アメリカアニメーションの黄金時代

アメリカのアニメーションの黄金時代は、 1928年に音声同期漫画が普及したことから始まり、劇場用短編アニメーションがテレビという新しいメディアに人気を失い始めた1960年代に徐々に終焉を迎えた時代である。黄金時代以降のアニメーションメディア、特にテレビは、1950年代後半から1980年代にかけて、より低予算で、より限られた技術で制作された。^[1]

この時期には、次のような人気があり有名なアニメキャラクターが数多く登場しました。

• ウォルト・ディズニーのミッキーマウス、ミニーマウス、ドナルドダック、デイジーダック、グーフィー、プルート
• フライシャー・スタジオのポパイ、ベティ・ブープ、ビンボ、ココ・ザ・クラウン、スーパーマン
• ワーナー・ブラザースのバッグス・バニー、ダフィー・ダック、ポーキー・ピッグ、ワイリー・コヨーテとロード・ランナー、トゥイーティー、シルベスターとタスマニアン・デビル
• ヴァン・ビューレン・スタジオ「フェリックス・ザ・キャット」
• ウォルター・ランツの「ウッディー・ウッドペッカーとチリー・ウィリー」
• MGMのトムとジェリーとドルーピー
• フェイマス スタジオのキャスパー ザ フレンドリー ゴースト、リッチー リッチ、リトル オードリー、リトル ルル、ベイビー ヒューイ
• スクリーンの宝石「キツネとカラス」
• テリートゥーンズのマイティマウスとヘックルとジェックル
• UPAのマグー氏
• デパティ・フレレングの『ピンク・パンサー』、『警部補』、『アリとツチブタ』

この40年間、黄金時代に公開されたメディアの質はしばしば議論されてきた。この時代の最盛期は、通常1930年代から1940年代とされ、ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ、ワーナー・ブラザース・カートゥーン、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー・カートゥーン、パラマウント・カートゥーン・スタジオ、ウォルター・ランツ・プロダクション、テリートゥーンズ、フライシャー・スタジオなどのスタジオの劇場上映に起因している。その後の1950年代から1960年代にかけては、UPA、デパティー・フレレング・エンタープライズ、ハンナ・バーベラ・カートゥーン、ジェイ・ワード・プロダクションなどのスタジオの出現により、この時代は「銀の時代」と分けられることがある。黄金時代の終焉後、テレビの台頭により、これらの会社の業界における存在感は大幅に高まった。^{[2] [3]}さらに、アニメーションの歴史はアメリカにおいて芸術的に非常に重要なものとなった。^[4]

長編アニメーションはこの時期に始まり、最も有名なのはディズニーの「ウォルト時代」の映画で、^{[5] [6]} 1937年の『白雪姫』、 1940年の『ピノキオ』から1967年の『ジャングル・ブック』、1970年代の『おしゃれキャット』（ウォルトが死去する1966年以前に制作された最後のアニメーション映画）までを網羅している。 ^{[7] [2]この時期には、}サルードス・アミーゴス（1942年）、『錨を上げろ』（1945年）、『南部の唄』（1946年）、『濡れると危険』（1953年）、『メリー・ポピンズ』（1964年）、『ベッドかざりとほうき』 （1971年）など、アニメーションを組み込んだ実写映画がいくつか制作され、最後の作品はアニメーション特殊効果でアカデミー賞を受賞した最後の劇場映画となった。^{[8] [9]}さらに、ストップモーションアニメや特殊効果も開発され、キングコング（1933年）や深海魚（1953年）、 『宇宙戦争』（1953年）、『ヘンゼルとグレーテル：オペラファンタジー』（1954年）、 『海底二万里』（1954年）、『禁断の惑星』（1956年）、『シンドバッド七回目の航海』 （1958年）、『アルゴノーツ大冒険』 （1963年）、『2001年宇宙の旅』（1968年）などの映画が制作されました。^[10]

テレビでのアニメーションもこの時期に始まり、ジェイ・ワード・プロダクションの『クルセイダー・ラビット』 （1948年に放送された最初のアニメシリーズ）と『ロッキーとブルウィンクル』 （1959年）の初期バージョンが制作された。 ^[11]テレビアニメーションの台頭は、黄金時代の終焉を早めた要因であると考えられることが多い。^[1]しかし、多くの著者は、1962年までのハンナ・バーベラの初期のアニメシリーズを黄金時代の一部と見なし、そこには『ラフ・アンド・レディ』（1957年）、『ハックルベリー・ハウンド』（1958年）、『クイック・ドロー・マグロウ』（1959年）、 『原始家族フリントストーン』（1960年）、『ヨギ・ベア』（1961年）、『トップ・キャット』 （ 1961年）、『ウォーリーと宇宙家族ジェットソン』（1962年）などがある。^{[12] [13] [14]}これらのアニメシリーズのいくつかは、アメリカのテレビへの貢献により初めてエミー賞を受賞した。^[15]ハンナ・バーベラの黄金時代に関連する他の作品としては、『ワッキー・レース』 （1968年）や、コロンビア映画との劇場用アニメーション『ループイ・デ・ループ』（1959年）などがあり、 1964年から1966年にかけて公開された長編映画もある。 ^[16]

ウォルト・ディズニーは、政治風刺画やコミック・ストリップを描く新聞漫画家になることを決めていた。^[17]しかし、誰もディズニーを雇おうとしなかったため、当時銀行員として働いていた兄のロイが、彼をペスメン・ルービン・アート・スタジオに就職させ、新聞、雑誌、映画館の広告を制作させた。 ^{[18]ここで彼は仲間の漫画家}アブ・アイワークスと出会い、2人はすぐに友人となり、1920年1月にスタジオでの任期が終了すると、アイワークス・ディズニー・コマーシャル・アーティストという自分たちの広告代理店を共同で設立することを決めた。^[19]しかし、事業はうまくスタートせず、ウォルトは一時的にカンザスシティ・フィルム・アンド・アド社に移り、その一時的な会社の資金を調達し、アイワークスもすぐに後を追った。アイワークスは一人で事業を運営することができなかったためである。^[20]

そこで働いている間、彼は地元の劇場向けに粗雑な切り抜きアニメーションを使ったコマーシャルを制作していた。ディズニーはその芸術に魅了され、アニメーターになることを決意した。^[21]その後、彼は職場からカメラを借り、地元の図書館からエドウィン・G・ラッツ著の『アニメーション：その制作方法、起源と発展』という本を借り、セルアニメーションの方が質が良いと判断し、自分のアニメーションスタジオを開くことを決意した。^{[22]その後、ディズニーは}フレッド・ハーマンとチームを組み、最初の映画『リトル・アーティスト』を制作したが、これはアーティスト（ディズニー）が自分の仕事机でタバコ休憩を取っているだけのものであった。ハーマンはすぐにこの事業から手を引いたが、ディズニーは地元の劇場オーナーのフランク・L・ニューマンと契約を結び、ニューマン・ラフ・オー・グラムと題した漫画を自ら制作し、 1921年2月頃に上映された。^{[23] [24]}その後ウォルトは映画・広告会社を辞め、 1922年5月にラフ・オー・グラム・フィルムズを設立し、アブ・アイワークスやフレッド・ハーマンの兄弟ヒュー・ハーマンなど、元広告会社の同僚を無給のアニメーションの「生徒」として雇った。^[25]

1922年を通して、ディズニー社は、赤ずきん、ブレーメンの音楽隊、ジャックと豆の木、ジャックと天空の城ラピュタ、金髪の少女と三匹の熊、長靴をはいた猫、シンデレラ、トミー・タッカーの歯など、童話を現代風にアレンジした映画を次々と製作した。後者は主に歯科衛生に関する実写映画だった。これらの映画はどれも利益を生まなかった。^{[26]ディズニー社が製作した最後の映画は、}不思議の国のアリスという短編だった。ルイス・キャロルの不思議の国のアリスに大まかにヒントを得たこの短編では、アリス（ヴァージニア・デイビス）という5歳の少女が実写で登場し、完全にアニメ化された世界で冒険を繰り広げる。しかし、1923年の夏にスタジオが倒産したため、この映画は完成しなかった。^{[25] [27]}

ラフ・オ・グラムの閉鎖後、ウォルト・ディズニーはフリーランスの映画製作者として働き、その後カメラを売ってロサンゼルス行きの片道切符を買った。^[28]到着すると、彼は叔父のロバートと弟のロイと一緒に暮らすことになった。ロイは戦争中に患った結核から回復し、近くの公立病院に入院していた。 ^[29]実写映画の監督の仕事に就けなかった後、彼は未完成の『不思議の国のアリス』のフィルムをニューヨークのウィンクラー・ピクチャーズの短編配給業者マーガレット・J・ウィンクラーに送った。ウィンクラーは当時『フィリックス・ザ・キャット』と『アウト・オブ・ザ・インクウェル』の両方のアニメを配給していたが、フライシャー兄弟は自分たちの配給会社レッド・シール・フィルムズを設立するために去ろうとしており、フィリックス・ザ・キャットのプロデューサーであるパット・サリバンはウィンクラーと絶えず争っていたため、ウィンクラーは一種の保険としてディズニーの『アリス・コメディ^{』の配給に同意した。 [30]}

ウォルト・ディズニーは10月15日に通知を受け取ると、ロイに病院を辞めて自分のビジネスを始めるのを手伝うよう説得した。^[31]翌日の1923年10月16日、叔父の家から2ブロック離れた小さな賃貸オフィスにディズニー・ブラザーズ・カートゥーン・スタジオがオープンし、ロイがビジネスを管理し、ウォルトがクリエイティブなことを担当した。^[30]彼はヴァージニア・デイヴィスの両親を説得し、最初の公式アリス短編映画『アリスの海の日』が11日遅れの1924年1月1日に公開されることとなった。^{[30]アブ・アイワークスは1925年2月に再雇用され、}アリスシリーズのアニメーションの質が向上した。これをきっかけに、ヒュー・ハーマン、ルドルフ・アイジング、カーマン・マクスウェルが1925年6月にディズニーを追って西へ移った。 ^{[32] [33]}その頃、デイビスはマギー・ゲイに交代し、アニメは実写シーンよりも完全アニメシーンに重点を置くようになり、特にアリスのペットの相棒ジュリアスが登場するシーンはフィリックス・ザ・キャットに驚くほど似ていた。^[34] 1926年2月、ディズニーはハイペリオン・アベニュー2719にさらに大きなスタジオを建設し、会社名をウォルト・ディズニー・カートゥーンに変更した。^{[35] [36]}

1923年11月、ウィンクラーはチャールズ・ミンツと結婚し、数ヵ月後に妊娠した際に事業を彼に譲った。^{[37] [38]}ミンツは冷酷で厳格、無慈悲なチェーンスモーカーの暴君としてよく描写されていた。ある従業員は彼を「鼻眼鏡の奥に冷たい目が光る、厳しい顔をした男」で「決してスタッフと話をしなかった。支柱の列を眺める提督のように我々を見ていた」と記憶している。^[39]ウィンクラーは穏やかな批評と激励を与えたが、ミンツはディズニーに対して厳しく残酷な口調で伝えた。^{[38] [40]} 1927年、ミンツは実写とアニメーションを組み合わせるコストを理由に ディズニーにアリス・コメディの製作を中止するよう命じた。

ミンツはユニバーサル・スタジオとの配給契約をなんとか勝ち取ったが、契約に署名したのはディズニーではなくミンツだった。ディズニーと主任アニメーターのアブ・アイワークスは、 1927年に短編『トロリートラブル』でデビューした『オズワルド・ザ・ラッキー・ラビット』を制作した。『オズワルド』シリーズは成功し、ウォルト・ディズニー・スタジオの最初のヒット作となった。

1928年の春、ディズニーはニューヨークに行き、ミンツに予算の増額を求めた。ミンツは彼の要求を厳しく拒否した。ミンツは、ミンツがユニバーサルと交わした契約では、キャラクターの権利はディズニーではなくユニバーサルにあると指摘した。ミンツはディズニーに、スタッフのほとんどをスタジオから引き抜いたことを明かし（アブ・アイワークス、レス・クラーク、ウィルフレッド・ジャクソンは辞職を拒否した）、予算を20パーセント削減しなければディズニーとの契約を切ってオズワルドシリーズを自分で続けると脅した。ウォルトは拒否し、ウィンクラー・ピクチャーズは配給を中止した。

ディズニーがミンツのために残りの漫画を完成させている間に、ディズニーとそのスタッフは密かにオズワルドに代わる新しい漫画キャラクター、ミッキーマウスを考案した。

ミッキーの着想はこれまではっきりしたことがなかった。ウォルト・ディズニーは、ミンツとの対決の直後にロサンゼルスに戻る電車の中でこのアイデアを思いついたと述べているが、他の記録ではスタジオに戻ってからこのアイデアを思いついたとされている。ウォルト・ディズニーはかつて、古いラフ・オー・グラム・スタジオで飼っていたペットのネズミにインスピレーションを受けたと述べたことがあるが、より一般的には、ネズミがそれまで漫画シリーズの中心キャラクターになったことがなかったためネズミを選んだと述べている。

1928年、 『プレーン・クレイジー』がミッキーマウス・シリーズの最初の作品となったが、試写会の反応が悪く、配給会社もつかなかったため公開されなかった。ミッキーマウスの2作目のアニメ『ギャロッピング・ガウチョ』も観客と配給会社の注目を集めることができなかった。ディズニーは何が足りないかを知っていた。サウンド付きの映画は1927年の『ジャズ・シンガー』以来観客を魅了しており、ウォルトは次のアニメ『蒸気船ウィリー』にはサウンドを付けると決めた。 『蒸気船ウィリー』は最初のサウンド付きアニメではなく、マックスとデイブ・フライシャーはサウンド付き映画『ドン・ファン』公開後の1926年からソング・カー・チューンズを制作していた。しかし、彼らはサウンドをアニメーションと同期させることに失敗し、アニメの主な焦点はバウンドするボールで一緒に歌うことだった。ソング・カー・チューンズは成功せず、スタッフの中にはサウンド付きのアニメが成功するかどうか疑問に思う者もいた。そこでディズニーは、音楽と効果音を舞台裏でマイクを通して生演奏する特別試写会を企画した。『蒸気船ウィリー』の試写会は成功し、配給会社セレブリティ・ピクチャーズの社長パット・パワーズを獲得することができた。しかし、音とアニメーションを同期させる最初の試みはタイミングが全く間違っていて大失敗だった。2回目のレコーディングの資金を捻出するため、ウォルトは車を売却した。今度はクリックトラックを使ってミュージシャンのリズムを崩さなかった（ディズニーは後に、最初にセリフ、音楽、効果音を録音して、その音に合わせてアニメーションを作る方が簡単だと気付いた）。『蒸気船ウィリー』の初演の1か月ちょっと前に、ポール・テリーがサウンド付きアニメ『ディナータイム』をリリースしたが、経済的には成功せず、ウォルト・ディズニーはそれを「大騒ぎ」と評した。

