伝統的なアニメーション

伝統的なアニメーション(または、古典アニメーション、セルアニメーション、手描きアニメーション) は、各フレームが手で描かれるアニメーション技法です。この技法は、20 世紀最後の数年間、業界で コンピュータ アニメーション、特に 3D コンピュータ アニメーションへの移行が起こるまで、アニメーションの主流でした。

アニメーション制作は通常、ストーリーがアニメーション映画の脚本に変換され、そこからストーリーボードが派生した後に始まります。ストーリーボードは漫画のパネルに似た外観をしており、映画に登場するステージング、演技、カメラの動きをショットごとに詳細に説明しています。アニメーション チームは、画像を使用してプロットの流れと画像の構成を計画できます。ストーリーボード アーティストは監督と定期的に会議を行い、最終承認を得るまで何度もシーケンスを描き直したり、「再ボード」したりすることがあります。

アニメーションが始まる前に、アニメーションをより正確にサウンドトラックに同期させるために、予備的なサウンドトラックまたはスクラッチトラックが録音されます。従来のアニメーションはゆっくりと制作されるため、サウンドトラックを既存のアニメーションに同期させるよりも、アニメーションを既存のサウンドトラックに同期させる方がほとんどの場合簡単です。完成した漫画のサウンドトラックには、音楽、効果音、声優によるセリフが含まれます。アニメーション中に使用されるスクラッチ トラックには、通常、声、キャラクターが一緒に歌う曲、一時的な楽譜トラックのみが含まれ、最終的な楽譜と効果音はポストプロダクション中に追加されます。

日本のアニメーションや1930年以前のほとんどの音声付きアニメの場合、サウンドは後付けで同期されていた。つまり、サウンドトラックは、映画を鑑賞し、必要なセリフ、音楽、効果音を演奏して映画の要素が完成した後に録音された。フライシャー・スタジオなどの一部のスタジオは、1930年代のほとんどの期間、アニメの音声を後付けで同期し続け、ポパイやベティ・ブープのアニメの多くに見られる「つぶやくアドリブ」の存在を可能にした。^[1]

ストーリーボードがデザイン部門に送られると、キャラクター デザイナーは映画に登場するキャラクターや小道具のモデル シートを準備します。これらは、外見、ポーズ、ジェスチャーを標準化するために使用されます。モデル シートには、キャラクターやオブジェクトが 3 次元でどのように見えるかを示す「ターンアラウンド」と、標準化された特別なポーズや表情が含まれることが多く、アーティストが参照するガイドとなります。アニメーターがキャラクターが 3 次元でどのように見えるかを確認できるように、マケットと呼ばれる小さな像が作成されることもあります。背景スタイリストは、ストーリーボードにある設定や場所に対して同様の作業を行い、アート ディレクターとカラー スタイリストは、使用するアート スタイルとカラー スキームを決定します。

タイミングディレクター（多くの場合、メインディレクター）は、アニマティックを受け取り、どのフレームにどのようなポーズ、描画、唇の動きが必要かを正確に分析します。露出シート（またはXシート）が作成されます。これは、アニメーターのガイドとして、フレームごとにアクション、ダイアログ、サウンドを分類した印刷された表です。映画が音楽に重点を置いている場合は、Xシートに加えて、またはXシートの代わりにバーシートが用意されることがあります。 ^[2]バーシートは、画面上のアクション、ダイアログ、およびスコアで使用される 実際の音楽記譜との関係を示します。

レイアウトは、デザインが完成し、監督の承認を得た後に始まります。ここで、背景レイアウト アーティストがカメラ アングル、カメラ パス、照明、シーンの陰影を決定します。キャラクター レイアウト アーティストは、シーン内のキャラクターの主なポーズを決定し、各ポーズを示す絵を描きます。短編映画の場合、キャラクター レイアウトは監督の責任であることが多いです。レイアウトの絵とストーリーボードは、オーディオとともにつなぎ合わされ、アニマティックが作成されます (アニマティックの前身であるライカ リールと混同しないでください)。

アニメーションが制作されている間、背景アーティストは各アニメーション シーケンスのアクションが行われるセットをペイントします。これらの背景は一般にグアッシュまたはアクリル ペイントで描かれますが、一部のアニメーション作品では水彩画または油絵の具で描かれた背景が使用されています。背景アーティストは、背景レイアウト アーティストとカラー スタイリストの作業 (通常はワークブックにまとめられて使用) に非常に忠実に従い、結果として得られる背景がキャラクター デザインと調和したトーンになるようにします。

通常、アニマティックまたはストーリー リールは、サウンドトラックが録音された後、完全なアニメーションが始まる前に作成されます。「アニマティック」という用語は、もともとWalt Disney Animation Studiosによって造られました。アニマティックは通常、サウンドトラックと一緒にタイミングとカットが調整されたストーリーボードの画像で構成されます。これにより、アニメーターとディレクターは、現在のストーリーボードに存在する可能性のあるスクリプトとタイミングの問題を解決することができます。ストーリーボードとサウンドトラックは必要に応じて修正され、ストーリーボードがユーザーの要件を満たすまで、ディレクターとともに新しいアニマティックが作成されてレビューされることがあります。アニマティックの段階で映画を編集すると、映画から編集されるシーンがアニメーション化されるのを防ぐことができます。完成した漫画から最終的に編集されるシーンを作成することは避けられます。

