特許を取得した。^[21]これは、透明なセルロイドシート上で動く物体を動かすというものである。^[22]アニメーターは、静止した背景画像の上でシートを撮影し、一連の画像を生成する。これとブレイの革新的な組立ライン方式の使用により、ジョン・ブレイ・スタジオは最初のアニメーションシリーズであるカーネル・ヒーザ・ライアーを制作することができた。 ^{[23] [24]多くの意欲的な漫画家が}ブレイでキャリアをスタートさせ、その中にはポール・テリー（後にヘッケルとジェックルで有名になる）、マックス・フライシャー（後にベティ・ブープとポパイで有名になる）、ウォルター・ランツ（後にウッディー・ウッドペッカーで有名になる）が含まれる。 1914年から1928年まで。ブレイ・スタジオの最初の漫画スターの中には、ファーマー・アルファルファ（ポール・テリー作）やボビー・バンプス（アール・ハード作）などがいた。

新聞王ウィリアム・ランドルフ・ハーストは1916年にインターナショナル・フィルム・サービスを設立した。ハーストはバレ・スタジオのアニメーターのほとんどを引き抜き、グレゴリー・ラ・カーヴァがスタジオの責任者となった。彼らはハートの新聞に掲載された多くの漫画を、かなり限定された形で翻案した作品を制作した。登場人物に少し動きを与えるだけで、主に吹き出しでストーリーを伝えた。最も有名なシリーズは『クレイジー・キャット』で、擬人化された漫画の猫のキャラクターやしゃべる動物たちの先駆けであろう。スタジオが1918年に閉鎖されるまでに、ヴァーノン・スターリングス、ベン・シャープスティーン、ジャック・キング、ジョン・フォスター、グリム・ナトウィック、バート・ジレット、イザドア・クラインなど、何人かの新しい才能が雇用されていた。

1915年、マックス・フライシャーは、後にロトスコープとして知られる技術の特許を申請し、1917年に認可されました^[25]。これは、実写映画の録画を参照点として使用して、より簡単にリアルなアニメーションの動きを作成するプロセスです。この技術は、ジョン・ブレイ・スタジオ（および他のスタジオ）による「アウト・オブ・ザ・インクウェル」シリーズでよく使用されました。このシリーズは、マックスの兄弟であるデイブ・フライシャーが道化師として演じる実験的なロトスコープ画像から生まれ、後に「ココ・ザ・クラウン」として知られるキャラクターに進化しました。

1919年、パット・サリバン・スタジオのオットー・メスマーがフィリックス・ザ・キャットを制作した。スタジオ責任者のパット・サリバンがフィリックスの功績を独り占めしたのは、スタジオアニメーションの初期の頃の一般的なやり方だった。^[26]フィリックスはパラマウント・スタジオによって配給され、多くの観客を魅了し、^[27]やがて映画史上最も有名な漫画キャラクターの1人となった。フィリックスは商品化された最初の漫画だった。^[要出典]

知られている最初の長編アニメーション映画は、1917年11月9日にアルゼンチンで公開されたキリノ・クリスティアーニの『使徒』である。この70分の成功した風刺劇は、段ボールの切り抜き技術を使用しており、伝えられるところによると1秒あたり14フレームで58,000フレームだった。クリスティアーニの次の長編映画『罪の償い』は1918年に公開されたが、外交上の理由で警察に押収されるまで報道されず、観客も少なかった。^[28]クリスティアーニの長編映画はどれも現存していない。^{[28] [29] [30]}

1920 年代には、同期音声付きの初のアニメーションの開発や、ウォルト ディズニー スタジオの設立など、数多くの重要な出来事がありました。また、この 10 年間には、『蒸気船ウィリー』（1928 年） でミッキー マウスが初めて登場しました。

1920年代初頭、ヴァルター・ルットマン、ハンス・リヒター、ヴァイキング・エッゲリング、オスカー・フィッシンガーなどの芸術家による絶対映画運動が、影響力のある短い抽象アニメーションを制作した。レン・ライやノーマン・マクラーレンなどによる後期の抽象アニメーション作品のいくつかは広く評価されたものの、このジャンルは概して比較的無名のアバンギャルドな芸術形式のままであった。一方で、ディズニーの『ファンタジア』(1940年)のように、直接的な影響や類似のアイディアが主流のアニメーションに時折現れることもあった。この作品は、フィッシンガーが当初共同制作していたが作品が中止になったもので、ライの作品や、後のチャック・ジョーンズの映画『点と線』 (1965年)に部分的に触発されていた。

1924 年 5 月から 1926 年 9 月にかけて、デイブとマックス・フライシャーのインクウェル・スタジオは、フォノフィルムの「サウンド・オン・フィルム」プロセスを使用して、ソング・カー・チューンズシリーズの一部である 19 本のサウンド カートゥーンを制作しました。このシリーズでは、観客が音楽に合わせて歌うように、歌詞の上に「弾むボール」も導入されました。1926 年 6 月の「マイ・オールド・ケンタッキー・ホーム」は、おそらく同期したアニメーションのセリフを少し取り入れた最初の映画で、初期のバージョンのビンボは「ボールを追いかけて、みんなも参加しよう」というセリフを口にしていました。ビンボのキャラクターは、フライシャーの「トーカートゥーン」 (1929 年 - 1932 年) でさらに発展しました。

ポール・テリーのイソップ物語シリーズ（1921-1936）の『ディナータイム』は、1928年9月1日に、セリフを含む同期サウンドトラック付きで初公開された。テリーは、スタジオの新オーナーであるヴァン・ビューレンから、意に反してこの斬新さを加えるよう促された。シリーズとその主人公である農夫アル・ファルファは人気があったが、観客はこの音声付きの最初のエピソードに感銘を受けなかった。

現存する最古の長編アニメーション映画は、カラーフィルムを使用した1926年のシルエットアニメーション「アクメッド王子の冒険」である。^[31]監督はドイツ人のロッテ・ライニガーと夫のカール・コッホ。背景の視覚効果はヴァルター・ルットマンが作成した。フランスとハンガリーの共同制作者であるベルトルト・バルトッシュまたはライニガーは、下から照明を当てて上からカメラを向け、数段のガラス板に舞台装置や人物を配置することで被写界深度を作り出した。後に、同様の技術がマルチプレーンカメラの基礎となった。

1920年から1922年にかけて、漫画家のウォルト・ディズニー、アブ・アイワークス、フレッド・ハーマンは、切り抜きアニメーションのコマーシャルを制作するスライド社（間もなくカンザスシティ・フィルム・アド・カンパニーに改名）で働いていた。ディズニーは両親のガレージで描画アニメーション技術の実験を始め、1921年に地元の時事問題を風刺したシリーズを、週刊のニューマン・ラフ・オー・グラムとして地元の3つのニューマン劇場の所有者に販売することに成功した。ディズニーは短命に終わった自身の会社ラフ・オー・グラム・フィルムズ社で、アイワークス、フレッドの兄弟のヒュー・ハーマン、ルドルフ・アイジング、カーマン・マクスウェルとともに、テリーのイソップ物語に触発された約7分間の現代風のおとぎ話の漫画シリーズを制作した。^[32]スタジオは1923年に倒産したが、既に12分間の未発売の映画『不思議の国のアリス』を制作していた。この作品では、実写の少女（ヴァージニア・デイヴィス）が、フィリックスにインスパイアされたジュリアス・ザ・キャット（ラフ・オ・グラム童話に名前なしで登場していた）など、数多くの漫画のキャラクターと交流していた。ディズニーがハリウッドに移ったとき、彼はニューヨークの映画配給会社マーガレット・J・ウィンクラーとの契約をなんとかまとめた。ウィンクラーはちょうど『フィリックス・ザ・キャット』と『インクウェルから』の権利を失ったところだった。『アリス・コメディ』シリーズ（1923年 - 1927年）を制作するために、アイワークスもハリウッドに移り、後にアイジング、ハーマン、マクスウェル、フィルム・アドの同僚フリッツ・フレレングが続いた。このシリーズは57話まで続くほど成功したが、ディズニーは最終的に完全にアニメ化された新しいシリーズを制作することを選んだ。 1927年には『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』がヒットしたが、1928年に継続交渉が失敗に終わった後、チャールズ・ミンツが製作を直接管理することになり、ディズニーは自分のキャラクターとスタッフのほとんどをミンツに奪われた。

ディズニーとアイワークスは、1928年にオズワルドに代わるミッキーマウスを開発した。最初の映画「プレーン・クレイジー」はテスト観客を感動させることができず、潜在的な配給会社の関心も十分に集めなかった。同期音声付きの実写映画がいくつか成功した後、ディズニーは新しいミッキーマウスのアニメ「ガロッピン・ガウチョ」を保留し、シリーズをより説得力のあるものにするための特別なサウンド制作に取り掛かった。その結果生まれた「蒸気船ウィリー」 （1928年11月）のアクションの多くは音を出すことに関するもので、例えばミッキーは船上の家畜を楽器として使っている。この映画は大ヒットし、ミッキーマウスはすぐに歴史上最も人気のあるアニメキャラクターとなった。

ボスコは1927年にヒュー・ハーマンとルドルフ・アイジングによってトーキー用に創作された。2人は当時まだディズニーで働いていたが、1928年にユニバーサルで約1年間『幸運なウサギのオズワルド』のアニメ制作に携わるため退社し、その後配給会社を探すため1929年5月に『トーク・インク・キッド』のパイロット版『ボスコ』を制作した。2人はレオン・シュレジンジャー・プロダクションと契約し、1930年にワーナー・ブラザースで『ルーニー・テューンズ』シリーズを開始した。ワーナー・ブラザースを去ったハーマンとアイジングがボスコをMGMに移すまで、ボスコはワーナー・ブラザースのアニメ39作品で主役を務めた。MGMのアニメ2作品の後、このキャラクターは劇的なイメージチェンジを受けたが、観客にはあまり歓迎されなかった。ボスコのキャリアは1938年に終わった。

1930 年代を通じて世界経済が大恐慌に見舞われる中、アニメーションは繁栄を続けました。初期のカラー プロセスが、マルチプレーン カメラの使用とともに導入されました。1937 年には、伝統的なアニメーションによる初の長編映画 『白雪姫』が劇場で公開されました。

初期のヨーロッパの家庭用アニメフィルムループの多色リトグラフ技術は、劇場公開されたアニメ映画には適用されなかったようです。『アクメッド王子の冒険』のオリジナルプリントはフィルム着色が特徴でしたが、1930年以前に劇場公開されたアニメ映画のほとんどは白黒でした。したがって、効果的なカラー処理はハリウッドで歓迎された革新であり、特に漫画に適しているようでした。

ウォルター・ランツとビル・ノーランが制作した長編映画『キング・オブ・ジャズ』（1930年4月）の漫画部分は、2ストリップ・テクニカラーで上映された最初のアニメーションでした。

『キング・オブ・ジャズ』と同時に公開された『フィドルスティックス』は、 『フリップ・ザ・フロッグ』シリーズ初の映画であり、アブ・アイワークスがディズニーを離れてスタジオを設立した後に取り組んだ初のプロジェクトであった。イギリスでは、このアニメはハリス・カラー^{[33]という}2色プロセス、おそらく劇場公開された最初のサウンドとカラーの両方を誇るスタンドアロンのアニメ映画であった。

1929年に始まった『シリー・シンフォニー』シリーズが期待したほど人気が​​なかったため、ディズニーはシリーズの影響を高めるために新しい技術革新に目を向けた。1932年、彼はテクニカラー社と協力して初のフルカラー・アニメーション『花と木』を制作し、3ストリップ技法を導入した（実写映画で初めて使用されたのはその約2年後）。このアニメは成功し、アカデミー短編アニメ賞を受賞した。^[34]ディズニーは一時的に、テクニカラーのフルカラー技法をアニメ映画で独占使用する契約を結んでいた。彼は『シリー・シンフォニー』が観客にとって特別な魅力を持つように、進行中のミッキーマウス・シリーズをカラーで制作するまでに待機した。1935年9月に独占契約が失効した後、フルカラー・アニメーションはすぐに業界標準となった。

シリー・シンフォニーは、テクニカラーがディズニーの独占ではなくなるまで、さまざまな他のカラーシステムを誇る多くのアニメシリーズに影響を与えました。これには、アブ・アイワークスのコミカラー・カートゥーン(1933–1936)、ヴァン・ビューレン・スタジオのレインボー・パレード(1934–1936)、フライシャーのカラー・クラシックス(1934–1941)、チャールズ・ミンツのカラー・ラプソディ(1936–1949)、MGM のハッピー・ハーモニー(1934–1938) 、ジョージ・パルのパペトゥーン(1932–1948)、ウォルター・ランツのスイング・シンフォニー(1941–1945) が含まれます。

