ミュージックビデオ

ミュージックビデオは、プロモーションや音楽芸術の目的で制作された、曲やアルバムと画像を統合したビデオです。現代のミュージック ビデオは、主に音楽レコーディングの販売促進を目的とした音楽マーケティングデバイスとして制作され、使用されています。これらのビデオは、通常、音楽テレビやYouTubeなどのストリーミング ビデオ サイトで放映されますが、まれに劇場で上映されることもあります。家庭用ビデオでは、ビデオ アルバムまたはビデオ シングルとして市販されることもあります。この形式は、「イラスト入りの歌」、「撮影された挿入曲」、「プロモーション (プロモ) フィルム」、「プロモーション クリップ」、「プロモーション ビデオ」、「歌のビデオ」、「歌のクリップ」、「映画クリップ」、「ビデオ クリップ」、または単に「ビデオ」など、さまざまな用語で説明されています。

1920 年代に映画館での上映に録音音声が導入されるとすぐにミュージカル短編映画が人気を博しましたが、ミュージック ビデオが注目を集めるようになったのは、アメリカの有料テレビ局MTV がこのメディアをベースにしたフォーマットを採用した 1980 年代になってからです。

ミュージックビデオでは、アニメーション、実写、ドキュメンタリー、抽象映画などの非物語的アプローチなど、幅広いスタイルと現代的なビデオ制作技術が使用されています。これらのスタイルとテクニックを組み合わせることは、視聴者に多様性をもたらすため、より人気が高まっています。多くのミュージックビデオは、曲の歌詞からイメージやシーンを解釈しますが、よりテーマに沿ったアプローチを取るものもあります。他のミュージックビデオにはコンセプトがなく、曲のライブコンサートのパフォーマンスを撮影したバージョンだけである場合もあります。^[1]

1894年、楽譜出版社のエドワード・B・マークスとジョー・スターンは、電気技師のジョージ・トーマスと様々なアーティストを雇い、彼らの歌「The Little Lost Child」の販売促進を行った。^{[2]トーマスは}マジックランタンを使って、ライブ演奏と同時に一連の静止画像をスクリーンに投影した。これは、イラストレイテッド・ソングとして知られる人気の娯楽形式となり、ミュージックビデオへの第一歩となった。^[2]

「トーキー」の登場により、多くのミュージカル短編映画が製作された。ワーナー・ブラザーズ製作のヴァイタフォン短編映画には、多くのバンド、ボーカリスト、ダンサーが出演した。アニメーターのマックス・フライシャーは、スクリーン・ソングスと呼ばれる歌唱短編アニメシリーズを発表した。これは、現代のカラオケマシンに似た「跳ねるボールを追う」ことで、観客がポピュラーソングを一緒に歌うというものである。初期のアニメでは、人気ミュージシャンがアニメの途中でカメラの前でヒット曲を実写で演奏していた。ジョン・ロジー・ベアードは、 1930年代のベティ・ボルトンや他の歌手をフィーチャーしたフォノビジョン・ディスクを制作した。ウォルト・ディズニーによる初期のアニメ映画、例えばシリー・シンフォニー短編映画や、特にクラシック曲のさまざまな解釈をフィーチャーしたファンタジアは、音楽を中心に作られていた。今日でもルーニー・テューンズやメリー・メロディーズとして宣伝されているワーナー・ブラザーズのアニメは、当初はワーナー・ブラザーズのミュージカル映画の特定の曲を中心に作られていた。キャブ・キャロウェイなどの人気アーティストをフィーチャーした実写ミュージカル短編も劇場で配給された。^[3]

ブルース歌手のベッシー・スミスは、ヒット曲の劇的な演奏をフィーチャーした「セントルイス・ブルース」という2リールの短編映画に出演しました。この時期には、他の多くのミュージシャンも短編ミュージカルに出演しました。^[4]

パノラム・フィルム・ジュークボックス用に制作・公開されたサウンディーズは、後のミュージック・ビデオに似た、短いダンス・シーケンスを多く含むミュージカル映画であった。 ^[5]

ミュージシャンのルイ・ジョーダンは自身の曲の短編映画を制作し、そのいくつかは長編映画『ルックアウト・シスター』にまとめられた。音楽史家ドナルド・クラークによれば、これらの映画はミュージック・ビデオの「祖先」である。 ^[6]

ミュージカル映画もミュージックビデオの重要な先駆けであり、いくつかの有名なミュージックビデオは1930年代から50年代の古典的なハリウッドミュージカルのスタイルを模倣しています。最もよく知られている例の1つは、マドンナの1985年のビデオ「マテリアルガール」（メアリーランバート監督）^[7]で、これは映画「紳士は金髪がお好き」のジャックコールの「ダイヤモンドは女の子のベストフレンド」の演出を厳密に模倣したものです。マイケルジャクソンのビデオのいくつかは、ランドマーク「スリラー」やマーティンスコセッシ監督の「バッド」など、古典的なハリウッドミュージカルのダンスシーケンスの紛れもない影響を示しています。「バッド」は、映画版「ウエストサイド物語」の様式化されたダンス「ファイト」に影響を受けました。^[8]インターネットアキュラシープロジェクトによると、DJ /シンガーのJP「ザビッグボッパー」リチャードソンは、1959年に「ミュージックビデオ」というフレーズを最初に作りました。^[9]

トニー・ベネットは自伝の中で、ロンドンのハイドパークにあるサーペンタインを歩いているところを撮影し、その映像に「ストレンジャー・イン・パラダイス」の録音を合わせた「世界初のミュージックビデオ」を作ったと主張している。^[10]この映像はイギリスとアメリカのテレビ局に送られ、ディック・クラークのアメリカン・バンドスタンドなどの番組で放映された。^[11] より抽象的で現代的なビデオに類似したプロモーション用ミュージックビデオの最古の例は、ラディスラフ・リヒマンが制作・監督したチェコスロバキアの「Dáme si do bytu」（「アパートに置こう」）であると思われる。^{[12] [13]}

1950年代後半^[14]にフランスでビジュアルジュークボックスのスコピトーンが導入され、セルジュ・ゲンズブール、フランソワーズ・アルディ、ジャック・デュトロン、ベルギーのジャック・ブレルなど多くのフランス人アーティストが歌に合わせて短編映画を制作した。スコピトーンの使用は他の国々にも広がり、イタリアのシネボックスや米国のカラーソニックなど同様の機械が特許を取得した。 ^[14] 1961年、カナダで制作されたショー「シングアロング・ジュビリー」のために、マニー・ピットソンは音楽のオーディオを事前に録音し始め、ロケ地に行ってミュージシャンのリップシンクでさまざまなビジュアルを録画し、オーディオとビデオを編集した。ほとんどの音楽ナンバーはスタジオのステージで録音され、ロケ撮影の「ビデオ」はバラエティを加えるためのものだった。^[15] 1964年、ケネス・アンガーの実験的な短編映画『スコーピオ・ライジング』では、セリフの代わりにポピュラーソングが使われた。^[16]

1964年1月1日、ジョニー・スチュワートとスタンリー・ドーフマンは、イギリスのヒット音楽テレビ番組「トップ・オブ・ザ・ポップス」を制作し、 1970年代まで毎週交代で共同制作・監督した。^[17]チャートは火曜日の朝に発表され、番組は木曜日に生収録されるというこの番組の形式により、イギリスやアメリカの有名なアーティストが急遽スタジオに出演する需要が高まった。アーティストの多忙なツアースケジュールや、その後のヨーロッパやアメリカの放送局からイギリスの人気アーティストを紹介してほしいという要望も相まって、最終的には「プロモーションビデオ」と呼ばれる、事前に録画または撮影された挿入映像の制作につながった。これらのビデオはアーティストのライブパフォーマンスの代わりとなり、ミュージックビデオというジャンルの発展に極めて重要な役割を果たした。^{[18] [19] [20]} 1964年の番組開始当初は代替映像が入手できなかったため、ドーフマンとスチュワートは熱狂的な観客のダンスを撮影することに頼った。しかし、1964年10月に重大な変化が起こり、特定の曲に合わせて振り付けされたダンスグループを時折導入するという決定が下された。この追加によりショーに新たなダイナミクスがもたらされ、視覚的な魅力が高まり、視聴者の娯楽価値が多様化した。 ^{[21]注目すべき例の1つは、}ロイ・オービソンの曲「オー・プリティ・ウーマン」のビデオで、ドーフマンは1964年10月19日にロンドンのケンジントンにあるデリー・アンド・トムズ百貨店の屋上庭園で、曲の視覚的な伴奏としてこのビデオを撮影し、監督した。その後、10月22日と29日、11月12日と19日にはトップ・オブ・ザ・ポップスで放映された。」^{[22] [23]} 1970年代までに、トップ・オブ・ザ・ポップスの週間平均視聴者数は1250万人に達し、当時新曲を発表するアーティストにとって最高の国際的プラットフォームとしての地位を固め、^[24]新進アーティストのキャリアを促進し、有名アーティストの新作リリースの話題を生み出すための重要なツールとしてのプロモーションフィルムクリップの重要性をしっかりと確立し、後に世界中でミュージックビデオというジャンルを開発し普及させる上で重要な役割を果たした。^{[19] [20]}