伝統的なアニメーションの制作プロセスでは、アニメーターは、机のペグバーに合うように穴があけられた透明紙に、色鉛筆を使って、一度に 1 枚または「フレーム」ずつアニメーションのシーケンスを描くことから始めます。^[3]ペグバーは、伝統的なアニメーションで描画を所定の位置に保つために使用されるアニメーション ツールです。キー アニメーターまたはリード アニメーターは、キャラクター レイアウトをガイドとして使用して、シーンのキー フレームまたはキー描画を描きます。キー アニメーターは、キャラクターのパフォーマンスの主要なポーズを表現するのに十分なフレームを描きます。

シーンの制作中、キーアニメーターは通常、そのシーンの鉛筆テストを準備します。鉛筆テストは、最終的なアニメーションシーンのかなりラフなバージョンです (多くの場合、多くのキャラクターの詳細や色が欠落しています)。鉛筆画はすぐに写真またはスキャンされ、必要なサウンドトラックと同期されます。これにより、アニメーションを確認して改善してから、アシスタントアニメーターに作業を渡すことができます。アシスタントアニメーターは、シーンの詳細といくつかの欠落しているフレームを追加します。アシスタントアニメーターの作業は、リードアニメーターが監督と会ってシーンのスウェットボックスを行う準備ができるまで、確認、鉛筆テスト、修正されます。

キーアニメーションが承認されると、リードアニメーターはシーンをクリーンアップ部門に送ります。クリーンアップ部門は、クリーンアップアニメーターとインビトウィーンナーで構成されています。クリーンアップアニメーターは、リードアニメーターとアシスタントアニメーターの描画を受け取り、新しい紙にトレースします。その際、元のモデルシートにあるすべての詳細が含まれるようにし、映画のアートスタイルのまとまりと一貫性が保たれるようにします。インビトウィーンナーは、他のアニメーターの描画の間にまだ欠けているフレームを描画します。この手順はトゥイーンと呼ばれます。結果として得られる描画は、承認されるまで再度鉛筆テストとスウェットボックスで検査されます。

鉛筆アニメーションの各段階で、承認されたアートワークがライカリールにつなぎ合わされます。^[4]

このプロセスは、キャラクターアニメーションと特殊効果アニメーションの両方で同じであり、ほとんどの高予算の制作では別々の部門で行われます。多くの場合、各主要キャラクターには、そのキャラクターを描くことに専念するアニメーターまたはアニメーターのグループがいます。グループは、1人のスーパーバイジングアニメーター、小グループのキーアニメーター、およびより大きなグループのアシスタントアニメーターで構成されます。効果アニメーターは、小道具、車両、機械、および火、雨、爆発などの現象を含む、キャラクター以外の動くものすべてをアニメーション化します。アニメーション映画の特殊効果を生成するために、描画の代わりにいくつかの特別なプロセスが使用される場合があります。たとえば、雨は、1930年代後半からディズニーのアニメーション映画で、黒い背景の前で水のスローモーション映像を撮影し、その結果得られた映像をアニメーションに重ね合わせることで作成されています。

シーケンスのクリーンアップと中間の描画が完了すると、インクとペイントと呼ばれるプロセスの準備が整います。各描画は紙からセルと呼ばれる薄くて透明なプラスチックのシートに転写されます。セルはセルロイドという材料名の短縮形です。(当初の可燃性の硝酸セルロースは、後にもっと安定した酢酸セルロースに置き換えられました。)描画のアウトラインはセルにインクで塗られるかコピーされ、ガッシュ、アクリル、または同様のタイプのペイントがセルの裏側に使用され、適切な色合いの色が追加されます。セルは透明なので、フレーム内の各キャラクターまたはオブジェクトを異なるセル上でアニメーション化できます。1 つのキャラクターのセルが別のキャラクターのセルの下に見え、不透明な背景がすべてのセルの下に見えるようになります。

ディズニーは第二次世界大戦によりインクとペイント部門で打撃を受けた。平和が戻ると、より経済的な解決策が模索され、当初の設備の多くは廃棄され、アブ・アイワークスが開発したゼログラフィープロセスが生まれた。^[5]

シーケンス全体がセルに転送されると、撮影プロセスが開始されます。シーケンスのフレームに含まれる各セルは、背景がスタックの一番下になるように、互いに重ねられます。アートワークの上にガラス片を下ろして凹凸を平らにし、合成画像をロストラムカメラとも呼ばれる特殊なアニメーションカメラでストップモーションで撮影します。^[6]セルが取り除かれ、シーケンスの各フレームが撮影されるまで、次のフレームでプロセスが繰り返されます。各セルにはレジストレーションホールがあります。これはセルの上部または下部の端に沿った小さな穴で、セルをカメラの前の対応するペグバー^[7]に置くことで、各セルが前のセルと揃うようにします。セルがこのように揃っていないと、アニメーションをフルスピードで再生すると「ぎくしゃく」して表示されます。場合によっては、スーパーインポーズやその他のカメラ効果を実装するために、フレームを複数回撮影する必要があります。パンは、セルまたは背景を一連のフレームにわたって 1 ステップずつ移動することによって作成されます (カメラはパンせず、ズームインとズームアウトのみを行います)。

