ジョン・ハブリー

ジョン・ハブリー
1941年のハブリー
生まれる	ジョン・カーカム・ハブリー ( 1914-05-21 )1914年5月21日 マリネット、ウィスコンシン州、米国
死亡	1977年2月21日(1977-02-21)（62歳） 米国コネチカット州ニューヘイブン
教育	アートセンター・カレッジ・オブ・デザイン
職業	アニメ映画 監督
活動年数	1936–1977
雇用主	ウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオ（1936–1941） スクリーン・ジェムズ（1941–1943） UPA（1944–1953） ストーリーボード社/ハブリー・スタジオ（1953–1977）
配偶者たち	クラウディア・シーウェル ​ ​ （ 1941年結婚 、 1954年離婚）  フェイス・ハブリー ​ （ 1955年生まれ）
子供たち	エミリー・ハブリーとジョージア・ハブリーを含む6人
親族	キャスリーン・カーカム（叔母）
軍歴
忠誠	アメリカ合衆国
サービス/ 支店	アメリカ陸軍 陸軍航空隊 第一映画ユニット
勤続年数	1942–1946
ランク	プライベート
ユニット	第18空軍基地部隊
戦闘/戦争	第二次世界大戦

ジョン・カークハム・ハブリー（1914年5月21日 - 1977年2月21日）は、アメリカ合衆国のアニメ 映画監督、美術監督、プロデューサー、脚本家であり、ユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ（UPA）^[1]や自身の独立スタジオであるストーリーボード社（後にハブリー・スタジオに改名）^{[2]での仕事で知られている。}アメリカアニメ業界の先駆者であり革新者であるハブリーは、ウォルト・ディズニー・カンパニーやワーナー・ブラザース・アニメーションのような同時代の企業が制作していたものよりも、視覚的にも感情的にも複雑な映画を推進した。^[3]彼と1953年以降一緒に仕事をした2番目の妻フェイス・ハブリー（旧姓チェストマン）は、アカデミー賞に7回ノミネートされ、3回受賞した。^[4]

ハブリーは1914年にウィスコンシン州マリネットで生まれ、母親と母方の祖父がともにプロの画家だったことから、幼いころから芸術に興味を持っていた。^[5]高校卒業後、ハブリーはアートセンター・カレッジ・オブ・デザインに入学し絵画を学んだ。3年間の授業を受けた後、22歳でウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオに就職した。^[6]彼の才能はスタジオに認められ、『ファンタジア』でアニメーション監督の地位を与えられたものの、ハブリーはスタジオの保守的なアニメーションスタイルに制約を感じていた。1941年にディズニーのアニメーターのストライキ中にハブリーはディズニーを離れ、ファースト・モーション・ピクチャーズ・ユニットに加わり、後に多くのユニットの仲間のアーティストたちを追って新設されたインダストリアル・ポスター・サービス（のちにユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカに改名）に移った。ハブリーはUPAで多くの役職を務め、アカデミー賞にノミネートされた短編アニメを数本監督した。最も有名なのは、彼が共同で創作したキャラクター 「ミスター・マグー」のデビュー作『ラグタイム・ベア』（1949年）の監督を務めたことです。

1952年、ハブリーは共産主義を非難することを拒否したためUPAを去ることを余儀なくされ、最終的に下院非米活動委員会による調査を受けることとなった。彼はすぐにテレビ広告という新しい市場向けの商業作品を活用するために独立スタジオを開設し、^[7]ヒットした「I Want My Maypo!」のスポットを監督した。1954年、彼はソロモン・R・グッゲンハイム美術館から短編アニメ映画の制作を依頼され、美術館が資金提供した初の短編映画となった。^[8]

ハブリー（妻のフェイスと並んで）は、アメリカの独立系アニメーションで最も重要な人物であり、アニメーションの歴史でも最も重要な人物の一人とみなされることが多い。ハブリー夫妻の映画『ムーンバード』 （1959年）は、独立系映画として初めてア​​カデミー賞短編アニメーション賞を受賞した。ハブリーは、ディジー・ガレスピー、ベニー・カーター、クインシー・ジョーンズなどのジャズミュージシャンとコラボレーションし、脚本のない即興のセリフを映画で頻繁に使用し、アニメーションという媒体を通じて感情や感覚を表現するまったく新しい方法を生み出した。彼の映画は、戦後の映画におけるモダニズムの進化において重要なものと考えられている。^[9] 映画芸術科学アカデミーは、ハブリー夫妻の映画が「体制に抵抗し、独立系アニメーション制作の時代を定義した」と主張している。^[10]

ハブリーは1914年5月21日、ウィスコンシン州マリネットの11番街1212番地（現在のショアドライブ）で生まれた。^{[11]父のジョン・レイモンド・ハブリーはマリネットの}伐採会社ジョン・B・グッドマン社^{[12] [13]}の秘書で、母のベレーナ・カークハム・ハブリーは主婦だった。ベレーナの母方の祖父ジェイコブ・ライゼンはミシガン州メノミニーのライゼン＆ヘネス醸造会社の創設者の一人だった。^{[14] [15]}ライゼン＝カークハム家は経済的に安定しており、両親はベレーナをシカゴ美術館に送り、彼女は1907年から1909年までそこで絵画を学んだ。ベレーナの父リチャード・アーチボルド・カークハムも画家で^[16]、メノミニーで最も初期の写真家の一人でした。^[17]

ハブリーは幼いころ、母親と母方の祖父から芸術家になるよう勧められた。1974年のインタビューで、ハブリーは「子供の頃は祖父をよく見ていました...高校を卒業したらすぐに美術学校に行くことが決まっていました」と述べている。^{[5] : 1}

1921年、ジョン・レイモンド・ハブリーは従兄弟のロレン・O・ロベックとパートナーを組み、マリネットのホール・アベニュー1919番地にフォードのディーラー、ロベック・アンド・ハブリーを開業した。 ^[18]この事業はさほど成功せず^[19]、1928年に閉鎖され、ハブリー一家はマリネットを離れ、ミシガン州アイアン・マウンテンに転居した。ハブリーは1929年から1932年までアイアン・マウンテン高校に通った。 ^{[20] [21] [22] [23]}学生時代、ハブリーは討論会、^[24]演劇、 [ ^25]アカペラ、^[26]バスケットボール、^{[27] Hi-Y（} YMCAに所属する男性のみのグループ）、^[28]数学クラブなど、幅広い課外活動に参加した。^[29]ハブリーは学校の新聞「ザ・マウンテニア」にも寄稿し、1930年から1932年にかけては学校の年鑑「アルゴノート」のイラストを手掛けた。高校在学中、ハブリーはアイアンマウンテンで銀行の出納係として働いていた。^[30]

1933年の秋、ハブリーは絵画を学ぶためにカリフォルニア州ロサンゼルスのアートセンター・カレッジ・オブ・デザインに入学した。 ^[31]自活できなかったハブリーは、映画界でのキャリアのためにロサンゼルスに引っ越してきた叔母のキャスリーン・カーカム・ウッドラフと一緒に暮らしていた。彼女の夫ハリー・ウッドラフは、ミスター・マグーというキャラクターのモデルとなった。^[32]ハブリーが大学に通っていた頃、新しく設立されたウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオは、地元の美術学校で才能ある人材を探していた。ハブリーの絵画の才能がスタジオの目に留まり、背景およびレイアウトアーティストとして採用された。^{[5] : 1–2}

