マンガの歴史

マンガは、日本で作られた物語性のある多コマ漫画という意味で、19世紀後半の日本の出版物に掲載された欧米風の漫画に由来しています。^[1]吹き出し形式の漫画としてのマンガの形式は、より具体的には、1920年代のアメリカのコミック・ストリップの翻訳に由来しています。そのようなマンガの初期のいくつかの例は左から右に読み、1945年以前の最も長く続いたマンガは、アメリカのコミック・ストリップ『父を育てる』の日本語訳でした。^[2]マンガという用語は、18世紀後半に初めて使用され始めましたが、1890年代にさまざまな形式の漫画を指すようになり、1920年頃まで一般的な言葉にはなりませんでした。

マンガの歴史研究家や著述家は、現代のマンガを形作った2つの広範かつ補完的なプロセスについて説明している。彼らの見解は、第二次世界大戦後の文化的・歴史的出来事の役割と、戦前、明治、明治以前の日本の文化と芸術の役割の相対的な重要性において異なっている。フレデリック・L・ショット、伊藤キンコ、アダム・L・カーンなどの著述家によって代表される1つの見解は、後半の3つの時代を含め、日本の文化的、美的伝統の継続性を強調している。^{[3] [4] [5] [6]}他の見解では、連合国による日本占領中（1945-1952年）および占領後に、 GI兵士によって日本にもたらされたコミックや、米国のテレビ、映画、カートゥーン（特にディズニー）のイメージやテーマなど、アメリカの文化的影響によってマンガが強く形成されたとしている。^{[7] [3]}シャロン・キンセラによれば、日本の出版業界の急成長​​は、講談社のような出版大手が大衆の嗜好を形作ることができる消費者志向の社会の創造に貢献した。^[7]

マンガは、12世紀から13世紀に遡る絵巻物『鳥獣人物戯画』に由来すると言われている。 ^{[8] [9]}江戸時代（1603-1867）には、別の絵本『鳥羽絵本』にマンガの概念が組み込まれた。^[10]この言葉が初めて一般的に使われるようになったのは18世紀後半から19世紀初頭で、^[11]山東京伝の絵本『詩情之介』（1798年）、^{[12] [13]}鮎川民和の『漫画百帖』 （1814年）などの出版によりである。この中には有名な浮世絵師、葛飾北斎（1760-1849）のスケッチブックからさまざまな絵を収録した『北斎漫画』（1814-1834年）も含まれる。^[14]北沢楽天（1876–1955）は、現代的な意味でのマンガという言葉を使用した最初の芸術家です。 ^[15] 19世紀前半のもう一つの例は、1820年から1837年の間にこの種の本を数冊描いた画家広重の版画による『出方大無茶論』 ^{[16] （1822年）であると推測されています。 [17]}

日本の文化的、美的伝統の継続性がマンガの歴史の中心にあると強調する著述家がいる。その中には、フレデリック・L・ショット、^{[3] [18]}伊藤キンコ、^[4]アダム・L・カーン、^{[5] [6]}エリック・ピーター・ナッシュなどがいる。^[19]ショットは、13世紀に、ユーモアとウィットを交えた連続した絵で物語を語る『鳥獣人物戯画』のような絵巻物が存在したと指摘している。 ^[3]ショットはまた、浮世絵、春画、現代のマンガ（これら3つはいずれもアイズナーの連続芸術の基準を満たしている）の間にある美的スタイルとビジョンの継続性を強調している。^[20]鳥獣人物戯画と信貴山縁起絵巻のどちらが最初のマンガであったかについては議論があるが、どちらの巻物も同じ時代のものである。しかし、スタジオジブリの共同創設者で監督の高畑勲氏のような人たちは、この絵巻物と現代の漫画の間には関連性はないと主張している。[ ^21]

ショット氏とナッシュ氏は、街頭演劇の一種である紙芝居の役割が特に重要であると考えている。紙芝居とは、旅回りの芸術家がライトボックスに絵を描きながら、路上の観客に物語を語るというものである。 ^{[3] [19]}リチャード・トーランス教授は、現代のマンガと1890年代から1940年代に書かれた大阪の人気小説との類似点を指摘し、明治時代および明治以降の日本で識字率が高まったことで、言葉と絵で語られる物語の観客が生まれたと主張している。^[22]伊藤氏も、マンガは歴史的には明治以前の芸術との美的連続性にあるとしているが、戦後の歴史は、新たに発展しつつあったマンガの伝統の豊かなイメージと物語に対する消費者の熱狂によって部分的に推進されたと考えている。彼女は、この伝統が、例えば1960年代後半の少女マンガや1980年代のレディースコミックのように、着実に新しいジャンルと市場を生み出してきたことを説明している^{。 [4]}