ドープシートはアニメーターによって作成され、カメラオペレーターが各アニメーションの描画をアニメーターが指定したフィルムフレーム数（通常は 1 フレーム（1 が 1 ずつ）または 2 フレーム（2 が 2 ずつ）ですが、3 フレーム（3 が 3 ずつ）の場合もあります）に転送するために使用されます。

最終的な撮影が終わると、シーンはアニマティックまたはライカのリールにつなぎ合わされ、鉛筆アニメーションの代わりとなります。作品のすべてのシーケンスが撮影されると、最終的なフィルムは現像と処理に送られ、最終的な音楽と効果音がサウンドトラックに追加されます。

「デジタルインクアンドペイント」と呼ばれる現在のプロセスは、アニメーションの描画が完成するまでは、従来のインクアンドペイントと同じである。^[8]アニメーターの描画はセルに転送される代わりに、コンピュータにスキャンされるか、グラフィックタブレットを介してコンピュータモニターに直接描画され、そこで1つまたは複数のさまざまなソフトウェアパッケージを使用して着色および処理される。結果として得られる描画は、コンピュータにスキャンされたそれぞれの背景（デジタルペイントされていない場合）の上にコンピュータで合成され、コンピュータは、ビデオカセットレコーダーを使用してデジタルビデオファイルをエクスポートするか、高解像度の出力デバイスを使用してフィルムに印刷することにより、最終的なフィルムを出力する。コンピュータを使用すると、部門、スタジオ、さらには国や大陸間でアートワークを簡単に交換できる（ほとんどの低予算のアメリカのアニメ作品では、アニメーションの大部分は実際には韓国、台湾、日本、中国、シンガポール、メキシコ、インド、フィリピンなどの他の国で働くアニメーターによって行われている）。アニメ映画やテレビ番組用の新しいセルのインク付けとペイントのコスト、および新しいアニメテレビ番組や映画用の古いセルの繰り返し使用のコストが上昇し、同じことをデジタルで行うコストが下がったため^、最終的には、デジタルのインクとペイントのプロセスが将来のアニメ映画やテレビ番組の標準になりました。

ハンナ・バーベラは、デジタルインクとペイントを使用するコンピュータアニメーションシステムを実装した最初のアメリカのアニメーションスタジオでした。^[9] 1979年にこの技術に着手した後、コンピュータ科学者のマーク・レボイは1980年から1983年までハンナ・バーベラアニメーション研究所を率いて、インクとペイントのシステムを開発しました。このシステムは、1984年に始まり、1996年にサードパーティのソフトウェアに置き換えられるまで、ハンナ・バーベラの国内制作の約3分の1で使用されました。 ^{[9] [10]このシステムは、}パックマンのエピソード「ナイティナイトメア」と「パックマミー」で初めてテストされました。従来のセルペインティングと比較して5分の1のコスト削減に加えて、ハンナ・バーベラシステムは、スクービー・ドゥーという名の子犬（1988年）などのHB制作で明らかなマルチプレーンカメラ効果も可能にしました。^[11]これらのプロジェクトのコンピュータファイルはアーカイブされてお​​らず、ショー自体はビデオテープに印刷されていたため、高解像度がないためリマスターが困難でした。 ^[12]

デジタルインクとデジタルペイントは、1989年からウォルト・ディズニー・アニメーション・スタジオで使用されており、リトル・マーメイドの最後の虹のショットで使用されました。その後の伝統的なディズニーのアニメーション作品はすべてデジタルインクとデジタルペイントで制作されました（最初にデジタルインクとデジタルペイントを完全に使用した最初の長編映画となったリトル・マーメイドから始まり）、ディズニー独自のCAPS（コンピュータアニメーション制作システム）技術を使用していました。この技術は、主にピクサー・アニメーション・スタジオによって開発されました。CAPSシステムにより、ディズニーのアーティストは、ゼログラフィー時代にはほとんど失われたカラーインクライン技法、マルチプレーン効果、ブレンドシェーディング、3D CGI背景（1991年の映画美女と野獣の舞踏会のシーンなど）、小道具、キャラクターとのより簡単な統合を利用できるようになりました。^{[13] [14]} 1990年代にはライバルスタジオもAnimo、^[15] USAnimation、^[16] Toonz、^[17] Pixiboxなどのソフトウェアを使用してデジペイントプロセスを採用しました。^[18]