ハブリーは1936年1月1日にウォルト・ディズニー・プロダクションで働き始めた。^[6]彼は『白雪姫と七人の小人』（1937年）の見習いとして、背景のトレースやアニメーター向けの背景やレイアウトの描画を担当した。彼はすぐに『ピノキオ』（1940年）の美術監督に昇進した。

1939年2月25日、建築家フランク・ロイド・ライトが、イヴァン・イワノフ＝ヴァーノ監督のロシアのアニメ映画『皇帝デュランダイの物語』 （1934年）のコピーを持ってスタジオを訪れた。ライトはこの映画をディズニーのスタッフに見せたが、その中にはハブリーもいた 。 ^[33]ハブリーはこの映画の様式化された映像とアニメーションに大きなインスピレーションを受けた。^[34]

ハブリーは、ファンタジア（1940年）の「春の祭典」の部分を監督する3人の監督の1人（ディック・ケルシー、マクラーレン・スチュワートと共に）に選ばれた。具体的には、地球の創造の溶融​​段階から冷却して緑になる部分までを監督した。ハブリーは映画の不正確さに憤慨し、「爬虫類の絶滅に関しては科学的に正確ではない。爬虫類は氷河期に凍りついた可能性が高い。しかしディズニーは氷河期を望んでいなかった。砂漠のシーンを望んでいたのだ」と述べた。^{[5] : 1}ハブリーはまた、「魔法使いの弟子」のシーンの背景もいくつか描いた。この同じ年、ハブリーはウッドラフ家の家を出て、ロサンゼルスのロンダ・ビスタ・プレイス3827番地にある自分の家に移った。ハブリーはここで、ディズニー・スタジオの同僚アーティストで俳優のジョン・マクレイシュと暮らした。^[35]

1941年の春、ディズニー・スタジオの従業員は給与格差と組合結成を阻むスタジオに不満を抱いていた。^[36]ハブリーと妻のクラウディアは2人とも1941年のディズニー・アニメーターのストライキに参加し、^[37]ジョンはストライキを記録するために何十枚もの写真を撮った。ハブリーはスタジオで高給取りの従業員の1人で、週給67ドル50セント^{[1] : 17}（2023年の価値で1,367ドル04セントに相当）だったが、組合結成を支持してストライキを行うことを決意した。ハブリーの友人アート・バビットが組織したストライキにより、ハブリーとストライキ参加者のビル・リトルジョン、ハーブ・クリン、スティーブン・ボスストウ、ジュールス・エンゲルといった関係が強化され、彼らは後にUPAやハブリー・スタジオでハブリーと共に働くことになる。 1941年8月10日、ストライキの終結時にスタジオから解雇された256人の従業員のうちの2人がジョンとクラウディアだった。^{[1] : 22}

ディズニー・スタジオを解雇された後、ハブリーはデイブ・フライシャーの下でコロンビアの スクリーン・ジェムズで短期間働いた。ハブリーはフライシャーを「世界有数の知的軽薄」の一人と呼んだ。^[38]ハブリーはスクリーン・ジェムズでの仕事が気に入らなかったが、従業員から距離を置いていたフライシャーのおかげで、ハブリーはディズニー・スタジオでは得られなかった創造の自由を得ることができた。1942年11月23日、ハブリーはアメリカ軍に入隊し、空軍の独立系映画製作部隊である第1映画部隊に配属された。[ ^{39 ]}ここで、ハブリーは飛行安全と銃器装備に関するアニメーション訓練映画を監督した。クレジットされていないが、『オールド・ブラックアウト・ジョー』（1942年）はハブリーが初めて監督した作品だった。^[41]空軍にいた頃はのんびりとした日々で、「毎晩家に帰ることができた」彼は「半分の時間は（ギャグを）描いて回し読みしていた」。^[38]空軍は映画の美的見た目や雰囲気についてほとんど期待していなかったため、ハブリーと彼のチームにはほぼ完全な創造的コントロールが与えられていた。パウル・クレーのような現代芸術家の作品にますます興味を持つようになったハブリーは、映画を平坦で抽象的なビジュアルにすることを主張した。映画にはクレジットされないことが多かったため、ハブリーが第一映画部隊で何本の映画を監督したかは不明だが、「Flight Safety: Landing Accidents」（1946年）がおそらく最後の作品だろう。^[要出典]ハブリーは、米国戦争情報局が制作した アニメーション「11月の火曜日」 ^{（1945年）の制作者としてクレジットされている。 [42]}

1943年、ハブリーは全米自動車労働組合（UAW）から連絡を受けた。UAWは、 1944年の大統領選挙でフランクリン・D・ルーズベルトを支持する短編映画の制作をハブリーに依頼しようとしていた。^[38]ハブリーはこのプロジェクトを、新設されたインダストリアル・フィルム・アンド・ポスター・サービス（その後間もなくユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカ（UPA）と改名）に持ち込んだ。^{[1] : 49}映画「Hell-Bent for Election 」（1944年）は、ハブリーがストーリーボードを描き、チャック・ジョーンズが監督した。^{[43] [38]} UPAで、ハブリーはキャリアを通じて切望していた創造の自由を見つけた。UAWは「Hell-Bent for Election」に満足し、人種関係を題材にした映画「The Brotherhood of Man」（1946年）の制作にUPAを雇った。 ^[44]ハブリーは映画の脚本を共同執筆し、美術デザインを指揮した。ハブリーは、UAW の両映画で、 UPA の映画に完全に特有の、なめらかなライン、平らな形状、大胆な色彩といった モダニズムの美学を推し進めました。

1947年までに、ハブリーはUPAの副社長兼クリエイティブ部門の責任者に昇進した。^{[1] : 75}同年、UPAの創設者スティーブン・ボスストウはコロンビアと配給契約を結んだ。UPAはコロンビアのアニメスターである『フォックス』と『クロウ』を起用した数本の「トライアル」映画を製作することになっていた^。映画が成功すれば、コロンビアはUPAと正式な配給パートナーシップを結ぶことになっていた。ハブリーは最初の「トライアル」映画である『ロビン・フッドラム』（1948年）と『マジック・フルーク』 （1949年）の監督を任された。

ハブリーとUPAチームは『きつねとカラス』の短編映画に限界を感じ、コロンビアにオリジナルの短編映画のアイデアを持ちかけた。^{[1] : 77}ハブリーは叔父のハリー・ウッドラフに触発され、短気で攻撃的な年老いた頑固者というアイデアを提案した。「このキャラクターは叔父のハリー・ウッドラフがモデルです」^{[32] : 1}と彼は後に述べている。ハブリーと脚本家のミラード・カウフマンは、カリフォルニア州マリブのポイント・マグーにちなんで、このキャラクターにミスター・マグーという名前を付けた。^{[1] : 78}ハブリーはしばしばミスター・マグーの単独制作者とされているが、このキャラクターはカウフマンとの共同作業であり、マグーは部分的に自分の叔父をモデルにしていた。^[45]