奥行き感を出すために、いくつかの手法が開発されました。最も一般的な手法は、遠近法の法則（カメラから遠いほど速度が遅くなるなど）に応じて、独立して移動できる複数のレイヤー間をキャラクターが移動できるようにするというものでした。

ロッテ・ライニガーはすでに『アフメッド王子の冒険』^[35]のために一種のマルチプレーンカメラを設計しており、彼女の協力者ベルトルト・バルトッシュは、精巧に作られた25分間の映画『イデ』（1932年） で同様のセットアップを使用していました。

1933 年、アブ・アイワークスはマルチプレーン カメラを開発し、ウィリー・ワッパー(1933 ～ 1934 年) やコミカラーカートゥーンのいくつかのエピソードに使用しました。

フライシャー兄弟は1933年にカラークラシックス用に全く異なるステレオプティコン方式を開発しました^[36]。これは最初のエピソード「かわいそうなシンデレラのベティ・ブープ」（1934年）とその後のほとんどのエピソードで使用されました。この方式では、大きなターンテーブル上に構築され彫刻された3次元のセットが使用されました。撮影されたセルは可動セット内に配置され、ターンテーブルが回転すると、アニメのキャラクターがシーン内の3D要素の前後に動いているように見えました。

ディズニーの従業員ウィリアム・ギャリティは、最大 7 層のアートワークを記録できるマルチプレーン カメラを開発しました。このカメラは、アカデミー賞を受賞した「シリー シンフォニー」のエピソード「オールド ミル」 (1937 年) でテストされ、「白雪姫」やその後の映画で大きく使用されました。

音と色の追加がディズニーにとって大成功となった後、他のスタジオも追随しました。10 年後には、劇場用アニメのほぼすべてがフルカラーで制作されました。

当初、ソング・カー・チューンズ、シリー・シンフォニー、メリー・メロディーズ、ルーニー・テューンズなどのタイトルからもわかるように、多くのシリーズは音楽と歌に重点を置いていましたが、観客の心をつかんだのは有名なキャラクターでした。ミッキーマウスはフィリックス・ザ・キャットの人気を超えた最初の漫画のスーパースターでしたが、すぐに何十人もの漫画のスーパースターが続き、その多くが何十年も人気を保ちました。

ワーナー・ブラザースは、アニメで使用できる膨大な音楽ライブラリを所有しており、多くのアニメに影響を与えたが、ディズニーはすべてのアニメの音楽を作成する必要があった。レオン・シュレシンジャーはワーナー・ブラザースに『メリー・メロディーズ』という2番目のシリーズを売却したが、1939年まで契約上、このシリーズには音楽カタログから少なくとも1つのリフレインを含める必要があった。ボスコが登場するルーニー・テューンズとは異なり、『メリー・メロディーズ』には、ハーマンとアイジングが1933年に去るまで、フォクシー、ピギー、グーピー・ギアなど、少数の繰り返し登場するキャラクターしか登場しなかった。ルーニー・テューンズ・シリーズではボスコの代わりにバディが登場したが、彼はわずか2年しか続かなかった。一方、 『メリー・メロディーズ』は繰り返し登場するキャラクターなしで続いた。最終的に、2つのシリーズの区別がつかなくなり、多くの新しい人気キャラクターを生み出した。アニメーター兼監督のボブ・クランペットは、ポーキー・ピッグ（1935年）とダフィー・ダック（1937年）をデザインし、このシリーズに関連するエネルギッシュなアニメーションと不遜なユーモアの多くを担当しました。1930年代には、後にエルマー・ファッド（1937年/1940年）とバッグス・バニー（1938年/1940年）となるキャラクターの初期の無名の化身も見られました。1937年以降、メル・ブランクがほとんどのキャラクターの声を担当しました。

ディズニーは、ミニーマウス（1928年）、プルート（1930年）、グーフィー（1932年）、そしてすぐに大衆の新しいお気に入りとなるドナルドダック（1934年）など、ミッキーマウスの世界に新しいキャラクターを導入しました。ディズニーはまた、アニメ映画の成功は感情をつかむ物語を語ることに依存していることに気付きました。彼は「ストーリー部門」を開発しました。そこでは、アニメーターとは別にストーリーボードアーティストがストーリーの開発だけに専念しました。これは、ディズニースタジオが1933年によく発達したキャラクターをフィーチャーした最初のアニメ短編「三匹の子豚」をリリースしたときに価値が証明されました。^{[37] [38] [39]}ディズニーはスタジオを拡大し続け、漫画、商品、テーマパークなど、ますます多くの制作活動を開始しました。ほとんどのプロジェクトは、劇場の短編映画用に開発されたキャラクターに基づいていました。

フライシャー・スタジオは『ディジー・ディッシュ』（1930年）でビンボのガールフレンドとして名前のない犬のキャラクターを登場させ、このキャラクターは人間の女性のベティ・ブープ（1930年 - 1939年）へと進化し、フライシャーの最も有名な作品となった。1930年代には、『ハンキーとスパンキー』（1938年）や人気アニメ版『ポパイ』（1933年）もレパートリーに加えた。

ヘイズの道徳的ガイドラインである映画製作規定は1930 年に施行され、1934 年から 1968 年まで厳格に施行されました。この規定は、比較的セクシーな題材を好んで制作していた映画製作者たちに大きな影響を与えました。悪名高い例として、ベティ・ブープは、無邪気なセックスアピールを持つ気楽なフラッパーから、より豊満なドレスを着た、より健全でずっとおとなしいキャラクターに変更しなければならなかったため、大きな打撃を受けました。彼女のボーイフレンドであるビンボが姿を消したのも、この規定が異種間の関係を不承認としていたためだと思われます。

ディズニーの『白雪姫』以前にも少なくとも8本の長編アニメ映画が公開され、さらに少なくとも2本の以前の長編アニメプロジェクトは未完成のまま残っていた。これらの映画のほとんど（現存するのは4本のみ）は、切り抜き、シルエット、ストップモーションの技法を使用して制作された。^失われた長編アニメ映画の中には、キリノ・クリスティアーニの3本の長編映画があり、クリスティアーニは1931年9月18日にブエノスアイレスで、ヴィタフォンのサウンド・オン・ディスク同期サウンドトラックを使用して、3本目の長編映画『ペルードポリス』をプレミア上映した。[40] 批評家にはかなり好評だったが、ヒットにはならず、映画製作者にとっては経済的大失敗だった。クリスティアーニはすぐに、アルゼンチンでアニメーションでキャリアを築くことはもうできないと悟った。^{[28] [要出典] 『}レビュー』はパッケージ映画であり、上映時間がわずか 41 分であるため、多くの人はこれを本物の長編映画とは見なしていない。ただし、英国映画協会、映画芸術科学アカデミー、アメリカ映画協会による長編映画の公式定義は満たしており、これらの定義では映画の長さは 40 分以上でなければならないとされている。

ディズニーが長編アニメーションを制作していることが明らかになると、批評家たちはこのプロジェクトを「ディズニーの愚行」と呼び、観客は期待された鮮やかな色彩とジョークに長時間耐えられないだろうと考えた。『白雪姫と七人の小人』は1937 年 12 月 21 日に初公開され、世界的な成功を収めた。この映画は、その後のディズニーの長編映画のほとんどと同様に、古いおとぎ話やその他の物語を流用するというディズニーの伝統を引き継いだ。

フライシャー・スタジオは1939年にディズニーの例に倣って『ガリバー旅行記』を制作したが、興行的にはささやかな成功を収めた。

1938年4月、約50台のテレビが接続されたとき、NBCは8分間の低予算アニメ『ウィリー・ザ・ワーム』を放映した。これは、元ディズニーの従業員チャド・グロスコフがこの放送のために特別に制作したもので、主に切り抜きと少しのセルアニメーションを使用していた。約1年後の1939年5月3日、ディズニーの『ドナルドのいとこガス』がNBCの実験チャンネルW2XBSで初公開された。これは短編アニメが映画館で公開される数週間前のことで、初の夜間番組の一部だった。^[41]

いくつかの政府はすでに、英国のGPO フィルム ユニットや日本の教育映画などの公共情報映画にアニメーションを使用していました。第二次世界大戦中、アニメーションはプロパガンダの一般的な媒体になりました。米国政府は、戦争遂行のために最高のスタジオと契約を結びました。

軍人にあらゆる種類の軍事的主題を指導し、士気を高めるため、ワーナー・ブラザースは数本の短編映画と特別アニメシリーズ「プライベート・スナフ」の制作を請け負った。このキャラクターは有名な映画監督フランク・キャプラが創作し、ドクター・スースが脚本に携わり、シリーズはチャック・ジョーンズが監督した。ディズニーも数本の教育的短編映画を制作し、長距離爆撃の考えを宣伝した長編映画「空軍力による勝利」（1943年）の制作に個人的に資金を提供した。

多くの人気キャラクターが戦時国債の宣伝を行った。 『Any Bonds Today?』のバッグス・バニー、『The Thrifty Pig』のディズニーの子豚たち、 『All Together』のディズニーキャラクターたちなど。 『Scrap Happy Daffy』ではダフィー・ダックが戦争のために金属くずを求めた。『 Out of the Frying Pan Into the Firing Line』ではミニーマウスとプルートが一般市民に調理油を集めるよう呼びかけ、爆発物の製造に利用した。ワーナー・ブラザースの『Fifth Column Mouse』、ディズニーの『Chicken Little』、よりシリアスな『Education for Death』や『Reason and Emotion』（アカデミー賞にノミネート）など、政治プロパガンダの短編映画は他にもいくつかあった。

こうした戦時中の映画は非常に高く評価された。バッグス・バニーは国民的アイコンとなり、ディズニーのプロパガンダ短編映画『総統の顔』（ドナルド・ダック主演）は同社に10回目のアカデミー賞短編アニメ部門をもたらした。

日本初の長編アニメ映画『桃太郎 海の神兵』は、1944年に海軍省の命令で制作された。子供向けに作られ、『ファンタジア』に一部影響を受け、平和への夢と希望を抱かせることを目的としていた。主人公は擬人化された猿、犬、熊、キジで、彼らはパラシュート部隊員となり（キジはパイロットになる）、セレベス島侵攻の任務を負う。エピローグでは、次世代のターゲットがアメリカであることを示唆している。

ディズニーの次の 2 本の長編映画 ( 1940 年に公開された『ピノキオ』と非常に野心的なコンサート映画『ファンタジア』 ) と、フライシャー スタジオの 2 作目のアニメ映画『ミスター バグ ゴーズ トゥ タウン』 (1941/1942) は、いずれも批評家からは好評だったものの、最初の劇場公開時には興行的に失敗に終わりました。主な原因は、第二次世界大戦によってほとんどの海外市場が閉ざされたことでした。これらの挫折により、アニメ映画の計画を持っていたほとんどの会社が挫折しました。

ディズニーは、次の長編映画ではコストを削減し、最初に『ドラゴンの逆襲』を公開した。これは主にバーバンクの新しいスタジオの実写ツアーで構成され、一部は白黒で、4つの短編アニメが添えられていた。これは世界中の興行収入でそこそこの成功を収め、そのわずか数か月後には比較的シンプルなスタイルでわずか64分のアニメの『ダンボ』（1941年）が続いた。長さが制限され、経済的に効率的な手法が映画の興行収入を伸ばすのに役立ち、批評家や観客は好意的な反応を示した。ディズニーの次の長編映画『バンビ』（1942年）では、予算が大きくなり豪華なスタイルに戻ったが、よりドラマチックなストーリー、暗い雰囲気、ファンタジー要素の欠如が最初の公開時には好評を得られず、映画は興行収入で赤字となった。

1940 年代のディズニーの他の 8 本の長編映画はすべてパッケージ映画、つまり実写との組み合わせ (たとえば『サルードス・アミーゴス』 (1943 年) や『三人の騎士』 (1944 年)) でしたが、ディズニーは長編アニメにこだわり続けました。1990 年代以前に数本以上の長編映画を公開できたアメリカのアニメーション スタジオは、他にはほんのわずかしかありませんでした。