時間が経つにつれて、多くのスタジオがデジタルインクとペイントに切り替えましたが、多くのテレビ番組プロジェクトはより長い時間がかかりました。多くの映画製作者とスタジオは、デジタルインクとペイントのプロセスへの移行を望まなかった。デジタルで着色されたアニメーションはあまりにも不自然に見え、プロジェクトにとって非コンピュータ化されたセルの美的魅力が失われると感じたためです。多くのアニメテレビシリーズは、2004年になっても従来のインクとペイントのセルプロセスを使用して他の国でまだアニメ化されていましたが、そのほとんどは放送中のある時点でデジタルプロセスに切り替えました。従来のインクとペイントを使用した最後の主要な長編映画は、今敏の千年女優（2001年）でした。西洋でセル画制作を最後に行なった主要なアニメ作品は、ニコロデオンの『スポンジ・ボブ』、フォックスの『ザ・シンプソンズ』と『キング・オブ・ザ・ヒル』、カートゥーン ネットワークの『パワーパフ ガールズ』と『エド・エッド・エディ』（エド・エッド・エディは西洋でデジタル インクとペイントに切り替えた最後のアニメでもある）、PBS キッズの『Dragon Tales』で、これらはすべて 2000 年から 2004 年の間にデジタル ペイントに切り替えた。^[19]一方、セル画制作を最後に行なった主要なアニメ作品はテレビ版『サザエさん』で、2013 年 9 月 29 日までこの手法に固執し、2013 年 10 月 6 日に完全デジタル アニメーションに切り替えた。これ以前は、2009 年にオープニング クレジットのみデジタル アニメーションを採用したが、各エピソードのメイン コンテンツでは従来のセル画を使用し続けた。^[20]ビル・プリンプトンの『ヘアー・ハイ』（2004年）などのマイナー作品では、デジタル技術が導入されてからずっと後になってから伝統的なセル画が使われてきました。今日ではほとんどのスタジオが、 Toon Boom Harmony、Toonz（OpenToonz）、Animo、RETASなどの他のハイエンドソフトウェアパッケージ、あるいはAdobe Flash、Toon Boom Technologies、TV Paintなどのコンシューマーレベルのアプリケーションのいずれかを使用しています。

セルアニメーションのプロセスは、アール・ハードとジョン・ブレイによって1915 年に発明されました。セルは、各フレームの一部をフレーム間で繰り返すことができるため、労力を節約できるという点で、従来のアニメーションにとって重要な革新でした。簡単な例としては、画面に 2 人のキャラクターがいて、1 人が話しているシーンと、もう 1 人が黙って立っているシーンが挙げられます。後者のキャラクターは動かないため、このシーンでは 1 つのセルに 1 つの描画のみを使用して表示できますが、話しているキャラクターをアニメーション化するには、複数のセルに複数の描画が使用されます。

より複雑な例として、人が皿をテーブルの上に置くシーケンスを考えてみましょう。テーブルはシーケンス全体を通して静止しているので、背景の一部として描くことができます。皿は、キャラクターがテーブルに置くときに、キャラクターと一緒に描くことができます。ただし、皿がテーブルの上に置かれた後、皿はもう動かなくなりますが、人物は皿から腕を離すときに動き続けます。この例では、人が皿を置いた後、皿を別のセルに描くことができます。その後のフレームでは、人物の新しいセルが描かれますが、皿は動いていないので再描画する必要はありません。皿がテーブルの上に残っている残りの各フレームでは、同じ皿のセルを使用できます。セル ペイントは、実際には、画像とカメラの間に追加されたセルの余分なレイヤーを補正するために、各色のシェーディング バージョンで製造されました。この例では、静止したプレートは、1 レイヤー下に移動されたことを補正するために、わずかに明るくペイントされます。

テレビやその他の低予算の制作では、セルは「循環」されることが多く（つまり、セルのシーケンスが何度も繰り返される）、アーカイブされて他のエピソードで再利用されることさえありました。映画が完成すると、セルは捨てられるか、特にアニメーションの初期の頃はきれいに洗浄されて次の映画で再利用されました。場合によっては、コストを節約するために、セルの一部が「アーカイブ」に入れられ、将来の目的で何度も使用されました。一部のスタジオはセルの一部を保存し、スタジオの店で販売したり、訪問者への贈り物として提供したりしました。

セルオーバーレイは、完成したフレームの上に置くことで前景のような印象を与えるために使用される無生物のセルである。^[21]これにより奥行きの錯覚が作り出されるが、マルチプレーンカメラほどではない。セルオーバーレイの特別なバージョンはラインオーバーレイと呼ばれ、前景を作るのではなく背景を完成させるために作られ、ゼロックス印刷された図面のスケッチのような外観に対処するために発明された。背景は最初、あまり詳細を含まないフラットな色で形や図として描かれた。次に、細かい黒い線が描かれたセルがその上に直接置かれ、各線は下にある形や図に情報を追加し、背景に必要な複雑さを与えるために描かれる。このようにして、背景の視覚的スタイルは、ゼロックス印刷されたキャラクターセルのスタイルと一致する。ゼロックス印刷のプロセスが進化するにつれて、ラインオーバーレイは取り残された。