ハブリーとUPA創設者のザカリー・シュワルツは、1946年のFilm Quarterly誌でUPAの意図を明確にした。ハブリーとシュワルツは、「映画業界の職人アニメーターが自分たちのメディアを分析し、再評価することが必要になった」と考えていた。^[46]ハブリーとシュワルツは、第1映画部隊でトレーニング映画を制作していた共通の経験、特にアニメーションが教育ツールとしてどのように使用されていたかに影響を受けていた。2人は、戦前は「教育映画におけるアニメーションの使用は、際立って未発達だった」 ^{[46] : 360 と考えていた。ハブリーとシュワルツは、「コミュニケーション手段としてのアニメーション映画の重要性」 [46] : 363}を理解し、「線、形、色、記号」で「アイデアの本質を表現」できる映画を制作することを目指した。^{[46] : 363}

ハブリーは、セオドア・ガイゼル脚本、ロバート・キャノン監督の『ジェラルド・マクボインボイン』（1950年）の監督を務めた。この映画はUPAに初のアカデミー賞短編アニメ賞をもたらし、レイアウト・アーティストのビル・ハーツはハブリーを「痛く」、「本当にショックを受けた」と語った。^{[1] : 91}スタジオのためにアカデミー賞を勝ち取ろうと決意したハブリーは、当時UPAで最も製作費がかかり野心的な映画となった『ルーティ・トゥート・トゥート^{』（1952年）を監督した。 [1] : 93}ハブリーはビル・スコットと共にこの映画の脚本を書き、フィル・ムーアを雇って音楽を作曲した。アート・バビットの勧めで、ハブリーはダンサーのオルガ・ルニックを雇って映画のダンス要素の振り付けを依頼し、映画のアニメーションの多くはベティ・ブープの作者グリム・ナトウィックが担当した。^{[1] : 96}殺人、セックス、暴力、嫉妬、不貞といったこの映画の暗いテーマは「アニメーションの画期的な瞬間」でした。^[47]この映画はアカデミー賞にノミネートされましたが、^[48] 『ネズミケティアーズ』に敗れました。同年、ハブリーはアーヴィング・ライスの『四つのポスター』（1952年）のアニメーション部分も監督しました。^[49]

1951年9月、UPAのレイアウトアーティストであるバーニス・フルーリーは、下院非米活動委員会で、ハブリーを含む数人のUPAアーティストが映画を通じて共産主義を宣伝していると証言した。 ^[50]これに対して、翌年4月、コロンビアはUPAに、ハブリーを含む共産主義者の疑いのある従業員8名のリストを送付した。コロンビアはUPAとの配給契約を打ち切ると脅し、名前の挙がった従業員に自白するかUPAを去るかを迫った。^{[1] : 129}ハブリーは共産主義を非難することを拒否し、その後1952年5月31日にUPAから解雇された。^{[1] : 131} UPAでの勤務を振り返り、ハブリーは「規模が大きくなりすぎた。自分たちがどこにいるのか分からないうちに、私たちはますます管理に関心を持ち、創作に関心が薄れていった」と語っている。^[51]

UPAから解雇された後、ハブリーは事実上アニメーション業界からブラックリストに載せられた。 ^{[1] : 131}彼はウェストミンスターやクレフ・レコードでアル・ヒブラー、^[52] アーロン・コープランド、^[53] スリム・ガイヤール、^[54]チコ・オファリルなどのアーティストのアルバムカバーのイラストの仕事を見つけた。^{[55] [56]これらのカバーは、ハブリーの芸術が}抽象表現主義やモダニズムへとさらに進歩し、パブロ・ピカソから大きな影響を受けていることを示していた。

ハリウッドでまだ「潜入」していたハブリーは、1953年にストーリーボード社（ストーリーボードスタジオまたは単にストーリーボードと呼ばれることもある）を設立した。^{[1] : 131}テレビの仕事はクレジットされずに需要が高かったため、ハブリーはすぐにハインツ、^[57] バンク・オブ・アメリカ、^[58] EZポップなどの会社のアニメコマーシャルの監督の仕事を見つけた。^{[59] [60]}多くのクライアントが迅速な対応を求めていたため、ハブリーの限定アニメーションと大胆なグラフィックに対する高度に様式化されたアプローチは実用的で人気を博した。これらの初期のコマーシャルで、ハブリーは再びビル・リトルジョン、エメリー・ホーキンス、ロブ・スクリブナーなどのアニメーターと協力した。また1953年、ハブリーとプロデューサーのマイケル・ショアはミュージカル「フィニアンの虹」のアニメ化の開発を開始した。^{[61] [62]}ショアはハブリーに監督を依頼し、ハブリーは「UPAの映画よりもさらに視覚芸術を発展させる」ことに意欲的だった。^[62]ショアは、このミュージカルの強い人種的テーマのためにスタジオの興味を引くのに苦労したが、最終的には資金を確保し、米国配給会社（DCA）との配給契約を結んだ。フランク・シナトラとエラ・フィッツジェラルドがこの映画の契約を交わし、これが彼らの唯一の共同制作となった。 1954年末までに、映画の台詞と音楽はすべて録音され、ハブリーはリトルジョン、バビット、レス・ゴールドマンなど過去の共同制作者から大規模なチームを編成した。後にハブリーの2番目の妻となるフェイス・エリオット（旧姓チェストマン）は、この映画の脚本スーパーバイザーを務めた。 ハブリーはこのプロジェクトに非常に乗り気だったが、彼の「のんびりとした態度」は「あまり規律正しくなく、一緒に仕事をするのが難しかった」。^[62]ミュージカルの脚本家バートン・レーンおよびイップ・ハーバーグ（ブラックリストの被害者の一人）はハブリーを厳しく監視し、映画の音楽の方向性とハブリーのビジュアルをめぐってすぐに緊張が高まった。^[62]また、DCAと映画のスタッフの間でも問題が発生した。スタッフは国際舞台従業員組合（IATSE）ではなく映画漫画家組合（SCG）のメンバーだった。DCAは、スタッフの多くがIATSEではないため、映画が劇場で上映されないのではないかと懸念した。その後まもなく、DCA会長フレッド・J・シュワルツはIATSE代表ロイ・ブリューワーから電話を受け、DCAとの協力を拒否したハブリーを解雇した。HUAC。HUAC での証言を依然として拒否したハブリーは、DCA の親会社にこの映画への資金提供を停止させました。シュワルツはRKOに働きかけてこの映画を救おうとしましたが、無駄でした。^[62]映画は 1955 年にキャンセルされ、スタジオ全体の内容物が押収されました。^{[1] : 132}