1920 年代以降、アメリカのセル アニメーション映画は、劇場公開されるアニメーションの全世界での制作と消費を独占してきました。特にディズニーの作品は、世界中で非常に人気があり、影響力がありました。他の国のスタジオはアメリカの作品とほとんど競争できなかったため、米国以外の多くのアニメーション制作者は、人形アニメーションや切り抜きアニメーションなど、他のセル アニメーションの技法ではなく、他の技法で制作することを選びました。しかし、いくつかの国 (特にロシア、中国、日本) は、比較的大規模な独自の「伝統的な」アニメーション産業を発展させました。1936 年に設立されたロシアのソユーズムリトフィルムアニメーション スタジオは、最大 700 人の熟練労働者を雇用し、ソビエト時代には年間平均 20 本の映画を制作しました。それぞれの国内市場以外で注目された作品としては、『鉄扇公主』（中国1941年、日本でも影響力があった）^{[42] 、} 『せむしの馬』（ロシア1947年、1950年にカンヌで審査員特別賞受賞）、『ダイナマイト兄弟』（イタリア1949年）、『バグダッドのバラ』（イタリア1949年、1952年の英語吹替版ではジュリー・アンドリュースが主演した）などがある。

「アメリカアニメーションの黄金時代」には、新しいスタジオが、過去数十年間の音響と色彩の革新の戦いを生き残ったスタジオと競い合いました。漫画の動物は依然として標準であり、音楽も依然として重要な要素でしたが、ディズニーのメロドラマ的なストーリーテリングや、ルーニー・テューンズなどの漫画のワイルドなユーモアに、その主役の魅力を奪われることが多かったのです。

ディズニーは、デイジーダック（1937年/1940年）とチップとデール（1943年/1947年）をミッキーマウスの世界に加え、カートゥーンでの成功を継続しました。一方、ワーナー・ブラザースは、トゥイーティー、ヘンリー・ホーク（ともに1942年）、ペペ・ル・ピュー、シルベスター・ザ・キャット、ヨセミテ・サム（すべて1945年）、フォグホーン・レグホーン、バーンヤード・ドッグ、ゴッサマー（すべて1946年）、マービン・ザ・オデッセイ（ 1948年）、ワイリー・コヨーテとロード・ランナー（1949年）など、人気のメリーメロディーズ/ルーニー・テューンズのキャストに新しいキャラクターを開発しました。

その他の新しい人気キャラクターとシリーズとしては、テリートゥーンズの『マイティマウス』（1942年 - 1961年）と『ヘックルとジェックル』（1946年 - 1966年）、スクリーンジェムズの『キツネとカラス』（1941年 - 1950年）などがある。

フライシャーは 1941 年に、スーパーマンの見事な映画化を開始しました。この成功はスタジオを財政難から救うには遅すぎたため、1942 年にパラマウント映画が、辞任したフライシャー兄弟からスタジオを引き継ぎました。フェイマス スタジオに改名されたこのスタジオは、ポパイとスーパーマンシリーズを継続し、リトル ルル(1943 年 - 1948 年、ゴールド キー コミックスのライセンス)、キャスパー、フレンドリー ゴースト(1945 年) などの人気映画化を開発し、リトル オードリー(1947 年 - 1958 年) やベイビー ヒューイ(1950 年 - 1959 年)などの新しいシリーズを作成しました。

ウォルター・ランツは、 16歳のときにハーストのスタジオでアニメーションのキャリアをスタートさせた。彼はまた、ブレイ・スタジオとユニバーサル・ピクチャーズでも働いており、そこで1929年に『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』のアニメの制作権を獲得した（伝えられるところによると、ユニバーサルの社長カール・レムリとのポーカーでの賭けで、キャラクターとスタジオの運営権を勝ち取った）。1935年に、ユニバーサル・スタジオは独立したウォルター・ランツ・プロダクションに変わったが、ユニバーサルの敷地内に留まり、ユニバーサルが配給するアニメの制作を続けた。オズワルドの人気が衰え、このキャラクターは1938年に引退すると、ランツの作品にはヒットキャラクターがいなかったが、 1939年にアンディ・パンダが誕生した。擬人化されたパンダは1949年まで24本以上のアニメに登場したが、すぐに象徴的なウッディー・ウッドペッカーの影に隠れてしまった。ウッディー・ウッドペッカーは1940年にアンディ・パンダのアニメ「ノック・ノック」でデビューした。ランツの人気キャラクターには他に、 「ウォーリー・セイウチ」（1944年）、「バズ・バザード」（1948年）、「チリー・ウィリー」（1953年）、「ヒッコリー、ディッコリー、ドク」（1959年）などがある。

メトロ・ゴールドウィン・メイヤーは、アブ・アイワークスの『フリップ・ザ・フロッグ』や『ウィリー・ワッパー』 、ハーマン・アンド・アイジングの『ハッピー・ハーモニー』を配給した後、1937年に独自のアニメスタジオを設立した。このスタジオは、 『バーニー・ベア』（1939年 - 1954年）、ハンナとジョセフ・バーベラの『トムとジェリー』（1940年）、『スパイクとタイク』 （1942年）で大きな成功を収めた。

1941年、テックス・エイヴリーはワーナー・ブラザーズを離れMGMに移り、そこで『ドルーピー』（1943年）、『狂気のリス』（1944年）、『ジョージとジュニア』（1944年）を制作した。

ディズニーや他のスタジオのほとんどがアニメーションに深みとリアリズムを求めていたのに対し、UPAのアニメーターたち（元ディズニー社員のジョン・ハブリーを含む）は異なる芸術的ビジョンを持っていた。彼らはロシアの例に触発され、はるかにまばらで様式化されたタイプのアニメーションを開発した。このスタジオは1943年に設立され、当初は政府の契約で働いていた。数年後、彼らはコロンビア映画と契約を結び、スクリーン・ジェムズから『きつねとカラス』を引き継ぎ、1948年と1949年に最初の劇場用短編2本でアカデミー賞にノミネートされた。当時、アニメーションの分野は擬人化された動物によって独占されていたが、スタジオが新しいキャラクターを作ることを許可されたとき、彼らは近視の老人を思いついた。『ミスター・マグー』（1949年）はヒットし、多くの短編映画に登場した。 1949年から1959年にかけて、UPAは15回のアカデミー賞ノミネートを受け、ドクター・スースの原作『ジェラルド・マクボインボイン』 （1950年）で初のアカデミー賞を受賞し、その後『マグーが飛んだとき』（1954年）と『マグーの水たまりジャンパー』 （1956年）でさらに2回受賞しました。その独特のスタイルは影響力があり、ワーナー・ブラザーズやディズニーなどの大手スタジオにも影響を与えました。芸術的表現の自由度が高いことに加え、UPAは、より簡素なアニメーションでも、豪華で高価なスタイルと同じくらい（あるいはそれ以上に）評価されることを証明しました。

もともと短期間の劇場公開用に制作された、多くのスタジオによるアニメのバックカタログは、テレビ放送にとって非常に貴重であることが証明されました。ニューヨークの WABD-TV チャンネルで火曜日の夜に「兄貴」ボブ・エメリーが司会を務める「Movies for Small Fry (1947)」は、子供向けの最初のテレビシリーズの 1 つで、ヴァン・ビューレン・スタジオの古典的なアニメを多数取り上げていました。これは、スタジオで生中継さ れる日刊番組「Small Fry Club (1948-1951)」として、デュモント・テレビジョン・ネットワークで継続されました。

ウォルター・ランツ、ワーナー・ブラザース、テリートゥーンズ、MGM、ディズニーなどの古典シリーズの多くが、何十年にもわたって何度も再放送され、同様に子供向けテレビ番組で新たな命を吹き込まれました。スタジオの設定や実写のプレゼンテーションの代わりに、一部の番組では新しいアニメーションを使用して古い漫画を紹介したりつなぎ合わせたりしました。

テレビ向けに特別に制作された最も古いアメリカのアニメシリーズは、1949年に『Adventures of Pow Wow』（1月から11月まで日曜朝に5分間のエピソードが43話放送）と『Jim and Judy in Teleland』（52話、後にベネズエラと日本にも販売）で始まりました。

劇場用アニメのほとんどは、特定の視聴者層を対象に制作されていた。鮮明な描画スタイルと明るい色彩で描かれた、しゃべる動物たちによるダイナミックなアクションやギャグは、当然ながら幼い子供たちの興味を引いたが、アニメには暴力や性的なほのめかしが頻繁に含まれており、子供向けではないニュース映画や長編映画と一緒に上映されることが多かった。米国のテレビでは、アニメは主に子供向けに、週末の朝、平日の午後、夕方の早い時間帯に放送されていた。

1950 年代のアメリカのテレビアニメーション制作過程におけるスケジュール上の制約と、リソース管理の顕著な問題 (劇場用アニメーションに比べて少ない予算で、より短時間に大量の制作が必要) により、現在ではリミテッドアニメーションとして知られるさまざまな手法が開発されました。元々 UPA の芸術的なスタイルの選択であった、よりまばらなタイプのアニメーションは、制作時間とコストを削減する手段として採用されました。フルフレームアニメーション (「オンワン」) は、劇場用作品での使用が減った以外は、米国では珍しいものになりました。チャック・ジョーンズは、ほとんどのテレビアニメの粗雑なスタイルを指して「イラストレーテッドラジオ」という用語を作り出し、映像よりもサウンドトラックに頼っていました。^[43]一部のプロデューサーは、当時の小さな白黒テレビ画面では、リミテッドアニメーションの方がフルアニメーションスタイルよりも見栄えが良いと感じていました。^[44]

ジェイ・ワードは、限定アニメーション スタイルを効果的に使用して、 人気の高い『クルセイダー ラビット』 (1948 年にテストされ、1949 ～ 1952 年と 1957 ～ 1959 年に初放送) を制作しました。

1950年代の終わりには、テレビアニメ制作を専門とするいくつかのスタジオが競争を始めた。劇場用アニメにおける競争の焦点は品質と革新にあったが、今やアニメーションを迅速かつ安価に提供することに移った。批評家は、多くの番組の品質が古典的な漫画に比べて劣っていることが多く、急いで作られたアニメーションとありふれたストーリーであると指摘した。ネットワークの幹部は十分な視聴者がいる限り満足しており、^[45]若い視聴者の多くは批評家が感じる品質の低さに悩まされていなかった。最長4時間に及ぶ土曜の朝のアニメ番組を見ることは、1960年代半ばにほとんどのアメリカの子供たちのお気に入りの娯楽となり、何十年にもわたって主流であった。

ディズニーは比較的早くからテレビ制作に参入していたが、長い間、新しいアニメシリーズの制作を控えていた。その代わりに、ディズニーは1954年からゴールデンタイムの3時間枠でアンソロジーシリーズを放送してきた。その第1弾はウォルト・ディズニーのディズニーランドシリーズ（1954～1958年）で、 1955年にオープンしたディズニーランドテーマパークの宣伝として明確に放送された。ウォルト・ディズニーは自らこのシリーズの司会を務め、古いアニメとは別に、映画制作の舞台裏をのぞく部分や、新しい実写の冒険などを特集した。

ウィリアム・ハンナとジョセフ・バーベラ（トムとジェリーの作者）は、メトロ・ゴールドウィン・メイヤーが1957年に過去の作品で販売が十分であると判断してアニメーションスタジオを閉鎖した後も、ハンナ・バーベラとして事業を継続した。 ^[46]ハンナ・バーベラが劇場公開したシリーズは「ルーピー・デ・ループ」 （1959年 - 1965年）のみであったが、数十年にわたって最も多作で成功したテレビアニメシリーズのプロデューサーであることを証明した。「ラフ・アンド・レディ・ショー」 （1957年 - 1960年）から始まり、「ハックルベリー・ハウンド・ショー」（1958年、アニメーションのみを扱った最初の30分テレビ番組）^[47]や「クイック・ドロー・マグロウ・ショー」（1959年 - 1961年）などのヒットシリーズを続けた。

その他の有名な番組としては、 UPAの『ジェラルド・マクボイン・ボイン』（1956 年 - 1957 年）、サウンダックの『コロネル・ブリープ』（1957 年 - 1960 年、初のカラー アニメ TV シリーズ）、テリートゥーンズの『トム・テリフィック』（1958 年）、ジェイ・ワードの『ロッキーとブルウィンクルと仲間たちの冒険』（1959 年 - 1964 年）などがあります。

国際映画市場 (言語の問題がタイトル カードに限られていた無声映画の時代に発展した) とは対照的に、ほとんどの国でのテレビの先駆者 (多くの場合、ラジオ放送と連携) は、ライブ プログラムの国内制作に重点が置かれていました。通常、吹き替えが必要となるアニメ シリーズを輸入する代わりに、子供向け番組は他の方法 (たとえば、人形劇をフィーチャーする) でより簡単かつ安価に制作できます。注目すべき方法の 1 つは、BBCのCaptain Pugwash (1957)で切り抜き人形をリアルタイムで「アニメーション」にしたものだった。制作国以外でも視聴された数少ない初期のテレビアニメシリーズの一つに、ベルビジョン・スタジオの『タンタンの冒険』 （ベルギー、1957年 - 1964年、レイ・グーセンス監督）がある。この作品は1962年にBBCで放送され、1963年から1971年にかけて米国で 放送された。