セルの使用以前に作られた非常に初期の漫画、例えば「恐竜ガーティ」（1914年）では、背景やすべてのキャラクターやアイテムを含むフレーム全体が1枚の紙に描かれ、その後撮影された。動きのあるフレームごとにすべてを再描画する必要があった。このため、見た目が「ぎくしゃく」していた。山の絵が連続して描かれ、それぞれが前の絵と少しずつ異なっているのを想像してみてほしい。セル以前のアニメーションは、後にラウル・バールが発明したスラッシュ・アンド・ティア・システムなどの技術を使用して改良された。背景とアニメーション化されたオブジェクトは別の紙に描かれた。^[22]オブジェクトが描かれた紙の空白部分をすべて取り除いてフレームを作成し、背景の上に置いて最後に撮影した。

低予算の制作では、セル技法による近道が広く使われている。例えば、人が椅子に座って話しているシーンでは、椅子と人の体はどのフレームでも同じで、頭だけが描き直されるか、あるいは頭はそのままで口だけが動くという具合である。これはリミテッドアニメーションとして知られている。^{[23]この手法は}ユナイテッド・プロダクションズ・オブ・アメリカによって劇場用アニメで普及し、ほとんどのテレビアニメ、特にハンナ・バーベラの作品で使用されている。最終的な作品はあまりリアルに見えないが、制作費が安く済むため、テレビの低予算でもアニメを制作できる。

動くキャラクターは、しばしば「2 フレーム」で撮影されます。フィルムの 2 フレームごとに 1 つの絵が表示されます (通常は 1 秒あたり 24 フレームで実行されます)。つまり、1 秒あたり 12 の絵しかありません。^[24]画像の更新レートは低いですが、ほとんどの被写体では流動性は十分です。ただし、キャラクターに素早い動きをさせる必要がある場合は、通常、「1 フレーム」のアニメーションに戻す必要があります。「2 フレーム」では動きを適切に伝えるには遅すぎるためです。2 つのテクニックを組み合わせることで、不必要な制作コストをかけずに目を欺くことができます。

アカデミー賞にノミネートされたアニメーターのビル・プリンプトンは、非常に少ない中間のアニメーションと「3つずつ」または「4つずつ」のシーケンスを使用し、各描画を画面上で1⁄8秒から1⁄6秒間保持するアニメーションスタイルで知られています。^[25]プリンプトンはほぼ一定の3フレーム保持を使用しますが、1秒間に平均8枚の描画を行うアニメーションも「3つずつ」と呼ばれ、通常は予算の制約を満たすために、キャラクターの同じ描画を長時間保持したり、静止画像をパンするなどの他のコスト削減策とともに行われ、 [26] 低予算のテレビ番組でよく使用される手法です。 ^[ 27 ^]また、アニメでは流動性が犠牲になり、デザインとシェーディングの複雑さに移行します（西洋の伝統では、より機能的で最適化されたデザインとは対照的です）。スタジオジブリのような高予算の劇場映画でさえ、選択されたショット（通常は素早いアクションのアクセント）の「1」によるスムーズなアニメーションから、通常の会話やゆっくりとしたペースのショットの「3」による一般的なアニメーションまで、あらゆる範囲のアニメーションを採用しています。

アニメーション ループまたはアニメーション サイクルを作成すると、キャラクターが歩く、木々の間を吹くそよ風などの反復動作をアニメーション化するための労力を節約できます。歩く場合、キャラクターは右足で 1 歩進み、次に左足で 1 歩進むアニメーションを作成します。ループは、シーケンスが繰り返されるときに動作がシームレスになるように作成されます。一般に、これらは中程度または高額の予算の制作でのみ、控えめに使用されます。

ライアン・ラーキン監督の1969年のアカデミー賞ノミネート作品であるカナダ国立映画製作庁の短編映画「ウォーキング」では、ループが独創的に使用されている。さらに、カートゥーン ネットワークのグルーヴィーズが制作した、ソウル・カウフィングの曲「サークルズ」をフィーチャーしたプロモーション ミュージック ビデオでは、フレッドとバーニー(カートゥーンネットワークで放映されたさまざまなハンナ・バーベラのキャラクターたちと共に) が家の中を歩いているとされるが、なぜ同じテーブルと花瓶を何度も何度も通り過ぎるのか不思議に思うという、よく見られるアニメーション ループを揶揄している。

マルチプレーンプロセスは、主に2次元のアニメーション映画に奥行きや視差を与えるために使用される手法です。従来のアニメーションでこの手法を使用するには、アートワークをプレーンと呼ばれる個別のレイヤーにペイントまたは配置します。これらのプレーンは通常、透明なガラスまたはプレキシガラスのプレーンで構成され、各プレーン間の特定の距離を保って位置合わせされ、配置されます。^[28]プレーンを配置する順序とプレーン間の距離は、シーンのどの要素がプレーン上にあるか、およびシーン全体の意図された奥行きによって決まります。^[29]プレーンの上または前に取り付けられたカメラは、個々のアニメーションフレームをキャプチャしている間、フォーカスをプレーンに近づけたり、プレーンから遠ざけたりします。一部のデバイスでは、個々のプレーンをカメラに近づけたり遠ざけたりできます。これにより、視聴者は、3次元空間にいるかのように、個別のアートレイヤーの中を移動しているという印象を与えます。