1955年、フィニアンズ・レインボーの倒産後、ハブリーはストーリーボード社をニューヨークに移し、^[63]すぐに2番目の妻フェイス・ハブリー（旧姓チェストマン）と結婚した。フェイス自身も十二人の怒れる男（ 1957年）などの映画の編集者および脚本監督を務めたが、^{[63] 5}夫妻はその後のすべての映画で密接に協力した。1954年の終わりごろ、ハブリーとソロモン・R・グッゲンハイム美術館の館長ジェームズ・J・スウィーニーは、美術館がハブリーに映画を依頼することについて話し合い始めた。^[64]ハブリーとスウィーニーは、現代芸術作品としても機能し、「遊び」の重要性と「耳による知的な喜びではなく、目で絵に近づく感覚的な喜び」を伝える映画を作ろうと決意した。^[65]結果として生まれた映画『*の冒険』 ^[1] (1957) は、ハブリーがUPAを去った後に監督した最初の短編映画であり、美術館から委託された最初のアニメーション映画でもあった。^[66]映画のビジュアルは、グッゲンハイム美術館の近代美術コレクションと、ハブリーの「[アニメーション]を、硬直したセル画のアニメーションから、ディズニーやUPAのスタイルよりも、美術史に結びついた質感のある繊細な新しいスタイルに変えたい」という願望に大きく影響を受けた。^[67] ベニー・カーターが映画の音楽を作曲し、ライオネル・ハンプトンのビブラフォンも使用した。この映画は、1957年のヴェネツィア映画祭の特別賞や1958年のモンテビデオ映画祭のグランプリなど、いくつかの賞を受賞した。^[68] 1957年、ハブリーは広告会社フレッチャー、リチャーズ、カルキンズ&ホールデンにも雇われ、大ヒットしたコマーシャル「I Want My Maypo!」の監督を務めた。ハブリーはキャリアで初めて、このコマーシャルで自分の子供の一人、義理の息子マークの声を使った。^{[63] : 10}このコマーシャルはメイポの売り上げを急上昇させ、「マーキー・メイポ」（義理の息子にちなんで名付けられた）というキャラクターがシリアルのマスコットになった。^{[63] : 10}このコマーシャルは、子供向けの商品を販売するためにアニメーションを使用するトレンドの始まりとも言われており、「娯楽と販売を区別する子供のまだ完全には発達していない能力を利用した」。^[69]この頃、ハブリーは共通の友人ポール・ロブソンを通じてミュージシャンのディジー・ギレスピーと出会い、^[70]ハブリー兄弟はすぐにギレスピーと最初の映画を制作した。ディジーとのデート（1956年）。この映画には、ハブリーがストーリーボード社ですでに制作していた広告の多くが含まれ^{[71] 、当時無名だった}ROブレヒマンによるオリジナルの部分も含まれていた^[72]。

メイポのスポット広告の成功に続いて、ジョンとフェイスは短編映画の製作に目を向けた。次の映画『ハーレム・ウェンズデー』（1957年）は、ジョンとフェイスが初めて画面上で並んでクレジットされた作品となった（ただし、フェイスはフェイス・エリオットとしてクレジットされている）。グレゴリオ・プレストピーノの絵画^[73]とカーターの音楽^[74]を組み合わせた実験的なモンタージュ作品であるこの映画は、アニメーションを現代アートへと押し上げたいというハブリー兄弟の願望をさらに探求したものだった。次の映画『テンダー・ゲーム』 （1958年）には、フィニアンの虹からフィッツジェラルドの未使用の曲が使われた[ ^62]。ハブリーは、独特の外観と立体感を与えるために、この映画で多重露光効果を試した^[ 56]。マーク・ハブリーは後に「この映画はいつも私を魅了した... [ジョンとフェイス] のラブレターのようで、登場人物は... ママとパパのように見える」と語っている^[56] 。この映画は、ヴェネツィア映画祭とモンテビデオ映画祭の両方でグランプリを受賞した。^{[68]ハブリーは}ジム・バッカスと以前に仕事をした『ミスター・マグー』シリーズに触発され、スタジオでバッカスに即興のセリフを言うように促し、即興のセリフを中心とした映画を実験した。1958年、ハブリーは息子のマーク（6歳）とレイ（3歳）が「ムーンバード」を探すゲームをしているのを録音した。ムーンバードとは、家族が最近窓を開けっぱなしにして失くしたペットの鳥のことである。^[56]フェイスは会話を編集して物語にし、ジョンはエド・スミスと元UPAディレクターのロバート・キャノンにアニメーション制作を依頼した。その結果生まれた映画「ムーンバード」（1959年）は、アニメ映画で実際の子供の声を使った最も初期の例の1つとなった。^[75] 「ムーンバード」は1960年にアカデミー短編アニメ賞を受賞し、この部門で受賞した初の独立系映画となった。^[76] 『ムーンバード』の成功は、国連児童基金（ユニセフ）の映画担当官スーザン・バーネットの目に留まり、彼女はハブリー夫妻にユニセフのための映画製作を依頼した。^[77]ハブリーは初めて、彼とフェイスの子供たち全員の声を使用したが、彼らの声のほとんどは幼い娘エミリーとジョージアのゴロゴロとつぶやく声である。映画『太陽の子供たち』（1960年）は、「飢餓が世界の子供たちにどのような影響を与えるか」を扱った。^{[68] [63] : 10}

ハブリーはアルバート・アインシュタインの相対性理論についての映画を作りたいと考え、1959年にハーロウ・シャプレーの『星々と人間』（1959年）を読んでインスピレーションを得た。 ^[78]シャプレーの人類の宇宙における位置を理解しようとする試みに興味をそそられたハブリーは、本のテーマをアニメ映画に採用するというアイデアをシャプレーに手紙で伝えた。単に脚本を書いてシャプレーの承認を得るのではなく、ハブリーとシャプレーは映画のほぼすべての側面で密接に協力することを選び、ハブリーはシャプレーに映画の構成の詳細な概要を送り^[79]、ニューハンプシャー州ピーターボロにあるシャプレーの自宅を頻繁に訪れて彼に会った。^{[80] [81]}この時期にハブリーとシャプレーは親しい友人になり、その結果、『星々と人間』（1962年）が誕生した。この映画は非常に緩い物語形式で、主にシャプレーのナレーションに頼っている。ハブリーの子供たちは再び映画に登場し、彼らの即興の会話は再びムーンバードと同じように提示される。映画のプレゼンテーションの性質上、ハブリー兄弟、観客、配給会社は同様に、この映画をドキュメンタリーとして分類できるかどうか確信が持てなかった。1961年のサンフランシスコ国際映画祭で、この映画は最優秀ドキュメンタリー賞を受賞し、ベネチア映画祭では（ハブリーの映画は以前、アニメーション部門の一部として上映されていた）、この映画は実写映画と並んで長編部門に置かれた。作家のシビル・デルゴーディオは、この映画をアニメーションドキュメンタリーの最も初期の例の1つとして挙げている。^{[78] : 193}映画は1962年に早くも映画祭で上映されたが、ハブリー兄弟は映画の改訂を続け、コロンビア^[82]とショウ・コーポレーションの両社に配給を依頼した。 1964年にFilms, Inc.によって一般公開された。^[68]

『星と人々』の製作を巡って、ハブリー兄弟は再びギレスピーと共同で『穴』（1962年）を製作した。ギレスピーと俳優のジョージ・マシューズは、 2人の建設作業員が人生と核戦争について話し合う会話を即興で演じた。この映画は、キューバ危機の最中に製作されていたため、冷戦に対するアメリカの不安を反映していた。^[56]この映画でハブリー兄弟は2度目のアカデミー短編アニメ賞を受賞し、ジョンとフェイスの2人は初めてアカデミー賞にノミネートされた。^[83] 『穴』を受けて、ワールド・ロー・ファウンデーション^[68]はハブリー兄弟に『帽子』（1964年）の製作を依頼した。^{[84]これは}『穴』の精神的後継作のようなもので、ギレスピーとダドリー・ムーアが兵士役で戦争の道徳について議論する即興の会話を中心にしている。 『帽子』はワールド・ロー・ファウンデーションの「芸術とメディア」を通じて「より幅広い観客に届ける」という取り組みから生まれた。『穴』と『帽子』はどちらも、 『星と人の冒険』や『星と人の冒険』の抽象表現主義よりも現実的な視覚スタイルを使用しており、暴力、核戦争、核の不安、死などのより深刻なテーマを扱っている。『帽子』はマグロウヒル社が配給したハブリー兄弟の唯一の映画であり、^[68]映画から取られたイラストが入った本としても出版された。^[85]カーターは、モントリオール万博1967のために制作された、都市のスプロール化が環境に与える影響をユーモラスに検証した映画、『アーバニッシモ』（1966年）でも再びハブリー兄弟とコラボレーションした。[86] ジャズミュージシャンのハーブ・アルパートの音楽を解釈した映画、『^ハーブ・アルパートとティファナ・ブラス・ダブル・フィーチャー^』[2ジョンとフェイスは、この短編映画で3度目のアカデミー賞を受賞し^{[87] [88] [89] 、この映画は今日では}ミュージックビデオの初期の原型とみなされている。^{[90]この映画は}パラマウント によって配給され、1952年にハブリーがブラックリスト入りして以来、ハブリーと大手ハリウッドスタジオとの初のコラボレーションとなった。