ワーナー・ブラザースは、新しいキャラクターとして、グラニー、シルベスター・ジュニア（ともに1950年）、スピーディー・ゴンザレス、ラルフ・ウルフ、サム・シープドッグ（3人とも1953年）、そしてタスマニアン・デビル（1954年）を導入しました。

パッケージ作品や実写とアニメーションを組み合わせた作品が続いた後、ディズニーは1950年に『シンデレラ』 ( 『バンビ』以来)で完全アニメーションの長編映画に回帰した。この作品の成功により、ディズニーは事実上倒産の危機から救われた。その後『不思議の国のアリス』(1951)が製作されたが、興行的には振るわず、当初は否定的な評価を受けた。『ピーター・パン』 (1953)と『わんわん物語』 (1955)はヒット作となった。野心的で、製作が大幅に遅れ、製作費もかさんだ『眠れる森の美女』(1959)は興行的には赤字となり、ウォルト・ディズニーのアニメーション部門の将来に疑問を投げかけた。『不思議の国のアリス』やディズニーの失敗作のほとんどと同様に、この作品も後に再公開によって商業的に成功し、最終的には真の名作とみなされるようになった。

• Jeannot l'intrépide (ジョニー・ザ・ジャイアント・キラー) (フランス、1950 年の長編)
• Érase una vez... (スペイン、1950 年の特集)
• 『王と鳥』（フランス、1952年未完成長編公開、1980年完成公開、宮崎駿と高畑勲に影響を与えた）
• 動物農場（イギリス/アメリカ、1954年長編映画）
• 「カラスはなぜ黒塗りなのか」（中国、1956 年の短編映画、ヴェネツィア映画祭）
• Снежная королева (雪の女王) (ソ連、1957 年の長編)
• クルテク（モグラ）（チェコスロバキア、1956年短編映画シリーズ）
• 白蛇伝 (Panda and the Magic Serpent) (日本、1958 年の長編)
• 少年猿飛佐助 (Magic Boy) (日本、1959 年の長編、最初のアニメは 1961 年に米国で公開)

トータル・テレビジョンは、ココア・パフのコマーシャル（1960年 - 1969年）や、ジェネラル・ミルズがスポンサーとなったテレビシリーズ「キング・レオナルドと彼の短編小説集」（1960年 - 1963年、1969年まで再パッケージされた番組）、「テネシー・タキシードと彼の物語」（1963年 - 1966年、1972年まで再パッケージされた番組）、「アンダードッグ・ショー」（1964年 - 1967年、1973年まで再パッケージされた番組）、 「ビーグル犬」 （1966年 - 1967年）にオリジナルの漫画キャラクターを起用してジェネラル・ミルズ製品を宣伝するために1959年に設立されました。これらのシリーズのアニメーションはすべて、メキシコのガンマ・スタジオで制作されました。ジェネラル・ミルズがスポンサーを辞退した1969年以降、トータル・テレビジョンは制作を中止しました。

1960年代から1980年代にかけてのアメリカのテレビアニメシリーズの多くは、すでに他のメディアで人気を博していたキャラクターや形式に基づいていた。UPAは漫画本に基づいた『ディック・トレイシー・ショー』 （1961年 - 1962年）を制作した。 1962年から1989年まで活動していたフィルメーションは、オリジナルのキャラクターをほとんど生み出さなかったが、 DCコミックスの翻案作品、実写テレビシリーズ（ 『名犬ラッシー』 （1973年 - 1975年）や『スタートレック アニメイテッド・シリーズ』など）、実写映画（『地底探検』（1967年 - 1969年）など）を多数制作した。グラントレー・ローレンス・アニメーションは、 1966年にマーベル・コミックのスーパーヒーローをアニメ化した最初のスタジオだった。ポップグループは、ビートルズ（1965年 - 1966年）、ランキン/バスのジャクソン5アイブ（1971年 - 1972年）とオズモンズ（1972年）でアニメ化されました。ハンナ・バーベラはローレル&ハーディ（1966年 - 1967年）とアボット&コステロ・カートゥーン・ショー（1967年 - 1968年）でコメディアンを漫画のキャラクターに変えました。フォーマット・フィルムのアルビン・ショー（1961年 - 1962年）は、1958年のノベルティソングとその後の漫画本から派生した、アルビンとチップマンクスのデザインを変更したバージョンでした。他のシリーズには無許可の盗用が含まれていました。例えば、ハンナ・バーベラの『原始家族フリントストーン』（1960年 - 1966年）はシットコム『ハネムーナーズ』にインスピレーションを得たもので、制作者のジャッキー・グリーソンはハンナ・バーベラを訴えることを検討したが、「フレッド・フリントストーンを放送から引き抜いた男」として知られることを望まなかった。^[48]

『原始家族フリントストーン』はゴールデンタイムのアニメシリーズとしては初めて大人気となり、30年間にわたってネットワークアニメテレビシリーズとしては最長記録を保持しました。ハンナ・バーベラは『ヨギ・ベア・ショー』（1960年～1962年）、『宇宙家族ジェットソン』（1962年～1963年、1985年、1987年）、『スクービー・ドゥー、どこだ!』（1969年～1970年、後に他のスクービー・ドゥーシリーズが続く）でもヒットを記録しました。

1968年頃から、マーティン・ルーサー・キング・ジュニアやロバート・F・ケネディの暗殺、その他の暴力行為により、娯楽における暴力に対して国民が不安を抱くようになり、放送局は検閲官を雇って、子供向け番組から過度に暴力的または挑発的であると判断されるものを禁止するようになった。^[49]

通常のテレビシリーズとは別に、UPAの『ミスター・マグーのクリスマス・キャロル』（1962年）に始まり、数年後にはビル・メレンデスの『ピーナッツ』スペシャルシリーズ（1965年～2011年、チャールズ・M・シュルツの漫画が原作）やチャック・ジョーンズの『グリンチのクリスマス』 （1966年、ドクター・スースの物語が原作）などの古典的な例が続いた。

カンブリア・プロダクションは、伝統的なアニメーションをたまにしか使わず、カメラの動き、前景と背景のセルの間のリアルタイムの動き、実写映像の統合に頼ることが多かった。制作者のクラーク・ハースは、「私たちはアニメを作っているのではありません。私たちは「モーターの動き」を撮影し、最大のトリックは、それを実写と組み合わせることです...ディズニーが25万ドルで作る映像を、私たちは1万8千ドルで作ります。」と説明した。 ^[50]彼らの最も有名なトリックは、会話に同期した口を動かすのではなく、漫画のキャラクターの顔に話す唇を重ねるシンクロ・ボックス技法だった。この光学印刷システムは、1952年にカンブリアのパートナーでカメラマンのエドウィン・ジレットによって特許を取得しており、人気の「しゃべる動物」コマーシャルで初めて使用された。この手法は後にコメディ効果のために広く使われるようになったが、カンブリア社はそれを同社の連続ドラマ「クラッチ・カーゴ」 （1959年 - 1960年）、「スペース・エンジェル」（1962年）、「キャプテン・ファゾム」（1965年）でそのまま使用した。想像力豊かなストーリーのおかげで、「クラッチ・カーゴ」は予想外のヒットとなった。最後の連続ドラマ「新三ばか大将」（1965年 - 1966年）では、シンクロ・ボックスは使われなかった。オリジナルの「三ばか大将」の40の新しい実写セグメントが、126の新しいアニメーションセグメントに広げられ、繰り返された（実写映像が繰り返されると、視聴者は、そのエピソードをすでに見たことがあると確信して、テレビを消すこともあった）。

『101匹わんちゃん』（1961年）では、インク付けの工程を省いたゼロックス工程のおかげで、制作費が抑えられました。ゼロックス工程で生み出される比較的スケッチっぽい見た目は、歴史家や批評家からしばしば非難されますが、当時のアニメーターたちは、自分の描いた絵を完成した絵に直接転写できることを歓迎しました。ディズニーにおけるこの時期は、ウォルトが公園の建設やその他のプロジェクトに費やす時間が増えたため、特にウォルトが映画の制作とアニメーションを任せた、緊密に結束したアニメーターのグループである「ナイン・オールド・メン」の成熟期でもありました。アニメーターたちは通常、スタジオの歴史の中で、この時期を、製図技術とアニメーションの全体的な品質の点で最も完成度が高かった時期と見なしています。この時期のアニメーション、キャラクターデザイン、モデルシートは、今日でもアニメーション学校やスタジオで参考資料として使用されています。 『百一匹わんちゃん』はスタジオにとってヒット作であり、『石に刺さった剣』（1963年）も同様であったが、長年にわたってディズニー作品の中で最も知られていない作品の1つとなっていた。1964年には実写とアニメーションを組み合わせた『メリー・ポピンズ』（1964年）が公開され、最優秀作品賞を含む13部門でアカデミー賞にノミネートされた。1960年代のディズニー最大のアニメ作品は『ジャングル・ブック』 （1967年）で、批評的にも商業的にも成功した。これはまた、ウォルト・ディズニーが1966年に亡くなる前に監督した最後の映画でもあった。ウォルトの死後、スタジオは長い衰退期に入った。ナイン・オールド・メンに率いられて、スタジオは存続を可能にするほどの成功を収めた映画を制作し続けた。ベテランのアニメーターが高齢化し始めたため、次世代の才能を育成するためのトレーニングプログラムが導入された。ドン・ブルースの脱退により、スタジオは多くのベテランを失い、多くの若いアニメーターがより大きな責任を負わざるを得なくなりました。1980 年代初頭までに、ナイン・オールド・メンは引退し、多くのベテランがいなくなり、この世代はスタジオを存続させるために奮闘していました。

UPA はコロンビア映画のために最初の長編映画『千夜一夜物語』（1959 年）（アラジンの叔父役でミスター・マグーが主演）を制作したが、あまり成功しなかった。1962年にワーナー・ブラザーズから公開された『ゲイ・パーリー』で再挑戦した。批評家には好評だったが興行的には失敗し、スタジオが制作した最後の長編映画となった。

1948年のハリウッド反トラスト事件の最高裁判所の判決は、ヒットした長編映画をニュース映画やアニメ、実写短編映画とセットにして劇場主に独占的に提供する「ブロックブッキング」を禁止した。パッケージ取引の妥当な割合を受け取る代わりに、短編アニメは劇場主が喜んで支払う価格で別々に販売されなければならなかった。短編アニメは比較的高価であり、メインの長編映画への関心を失うことなくプログラムから外すことができるようになったため、潜在的な映画ファンがますます自宅に留まりテレビで映画を見るようになったため、コストを削減する賢明な方法となった。ほとんどのアニメは、投資した予算を回収するために数回再公開する必要があった。^{[51] [52]} 1960年代の終わりまでに、ほとんどのスタジオは劇場用アニメの制作を中止した。ワーナー・ブラザーズやディズニーでさえ、時折の例外はあるものの、1969年以降は短編劇場用アニメの制作を中止した。ウォルター・ランツは、1973年にスタジオを閉鎖し、古典的アニメのプロデューサーの中で最後に制作を諦めた人物だった。

ワーナー・ブラザースがアニメ部門を閉鎖した後、1963年にフリッツ・フレレングとデイヴィッド・H・デパティーによって設立されたデパティー・フレレング・エンタープライズは、1950年代以降に短編劇場用アニメシリーズで新たな成功を収めた唯一のスタジオであった。彼らは1963年に、ピーター・セラーズ主演の実写映画シリーズ『ピンク・パンサー』の冒頭とエンディングクレジット用に『ピンク・パンサー』を制作した。この成功により、短編映画シリーズ（1964年 - 1980年）とテレビシリーズ（1969年 - 1980年）が生まれた。『ピンク・パンサー』の後には、スピンオフ作品『インスペクター』（1965年 - 1969年）、『アリとツチブタ』（1969年 - 1971年）や、その他いくつかの劇場用シリーズが続いた。『ドッグファーザー』（1974年 - 1976年）が最後の新シリーズとなったが、ピンクパンサーのアニメはスタジオが1981年に消滅する直前の1980年まで劇場で放映された。1966年から1981年にかけて、デパティ・フレレングは数多くのテレビシリーズや特別番組も制作した。

日本は、英語では当初はジャパニメーション、後にアニメとして知られるようになったアニメーションのスタイルで、特に多作で成功を収めました。一般的に、アニメは、米国のアニメーションと比較して、動きよりも美的品質に重点を置いた限定アニメーション技術で開発されました。また、ズーム、パン、複雑なダイナミックショット、雰囲気を作り出すのに役立つ背景へのより多くの注意など、比較的「映画的な」アプローチを適用しています。