マルチプレーンアニメーションに使用された最も有名な装置は、マルチプレーンカメラである。この装置は、もともと元ウォルトディズニースタジオの アニメーター/ディレクターの アブ・アイワークスによって設計されたもので、複数の個別に調整可能なガラス面に描かれたシーンを撮影する垂直のトップダウンカメラクレーンであった。^[28]可動式の平面により、個々のアニメーションシーン内で奥行きを変更することが可能になった。^[28]後年、ディズニースタジオはこの技術を独自の用途に採用した。1937年にウィリアム・ギャリティによって設計された、映画「白雪姫と七人の小人」で使用されたマルチプレーンカメラは、垂直のトップダウンカメラに加えて、最大7つの別々の可動面に描かれたアートワークを使用していた。^[30]

この技法の前身と、それを実装するために使用された装置は、19世紀後半に登場し始めました。マットショットやグラスショットでは、塗装されたガラス板がよく使用され、^[31]ノーマン・ドーンの作品に見られます。^[32] 1923年、ロッテ・ライニガーと彼女のアニメーションチームは、最初のマルチプレーンアニメーション構造の1つであるトリックティッシュと呼ばれる装置を構築しました。これはトップダウンの垂直設計であり、個々の静止面を頭上から調整することができました。トリックティッシュは、ライニガーの最も有名な作品の1つである「アクメッド王子の冒険」の撮影で使用されました。 ^{[33]将来のマルチプレーンアニメーション装置は、一般}的にライニガーの装置と同じ垂直設計を使用するようになりました。この傾向の注目すべき例外の1つは、フライシャースタジオが開発および使用したセットバックカメラです。この配置により、アニメキャラクターの前後で物体が動いているように見え、テーブルトップ方式と呼ばれることが多かった。^[34]

マルチプレーンアニメーションの普及と発展により、アニメーターはモーショントラッキングやシーンの奥行きの問題に取り組むことができ、アニメーション作品の制作時間とコストを削減することができました。^[28] 1957年の録音で、^[35]ウォルト・ディズニーは、モーショントラッキングがアニメーターにとって問題となる理由と、マルチプレーンアニメーションでそれを解決できる理由を説明しています。夜のアニメーション化された農家の2次元静止画を使用して、ディズニーは、当時の伝統的なアニメーション技術を使用してシーンをズームインすると、月のサイズが大きくなることを実証しました。実際の経験では、視聴者が農家に近づいても月のサイズは大きくなりません。マルチプレーンアニメーションは、月、農家、農地を別々の平面に分離し、月をカメラから最も遠くすることでこの問題を解決しました。ズーム効果を作成するために、撮影中に最初の2つの平面をカメラに近づけましたが、月のある平面は元の距離のままでした。^[36]これにより、当時の多くのアニメーションスタジオの重要な目標であった、現実に近い深みと充実感がシーンにもたらされました。

1950年代後半にウォルト・ディズニー・スタジオのアブ・アイワークスがアニメーションに応用した静電複写技術は、ゼログラフィーと呼ばれ、描画をセルに直接複写できるため、インクとペイントの工程の「インク付け」の部分をほとんど省くことができました。^[37]これにより時間と費用が節約され、ゼロックスされたオブジェクトやキャラクターにさらに詳細を盛り込み、サイズを制御することも可能になりました。最初はスケッチのような外観になりましたが、時間の経過とともにこの技術は改良されました。

ディズニーのアニメーター兼エンジニアであるビル・ジャスティスは、 1944年にゼロックス法の前身となる特許を取得していた。これは、特殊な鉛筆で描いた絵を圧力でセルに転写し、その後固定するというものである。この方法がアニメーションで使用されたかどうかは不明である。^[38]

ゼログラフィー方式は、ディズニーが『眠れる森の美女』のいくつかのシーンで初めてテストし、短編映画『ゴリアテ2 』で初めて全面的に採用しました。一方、この方式を全面的に採用した最初の長編映画は『101匹わんちゃん』 （1961年）でした。この映画のグラフィックスタイルは、この方式に強く影響を受けています。この映画やその後の映画では、はっきりとした色の線が必要な場合、ゼログラフィーと併せて手描きのインクも使用されていました。後に、色付きトナーが使用できるようになり、複数のはっきりとした線の色を同時に使用できるようになりました。たとえば、『レスキュー隊』では、登場人物の輪郭は灰色です。雪や水などの特殊効果には、白と青のトナーが使用されました。

デイブ・スペンサーが 1985 年のディズニー映画「黒い魔法の鍋」のために発明したAPT (Animation Photo Transfer) プロセスは、アニメーターのアートをセルに転写する技術でした。基本的に、このプロセスは複写写真プロセスの改良版です。アーティストの作品は高コントラストの「リソ」フィルムで撮影され、その結果得られたネガの画像は、感光性染料の層で覆われたセルに転写されます。セルはネガを通して露光されます。次に、化学薬品を使用して露光されていない部分を取り除きます。小さく繊細なディテールは、必要に応じて手作業でインク付けされました。スペンサーは、このプロセスの開発により、 アカデミー技術賞を受賞しました。