1964年、ムーディー・ブルースのプロデューサー、アレックス・マレーは、自身のバージョンの「ゴー・ナウ」を宣伝したいと考えていた。彼がこのシングルの宣伝のためにプロデュースし監督した短編映画クリップは、クイーンの同様の「ボヘミアン・ラプソディ」のビデオより10年も前の、印象的なビジュアルスタイルをしていた^{[要出典] 。また、}ビートルズが1966年にリリースしたシングル「ペーパーバック・ライター」とB面「レイン」の宣伝映画よりも前のものだった^[要出典]。

同じ1964年に、ビートルズはアメリカの映画監督リチャード・レスターが監督した初の長編映画『ハード・デイズ・ナイト』に主演した。白黒で​​撮影され、模擬ドキュメンタリーとして発表されたこの映画には、音楽のトーンを交えたコメディや会話のシーンが散りばめられていた。音楽シーンは、その後の数多くのミュージックビデオのモデルとなった基本的なテンプレートとなった。この映画は、アメリカのヒットテレビ番組『モンキーズ』（1966年 - 1968年）の直接のモデルとなり、こちらもモンキーズの様々な曲に合わせて作られた映画セグメントで構成されていた。^[25]ビートルズの2作目の長編映画『ヘルプ!』（1965年）は、ロンドンと海外のロケ地でカラー撮影された、はるかに豪華な作品だった。白黒で撮影されたタイトル曲のシーンは、リズミカルなクロスカッティング、ロングショットとクローズアップの対比、そして曲開始50秒のショットのように前景でジョージ・ハリスンの左手とギターのネック部分が鮮明に映り、背景で完全に焦点が合っていないジョン・レノンの姿が歌うなど、散発的なショットやカメラアングルを採用しており、現代のパフォーマンススタイルのミュージックビデオの代表的な原型の一つと言えるだろう。^[要出典]

1965年、ビートルズはプロモーション クリップ (当時は「フィルム インサート」と呼ばれていた) の制作を開始し、トップ オブ ザ ポップスやさまざまな国 (主に米国)で配布および放送して、直接出演しなくてもレコードのリリースを宣伝できるようにしました。1965年後半に撮影された最初の一連のプロモーション フィルム (当時のシングル「Day Tripper」/「We Can Work It Out」を含む) は、スタジオでパントマイムを披露するかなり単純なパフォーマンス (時にはおどけたセット) で、トップ オブ ザ ポップスやハラバルーなどのテレビ番組にかなりシームレスに溶け込むように意図されていました。ビートルズが 1966年後半にツアーを中止する頃には、彼らのプロモーション フィルムは、レコーディングと同様に非常に洗練されたものになっていました。 1966年5月、彼らは現在のシングル「レイン」/「ペーパーバック・ライター」のカラープロモーションクリップ2セットを撮影した。いずれもマイケル・リンゼイ=ホッグ^[26]が監督を務め、彼は後にローリング・ストーンズの「ロックンロール・サーカス」やビートルズの最後の映画「レット・イット・ビー」を監督した。この映画は6月2日にトップ・オブ・ザ・ポップスで放映された。^[27] 1967年初頭に制作されピーター・ゴールドマン^[28]が監督した「ストロベリー・フィールズ・フォーエバー」と「ペニー・レイン」のカラープロモーションクリップは、プロモーションフィルムのフォーマットを新たなレベルに引き上げた。彼らは、アンダーグラウンド映画や前衛映画から借りた、リバースフィルムやスローモーション、ドラマチックな照明、珍しいカメラアングル、ポストプロダクションで追加されたカラーフィルタリングなどの技術を使用した。1967年末、グループは3本目の映画、1時間のテレビプロジェクト「マジカル・ミステリー・ツアー」を公開した。この映画はグループによって脚本と監督が行われ、 1967年のボクシングデーにBBCで初放送された。当時は物語構造が欠けていたため評判は悪かったが、グループが独自の音楽映画製作者として冒険心を持っていることを示した。^[要出典]

コンサート映画は、1960年代半ば、少なくとも1964年にはTAMIショーで公開されていました。

1965 年にD.A. ペネベイカーが撮影したボブ・ディランの「サブタレイニアン・ホームシック・ブルース」のモノクローム クリップは、ペネベイカーのディラン映画ドキュメンタリー「ドント・ルック・バック」で紹介されました。パフォーマンスをシミュレートしたり物語を提示したりする試みを一切避け、クリップではディランが街の裏路地に立って、一連の大きなキュー カード (曲の歌詞のキーワードが書かれています) を黙々とシャッフルしている様子が映し出されています。

ビートルズ以外にも、多くのイギリスのアーティストが「フィルムインサート」を制作し、バンドがライブ出演できないときにテレビで流せるようにした。ザ・フーは、 1965 年の「 I Can't Explain」のクリップを皮切りに、いくつかのプロモーション クリップに登場した。「 Happy Jack」(1966 年) のストーリー クリップでは、バンドが盗賊団のように行動している。「Call Me Lightning 」(1968 年) のプロモーション フィルムでは、ドラマーのキース・ムーンがバンドに加入した経緯が語られている。他の 3 人のバンド メンバーが、廃墟の格納庫のような場所でお茶を飲んでいると、突然「血まみれの箱」が現れ、そこからタイムラプスで高速に走るムーンが飛び出し、他のメンバーはその後、スピードを上げてドタバタ劇のようにムーンを追いかけてムーンを捕まえ、彼を落ち着かせようとする。ピンク・フロイドは、アンソニー・スターンが監督した「サンフランシスコ：フィルム」、また「スケアクロウ」、「アーノルド・レイン」、 「インターステラー・オーヴァードライブ」など、曲のプロモーション・フィルムを制作した。後者はピーター・ホワイトヘッドが監督し、彼は1966年から1968年にかけてローリング・ストーンズの先駆的なビデオもいくつか制作した。キンクスは、曲の「プロット」プロモーション・ビデオを初めて制作した。彼らのシングル「デッド・エンド・ストリート」（1966年）では、ミニチュア・コミック・ムービーが制作された。BBCは、このビデオが「趣味が悪い」とみなされて放送を拒否したと伝えられている。^[29]

ローリング・ストーンズは1960年代に彼らの曲のプロモーション・クリップに数多く登場した。1966年、ピーター・ホワイトヘッドはシングル「Have You Seen Your Mother, Baby, Standing In The Shadow?」のプロモーション・クリップを2本監督した。 ^[30] 1967年、ホワイトヘッドはストーンズのシングル「We Love You」のストーリー・クリップ・カラーのプロモーション・クリップを監督し、これは1967年8月に初めて放送された。^[31]このクリップでは、スタジオでレコーディングしているグループの早送り映像がフィーチャーされ、当時進行中だったミック・ジャガーとキース・リチャーズの麻薬訴追を明らかにほのめかす模擬裁判が挿入されている。ミック・ジャガーの恋人マリアンヌ・フェイスフルが裁判シーンに登場し、1967年初頭にリチャーズの自宅で起きた麻薬摘発の報道で大きく取り上げられた、悪名高い毛皮の敷物と思われるものを「判事」（リチャーズ）に差し出す。敷物がめくると、足首に鎖を巻かれた、裸のミック・ジャガーが現れる。クリップは、スタジオにいるストーンズのシーンで終わり、そこには以前「ママを見たかい、ベイビー」の「コンサート版」のプロモーション クリップで使われた映像が挿入されている。ストーンズはまた、マイケル・リンゼイ・ホッグ監督による「 2000 Light Years From Home」（アルバム『Their Satanic Majesties Request 』収録）のカラー プロモーション クリップも撮影している。^[30] 1968年、マイケル・リンゼイ・ホッグは彼らのシングル「ジャンピン・ジャック・フラッシュ」/「チャイルド・オブ・ザ・ムーン」の3つのクリップを監督した。「チャイルド・オブ・ザ・ムーン」のカラークリップと「ジャンピン・ジャック・フラッシュ」の2つの異なるクリップである。1968年、彼らはジャン＝リュック・ゴダールと映画「悪魔を憐れむ歌」でコラボレーションし、ゴダールの政治観とレコーディングセッション中の曲の進化のドキュメンタリー映像をミックスした。^[要出典]