ディズニー映画の黄金時代
年	1937–1942
映画とテレビ
映画	白雪姫と七人の小人 ピノキオ ファンタジア ダンボ バンビ
短編映画	バーンダンス 花木 三匹の子豚 チェインギャング ミッキーのレビュー 賢い小さな雌鶏 バンドコンサート オールド ミル
アニメシリーズ	シリーシンフォニー
オーディオ
オリジナル音楽	「大きな悪いオオカミを怖がるのは誰？」

『蒸気船ウィリー』は1928年11月18日に公開され、大成功を収めた。ディズニーは、プレーン・クレイジー、ギャロッピング・ガウチョ、そして完成間近の『バーン・ダンス』の吹き替えにより、将来のアニメ作品で音声を使用することで、アニメーション分野で急速に大きな優位性を獲得した。ミッキーマウスの人気により、このアニメキャラクターは世界で最も人気のあるスクリーンキャラクターの仲間入りを果たした。ディズニーの最大のライバルであるパット・サリバンの『フィリックス・ザ・キャット』はミッキーの人気に押され、スタジオは1932年に閉鎖された。

ディズニーのアニメを題材にした商品化は、大恐慌の真っ只中、多くの会社を倒産から救い、ディズニーはこの人気を利用してアニメーションのさらなる革新を進めました。1929年、ディズニーは「シリー・シンフォニー」と題した、音楽をベースにした、繰り返し登場するキャラクターのない新シリーズを開始しました。しかし、このシリーズはミッキーマウスのアニメシリーズほど人気が​​出ることはありませんでした。

1930年、パワーズとの不和の後、ディズニーは配給会社をコロンビア映画に変更した。しかし、アブ・アイワークスはパワーズから自身のスタジオの責任者になるよう申し出を受け、ウォルト・ディズニーを去った。^[41]

1932年、ミッキーマウスは世界的に大ヒットしたが、シリー・シンフォニーはそうではなかった。コロンビア映画はシリーズの配給から手を引いており、ディズニーは予算増額でシリー・シンフォニーをユナイテッド・アーティスツに移管するよう誘われた。その後、ウォルト・ディズニーはテクニカラー社と協力して、初のフルカラー3ストリップアニメ『花と木』を制作した。この作品も大ヒットし、アカデミー短編アニメ賞を受賞した初のアニメとなった。その後まもなく、ディズニーはテクニカラーと独占的だが一時的な契約を結び、自分だけがアニメ映画で3ストリップ方式を使用できることになった。他のスタジオは使用を許可されなかった。^{[42] [43]しかし、テクニカラーが}シリー・シンフォニーの人気を高めるかもしれないと考え、ディズニーはミッキーマウスのカラー化を控えた。

1932年までに、ウォルト・ディズニーは、アニメ映画の成功は、観客を掴んで離さないような感情を揺さぶるストーリーを語ること次第であると認識していました。^{[44] [45]}この認識が、1932年から1933年頃に重要な革新につながりました。それは、アニメーターとは別に「ストーリー部門」が設立され、制作パイプラインの「ストーリー開発」段階の作業に専念するストーリーボードアーティストが配置されたことです。 ^[46] 次に、ディズニーがストーリー開発とキャラクター設定に引き続き重点を置いたことが、1933年に別のヒット作「三匹の子豚」につながりました。これは、複数のキャラクターがユニークで個々の性格を示した最初の漫画と見なされており、今でも史上最も成功した短編アニメと見なされています。 ^{[47]また、}大恐慌と戦うためのアンセムとなったヒット曲「大きな悪いオオカミなんかこわくない」もフィーチャーされています。^[48] ミッキーマウスシリーズでは、彼はキャラクターに個性を加え続けました。その結果、 1930年の『チ​​ェイン・ギャング』のプルート、1932年の『ミッキーズ・レビュー』のグーフィー、 1934年の『賢い雌鶏』（『シリー・シンフォニー』シリーズ）のドナルドダックなど、新しいキャラクターが誕生した。ディズニーとテクニカラーの契約が終了すると、 1935年の『バンドコンサート』からミッキーマウスシリーズはテクニカラーに移行した。さらに、その年の後半にはミッキーがテクニカラー向けに部分的に再デザインされた。^[49] 1937年、ディズニーはマルチプレーンカメラを発明し、アニメの世界に奥行きの錯覚を与えた。彼はこれを、アカデミー賞を受賞したシリー・シンフォニーのアニメ『風車小屋』で初めて使用した。^{[50]ディズニーの作品の多くは、ヨーロッパの物語や神話、および}ドレやブッシュなどのイラストレーターの作品に大きく影響を受けている。また、1937年にディズニーは『シリー・シンフォニー』の配給会社をRKOラジオ・ピクチャーズに変更し、1950年代初頭までこの配給会社と契約を結び、その後ディズニーの新しい配給会社であるブエナ・ビスタ・ディストリビューションによって再発行・再リリースされた。

1937年、ウォルト・ディズニーは、アメリカ初の長編アニメミュージカルファンタジー映画『白雪姫』を制作した。これはディズニースタジオの4年間の努力の集大成であった。ウォルト・ディズニーは、短編アニメでは長期的にはスタジオの利益を生まないと確信していたため、大きな賭けと見られるものに出た。批評家たちは、『白雪姫』がスタジオの財政破綻につながると予想した。彼らは、観客には色が明るすぎるし、ギャグに飽きて離れてしまうだろうと言った。^[51]しかし、批評家たちは間違っていたことが証明された。『白雪姫』は世界中で興行的に成功し、本格的な芸術形式としてのアニメーションの発展における画期的な作品として広く称賛された。^[52]

白雪姫の成功の後、ディズニーは1940年に公開されたピノキオの制作を続けた。しかし、白雪姫の2倍の制作費がかかったピノキオは経済的には成功しなかった。これは、1939年にヨーロッパで始まった第二次世界大戦により、ディズニーの海外公開市場の40%が切断されていたためである。アメリカではそこそこの成功を収めたものの、国内興行収入だけでは制作費を回収するのに十分ではなかった。しかし、この映画は非常に好評を博し、その後の再公開で数百万ドルの収益を上げている。その年、ディズニーはファンタジアを制作した。これは元々、マックス・フライシャーのポパイやディズニーのドナルドダックの人気により急激に下降していたミッキーの人気を取り戻すべく、ミッキーマウスのアニメ「魔法使いの弟子」から始まった。^{[53] [54]}魔法使いの弟子では、ミッキーマウスはフレッド・ムーアによって再デザインされた。ミッキーのこの再デザインは、今日でも使用されている。^{[49]この短編にはセリフはなく、}レオポルド・ストコフスキーが指揮した音楽のみであった。この短編の予算が非常に高額になったとき、ストコフスキーはディズニーに、アニメーションに合わせた他のクラシック音楽の曲を添えた長編映画にすることを提案した。ディズニーは同意し、製作が開始された。ファンタジアはまた、ステレオ音響で公開された最初の商業映画となった。しかし、ピノキオと同様に、ファンタジアは経済的に成功しなかった。ファンタジアはまた、批評家から賛否両論の評価を受け、評判が悪かった最初のディズニー映画でもあった。音楽評論家や観客からは軽蔑され、ウォルト・ディズニーは抽象芸術、クラシック音楽、および「エリート」な主題を主流のアニメーションに取り入れようとすることで、自分の手に負えない何かを目指していると感じられた。しかし、この映画は後年再評価され、アニメーションの傑作と見なされることになった。^[55]

1941年、ディズニーは『ピノキオ』と『ファンタジア』の興行成績が比較的振るわなかったことを補うため、低予算の長編映画『ダンボ』を製作した。 『ダンボ』の大まかなアニメーションが完成してからわずか数日後、ディズニーのアニメーターのストライキが勃発した。これは1938年に結成された映画漫画家組合がウォルト・ディズニーとスタッフとの多くのつながりを断ち切り、ディズニー・スタジオの多くのメンバーに辞めてより良い環境を求めるよう勧めたことが原因であった。その年の後半、ダンボはディズニーにとって『白雪姫』以来の大ヒットとなった。批評家から絶賛されたこの映画は切望されていた収益をもたらし、スタジオを存続させた。1941年にダンボが公開されてから数か月後、米国は真珠湾攻撃を受けて戦争に参戦した。1941年12月にアメリカが第二次世界大戦に参戦するとすぐに、アメリカ軍がディズニースタジオを接収したため、戦争（とストライキ）はウォルト・ディズニーの帝国を揺るがした。^[56]その結果、ディズニーは長編映画『不思議の国のアリス』（1951年）、『ピーター・パン』（1953年）、『柳の下の風』（1949年）、『南部の唄』（1946年）、『ミッキーと豆の木』（1947年）、『ボンゴ』（1947年）の公開を戦争が終わるまで延期した。

製作の継続を許された唯一の長編映画は、1942年に公開された『バンビ』でした。 『バンビ』は動物をリアルにアニメーション化するという点で画期的でした。しかし、戦争のため『バンビ』は興行的に失敗し、批評家からも賛否両論の評価を受けました。この失敗は長くは続かず、1947年の再公開でかなりの興行収入を上げました。

ディズニー映画時代の戦時中
年	1943–1949
映画とテレビ
映画	サルードス・アミーゴス 三人の騎士 メイク・マイ・ミュージック 楽しくて自由な メロディータイム イカボッドとヒキガエル氏の冒険
短編映画	総統の顔 死のための教育 理性と感情 新しい精神 コマンドーダック

ディズニーは今や戦争遂行に全力を尽くし、プロパガンダ短編映画や『Victory Through Air Power』という長編映画を製作して貢献した。『Victory Through Air Power』は興行成績が振るわず、スタジオは結果として約50万ドルの損失を被った。^[56]要求されたプロパガンダ短編アニメはディズニーの通常の短編ほど人気が​​なく、1945年の戦争終結とともに陸軍がウォルト・ディズニー・スタジオでの滞在を終える頃には、ディズニーはスタジオの再起に苦戦し、手持ちの現金もほとんどなかった。^[57] 1940年代のディズニーのその他の長編映画は、長編映画を作るためにまとめられた控えめな予算のアニメーション短編のコレクションであった。これらは1942年の『サルードス・アミーゴス』で始まり、戦時中は1944年の『三人の騎士』、戦後は1946年の『メイク・マイン・ミュージック』、 1947年の『ファン・アンド・ファンシー・フリー』 、 1948年の『メロディ・タイム』、1949年の『イカボッドとヒキガエルの冒険』と続いた。長編映画の『ミッキーと豆の木』、『ボンゴ』、『風のたそがれ』については、低予算のアニメーションでは利益が出ないとウォルトが懸念したため、パッケージ映画『ファン・アンド・ファンシー・フリー』と『イカボッドとヒキガエルの冒険』に凝縮した。 ^[58] この時期のディズニー映画で最も野心的な作品は1946年の映画『南部の唄』で、実写とアニメーションを融合したミュージカル映画であり、後年、人種的ステレオタイプを描いているとして非難された。

ディズニー 映画の銀の時代
年	1950–1970
映画とテレビ
映画	シンデレラ 不思議の国のアリス ピーターパン わんわん物語 眠れる森の美女 101匹わんちゃん 石に刺さった剣 ジャングル・ブック おしゃれキャット
短編映画	シンプルなもの くまのプーさんとハチミツの木 くまのプーさんと大風の日 鳥になるのは大変だ

1950年、ディズニーは『シンデレラ』を制作した。『シンデレラ』は大成功を収め、1950年の最高興行収入を記録した。また『白雪姫』以来のディズニーの最も成功した映画となり、 『バンビ』以来初めて全編アニメーションで制作された単一物語の長編映画となった。その間の映画には実写も含まれていた。^{[59]ディズニーの会社は多角化を始め、} 『宝島』（1950年） から実写長編映画や、『シールアイランド』（1948年）に始まる自然ドキュメンタリーを制作した。その結果、ウォルト・ディズニーは一度に複数の異なるユニットで必要とされ、アニメーションに費やす時間は減っていった。1951年、彼は『不思議の国のアリス』を公開した。これは彼が1930年代後半から取り組んでいたプロジェクトだったが、戦争中に棚上げになった。『不思議の国のアリス』は当初そこそこの成功を収め、批評家からは賛否両論の評価を受けた。数十年後、この映画はディズニーの最高傑作の1つとして称賛され、その後の劇場公開とホームビデオのリリースで数百万ドルの収益を上げました。1953年に彼はピーターパンを公開しました。これは、不思議の国のアリスと同様に、1930年代後半から1940年代前半にかけて制作され、戦争中に棚上げされていました。しかし、アリスとは異なり、ピーターパンは 最初の公開で批評的にも経済的にも大成功を収めました。

1953年末にディズニーとRKOの契約が期限切れになったとき、ディズニーは通常通り契約を更新せず、RKOの不安定さ（オーナーのハワード・ヒューズによるスタジオに対する支配がますます不安定になったことによる）を懸念し、新しく設立された子会社のブエナ・ビスタ・ディストリビューションを通じて映画の配給を始めた。これにより、RKO向けに制作された過去数年間のアニメ映画で決められていたよりも高い予算を短編や長編に充てることができ、新しいシネマスコープ形式でアニメ映画の一部を制作することが可能になった。しかし、短編1本あたりの予算は1940年代ほど高くはなく、ディズニーは短編アニメよりも実写、テレビ、長編アニメに重点を置いていた。1953年、RKOからブエナ・ビスタに切り替えて間もなく、ディズニーは最後のミッキーマウス短編『シンプル・シングス』を公開した。そこから、スタジオは年々短編アニメの制作本数を減らし、最終的には1956年に短編アニメ部門が閉鎖された。 ^[60]その後、1969年まで短編アニメ作品はすべて長編アニメ部門で制作された。アメリカアニメーションの黄金期最後のディズニー短編アニメは、アカデミー賞を受賞した『鳥はつらいよ』で、1969年に公開された。