ロトスコープは、 1915年にマックス・フライシャーが発明した伝統的なアニメーションの手法で、俳優や風景の実際のフィルム映像の上にアニメーションを「トレース」する。 ^[39]伝統的に、実写はフレームごとに印刷され、登録される。次に、実写の印刷物の上に別の紙を置き、ライトボックスを使用してフレームごとにアクションをトレースする。最終結果は手描きのように見えますが、動きは驚くほどリアルになります。映画「ウェイキング・ライフ」と「アメリカン・ポップ」は、全編ロトスコープ映画です。ロトスコープアニメーションは、A-haの曲「テイク・オン・ミー」やカニエ・ウェストの「ハートレス」のミュージックビデオにも登場します。ほとんどの場合、ロトスコープは主に、白雪姫、 ピーターパン、眠れる森の美女のように、リアルにレンダリングされた人間のアニメーションを補助するために使用されます。

従来のロトスコープに関連する方法が、後に車、ボート、ドアなどの固体の無生物のアニメーション化のために発明されました。必要なオブジェクトの小さな実写モデルが作成され、白く塗装され、モデルの端が細い黒い線で塗装されました。次に、モデル、カメラ、またはその両方をリアルタイムで動かすか、ストップモーションアニメーションを使用して、アニメーションシーンの必要に応じてオブジェクトが撮影されました。次に、フィルムのフレームが紙に印刷され、塗装された黒い線で構成されたモデルが表示されます。アーティストがモデルの実写写真には存在しない詳細をオブジェクトに追加した後、セルにコピーされました。注目すべき例は、ディズニーの「101匹わんちゃん」のクルエラ・ド・ヴィルの車です。 3D オブジェクトをセルに転送するプロセスは、1980 年代に大幅に改善されました。コンピュータ グラフィックスが進歩し、アニメーターが望むように操作できる 3D コンピュータ生成オブジェクトを作成できるようになり、その後、アウトラインとして紙に印刷してから、ゼログラフィーまたは APT プロセスを使用してセルにコピーできるようになりました。この手法は、ディズニー映画「オリバー アンド カンパニー」 (1988 年) や「リトル マーメイド」 (1989 年) で使用されました。このプロセスは、セル シェーディングの使用によってほぼ置き換えられました。

ロトスコープに関連するものとしては、リチャード・リンクレイター監督の映画『スキャナー・ダークリー』のように、非常にグラフィックな外観を実現するために、実写映像をベクトル化する手法があります。

上で説明したコンピュータ アニメーションと従来のアニメーションのハイブリッドと同様に、実写とアニメーションの両方の映像を組み合わせた作品が時々あります。これらの作品の実写部分は、通常、最初に撮影され、俳優は、アニメーションのキャラクター、小道具、または背景とやり取りしているふりをします。その後、アニメーションが映像に追加され、最初からそこにあったかのように見せます。ロトスコープと同様に、この方法はめったに使用されませんが、使用される場合は、人間と漫画が共存するファンタジーの世界に観客を浸すという素晴らしい効果が得られます。初期の例としては、マックス フライシャーの無声漫画「インクウェルの冒険」（1919 年に開始）や、ウォルト ディズニーの「アリス コメディ」（1923 年に開始）などがあります。実写とアニメーションはその後、南部の唄（1946年）、『インクレディブル・ミスター・リンペット』、『メリー・ポピンズ』（ともに1964年）、『ロジャー・ラビット』（1988年）、『クール・ワールド』 （ 1992年）、『スペース・ジャム』（1996年）、『ルーニー・テューンズ バック・イン・アクション』（2003年）、『スポンジ・ボブ ザ・ムービー』（2004年）、『魔法にかけられて』（2007年）など、数多くの映画で融合されました。この手法はテレビコマーシャルでも大きく活用され、特に子供向けの朝食用シリアルの宣伝で子供の興味を引き、売り上げを伸ばすため に使われました。

伝統的にアニメ化されたキャラクター、オブジェクト、背景の他に、煙、稲妻、魔法などの特別な要素を作成し、アニメーション全体に独特の視覚的外観を与えるために、他の多くの技術が使用されています。今日、特殊効果は主にコンピューターで行われますが、以前は手作業で行う必要がありました。これらの効果を生み出すために、アニメーターは、ドライブラシ、エアブラシ、木炭、グリースペンシル、バックライトアニメーション、拡散スクリーン、フィルター、ジェルなどのさまざまな技術を使用しました。たとえば、ファンタジアのくるみ割り人形組曲のセグメントには、点描セルが使用され、柔らかいパステル調の外観を作成する妖精 のシーケンスがあります。

上記の方法は、もともと最終段階でセルに依存していたアニメーションプロセスのテクニックを説明していますが、コンピュータがアニメーションスタジオに移行した今日では、ペイントされたセルはまれであり、アウトラインの描画はセルに転送されてから手で着色されるのではなく、コンピュータにスキャンされてデジタルペイントで塗りつぶされるのが一般的です。^[40]描画は、セルの場合とほぼ同じ方法で、コンピュータプログラムで多くの透明な「レイヤー」上に合成され、^[41]一連の画像にされ、その後フィルムに転送されるか、デジタルビデオ形式に変換されます。^[42]