1966年、ナンシー・シナトラは彼女の歌「 These Boots Are Made for Walkin' 」のクリップを撮影した。ロイ・オービソンは1968年のヒット曲「Walk On」などのプロモーションクリップに登場した。^[32]

1972年後半から1973年にかけて、アリス・クーパーは『エレクテッド』、『ハロー・フーレイ』、『ノー・モア・ミスター・ナイスガイ』、『ティーンエイジ・ラメント '74』といった一連のプロモーション映画に出演した。また、1972年後半から1973年にかけて、デヴィッド・ボウイは、この時期にボウイと頻繁に仕事をしていたポップ写真家のミック・ロックが監督した一連のプロモーション映画に出演した。ロックは、デヴィッド・ボウイの4枚の連続シングル、「ジョン、アイム・オンリー・ダンシング」（1972年5月）、「ジーン・ジニー」（1972年11月）、1972年12月に米国で再リリースされた「スペース・オディティ」、および1973年にリリースされたシングル「ライフ・オン・マーズ?」 (ボウイの以前のアルバム「ハンキー・ドリー」から引用) のプロモーションのため、4つのクリップを監督および編集した。 「ジョン、アイム・オンリー・ダンシング」のクリップは、わずか200ドルの予算で制作され、 1972年8月19日のレインボー・シアターでのコンサートの午後のリハーサルで撮影された。ボウイとバンドがレコードに合わせて真似をする様子が映し出され、リンゼイ・ケンプのパントマイム一座がステージ上やバックライト付きスクリーンの後ろで踊る映像が挿入されている。このクリップはBBCに却下された。伝えられるところによると、BBCは映画の同性愛的なニュアンスが不快だと感じたためである。そのため、トップ・オブ・ザ・ポップスはバイカーとダンサーの映像に差し替えた。^[33]「ジーン・ジーニー」のクリップは、わずか350ドルで制作され、1日で撮影され、2日もかからずに編集された。コンサート中のボウイとバンドの映像と、黒いステージ衣装を着て白い背景に立つ写真スタジオの映像が交互に挿入されている。また、サンフランシスコの有名なマーズ・ホテルの外で撮影されたボウイとサイリンダ・フォックス（メインマン社の従業員でデヴィッドとアンジー・ボウイの友人）のロケ映像も含まれており、フォックスが路上で挑発的なポーズをとる一方、ボウイは壁にもたれながらタバコを吸っている。^[34]

カントリーミュージックも、曲を宣伝するためにプロモーションフィルムクリップの流行を取り入れた。テレビシリーズ「ヒー・ホー」のプロデューサー、サム・ロヴロは、彼の番組が「実際のところ、最初のミュージックビデオだったもの」を紹介したと説明した。^{[35]一方、JMIレコードは、}ドン・ウィリアムズの1973年の曲「シェルター・オブ・ユア・アイズ」で同じ主張をした。^[36]カントリーミュージックの歴史家ボブ・ミラードは、JMIがウィリアムズの曲に合わせて「3分間の映画を制作」することでカントリーミュージックビデオのコンセプトを開拓したと書いている。^[36]ロヴロによると、彼のビデオは、番組のスタッフが近くの田舎に行って動物や農家を撮影し、特定の曲のストーリーラインに合うように編集することで概念化されたという。「ビデオ素材は、番組にとって非常に実用的な制作アイテムでした」と彼は書いている。 「それは歌に映像ストーリーを提供した。しかし、私たちのゲストの中には、ビデオがレコードの売り上げを伸ばすことを期待していたライブパフォーマンスから注目をそらすと感じた人もいた。ヒット曲があったとしても、コミカルな納屋の映像の下でそれを演奏したくなかったのだ。」このコンセプトに対する賛否両論の反応は、最終的にヒー・ホーの「ビデオ」コンセプトに終止符を打った。^[35]しかし、カントリーミュージックの曲のプロモーション映画は引き続き制作された。^[要出典]

1974年、バンド「スパークス」は彼らの曲「 This Town Ain't Big Enough for Both of Us 」のプロモーションビデオを制作した。^[37]

オーストラリアのテレビ番組『カウントダウン』と『サウンズ』は、どちらも1974年に初放送され、英国の『トップ・オブ・ザ・ポップス』の後を継ぎ、後にオーストラリアやその他の国でミュージックビデオというジャンルとなるものを発展させ普及させる上で重要な役割を果たし、新進アーティストと有名アーティストの新リリースの両方を宣伝する手段としてのプロモーション用フィルムクリップの重要性を確立した。1974年初頭、元ラジオDJのグラハム・ウェッブは、シドニーのATN-7で土曜の朝に放映される毎週のティーン向けテレビ音楽番組を開始した。これは1975年に『サウンズ・アンリミテッド』と改名され、後に単に『サウンズ』に短縮された。番組の素材を必要としていたウェッブは、セブンのニュースルームスタッフであるラッセル・マルケイに近づき、専用のクリップがない人気曲（ハリー・ニルソンの「Everybody's Talkin」など）に合わせてフィルム映像を撮影するよう依頼した。この方法を使って、ウェッブとマルケイは番組用に約25本のクリップを集めた。初期の取り組みの成功により、マルケイはテレビの仕事を辞めて専業ディレクターになり、スタイラス、マーシャ・ハインズ、ハッシュ、AC/DCなど、いくつかの人気オーストラリア人アーティストのクリップを制作した。^[38]人気が高まるにつれ、カウントダウンのタレントコーディネーターのイアン・「モリー」・メルドラムとプロデューサーのマイケル・シュリンプトンは、「フィルムクリップ」が音楽マーケティングの重要な新商品になりつつあることにすぐに気づいた。番組の予算が少なかったにもかかわらず、カウントダウンの初代ディレクターのポール・ドレインは、AC/DCのヒット曲「 It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'n' Roll)」や「Jailbreak 」の名作フィルムクリップなど、特に番組用にいくつかの記憶に残るミュージックビデオを制作することができた。^[38] 1970年代半ばにイギリスに移住した後、マルケイはいくつかの有名なイギリスのポップバンドのプロモーションフィルムを制作し、成功を収めた。初期のイギリスでの作品には、 XTCの「Making Plans for Nigel」（1979年）や、 1981年にMTVで初めて放送されたミュージックビデオとなったバグルスの「Video Killed the Radio Star」（1979年）の画期的なビデオクリップなどがある。

1975年、クイーンはブルース・ガワーズを雇い、BBCの音楽番組トップ・オブ・ザ・ポップスで新曲「ボヘミアン・ラプソディ」を披露するためのプロモーションビデオを制作させた。ロック史家のポール・ファウルズによると、この曲は「ビデオがマーケティング戦略の中心となった初の世界的ヒットシングルとして広く認められている」という。^[39]ローリングストーン誌は「ボヘミアン・ラプソディ」について「MTVが放送される7年前にミュージックビデオを発明したほど、その影響力は計り知れない」と評した。^[40]

1970年代末には、いくつかの国でテレビでのミュージックビデオの放送がますます頻繁になった。ミュージックビデオは、例えば毎週の音楽番組で放送されたり、さまざまな番組に挿入されたりした。例えば米国では、1970年代末の地上波ネットワークでは、ミュージックビデオが音楽番組で放送されることがあった。ミッドナイトスペシャル、ドン・カーシュナーのロックコンサート、そして時折特定のトークショーでも放送された。^[41]

ロックとポップミュージックのビデオクリップのみを放送する番組の世界的先駆者は、ペルーのミュージシャン、ジェラルド・マヌエルが司会を務めるペルーの番組「ディスコ・クラブ」で、MTVが登場する3年前の1978年6月にペルーの国営放送局（ペルー、リマの無料テレビチャンネル7）で放送が開始されました。当初は土曜日の午後7時のみの放送でしたが、好評を博したため、同年11月から毎日放送されるようになりました。