ハブリーは1962年にハーバード大学で映画製作を教え始め、ハーバード大学ビジュアルアーツセンターで初のアニメーション教師となった。 [ ^{91]ハブリーは}エドウィン・アボットの1884年の中編小説『フラットランド』の脚本を書き、学生たちやダドリー・ムーア、ビヨンド・ザ・フリンジのメンバー数名と共同制作した。その結果生まれた映画『フラットランド』 （1965年）はエリック・マーティンが監督した。^[91] 1964年には早くも映画監督のジョセフ・ケーニッヒがカナダ国立映画制作庁（NFB）に投票の重要性を説明する映画を提案した。^[92]ハブリーはNFBのこの映画の監督に選ばれ^{[93] 、最終的に}『クルーズ』（1967年）となった。この映画は学校での教育ツールとして企画されたが、ハブリーは映画のカリキュラム作成にはほとんど関わっていなかった。ハブリーの教育への関与は1970年代まで続き、彼とフェイスはイェール大学でアニメーションと「抽象的テーマの視覚化」を教える映画教授となった。^[94]

ハブリー夫妻は1960年代の残りの期間も短編映画を一緒に作り続けた。次の映画『Windy Day』（1967年）では、娘のジョージアとエミリーの即興の会話をフィーチャーし、「子供の空想を恋愛、結婚、成長を表現するために投影したものを探った」。^[68]この映画は1968年のアカデミー賞短編アニメ映画賞にノミネートされたが、ディズニーの『くまのプーさんと大風が吹く日』に敗れた。^{[95] [96]} 民主制度研究センターは、ロバート・M・ハッチンズの喜劇を解釈した短編映画『 Zuckerkandl!』 （1968年）をハブリーに委託した。^{[97]この短編は、ハブリーのイラスト入りの}本としても出版された。^{[98] [99]ハブリーは}IBMからストーリーボード社の次の映画『人間と悪魔』（1969年）の制作を再び依頼され、日本の大阪で開催された万博のために制作された。この映画により、ジョンとフェイスは5度目のアカデミー賞短編アニメ映画賞にノミネートされた。^{[100] [101]}

1970年、ハブリーの15作目の独立監督作品となる『エッグス』（1970年）が公開された。 ^[102]ジョンとフェイスは初めてミュージシャンのクインシー・ジョーンズとコラボレーションし、ジョーンズは映画の音楽を作曲・演奏した。映画は豊穣と死をテーマにしており、ハブリーはミュージシャンを声優としてコラボレーションするという流れを継続しており、歌手のアニタ・エリスとグレイディ・テイトが声優を務め、俳優のデイビッド・バーンズも声を担当した。この映画はティッサ・デイビッドによって完全にアニメートされた。[ ^103]デイビッドはハブリー兄弟が最近雇った人で、長編アニメ映画『ボンジュール・パリ！』（1953年）を監督した史上2人目の女性として最もよく知られている。^{[104]この頃、ストーリーボード社はハブリー・スタジオ社（ザ・ハブリー・スタジオまたはハブリー・スタジオと呼ばれることもある）に改名され、}ブラックリストの影響が薄れていくにつれハブリーが自分の名前を使うことに自信を深めていることを示していた。

スタジオの映画が批評家から絶賛されていたにもかかわらず、ハブリーは依然として財政的に苦しんでいた。「短編映画は必然的に財政的に失敗に終わるようだ。なぜなら、利益を得るのは配給会社だけだからだ。例えば『ムーンバード』でさえ、少なくとも製作費（約2万5千ドル）と同額の収益を上げているが、ストーリーボード社に渡ったのは収益の3分の1に過ぎない」^[105]と、ハーバード・クリムゾン紙の1964年のプロフィールは述べている。1970年代初頭までに、ジョンとフェイスは短編映画の資金を調達するためにもっと商業的な仕事を引き受ける必要があると悟り、ニューヨークを拠点とする『エレクトリック・カンパニー』や『セサミストリート』などの子供向けバラエティ番組にアニメのセグメントを提供し始めた。特筆すべきは、1969年11月10日のセサミストリート第1話でハブリーが「レターE」のセグメントを監督したことである。^[106]ハブリーは1969年から1977年の間にこの番組の30以上のアニメセグメントを監督した。 ^{[107]彼の最も顕著な貢献は}エレクトリック・カンパニーで、ハブリーは1972年から1977年まで「レターマンの冒険」セグメントを監督した。 ^[108]ジョーン・リヴァース、ジーン・ワイルダー、ゼロ・モステルが出演した。^[109]セサミストリートとエレクトリック・カンパニーの両方で、ハブリーは再びクインシー・ジョーンズやディジー・ガレスピーなどのアーティストと声優や音楽でコラボレーションした。スタジオの新しい仕事量に対処するために、ハブリーはティッサ・デイヴィッドやマイケル・スポーンを含む数人の新しいアーティストを雇った。^[110]

セサミストリートやエレクトリック・カンパニーのアニメ作品に携わる一方で、ハブリーはテレビの仕事でより認知されるようになった（1950年代後半以来テレビコマーシャルを作っていなかったため）。CBSはハブリー兄弟に、同局の地質学に関する教育番組の制作を打診した。^{[68]ハブリーは地質学者}ブルース・ヒーゼン の協力を得て映画のリサーチを行った。^[111]元々のタイトルは「What's Under My Foot?」だったが、^[112] ディグ（1972年）は1972年4月8日にCBSで初公開された。^[113]映画の音楽はジョーンズが作曲し、ジャック・ウォーデンとハブリーの息子レイが出演した。翌年、この映画はジョンとフェイスの共著で書籍化された。^[114] 『The Hole』と『The Hat』が姉妹作品であったのと同じように、ハブリーの次の映画『Cockaboody』 （1973年）は『Windy Day』（1967年）の姉妹作品であった。ハブリーは再び娘のジョージアとエミリーの会話を録音し、アニメーションで生き生きと表現した。^[115] 『ウィンディ・デイ』とは異なり、ジョンとフェイスはイェール大学のアニメーションクラスの学生と協力してこの映画を制作した。『コッカブーディ』はイェール大学のハブリーの学生やイェール児童研究センターと共同で制作された。イェール大学での『コッカブーディ』の制作過程はハワード・セイヤー・ウィーバーによってドキュメンタリー『コッカブーディの探求』 （1973年）のために撮影された。 ^[116] 『コッカブーディ』はハブリーの映画で初めてハブリー・スタジオの名前が使われた作品であり、デヴィッドが単独でアニメーション制作したスタジオ2作目の映画となった。ジョンとフェイスは次の作品『Voyage to the Next』（1974年）でも再びアカデミー賞にノミネートされた。^{[117] [118] [119] [120] 『}エッグス』や『ザ・ハット』などの過去の作品のテーマを引き継いだ『ヴォヤージュ・トゥ・ザ・ネクスト』は、環境保護、ナショナリズム、戦争といったテーマに取り組んでいる。同年、ザグレブ映画祭ではジョンとフェイスのキャリアを振り返る回顧展が開催され、ジョンはその年の審査員長を務めた。^{[68] [121]皮肉なことに、ハブリーの次の作品『}ピープル・ピープル・ピープル』は、2000年に公開された『ピープル・ピープル』と『ピープル・ピープル』の2作目となる。（1975年）は、アメリカ合衆国建国200年祭委員会の委託を受けて制作された。^[68]ハブリーは、1952年にUPAから事実上追い出された政府から委託を受け、ついにブラックリストの影響から解放された。この年、ジョンとフェイスの2人はASIFAから、アニメーション業界のアーティストが受けられる最高の栄誉であるウィンザー・マッケイ賞を受賞した。^[122]