1955年、ディズニーはシネマスコープを使用した初のアニメ映画『わんわん物語』を制作した。1955年にディズニーランドを建設すると、ウォルト・ディズニーは大衆の間で大きな人気を取り戻し、^{[61]彼の最も野心的な映画『}眠れる森の美女』の制作に注力するようになった。『眠れる森の美女』はスーパーテクニラマ70mmフィルムと『ファンタジア』のようなステレオ音響で撮影された。 『眠れる森の美女』ではまた、 UPAの影響を受けた漫画的で角張ったキャラクターが登場し、作画スタイルの変化も示された。 『眠れる森の美女』は1959年の興行収入第2位の映画（『ベン・ハー』に次ぐ）となったが、制作費が600万ドルと予算を超過し、費用を回収できなかった。スタジオは深刻な負債を抱え、アニメーションのコストを削減しなければならなかった。1960年、ディズニーは伝統的な手描きに代えてゼログラフィーに切り替えた。ゼロックスセルを使用した最初の長編映画は『101匹わんちゃん』（1961年）と『石に秘められた剣』（1963年）で、興行的に成功した。^[62]しかし、ゼロックスでは「スケッチっぽい」見た目の映画になり、手描きのフィルムのような品質が欠けていた。当時ディズニーで働いていたフロイド・ノーマンによると、それは一つの時代の終わりのように感じられたという。 ^[63] 1966年12月15日、ウォルト・ディズニーは肺癌で亡くなった。彼が関わった最後の映画は『メリー・ポピンズ』（1964年）、『ジャングル・ブック』（1967年）、『ラブ・バグ』（1968年）、『おしゃれキャット』（1970年）、『ベッドかざりとほうき』（1971年）、『くまのプーさん 大冒険』（1977年）である。短編映画『くまのプーさんとはちみつが木に実る』（1966年）は存命中に公開されており、『くまのプーさんとあらしの朝』 （1968年）の制作にも関わっていたため、プーさんはプーさんの作品の代表作とみなされている。アニメミュージカルコメディー長編映画『ジャングル・ブック』と実写ミュージカル『しあわせの百万長者』は彼の死後1年経った1967年に公開され、『くまのプーさんとあらしの朝』は2年後に公開され、『くまのプーさんの大冒険』は1977年に公開された。 『くまのプーさんとあらしの朝』は1968年のアカデミー賞短編アニメ映画賞も受賞している。^[64] ウォルト・ディズニーの死後、アニメーション部門は1980年代後半から1990年代初頭のディズニー・ルネッサンスまで完全には回復しませんでした。

ウォルト・ディズニーの主な競争相手の一人は、パラマウント・ピクチャーズのアニメを制作していたフライシャー・スタジオの代表マックス・フライシャーであった。フライシャー・スタジオは家族経営の会社で、マックス・フライシャーと弟のデイブ・フライシャーによって運営され、デイブはアニメの制作を監督していた。フライシャー家はベティ・ブープのアニメやポパイ・ザ・セーラー・シリーズで大ヒットを記録した。1930年代のポパイの人気は時としてミッキーマウスに匹敵し、ミッキーのファンクラブを真似てポパイのファンクラブが全国に設立された。1935年の世論調査では、ポパイはミッキーマウスよりも人気があることが示された。^[65]しかし、1930年代初頭、1934年に施行された新しい制作コードによって施行されたより厳しい検閲規則により、アニメ制作者はきわどいユーモアを排除する必要があった。特にフライシャー兄弟はベティ・ブープの漫画の内容を控えめにせざるを得なくなり、その後人気は衰えた。^{[66]フライシャー兄弟はまた、1930年代にウォルト・ディズニーの色彩の使い方を真似しようとした}カラー・クラシックスの漫画を数多く制作したが、このシリーズは成功しなかった。^[67]

1934年、ウォルト・ディズニーが『白雪姫』を発表した直後、マックス・フライシャーは長編アニメ映画の制作に興味を持ちましたが、パラマウントがそのアイデアを拒否しました。 1936年、フライシャー・スタジオはポパイのテクニカラー2リール長編映画3作のうち最初の作品を製作した。1936年の『ポパイとシンドバッドの冒険』、 1937年の『ポパイとアリババの40人の盗賊』、 1939年の『アラジンと不思議なランプ』である。1938年、ディズニーの『白雪姫』の成功後、パラマウントはフライシャーに長編アニメ映画の製作を許可し、フライシャー・スタジオは組織化された労働組合を避けるためにニューヨークからフロリダ州マイアミに移転した。 1937年後半にフライシャー・スタジオの労働者の間で5か月に及ぶストライキが発生した後、組合はスタジオにとって脅威となった。 ^[68]ここでフライシャーは1939年に公開された『ガリバー旅行記』を製作した。これは小さな成功を収め、フライシャー兄弟にさらなる製作を促した。

1941年5月、フライシャー兄弟は、ストーンエイジ、ギャビー、カラークラシックスなどの売れないアニメを製作するためにスタジオから借りたローンの残債を返済するため、パラマウントにスタジオの完全な所有権を担保として与えた。しかし、彼らはスタジオの製作責任者としての地位は維持した。^{[69]パラマウントの支配下で、フライシャー兄弟はポパイを海軍に迎え入れて戦争遂行に貢献し、壮大な}スーパーマンのアニメシリーズ（最初の作品はアカデミー賞にノミネートされた）を開始することでさらなる成功を収め、それ自体が伝説となった。スーパーマンがスタジオにもたらした成功にもかかわらず、既婚のデイブがマイアミの秘書と不倫関係を持ち始めたことでスタジオは大きな打撃を受ける。これがフライシャー兄弟の間で多くの争いを引き起こし、マックスとデイブはもはや口をきかなくなった。^[69]

その年の後半、パラマウントは次回作『ミスター・バグ・ゴーズ・トゥ・タウン』をクリスマスに公開する予定だったが、真珠湾攻撃を受けて延期されたとみられる。^[69] 『ミスター・バグ』は翌年、イギリス、カリフォルニア、ニューヨークで上映が限定され、興行的に失敗に終わった。^[70]映画の興行成績が振るわなかった直後、デイブ・フライシャーはスタジオの共同代表の地位を維持したままフライシャー・スタジオを離れ、コロンビア・ピクチャーズのスクリーン・ジェムズ・カートゥーンを運営することになった。このため、パラマウント・ピクチャーズはデイブとマックス・フライシャーをカートゥーン・スタジオの代表の地位から追放した。^[69]

フライシャー兄弟の辞任後、パラマウントはスタジオ名をフェイマス・スタジオに変更し、兄弟が中断したところから引き継いだ。イザドア・スパーバー、シーモア・クナイテル、ダン・ゴードン（ゴードンがスタジオを去った後、ビル・ティトラが後任）の3人のトップスタッフが監督に就任し、サム・バックウォルドが製作総指揮に就任した。パラマウントは1943年に高額な制作費のかかるスーパーマンのアニメ制作も中止し、代わりにマージの リトル・ルルの漫画を劇場で上映した。 ^[71]

フェイマス・スタジオは、1943年にカラーに移行したポパイのアニメの製作を継続するとともに、フライシャーのカラー・クラシックスに似たアンソロジー短編シリーズであるノベルトゥーンズを制作した。ノベルトゥーンズ短編シリーズでは、子羊のブラッキー、ウルフィー（ブラッキーの主なライバル）、フレンドリー・ゴーストのキャスパー（未出版の児童書からジョー・オリオロとシーモア・ライトが創作）、リトル・オードリー（リトル・ルルに似ていてリトル・ルルに代わるキャラクター）、ハーマンとカトニップ（トムとジェリーに似た猫とネズミの決闘）、ベイビー・ヒューイ、その他あまり知られていないキャラクターなど、フェイマスの繰り返し登場するキャラクターの多くが登場した。フェイマスは、フライシャーから受け継いだ別のシリーズであるスクリーン・ソングスも復活させた。ブッフヴァルトは1951年に心臓発作で亡くなり、^[72]スパーバーとクナイテルが唯一の主要プロデューサーと監督となった。デイブ・テンドラーは1953年に監督に昇進した。

フライシャー兄弟の離脱とブッフバルトの死はスタジオに長期にわたる影響を及ぼした。戦時中のパラマウントのアニメは引き続き面白く人気があり、フライシャーのスタイルと光沢をほとんど保っていたが、アニメーションファンや歴史家は、終戦後にスタジオの雰囲気が変わったことに気付くだろう。そのスタイルは、非常に定型的なストーリーテリング、芸術的野心の欠如、異常に暴力的なギャグ、そして子供と大人の両方ではなく全体的に子供向けであると批判された。

1956年10月までにパラマウントがスタジオを完全に引き継ぎ、^[73]スタジオは規模を縮小し、パラマウント・カートゥーン・スタジオに改名した。翌年、スタジオはポパイの劇場公開を終了し、Spooky Swabs（翌年死去したスパーバー監督）がシリーズの最後の短編となった。さらに厳しい予算が続き、スタジオは当時のテレビアニメに匹敵するリミテッドアニメーション技術の使用を余儀なくされた。パラマウントは60年代まで劇場用アニメの公開を続け、また、Popeye the Sailor TVシリーズ、The New Casper Cartoon Show、Felix the Catの共同製作など、テレビ番組の制作にも手を出し始めた。この時期の新しい劇場用アニメには、 Modern Madcaps、The Cat、Swifty and Shorty、 Comic Kingsなどがあった。パラマウント社はレンブラント・フィルムズの漫画もいくつか配給しており、最も有名なのはジーン・ダイチが創作したキャラクター「ヌドニック」をフィーチャーした短編シリーズである。

1964年のナイテルの死はスタジオに突然の変化をもたらし、パラマウントは新しいアーティストを探さなければならなくなった。漫画家のハワード・ポストが当初スタジオの主任監督に任命され、ハニー・ハーフウィッチの短編シリーズを制作した。しかし、ポストの在任期間は成功せず、ワーナーのダフィー・ダックのクローンが登場するだけでなく、反宗教的な意味合いがあると非難されたノアの箱舟の風刺漫画『ツー・バイ・ツー』でパラマウントの取締役会の怒りを買った。 ^{[74] 1965年後半、ポストの後任として}ジェームズ・カルヘインが就任した。カルヘインは当時スタジオが制作していたコンテンツの多様化を望んでいたが、彼もまたスタジオの上層部との対立が深まったため1967年に去った。その年、元テリートゥーンズのアニメーター、ラルフ・バクシがカルヘインの後任となり、すぐに短編映画数本の制作を開始した。しかしその時点で、当時のパラマウントの新所有者であるガルフ・アンド・ウエスタンは、アニメスタジオの閉鎖手続きを開始した。閉鎖は12月までに完了した。^[75]

1929年、元ディズニーのアニメーターであるヒュー・ハーマンとルドルフ・アイジングは『 Bosko, the Talk-Ink Kid 』というタイトルのアニメを制作し、1930年に配給会社に売り込もうとした。以前、ディズニーに対抗するためにニューヨークにアニメスタジオを設立しようとして失敗していたワーナー・ブラザーズが、このシリーズの配給に同意した。プロデューサーのレオン・シュレシンジャーの指導の下、ハーマン＝アイジング・プロダクションは、彼らのキャラクターであるボスコを主役とする『ルーニー・テューンズ』 （タイトルはディズニーの受賞歴のある『シリー・シンフォニー』のバリエーション）を制作した。2番目のハーマン＝アイジングシリーズである『メリー・メロディーズ』は、1931年に続いた。どちらのシリーズも、初期のディズニー映画の影響を強く受けていた。

金銭面での論争の後、ハーマン＝アイジングは予算増額の要求を拒否したシュレジンジャーと袂を分かち、ボスコを連れてメトロ・ゴールドウィン・メイヤーで働くようになった。^{[76]シュレジンジャーは}レオン・シュレジンジャー・プロダクションという新しい名前で自分のアニメ制作会社を始めた。アニメーターのトム・パーマーはボスコのクローンであるバディを制作し、一方シュレジンジャーは1934年にウォルト・ディズニーのシリー・シンフォニーのアニメでの色使いに応え、それ以降のメリー・メロディーズのアニメはすべてカラーで制作し始めた。^[77]しかし、ウォルト・ディズニーはテクニカラーと独占契約を結んでいたため、シュレジンジャーはディズニーとテクニカラーの契約が切れる1935年まで シネカラーとツー・ストリップ・テクニカラーを使わざるを得なかった。

新しいスタジオは、ボスコの当たり障りのない性格とパーマーの監督としての経験不足により、バディのアニメがボスコの代わりとして成功しなかったため、ゆっくりとしたスタートを切った。シュレシンジャーはパーマーを解雇し、代わりにハーマン・アイジングのアニメーター、フリッツ・フレレングと他の数人を雇ってスタジオを運営させた。バディは後に 1935 年までに段階的に廃止された。

1935年のフ​​リッツ・フレレング監督の映画「メリー・メロディ」の「帽子がない」がポーキー・ピッグの初登場作品である。また1935年にシュレシンジャーはスタジオの再活性化を進める新しいアニメ監督、テックス・エイブリーを雇った。シュレシンジャーはエイブリーを、アニメーターたちがターマイト・テラスと名付けた古くて荒れた低い建物で制作する低予算のルーニー・テューンズの責任者に任命した。エイブリーのもとでポーキー・ピッグはバディ・シリーズに取って代わり、ワーナー・ブラザースのアニメキャラクターとして初めてスターの座を獲得した。またターマイト・テラスではアニメーターのボブ・クランペットがポーキーを太ってぽっちゃりした豚からもっとかわいくて子供っぽいキャラクターにデザインし直した。

当時の他のアニメ制作者とは異なり、エイブリーはウォルト・ディズニーと張り合うつもりはなく、その代わりにスタジオに奇抜で風変わりな新しいスタイルのアニメを持ち込み、混雑した市場でワーナー・ブラザースのアニメの人気を高めた。これは1937年にテックス・エイブリーが『ポーキーのダックハント』を監督したときに確固たるものとなった。この短編の制作中、主任アニメーターのボブ・クランペットは、ダックのキャラクターが頭の上で飛び跳ねたり、くるくる回ったり、夕日に向かって叫んだりすることで、このキャラクターの退場シーンを工夫した。^{[78]これにより、}ダフィー・ダックのキャラクターが誕生した。ダフィーが誕生した後、ダフィーはワーナー・ブラザースのアニメにさらなる成功をもたらし、ポーキー・ピッグに代わってスタジオで最も人気のあるアニメキャラクターとなった。^{[79]ボブ・クランペットが『ターマイト・テラス』を引き継ぎ、テックス・エイブリーが}『メリー・メロディーズ』部門を引き継いだ。

1940年のアカデミー賞にノミネートされたアニメ「野うさぎ」（エイヴリー監督）はバッグス・バニーの公式デビュー作であり、エルマー・ファッド（その年にチャック・ジョーンズが創作）との最初のコンビでもあった。バッグスはすぐにダフィーに代わりスタジオのトップスターとなった。1942年までに、バッグスは最も人気のあるアニメキャラクターになっていた。^[79]「バッグス、ダフィー、ポーキー」の成功により、シュレシンジャー・スタジオは新たな高みに到達し、バッグスはそれまでワンショットのキャラクター登場に使われていたカラーのメリー・ メロディーズ・アニメのスターにたちまちなった。^[79]エイヴリーは1941年にワーナー・ブラザースを離れ、MGMに移籍したが、これは「野うさぎ」の結末と、口が動く実写動物の短編シリーズのアイデア（後にパラマウント映画に売却し、 「スピーキング・ウィズ・アニマルズ」シリーズの短編を制作）の却下をめぐってシェシンガーと対立した後のことである。クランプエットはエイヴリーの部門を引き継ぎ、ノーマン・マッケイブはクランプエットの白黒部門を引き継いだ。^[80] 1942年までにワーナーの短編映画は売上と人気でディズニーを上回った。^[81]