ジェリー・クロウとチャールズ・ヘンダーソンによって制作され、1979年11月1日に開始されたビデオ・コンサート・ホールは^{、アメリカのケーブルテレビで全国放送された最初のビデオ音楽番組であり、MTVより約2年先行していた。 [42] [43] [44] [45]} USAケーブルネットワークの番組「ナイトフライト」は、これらのビデオを芸術形式として紹介した最初のアメリカの番組の1つであった。

1980年、デヴィッド・ボウイの「Ashes to Ashes」のミュージックビデオは、制作費が58万2000ドル（2023年の215万ドルに相当）で、史上最高額の制作費となり、制作費が50万ドルを超えた初のミュージックビデオとなった。 ^{[46]このビデオは、}ソラリゼーションカラーと鮮明な白黒シーンで制作され、防音室や岩の多い海岸など、さまざまな場所で撮影された。 ^[47]このビデオは当時最も象徴的なビデオの1つとなり、その複雑な性質はミュージックビデオの進化において重要なものと見なされている。

同年、ニュージーランドのグループSplit Enz がシングル「I Got You」とアルバムTrue Coloursで大成功を収め、その年の後半にはアルバムの各曲のプロモーション クリップ一式 (監督はパーカッショニストのNoel Crombie ) を制作し、ビデオ カセットで販売した。その 1 年後にはThe Tubesのビデオ アルバムThe Completion Backward Principle がリリースされ、グループのキーボード奏者 Michael Cotten が監督し、ラッセル マルケイが監督した 2 つのビデオ (「Talk to Ya Later」と「Don't Want to Wait Anymore」) が収録された。^[48]最初のミュージック ビデオの中には、元モンキーズのMichael Nesmithが制作したクリップがあり、彼はSaturday Night Liveのために短編ミュージカル映画を作り始めた。^[25] 1981 年、彼は William Dear 監督のミュージック ビデオで初めてグラミー賞を受賞したElephant Parts をリリースした。ビルボード誌は^[42]、独立制作のビデオ・コンサート・ホールをアメリカのテレビで全国的にビデオ音楽番組を放送した最初の番組と評価している。 ^{[43] [44] [45]}

1981 年、米国のビデオ チャンネルMTVが開局し、バグルスの「Video Killed the Radio Star」を放映して、テレビで 24 時間音楽が流れる時代が始まりました。この新しい素材の配信手段により、ミュージック ビデオは 1980 年代半ばまでにポピュラー音楽のマーケティングで中心的な役割を果たすようになりました。この時期の多くの重要なアーティスト、特にマイケル ジャクソン、アダム アンド ザ アンツ、デュラン デュラン、マドンナは、ビデオの巧みな構成と魅惑的な魅力によって大きな成功を収めました。

現代のミュージックビデオの発展における2つの重要な革新は、比較的安価で使いやすいビデオ録画および編集機器の開発と、画像合成などの技術で作成される視覚効果の開発でした。^{[出典が必要]}高品質のカラービデオテープレコーダーとポータブルビデオカメラの出現は、ニューウェーブ時代のDIY精神と一致し、^{[出典が必要]}多くのポップアーティストが、比較的高価なフィルムを使用する場合と比較して、プロモーションビデオを迅速かつ安価に制作することを可能にした。しかし、このジャンルが発展するにつれて、ミュージックビデオのディレクターは、 35mmフィルムを好む媒体にますます目を向け、フィルムとビデオを混合する人もいました。 1980年代には、ほとんどのレコーディングアーティストにとってミュージックビデオは必須のものとなっていました。この現象は、 BBCテレビのコメディ番組「Not The Nine O'Clock News」でパロディ化され、パロディーのミュージックビデオ「Nice Video, Shame About The Song」（タイトルは最近のヒット曲「Nice Legs, Shame About Her Face」のパロディー）が制作されたことで有名になった。

この時期、監督や彼らと仕事をするアーティストたちは、より洗練されたエフェクトをビデオに使用したり、映画とビデオをミックスしたり、ミュージックビデオにストーリーやプロットを追加したりして、このジャンルの形式やスタイルを発見し、拡大し始めました。非具象的形式では、ミュージシャンの姿は映らない。ミュージック・ビデオは主にアーティストの宣伝を目的としているため、このようなビデオは比較的珍しい。1980年代初期の例としては、ブルース・スプリングスティーンの「アトランティック・シティ」、デヴィッド・マレットデヴィッド・ボウイとクイーンの「アンダー・プレッシャー」、イアン・エムズ監督デュラン・デュランの「ザ・ショーファーのビデオの3つがある。非具象的スタイルの後期の顕著な例としては、ビル・コーナーズマンが1987年にの「サイン・オブ・ザ・タイムズ」^[49]。これはディランの「サブタレニアン・ホームシック・ブルース」のクリップに影響され、歌詞のテキストのみをフィーチャーした。

1980年代初頭、ミュージックビデオは政治的、社会的テーマも取り入れるようになった。例えば、デヴィッド・ボウイの「チャイナ・ガール」と「レッツ・ダンス」（1983年）のミュージックビデオは、どちらも人種問題を取り上げている。^[50] 1983年のインタビューで、ボウイは社会問題に取り組む上でミュージックビデオを使うことの重要性について次のように語っている。「ビデオという形式を、ある種の社会観察のプラットフォームとして使ってみよう。ただ、出演歌手のパブリックイメージを高めるためにビデオを無駄にするのはやめよう」。^[51]

1983年、史上最も成功し、影響力があり、象徴的なミュージックビデオの1つがリリースされた。ジョン・ランディス監督によるマイケル・ジャクソンの曲「スリラー」の約14分のビデオである。このビデオは、80万ドルの撮影費がかかり、制作の新しい基準を設定した。^{[52] [53]}「スリラー」のビデオは、ジャクソンの以前の曲「ビリー・ジーン」や「ビート・イット」のビデオとともに、アフリカ系アメリカ人アーティストのミュージックビデオがMTVで放送されるきっかけとなった。ジャクソンの成功以前は、アフリカ系アメリカ人アーティストのビデオがMTVで放送されることはめったになかった。MTVによると、これは当初ロックミュージック志向のチャンネルとして考えられていたためであるが、ミュージシャンのリック・ジェームスはケーブルチャンネルに対する批判を公然と展開し、1983年にMTVが彼の曲「スーパー・フリーク」のミュージックビデオや他のアフリカ系アメリカ人パフォーマーのクリップの放送を拒否したことは「露骨な人種差別」であると主張した。^[54]イギリスのロック歌手デヴィッド・ボウイも最近、「スリラー」のリリース前にMTVと行ったインタビューでMTVを激しく非難し、MTVが黒人アーティストを軽視していることに「驚いた」と述べ、「実際に見られる数少ない黒人アーティスト」のビデオが誰も見ていない午前2時から午前6時までしかMTVで放送されていないことに注目した。^[55]

MTV は、1983 年に地上波ネットワーク NBC で開始されたFriday Night Videosや、1982 年に開始されたMV3など、他のアメリカのテレビ チャンネルで放映されるミュージック ビデオ番組にも影響を与えています。

1983年3月5日、カントリー・ミュージック・テレビジョン（CMT）が開局した。^[56]グレン・D・ダニエルズによって創設され、テネシー州ヘンダーソンビルのビデオ・ワールド・プロダクションズ施設からアップリンクされた。マッチミュージックのビデオチャンネルは1984年にカナダで開局された。1984年、MTVはMTVビデオ・ミュージック・アワード（後にVMAとして知られる）も開始した。これは音楽業界におけるMTVの重要性を強調することになる年次賞イベントである。最初のイベントでは、ビートルズとデヴィッド・ボウイがミュージックビデオの先駆者としての功績 を称えられ、ビデオ・ヴァンガード賞を受賞した。

1985年、MTVのバイアコム（現パラマウント）は、よりソフトな音楽を特徴とし、MTVに飽きてきたやや年上のベビーブーマー世代をターゲットにしたチャンネルVH1 （当時は「VH-1: Video Hits One」と呼ばれていた）を開設した。国際的には、 MTVヨーロッパが1987年に、MTVアジアが1991年に開設された。ミュージックビデオにおけるもう1つの重要な発展は、 1986年に英国のチャンネル4で開始されたThe Chart Showである。これは、プレゼンターなしで、完全にミュージックビデオで構成された番組（当時、多くのビデオが英国のテレビで放送していた唯一の手段^[57]）だった。代わりに、ビデオは当時最先端のコンピュータグラフィックスでリンクされていた。この番組は1989年にITVに移った。

