漫画の歴史

漫画の歴史は、世界のさまざまな地域で異なる道を辿ってきた。その起源は、ローマのトラヤヌス帝の記念柱、エジプトの象形文字、バイユーのタペストリーといった初期の先駆者にまで遡ることができる。

物語を伝える目的でイラストを使用する人間の最も古い例は、5万年以上前の洞窟壁画に遡ります。 ^{[ 1 ]}初期の連続芸術の例は、エジプトの象形文字、ギリシャのフリーズ、ローマのトラヤヌス帝の記念柱（西暦110年に奉納）、マヤ文字、バイユーのタペストリーなどの中世のタペストリー、挿絵入りのキリスト教写本に見られます。中世の絵画では、同じ物語（通常は聖書の物語）の複数の連続した場面が同じ絵画に同時に現れます。

紀元前700年頃に遡るインドの古代の伝統では、絵師が物語を語り、同時に絵が描かれていた（関節人形を使った影絵芝居の起源でもある）。^{[ 2 ] [ 3 ]}

現代の印刷技術の発明によって、この形式が幅広い層に普及し、マスメディアとなった。^{[ 4 ]}

初期の印刷物は宗教的な主題に集中しており、特に聖書の挿絵がふんだんに盛り込まれた版は、多くの画像と文章を組み合わせることでキリスト教の教えを非識字者にも伝える媒体として広く普及した。

17世紀から18世紀にかけて、版画は政治や社会生活の様々な側面を取り上げ始め、風刺やカリカチュアも取り入れるようになった。時には、版画には複数の画像が含まれており、物語の複数の場面を関連付けているものもあった。例えば、フランス・ホーゲンベルクの『スペインの狂乱』（1576年）や『アンリ3世の殺害』（1589年）の描写などが挙げられる。^{[ 5 ]}

ホガースの「流行の結婚」シリーズ全6枚のプレートのうち最初の2枚。1枚目のプレートは、裕福なスクワンダーフィールド卿と花嫁の貧しい商人の父親との結婚契約の署名を描いている。^{[ 6 ]} 2枚目のプレートは、夜遊びの後の夫婦の家で朝を迎えている様子を描いている。犬が夫のポケットからボンネットを引き抜いているが、妻はすでにボンネットをかぶっているため、これは不貞を暗示しているのかもしれない。^{[ 7 ]}

風刺画の連続シリーズを最初に制作したイギリス人の一人にウィリアム・ホガース（1697年～1764年）がいます。ホガースは「現代の道徳的主題」をテーマにした7つの連続イメージを制作しました。^{[ 8 ]}彼の作品の一つである『放蕩者の遍歴』は、それぞれが版画として複製された複数のキャンバスで構成されており、8枚の版画を合わせると物語が完成します。印刷技術が発展するにつれて、産業革命の技術進歩により、雑誌や新聞が創刊されました。これらの出版物は、政治的および社会的問題にコメントする手段としてイラストを使用することがあり、そのようなイラストは1842年以降「漫画」として知られるようになりました。

フランシス・バーロウの『恐ろしく地獄のようなカトリック陰謀の真実の物語』（1682年頃）やウィリアム・ホガースの『レミュエル・ガリバーの罰』や『放蕩者の遍歴』 （1726年）など、この時代の現存する作品は、複数の画像を通して物語を確立していることがわかるが、こうした作品の要素がコミックストリップとして結晶化し始めたのは19世紀になってからのことだった。

吹き出しも数世紀にわたって進化し、中世のフィラクテル（通常は巻物の形をしたラベル）に端を発している。フィラクテルは、登場人物に名前を付けたり、短いテキストを使ってその目的を説明したりすることで、登場人物を識別するものであった。ジョージ・クルックシャンクなどの芸術家は、こうしたフィラクテルを巻物ではなく吹き出しとして体系化するのに役立ったが、当時はまだラベルと呼ばれていた。吹き出しは物語を表すようになったが、作品内の対話ではなく識別目的のためであり、芸術家たちはすぐに吹き出しを捨て、パネルの下に対話を走らせるようになった。吹き出しが再びこの形式に導入されたのは、リチャード・F・アウトカルトが対話のために吹き出しを使うようになってからである。^{[ 9 ]}

1826年に発行された『グラスゴー・ルッキング・グラス』は、おそらく最初のコミック雑誌と言えるでしょう。後に『ノーザン・ルッキング・グラス』として知られるようになったこの風刺雑誌は、当時のファッションや政治を風刺していました。 ^{[ 10 ] [ 11 ] [ 12 ]}連続した物語を連載形式で伝えるキャプション付きの絵、吹き出し、風刺、カリカチュアの使用など、現代のコミックを構成する要素のほとんどを備えていました。 ^{[ 13 ]}

フランス語圏のスイス人画家、ルドルフ・トプファーは、19世紀初頭の重要な人物でした。トプファーの連続イラスト付き物語は、絵の下にテキストが区切られており、ヨーロッパ中で再版されました。1837年に彼は『Histoire de Mr. Vieux Bois』を出版し、これは1842年にアメリカでも『The Adventures of Obadiah Oldbuck』として出版されました。^{[ 14 ]}当時著作権法がなかったため、海賊版が蔓延し、翻訳版が両大陸で同様の作品の市場を生み出しました。^{[ 15 ]} 1845年、トプファーは『人相学論』（Essai de physiognomonie ）の中で、絵物語（フランス語: histoire en estampes）についての考えを体系化しました。「絵物語を作るということは、自分が熟練の職人であるかのように振る舞い、素材からあらゆる可能性を引き出すこと、しばしば底辺まで引き出すことを意味するものではありません。それは、鉛筆で自然に軽薄な風刺画を描くことだけを意味するものでもありません。また、単にことわざを劇化したり、駄洒落をイラスト化したりすることでもありません。実際には、何らかの劇を考案しなければなりません。そこでは、各部分が計画的に配置され、満足のいく全体を形成します。単にジョークを書いたり、二行連句に繰り返し句を入れたりするだけではありません。良いか悪いか、真面目か馬鹿げているか、狂っているか、意味が通じているか分からないか、本を作るのです。」^{[ 16 ] [ 17 ] [ 18 ]}