現在では、アニメーターがCintiqなどのグラフィック タブレットや類似のデバイスを使用してコンピューターに直接描画することも可能で、アウトラインの描画は紙に描くのと同じような方法で行われます。グーフィーの短編映画「How To Hook Up Your Home Theater」 (2007 年) は、現在利用可能なペーパーレス技術に基づいたディズニーの最初のプロジェクトでした。利点としては、作業中に描画のサイズを制御できること、マルチプレーン背景に直接描画できること、線テストの写真撮影やスキャンが不要になることなどが挙げられます。

従来のアニメーションは現在では一般的にコンピュータで行われるが、トイ・ストーリー、シュレック、少年天才少年ジミー、アイス・エイジなどの3D コンピュータアニメーションとは異なります。ドン・ブルースのタイタンAEやディズニーのヘラクレス、ターザン、アトランティス 失われた帝国、トレジャー・プラネットのように、従来のアニメーションと 3D コンピュータアニメーションが併用されることもあります。攻殻機動隊、新世紀エヴァンゲリオン、カウボーイビバップなど、最近のアニメや西洋のアニメシリーズには、両方のアニメーション技術が採用されています。ドリームワークスの重役ジェフリー・カッツェンバーグは、エルドラドへの道、スピリット、シンドバッド 7つの海の伝説など、従来のアニメーションとコンピュータアニメーションの要素を等しく取り入れた彼のスタジオ制作のアニメ映画を説明するために「トラデジタルアニメーション」という造語を生み出しました。

Viewtiful Joe、ゼルダの伝説 風のタクト、ICO、大神、ミラーズエッジなどの多くのビデオゲームでは、 「セルシェーディング」アニメーションフィルターまたは照明システムを使用して、完全な3Dアニメーションを従来のセルスタイルで描画したように見せています。この手法はアニメ映画「アップルシード」でも使用されており、セルシェーディングされた3Dアニメーションは、ディズニー映画や、フォックスのフューチュラマ、ファミリーガイ、アメリカンダッド、ニコロデオンのアニメシリーズインベーダージムとフェアリーテイルペアレンツなど多くのテレビ番組でセルアニメーションと統合されるのが一般的です。2007年のピクサー映画「レミーのおいしいレストラン」のあるシーンでは、グストーのイラスト（彼の料理本に載っている）が、レミ（そのシーンではパリの下水道で迷子になっていた）に、レミの想像上の存在として話しかけます。このシーンは、長編アニメーションにおけるセルシェーディングの例とも考えられています。最近では、『ペーパーマン』、『フィースト』、『ダム・キーパー』などの短編アニメーションで、より特徴的なスタイルのセルシェーディング 3D アニメーションが使用され、「動く絵画」に似た外観と雰囲気が表現されています。

アニメーション ロストラム カメラの最も一般的なタイプは、Oxberry です。このようなカメラは常に黒色のアルマイト加工アルミニウムで作られており、通常、ライトボックスの上部と下部に 1 つずつ、合計 2 つのペグ バーがあります。Oxberry Master シリーズには、上部に 2 つ、下部に 2 つ、合計 4 つのペグ バーがあり、時には「フローティング ペグ バー」も使用されていました。カメラが取り付けられた柱の高さによって、アートワークで達成できるズームの量が決まりました。このようなカメラは、重量が 1 トン近くになることもある巨大な機械装置で、分解やセットアップに何時間もかかります。

アニメーション ロストラム カメラの晩年には、コンピューターで制御されるステッピング モーターがカメラのさまざまな移動軸に取り付けられ、人間のオペレーターが手動でクランクを回す時間が節約されました。徐々に、モーション コントロール技術が業界全体に採用されるようになりました。

デジタルインクとペイントのプロセスにより、これらの伝統的なアニメーション技術と機器は徐々に時代遅れになりました。

コンピュータやデジタルビデオカメラは、映画に直接影響を与えることなく、従来のセルアニメーションのツールとして使用することもできます。これにより、アニメーターの作業が支援され、プロセス全体がより速く簡単になります。コンピュータでレイアウトを行うと、従来の方法よりもはるかに効果的です。^[43]さらに、ビデオカメラを使用すると、シーンの「プレビュー」と完成時の外観を確認できるため、アニメーターは最初にシーンを完成させなくても修正や改善を行うことができます。これは、デジタル形式の鉛筆テストと考えることができます。

ディズニーのマルチプレーンカメラが使用された最後のアニメ映画は『リトル・マーメイド』であるが、当時ディズニーの機材が故障していたため、制作は外注された。^{[44]マルチプレーンカメラや同様の装置の使用は、制作費の高騰とデジタルアニメーションの台頭により減少した。主に}CAPSの使用から始まったデジタルマルチプレーンカメラは、アニメシーンにレイヤーと深みを加えるプロセスを効率化するのに役立った。

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