1985年のダイアー・ストレイツの曲「マネー・フォー・ナッシング」のビデオは、コンピュータアニメーションを先駆的に使用し、この曲が世界的にヒットする一因となった。この曲自体は、ミュージックビデオ現象に対する皮肉なコメントであり、MTVに登場する奇抜な画像や人物に惹かれ、また反発する家電配達員の視点から歌われている。1986年、ピーター・ガブリエルの曲「スレッジハンマー」は、イギリスのスタジオ、アードマン・アニメーションズが開発した特殊効果とアニメーション技術を使用した。「スレッジハンマー」のビデオは驚異的な成功を収め^[58]、MTVビデオミュージックアワードを9回受賞した。同年、クラフトワークは曲「ミュージック・ノンストップ」をリリースした。このビデオでは、グループの3Dアニメーションがフィーチャーされていた。これはニューヨーク工科大学のレベッカ・アレンとのコラボレーションであり、しばらくの間MTVで継続的に放映された。 ^[59]

1988 年に「Yo! MTV Raps」という番組が始まり、この番組によって初めて ヒップホップ ミュージックが大衆に広まりました。

1992年11月、MTVはクリス・カニンガム、ミシェル・ゴンドリー、スパイク・ジョーンズ、フローリア・シジスモンディ^[60] 、ステファーヌ・セドナウイ、マーク・ロマネク、ハイプ・ウィリアムズらが制作したビデオの放映を開始した。彼らは皆、この頃にキャリアをスタートし、監督したビデオに独特のビジョンとスタイルをもたらした。ゴンドリー、ジョーンズ、シジスモンディ[61]、F・ゲイリー・グレイなど、これらの監督の中には後^に長編映画の監督になった者もいる。これは、ラッセ・ハルストレムやデヴィッド・フィンチャーなどの監督によって以前に始まった傾向を引き継いだものであった。

1995年にロマネクが監督したビデオのうち2本は、史上最も製作費のかかったミュージックビデオ3本のうちの2本として有名である。マイケルとジャネット・ジャクソンの「スクリーム」は製作費が700万ドルとされ、マドンナの「ベッドタイム・ストーリー」は500万ドルと報じられている。このことから、「スクリーム」は現在までに最も製作費のかかったビデオであることがわかる。1990年代半ばから後半にかけて、ウォルター・スターンはザ・プロディジーの「ファイアスターター」 、ザ・ヴァーヴの「ビター・スウィート・シンフォニー」、マッシヴ・アタックの「ティアドロップ」を監督した。^{[62] [63]}

この期間中、MTV は、1993 年にMTV Latin America、 1996 年にMTV India、 1997 年にMTV Mandarinなど、各地域で制作されたミュージック ビデオを放送するチャンネルを世界中に開設しました。MTV2は、当初「M2」と呼ばれ、よりオルタナティブで古いミュージック ビデオを放送することを目的として 1996 年にデビューしました。

1999年、マライア・キャリーの『ハートブレイカー』（ゲストラッパーのジェイ・Zをフィーチャー）は、250万ドルを超える費用がかかり、史上最も高価なアルバムの一つとなった。 ^[64]

1991年から2001年まで、ビルボードは独自のミュージックビデオアワードを開催していました。

ミュージックビデオなどの短編動画をホストするウェブサイトiFilmは、1997年に開設されました。1999年から2001年まで運営されていたピアツーピアのファイル共有サービスNapsterでは、ミュージックビデオなどの動画ファイルをユーザーが共有できました。2000年代半ばまでに、MTVとその姉妹チャンネルの多くは、視聴者に人気のリアリティ番組を優先してミュージックビデオの放送をほぼやめ、 MTV自身も1992年に初放送された番組The Real Worldでその先駆けとなりました。

2005 年にはYouTubeが開始され、オンライン ビデオの視聴がはるかに高速かつ容易になりました。Googleビデオ、Yahoo! ビデオ、Facebook、Myspaceのビデオ機能も同様の技術を使用しています。このような Web サイトはミュージック ビデオの視聴に大きな影響を与え、一部のアーティストはビデオの大部分またはすべてをオンラインで視聴できるようになったことで成功を収め始めました。バンドのOK Go は、この成長するトレンドに乗じ、2005 年の「A Million Ways」と 2006 年の「Here It Goes Again 」という 2 つの曲のビデオで名声を獲得しました。どちらの曲も最初はオンラインで有名になりました (OK Go は 2010 年に「 This Too Shall Pass 」という曲の別のハイコンセプトのビデオでこのトリックを繰り返しました)。

AppleのiTunes Store は、サービス開始時に、 iTunes アプリケーションで視聴できる高品質圧縮の無料ミュージック ビデオのセクションを提供しました。最近では、iTunes Store はビデオ再生機能を備えた Apple のiPodで使用できるミュージック ビデオの販売を開始しました。

ウィーザーの2008年のビデオ「ポーク・アンド・ビーンズ」も、少なくとも20人のYouTubeセレブを起用することでこの傾向をとらえており、チャートでのパフォーマンスにおいてウィーザーのキャリアの中で最も成功したシングルとなった。2007年、RIAAは、音楽レーベルの所有物であるビデオを個人ユーザーが共有することを阻止するために、 YouTubeユーザーに対して停止命令書を発行した。Googleとの合併後、YouTubeはRIAAに対して、大手レコードレーベルとの一括契約を通じてロイヤリティを支払う方法を見つけると確約した。 ^[要出典]すべてのレーベルがミュージックビデオに対して同じポリシーを持っているわけではないという事実によって、これは複雑であった。一部のレーベルは、ミュージックビデオの開発を歓迎し、さまざまなオンラインアウトレットに自分でミュージックビデオをアップロードし、ミュージックビデオをアーティストの無料広告と見なしているが、他のレーベルはミュージックビデオを広告ではなく製品そのものと見なしている。

MTVは、ミュージックビデオの放送に向けた方向転換をさらに示すため、2010年2月8日に、ライブ放送で目立つようになった脚本のないリアリティ番組やその他の若者向けエンターテインメントへの取り組みの強化に応じて、ロゴからミュージックテレビのキャッチフレーズを正式に削除しました。^[65]

Vevoは、いくつかの大手音楽出版社によって立ち上げられたミュージックビデオサービスで、2009年12月にデビューしました。^[66] VevoのビデオはYouTubeに配信され、GoogleとVevoが広告収入を分け合っています。^[67]

2017年現在、YouTubeで最も視聴された英語のビデオは、エド・シーランの「 Shape of You」でした。2018年現在、YouTubeで最も視聴されたリミックスビデオは、ニオ・ガルシア、ダレル、ニッキー・ジャム、バッド・バニー、オズナをフィーチャーしたキャスパー・マジコの「 Te Bote 」でした。

2006年頃、インターネット放送への移行とYouTubeなどのユーザー生成ビデオサイトの人気の高まりを受けて、さまざまな独立系映画製作者がライブセッションを録画してウェブで公開する映画を作り始めました。これらの迅速に録画されたクリップはすべて最小限の予算で作成され、 90年代初期のローファイ音楽ムーブメントと同様の美学を共有しています。映画のようなハイプロダクションクリップのますます重荷となる財政的要件からの自由を提供するこの方法は、無名のインディーズ音楽アーティストがより多くの聴衆に自分自身を紹介する唯一の方法として始まりましたが、このアプローチはREMやトムジョーンズなどのメジャーな主流アーティストによってますます採用されています。^[68]

2010年代後半には、一部のアーティストがミュージックビデオに加えて、モバイルデバイスに合わせた代替の縦型動画をリリースし始めました。これらの縦型動画は一般的にプラットフォーム限定です。 ^{[69]これらの縦型動画は、} Snapchatの「Discover」セクションやSpotifyのプレイリストに表示されることがよくあります。^{[70]縦型動画のリリースを早期に採用したアーティストには、}カミラ・カベロのナンバーワンヒット曲「Havana」や、カーディ・Bをフィーチャリングしたマルーン5の「Girls Like You」などがあります。ビリー・アイリッシュの「 Idontwannabeyouanymore 」は、YouTubeで最も視聴されている縦型動画です。