アニメは 1960 年に日本のテレビで初めて国内放送されました。劇場用アニメの輸出も同時期に始まりました。数年以内に、非常に影響力のあった鉄腕アトム(1963 年) から始まり、ジャングル大帝 (キンバ・ザ・ホワイト)など、米国やその他の国でもさまざまなレベルで放送されるアニメ TV シリーズがいくつか制作されました。ライオン）（1965–1966）、エイトマン（8th Man）（1965）、魔法使いサリー（魔女サリー）（1966–1967）そしてマッハゴーゴーゴー（マッハゴーゴーゴー、別名スピードレーサー）（1967年）。

国内で人気のサザエさんは1969年に始まり、ギネスによると2,250話以上放送され、世界で最も長く続いているアニメテレビ番組です。^[53]

1960 年代の終わりまで、成人向けアニメーションはほとんど製作されていませんでした。注目すべき例外は、ポルノ短編『エヴェレッディ・ハートンの埋もれた財宝』（1928 年）で、おそらく有名なアニメーターがウィンザー・マッケイを称えるプライベート パーティーのために製作したものと思われますが、1970 年代後半まで公開されませんでした。1934 年以降、ヘイズ コードにより、米国の映画製作者は危険な素材を公開する余地がほとんどなくなりましたが、1968 年にこのコードはアメリカ映画協会の映画評価システムに置き換えられました。テレビでアニメーションが放送されたため、ほとんどの人がアニメーションを子供や家族向けの娯楽媒体と考えるようになりましたが、新しい劇場用アニメーションはそうではないことを証明しました。

おそらく、ピーナッツのテレビスペシャルの哲学的、心理学的、社会学的な意味合いは比較的大人向けであったが、スペシャルは子供にとっても楽しめるものであった。1969年、ビル・メンデレス監督は『チャーリー・ブラウンという少年』でシリーズの成功を映画にまで広げた。劇場公開された続編『スヌーピーといっしょに家に帰ろう』（1972年）は、好評にもかかわらず興行的には失敗に終わった。『レース・フォー・ユア・ライフ、チャーリー・ブラウン』（1977年）と『ボン・ボヤージュ、チャーリー・ブラウン（そして帰ってくるな!!）』 （1980年）は、ピーナッツの劇場公開された伝統的なアニメーション長編映画としては他に唯一のものであり、テレビスペシャルは2011年まで続いた。

1960年代末の 反体制カウンターカルチャーブームは、早くからハリウッドに影響を与えた。アニメーションでは、反戦感情は、ウォード・キンボールの『エスカレーション』（1968年）（ディズニーでの雇用とは無関係に制作）やパロディ『ミッキーマウス・イン・ベトナム』（1969年）など、いくつかのアンダーグラウンド短編映画に表れていた。マーヴ・ニューランドによる、政治的色彩の薄いパロディ『バンビ・ミーツ・ゴジラ』（1969年）は、大人向けのもう1つのアンダーグラウンド短編映画であり、偉大な古典とみなされており、アニメーション業界で働く1,000人の投票に基づいて、『ベストカートゥーン50』に選ばれた。

伝えられるところによると、サイケデリックの人気により、1969 年に再公開されたディズニーの『ファンタジア』はティーンエイジャーや大学生の間で人気を博し、映画は利益を上げ始めた。同様に、ディズニーの『不思議の国のアリス』もこの時期にテレビ放映され、1974 年に劇場で再公開されて人気を博した。

サイケデリック革命の影響も受けたビートルズのアニメミュージカル映画「イエローサブマリン」（1968年）は、広く知られているテレビアニメやディズニー映画とはまったく異なるアニメーションの可能性を幅広い観客に示しました。その独特なデザインは、美術監督のハインツ・エデルマンによるものです。この映画は広く称賛され、影響力を持つことになりました。ピーター・マックスは、自身のアートワークで同様の視覚スタイルをさらに普及させました。

• わんぱく王子の大蛇退治 (日本、1963 年の長編)
• 大鬧天宮(中国、1963 年の長編)
• ガリバーの宇宙旅行 (日本、1965 年の長編)
• カリメロ（イタリア/日本 1963–1972、テレビシリーズ）
• ベルビジョンの『ピノキオ・イン・アウタースペース』 （ベルギー/アメリカ 1965年、レイ・グーセンス監督作品）
• ウエスト・アンド・ソーダ（イタリア 1965年、ブルーノ・ボゼット監督初長編）

ラルフ・バクシは、「ベトナムにアメリカの飛行機が爆弾を落とし、子供たちが通りを行進しているときに、大人がキュービクルに座って花畑の上を舞う蝶を描くというのはばかげている」と考えました。^[54]そのため、彼はより社会政治的なタイプのアニメーションを制作し、ロバート・クラムの漫画本に基づいた「フリッツ・ザ・キャット」 （1972年）から始めました。これはX指定を受けた最初の長編アニメーションでした。X指定は映画の宣伝に使用され、この映画は史上最高の興行収入を記録した独立系アニメーション映画となりました。 「ヘビー・トラフィック」（1973年）の成功により、バクシはディズニー以来初めて2作連続で興行的に成功した長編アニメーション映画を制作した人物となりました。この映画は、部分的に背景として静止画を使用したり、顔をペイントしたモデルの実写シーンをネガ撮影法でレンダリングしたり、ごく限られたスケッチ風のアニメーションで部分的にカラーリングしたシーン、詳細な描画、アーカイブ映像を使用したり、ほとんどのキャラクターが最初から最後まで一貫した漫画スタイルでアニメーション化されたりと、芸術的な技術の組み合わせが使用されていましたが、最後の10分間は標準的な実写映画として完全に撮影されました。彼は次のプロジェクトのほとんどでさまざまな技術を試し続けました。次のプロジェクトであるヘイ・グッド・ルッキン（1975年に完成したが、ワーナー・ブラザースによって1982年に調整版が公開されるまでお蔵入りになった）とクーンスキン（1975年、人種差別を風刺したため人種差別的であると認識され抗議を受けた）ははるかに成功しなかったが、後に評価が高まり、カルト映画となった。

バクシはファンタジー映画『ウィザーズ』（1977年）と『ロード オブ ザ リング』（1978年）で新たな成功を収めた。両作品とも大規模な戦闘シーンにロトスコープを使用した。『ウィザーズ』では予算上の問題の解決策としてアーカイブ映像にこの技術が使用され、サイケデリックな芸術スタイルでレンダリングされた。『ロード オブ ザ リング』では、バクシが「漫画ではなく本物のイラスト」と表現した外観を、スペインで衣装を着た俳優で撮影した参考資料とともに、トールキンの作品に忠実にしたかった映画に作り出す手段となった。ランキン/バスとトップクラフトによる、より家族向けのテレビ映画『王の帰還』（1980年）は、バクシが意図していた第2部が制作されなかったため、非公式の続編と見なされることがあるが、彼らはすでに1977年に『ホビット』でテレビでこの物語の翻案を独自に開始していた。

想像力豊かなフランス/チェコのSF作品『野性の惑星』（1973年）は、 1973年カンヌ映画祭でグランプリ審査員特別賞を受賞し、^{[55] 2016年には}ローリングストーン誌によって史上最高のアニメーション映画の36位にランクされました。^[56]

イギリス制作の『ウォーターシップ・ダウンのうさぎたち』（1978年）は、世界的に大成功を収めました。水彩画の背景に、擬人化というよりはリアルに見える動物のキャラクターが登場します。暗く暴力的な側面があったにもかかわらず、イギリスでは全年齢向けとされ、アメリカでは PG指定となりました。

アニメ輸入では比較的安価なアニメシリーズが提供されていましたが、ヨーロッパの一部の放送局はアニメを幼児向けのものと考え、それに合わせてアニメシリーズを番組化していました。これは、一部のプログラムが子供にとって暴力的すぎると考えられ、多くの批判につながりました。^[57]ヨーロッパの物語を子供向けに翻案した作品は、『アルプスの少女ハイジ』 (1974 年) や『みつばちマーヤの冒険』 (1975 年) などの人気タイトルにより、ヨーロッパでさらに大きな成功を収めました。 ）。

ヨーロッパでは活動しているアニメスタジオはわずかしかなく、新しいスタジオを立ち上げるには多くの時間、労力、資金が必要でした。アニメシリーズに関心のあるヨーロッパのプロデューサーにとって、比較的高品質のアニメーションを手頃な価格で提供できる日本のスタジオと協力することは理にかなったことでした。この提携の結果生まれた作品には、「バーバパパ」（オランダ/日本/フランス 1973–1977年）、「小さなバイキング ビッケ」（オーストリア/ドイツ/日本 1974年）、「ワンス・アポン・ア・タイム・ラブ」（フランス/日本 1978年）、「ドクター・スナッグルズ」（オランダ/西ドイツ/日本/米国 1979年）などがあります。

短編アニメ映画は、主に映画祭の媒体となり、独立系アニメーターが才能を披露する場となった。大手スタジオがこの分野から遠ざかったため、 1970 年代と 1980 年代のアカデミー賞短編アニメ映画部門やノミネート作品は、比較的無名のアーティストが受賞することが多かった。

「ラ・リネア」（イタリア、1971年、1978年、1986年）は、画面を水平に横切る真っ直ぐな白い線の一部である主人公が登場する人気アニメーションシリーズです。

ソ連/ロシアのアニメーター、ユーリ・ノルシュテインは「多くの人から、同時代最高のアニメーターというだけでなく、史上最高のアニメーターだと考えられている」とピーター・フィンは言う。^[58]彼は1970年代に数々の賞を受賞した短編映画を発表した。

• ケルジェネツの戦い( Сеча при Керженце 、1971)、イワン・イワノフ＝ヴァノとの共作
• キツネとウサギ( Лиса и заяц、1973)。^[59]
• サギとクレーン( Цапля и журавль、1974)。
• 霧の中のハリネズミ( Ёжик в тумане、1975)。 ^[60]
• 物語の物語( Сказка сказок、1979)。

ノルシュテインは 1981 年から『オーバーコート』 ( Шинель )に取り組んでおり、『冬の日』 ( 2003年)にも参加しました。

音楽とアニメーションの組み合わせには長い伝統がありましたが、1970 年代半ばにこの媒体が正式なジャンルになってから、 アニメーションがミュージック ビデオの一部となるまでには時間がかかりました。

ハラスとバチェラーは、ロジャー・グローヴァーの『ラブ・イズ・オール』（1974年）のアニメーションビデオを制作し、これは数十年にわたって国際的に放送され、しばしば番組の合間の番組として放送された。

ジェラルド・スカーフがアニメーション化したピンク・フロイドの1977年のミュージックビデオ『Welcome to the Machine』は、当初はコンサートの背景としてのみ使用されていました。

エルヴィス・コステロの「Accidents Will Happen」（1979年）は、アニメコマーシャルで知られるアナベル・ジャッケルとロッキー・モートンによって制作された。当初は冷ややかな反応だったが、^[61]その後このビデオは高い評価を受けるようになった。

ロジャー・メインウッドとジョン・ハラスは1979年にクラフトヴェルクのアウトバーンのアニメーションミュージックビデオを制作した。^[62]短い無言ドキュメンタリー「Making it move...」では制作過程が紹介されている。^[63]

リンダ・マッカートニーの『シーサイド・ウーマン』の漫画はオスカー・グリロによって制作され、1980年にカンヌ映画祭で最優秀短編映画賞パルムドールを受賞した。^[64]

米国の土曜日の朝のテレビ番組のアニメーションは、1970年代の終わりまでには、古い漫画や漫画のキャラクター（スーパーフレンズ、スクービー・ドゥー、ポパイ）をベースにしたものになり、定型化していました。 ^{[65]レーガン政権が子供向け漫画の規制を緩和し、} UHFとケーブルチャンネルで朝と午後の時間帯に子供向けの番組を放送できるようになったことで、より多くの漫画コンテンツに対する需要が高まりました。^{[66]アクション、ファンタジー、SFを反映した漫画が一般的で、前の10年間の漫画よりも物語が複雑でした。この時期の人気テレビアニメシリーズのいくつかは、}マテルのヒーマンとマスターズオブザユニバース（1983年 - 1985年）やハズブロのG.I.ジョー（ 1983年 - 1986年）その他のアニメは、スーパーヒーローの漫画、テレビのパーソナリティ（ギャリー・コールマン、チャック・ノリス、ミスターT）、他の実写番組（アルフ、パンキー・ブリュースター）、大人向けアクションまたはSF映画（ロボコップ、ランボー、ゴーストバスターズ、ティーン・ウルフ）、ビデオゲーム（パックマン、ポールポジション、キャプテンN）、または児童文学（リトルズ、ベアステイン・ベアーズ）をベースにしていました。日本のアニメシリーズも、アメリカの放送ガイドラインに合わせて編集および組み合わせられました（ロボテック、フォースファイブ）。