フランク・タシュリンもメリーメロディーズ部門でエイヴリーと共に働いていた。1933年にワーナーでアニメーターとして働き始めたが解雇され、1934年にアイワークスに入社した。タシュリンは1936年にワーナーに戻りメリーメロディーズ部門の監督を引き継いだが、1938年に再び退社し、すぐにチャック・ジョーンズがその地位に就いた。マッケイブが徴兵された1943年に復帰したが、1944年後半に実写映画の監督をするために最終的に再び退社した。その時点でスタジオで長いキャリアを積んできたロバート・マッキムソンがタシュリンの後任として監督に任命された。^[82]

シュレシンジャーは1944年8月にスタジオをワーナー・ブラザーズに売却し、エドワード・セルツァーが新しいプロデューサーに任命された。この頃、1940年代のワーナー・カートゥーンのトップ監督は、フリッツ・フレレング、チャック・ジョーンズ、ボブ・クランペット、ロバート・マッキムソンであった。彼らのカートゥーンは、現在ではこのメディアの古典と見なされている。彼らは、史上最も愛されている短編アニメーションのいくつかを監督しました。その中には、(クランプエット監督) 『Porky in Wackyland』、『Wabbit Twouble』、『A Corny Concerto』、『The Great Piggy Bank Robbery』、『The Big Snooze』、(フレレング監督) 『You Ought to Be in Pictures』、『Rhapsody in Rivets』、『Little Red Riding Rabbit』、 『 Birds Anonymous』、『Knighty Knight Bugs』、(ジョーンズ監督) 『Rabbit Fire』、『Duck Amuck』、『Duck Dodgers in the 24½th Century』、『One Froggy Evening 』 、『What's Opera, Doc?』、(マッキムソン監督) 『Walky Talky Hawky』、『Hillbilly Hare』、『Devil May Hare』、『The Hole Idea』、『Stupor Duck』などがあります。

1940年代半ばにマッキムソンが監督に昇進したほか、 1945年半ばにはアーサー・デイヴィスが突然スタジオを去った後、クランプエットのユニットを引き継ぎました。クランプエットは『ビーニーとセシル』の制作に携わりました。ワーナーによる買収後、スタジオの最もよく知られた繰り返し登場するキャラクターの多くが作成または再登場することになりました。これには『トゥイーティー』（1942年）、『ペペ・ル・ピュー』（1945年）、『シルベスター・ザ・キャット』（1945年）、『ヨセミテ・サム』（1945年）、『フォグホーン・レグホーン』（1946年）、『グーフィー・ゴーファーズ』（1947年）、『マービン・ザ・オデッセイ』 （1948年）、『ワイリー・コヨーテとロード・ランナー』（1949年）、『グラニー』（1950年）、『スピーディー・ゴンザレス』（1953年）、『タスマニアン・デビル』（1954年）などが含まれます。デイヴィスのユニットは1947年後半に予算の問題によりワーナーによって閉鎖され、彼はフレレングのユニットに移り、彼の主要アニメーターの一人となった。

1948年、ワーナーは、その年に起こった米国対パラマウント映画社の反トラスト訴訟により、劇場に長編映画と短編映画をパッケージとして一緒に購入するよう強制することができなくなりました。その結果、短編映画は時が経つにつれてますます厳しい予算で制作しなければならなくなりました。ワーナー・ブラザースは、3D映画の人気が高かったため、1953年にアニメーション部門全体を閉鎖しましたが、3Dブームが終わった翌年に再開しました。セルツァーは1958年に引退し、制作マネージャーのジョン・W・バートンが後任となりました。バートンもスタジオを去った後、1960年にデビッド・デパティがプロデューサーの役割を引き継ぎました。

ワーナー・ブラザーズは、20年以上もトップの座にあったが、1963年に元のターマイト・テラス・スタジオを閉鎖し、デパティ・フレレング・エンタープライズがワーナー・ブラザーズからライセンスを受けて短編映画の制作を引き継いだ。ワーナー最大のスター、バッグス・バニーを含め、ルーニー・チューンのキャラクターのほとんどは劇場から引退した。しかし、ダフィー・ダックは、主にスピーディー・ゴンザレスとペアを組んで、劇場のアニメに登場し続けた。

ワイリー・コヨーテとロードランナーのオリジナルアニメ14本も制作委託され、最後の11本は、チャック・ジョーンズの元アニメーター、ルディ・ラリヴァの監督の下、フォーマット・フィルムズに外注された。これらのアニメは評判が悪く、ジョーンズのオリジナル短編に比べて活気と魅力に欠けると批判された。

1967年にデパティ＝フレレングがルーニー・テューンズの製作を中止した後、ウィリアム・ヘンドリックスが新たにワーナー・ブラザース＝セブン・アーツと改名されたアニメーションスタジオの製作責任者となり、ウォルター・ランツスタジオからアレックス・ラヴィとラヴァーン・ハーディング、ディズニーからヴォラス・ジョーンズとエド・ソロモン、後に『フェアリーテイル 最後の戦場』で監督を務めたジェイム・ディアス、以前『ロジャー・ラムジェット』で働いていたデビッド・ハナンといったベテランを雇った。ヘンドリックスがスタジオに連れてきたのは、オリジナルのルーニー・テューンズのベテランのうちテッド・ボニスケン、ノーマン・マッケイブ、ボブ・ギブンスの3人だけだった。ヘンドリックスとラヴィの指揮下で、スタジオの確立したダフィー・スピーディー・ラインと新しいアニメシリーズ（クール・キャット、マジック・マウスのマーリン）は、この時代の大半のワンショットとともに批評家から酷評され、スタジオ史上最悪の作品であると広く考えられている（ノーマン・ノーマルが大きなカルト的な支持を得たにもかかわらず）。

アレックス・ラヴィは1968年にスタジオを去り、ロバート・マッキムソンが引き継いだ。マッキムソンは1967年以前のキャラクターを『バッグス・バニーとロードランナー・ショー』のバンパーと広告でのみ使用し、それ以外では主にアレックス・ラヴィが創作した繰り返し登場するキャラクターと、彼自身が創作したバニーとクロードに焦点を当てていた。制作されたオリジナルのルーニー・テューンズの短編で最後に残ったのは『 Bugged by a Bee』で、最後のメリー・メロディーズの短編は1938年の別のルーニー・テューンズの短編と名前が似ている『Injun Trouble』だった。ワーナー・ブラザースとセブン・アーツのスタジオは最終的に1969年に閉鎖された。ルーニー・テューンズの短編は合計1,039本制作された。

10年後、ジョーンズの古典的な短編映画の映像を主に使用した映画『バッグス・バニー/ロードランナー ザ・ムービー』が成功した後、オリジナルアニメーションを制作する新しい社内スタジオ、ワーナー・ブラザース・アニメーションが1980年に開設され、現在まで存続しています。

当初、ミッキーマウスはウォルト・ディズニーの長年のパートナーであり友人でもあるアブ・アイワークスによって描かれていた。アイワークスは漫画の技術革新者でもあり、ディズニーのために毎日平均600枚の絵を描いていた。^[83]ディズニーは漫画のアイデアに責任を持ち、アイワークスはそれを現実のものにすることを担当していた。^[83]しかし、アイワークスは1930年にディズニースタジオを離れ、セレブリティ・ピクチャーズの所有者であるパット・パワーズから資金援助を受けて自分の会社を設立した。^[84]彼の退職後、ディズニーは最終的にアイワークスの代わりとなる数人のアニメーターを見つけた。

アイワークスは1930年代に2つのアニメシリーズ『フリップ・ザ・フロッグ』と『ウィリー・ワッパー』を制作した。しかし、これらのアニメはどれもディズニーやフライシャーのアニメの成功には遠く及ばず、1930年以来アイワークスのアニメ配給会社であったMGMは1933年にハーマンとイジングのアニメの配給に切り替え、アイワークスは1934年に契約満了後に同社を去った。^[85]

MGMはアイワークスを解雇した後、レオン・シュレシンジャーとワーナー・ブラザースからハーマンとアイジングを雇い、スタジオの責任者に任命した。彼らはディズニーのシリー・シンフォニーを模倣したボスコとハッピー・ハーモニーのアニメの制作を開始した。^[86]ハーマンとアイジングは、カリコ・ドラゴン（1935年）、オールド・ミル・ポンド（1936年、両方ともアカデミー賞にノミネート）、春へ（1936年）などの短編で成功を収めたが、ワーナー時代と同様、資金の問題で短編は定期的に予算超過となった。1937年までに、MGMは2人を解雇し、フレッド・クインビーをプロデューサーとして新しい社内アニメーションスタジオを設立することを決定した。^[87]

クインビーが経営を引き継いだ後、彼はハーマン・アンド・アイジングのスタッフの多くを引き継ぎ、他のアニメスタジオから才能ある人材を発掘した（ワーナーのディレクター、フリッツ・フレレングを短期間雇い、ニューヨークのテリートゥーンズ・スタジオのアニメーターの大半も雇った）。彼は漫画本シリーズ「カッツェンジャマー・キッズ」のアニメ化作品を制作し、 「キャプテン・アンド・ザ・キッズ」と改題した。「キャプテン・アンド・ザ・キッズ」シリーズは不成功に終わった。^[87]しかし、1939年にクインビーはハーマン・アンド・アイジングを再雇用し成功を収めた。MGMに戻った後、アイジングはMGM初の成功したアニメスター、バーニー・ベアを生み出した。バーニー・ベアは「眠れない熊」 （1939年）で初登場した。ハーマンはその間に傑作「地球に平和」（1939年）を監督し、アカデミー賞にもノミネートされた。^[87]

1939年、ウィリアム・ハンナとジョセフ・バーベラはパートナー関係をスタートさせ、ハンナが2001年に亡くなるまで60年以上続きました。この2人が初めて共同で制作したアニメは『Puss Gets the Boot』（1940年）で、名前のないネズミが飼い猫のジャスパーを出し抜こうとする物語です。ファンファーレもなく公開されましたが、この短編は興行的にも批評的にも成功し、1940年のアカデミー賞短編アニメ部門にノミネートされました。オスカーノミネートと大衆の要望に後押しされ、ハンナとバーベラは猫とネズミのアニメの長期シリーズを制作することになり、すぐにそのキャラクターをトムとジェリーと名付けました。『Puss Gets the Boot』は1940年のアカデミー賞最優秀アニメ映画賞を受賞しなかったが、別のMGMのアニメ、ルドルフ・アイジングの『天の川』（1940年）が受賞し、MGMはウォルト・ディズニーからアニメ映画アカデミー賞を奪い取った最初のスタジオとなった。

『ブーツを脱ぐ猫』に登場した後、トムとジェリーはすぐにMGMのアニメのスターになった。ハンナ・バーベラで成功を収めたMGMは、ついにアニメの分野でウォルト・ディズニーと競争できるようになった。短編は興行的に成功し、多くのライセンス商品（漫画本、玩具など）が市場に出され、シリーズはアカデミー賞短編部門（アニメ）に12以上ノミネートされ、トムとジェリーの短編のうち7つがアカデミー賞を受賞した：ヤンキー・ドゥードゥル・マウス（1943年）、マウス・トラブル（1944年）、静かにしてください！（1945年）、猫の協奏曲（1946年）、小さな孤児（1948年）、2人のねずみけいおん（1951年）、ヨハン・マウス（1952年）。トムとジェリーは最終的にディズニーのシリー・シンフォニーと並んで最も多くの賞を受賞した劇場用アニメシリーズとなった。キャラクターベースの劇場アニメシリーズでこれほど多くの賞を受賞した作品は他になく、同じキャラクターをフィーチャーしたシリーズでもこれほどの受賞歴はありません。古典的なトムとジェリーの短編に加えて、ハンナとバーベラはMGMのために、ギャロッピン・ギャルズ（1940年）、オフィサー・ポーチ（1941年）、ウォー・ドッグス（ 1943年） 、グッド・ウィル・トゥ・メン（ピース・オン・アース、1955年のリメイク）など、単発の劇場短編を6本も制作/監督しました。

トムとジェリーやその他の MGM アニメの成功の鍵となったのは、1934 年から 1958 年までスタジオのほぼすべてのアニメの音楽を作曲したスコット・ブラッドリーの作品でした。ブラッドリーの音楽は、クラシックとジャズの両方の感性を生かしたものでした。さらに、彼は MGM の長編映画の音楽から曲を頻繁に使用しており、最も頻繁に使用されたのは『セントルイスで会いましょう』(1944 年) の「トロリーの歌」と『ブロードウェイ・メロディ』(1936 年) の「朝食の前に歌おう」でした。

ヒュー・ハーマンは1941年4月に最終的に退社し、^[88]クインビーは代わりの監督を探すことになった。彼はその後、 9月にテックス・エイブリーに落ち着いたが、エイブリーは当時ワーナー・ブラザースのレオン・シュレジンジャーと確執があり、その結果退社した。^[89]エイブリーはワーナーのアニメーターたちと同じ活気でスタジオを活性化させた。MGMスタジオ時代の彼のワイルドでシュールな傑作は、コード時代のアニメにおける「大人向け」娯楽の新たな基準を打ち立てた。最も有名なのは、赤ずきんをフィーチャーした短編シリーズである。

テックス・エイヴリーは繰り返し登場するキャラクターを使うことを好まなかったが、MGMでのキャリアを通じて、1943年の『ダム・ハウンド』で生み出されたドルーピーというキャラクターに忠実であり続けた。エイヴリーは翌年、敵を苦しめるとんでもなく生意気で気まぐれな性格で知られるキャラクター、スクリュー・スクワレルも生み出したが、エイヴリーは彼にあまり愛着を感じなくなり、5本のアニメでシリーズを中止した。また、1946年には『二十日鼠と人間』のインスピレーションを受けたコンビ、ジョージとジュニアを生み出したが、制作されたのは4本のアニメのみだった。エイヴリーがMGMで手がけた他の有名な映画には、『ブリッツ・ウルフ』（1942年、これもノミネート）、『ノースウェスト・ハウンド・ポリス』（1946年）、『キングサイズ・カナリア』（1947年）、『人を憎んだ猫』（1948年）、『不運な黒人』（1949年）、『マジカル・マエストロ』（1952年）などがある。

エイヴリーの影響は特にスタジオ内で感じられ、ハンナ・アンド・バーベラは彼のユーモアと暴力をトムとジェリーの短編に取り入れた。唯一の例外はルドルフ・アイジングで、彼はエイヴリーの影響に適応することができず（1942年のジェリー・ブリューワーとの『鐘楼のバット』が最も顕著）、代わりにより考えさせる方法で漫画を監督し続けた。彼もまた1943年にMGMを去り、陸軍航空隊の映画部隊でアニメーション監督として働くことになる。^[90]