わずか20年前にはブラックリストに載せられていた業界において、今や最も尊敬されるアーティストの一人となったハブリーは、これまでで最も野心的なプロジェクトに着手した。1973年には早くも、ジョンとフェイスはエリック・エリクソンの『 人生8段階理論』を長編アニメ映画に翻案することに興味を持っていた。『コッカブーディ』の時と同様に、ハブリー夫妻はイェール大学のフィルム・ラボラトリー・センターと共同で映画を制作することを計画した。当初、エリクソンはこのアイデアに否定的だったが^[123]、1975年までに同意し、CBSが映画の放映に興味を示した。当初、CBSとハブリーは映画を3つの30分エピソードにすることで合意していたが、制作の最後の3ヶ月間にCBSは1本の90分映画に変更した。 ^{[124] [125]ハブリーは、この映画に、}ローレンス・プレスマン、当時の恋人ラナ・サンダース、イェール大学の学生で初めての演技となるメリル・ストリープなど、ほとんどクレジットされていない、あるいは全くクレジットされていない多くの無名の俳優を選んだ。 ^[126]ハブリーの子供たちも、さまざまな人生の段階を演じて映画に登場している。『みんな回転木馬に乗る』（1976年）は、1976年9月10日に放送された。^[127] ハブリー兄弟の以前の作品と同様に、この映画は、エリクソンの人生の段階に関する俳優たちの即興の会話から構成されている。制作費が大きかったため、ハブリー・スタジオは、エリクソンの娘で、^{[38]偶然にもイェール大学でハブリー兄弟の生徒だったスー・エリクソンを含む数人の新しい従業員を雇うことになった。この映画は成功し、その年の}アメリカ映画祭でブルーリボン賞を受賞した。^[68]

ハブリーが『メリーゴーランドのうさぎたち』の製作を始めた頃、プロデューサーのマーティン・ローゼンはリチャード・アダムスの『ウォーターシップ・ダウンのうさぎたち』 （1972年）のアニメ化作品の監督としてハブリーを雇った。^[38]ハブリーはロンドンに飛び、ローゼンが映画のために開設した新しいスタジオでローゼンと会い、2人はインスピレーションを得るためにイギリスの田舎を訪れたが、プロジェクトに対するハブリーの関心はすぐに薄れた。ローゼンとハブリーは映画のストーリー展開について頻繁に意見が合わず、ローゼンはざらざらとした雰囲気を主張し、ハブリーはより明るいトーンとより抽象的なビジュアルスタイルを主張した。^[128]ハブリーは映画の独占契約を結んでいたが、すぐにローゼンは彼が密かに新作映画を企画していることを知り、ローゼンはハブリーを映画から解雇して自ら監督となった。^[129]ハブリーの作品は冒頭の「寓話」のシーンで見ることができ、^[130]ビル・リトルジョン、フィル・ダンカン、ルース・キサン、バリー・ネルソンがアニメ化を担当した。^{[131]ハブリーはしばしば}この映画の共同監督としてクレジットされているが、クレジットには彼の名前は載っていない。1976年11月、漫画家 ギャリー・トルドーがハブリーに、トルドーの『ドゥーンズベリー』のキャラクターをフィーチャーしたアニメスペシャルのアイデアを持ちかけた。ハブリーとトルドーは、1970年代初頭にハブリーの生徒だったことから既に知り合いであり、トルドーとハブリー兄弟は一緒に仕事をすることを大いに楽しんだ。^[132] 1976年、『ドゥーンズベリー』はアメリカで最も人気のある新聞漫画の一つであり、前年にピューリッツァー賞を受賞し^[133]、トルドーが時事的で物議を醸す現実世界の出来事を扱おうとした決定により全国の新聞から連載が打ち切られたことで頻繁に話題になった。^[134]以前の作品とは異なり、ジョンとフェイスはトルドーと監督とプロデューサーのクレジットを分担し、映画の脚本は厳密なものだった。 1977年2月の制作半ばでハブリーが死去し^[135] 、フェイスとトルドーが自ら映画を完成させることとなった。『ドゥーンズベリー・スペシャル』（1977年）は1977年11月27日にNBCで放送された。この映画によりハブリーは死後アカデミー賞ノミネート^{[136] [137] [138]と}カンヌ映画祭 審査員特別賞を死後に受賞し、オランダのアニメーター、ボーグ・リングの『オー、マイ・ダーリン』と同賞となった^[139]。

1941年5月30日、ハブリーはネバダ州リノでディズニーの「インクとペイントの少女たち」の一人であるクラウディア・シーウェルと結婚した。^[140]二人は新婚旅行には行かず、その代わりに前日に始まった1941年のアニメーターのストライキに参加するためにカリフォルニアに急いだ。[141] ハブリー夫妻はロサンゼルスのトルーカ・レイク地区にあるウッドブリッジ・ストリート10543番地の家に引っ越した。 [ ^{142 ]}夫妻の最初の子供であるアンは1942年に生まれた。ジョンとクラウディアはロサンゼルスのローレルウッド・ドライブ11689番地に住みながら、マークとスーザンという2人の子供をもうけた。^{[64]どちらの家も}バーバンクのUPAスタジオから車ですぐの場所にあった。^[143]

1940年代のある時、ハブリーはニューヨーク市出身の舞台監督で、コロンビアの脚本係になるためにロサンゼルスに来ていたフェイス・エリオットと出会った。^{[63] : 5}フェイスは「ジョンとはハリウッドで出会った...彼が陸軍にいた時」と回想している。^{[63] : 6} 2人は友人になり、ハブリーがUPAにいた間も友人関係が続いた。ハブリーがUPAを解雇され『フィニアンの虹』の制作に取り掛かった時、イップ・ハーバーグはエリオットをハブリーのアシスタントに任命した。^{[1] : 132}誰の証言でも、ハブリーとエリオットの関係はプラトニックなもので、エリオットは「2人とも...10年間友情をコントロールしていたし、結局のところ[ハブリー]は3人の子供がいる既婚男性だった」と語っている。^{[63] : 9}ジョンとクラウディアは1954年に離婚し、子供たちはロサンゼルスに残り、ハブリーはニューヨーク市のストーリーボード社に専念するために去りました。