歌詞ビデオは、曲の歌詞がビデオの主な視覚的要素となるタイプのミュージック ビデオです。そのため、比較的簡単に作成でき、従来のミュージック ビデオの補足ビデオとして使用されることがよくあります。

REMの1986年の曲「Fall on Me 」のミュージックビデオでは、歌詞と抽象的な映像が交互に使われた。1987年、プリンスは自身の曲「 Sign o' the Times 」のビデオをリリースした。このビデオでは、ビル・コナーズマンが考案した効果で、歌詞が音楽に合わせて脈動し、抽象的な幾何学的図形と並んで表示された。^{[71] [72]}翌年、トーキング・ヘッズのシングル「(Nothing But) Flowers」のビデオがリリースされた。このビデオでは、歌詞がバンドのメンバーの上に重ねられたり、メンバーの隣に表示されたりしている。1990年、ジョージ・マイケルは「Praying for Time」を歌詞ビデオとしてリリースした。彼は伝統的なミュージックビデオの制作を拒否したため、彼のレーベルは曲の歌詞を黒い画面に表示するシンプルなクリップをリリースした。^[73]

歌詞ビデオは、アーティストがYouTubeなどのウェブサイトを通じてビデオを配布することが比較的容易になった2010年代に、より大きな注目を集めるようになった。^[74]多くのビデオでは、ミュージシャンに関連するビジュアルは使用されず、単に背景に歌詞が表示され、その上に曲の中で歌われている歌詞が表示されるだけである。^[74] 2011年、デスメタルバンドのKrokmitënがアルバム全体にわたる初の歌詞ビデオ「Alpha-Beta」をリリースした。^[75]このコンセプトアルバムのビデオでは、音楽に合わせて脈動するイメージと、バンドリーダーのSimlevが作成した様式化されたタイポグラフィが特徴的だった。2017年現在、ボーカリストHalseyをフィーチャーしたチェインスモーカーズの2016年の曲「 Closer 」は、YouTubeで最も視聴されている歌詞ビデオである。^[76]

ミュージック ビデオの概念と媒体は芸術的表現の一形態であるため、アーティストはコンテンツが不快であるとみなされた場合、何度も検閲を受けてきました。不快と見なされるものは、検閲法や現地の慣習や倫理により、国によって異なります。ほとんどの場合、レコード レーベルはアーティストに編集されたビデオを提供して配布するか、検閲済みと検閲なしの両方のビデオを提供します。場合によっては、放送するにはあまりにも不快であるとみなされ、ミュージック ビデオ全体が禁止されることが知られています。

MTVが最初に放送を禁止したビデオは、クイーンの 1982 年のヒット曲「ボディ ランゲージ」だった。同性愛的な含みが薄々隠されており、肌や汗が多量に露出していた (ただし、クイーンのメンバーが着ている衣服以外は明らかに衣服が足りなかった) ため、当時のテレビ視聴者には不適切と判断された。しかし、MTV は、オリビア ニュートン ジョンの 1981 年のヒット曲「フィジカル」のビデオを放送した。このビデオでは、ストリング ビキニでトレーニングする男性モデルが彼女の誘いをはねのけ、最終的に手をつないで男性用ロッカー ルームまで歩いていく場面にカメラ タイムをたっぷりと割いたが、一部の放送では、同ネットワークは、あからさまな同性愛の「暴露」が終わる前にビデオを終了した。デュラン デュランの「ガールズ オン フィルム」のビデオは、トップレスの女性が泥レスリングをするなど、性的フェティシズムを描写していたが、 BBCによって放送を禁止された。MTV は、大幅に編集された形ではあったものの、このビデオを放送した。

ローラ・ブラニガンは1984年にMTVから「セルフ・コントロール」のビデオ編集の要請を受けた際、当初は抗議したが、ウィリアム・フリードキン監督のクリップの放送をネットワーク側が拒否したため、態度を軟化させた。このクリップでは、ローラはマスクをかぶった男に誘われて、次第に堕落しつつも様式化されていった一連のナイトクラブを回り、最終的にベッドに連れ込まれる。1989年、シェールの「イフ・アイ・クッド・ターン・バック・タイム」のビデオ（歌手が船員で満員の歓声を上げる中、露出度の高いボディスーツで歌を披露）は、MTVの深夜放送に限定された。セックス・ピストルズの「ゴッド・セイヴ・ザ・クイーン」のビデオは、BBCによって「ひどく悪趣味」であるとして禁止された。モトリー・クルーの「ガールズ、ガールズ、ガールズ」のビデオは、ストリップクラブでバンドのメンバーの周りで全裸の女性が踊っているという理由でMTVによって禁止されたが、MTVが認めた別のバージョンも制作された。

1983年、エンターテイメント・トゥナイトは検閲と「ロックビデオの暴力」に関するコーナーを放送した。このエピソードでは、1980年代初頭のMTVロックビデオの暴力が若者に与えた影響について探った。マイケル・ジャクソン、デュラン・デュラン、ゴールデン・イヤリング、キッス、カンサス、ビリー・アイドル、デフ・レパード、パット・ベネター、ローリング・ストーンズのミュージックビデオの抜粋が放映された。全米テレビ暴力連合のトーマス・ラデッキ博士はインタビューを受け、新興のロックビデオ業界は暴力が多すぎると非難した。ナイト・トラックスのプロデューサー、トム・リンチは、ビデオ暴力論争の影響について意見を述べた。レコーディングアーティストのキッスのジョン・クーガー・メレンキャンプ、ジーン・シモンズ、ポール・スタンレー、およびディレクターのドミニク・オーランドとジュリアン・テンプルは、自分たちの作品を擁護した。このエピソードの結論は、論争は今後も拡大し続けるだろうというものだった。アーティストの中には、検閲を宣伝手段として利用した者もいる。1980年代、トップ・オブ・ザ・ポップスの番組はビデオコンテンツに対して検閲的なアプローチをとったため、一部のアーティストは検閲されることを承知でビデオを制作し、その結果生じる世論の論争を利用してリリースを宣伝した。この戦術の例としては、前述のデュラン・デュランの「ガールズ・オン・フィルム」や、バーナード・ローズ監督のフランキー・ゴーズ・トゥ・ハリウッドの「リラックス」などがある。

1991年、マイケル・ジャクソンの「ブラック・オア・ホワイト」のダンス部分は、ジャクソンが「不適切に」自分自身を触るシーンがあったためカットされた。最も物議を醸したビデオ「ゼイ・ドント・ケア・アバウト・アス」は、歌に反ユダヤ主義のメッセージが含まれているとされ、ビデオの「刑務所バージョン」の背景の映像が理由となり、MTV、VH1、BBCで放映禁止となった。^[77]

マドンナはミュージックビデオの検閲に最も関係のあるアーティストです。マドンナの性的指向を売り込むことをめぐる論争は「Lucky Star 」のビデオから始まり、「 Like a Virgin 」などのクリップによって時とともに拡大しました。「 Papa Don't Preach 」のビデオで取り上げられた主題（10代の妊娠に関するもの）に対して抗議が起こりました。「Like a Prayer」は宗教的、性的、人種的なイメージのために激しい批判を招きました。1990年、マドンナの「Justify My Love 」のミュージックビデオは、サドマゾヒズム、同性愛、女装、グループセックスの描写がメディアの激しい批判を引き起こしたため、MTVによって禁止されました。カナダでは、ミュージックビデオネットワークのMuchMusicによる「Justify My Love」の放送禁止をめぐる議論がきっかけとなり、1991年にToo Much 4 Muchが開始された。これは不定期の深夜特別番組（2000年代初頭まで放送されていた）で、MuchMusicによって公式に禁止されたビデオが放送され、その後、なぜそれらのビデオが削除されたのかについてパネルディスカッションが行われた。

1992年、ザ・シャーメンの曲「エベニーザー・グッド」のビデオは、娯楽用薬物エクスタシーを潜在的に推奨しているとみなされたため、BBCによって禁止された。^[78]ザ・プロディジーの1997年のビデオ「スマック・マイ・ビッチ・アップ」は、薬物使用とヌードの描写のため、一部の国で禁止された。ザ・プロディジーの「ファイアスターター」のビデオは、放火に言及しているため、BBCによって禁止された。 ^[79]