アイジングがMGMを去った後、アニメーターのジョージ・ゴードンが監督に昇格し、彼の後を継いだ。彼はバーニー・ベアの短編数本と、コウノトリの休日など他の数本のアニメ、名前のないロバが主役の短編2本を監督した。ゴードンは監督したアニメのほとんどでクレジットされず、1943年にMGMを去った。1946年後半には、アニメーターのマイケル・ラーとプレストン・ブレアがコンビを組んで、さらに3本のバーニー・ベアのアニメを監督した。ラー自身は、ゴードンではなく「歓迎されない客」を監督したと主張した。 ^[91]ラーとブレアのバーニーのアニメ3本は、ハンナ・バーベラやテックス・エイヴリーの作品に近い演出で知られたが、MGMがラーとブレアのユニットを閉鎖したため、シリーズは再び突然中止された。

1950 年後半、テックス・エイヴリーは MGM を一時離れ、1 年間の休暇を取った。この時期に、元ディズニー/ランツのアニメーターであるディック・ランディがエイヴリーの職を引き継ぐために招聘された。ランディはドロピーのアニメ「 Caballero Droop y」と、バーニー・ベアのアニメ 10 本を監督し、現在ではポール・フリーズが声優を務めている。エイヴリーは 1951 年 10 月に復帰したが、ランディはその後すぐに退社した。

1953年、メトロ・ゴールドウィン・メイヤーはエイブリーのユニットを閉鎖した。エイブリーと彼のユニットの大半はウォルター・ランツ・プロダクションズに移り、MGMは後にラーを再び監督に昇格させてエイブリーの代わりを務めた。フレッド・クインビーは1955年に引退し、ハンナ・バーベラが彼に代わって残りのMGMアニメ（ラーのドルーピーアニメの最後の7作を含む）のプロデューサーを務めたが、1957年にスタジオは完全に閉鎖され、すべてのアニメーション制作が終了した。2人は最終的にその年にハンナ・バーベラという自分たちのスタジオを設立し、その過程でほとんどのスタッフを引き継いだ。最後のMGMアニメである『トット・ウォッチャーズ』は1958年8月1日に公開された。

1960年までに、トムとジェリーのアニメに対する需要が高まり、ハンナ・アンド・バーベラがテレビやコロンビア映画向けのアニメ制作で忙しくなったため、MGMはシリーズの制作を別のアニメスタジオに依頼することになった。MGM社長ジョー・ヴォーゲルの協力により、スタジオはチェコスロバキアを拠点とするアニメスタジオ、レンブラント・フィルムズと契約を結び、トムとジェリーの短編13本をさらに制作することになった。自らを「UPAマン」とみなし、スラップスティック・ベースのアニメに否定的な意見を持つアメリカ人アニメーター、ジーン・ダイチがシリーズの監督を務め、ウィリアム・L・スナイダーがプロデューサーを務めた。^[92]社内アニメとは異なり、ダイチは1万ドルというはるかに少ない予算と全体的に限られたリソースで作業しなければならなかった。その結果、彼の映画はダイチが意図していなかった奇妙なシュールレアリスト的な性質を持つようになった。レンブラントが制作したトムとジェリーの短編は、ぎくしゃくした動きで時折賞賛に値するアニメーション、シンプルだが時折スタイリッシュな背景、そしてサウンドトラックにおけるリバーブの多用で知られた。 ^{[93] [94]}ダイチの短編は商業的に成功したにもかかわらず、ファンや批評家はそれを当時のトムとジェリーの作品の中で最低だと考えた。しかし、一部のファンはダイチの短編の奇抜さを評価した。 ^[95]フォーゲルが解雇された後、MGMはレンブラントとの契約を更新しないことを決定した。^[96]レンブラントの最後のトムとジェリーのアニメ『カルメン・ゲット・イット』は1962年12月21日に公開された。

一方、チャック・ジョーンズは、 UPAの映画『ゲイ・パーリー』の制作が独占契約違反だったとしてワーナー・ブラザースから解雇された後、自身のアニメーターチームと共にシブ・タワー12プロダクションズを設立した。ジョーンズは1963年にMGMと契約を結び、さらに34本のトムとジェリーの短編を制作した。その全てに、ワーナー在籍時に彼が目指した独特のスタイルと影響力が反映されていた。ジョーンズのトムとジェリーの短編は、ブラックアウト・ギャグや短編に見られる特定のジョークの使用により、彼の『ワイリー・コヨーテとロードランナー』のアニメを彷彿とさせるものであった。 MGMは後にスタジオを買収し、 1964年にMGMアニメーション/ビジュアルアーツに改名した。この頃、ジョーンズはMGMで1965年の『The Dot and the Line』や1967年の『The Bear That Wasn't 』などワンショット映画もいくつか監督しており、前者は1965年のアカデミー賞短編アニメ映画賞を受賞した。^{[97]ジョーンズの短編は好評を博し、さまざまな成功を収めたが、MGMは最終的に1967年に}トムとジェリーの新作短編の製作を中止することを決定した。

ジョーンズのスタジオの他の作品には、1966年のドクター・スースの『グリンチのクリスマス盗み』のテレビ版、1970年の『ホートンはふしぎな世界のふしぎ』、同年の長編映画『ファントム・トールブース』などがある。スタジオは結局1970年後半に閉鎖され、その後すぐにジョーンズは別のスタジオ、チャック・ジョーンズ・エンタープライズを設立した。

チャールズ・ミンツはパラマウントとユニバーサルから解雇されたが、コロンビア映画でクレイジー・キャットのアニメを制作する自身のアニメ部門の責任者を務めていた。RKO映画で『トビー・ザ・パップ』を制作した後（後にヴァン・ビューレン・スタジオに移ったため中止）、ミンツはすぐにコロンビアでより多くの短編アニメを制作するようになり、最も有名なシリーズはディック・ヒューマーが1931年に制作したスクラッピーという少年を主人公としたシリーズである。スクラッピーはミンツにとって大きな転機となり、彼の最も成功した作品でもあったが、ヒューマーは1933年にミンツ・スタジオから解雇されることになる。 ^[98] 1934年、当時の他のほとんどのアニメーションスタジオと同様に、ミンツもディズニーのテクニカラーの使用に対抗しようとし、カラー・ラプソディー・シリーズを通じてカラーアニメの制作を開始した。^[99]このシリーズはもともとシネカラーか2ストリップテクニカラーで制作されていたが、ディズニーとテクニカラーの契約が1935年に終了した後、3ストリップテクニカラーに移行した。

『ホリデーランド』（1934年）と『マッチ売りの少女』（1937年、両作ともアカデミー賞にノミネート）を除いて、このシリーズは注目を集めることができず、1939年までにミンツはコロンビア映画に多額の負債を抱えることとなった。その結果、ミンツはスタジオをコロンビアに売却した。コロンビアはスタジオ名をスクリーン・ジェムズに変更し、^{[100]ミンツはその年の終わりに亡くなった。コロンビアは1937年から1940年まで、}アブ・アイワークスに自身のスタジオでアニメを制作させる 下請けも行っていた。

チャールズの義理の兄弟ジョージ・ウィンクラーが短期間プロデューサーを務め、その後フランク・タシュリンが引き継ぎ、当初はストーリーマンとして働いていた。^[101]タシュリンは、1941年のディズニーアニメーターストライキで余剰となった元ディズニーアニメーター（ホーキンス、パターソンを含む）を雇用し、初期の社内スタッフのほとんどを解雇し、短編映画『キツネとブドウ』（1941年）を監督するなど、スタジオに大きな影響を与えた。この作品は、意図せずしてスタジオの最も人気のあるキャラクターであるキツネとカラスを生み出した。

タシュリンは1942年にベン・シュワルブに交代するまでその地位を維持した。^[102]彼はスタジオ監督を務め続けたが、コロンビアの採用担当者との確執を理由に6月に突然辞任した。^{[103] [104]タシュリンとシュワルブの後任は}デイブ・フライシャーだったが、彼はアニメーターたちからはるかに距離を置いていたと伝えられている。^[105]彼も後に解雇され、プロデューサーが入れ替わることになった。批評家やアニメーション史家は、スクリーン・ジェムズがタシュリンを失ったことから立ち直ることができず、スタジオの作品の質が停滞または低下したと指摘した。コロンビアの経営不行き届きと、有能な脚本家や監督を見つけられなかったことが衰退の主因であると主張された。マイケル・バリアーは当時の彼らの仕事を「ワーナー・ブラザースのまね」と評した。^[105]

コロンビアがこの時期に開発した他の繰り返し登場するキャラクターには、ウィロビー・レン、フリッピーとフロップ、イゴール・パズルウィッツ、スモール教授とミスター・トール、ティトーとブリトー、そしてアル・キャップの リル・アブナーの翻案があったが、キャップはキャラクターが単純化しすぎていたため気に入らなかった。^[106]コロンビアはスタジオの作品に満足せず、結局1946年に閉鎖したが、バックカタログは1949年まで続いた。スクリーン・ジェムズの名は後に同年テレビ子会社に使用された。

ジョン・ハブリーは、タシュリンによってスクリーン・ジェムズ・スタジオで働くために雇われた多くの元ディズニースタッフの一人で、最初は脚本家として、後にポール・ソマーと共に監督として働いた。ハブリーは後にスクリーン・ジェムズでの自分の仕事が気に入らなかったことを認めたが、デイブ・フライシャーが従業員から距離を置いていたため、彼は多くの創作の自由を持っていた。^[105]ハブリーとソマーが監督したアニメは、人間のキャラクター、ミニマルな背景、抽象的なキャラクターデザインを多用していることで有名だった。その多くは、チャック・ジョーンズがアニメ『ドーバー・ボーイズ』で確立したリミテッド・アニメーションの技法に触発されており、ハブリーとソマーはアニメ『ロッキー・ロード・トゥ・ルーイン』で「クローン」を監督するまでに至った。^[107]

ハブリーは1943年にアメリカ軍に入隊した後、スクリーン・ジェムズを去った。^[108]同時に、ハブリーと同様にアニメーターのストライキ中にウォルトのもとを去っていた元ディズニーのアニメーター、スティーブン・ボスストウ、ザック・シュワルツ、デイヴィッド・ヒルバーマンとともに新しいスタジオの設立に協力した。それは、より新しく、より抽象的で実験的なスタイルのアニメーションを試すというハブリー自身のビジョンを追求することに重点を置いた、より新しく、より小さなアニメーションスタジオだった。^[109]ボスストウ、ヒルバーマン、シュワルツは新しいスタジオをインダストリアル・フィルム・アンド・ポスター・サービス（IFPS）と名付けた。^{[109]芸術面では、スタジオは}リミテッドアニメーションを主なアートスタイルとして使用した。新しく設立されたスタジオの最初の短編は、Sparks and Chips Get the Blitz（1943年）だった。^[110] 2作目の短編映画はフランクリン・D・ルーズベルトの再選キャンペーンのために作られた漫画『Hell-Bent for Election 』（1944年）だった。これらの新作は成功したが、ハブリーとそのスタッフが期待していた限界を破ることはなかった。3作目の短編映画、ロバート・キャノンの『Brotherhood of Man』で初めて、スタジオは他のスタジオの映画とは対照的に、積極的に様式化された短編映画を制作し始めた。キャノンの映画は、当時軽蔑されていた人種差別の寛容さを説くことさえあった。1946年までにスタジオはユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ（UPA）に改名され、ヒルバーマンとシュワルツはスタジオの株式をボスストウに売却した。^[109]

1948年、UPAはコロンビア映画にも拠点を置き、プロパガンダや軍事訓練を題材にしただけではなく、一般大衆向けの劇場用アニメの制作を開始した。^{[111] UPAはまた、制作開始から2年で}『きつねとカラス』を主役にした新作アニメでアカデミー賞に2度ノミネートされた。スクリーン・ジェムズとは異なり、コロンビアは経営に関してははるかに放任主義だった。そこからUPAのアニメーターたちは、他のスタジオの似非模倣アニメがひしめく分野の中ですぐに頭角を現すアニメシリーズの制作を開始した。UPAの『ミスター・マグー』シリーズの成功は他のスタジオすべてに注目させ、UPAの短編『ジェラルド・マクボインボイン』（1950年）がアカデミー賞を受賞したとき、ハリウッドへの影響は即座に衝撃的だった。 UPAのスタイルは映画のスクリーンで見られる他のものとは明らかに異なり、観客はUPAが通常の猫とネズミの戦いの繰り返しから提供した変化に反応しました。ミスター・マグーはスタジオで最も成功した漫画キャラクターになりました。^[112]

1953年までにUPAは業界内で大きな影響力を獲得した。ハリウッドのアニメスタジオは、1940年代の豪華でリアルなディテールから、より単純でリアルさに欠けるアニメーションスタイルへと徐々に移行していった。この頃にはディズニーですらUPAを模倣しようとしていた。特に1953年の短編『メロディー』と『トゥート、ホイッスル、プランク、ブーム』は、新しく設立されたスタジオの足跡をたどる様式化の実験だった。しかし、 1952年、マッカーシー時代にジョン・ハブリーが共産主義とのつながりを疑われてスタジオから解雇されると、 UPAは大きな打撃を受けることになる。 ^[112]スティーブ・ボスストウが引き継いだが、ハブリーほど成功せず、スタジオは最終的に1960年にヘンリー・サパースタインに売却された。^[112]

1952年頃、オーストラリアの映画監督兼アニメーターのエリック・ポーターは、彼のキャラクターであるビンボをフィーチャーした2つの漫画をコロンビアに提案した。これらは却下され、両方の漫画は現在パブリックドメインとなっている。^[113]

1959年、UPAはミスター・マグー主演の『千夜一夜物語』をリリースしたが、これは失敗に終わり、コロンビア映画との配給契約を失った。1962年に再度挑戦し、今度はワーナー・ブラザーズを配給会社として、ジュディ・ガーランドを声優に迎えた『Gay Purr-ee』をリリースした。この映画は好評だったが、これも経済的には失敗だった。1964年、UPAはアニメーション事業を放棄し、単に配給会社になることを決定し、その後、ゴジラ映画の一部をアメリカに配給することになった。

UPAの解散前に、コロンビアは、閉鎖されたばかりのメトロ・ゴールドウィン・メイヤー・カートゥーン・スタジオから撤退したばかりのハンナ・バーベラと10年間の配給契約を結んだ。この契約は主にコロンビアのテレビ部門であるスクリーン・ジェムズと関係しており、皮肉なことに同社はアニメーションスタジオから名前を借りていた。1959年、ハンナ・バーベラはコロンビアで唯一の劇場用シリーズであるループイ・デ・ループを制作した。このシリーズは成功し、1965年まで続いた。ハンナ・バーベラはまた、コロンビアで「ヨギ・ベアだぜ！」と「フリントストーンという男」の2本の映画を制作した。コロンビアとハンナ・バーベラとの10年間の契約は1967年に期限切れとなり、更新されなかったため、コロンビアとハンナ・バーベラの関係はあらゆる意味で終わった。