振り返ってみると、ウォルト・ディズニーが1966年に死去した後の数十年間、ディズニーの長編映画は暗黒時代を迎えたとみなされてきた（ウォルトが生きていた数十年間よりも興行成績は安定していたにもかかわらず）。野心的な予算で制作された『黒い魔法の鍋』 （1985年）の失敗は、新たな最低記録となった。ティム・バートンは、ディズニーが1960年代から1970年代初頭にかけて新しいアニメーターを育成できず、代わりに老齢のベテラングループに頼ったことが衰退の理由であると指摘した。^[67]

1979年に他の9人のアニメーターとともにディズニーを去ったドン・ブルースは、1982年に『ニムの秘密』でかつての雇用主と映画界で競争し始めた。この映画は批評家から高い評価を得たが、興行的にはささやかな成功にとどまった。

1980年代初頭のアメリカのアニメーション作品と比較すると、国際共同製作作品はより想像力に富み、将来性があるように思われた。ベルギーのフレディ・モニッケンダムのSEPPインターナショナルがハンナ・バーベラと共同で製作した『スマーフ』（1981年 - 1989年）は大成功を収め、続いて『スノークス』（1984年 - 1989年）と『フーファー』（1986年 - 1988年）が製作された。Bzzフィルムズの『ビビフォック』（1984年 - 1988年）の製作もSEPPが担当した。その他の注目すべき国際共同製作作品には『ガジェット警部』（フランス/アメリカ 1983年）と『オズの魔法使い』（カナダ/日本 1986年 - 1987年）がある。

英国では、コスグローブ ホール フィルムズの非常に成功したテレビ シリーズ「デンジャー マウス」が1981 年 9 月に初放送され、1992 年まで続き、1983 年から 1987 年にかけて 11 回のBAFTAノミネートを受けました。ニコロデオンでも放送された、ネズミが登場するこの機知に富んだ秘密エージェントのパロディは、アメリカの若者だけでなく大人の視聴者にも人気を博し、スピンオフ作品「カウント ダキュラ」(1988 年 - 1993 年) を生み出しました。

アニメは、印刷されたマンガとともに、日本で巨大なファン層を築き上げ、国の主流文化の大きな部分を占めるようになった。アニメの多くのジャンルの中でも、メカ（巨大ロボットSF）は特に象徴的なものとなった。特に印刷されたマンガは、ドラゴンボール（1984-1995）などのシリーズに支えられて1980年代に黄金期を迎え、これらのシリーズは長期にわたるアニメ化で成功を収めた。比較的新しいホームビデオ市場は非常に大きく成長し、オリジナルビデオアニメーション（OVA）は非常に評価されるメディアとなり、テレビ用に作られたものよりも高品質の作品になることが多かった（米国では、ビデオ直接販売は主に劇場公開やテレビ放送に値するほどの人気が見込まれないリリースのためのメディアであり、そのためはるかに低い予算で制作されることが多かったのとは対照的である）。当然、OVAメディアはエロチックでポルノ的なアニメーションの視聴にも適していた。最初のエロティックな OVA リリースは1984 年 2 月から 1985 年 5 月までのロリータアニメ (ロリータアニメ)シリーズで、すぐにくりいむレモンシリーズ (1984 年 8 月から 2005 年) が続きました。このジャンルは国際的にはヘンタイとして知られるようになり、未成年のセックス、モンスターのセックス、触手セックス（元々は日本の検閲規制を回避する手段として考案された）など、倒錯的な主題が含まれることが多いことで悪名高い。ヨーロッパの素材に基づいた新しいアニメ シリーズには、ニルスのふしぎな旅(1980 ～ 1981 年) やスプーンおばさん (Mrs. Pepper Pot) (1983 ～ 1984 年) がありました。

宮崎駿の漫画を原作とした大作劇場作品『風の谷のナウシカ』 （1984年）と天空の城ラピュタ（1986年）は、史上最高のアニメーション映画の一つとして定期的に賞賛されている。。天空の城ラピュタは、1985 年に宮崎監督が高畑勲らとともに設立したスタジオジブリの最初の長編作品でした。スタジオジブリは、高畑監督の第二次世界大戦映画『火垂るの墓』（1988年）、宮崎監督の代表作『となりのトトロ』（1988年）、『魔女の宅急便』（1989年）で成功を続けた。

1980年代半ばから、米国のアニメーションは復興期を迎えた。これは、カリフォルニア芸術大学から現れた才能の波によるものとされている。その中心は、 1920年代から1930年代にかけてアニメーションの言語に影響を与えた「ナイン・オールドメン」の一員、マーク・デイビスのもとで1970年代に同校で学んだ同世代である。この頃、「ナイン・オールドメン」の多くは引退の途上にあった。以来、A113教室の多くの生徒が、内輪のジョークとして、自分の映画やテレビシリーズなどにその部屋コードを挿入してきた。A113の生徒には、ジェリー・リース、ジョン・ラセター、ティム・バートン、マイケル・ペラザ、ブラッド・バードなどがいた。^[67] 9人の老人のうち他の2人、オリー・ジョンストンとフランク・トーマスは1981年に『The Illusion of Life』を出版した。これは史上最高のアニメーション本に選ばれ、ジェームズ・バクスターをはじめとする現代のアニメーターに影響を与えた指導書である。^{[68] [69]}

映画館では、ロバート・ゼメキス監督の実写/アニメーションのヒット作『ロジャー・ラビット』（1988年）も、ミッキー、ミニー、ドナルド、グーフィー、ベティ・ブープ、ドルーピー、ウッディー・ウッドペッカー、メル・ブランクの声優によるバッグス・バニー、ダフィー・ダック、ポーキー・ピッグ、トゥイーティー、シルベスターなど、その時代を代表するスーパースターが多数カメオ出演し、ロジャー・ラビット、ジェシカ・ラビット、ベイビー・ハーマン、ベニー・ザ・キャブなどのオリジナルキャラクターも登場し、漫画黄金時代の質が高くおかしなコメディを思い起こさせる作品となった。フルアニメのロジャー・ラビット短編映画 『Tummy Trouble』（1989年）は、実写の家族向けコメディ映画『ミクロキッズ』とパッケージ化され、同映画の興行成績の急上昇に貢献したと考えられている。^[70]スティーブン・スピルバーグのアンブリン・エンターテインメントとのコラボレーションで、ブルースの『アメリカ物語』（1986年）は、当時ディズニー以外のアニメ映画としては最高の興行収入を記録した。『リトル・リトル・モンスター』 （1988年）も同様に成功したが、ブルースの次の5本の長編映画は失敗に終わった。

『マイティマウス：ニューアドベンチャー』（1987年～1989年）は、アメリカの漫画の初期のクオリティと独創性を取り戻した最初のアニメテレビ番組の1つでした。ラルフ・バクシがプロデュースし、第1シーズンはジョン・クリクファルシが監督し、アニメーターに十分な芸術的自由を与えました。オリジナルのテリートゥーンズシリーズのノスタルジックな焼き直しではなく、ルーニー・テューンズの名作のクオリティとおどけたユーモアを再現しようとしました。

マット・グレイニングの『ザ・シンプソンズ』は、1987年4月に短編スケッチコメディ番組『トレイシー・ウルマン・ショー』として始まり、その後1989年12月に独立したゴールデンタイムの30分シットコムとしてスタートしました。これは史上最大のヒット漫画の1つとなり、最も長く続いている米国のゴールデンタイムの脚本付きテレビシリーズです。

『大ネズミ探偵』（1986年）や『オリバーと仲間たち』 （1988年）の成功でディズニースタジオは軌道に戻っていたが、興行収入記録を破った『リトル・マーメイド』 （1989年）で大成功を収めた。 『リトル・マーメイド』の最後の虹のシーンは、ディズニーとピクサーが共同で構築したコンピュータアニメーション制作システム（CAPS）システムで制作された最初の長編アニメーションだった。このデジタルインクとペイントのシステムは、手作業でセルにインクを塗って着色するという高価な方法に取って代わり、映画製作者に新しい創造ツールを提供した。1990年までに、アニメヒットのブームは漫画の黄金時代に匹敵するかもしれないカムバックとして歓迎された。^[70]

バクシのロックミュージカル『アメリカンポップ』（1981年）もまた成功を収め、主にロトスコープ技法を用いて制作され、水彩画、コンピューターグラフィックス、実写ショット、アーカイブ映像が組み合わされた。次の映画『ファイアー・アンド・アイス』（1983年）は、アーティストのフランク・フラゼッタとのコラボレーション作品である。これは、『コナン・ザ・バーバリアン』（1982年）と『ビーストマスター』 （1982年）の成功後に公開された、剣と魔法のジャンルの多くの映画の1つであった。批評家は映像とアクションシーンを高く評価したが、脚本は評価されず、映画は興行的に失敗に終わった。いくつかのプロジェクトを軌道に乗せることができなかった後、バクシは数年間引退した。

カナダのアンソロジー映画『ヘビーメタル』 （1981年）は、人気の雑誌『ヘビーメタル』に掲載された漫画を原作とし、同誌の創刊者が共同プロデュースした。この映画は、不均一で幼稚で性差別的だとの批判が相次いだ。その後、2000年に『ヘビーメタル2000』が製作されたが、あまり評判が良くなく、2019年にはNetflixシリーズ『ラブ、デス&ロボット』として再制作された。

ダークロックオペラ映画『ピンク・フロイド ザ・ウォール』（1982年）には、イギリスの漫画家ジェラルド・スカーフによる15分間のアニメ部分が含まれていた。スカーフは、1979年のアルバムや1980年から1981年のコンサートツアーの関連アートワークをすでにデザインしていた。映画のアニメ素材の一部は、1979年のミュージックビデオ「アナザー・ブリック・イン・ザ・ウォール パート2 」やツアーで使用されていた。スカーフは、ピンク・フロイドの1977年のツアー「イン・ザ・フレッシュ」でもアニメを制作していた。

英国の原子力災害を題材にしたヒット映画 『風が吹くとき』（1986年）では、手描きのキャラクターが実際の背景を背景に描かれ、動く物体はストップモーションで表現された。

暴力的な終末後の サイバーパンクアニメ『AKIRA』（1988年）は、日本国外でアニメとしての人気が高まり、現在では古典として広く認められています。

1981年にMTVが開局し、ミュージックビデオというメディアがさらに普及しました。関係者全員が自分のビデオを目立たせたいと考えていたため、比較的自由な芸術的表現と創造的なテクニックが可能になりました。1980年代の最も有名なミュージックビデオの多くはアニメーションを特徴としており、標準的なセルアニメーションとは異なるテクニックで作成されることが多かったです。たとえば、ピーター・ガブリエルの映画「スレッジハンマー」（1986年）の象徴的なビデオには、アードマン・アニメーションズとブラザーズ・クエイによるクレイアニメーション、ピクセル化、ストップモーションが使用されていました。

A-haの「テイク・オン・ミー」（1985年）は、実写とマイケル・パターソンによるリアルな鉛筆画アニメーションを組み合わせたことで有名である。このビデオはスティーブ・バロンが監督し、彼は同年、画期的なコンピュータアニメーションであるダイアー・ストレイツの「マネー・フォー・ナッシング」も監督している。A-haのビデオは、アレックス・パターソンのカリフォルニア芸術大学卒業制作映画「コミューター」 （1984年）に触発されたもので、ワーナー・ブラザーズ・レコードの重役たちの注目を集め^{[61] 、A-haの「}トレイン・オブ・ソート」のビデオにも部分的に使用された。

パターソンはまた、自身が創作したアニメ「MC スカット・キャット」をフィーチャーしたポーラ・アブドゥルの『オポジッツ・アトラクト』（1989年）も監督した。

ローリング・ストーンズの「ハーレム・シャッフル」（1986年）には、ラルフ・バクシとジョン・クリクファルシが監督し、数週間で制作されたアニメーション要素が盛り込まれている。

MTVの月面着陸のオリジナルバンパーは、チャレンジャー号の惨事を受けて1986年初頭に打ち切られた。 ^[71] MTVはその後、そのワイルドで芸術的なポストモダンのイメージをさらに推し進め、実験的なアイデンティティバンパーを大量に放映した。その多くはアニメだった。^[72]アニメーターは通常クレジットされないが、それぞれのスタイルで自由に作業することができた。例えば、カナダのアニメーター、ダニー・アントヌッチは匿名でルポ・ザ・ブッチャーのキャラクターをフィーチャーし、精神異常のたわごとを喋らせた。