東洋の漫画は一般的に西洋の漫画の発展とは別物とされ、西洋の漫画芸術はおそらく17世紀のイタリアで始まったが、^[23]カーンは18世紀後半の絵本である黄表紙が世界初の漫画本であった可能性があると示唆している。^[5]これらのグラフィック物語は、現代の漫画と同様に、ユーモア、風刺、ロマンチックなテーマを共有している。^{[5]カーンは}黄表紙が漫画の直接の先駆者であったとは考えていないが、黄表紙の存在は、日本人が人気のある物語を伝える媒体で言葉と絵を混ぜ合わせようとした意欲を示していると考えている。^{[6] 「気まぐれな、または即興の絵」という意味で「}漫画」という用語が最初に記録されたのは1798年のこの伝統によるもので、カーンが指摘するように、これは北斎の人気漫画「北斎漫画」の使用より数十年前のことである。^{[24] [25]}

19世紀後半、西洋人駐在員向けのイラスト入り雑誌が日本に西洋風の風刺漫画を紹介したため、西洋風と日本風の両方の新しい出版物が人気を博した。1890年代末には、アメリカ風の新聞の付録漫画が日本に登場し始め、^[26]アメリカのコミック・ストリップもいくつか登場した。^{[27] 1900年には、楽天の}『時事漫画』が時事新報に初登場した。これは、現代的な意味での「マンガ」という言葉が初めて使用された例であり、 ^[28] 1902年には、日本で最初の近代的なコミック・ストリップが始まった。^[29] 1930年代までには、コミック・ストリップは、発行部数の多い月刊少女・少年誌に連載され、ハードカバーの本にまとめられた。^[30]

同様に、作家のチャールズ・シロー・イノウエは、マンガを、連合国による日本占領以前に遡るイメージ中心と言葉中心の要素の混合体とみなしている。彼の見解では、日本のイメージ中心、つまり「絵中心」の芸術は、究極的には日本が中国のグラフィックアートと関わってきた長い歴史に由来している。^[要出典]一方、言葉中心、つまり「ロゴ中心」の芸術は、小説のように、明治の社会的、経済的ニーズと、共通の書き言葉で統一された国民を求める戦前の日本のナショナリズムによって刺激された。両者は、マンガにおいて共生関係にあるとイノウエは見ている。^[31]

マンガによく見られる目を大きく見開いた表情のルーツは、 19世紀後半から20世紀初頭にかけて発行された少女雑誌（たとえば、少女画報）の挿絵に遡る。当時このスタイルに関連付けられた最も人気のあるイラストレーターは、竹久夢二と中原淳一であり、中原淳一は人形作家としての活動に影響を受け、20世紀初頭に目が大きい女性キャラクターを頻繁に描いていた。これは初期のマンガ、特に少女マンガに大きな影響を与え、高橋真琴や池田理代子などの影響力のあるマンガ家の作品に明らかである。^[32]

しかし、他の作家（例えば村上隆）は、第二次世界大戦後の出来事を強調している。村上は、日本の降伏と広島と長崎への原爆投下が日本の芸術精神に長く残る傷跡を残したと見ており、この見方では、日本人は以前の男らしい自信を失い、無害でかわいい（カワイイ）イメージに慰めを求めた。^[33]しかし、辰己孝弓は、太平洋を越えた経済的、文化的トランスナショナリズムが、ポストモダンで国際的な漫画、映画、テレビ、音楽、および関連する大衆芸術の若者文化を共有した特別な役割を果たしたと見ている。辰己にとって、それは現代の漫画が発展するるつぼであり、^{[34] のらくろが}その例である。

村上と辰己にとって、トランスナショナリズム（あるいはグローバリゼーション）とは、文化やサブカルチャーの素材が国から国へと流れることを特に指している。^{[33] [34]}彼らの用法では、この用語は国際的な企業の拡大や国際観光、国境を越えた国際的な個人的な友情を指すのではなく、芸術、美学、知的伝統が国境を越えて互いに影響し合う方法を指している。^{[33] [34]}文化的トランスナショナリズムの例としては、米国でのスターウォーズ映画の制作、日本のアーティストによるマンガへの変換、スターウォーズマンガの米国への販売が挙げられる。^[35]別の例としては、米国から日本へのヒップホップ文化の移転が挙げられる。^[36]ウェンディ・シウイー・ウォン教授も、最近のマンガの歴史においてトランスナショナリズムが重要な役割を果たしていると考えている。^[37]

したがって、これらの学者は、マンガの歴史は、第二次世界大戦後の革新とトランスナショナリズムと相互作用しながら、美的および文化的過去の間の歴史的な連続性と断絶を伴うものであると考えています。