1928年、ウォルター・ランツがチャールズ・ミンツに代わってユニバーサル・スタジオのアニメのプロデューサーとなった。この頃のウォルター・ランツのメインキャラクターはオズワルド・ザ・ラッキー・ラビットで、その以前のアニメはウォルト・ディズニーとチャールズ・ミンツの両者によって制作されていた。ランツはカラーアニメの実験も始め、最初の作品であるジョリー・リトル・エルフは1934年に公開された。1935年、ウォルター・ランツはスタジオをユニバーサル・スタジオから独立させ、スタジオは彼のアニメの直接の所有者ではなく、配給業者のみとなった。^{[114]ディズニーの最初の映画『}白雪姫と七人の小人』の成功を見て、ランツは有名なコメディ・デュオのアボットとコステロを主演に迎えて『アラジン』のストーリーに基づいた長編アニメ映画を制作することを計画した。しかし、 『ミスター・バグ・ゴーズ・トゥ・タウン』が興行的に失敗したため、このプロジェクトは実現しなかった。 ^[115]

30年代後半になると、オズワルドの人気は下がり始めた。ランツとスタッフは、新しい漫画のキャラクターのアイデアをいくつか練った（ミーニー、ミニー、モー、リル・エイトボール、ベイビーフェイス・マウスなど）。スタジオは最終的にアンディ・パンダに落ち着き、デビュー作の短編『アンディ・パンダの人生が始まる』（1939年）で人気を博した。 ^{[116]アンディは成功したが、このキャラクターの5番目の漫画『}ノック・ノック』 （1940年）まで、本当に画期的なキャラクターは登場しなかった。アンディ・パンダの漫画に最初に登場したウッディ・ウッドペッカーは、ランツの最も成功した作品となった。^[117]

1940年代初頭までに、ランツとアニメーターのアレックス・ローヴィはシングルユニットを使用して漫画の監督を行ったが、1943年にジェームズ・カルヘイン（元ディズニー/フライシャーのアニメーターで、最近ワーナー・ブラザーズで短期間働いていた）が監督に就任し、漫画『ミランディ、ビスケットを渡せ!』から監督を始めた。カルヘインのランツでの在職期間は、ロシア・アヴァンギャルドの影響を受けた実験、ミニマリストの背景、高速カットを導入したことで知られ、これにより彼の短編映画はスタジオの以前の作品とは一線を画したものとなった。^{[118]ランツはまた、当時の現代的なスウィング音楽に基づいたミュージカル短編である}スウィング・シンフォニーという新しい映画シリーズを導入した。カルヘインはその後、給与をめぐる争いの後、1945年後半にランツを去った。^[119]カルヘインとは異なり、ランディは視覚的なギャグとアニメーションに重点を置いていました。批評家は、主にランディの影響とエド・ラブ、フレッド・ムーア、ケン・オブライエンなどの元ディズニーアニメーションの登場により、40年代後半にアニメーションの品質が飛躍的に向上したと指摘しました。

1947 年、ランツはユニバーサルと 7 年契約に​​ついて交渉していたが、突然ユニバーサル インターナショナルに転換された。新しい経営陣は、彼のキャラクターの商品化権とライセンス権を保持することを主張した。ランツはこれを拒否し、代わりに親会社から手を引き、1947 年から 1949 年まで、短編映画をユナイテッド アーティスツに配給させる契約を結んだ。この時代は、アンディ パンダの人気が衰えたため、正式に制作中止となった時期でもあった。ユナイテッド アーティスツでは合計 12 本の短編映画が公開された。

ランツのスタジオはユナイテッド・アーティスト在籍中に深刻な財政難に陥り、1949年にスタジオを閉鎖した。^[120]スタジオは1950年に人員削減して再開したが、これは主にランツが損失を取り戻し、1951年の『ぷにー・エクスプレス』からウッディー・ウッドペッカーのアニメ制作についてユニバーサル・インターナショナルと契約したためである。ウッディーは1970年代初頭までアニメに登場し続けた。ランツはアニメーターのドン・パターソンと作家のホーマー・ブライトマンが引き継ぐまでの2年間、自身のアニメで単独の監督と脚本家を務めた。スタジオは再出発する間も、追加のアニメーターと脚本家を獲得することで利益を得ることができた。MGMがアニメーションスタジオを縮小し、ワーナー・ブラザーズが50年代にアニメーション部門全体を一時的に閉鎖したため、ランツはスタジオ内に第2のユニットを設立できるほど人員を増やすことができた。40年代にランツの下で働いていたワーナー・ブラザースのベテラン、 ポール・J・スミスがこの新しいユニットのディレクターを務める予定だ。

スミスは1953年にチリー・ウィリーを創作し、50年代にはスタジオで2番目に目立つキャラクターとなった。翌年、彼はその10年前後にMGMを去ったテックス・エイヴリーによって改良された。エイヴリーはウォルター・ランツ・プロダクションズ在籍中に4本の短編を監督したが、1955年に賃金をめぐる争いで去った。その他の監督としては、ジャック・ハンナ、シド・マーカス、アレックス・ラヴィなどがおり、彼らは40年代初めからスタジオに戻っていた。ランツ・スタジオはこの時代に、マウとポー、マギーとサム、ウィンディとブリージー、ウィロビー警部、ヒッコリー、ディッコリー、ドク、ベアリー一家など、さらにいくつかの繰り返し登場するキャラクターも制作した。

ランツは結局、1972年にスタジオを閉鎖し、高騰する制作費のために短編映画の制作を続けるのは不可能だと述べた。しかし、ランツにとってウッディー・ウッドペッカーの存続は、 1957年から1987年まで『ウッディー・ウッドペッカー・ショー』に出演し始めたことで延びた。この番組は1990年までシンジケート放送された。NBCは1991年、1992年、1997年にこの番組を3度復活させ、ランツはウッディー・ウッドペッカーの短編映画をすべて、当時MCAの一部だったユニバーサルに売却した。

ポール・テリーは自分のスタジオを設立する前、1916年にブレイ・プロダクションに雇用され、有名なキャラクターであるファーマー・アルファルファを生み出した。1921年後半、キース・アルビー・オーフィウムが設立し、1928年にアメディ・J・ヴァン・ビューレンがすぐに買収したフェイブルズ・ピクチャーズで働き、イソップの映画寓話の漫画シリーズを手がけた。しかし、ヴァン・ビューレンは、映画で事前に同期された音声という新しい映画フォーマットの現象に不安を覚えた。ビューレンはテリーにこのフォーマットで映画を製作するよう勧めたが拒否したため、1929年にテリーを解雇せざるを得なかった。

1929年にヴァン・ビューレン・スタジオに『イソップの映画寓話』シリーズを失った後、テリーはテリートゥーンズという新しいスタジオを設立した。テリートゥーンズはEWハモンズのエデュケーショナル・ピクチャーズ向けに年間26本のアニメを制作し、エデュケーショナル・ピクチャーズはフォックス映画社に短編作品を供給していた。スタジオが1935年に20世紀フォックスに再編されると、スタジオはエデュケーショナル・ピクチャーズへの支援を撤回し、代わりにテリーのスタジオを財政的に支援した。エデュケーショナル・ピクチャーズは結局30年代後半に倒産した。1930年代のテリーのアニメは主に白黒で制作され、繰り返し登場するキャラクターはほとんどいないが、農夫アルファルファだけはサイレント時代からテリーのアニメに登場し続けた。

1930年代と1940年代には、テリーの最も人気のある成功したキャラクターが登場した。1938年に始まったガンディ・グース、 1942年に始まったマイティ・マウス、そして1946年のファーマー・アルファルファの漫画「おしゃべりマグパイズ」に登場するいたずら好きなマグパイの夫婦と、双子の兄弟やそっくりさんにはコメディの可能性があるというテリーの考えを組み合わせて開発されたヘックルとジェックルである。他のキャラクターには、 1939年のディンキー・ダック、ディムウィット・ザ・ドッグ（当初はヘックルとジェックルとペアだった）、サワーパス（通常はガンディ・グースとペアだった）などがいる。テリートゥーンズはまた、オールアウト・フォー・V （1942年）、『マイボーイ、ジョニー』（1944年）、『マイティ・マウス・イン・ジプシー・ライフ』（1945年）で、アカデミー賞短編アニメ映画賞に3回ノミネートされた。

成功にも関わらず、テリートゥーンのアニメは当時の大手アニメスタジオの中で最も予算が少なく、新しいアニメの基準に適応するのが最も遅かったことで知られていた。ポール・テリーは主に芸術的価値よりもビジネスの観点からアニメを制作し、「ウォルト・ディズニーをビジネスのティファニーにしよう。私はウールワースになりたい！」とも言った。 ^{[121]しかし、テリートゥーンは}ジョセフ・バーベラやアート・バビットなど、数人の著名なアニメーターにとって初期の足がかりとなったと考えられている。

テリーは1956年に会社とそのバックログをCBSに売却して引退した。CBSは存続期間中スタジオの運営を続け、ジーン・ダイチがクリエイティブ・ディレクターに就任した。ダイチのリーダーシップの下、テリートゥーンズは大きな変化を遂げた。テリーと異なり、ダイチはスタジオを厳格な現代形式から脱却させ、代わりにUPAに似たよりミニマリスト的なスタイルのアニメを制作したいと考えていた。テリートゥーンズはまた、劇場用短編アニメとテレビ用アニメの制作に分かれており、トム・テリフィック、ラリアット・サム、象のシドニー、ガストン・ル・クレヨン、ジョン・ドアマット、クリント・クロバー（ダイチのトムとジェリーでトムの飼い主と間違われることが多い）などの新しいキャラクターも登場させた。彼はまた、新しいキャラクターにもっと焦点を当てるため、マイティマウスとヘッケルとジェックルのアニメを数年間中止した。シドニーのアニメ「シドニーの家系図」（1958年）もテリートゥーンにアカデミー賞ノミネートをもたらしました。

ダイチは1959年にエグゼクティブ・プロデューサーのウィリアム・M・ワイスによって解雇され、ワイスはダイチの決定のいくつかを覆した。マイティ・マウスとヘックル・アンド・ジェックルは制作を継続し、ヘクター・ヒースコート、ルーノ・ザ・ホワイト・スタリオン、橋本さん、サッド・キャット、デピュティ・ドッグなどの新しいキャラクターも生み出した。アニメーターのラルフ・バクシもこの頃に有名になり、最初はオペーカーとしてスタートし、後に監督となった。バクシは1967年にフェイマス・スタジオに移った。テリートゥーンズはスタジオの運営を継続したが、1972年に消滅して閉鎖された。

1928年、プロデューサーのアマディー・J・ヴァン・ビューレンはキース・アルビー・オーフィウムのフェイブルズ・ピクチャーズ・スタジオを買収し、ポール・テリーと提携してイソップ童話のアニメシリーズを制作した。1929年、テリーは自分のスタジオを設立するためにスタジオを離れ、ジョン・フォスターがアニメーション部門を引き継ぎ、スタジオの名前をヴァン・ビューレン・スタジオに変更した。ヴァン・ビューレンはイソップ童話シリーズを継続し、ラジオの ブラックフェイスコメディアンのエイモスとアンディをアニメ化しようとしたが失敗に終わった。ヴァン・ビューレンのその他のアニメには、トムとジェリー（猫とネズミではなく、マットとジェフのような人間の二人組）や、オットー・ソグローの漫画のキャラクター「小さな王様」が登場した。フランク・タシュリンとジョセフ・バーベラは、スタジオの短い存続期間中に短期間働いたアニメーターの中にはいた。

1934年、他のスタジオがディズニーの『シリー・シンフォニー』シリーズに対抗してテクニカラーでアニメを制作していたため、ヴァン・ビューレン・スタジオは残っていたアニメを放棄し、ディズニーのテクニカラー使用に対抗してオールカラーの『レインボー・パレード』シリーズを制作した。しかし、このシリーズは成功せず、1936年までにヴァン・ビューレンのアニメの配給会社であるRKOピクチャーズは、ディズニーのアニメを配給するために同社との契約を終了した。 ^{[122]ヴァン・ビューレンは1938年にスタジオを閉鎖し、その後間もなく亡くなった。スタッフのほとんどは}テリートゥーンズ、フライシャー・スタジオ、または東海岸や西海岸の他のスタジオ に移った。

このスタジオはフライシャーとともに、1938年に映画漫画家組合の結成を引き起こしたとされている。ヴァン・ビューレンのスタジオは、ヴァン・ビューレン自身または監督バート・ジレットによって、組合員に対する待遇が悪かったとされていた。^{[123] [124]}ヴァン・ビューレンは、自分の会社内での労働組合結成を拒否したため、スタジオを閉鎖したと述べている。^[125]

1930年、配給会社のパット・パワーズは、ウォルト・ディズニーのアニメーターであるアブ・アイワークスにディズニー・スタジオを離れ、自分のスタジオを作るよう説得した。アイワークスは、ディズニーの初期の成功の多くをアイワークスが担っていると考えていた。アイワークスはその年、パワーズを資金援助としてスタジオを開設した。アイワークスは最初、メトロ・ゴールドウィン・メイヤー社で漫画を制作し、フリップ・ザ・フロッグやウィリー・ワッパーなどのキャラクターを生み出した。MGM社は後にアイワークスの漫画の配給を中止し、代わりにハーマンとイジングの漫画を リリースするようになった。

MGMに在籍した後、アイワークスのアニメはセレブリティ・ピクチャーズによって配給され、アイワークスはディズニーのテクニカラー使用に応えて、2ストリップのシネカラーでアニメを放映するコミカラー・カートゥーン・シリーズを制作した。 ^[126]しかし、1936年までにパワーズがスタジオへの資金援助を撤回した後、アイワークス・スタジオは財政的挫折を経験し始めた。^[127]ワーナー・ブラザース・ピクチャーズでアニメーターとして『ギャビー・ゴート』を制作し、しばらくコロンビア・ピクチャーズのアニメの下請けをした後、アイワークスは1940年にディズニーに戻り、 1971年に亡くなるまで 「特殊効果開発」部門の責任者として働いた。

アイワークスはディズニーに戻った後、アニメーションスタジオを去った。スタジオはすぐにカートゥーンフィルムズ社として再編され、イギリスを拠点とするエンジェル投資家のローソン・ハリスがスタジオプロデューサー、ポール・フェネルが監督となった。^[128]スタジオの主な作品は商業アニメーションであったが、^{[129]コロンビア向けの作品で最もよく知られていた。ジャーナリストの}レイモンド・グラム・スウィングが主演した短命シリーズ『チェンジング・ワールド』は、6本の短編が製作される予定で、第二次世界大戦前と戦中の出来事を記録することになっていたが、短編2本で廃案となった。^[130]もう1つの短編『カーペンターズ』（1941年）は、ティーウィリガー氏と彼の不器用な従業員クランシーとハーマンの奇行を描いた作品である。スタジオはコロンビアとの仕事の後も、アニメーションコマーシャルの製作を続けた。