ハブリーは1955年にエリオットと結婚した。フェイス・エリオットは1924年にフェイス・チェストマンとして生まれたが、WQXRのラジオアナウンサーだった最初の夫メルビン・エリオットの名前をそのまま使用した。^{[144] [145]}フェイスには1952年生まれのマークという子供が既にいた。ハブリー夫妻は結婚したとき、年に1本一緒に映画を作り、毎晩家族で夕食をとることを誓った。^[56]ハブリー夫妻はニューヨーク市アッパーウエストサイドのリバーサイドドライブ110番地に引っ越し、 ^[146]レイモンド、エミリー、ジョージアの3人の子供をさらにもうけた。ハブリーの子供たちは全員、夫妻の映画で声優を務め、マークとレイは『ムーンバード』と『ディグ』に、エミリーとジョージアは『ウィンディ・デイ』と『コッカブーディ』に出演した。4人とも『みんな回転木馬』に出演している。レイモンド・ハブリーは後に「私たちの家族には、ジョンとフェイスの関係に伴う仕事のスケジュールに関連した強制的なものがたくさんありました。テーブルを囲んで一日の出来事を話すことがあり、それは売り込み会議か何かのようでした」と回想している。^[56] ハブリーの子供たちの多くは独自の芸術的キャリアを追求し、^[147]レイモンドは映画編集者になり、^[148]エミリーはアニメーターになり、^[149]ジョージアは夫のアイラ・カプランとバンド「ヨ・ラ・テンゴ」を結成した。^[150]ジョンとフェイスのコラボレーションの性質上、彼らの映画に対する注目と功績は夫に与えられ、フェイスは職業的に軽視されることがあった。^[56]ハブリーはこれに積極的に反対し、可能な限りフェイスの貢献と彼らのコラボレーションを強調した。ハブリーが「ムーンバード」で単独でアカデミー賞を受賞した後、 ^[151]、彼とフェイスはキャリアの残りの間一緒にノミネートされた。ハブリーは死の直前の最後のインタビューで、インタビュアーのマイケル・バリアーが「私とフェイスのパートナーシップという観点から[記事を]書くのは確実だ。なぜなら、私たちの作品の始まりからグッゲンハイムまで、すべての映画は常に創造的にも他のあらゆるレベルでも非常に密接なコラボレーションだったからだ」と主張した。^[38]

ハブリーはUPAやディズニーのアニメーターの多くと親しくしており、その多くはストーリーボード社の映画で一緒に仕事をした。ハブリー夫妻はまた、1950年代に共通の友人であるポール・ロブソンを通じてミュージシャンのディジー・ガレスピーとも親しくなった。^[70]ギレスピーはストーリーボード社でアカデミー賞受賞作『ザ・ホール』など数本の映画を制作した。ギレスピーは「彼らを尊敬し、彼らの創造性に感謝していた」と語り、「素晴らしい人々で、とても温かく、とても寛大」で、「他の人には見えないものの中に私を見ているようだった」と語った。^[70]ギレスピーはハブリー家の周囲にいつもいて、マーク・ハブリーはジョンとフェイスが「よくギレスピーとパーティーを開いていた」ことを覚えており、ギレスピーはかつてレイモンドのために「逆立ちして『ハッピーバースデー』を演奏した」こともあった。^{[56]ハブリーは}ベニー・カーターやクインシー・ジョーンズとも親しかった。^{[63] : 13}

ハブリーは生涯にわたって民主党員として登録されていた。^[152] 1951年、下院非米活動委員会（HUAC）はUPAのレイアウト・アーティストであるバーニス・フルーリーの証言を聞いた。フルーリーはハブリーの映画は共産主義を推進しており、ハブリーは共産主義に共感を抱いていたと主張した。^[50] 1952年4月25日、ハブリーはHUACから正式に召喚状を受け、ロサンゼルス連邦ビルに出頭して尋問を受けた。^[153]召喚状は5月2日にハブリーの弁護士に送達された。 ^[154]ハブリーはUPAを去ったが召喚状には応じず、1953年2月2日、ハブリーは再び連邦ビルに召喚され尋問を受けた。^[155]ボイルは、ハブリーが召喚状を受け取る前の1年間に引っ越していたことを突き止めた。^[156]理由は不明だが、ハブリーは1955年5月4日までHUACに出頭するよう召喚されなかった。^[157]ハブリーはこれに応じ、1956年6月20日にHUACに出頭することとなった。^[158]ハブリーの弁護士アーサー・マクナルティは^[159] 、最初は6月28日まで、次に7月5日まで^{[161] 、}審理を2度延期した。これはハブリーがすでにニューヨーク市に転居していたためと思われる。

1956 年 7 月 5 日、ハブリーは、マクナルティを顧問として、ロサンゼルス連邦ビルの 227 号室で HUAC の前に出廷した。^{[159] : 5809}カリフォルニア州下院議員のクライド・ドイルとドナルド・L・ジャクソンが公聴会を主宰した。共産主義に共感を抱いているかと尋ねられたハブリーは、「政治の領域では、私は個人的に、委員会が私にこれらの問題について、私の意見や団体について明らかにしたり話したりするように求めるべきではないと思います。私のような人間が尋ねられるべき適切な質問ではないと思います」と答えた。^{[159] : 5811}ハブリーは、公聴会の残りの時間、憲法修正第 5 条を援用した。 ^{[159] : 5812} UPA での彼の映画が共産主義の考えを促進したかどうかと尋ねられたハブリーは、次のように答えた。

芸術については、私は多くの意見を持っています。芸術は公共の作品であり、誰でも自由に鑑賞することができます。私は自分の意見ではなく、作品に立脚しています。私の意見は変わる可能性があり、私はこれまで人生を通じて何度も意見を変えてきました。意見を変える権利があることを私は気に入っています。しかし、作品は立脚しています。私はそのことを恥じていません。誰かがそれを鑑賞したいなら、それはそこにあります。私の作品は私自身の作品であり、私自身の才能であり、私自身の意見です。^{[159] : 5814}

ハブリーはHUACから正式に起訴されることはなかったが、捜査によりその後ハリウッドから事実上ブラックリストに入れられた。彼は自分の名前を使うことを恐れて、新しいスタジオをストーリーボード社と名付けた。

UPA在籍中、ハブリーの作品はディズニー・スタジオやワーナー・ブラザース・カートゥーンの作品よりも平面的でグラフィックなものでした。ハブリーはイヴァン・イワノフ＝ヴァーノの『 デュランダイ皇帝の物語』（1934年）^{[33]に大きな影響を受けており、同作は}リミテッド・アニメーションと平面的な構成を用いて非常に様式化された世界を創り出していました。 『きつねとカラス』をフィーチャーしたハブリーの初期のUPA作品では、ディズニー・スタジオと同様のスタイルで主要キャラクターを動かしていますが、映画の背景にはヨーロッパのデザインから受けたハブリーの影響がよく表れています。『パンチー・デ・レオンは』は、歪んだ遠近法、大きな色のブロック、誇張された形状言語を用いた高度に様式化されたグラフィック背景のパンショットで始まります。ハブリーの背景の遠近法とカラスのショットの様式化のヒントは、 『ロビン・フッドラム』や『魔法のまぐれ』にも見ることができます。