その後、日本の芸術家たちは、占領下（1945-1952年）と占領後（1952-1972年）^[38] 、かつて軍国主義的で超国家主義的だった日本が、政治的、経済的基盤を再建していた時期に、独自のスタイルを生み出した。^{[3] [注1]連合国による占領検閲政策は、戦争と日本の軍国主義を賛美する芸術や著作を明確に禁止したが、それらの政策は、漫画を含む他の種類の資料の出版を妨げなかった。さらに、1947年の}日本国憲法（第21条）は、あらゆる形態の検閲を禁止し、^[39]芸術的創造性の成長につながった。^[3] この時期の最前線には、後の漫画史に大きな影響を与えた2つの漫画シリーズとキャラクターがある。手塚治虫の『鉄腕アトム』（米国では鉄腕アトム、1951年4月開始）と長谷川町子の『サザエさん』（1946年4月開始）である。

アトムは超能力ロボットであると同時に純真な少年でもあった。^[40]手塚は、なぜアトムがこれほど発達した社会意識を持っているのか、またどのようなロボットプログラミングが彼をこれほど深い親和性を持たせたのかを決して説明しなかった。^[40]どちらの性質もアトムに生まれつきのものであり、日本的な社会性とコミュニティ志向の男らしさを表しているようで、以前の日本帝国主義時代に強制された天皇崇拝や軍国主義的な服従とは大きく異なっている。^{[40 ]} アトムは、新しく制定された日本国憲法第9条に見られるように、平和と戦争放棄の新しい世界の象徴でありヒーローとして、日本国内でも世界中で急速に人気を博し（そして今も人気を保っている） 。 ^{[39] [40]}同様のテーマは手塚の『新世界』や『メトロポリス』にも見られる。^{[3] [40]}

対照的に、サザエさんは1946年に長谷川によって始められました。長谷川は若い女性アーティストで、彼女のヒロインは戦争で家を失った何百万人もの日本国民、特に女性の代役でした。^{[3] [41]}サザエは楽で単純な人生を送っていませんが、鉄腕アトムと同様に、彼女は非常に親近感があり、自分の近親者や親戚と深く関わっています。彼女はまた、以前の軍事政権によって教えられた「良妻賢母」の理想への女性の従順さと服従という公式に認可された新儒教の原則とは対照的に、非常に強いキャラクターです。[ 42 ] [43] [44] サザエは、心理学者の河合隼雄が「忍耐の女性」と呼ぶ^{、明るい回復}力で世界に立ち向かいます。 [ 41 ] [ ^{45 ] [46]}サザエさんはその後半世紀にわたって6200万部以上を売り上げた。^[47]

手塚と長谷川はともにスタイルの革新者であった。手塚の「映画的」技法では、コマはスローモーションに近い動きや、遠景からクローズアップショットへの急速なズームなど、アクションの詳細を映し出す映画のようなものである。 ^[3]さらに重要なことに、彼はコマの配置を読者の視聴速度と同期させて動画をシミュレートした。この種の視覚的ダイナミズムは、後のマンガ家によって広く採用された。^[3]マンガ制作と映画制作において、コマの割り当て（コマ割り）を決定した人が作者としてクレジットされ、ほとんどの描画はアシスタントによって行われるという考え方の流れが生まれた。長谷川の日常生活と女性の経験への焦点は、後の少女マンガの特徴にもなった。^{[41] [45] [48]}

1950年代から1960年代にかけて、日本では少年漫画と少女漫画という2つの主要なマーケティングジャンルが確立し、漫画の読者層がますます拡大しました。 [49] 1969年まで、少女漫画は主に成人男性によって若い女性読者向けに描かれ^ていました。^[50]

この時期の男性作家による少女向け漫画で、非常に人気があり影響力のあった作品は、手塚治虫の1953-1956年の『リボンの騎士』と横山光輝の1966年の『魔法使いサリー』の2作品である。『リボンの騎士』は、男性と女性の魂を持って生まれたファンタジー王国のサファイア姫の冒険を描いたもので、剣を振り回す戦闘やロマンスによって、厳格な性別役割の境界が曖昧になっている。^[3] 『魔法使いサリー』の10代前半のヒロインであるサリーは、^{[注 2]}魔法の国から地球にやって来て、学校に通い、友人や学校の友達のためにさまざまな魔法の善行を行っている。^{[51]横山はアメリカのテレビコメディ『}奥さまは魔女』に影響を受けたが、^{[52]サマンサ（} 『奥さまは魔女』の主人公で、娘がいる既婚女性）とは異なり、サリーは成長の問題に直面し、来たる大人としての責任を克服しようとする思春期前の少女である。『サリーと魔法使い』は、21世紀初頭に人気を博した漫画のサブジャンル「魔法少女」の創出に貢献した。 ^[51]どちらのシリーズも非常に人気があり、現在でも人気がある。