1946年、リパブリック・ピクチャーズは、ジーン・オートリー主演の西部劇『スー・シティ』にウォルター・ランツ・プロダクションのアニメーションを組み込んだ。翌年、リパブリックは元ワーナーの監督ボブ・クランペットと契約し、クランペットの最新作である田舎馬のキャラクター、チャーリー・ホースを主役にした短編シリーズを制作した。クランペットは『 It's a Grand Old Nag』 （1947年）というタイトルのアニメを1本監督したが、その後同社はアニメシリーズの制作を中止した。^[131]

1949年後半、リパブリック社はラジオコメディ作家のレナード・L・レビンソンが主宰する『ジャーキー・ジャーニー』という新しいアニメシリーズを開始した。このアニメはリミテッドアニメーションを使用していることで知られ、低予算の風刺的な旅行記映画と評された。 ^[132]アート・ハイネマンが主任レイアウトデザイナー、マイルズ・パイクが特殊効果を担当し、ワーナー・アーティストのロバート・グリブブルック、ピーター・アルバラード、ポール・ジュリアンが背景画を担当した。短編作品の1つ『3人のミニー、ソータ、トンカ、ハハ』 （1948年）はアカデミー賞短編アニメ賞にノミネートされた。リパブリック社は後に4本のアニメを制作した後、このシリーズを中止した。

ジョン・サザーランドは、ウォルト・ディズニー・プロダクションズやアメリカ陸軍で第二次世界大戦の訓練映画のシリーズに携わった後、1945年に自身のスタジオ、ジョン・サザーランド・プロダクションズを設立した。 ^{[133]このスタジオは主に、}ハーディング大学からアルフレッド・P・スローンの支援を受けて提供された教育/指導ベースのアニメーションの制作で知られる。最も有名な映画の1つは、スタジオが制作した自由企業を支持する一連の映画の最初の1948年の漫画「Make Mine Freedom 」である。サザーランドは、エメリー・ホーキンス、フィル・ローマン、元ハーマン・アンド・イジングのアニメーターの大半など、業界の著名なアーティストを雇って自分の漫画を制作させることができた。サザーランドのスタジオはMGMとの関係を築くことができ、MGMは40年代後半から50年代前半に彼らの短編映画のいくつかを配給することになる。サザーランドはストップモーションアニメにも手を出し、ユナイテッド・アーティスツでラリー・モリーと短編『ダフィー・ディティ』を制作した。^[134]彼は1945年から1973年に引退するまで45本の映画を制作した。

ジョージ・パルはハンガリーの映画監督で、1930年代にヨーロッパで伝統的なアニメーションや人形劇の短編映画を制作した。人形劇を題材にした他の映画とは異なり、パルの短編映画ではパル・ドール技法と呼ばれるストップモーション技法が使われており、これは1体の人形を使うのではなく、各フレームごとに一連の独特な木彫りの人形を使って動きを模倣するものである。パルの短編映画の中には、フィリップス・ラジオ・システムを宣伝する『エーテルの船』（1934年）や『フィリップス・カヴァルケード』（1934年）など、特定の製品の広告もあった。

パルは1939年にアメリカに移住し、パラマウント社からMadcap Models という名前でストップモーションの短編シリーズの制作を請け負った。このシリーズは後にPuppetoonsと改名された。 1941年から1947年にかけて制作された7本の Puppetoon 映画はアカデミー賞短編アニメ映画賞にノミネートされ、このシリーズではJasper、Mr. Strauss、Punchy & Judyなど、いくつかの常連キャラクターが誕生した。しかし、1947年までに制作費の高騰によりパラマウント社はシリーズを中止した。パルは実写映画のプロデューサーおよび監督として業界で働き続けながら、The Great Rupert (1949)、Tom Thumb (1958)、The Wonderful World of the Brothers Grimm (1963) などの映画に Puppetoon シーケンスを組み込んだ。

ジェリー・フェアバンクスは主にこの媒体に関わってはいなかったが、いくつかのアニメーション プロジェクトに携わった。1941 年、フェアバンクスはワーナー ブラザースのテックス エイヴリーが構想したアイデアに基づいて、短編映画「 Speaking of Animals」を制作し、この作品はアカデミー賞の短編実写映画賞に 2 度ノミネートされた。40 年代後半から 50 年代前半にかけて、フェアバンクスは産業映画も制作し、マニー グールド、ルー リリー、アンナ オズボーンによるアニメーション シーケンスも時折制作した。フェアバンクスは「Crusader Rabbit」でも監督プロデューサーとして働いた。

1948年にアニメーターのジェイ・ワードによって設立されたジェイ・ワード・プロダクションは、テレビ向けの最初のアニメ『クルセイダー・ラビット』を放映したほか、 『ロッキーとブルウィンクルの冒険』 (1959年 - 1964年)や、朝食用シリアルなどの象徴的な広告を数多く制作したことでも知られています。ジェイ・ワードのアニメは、限られたアニメーションスタイルを採用し、ぎっしり詰まった視覚的なギャグと言葉遊びで成功を収めました。

オリンピックの水泳選手および水球選手として知られるジャム・ハンディは、ブレイ・プロダクションズの産業代表として働いた後、シカゴを拠点とする自身のスタジオ、ジャム・ハンディ・オーガニゼーションを設立したことで知られている。自動車産業向けの映画制作で最もよく知られているが、ハンディはアニメーションにも手を出している。ハンディは、ゼネラルモーターズのシボレーの広告用に作られたキャラクター、ニッキー・ノームを主役にした短編アニメーションを数多く制作している。[ ^135]

おそらくハンディの最も有名な短編アニメは、モンゴメリー・ウォードがスポンサーとなった1948年の『赤鼻のトナカイ』だろう。これはタイトルロールのキャラクターをアニメ化した最初の作品として知られ、マックス・フライシャーが製作・監督した。^[136]

1926年、作家で第一次世界大戦の兵士からアニメーターに転身したジョン・ロバート・マクローリーは、ブレイ・プロダクションズとウォルト・ディズニーのラフ・オ・グラム・スタジオで経験を積んだ後、ニューヨークに拠点を置く自身のアニメスタジオを設立した。彼はライフ誌と契約を結び、恋人に付き添われた人型の猿のキャラクター「マイク・ザ・モンク」を主役にした短編シリーズを制作した。マイクは「クレイジー・キッズ」という別のシリーズに派生し、約1年間続いた。

1930年後半、レオン・シュレシンジャーは、当時発売予定だったルーニー・テューンズの制作をアニメーションスタジオに依頼していた。アニメーターのヒュー・ハーマンとルドルフ・アイジングが彼らのキャラクターであるボスコを題材にしたシリーズを提案した一方で、マクロリーは、当初2本または4本の別々のアニメとして制作されていた、最新のキャラクターであるバスター・ベアをフィーチャーしたアニメを急いで制作することで、このオファーを勝ち取ろうとした。[137 ^]結局、マクロリーのアニメが水準に達しなかったため、シュレシンジャーはハーマンとアイジングにシリーズの制作を依頼した。 ^{[138] [139]マクロリーはこの後も業界を辞めず、後に}ハロルド・グレイの『孤児アニー』を題材にした短命のシリーズを制作し、おもちゃのプロジェクターや家庭用メディアでバスター・ベアとアニーのアニメを再配信して成功を収めた。1938年、スタジオはナレッジ・ビルダーズと改名され、1960年代まで運営を続けた。

アメリカのアニメーター/映画製作者であるテッド・エシュボーは、 1920年代後半に漫画の色処理の初期形式を実験した後、1930年代初頭にロサンゼルスを拠点とするアニメーションスタジオを設立しました。彼のスタジオは、グーフィー・ゴート（1931年、マルチカラーを使用）やスノーマン（1933年、テクニカラーを使用）などの短編映画で、カラーアニメーションの早期導入者として知られていました。エシュボーは、L・フランク・ボームの「オズの魔法使い」の映画化もプロデュースし、これもフルシリーズ化が計画されていました。^{[140] [141]しかし、テクニカラーが1930年代頃に}ディズニーと独占契約を結び、ボームの息子であるフランク・ボーム大佐が期限に間に合わなかったため、この映画は公開されませんでした。^[142]

エシュボーはその後、1935年までヴァン・ビューレン・スタジオで働き、その後ニューヨークに別のスタジオを設立した。新しいスタジオでの最初の作品の1つは、フランクリン・D・ルーズベルトのニューディール政策を題材にした風刺漫画『ニューディールの寓話』で、これはルーズベルトの1936年の大統領選挙運動を風刺する政治運動の一環として作られたものだった。^[143]伝えられるところによると、最初の上映後に、センチネルズがルーズベルトを描いた風刺漫画がグロテスクすぎると判断し、検閲された。^{[144]その他の初期のプロジェクトには、}ピーター・パンダというキャラクターをフィーチャーしたカラーシリーズや、プランターズ・ナッツ＆チョコレート社の1939年の世界博覧会展示用に制作した短編『ミスター・ピーナッツと彼の家系図』などがある 。^{[145]エシュボーは}第二次世界大戦中に戦争を宣伝する短編映画も制作しており、その中には『サミー・サルベージ』（1943年）や 『キャプテン・カブ』 （1945年）などがある。^{[146] [147]}エシュボーのスタジオは50年代後半まで運営を続けた。

アニメ映画では映像に重点が置かれているが、声優や映像に添えられた交響曲もアニメ映画の成功に非常に重要であった。映画が観客をラジオから引き離すにつれ、才能ある俳優や声の物まね芸人を映画やアニメの世界へと引き寄せた。メル・ブランクはバッグス・バニー、ポーキー・ピッグ（1937年以降）、ダフィー・ダックなどワーナー・ブラザースの人気キャラクターのほとんどに声を担当した。ヴォードヴィルやラジオの他の声優やタレントも、黄金時代のアニメ映画の人気に貢献した。これらの俳優（通常はクレジットされていない）には、クリフ・エドワーズ（別名ウクレレ・アイク）、アーサー・Q・ブライアン、スタン・フリーバーグ、ビア・ベナデレット、ビル・トンプソン、グレース・スタッフォード、ジム・バックス、ジューン・フォーレイ、ドーズ・バトラーなどがいた。

この時代のアニメには、スタジオ オーケストラが演奏するスコアも含まれていました。カール ストーリング、スコット ブラッドリー、サミー ティンバーグ、ウィンストン シャープルズ、ダレル カルカー、クラレンス ウィーラー、オリバー ウォレスが数多くのアニメのサウンドトラックを作曲し、オリジナルの素材を作成するとともに、おなじみのクラシックやポピュラーのメロディーを取り入れました。初期のアニメの多く、特にディズニーのSilly Symphoniesシリーズは、クラシック曲を中心に作られていました。これらのアニメにはスター キャラクターが登場することもありましたが、多くは単純な自然をテーマとしていました。

ハリウッドアニメーションの歴史の大部分において、アニメーション映画の制作は独占的な産業であり、他の分野にはあまり分岐しませんでした。さまざまなアニメーションスタジオは、アニメーション漫画や映画のアニメーションタイトルの制作にほぼ専念していました。アニメーションが映画産業の他の側面に使用されることはまれでした。1940 年代の低予算のスーパーマンシリーズでは、スーパーマンが飛行したり超能力を発揮したりするアニメーションシーケンスが実写の特殊効果の代わりに使用されましたが、これは一般的な方法ではありませんでした。

アニメーションの排他性は、映画の特殊効果にほぼ専ら使用される姉妹産業であるストップモーションアニメーションの誕生にもつながった。ストップモーションと手描きアニメーションの2つのジャンルは類似点があるにもかかわらず、ハリウッドの黄金時代にはほとんど一緒になることはなかった。ストップモーションアニメーションは、1933年の興行収入を記録した『キングコング』で有名になった。この映画でアニメーターのウィリス・オブライエンは、その後50年間に使用される主要なストップモーション技法の多くを定義した。『キングコング』の成功は、オブライエンがアニメーターを務めた『マイティ・ジョー・ヤング』など、他の多くの初期の特殊効果映画につながった。この映画は、 1950年代に独り立ちしたレイ・ハリーハウゼンなど、数人のアニメーターのキャリアをスタートさせるきっかけとなった。ジョージ・パルは、パラマウントの劇場公開用ストップモーションアニメシリーズ「パペトゥーン」を制作した唯一のストップモーションアニメーターであり、そのうちのいくつかはレイ・ハリーハウゼンがアニメーターを務めた。パルはその後も、実写特殊効果を多用した長編映画を数本制作した。

ストップモーション アニメーションは 1950 年代に人気が最高潮に達しました。SF 映画の爆発的な人気により、特殊効果の分野が飛躍的に発展し、ジョージ パルは特殊効果を多用した人気映画を何本か制作しました。一方、レイ ハリーハウゼンの『海底二万深海からの獣』、『空飛ぶ円盤』、『シンドバッド 7 回目の航海』などの作品は大勢の観客を魅了し、映画における「リアルな」特殊効果の開発を促しました。これらの特殊効果にはセル アニメーションと同じ手法が数多く使用されていましたが、それでもこの 2 つのメディアが融合されることは多くありませんでした。ストップモーションは、ダグラス トランブルの『2001 年宇宙の旅』の特殊効果がこの世のものとは思えないほどリアルに感じられる までに発展しました。

ハリウッドの特殊効果はセルアニメーションをほとんど避ける形で発展を続けたが、その時代の実写長編映画にはいくつかの印象的なアニメーションシーケンスが取り入れられた。その中で最も有名なのは、映画『錨を上げよ』のシーンで、俳優のジーン・ケリーがアニメのジェリーマウス（トムとジェリーで有名）と踊るシーンである。しかし、この種の時折のシーケンスを除けば、セルアニメーションが実写映画に実際に組み入れられたのは、アニメーションのクレジットおよびタイトルシーケンスの開発においてのみであった。アルフレッド・ヒッチコックの映画（ 『めまい』、『北北西に進路を取れ』、『サイコ』など）のソール・バスのオープニングシーケンスは高く評価され、多くの模倣者に影響を与えた。

ハリウッドの大手スタジオは戦争遂行に大きく貢献し、そのアニメスタジオもさまざまな貢献をしました。フライシャー・スタジオでは、ポパイが海軍に入隊し、ナチスや「ジャップ」と戦い始めました。一方、ワーナー・ブラザーズ・スタジオは、兵士向けに特別に「プライベート・スナフ」の教育映画シリーズを制作しました。ディズニーでさえも戦争遂行に関わり、 「総統の顔」などの風刺コメディや、「死の教育」などの解説映画を制作しました。