1993年、オーストラリアのロックバンドINXSの曲「The Gift」は、飢餓、汚染、戦争、テロのイメージとともにホロコーストや湾岸戦争の映像を使用しているため、MTVで禁止されました。これと同様に、メタルバンドToolのミュージックビデオ「Prison Sex」も、ビデオと歌詞が児童虐待というデリケートな問題に触れているため、MTVで禁止されました。

2000年、ロビー・ウィリアムズの「ロックDJ」のミュージックビデオは、ウィリアムズが裸になり、皮膚を剥がして血まみれの肉体を露わにし、続いて筋肉と臓器を引き裂いて血まみれの骸骨にするという、ビデオの生々しい内容のために論争を巻き起こした。このビデオは英国では日中は検閲され、午後10時以降は編集なしで放送された。このビデオはドミニカ共和国では悪魔崇拝の疑いで禁止された。^[80]

2001年、ビョークの「ペイガン・ポエトリー」のビデオは、性交、フェラチオ、ボディピアスの描写のためMTVで禁止された。次のシングル「コクーン」も、ビョークの裸体がフィーチャーされていたためMTVで禁止された（裸体は通常、赤い紐で留められたぴったりしたボディスーツであった）。

2002年、tATuの「All the Things She Said」のビデオは、ロシアの少女レナ・カティナとユリア・ヴォルコヴァが抱き合い、やがてキスをするシーンがフィーチャーされていたため、物議を醸した。イギリスのテレビ司会者リチャードとジュディは、学校の制服や少女のキスシーンが「小児性愛者」を喜ばせているとしてビデオの放送禁止を求める運動を起こしたが、運動は失敗に終わった。この物議に乗じて、キスシーンはライブパフォーマンスに組み入れられた。トップ・オブ・ザ・ポップスは、キスシーンを観客の映像に置き換えて少女たちのパフォーマンスを放送した。NBCのジェイ・レノのトゥナイト・ショーは、少女たちのキスシーンをバンドの映像に切り替えた。プロモーションツアー中、tATuは「検閲済み」と書かれたシャツを着て登場することで抗議した。

2004年、マルーン5の「This Love」のミュージックビデオは、フロントマンのアダム・レヴィーンと当時の恋人との親密なシーンにより物議を醸した。これらのシーンは戦略的なアングルで撮影されていたが、より多くのシーンを隠すためにコンピュータで生成された花の流れが追加された検閲版がリリースされた。マリリン・マンソンの「 (s)AINT」のミュージックビデオは、暴力と性的な内容のためレーベルから禁止された。翌年、エミネムの「 Just Lose It 」のミュージックビデオは、マイケル・ジャクソンの2005年の児童性的虐待裁判、整形手術、ペプシのCM撮影中に髪が燃えるというパロディで物議を醸した。このミュージックビデオはBETで禁止され、ジャクソンはこのビデオについて「私や私の子供たち、家族、そしてコミュニティ全体に対して不適切で無礼」だとして反対を表明した。 2004年、多くの家族団体や政治家が、エリック・プライズのビデオ「Call on Me」に女性が性的に挑発的なダンスを踊るシーンが含まれているとして、ビデオの禁止を求めてロビー活動を行ったが、ビデオは禁止されなかった。

2005年時点で、エジプトの国家検閲委員会は、イスラム教の道徳観念により、性的な意味合いを持つ少なくとも20本のミュージックビデオを禁止した。^[81]ジェシカ・シンプソンがデイジー・デューク役で出演した「These Boots Are Made for Walkin'」のミュージックビデオは、シンプソンが「露出度の高い」衣装を着て、ビキニ姿でジェネラル・リーの車を洗うシーンが取り上げられたことで物議を醸した。^[82]この論争の結果、ミュージックビデオは一部の国で禁止された。^[83]

2008年、ジャスティスの曲「ストレス」のビデオは、人種差別と暴力の疑いでいくつかの大手音楽テレビ局からボイコットされた。ビデオでは、パリの街中でさまざまな犯罪を犯している若者たちが描かれており、その若者たちは主に北アフリカ系だった。^[84]

カントリーミュージックはビデオコンテンツに関する論争をほとんど避けてきたが、決して免れてきたわけではない。2003年のラスカル・フラッツの曲「I Melt 」のミュージックビデオは、ギタリストのジョー・ドン・ルーニーの裸のお尻やモデルのクリスティーナ・オーリアが裸でシャワーを浴びているクリップで悪評を得た好例である。 ^[85]このビデオはCMTで初めて放送されたヌードビデオであり、^[86]最終的にはネットワークの「トップ20カウントダウン」プログラムで1位になった。^[87]しかし、グループが編集版のリリースを拒否したため、 GACはビデオを禁止した。^[86]

2010年、サーティー・セカンズ・トゥ・マーズのビデオ「ハリケーン」は、暴力、ヌード、セックスの要素が大きかったため検閲された。^[88]この短編映画は後にテレビで放映できるクリーンバージョンでリリースされた。^[89]露骨なバージョンはバンドの公式サイトで18歳以上の視聴証明書があれば視聴できる。^[90]

2010年、レディー・ガガのビデオ「Telephone」がMTVで禁止されたという噂が広まり、一部の報道機関にも伝わった。噂によると、MTVはビデオの内容が自社の番組で放送できないため禁止したという。MTVは禁止を否定し、ヨーロッパのMTV番組で頻繁にビデオを放送した。^{[91]レディー・ガガの以前のビデオも性的な内容を示唆する内容で批判を集めており、「} LoveGame 」のビデオはオーストラリアのミュージックビデオ番組「Video Hits 」では放送されなかったが、他のオーストラリアの番組では無修正で放送された。「 Alejandro」のビデオは、歌手が修道女の修道服の赤いラテックスフェティッシュバージョンを着てレイプを模倣し、ロザリオを飲み込んでいるように見えることをカトリック連盟が批判した。^[92]

シアラの「ライド」のビデオはBETによって禁止されたが、ネットワーク側はビデオが性的に刺激的すぎると理由を述べた。その後、このビデオはすべてのイギリスのテレビ局でも禁止された。^[93]

2011年、バルバドス出身の歌手リアーナが縛られた白人男性を鞭打ち、人質をとり、レズビアンのキスにふける「 S&M 」のビデオは11カ国で禁止され、YouTubeでは18歳未満の視聴者には不適切であるとフラグが立てられた。^[94]

2019年、リル・ナズ・Xのバイラルソング「オールド・タウン・ロード」は、ビルボードホット100チャートで最も長く1位を獲得した曲となった。しかし、論争を巻き起こしたのは、2021年にリリースされた「モンテロ（君の名前で僕を呼んで）」という続編だった。「モンテロ」のミュージックビデオでは、リル・ナズ・Xがサタンにラップダンスを披露するシーンなど、さまざまな挑発的なシーンが盛り込まれている。このビデオは、悪魔主義と不道徳を助長するものとみなした保守派や宗教団体から広く批判された。リル・ナズ・Xは、これは単に自分のセクシュアリティを表現し、社会規範に挑戦する方法に過ぎないと擁護して反発に応えた。彼は、MSCHFという会社と共同で作った「サタンシューズ」など、自身の商品を宣伝することで、この論争に関して利益を得た。この靴の奇妙なところは、それぞれの靴に本物の人間の血が入っていることだ。 「モンテロ」をめぐる論争は、結局この曲をさらに大きな成功へと導くこととなり、ビルボードホット100で初登場1位を獲得し、音楽とビジュアルに対する大胆かつ革新的なアプローチで批評家から賞賛を浴びた。^[95]

2023年、サム・スミスのミュージックビデオ「 I'm Not Here To Make Friends」が批判され、検閲されるべきかどうか議論された。批評家はミュージックビデオが性的な内容で、無責任で不適切であり、社会に良くないと主張したが、ITVのグッドモーニングブリテンでの議論では、80年代や90年代のマドンナのミュージックビデオと何ら変わらず似ているかどうかが問われた。支持者は、数十年前に成功したロッキー・ホラー・ショーやフランキー・ゴーズ・トゥ・ハリウッドの「リラックス」のミュージックビデオと何ら変わらないと主張した。^[96]