1987 年頃から、MTV は独自のアニメーション部門を設立し、音楽関連の番組の合間に徐々にアニメーションを導入し始めました。ビル・プリンプトンのMicrotoonsはその初期の例です。

コンピュータで（抽象的な）動画を生成する初期の実験は 1940 年代から行われていましたが、1970 年代初頭に商業用アーケード ビデオ ゲームが販売されるまではあまり注目されていませんでした。非常に単純な 2 次元の白黒グラフィックを使用したAtari, Inc.のPong（1972 年）とTaitoのSpace Invaders は大成功を収め、コンピュータ アニメーションのインタラクティブな分野と見なすことができるメディアへの道を開いたのです。1974 年以来、コンピュータ グラフィックス（ CGIを含む）の分野における開発と新しい研究を紹介するSIGGRAPHコンベンションが毎年開催されていますが、コンピュータ アニメーションがテレビや映画館で見られることはほとんどありませんでした（Futureworld（1976 年）やStar Wars （1977 年）などのいくつかのハリウッド大作のスクリーンに映し出された未来技術としての3Dワイヤー フレーム モデルのいくつかのデモンストレーションは例外です）。

3D コンピュータ アニメーションは 1980 年代に文化的に幅広い影響を与え始めました。たとえば、1982 年の映画「トロン」や、ダイアー ストレイツの「マネー フォーナッシング」(1985 年)のミュージック ビデオがその例です。このコンセプトは、人気の疑似 3D アニメーションAIキャラクター「マックス ヘッドルーム」 (1985 年登場) を生み出しました。

1980 年代には、コンピュータ アニメーションは、テレビ コマーシャルや映画のタイトル シーケンスのロゴやテキスト用のモーション グラフィックスを作成するための比較的一般的な手段にもなりました。

1990年代、ディズニーは批評的にも商業的にも成功した数多くの映画を公開し、1930年代から1960年代の全盛期以来見られなかった高みに戻った。1989年から1999年までの期間は現在ディズニー・ルネッサンスまたは第二黄金時代と呼ばれており、 『リトル・マーメイド』 （1989年）の公開から始まった。その成功により、他の大手映画スタジオは、アンブリメーション、フォックス・アニメーション・スタジオ、ワーナー・ブラザース・フィーチャー・アニメーションなどの新しいアニメーション部門を設立し、ディズニーの成功を模倣して、自社のアニメーション映画をディズニー風のミュージカルに変えた。90年代は、劇場用アニメーション映画とテレビアニメシリーズの両方を含むアニメーション全体で「アニメーションのルネッサンス時代」と呼ばれることもある。

ディズニーの『美女と野獣』 （1991年）（アカデミー賞作品賞にノミネートされた最初のアニメ映画）、『アラジン』（1992年）、『ライオン・キング』（1994年）は、興行収入記録を次々と破った。『ポカホンタス』（1995年）は批評家からの評価は賛否両論だったが、興行的には成功し、アカデミー賞を2部門受賞し、観客からも好評だった。『ムーラン』（1998年）と『ターザン』（1999年）は、 『ライオン・キング』を超えて史上最高の興行収入を上げた（従来の）アニメ映画とはならなかったが、両作品とも観客と興行収入は好調で、それぞれ世界中で3億ドル以上の興行収入を記録した。『ノートルダムの鐘』（1996年）は、当時は興行的には成功したが、非常に暗く大人向けのテーマを含んでいたため、カルト的なファンがいるものの、それ以来ディズニーのあまり知られていない映画の1つとなっている。続編の『レスキュー・ドッグス』（1990年）と『ヘラクレス』（1997年）だけが興行成績が期待を下回ったが、他のディズニー・ルネッサンス映画と同様に、両作品とも観客の間で好評を博した。

1994年の『ジャファーの逆襲』から2015年の『ティンカー・ベルとネバービーストの伝説』まで、ディズニーはヒット作の長編続編を制作し続けていたが、ウォルト・ディズニー・スタジオ・ホーム・エンターテイメントによるビデオ直接リリースのみだった。多くの点で、これらのビデオ直接リリースの映画は、『アリス・イン・ワンダーランド』 （2010年）以降のディズニーの実写リメイクに似ていた。

ジョン・クリクファルシの影響力の大きい『レンとスティンピー・ショー』（1991年 - 1996年）は、幅広い称賛を集めた。放送開始当初は、米国で最も人気のあるケーブルテレビ番組だった。子供向けアニメとして番組化されたが、ブラックユーモア、性的なほのめかし、大人向けのジョーク、衝撃的な内容で物議を醸すことで有名だった。『レンとスティンピー・ショー』は、『ダグ』（1991年 - 1994年、1996年 - 1999年）、『ラグラッツ』 （1991年 - 1994年、1997年 - 2004年）とともに有料放送のニコロデオン・テレビ・チャンネルで初放送された3番目のアニメだった。 『ラグラッツ』の制作会社であるクラスキー・クスポは、1990年代から2000年代にかけて、子供向けネットワーク向けに時代を代表する番組を制作し、アニメ化した。 2008年にスタジオが忘れ去られると、その後を継いだのは『フェアリーテイル失われた心』(2001年 - 2006年、2009年 - 2017年)を手掛けたフレデレーター・スタジオでした。フレデレーターは2000年代と2010年代の大半を活動を続けましたが、2017年までに忘れ去られました。

1991年以前、ニコロデオンは他のチャンネルから自社ネットワークに漫画を輸入しており、この慣行は現在も続いている。ニコロデオンに輸入された漫画の例としては、フォックスファミリーチャンネル（海外リリースあり）の「アンジェラ・アナコンダ」（1999年 - 2001年）、カナダのチャンネルであるテレトゥーンの「ウェイサイド」（2005年、2007年 - 2008年）、ディスカバリーキッズの「グローイング・アップ・クリーピー」（2006年 - 2008年）などがある。同チャンネルへの輸入漫画の中で最も成功したのは、カナダの別のネットワークであるスピンマスターの「パウ・パトロール」 （2013年 - 現在）で、ニコロデオンのサブチャンネルであるニックジュニアで放送されており、同局の番組は子供やティーンエイジャーではなく幼児を対象としている。ニックジュニア独自の漫画で最も成功したのは「ドーラといっしょに大冒険」（2000年 - 2019年）である。ニックの全盛期の90年代より何年も前、ニコロデオンは1979年か1980年にビデオ・ドリーム・シアターのパイロット版（未放映）をリリースし、その後すぐにオリジナルアニメーションの2つの失敗作、 1988年のクリスマス・イン・タタータウンと1989年のニックのサンクスギビング・フェストのパイロット版が放映された。

これらの初期の番組は、ロッコーのモダンライフ（ 1993年 - 1996年、2019年）やヘイ・アーノルド!（1996年 - 2004年、2017年）やアングリービーバーズ（1997年 - 2001年）やキャットドッグ（1998年 - 2001年/2005年）など、後のニコロデオンへの道を開いた。当初、長く続いたニコロデオンのラグラッツはニコロデオンの主力フランチャイズであったが、 2004年にネットワークが最初のスポンジ・ボブ映画をリリースしてブランドを再構築したときにスポンジ・ボブ（1999年 - 現在）に追い抜かれた。

1993年9月13日、Fox Kidsはアニマニアックス（1993年 - 1998年、2020年 - 2023年）の最初のエピソードを放映し、1999年にはアニマニアックスの映画「Wakko's Wish」が公開されました。レンとスティンピー・ショーと同様に、アニマニアックスには大人向けのユーモアとほのめかしがありました。ザ・シンプソンズ（1989年 - 現在）とレンとスティンピー・ショー（1991年 - 1996年）の大成功により、サウスパーク（1997年 - 現在）、キングオブザヒル（1997年 - 2010年）、ファミリーガイ（1999年 - 現在）、フューチュラマ（1999年 - 2003年、2008年 - 2013年、2023年 - 現在）など、より独創的で比較的大胆なシリーズが生まれました。

MTV では、同チャンネルが「ミュージック テレビ」という呼び名に合わない番組を制作し始めるにつれて、アニメーションの使用が増えていった。Liquid Television (1991 年から 1995 年) では、主に独立系アニメーターがこの番組のために特別に作成した作品が紹介され、別の番組Æon Flux、Beavis and Butt-Head (1993 年から 1997 年)、Daria (1997 年から 2002 年) が生まれた。MTV の 1990 年代の他のアニメ シリーズには、 MTV の Oddities というブランド名で放送されたThe Head (1994 年から 1996 年) とThe Maxx (1995 年)がある。2001 年までに、MTV はアニメーション部門を閉鎖し、アニメ シリーズを外注し始め、最終的には関連ネットワークから番組を輸入した。

ワーナー・ブラザースの24時間ケーブルチャンネル、 カートゥーン ネットワークは1992年10月1日に米国で開局され、その後すぐに国際版が続いた。当初、この番組はワーナー・ブラザース、MGM、フライシャー/フェイマス、ハンナ・バーベラのバックカタログからの古典的な漫画で構成されていた。1996年から2003年にかけて、新しいオリジナルシリーズがカートゥーン カートゥーンとして放送され、人気タイトルのデクスターズラボ（1996年–2003年）、『ジョニー・ブラボー』（1997年–2004年）、『カウ・アンド・チキン』（1997年–1999年）、『アイ・アム・ウィーズル』（1997年–2000年）、『パワーパフガールズ』（1998年–2005年）、『エド・エッド・エディ』（1999年–2009年）、『臆病者Courage the Cowardly Dog』（1999年–2002年）が含まれていた。

米国では、ディズニー・チャンネル/ディズニーXD、PBSキッズなどの他の専門ケーブルチャンネルや、午後のシンジケート時間帯でも、子供向けのテレビアニメが引き続き盛んに放送されました。90年代のディズニーアニメの例としては、 『テイルスピン』（1990年 - 1991年）、『ダークウィング・ダック』（1991年 - 1992年）、『グーフ・トループ』（1992年、1995年、2000年）、『アラジン』 （1994年 - 1995年、1996年）、『ガーゴイル』 （1994年 - 1997年）、『ティモンとプンバァ』（ 1995年 - 1999年）、『101匹わんちゃん』（1997年 - 1998年）、 『ペッパー・アン』（1997年 - 2000年）、『ディズニーズ・リセス』（1997年 - 2001年、2003年）などがあります。

ディズニー・チャンネル（ディズニー・ブランデッド・テレビジョンが所有）、ニコロデオン（バイアコムが所有、現在はパラマウント・グローバルとして知られる）、カートゥーン・ネットワーク（ワーナー・ブラザース・アニメーションが所有）がアニメテレビ業界を独占していた。これら3つのチャンネルは今日でも、特に1990年代には子供向けエンターテイメントの「ビッグ3」と見なされていた。

1990年代には、特にビデオゲームにおいて3Dアニメーションがますます主流となり、最終的には1995年にピクサーの長編映画ヒット作『トイ・ストーリー』で大きな進歩を遂げました。

多かれ少なかれ写真のようにリアルな 3D アニメーションは、1980 年代から一部のコマーシャルや映画の特殊効果に使用されてきましたが、画期的な効果が『ターミネーター 2』（1991 年）や『ジュラシック パーク』（1993 年）で見られました。それ以来、技術は CGI と実際の撮影の違いがほとんどわからないほどに発達しました。映画製作者は、仮想撮影法を使用して、両方の種類の画像をシームレスに融合できます。『マトリックス』（1999 年）とその続編 2 作は、この分野で画期的な映画とみなされることがよくあります。

仮想世界の創造により、仮想現実でのリアルタイムアニメーションが可能になります。仮想現実は 1962 年から実験が行われ、1990 年代に商業的なエンターテイメント アプリケーションとして利用され始めました。

ワールド ワイド ウェブの登場により、モーション グラフィックスとコンピュータ アニメーションへの関心が高まり、ニュー メディアと呼ばれるようになった多くの新しいアプリケーション、技術、市場が生まれました。

ピクサーの『トイ・ストーリー』（1995年）やドリームワークス・アニメーションの『シュレック』（2001年）の成功後、コンピュータアニメーションは米国やその他多くの国で主流のアニメーション技術に成長しました。伝統的に見えるアニメーションでさえ、セルシェーディング技術などによって、伝統的なアニメーションの望ましい外観を再現し、完全にコンピュータで作成されることが多くなりました（真のリアルタイムセルシェーディングは、2000年にセガのドリームキャストコンソール用ジェットセットラジオで初めて導入されました）。2004年までに、伝統的な技術で作成される作品は小規模なものに限られていました。