UPAが1950年にコロンビアとのトライアルを終えた後、ハブリーの映画は視覚的に野心的なものとなった。『ジェラルド・マクボイン・ボイン』^{のスーパーバイザー・ディレクターとして、ハブリーはデザイナーのビル・ハーツ[162]}とカラリストの ハーブ・クリンおよびジュールス・エンゲルが提供した映画のユニークなビジュアルを監督した。『ルーティ・トゥート・トゥート』は複雑なカラーブロックを使用してストーリーを視覚的に伝え、さらに強い歪んだ遠近法と様式化された線画の背景を採用している。背景に抽象的な色のブロックを使用する『ジェラルド・マクボイン・ボイン』とは異なり、 『ルーティ・トゥート・トゥート』ではさまざまなパターンとブラシの種類を試した。^[163]映画の最後の幕はスポンジペインティングのスタイルで描かれており、ヨーロッパの抽象表現主義の芸術家からインスピレーションを得ている。背景にブラシストロークと版画を再現するというこの傾向は、ハブリーが『フォー・ポスター』で監督したアニメーション部分にまで及んだ。

独立監督デビュー作『*の冒険』で、ハブリーはパウル・クレー、ジョアン・ミロ、パブロ・ピカソといった芸術家の視覚スタイルを大いに参考にした。^{[63] : 13}映画の背景は、質感を出すためにスポンジと太い筆で描かれた。登場人物は、よりユニークで手作りのような見た目にするため、黒い紙に黄色いクレヨンで描かれた。^{[164]その後の映画では、ハブリーは、}水彩絵の具、ボールペン、布用マーカーを試し、映画に独特のビジュアルを与えた。ハブリーは、作品に応じてセル画とゼロックス法（1961年の映画『101匹わんちゃん』でアブ・アイワークスが普及させた）^[165]の両方を使用した。『コッカブーディ』では、登場人物はティッサ・デイヴィッドによって紙に描かれ、切り取られてセル画に置かれた。ハブリーは、映画をより際立たせるために、下からではなく上から絵やセルを照らすアンダーライティング^[166]を使用することを選択し、また、 『テンダー・ゲーム』^[56]の川や『回転木馬に乗るみんな』 の抽象的な色彩部分など、より複雑な要素には多重露光を使用することが多かった。

ラグタイム・ベアを監督していたとき、ハブリーは俳優のジム・バッカスにセリフを即興で作って、彼が演じるミスター・マグーのようにとりとめもなくしゃべるよう勧めた。^{[32] : 18}バッカスのユニークな声の演技によってミスター・マグーはヒットし、UPAの看板キャラクターとなった。アニメーションで即興のセリフを使うというアイデアはハブリーが考案したものではなく、デイブ・フライシャーはポパイやベティ・ブープの短編映画で俳優たちに自分のセリフを作るようよく勧めていたが、^[167]バッカスのミスター・マグー役の成功に触発されて、ハブリーは自主映画で意識の流れの即興を追求するようになった。ハブリーはこのアイデアをさらに推し進め、子供たちが一緒に遊んでいる様子を録画し、フェイスがそれを編集して物語にした後、アニメーションで彼らの会話を解釈した。 [168]ザ・^ハット、ザ・ホール、ロバート・M・ハッチンスによるコメディー作品をアニメ化した作品です。

ストーリーボード社で妻と制作したハブリーの映画の多くは、戦争や紛争の本質を描いている。『ザ・ハット』 、『ザ・ホール』、 『エッグス』、『ヴォヤージュ・トゥ・ザ・ネクスト』 、そして『アーバニッシモ』は、産業化、戦争、人口過剰、そして環境を扱っており、これらはすべてハブリー夫妻が強い関心を抱いていた主題である。心理学の本の熱心な読者でもあったハブリーは、複雑な心理学理論を映画で探求しようとした。なぜなら、アニメーションはそのような入り組んだ考えを視覚化するのに完璧な媒体であると信じていたからである。^[169]ハブリー夫妻は、イェール大学で「抽象テーマの視覚化」という授業を教えていた。^{[38]ハブリーはまた、子供たちが人生や自分たちの経験について語る様子にも魅了されており、それは}『ムーンバード』、『ウィンディ・デイ』、『コッカブーディ』に見ることができる。

『ドゥーンズベリー・スペシャル』の制作中、ジョン・ハブリーは標準的な心臓手術と思われていた手術を受けるためにイェール大学ニューヘイブン医療センターを訪れた。1977年2月21日、ハブリーは手術中に62歳で亡くなった。^[94] 『ドゥーンズベリー・スペシャル』は妻とギャリー・トルドーによって完成され、ジョン・ハブリーは死後アカデミー賞にノミネートされ、パルム・ドールを受賞した。^[170]ハブリーは火葬され、遺灰は大西洋に撒かれた。

ハブリーの生前および死後、世界中でハブリーの映画の回顧展や上映会が開催されている。ニューヨーク近代美術館は1997年と1998年にハブリー兄弟の映画とアートワークに関する2部構成の大規模な展覧会を開催し^[171]、映画芸術科学アカデミーは2011年にハブリーに敬意を表したイベントを開催した。^{[172]ハブリーが共同で創作したキャラクターで} あるミスター・マグーは、史上最も有名な漫画キャラクターの1人となり、 2002年にはTVガイドの「史上最も偉大な漫画キャラクター50人」リストで29位にランクインした。 ^[173]ハブリーはアニメーションの歴史において最も影響力のある人物の1人としてよく挙げられ、マイケル・スポーン、^{[174] 、} ジーン・ダイチ、^[175]、そして自身の娘であるエミリー・ハブリーなどのアーティストに影響を与えた。 2022年10月2日、ギャリー・トルドーのドゥーンズベリー誌は読者に『ハブリーのウィンディ・デイ』を観るよう勧める漫画を掲載した。^[176]

ハブリーの映画8本（『ムーンバード』、『穴』、『ハーブ・アルパートとティファナ・ブラスの二本立て』、『ウィンディ・デイ』、『人間と悪魔』、『未来への航海』、『ドゥーンズベリー・スペシャル』、およびストーリーボード社のコマーシャルのリールである『スマタリング・オブ・スポッツ』）は、アカデミー映画アーカイブに保存されている。^[177]ハブリーの生涯に関する文書は、ソロモン・R・グッゲンハイム美術館、ハーバード大学図書館、イェール大学図書館、ニューヨーク近代美術館、および映画芸術科学アカデミーに保管されている。2013年、『穴』は「文化的、歴史的、または美的に重要である」として、アメリカ議会図書館によりアメリカ国立フィルム登録簿への保存対象に選ばれた。 ^[178] 『ムーンバード』 、『ウィンディ・デイ』、『コッカブーディ』、その他ハブリー兄弟の映画のアートワークがロサンゼルスのアカデミー映画博物館に展示されている。^[179]

2021年、アニメーション教育協会が主導したクラウドファンディングキャンペーンで、ウィスコンシン州マリネットにハブリーのウィスコンシン州歴史標識を設置するという目標が達成された。^[180]標識は2023年5月20日に除幕された。 ^[181]除幕式に合わせて、2023年5月20日はマリネット市長のスティーブ・ジェニソットによってウィスコンシン州の「ジョンとフェイス・ハブリーの日」と宣言された。^[182]

1. ^ 『 The Adventures of an *』と呼ばれることもあり、あるいは『The Adventures of Asterisk』と綴られることもあります。

2. ^アンパサンドを付けてA Herb Alpert & The Tijuana Brass Double Featureと呼ばれることもあります。アカデミー映画アーカイブではこの綴りを使用しています。