2023年、ジェイソン・アルディーンのミュージックビデオ「トライ・ザット・イン・ア・スモール・タウン」が物議を醸したためCMTによって禁止された。歌詞には「老婦人の車を奪う」「警官を罵倒する」「国旗を踏みつける」など、大都市では起きると思われる行動が小さな町では好まれないと表現されていた。テネシー州選出の民主党下院議員ジャスティン・ジョーンズはツイッターでこの曲を非難し、「銃過激主義と自警行為の恥ずべきビジョン」を助長する「人種差別的暴力を呼びかける凶悪な歌」と評した。

その後アルディーンはツイッターで自らを弁護し、リンチ賛成の歌をリリースしたとして不当に非難されたと主張し、2020年のブラック・ライブズ・マター抗議活動には「あまり満足していない」と述べた。^[97]

ミュージック・ビデオは、ビデオテープ、レーザーディスク、DVD、ブルーレイなどの物理フォーマットで商業的にリリースされてきた。オーディオ・アルバムと同様に、ビデオ・アルバムは複数のミュージック・ビデオを1枚のディスクに収録した長編リリースである。ビデオ・アルバムの市場は、オーディオ・アルバムやオーディオ・シングルに比べてかなり小さい。ビデオ・アルバムは、レコード会社が小売店に5万枚を出荷すると、全米レコード協会（RIAA）からゴールド認定を受ける資格があるが、オーディオ・アルバムとシングルは、ゴールド認定を受けるには50万枚を出荷する必要がある。^[98]初期のビデオ・アルバムの1つは、アメリカのロックバンド、ブロンディのEat to the Beat（1979年）で、同名の4枚目のスタジオ・アルバムのすべてのトラックのミュージック・ビデオを収録したビデオカセットであった。ジョン・ローズマン・プロダクションのポール・フラタリーがプロデュースし、デビッド・マレットが監督した。ミュージックビデオはニューヨークとニュージャージーで撮影され、いくつかの曲ではバンドがコンサート形式で演奏し、他の曲では曲の歌詞に基づいたシナリオになっている。^[99]もう一つの人気ビデオアルバムはオリビア・ニュートン＝ジョンの『オリビア・フィジカル』（1982年）で、第25回グラミー賞でビデオ・オブ・ザ・イヤーを受賞した。^[100]このビデオコレクションには、彼女の9枚目のスタジオアルバム『フィジカル』（1981年）からのすべての曲のミュージックビデオが収録されている。

ビデオアルバムの人気が高まったため、ビルボード誌は1985年3月30日に米国で週間ベストセラーのミュージックビデオ販売ランキング「トップ・ミュージック・ビデオカセット・チャート」（現在はミュージックビデオ販売チャートとして知られている）を導入した。 ^[101]最初のチャートトップは、ティナ・ターナーのビデオカセット『プライベート・ダンサー』 （1984年）で、 4つのミュージックビデオが収録されていた。^[102]オフィシャル・チャート・カンパニーは1994年1月30日にイギリスで同様のチャートを開始し、ブライアン・アダムスの『ソー・ファー・ソー・グッド』が1位を獲得した。^[103] RIAAによれば、イーグルスの『フェアウェル1ツアー-ライブ・フロム・メルボルン』（2005年）は30回のプラチナ（出荷数300万個）を獲得し、最も認定された長編ミュージックビデオであり、 ^[104]ローリング・ストーンズの『フォー・フリック』 （2005年）は19回のプラチナ（出荷数190万個）を獲得し、最も認定されたミュージックビデオボックスセットである。 ^[105]

ビデオシングルには、ビデオテープ、レーザーディスク、または DVD の形式で、最大 3 つのミュージックビデオが含まれます。1983 年、イギリスのシンセポップバンド、ヒューマンリーグが、 VHS とベータマックスの両方で、ヒューマンリーグビデオシングルというタイトルの最初の商業ビデオシングルをリリースしました。 ^[106] 7 インチビニールシングルの約 1.99 ポンドと比較して、10.99 ポンドという高い小売価格のため、商業的には大きな成功とは言えませんでした。VHS シングルは、MTVによってビデオがブラックリストに載せられた後、マドンナが1990 年にビデオシングルとして「Justify My Love 」をリリースしたときに、主流の人気を高めました。「Justify My Love」は、史上最も売れたビデオシングルであり続けています。^[107]

DVD シングルは、ビデオテープ シングルの代替として 1990 年代後半に導入されました。米国の多くのレコード会社はCD シングルの発行を拒否しましたが、DVD シングルは積極的に発行し、人気のある DVD シングルには、ケリー クラークソンの「A Moment Like This」、ジェシカ シンプソンの「With You」、ビヨンセの「Crazy in Love」、クリスティーナ アギレラの「Fighter」、ブリトニー スピアーズの「Toxic」、アイアン メイデンの「Satellite 15... The Final Frontier」などがあります。RIAA によると、ミュージック ビデオ シングルは、ビデオごとに 1 ～ 2 曲、または再生時間が 15 分未満と定義されています。2003 年には、RIAA によって最初のプラチナおよびゴールド認定のミュージック DVD シングルが認定されました。^[108]アメリカで注目に値する初期のDVDシングルとしては、スライ&ロビーの「スーパースラスター」（1999年）、ビョークの「オール・イズ・フル・オブ・ラヴ」（1999年）、マドンナの「ミュージック」（2000年）などがある。^[109]

イギリスでは最大3つの物理フォーマットがチャートの対象となっており、DVDシングルはかなり一般的である（シングルはDVDのほか、CDやビニールレコードでも入手可能）。他のシングルフォーマットと同様に、DVDシングルの生産数は限られているため、コレクターズアイテムとなることが多い。DVDシングルは、アーティストが2000年代初頭にリリースし始めたときにCDシングルが減少し始めていたため、イギリスではあまり人気が出なかった。DVDシングルは高価であるとも思われていた。一部のアーティストはDVDシングルをリリースせず、代わりにミュージックビデオをCDシングル/アルバムの拡張コンテンツとして収録した。

2000 年代初頭から、日本のアーティストはシングルを CD+DVD 形式でリリースするようになりました。日本の歌手、浜崎あゆみは「CD+DVD 形式の生みの親」として知られています。その一例が、2005 年のシングル「フェアリーランド」です。CD+DVD 形式はより高価で、通常は 1 つ以上のミュージック ビデオが含まれ、時には「メイキング」セクションやその他のボーナス マテリアルが含まれます。

日本の音楽コングロマリットHello! Projectは、ほぼすべてのCDシングルリリースに対応するDVDシングルをリリースしました。同社はこれをシングルVと呼んでいます。シングルVには通常、タイトル曲のミュージックビデオとそのバージョンのいくつかとメイキングが含まれています。時々、Hello! ProjectファンクラブイベントでイベントV (エベントV )がリリースされ、プロモーションビデオの代替ショットや、舞台裏の映像や他では公開されていない写真撮影からの映像などのボーナス映像が提供されます。2017年現在、シングルVはリリースされなくなり、代わりにHello! ProjectのメンバーはCDシングルの限定版に含まれるDVDにミュージックビデオを収録しています。日本ではDVDシングルのランキングが存在しないことから、DVDシングルは人気があり、一般的なオリコンDVD売上チャートにランクインしています。

非公式のファンが作成したミュージックビデオは、通常、テレビ番組や映画などの他のソースからの既存の映像を曲と同期させることによって作成されます。最初のファンビデオ、またはソングビッドは、 1975年にキャンディ・フォンによって作成され、スタートレックの静止画像をスライドカルーセルにロードし、曲に合わせて再生しました。^[110]ビデオカセットレコーダーを使用して作成されたファンビデオはすぐに続きました。^[111] インターネットでの簡単な配布と安価なビデオ編集ソフトウェアの登場により、ファンが作成したビデオは1990年代後半に広く注目され始めました。

非公式ビデオのよく知られた例としては、デンジャー・マウスの『ザ・グレイ・アルバム』からの違法マッシュアップであるジェイ・Zのトラック「アンコール」とビートルズの『ホワイト・アルバム』からサンプリングした音楽があり、ビートルズのコンサート映像がジェイ・Zとヒップホップダンサーの映像とリミックスされている。^[112]

2004年、南アフリカのプラシーボファン^[113]がバンドの曲「イングリッシュ・サマー・レイン」のクレイアニメビデオを制作し、バンドに送った。彼らはその結果を大変気に入り、そのビデオはバンドのベストヒットDVDに収録された。^[114]

2016年、ビートルズの曲「カム・トゥゲザー」のFlashアニメーションがビートルズのブルーレイディスクに収録されました。

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