1960年代には、劇場映画という媒体において、特にデパティ・フレレング・エンタープライズによる創造的なひらめきが見られました。彼らの最初の、そして最も成功したプロジェクトは、ピーター・セラーズ主演の1964年の映画『ピンク・パンサー』のオープニングタイトルのアニメ化でした。この映画とそのアニメシーケンスは大成功を収めたため、ユナイテッド・アーティスツはスタジオにピンク・パンサーのアニメシリーズの制作を依頼しました。最初の短編『ピンク・フィンク』は、1964年のアカデミー賞短編アニメ賞を受賞しました。スタジオは、『インスペクター』や『アリとツチブタ』など、他のヒットアニメシリーズも制作しました。

一方、ワーナー・ブラザーズを解雇されたチャック・ジョーンズは、1963年後半にMGMに移り、トムとジェリーの劇場用アニメ34作品を制作した。これらのアニメはジョーンズ独特のスタイルで制作されたが、1940年代と1950年代の全盛期のハンナ・バーベラのオリジナル作品の人気には決して及ばなかった。しかし、 1961年から1962年にかけて海外で制作された ジーン・ダイチの トムとジェリーの短編よりは成功した。

1964年から1967年まで、デパティ＝フレレングはワーナー・ブラザーズとの契約に基づき、ルーニー・テューンズとメリーメロディーズの短編を制作した。これらのアニメは、有名なブルズアイのWBシールド同心円の代わりに、現代的で抽象的なWBのロゴを使用しているため、簡単に見分けることができる。スタジオはまた、フォーマット・フィルムズにワイリー・コヨーテとロードランナーのアニメ11本を下請けした。デパティ＝フレレングはルーニー・テューンズの制作を中止し、1967年にサンフェルナンド・バレーへ移転してピンクパンサーのアニメの制作を続け、1977年に最後のオリジナル劇場アニメを制作した。 1967年、WBは自社アニメの制作を再開したが、1969年に劇場用アニメ部門を完全に閉鎖した。1981年、スタジオはマーベル・コミックに買収され、マーベル・プロダクションズに改名された。

1946年、当時のアニメーション組合は25％の賃金引き上げを交渉し、アニメの製作費が全体的に高くなりました。1948年のハリウッド反トラスト訴訟の判決後、どのスタジオのアニメも劇場で上映が保証されなくなり、ビジネスとしてのリスクが高まり、このため劇場用短編アニメに投資されるリソースが減り、徐々に衰退しました。1950年代初頭までに、テレビという媒体が勢いを増し始め、アニメーション業界もそれに伴って変化し始めました。この変化の先頭に立ったのが、トムとジェリーの生みの親であるウィリアム・ハンナとジョセフ・バーベラのコンビでした。新しいハンナ・バーベラは、 UPAが開拓したリミテッドアニメーションのスタイルを採用しました。このリミテッドアニメーションで、ハンナとバーベラはハックルベリー・ハウンド、原始家族フリントストーン、ヨギ・ベア、トップ・キャット、宇宙家族ジェットソンなど、いくつかのキャラクターを生み出しました。土曜の朝のアニメを含むテレビの人気が高まるにつれ、1960 年代には映画鑑賞が大幅に減少し始めました。テレビとの競争に立ち向かうため、映画館はできる限りのコスト削減に努めました。その方法の 1 つは、長編映画のみを予約し、不要かつ高額すぎると考えられていた短編映画の費用を避けることでした。それでも劇場で上映された数少ない短編映画は、批評家から前作より劣っていると見られることがよくあります。

これは、アメリカのアニメーションスタジオが劇場公開用に定期的に短編アニメを積極的に制作していた黄金時代のタイムラインです。スタジオによっては、不定期に劇場で短編アニメを公開し続けているところもあります。色は、アメリカのアニメーション スタジオの関連劇場配給会社に対応しています。

ディズニーの長編アニメ7本（白雪姫、ピノキオ、ファンタジア、ダンボ、バンビ、シンデレラ、眠れる森の美女）と短編アニメ数本（蒸気船ウィリー、ベティ・ブープ版白雪姫、三匹の子豚、ポパイとシンドバッド、ワッキーランドのポーキー、ジェラルド・マクボインボイン、告げ口心臓、アヒルの夢、オペラ・ドクはいかが？ ）がそれぞれアメリカ国立フィルム登録簿に登録された。^{[148]上記の短編アニメは、アニメーション史研究家の}ジェリー・ベックが1994年に発表した『最も偉大なアニメ50選』にも含まれている。^[149]

1988年の映画『ロジャー・ラビット』は、アメリカのアニメーションの黄金時代と古典的なハリウッド映画の両方に敬意を表した作品である。^[150]この映画には、ディズニー、ワーナー・ブラザーズ、フライシャー・スタジオ、ユニバーサルなど、複数のアニメーションスタジオのさまざまな有名なアニメキャラクターがカメオ出演している。また、この映画には、ディズニーのミッキーマウスとドナルドダックが、ワーナー・ブラザーズ・スタジオのバッグス・バニーとダフィー・ダックとそれぞれスクリーン上でクロスオーバーする、映画史上唯一のシーンも含まれている。実際、アメリカのアニメーションの黄金時代は、後に『タイニー・トゥーン・アドベンチャーズ』、『アニマニアックス』、『ボンカーズ』、 『タズマニア』 、『ダック・ドジャース』（ルーニー・テューンズの短編映画の影響）、『レンとスティンピー』（ワーナー・ブラザースと MGM のアニメの影響）、『バットマン』と『スーパーマン』のアニメシリーズ（スーパーマンの劇場アニメの影響）、 『ザ・シンプソンズ』 （原始家族フリントストーンの影響）、 『ミッキーマウスワークス』と『ハウス・オブ・マウス』（ウォルト・ディズニーのアニメの影響）など、特定のアニメ番組への道を開いたという点で、非常に影響力がありました。^{[151] [152] [153] [154] [155] [156] [157]}同様に、前述のアニメスーパーヒーローシリーズのフライシャーの美学が組み合わされて、『バットマン ビヨンド』、『ルーナティクス アンリーシュド』、『スペクタキュラー スパイダーマン』の未来的なデザインが再現され、[ 158 ] [ 159 ] ^{[ 160 ]、}宇宙家族ジェットソンの美学は『キム・ポッシブル』のレトロなデザインに影響を与えました。^{[161]古典的な劇場用アニメーションの影響を受けた他のテレビ番組は、}ディズニー アフタヌーンブロックのアニメシリーズのほとんどでした。^[162]

ディズニー・ルネッサンス映画のほとんどと長編映画『プリンセスと魔法のキス』は、黄金時代のものと似たアニメーション技術で作られました。^[163]さらに、1999年の長編映画『ファンタジア2000』は、1940年のオリジナル長編映画『ファンタジア』の直接の続編です。ウォルト・ディズニーの3番目のアニメーション映画の59周年と60周年を記念するものであるため、一般的にディズニー・ルネッサンスとも関連付けられています。^[164]さらに、カーズ、塔の上のラプンツェル、アナと雪の女王、長ぐつをはいたネコと魔法のキス、ワイルド・ロボットなどのCGI長編映画も、古典的なアニメーションに触発されています。^{[165] [166] [167] [168] [169]}一方、『ロビン・フッド』はオリジナルのウォルト・ディズニー映画から再利用されたアニメーションとデザインで制作され、短編映画『ミッキーのクリスマス・キャロル』は古典的なディズニーキャラクターが劇場用アニメーションに戻ったことで評価されました。^{[170] [171]}実際、この黄金時代は、『ペーパーマン』、 『ゲット・ア・ホース!』、『プリズ・ド・ベック』 、『ブレイブ・ロコモティブ』、そして『ミセス・ダウト』のプッジーとグランジのアニメーション映画セグメントなど、他の短編アニメーション映画にも影響を与えています。^{[172] [173] [174] [175]}映画の中では1分間の漫画しか表示されませんが、ジョーンズと彼のチームは5分間の映像をアニメーション化しました。 同様に、最初の『くまのプーさん』の短編アニメーションは、長編映画『くまのプーさん 大冒険』で新しいものと共に編集され、独自の人気シリーズ^[176]一方、レイ・ハリーハウゼンのストップモーション・アニメーションは、長編映画『ジュラシック・パーク』や『ナイトメアー・ビフォア・クリスマス』の制作にインスピレーションを与えた。^{[177] [178]また、} 『禁じられた惑星』や『2001年宇宙の旅』の特殊効果のテーマは、最初のテレビシリーズ『スタートレック』、最初の映画三部作、映画『エイリアン』、『ブレードランナー』、『ターミネーター』など、他のSF作品に影響を与えた。[ ^{179] [180] [181]}

その他の長編アニメーション映画、例えば『リトル・マーメイド』、『ぼくらの冒険』、 『リトル・マーメイド』、 『リトル・マーメイド』、 『くるみ割り人形』、 『おやゆび姫』、『白鳥の王女』、『バルト』、『猫は踊らない』、『アナスタシア』、『王様と私』、『アイアン・ジャイアント』なども、黄金時代のアニメーションの美学に影響を受けている。^{[182] [183 ]​​ [184 ] [185] [186] [187] [188] [189] [190]}古典的なデザインでアニメーションを作るというこの傾向は、アメリカアニメーションのルネッサンス時代に非常に関連しており、 『ねずみ男』や『アメリカ物語』に始まり、観客の間でノスタルジア市場が特に強かった時期である。^{[191] [192]}

チャック・ジョーンズとテックス・エイヴリーの漫画は、クラッシュ・バンディクー、スパイロ・ザ・ドラゴン、ジャックとダクスター、ラチェット＆クランク、タイ・ザ・タスマニアンタイガーなどのビデオゲームシリーズの開発にインスピレーションを与えた。 ^{[193] [194] [195] [196] [197]}また、オリジナルのアイス・エイジ、マダガスカル、カンフー・パンダ三部作のデザインやドタバタ劇のユーモアにも大きな影響を与えている。^{[198] [199] [200]}同様に、バンジョーとカズーイの大冒険は、幅広い観客を引き付けるためにウォルト・ディズニーの古典映画を参考にして作られ、^[201]一方スライ・クーパーは古典的なセルアニメ映画のデザインの影響を受けています。^[202]さらに、ディズニーのサイレント時代と黄金時代は、2010年のビデオゲームエピック・ミッキーの開発に影響を与えた。^[203]さらに、2017年のビデオゲーム「カップヘッド」と2022年のインタラクティブ映画「キャットバーグラー」では、この時期のディズニー、テックス・エイヴリー、フライシャーの作品に触発された古典的なアニメーションスタイルが採用されています。^{[204] [205]}

アメリカのアニメーション、特にウォルト・ディズニーの漫画の黄金時代は、世界中で大きな影響力を持っていました。

• ベルギーでは、ウォルト・ディズニーの漫画が、フランス・ベルギーの漫画『ラッキー・ルーク』のデザインにおいてモリスのインスピレーションとなった。^[206]
• 中国では、中国のアニメーターである万兄弟がディズニーやフライシャーの長編アニメ映画の影響を受けて『鉄扇公主』（1941年）や『天下無敵』（1961年）を制作した。^{[207] [208]}
• フランスでは、フランスのアニメーター、ポール・グリモーがディズニーの長編アニメ映画の影響を受け、最高傑作 『アラバマ物語』を制作した（1952年に初公開され、ピーター・ユスティノフがアラバマ物語の主人公を演じた。1980年にグリモーは映画の権利を保持した後、独自のバージョンを公開した）。^[209]
• ドイツでは、ドイツのアニメーター、ハンス・フィッシャーケーゼンがこの時代の劇場用漫画に影響を受けた。 [ ^{210]同様に、ウォルト・ディズニーの漫画は、ドイツの漫画家}ロルフ・カウカ、特に『フィックスとフォクシー』や1973年の長編映画『ワンス・アポン・ア・タイム』に影響を与えた。^[211]
• イタリアでは、1936年に未完成だった長編アニメ映画『ピノキオの冒険』が、ウォルト・ディズニーのアニメ作品とほぼ競合した。^[212]
• 日本では、日本の漫画家手塚治虫がフライシャー兄弟と並んでウォルト・ディズニーのアニメーションに大きな影響を受けた。これにより、ジャングル大帝、鉄腕アトム、リボンの騎士の絵を描くことができた。^{[213]同様に、ウォルト・ディズニーの漫画は}宮本茂のインスピレーションとなり、スーパーマリオのビデオゲームシリーズを開発した。^[214]同様に、大島直人はフィリックス・ザ・キャットとミッキーマウスのミックスデザインに触発されてソニック・ザ・ヘッジホッグを作成した。^[215]さらに、ポパイとキングコングは1981年のアーケードビデオゲームドンキーコングの制作にインスピレーションを与え、^[216]レドサウルスは1954年の日本の長編映画ゴジラの制作で本多猪四郎のインスピレーションとなり、原子力時代に怪獣映画のジャンルを発展させた。^{[217] [218]}
• ロシアでは、ロシアのアニメーター、レフ・アタマノフがディズニーの長編アニメ映画に影響を受け、『雪の女王』（1957年）を制作した。^[219]
• スペインでは、黄金時代はアルトゥーロ モレノ、ホセ マリア ブレイ、クルス デルガド、セルヒオパブロス、シフェサスタジオなどのスペインのアニメーターに影響を与えました。主な長編映画: Garbancito de la Mancha (1945)、Alegres vacaciones (1948)、Erase una vez... (1950)、Los sueños de Tay-Pi (1952)、Mágica aventura (1973)、Los viajes de Gulliver (1983) ) やクラウス(2019) のほか、人気のアニメ作品も『ドン・キホーテ』（1979年）と『ロス・トロタムシコス』 （1989年）の翻案。^{[220] [221] [222] [223]同様に、ウォルト・ディズニーの漫画は、スペインの漫画家}ホセ・サンキス・グラウ、特に『エル・ソルダディート・ペペ』と『パンビー』にインスピレーションを与えました。^[224]
• イギリスでは、レイ・ハリーハウゼンのストップモーション映画が『月世界』 (1964年)、『紀元前100万年』(1966年)、『タイタンの戦い』 (1981年)に影響を与えた。^{[225] [226] [227]}

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• バリアー、マイケル（1999年）。『ハリウッド・カートゥーン：黄金時代のアメリカアニメーション』オックスフォード大学出版局。ISBN 9780198020790。
• マルティン、レナード (1987): 『Of Mice and Magic: A History of American Animated Cartoons』 ペンギンブックス。
• ライフル、スティーブ、ゴジシェフスキー、エド（2017年）。本多猪四郎：ゴジラから黒澤まで映画界に生きた人生。ウェズリアン大学出版。ISBN 9780819570871。
• ソロモン、チャールズ (1994): 『アニメーションの歴史: 魅惑の絵』 アウトレット ブックス カンパニー。