21世紀の最初の数十年間は、3D映画が劇場で主流になった時期でもありました。CGIの制作プロセスと視覚スタイルは、従来のアニメーションスタイルや手法よりもはるかに3D鑑賞に適していました。しかし、多くの従来のアニメーション映画は3Dで非常に効果的です。ディズニーは2011年にライオンキングの3D版を成功させ、続いて2012年に美女と野獣をリリースしました。計画されていたリトルマーメイドの3D版は、美女と野獣と3Dに変換されたピクサーの2つのタイトルが興行的に成功しなかったためキャンセルされました。 ^[73]

ディズニーは『ダイナソー』や『チキン・リトル』で独自の3Dスタイルのコンピュータアニメーション映画の製作を開始しましたが、『ラマになった王様』（2000年）、『アトランティス 失われた帝国』（2001年）、 『リロ アンド スティッチ』 （2002年）、『トレジャー・プラネット』（2002年）、『ブラザー・ベア』（2003年）、『ホーム・オン・ザ・レンジ』（2004年）など、伝統的な外観のアニメーション映画の製作も続けました。

『トレジャー・プラネット』と『ホーム・オン・ザ・レンジ』は巨額の予算を投じたにもかかわらず大失敗で、ディズニーは3Dコンピュータアニメーションのみを続けるかに見えた。2006年の財務分析では、ディズニーは過去10年間のアニメーション制作で赤字を計上していたことが判明した。^[74]その一方で、ピクサーのCGI作品は非常に好調だった。状況を好転させるため、ディズニーは2006年にピクサーを買収し、契約の一環としてピクサーとウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオの両方のクリエイティブ・コントロールをピクサーのジョン・ラセターの手に委ねた。スタジオは別個の法人として存続した。ラセターのもと、ディズニー・スタジオは伝統的なスタイルと3Dスタイルの両方のアニメーションプロジェクトを開発した。

劇場用短編映画『ホームシアターの作り方』（2007年）では、新しいペーパーレスアニメーションのプロセスを使用して、1940年代や1950年代の漫画に似た外観を実現できるかどうかがテストされ、グーフィーが42年ぶりに単独出演して 「エブリマン」役に復帰しました。

ロン・クレメンツとジョン・マスカーの長編映画『プリンセスと魔法のキス』（2009年）は、商業的にも批評的にもそこそこの成功を収めたが、スタジオが期待したような伝統的な長編映画のカムバックヒットにはならなかった。この映画が失敗したとされる主な理由は、タイトルに「プリンセス」という言葉を使ったことで、潜在的な映画ファンがこの映画は女の子向けで時代遅れだと考えたためだと考えられている。

『くまのプーさん』（2011年）は好評を博したが興行的には失敗し、ディズニーのこれまでのところ最新の伝統的長編映画となったが、スタジオは2019年と2023年に、将来の手描きの長編プロジェクトの映画製作者からの提案を歓迎すると述べている。 ^{[75] [76]} 『アナと雪の女王』（2013年）は、もともと伝統的なスタイルで構想されていたが、特定の必要な視覚的要素の作成を可能にするために3D CGIに切り替えられた。それは当時ディズニー最大のヒットとなり、『ライオン・キング』とピクサーの『トイ・ストーリー3』の両方を上回り、史上最高の興行収入を記録したアニメーション映画となり、スタジオ初のアカデミー長編アニメーション賞を受賞した。

手描きアニメーションは米国以外でも引き続き非常に人気があり、特に日本では伝統的なスタイルのアニメが依然として主流の技法でした。アニメの人気は国内でも上昇し続け、2015年には過去最高の340本のアニメシリーズがテレビで放映されました。また、海外でも、カートゥーン ネットワーク (1997～2008年) とアダルト スイム(2012年以降) で専用のトゥーンアミブロックが設けられ、 NetflixやAmazon Primeなどのストリーミング サービスではライセンス供与や制作されるアニメの数が増えています。

スタジオジブリは、宮崎駿の『千と千尋の神隠し』 （2001年）、『ハウルの動く城』（2004年）、『崖の上のポニョ』（2008年）、『風立ちぬ』（2013年）で大成功を収め続けた。 』と『米林宏昌借りしのアリエッティ』（2010年）、全世界で1億ドル以上の興行収入を記録史上最も興行収入の高いアニメ映画のトップ 20 にランクインしています(2024 年時点)。高畑監督のかぐや姫の物語（2013年）は、アカデミー賞長編アニメーション賞ほか多くの賞にノミネートされた。

新海誠監督『君の名は。』（2016年、海外で史上最高の興行収入を記録したアニメ映画）と『天気の子』（2019年）。

1990 年代の 3 大アニメチャンネルは 2005 年以降やや衰退したものの、それでも多くの新番組を制作しました。21 世紀のニコロデオンには、インベーダー・ジム(2001 年 - 2006 年、2019 年)、ジミー・ニュートロン(2001 年、2002 年 - 2006 年)、チョークゾーン(2002 年 - 2008 年)、アバター: 伝説の少年アン(2005 年 - 2008 年)、キャッツクラッチ(2005 年 - 2007 年) などがあります。最後のキャッツクラッチは多くの人に最後のクラシックニコロデオンだと考えられています。1991 年から 2005年までの全盛期の後、ニコロデオン後期の2005 年から現在に至るまで、カルト的な人気を誇るアニメが制作されてきました。 (2008-2011)、アバターのスピンオフシリーズ「The Legend of Korra」 (2012–2014)、「Sanjay and Craig」 (2013–2016)、「Harvey Beaks」 (2015–2017)、「The Loud House」 (2016年以降)、TLH のスピンオフ「The Casagrandes」 (2019-2022、2024)。It 's Pony (2020–2022)、「Glitch Techs」 (2020)、「Middlemost Post」(2021-2022)、 「Star Trek: Prodigy」 (2021-2022)、「Big Nate」 (2022-2024)、およびRock Papper Scissors (2024年以降)。 21 世紀の CN アニメの例としては、『サムライジャック』（2001 年～ 2004 年、2017 年）、『コードネーム: キッズ ネクスト ドア』（2002 年～ 2008 年） 、 『ティーン タイタンズ』（2003 年～ 2006 年）、『ベン 10』（2005 年～ 2008 年）、『アドベンチャー タイム』（2010 年～ 2018 年）、『レギュラー ショー』（2010 年～ 2017 年）、『おかしなガムボール』（2011 年～ 2019 年）などがあります。ディズニー・ルネッサンス以降、ディズニーは『キム・ポッシブル』（2002～2006、2007年）、『フィニアスとファーブ』 （2007～2015年）、 『怪奇ゾーングラビティフォールズ』（2012～2016年）、『スターVS. 邪悪な魔人』（2015～2019年）、『ライオン・ガード』（2016～2019年）、『ダックテイルズ』（2017～2021年）、『ビッグ・シティ・グリーンズ』（2018年～現在）、『アンフィビア』（2019～2022年）、『アウル・ハウス』（2020～2023年）を制作しました。

J・スチュアート・ブラックトン、セグンド・デ・チョモン、アーサー・メルボルン・クーパーなどの先駆的な作品の後、ストップモーションは手描きアニメーションやコンピュータアニメーションほど優位ではないアニメーションの分野になりました。それでも、多くの成功したストップモーションの映画やテレビシリーズがあります。アニメーション人形の作品で最高の評価を受けたアニメーターの中には、ウワディスワフ・スタレヴィッツ、ジョージ・パル、ヘンリー・セリックがいます。動く粘土を使用した人気作品には、ガムビー（1953年）、ミオマオ（1970年）、赤と青（1976年）、ピングー（1990年 - 2000年）や、アードマンアニメーションズの多くの作品（モーフ（1977年）、ウォレスとグルミット（1989年））などがあります。

ヤン・シュヴァンクマイエルやクエイ兄弟などの著名な映画製作者たちの手によって、ストップモーションは高度に芸術的な媒体としてみなされてきました。

ストップモーションは、コンピューターアニメーション効果に大きく取って代わられるまで、実写映画の特殊効果でも人気の手法でした。先駆者であるウィリス・オブライエンと彼の弟子レイ・ハリーハウゼンは、モデルや人形と骨組みを使って、ハリウッドの実写映画で多くのモンスターや生き物をアニメートしました。それに比べて、手描きアニメーションは実写と比較的よく組み合わされていますが、通常は明白な方法で、しばしば「現実」の世界とファンタジーや夢の世界を組み合わせた意外な仕掛けとして使用されています。手描きアニメーションが説得力のある特殊効果として使用されたことはまれです (たとえば、ハイランダー(1986) のクライマックス)。

セルアニメーションが標準的な手法になるまでは（少なくとも米国では）、カットアウト技法はアニメーション映画で比較的頻繁に使用されていました。キリノ・クリスティアーニとロッテ・ライニガーによる最も初期の長編アニメーション映画は、カットアウトアニメーションでした。

1934年以前、日本のアニメーションではセルロイドが高価すぎたため、セルアニメーションよりも切り抜き技法が主に使用されていました。^{[77] [78]}

切り抜きは手描きされることが多く、作品によっては複数のアニメーション技法が組み合わされているため、切り抜きアニメーションは手描きの従来のアニメーションと非常によく似ている場合があります。

カットアウトアニメーションは、子供向け番組（ 『アイヴァー・ザ・エンジン』など）でシンプルで安価なアニメーション手法として使用されることもありますが、ハリー・エヴェレット・スミス、テリー・ギリアム、ジョン・コーティ、 ジム・ブラッシュフィールドなどの映画製作者の手によって、比較的芸術的で実験的な媒体として残されてきました。

今日では、切り抜きスタイルのアニメーションは、物理的に切り取られた素材の代わりにスキャンされた画像やベクター グラフィックを使用して、コンピューターを使用して制作されることが多くなっています。サウス パークは、パイロット エピソードがコンピューター ソフトウェアに切り替わる前に紙の切り抜きで作成されたため、移行の顕著な例です。コンピューター アニメーションでは、同様のスタイルの選択とさまざまなテクニックの融合により、「従来の」アニメーション、切り抜きアニメーション、およびFlash アニメーションのスタイルを区別することが難しくなっています。

• 1970年:フアン・パドロンが、長編短編シリーズと2本の映画の主役となるエルピディオ・バルデスのキャラクターを創作。
• 1992:国際映画祭にアニメーション部門が追加されました。

• 1935: アルフォンソ・ベルガラが短編アニメーション映画「パコ・ペリコ・アン・プレミア」を制作。
• 1974年: フェルナンド・ルイスがメキシコ初の長編アニメーション映画『ロス・トレス・レイエス・マゴス』を製作。
• 1977年: アヌアル・バディンが漫画を基に映画『Los supersabios』を制作。
• 1983年：ロイ・デル・エスパシオ

• 1977年：ディズニーのファンタジアのパロディ/オマージュである古典的なアレグロ・ノン・トロッポは、監督ブルーノ・ボゼットの最も野心的な作品であり、スパゲッティ・ウエスタンウェストとソーダとスーパーヒーローのパロディVIPマイブラザースーパーマン、そしていくつかの有名な短編（アカデミー賞にノミネートされたミスターロッシとグラスホッパー（カヴァレット）を含む）に続く彼の3番目の長編アニメーションである。^[79]

• 1953年:ザグレブ映画がザグレブアニメーション学校を設立。
• 1975: Škola Animiranog Filma Čakovec (ŠAF) がチャコヴェツアニメーション学校を設立。

• ウィンザー・マッケイの「恐竜ガーティ」（1914年）の1921年の続編。個性的なアニメーションを備えた最初の漫画。

• アニメーションの初登場
• アニメの歴史
• 美術史
• カートゥーン ネットワークの歴史
• 漫画の歴史
• ディズニーチャンネルの歴史
• 映画の歴史
• マンガの歴史
• ニコロデオンの歴史
• テレビの歴史
• ビデオゲームの歴史
• YouTubeの歴史

• リチャード・ルウェリン (2013)。「アニメーション入門年表」リチャードのアニメーションディボット。2021年1月19日時点のオリジナルよりアーカイブ。 2011年2月28日閲覧。
• 「ヨーロッパで制作されたアニメーション映画のリスト」。アニメーションヨーロッパ。
• ハーバート、スティーブン。「映画以前のアニメーション」。生命の輪。
• 中国映画古典：アニメーションと漫画（マンフア）：学術ウェブサイト chinesefilmclassics.org による、初期の中国映画産業におけるアニメーションの例と考察