シルエットアニメーション

シルエットアニメーションは、キャラクターが黒いシルエットとしてのみ表示されるアニメーションです。これは通常、関節のある段ボールの切り抜きにバックライトを当てることで実現されますが、他の方法もあります。これは部分的に影絵からヒントを得ていますが、いくつかの理由から技術的には異なります。

ヨーロッパの影絵 ( ombres chinoises ) とヨーロッパのシルエット カッティング ( Etienne de SilhouetteとJohann Caspar Lavater ) の両方に触発された映画におけるシルエット アニメーションという媒体は、ほぼ同時期に複数の人々によって独立して発明されたようで、知られている最も古いものは、英国の映画監督Charles Armstrong による短編 The Sporting Mice (1909)である。現存する最初のものは、同じ監督のThe Clown and His Donkey (1910) である。この作品と、少なくとももう 1 本の Armstrong の映画 (その静止画の一部は、 Georges Sadoulの本に複製されて現存している) は、無地の黒い背景に白いシルエットで描かれている。しかし、ドイツのアニメーター、ロッテ・ライニガーもアメリカの人形遣いトニー・サーグも彼の作品を知らなかった可能性が高く、ライニガーは処女作『恋する心の装飾』（1919年）で、現在この形式の標準的な手法の多くを確立した。 [ 1 ^]

ライニガーの長編映画 『アクメッド王子の冒険』（1926年）は、最古の長編アニメーション作品の一つであるが、シルエットへの関心が再燃した時期と重なり、多くの模倣作品を生み出した。彼女の影響は遠く日本でも明らかで、鈴木敏夫の『四十人の盗賊』（1928年）や、早くも1924年の奥田英彦、内田吐夢、木村白山の『蟹満寺縁起』（『蟹の寺の物語』）に表れている。[1] シルエット映画はカナダ国立映画制作庁でも数本製作されている。[2]

今日では、プロが作る純粋なシルエット映画は稀で、主にその範囲内で作業するアニメーターはさらに少ない。しかし、デジタルと手描きのシルエットアニメーションのシーケンスは、たとえば、サウスパークの照明が消えたとき、モナ・ザ・ヴァンパイア（1999）のエピソード、さよなら絶望先生（2007）のアニメーションで断続的に見ることができます。^[要出典]コンピュータアニメーションのファンフィルムであるEmesis Blueでは、バックライトとシルエットを使用して、主人公に使用されたSource Filmmakerのストックアセットとオリジナルの背景キャラクターを区別しました。 ^[2]

ライニガーが発明した伝統的なシルエットアニメーションは、カットアウトアニメーション（ストップモーションの数ある形式のひとつ）の派生である。段ボールから切り出された人形を使い、薄い金属板で補強したり、つなぎ目を糸や針金（現代の制作では通常、プラスチックや金属製の紙製の留め具が使われている）で結びつけたりする。その後、人形はアニメーションスタンドの上でコマ送りされ、ロストラムカメラで上から下へ撮影される。こうした技法は、様式の変化はあるものの、1940年代には大藤信郎、1970年代にはブルーノ・J・ベトゲといった制作者によって使われた。[3] ミシェル・オスロのテレビシリーズ『シネマ・イフ』（1989年）は少し異なり、カットアウトとセルを組み合わせ、より稀に実写やクレイアニメーションも使われた（このシリーズは『プリンセスとプリンセス』としてよく知られており、長編映画版は後述する）。^[3]これは、キャラクターが自分自身で話しているように見せることに成功した最初のシルエットアニメーションでもありました（伝統的には、インタータイトルかナレーションが使用されていました）。これは、混合メディアによって正確なリップシンクが可能になったためです。[4]伝統的なアニメーションは、ビーパパスの少女革命ウテナ（ 1997年）でよく見られるように、シルエットアニメーションを模倣するためにも使用されます。

最近では、CGIシルエット映画がいくつか作られ、この技術に対するさまざまなアプローチが示されています。ジョシー・マリスは既に 2D のベクトル アニメーションを使用しています。[5] ミシェル・オセロの「地球侵入者」(2007 年) と「アズールとアスマー」 (2006 年) の 1 シーンでは、シルエットとしてレンダリングされた3D の人物が使用されています。一方、アカデミー賞にノミネートされたアンソニー・ルーカスの「ジャスパー・モレロの神秘的な地理探検」 (2005 年) では、2D のキャラクターと 3D の背景が混在しており、どちらもライブ アクションと CGI の組み合わせです。コンピュータ アニメーションは、影絵芝居 (特に東南アジアのワヤンクリッスタイルの) をより明確に参照するためにも使用されており、キャラクターに棒を追加して、棒を操作しているように見えます (皮肉なことに、CGI ではその逆になります)。これはヤン・ケスターの『我らが男はニルヴァーナ』（2006年）[6]やディズニー映画『ジャングル・ブック2』（2003年）のオープニングで使用された。ミシェル・オスロのテレビシリーズ『Bergères et dragons 』（2008年3月現在も開発中）[7]では、2Dと3Dのコンピュータアニメーションを組み合わせて、以前のアナログシルエットアニメーションの外観をシミュレートしている。

しかし、伝統的な切り抜きシルエットアニメーションは、エドワード・S・デ・レオンやレザ・ベン・ガジュラなどの人々によって今日でも実践されており、ルマージュなどの他の形式のストップモーションアニメーションと組み合わせられることがよくあります。

シルエット映画は伝統的にモノクロームで、前景は黒一色、背景はさまざまなグレーの濃淡で、要素が遠くにあるほどグレーの濃淡が薄くなり、奥行きがあるように見せている。『アフメッド王子の物語』では、当時の映画の標準的な手法に倣い、さまざまなシーンがさまざまな色で全体的に彩色されている。 『侯爵夫人の秘密』（1922年）は、反転した白地に黒のシルエット映画である。ライニガーがカラー撮影を余儀なくされた『ジャックと豆の木』（1955年）では、黒いシルエットが描かれたフルカラーの背景が使用され、その一部には半透明の色のついた「お菓子の包み紙」素材がはめ込まれ、ステンドグラスのような効果を生み出している。彼女はこの拡張フォーマットを最大限に活用したように見えるが、彼女自身はそれを承認せず、残りのキャリアのほとんどをモノクロ映画に戻した。^[4]おそらく、背景（半透明のプラスチック片で作られた）に 、より抑制された色彩パレットを使用した『オーカサンとニコレット』（1976年）で、受け入れられる妥協点を見つけたのであろう。[8]

その後の映画製作者たちの間では、カラーでシルエット映画を撮影する主な方法は、プリンツェン・アフメッドの着色された外観を模倣し、単一色、または時には2つの近い色または補色のさまざまな色調の背景を使用することでした。キャラクターが主に横顔で見られるフルカラーの切り抜きアニメーションは、カラーシルエット映画と呼ばれることがありますが、これは、一般的な横顔や横からの視点とは対照的に、シルエットの定義によって異なります。

• Die Geschichte des Prinzen Achmed (アクメッド王子の冒険、1926 年)ロッテ・ライニガー著
• ピノキオ（1930年）ウーゴ・アマドーロ - 未完成のアニメ映画
• 大藤信朗『釈迦の証』（1961年）
• ミシェル・オスロ著『 Princes et princesses』（
• 夜の物語( Les Contes de la nuit、2011) ミシェル・オスロ

注: 大藤とオセロットの長編は、以前の短編シリーズを まとめたものです。

• トニー・サーグの年鑑（1921-1923）17本の無声映画。
• シルエットファンタジー（1916）
• 蝶々夫人の幻影（1940年）荒井和五郎
• ホームレスの家（2020）