1845年、新聞や雑誌に定期的に掲載されていた風刺画は「漫画」という名前を得た。（美術では、漫画とは上塗りするための鉛筆または木炭のスケッチのことである。）1841年に創刊されたイギリスの雑誌『パンチ』は、当時の議会が漫画、つまり下絵の展覧会を企画していたことを風刺的に指して、その「ユーモラスな鉛筆画」を漫画と呼んだ。この用法は一般的になり、今日まで続いている。 ^{[ 19 ]}ヨーロッパ大陸では、 『フリーゲンデ・ブレッター』や『ル・シャリヴァリ』といった漫画を掲載した同様の雑誌があり、アメリカでは『ジャッジ』や『パック』が人気だった。^{[ 20 ]}

1865年、ヴィルヘルム・ブッシュによる『マックスとモーリッツ』がドイツの新聞に掲載された。ブッシュは連続漫画の慣習を洗練させ、彼の作品はこの形式において重要な影響を与えた。ルドルフ・ダークスはこの漫画に触発され、 1897年に『カッツェンジャマー・キッズ』を創作した。 ^{[ 21 ]}

1920年代と1930年代には、この業界でさらなるブームが見られた。イギリスの漫画アンソロジー市場は、ダンディやビーノといった子供向けユーモアで子供をターゲットにするようになった。1929年、エルジェはベルギー市場向けの漫画付録「ル・プティ・ヴァンティエーム」のためにタンタンの冒険を新聞連載漫画として制作した。これは製本された漫画アルバムとして成功裏にまとめられ、同様の作品の市場を創出した。同じ時期にアメリカでは、新聞漫画の題材がユーモアを超えて拡大し、アクションアドベンチャーやミステリーの漫画が連載開始された。こうした作品の収集も始まり、1929年にはタブロイド判で新聞漫画の再録集「ザ・ファニーズ」が出版された。

こうしたコミックブックの市場はすぐに現れた。最初の近代的なアメリカンスタイルのコミックブックである『Famous Funnies: A Carnival of Comics』（新聞連載漫画の再録集でもある）は1933年に米国で発売され^{[ 29 ]}、1938年までには出版社は新しい形式でオリジナル作品を印刷するようになった。この時点で『Action Comics #1』が創刊され、表紙にはスーパーマンが描かれた。このキャラクターの人気により、スーパーヒーローコミックはアメリカンコミックの代表的なジャンルとして急速に定着した。このジャンルは1950年代に人気を失ったが、1960年代から20世紀後半にかけて再びその地位を確立した。

イラストレーションの長い伝統を持つ日本では、漫画が絶大な人気を博しました。マンガと呼ばれるこの日本の形式は、第二次世界大戦後に手塚治虫によって確立されました。手塚治虫は作品のページ数を数百ページにまで増やし、当時のディズニーアニメーションに強く影響を受けた映画的なスタイルを開発しました。日本の市場は、児童向けファンタジーからロマンス、大人向けファンタジーまで、多くのジャンルの作品を網羅するまでに拡大しました。日本のマンガは通常、数百ページにも及ぶ大判のアンソロジーとして出版され、その物語は長年にわたりアニメーション映画の原作として利用されてきました。日本では、こうした映画はアニメと呼ばれ、多くのクリエイターが両方の形式で同時に活動しているため、この2つの形式は本質的に結びついています。

20世紀後半、コミックはコレクターの間で非常に人気のあるアイテムとなり、1970年代以降、アメリカのコミック出版社は積極的に収集を奨励し、コミックの出版と制作の大部分をコレクター層に直接アピールする方向へと転換させた。

現代では、コミックという言葉が、ジャンルを表す形容詞と、媒体全体を指す名詞という二重の意味で使われているため、混乱を招き、誤解を招くとして批判されている。1960年代と1970年代には、アンダーグラウンドの漫画家たちは、主流の新聞連載漫画や児童向けコミックブックと区別するために、 comixという綴りを使っていた。彼らの作品は大人向けに書かれていたが、通常はコメディだったので、「コミック」というラベルは依然として適切だった。グラフィックノベルという用語は、少なくとも20年以上前に造語されていたが、この混乱から作品を切り離すために、1970年代後半に普及した。^{[ 30 ]}

1980年代には、アメリカでコミック研究が花開き始め、^{[ 31 ]}コミックの人気が再燃し、アラン・ムーアやフランク・ミラーが著名なスーパーヒーロー作品を生み出し、ビル・ワタソンの『カルビンとホッブス』やゲイリー・ラーソンの『ザ・ファー・サイド』がシンジケート配信されるようになった。

ウェブコミックは1990年代半ばから人気が高まっています。ワールドワイドウェブの登場以来、アーティストは低コストでインターネット上でコミックを自主出版できるようになりました。KeenspotやModern Talesなど、ウェブコミック専用に設計されたホスティングプロバイダーは、ウェブコミックのシンジケーションの一種を可能にしています。スコット・マクラウドは2000年に、オンラインコミックのクリエイターがデジタル空間を受け入れ、無限キャンバスなどの技術を利用することで、メディアに革命を起こすことができると述べています。2000年代初頭には、イーグル賞やアイズナー賞などの権威あるコミック賞がデジタルコミックのカテゴリーを追加し始めたため、ウェブコミックはより普及しました。^{[ 32 ]}

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