1969年、後に24年組（マグニフィセント24とも呼ばれる）と呼ばれるようになった様々な女性漫画家が少女漫画デビューを果たした（「24年」は、これらの漫画家の一部が生まれた年である昭和24年、グレゴリオ暦では1949年に由来している）。 ^{[53] [54]}このグループには、萩尾望都、池田理代子、大島弓子、竹宮惠子、山岸凉子が含まれ、^[41]女性漫画家が漫画界に初めて本格的に参入した。^{[3] [ 41]}その後、少女漫画は主に女性漫画家によって描かれ、少女や若い女性を読者層とするようになった。^{[3] [49] [50]}

1971年、池田は大人気の少女漫画『ベルサイユのばら』の連載を開始した。これはフランス革命前のマリー・アントワネットの宮廷衛兵隊の隊長で、女装した女性オスカル・フランソワ・ド・ジャルジェを主人公とした作品である。 ^{[3] [41] [55] [56]このシリーズ（もともと1972年から1973年まで連載されていた）の最後で、オスカルは革命家として}バスティーユ牢獄への部隊の突撃を率いて死んでいく。同様に、本多の作品は日本の新儒教による女性の役割や活動に対する制限に異議を唱えた。^{[42] [43] [44]} 1975年の少女SF小説『彼らは11歳だった』は、未来の宇宙アカデミーの若い女性士官候補生の物語である。^[57]

これらの女性たちは、芸術形式の文体選択にも革新をもたらした。ヒロインの内面の経験と感情に焦点を当てた少女漫画は、繊細で複雑なデザインを持つ「絵詩」である^[58]。多くの場合、パネルの境界を完全に排除して、物語ではない時間の延長を生み出している。^{[3] [41] [49] [50] [59]}彼女たちの物語への貢献 - 強くて自立した女性キャラクター、激しい感情、複雑なデザイン - は、今日でも少女漫画の特徴であり続けている。 ^{[48] [55]}

その後の数十年間 (1975 年から現在)、少女マンガはスタイル的に発展し、同時に重複するサブジャンルも進化しました。^[60]主要なサブジャンルには、ロマンス、スーパーヒロイン、および「レディース コミック」(日本語では、レディス(レディース)、レディコミ(レディコミ)、および女性(女性じょせい)) が含まれており、それらの境界は、相互および少年との境界が区別できない場合があります。マンガ。^{[18] [41]}

現代の少女漫画の恋愛物語では、愛は感情的に激しい自己実現の物語に設定された主要なテーマである。^[61]日本の漫画/アニメ評論家の井沢恵理は、恋愛を「感情的で、壮大で、叙事詩的、英雄的、幻想的な冒険、憂鬱の味わい、情熱的な愛、個人的な葛藤、永遠の憧れ」を象徴し、想像力豊かで個人主義的で情熱的な物語の枠組みに設定されたものと定義している。 ^[62]これらの恋愛物語は、偽りの愛と真の愛を区別したり、性交に対処したり、相反する世界で成長したりする長い物語になることもあり、これらのテーマはその後のアニメ版にも受け継がれている。^{[49] [61] [63]}これらの「成人」またはビルドゥングスロマンのテーマは、少女漫画と少年漫画の両方に登場します。^{[注 3] [64]}

ビルドゥングスロマンでは、主人公は逆境や葛藤に対処しなければなりません。^[64]少女漫画における恋愛葛藤の例は一般的であり、上田美和の『ピーチガール』 [ ^{65] [66]}や惣領冬実の『マルス^{』[67]などが挙げられます}。年長の読者向けの例としては、安野モヨコの『ハッピー・マニア』 [ ^{50] [68]}小川彌生の『放浪者たち』、矢沢あいの『ナナ』などがあります。^{[69] [70]}少女漫画のもう一つの教養物語の手法では、若いヒロインが異質な場所や時間に運ばれ、そこで見知らぬ人々と出会い、一人で生き延びなければならない（モト・トウの『11歳だった頃』、^[71]ひかわきょうこの『遥かなる地から』、^[72]渡瀬悠宇の『ふしぎ遊戯』、ビーパパスの『SMの世界（この世界は私のために存在している）』 ^{[73] など}）。

もう一つの物語の仕掛けは、普通ではない、あるいは奇妙な人々や存在との出会いを伴う。例えば、高屋奈月の『フルーツバスケット』 ^[74]は、アメリカで最も人気のある少女漫画の一つであり^{[75]、孤児のヒロインである透は、}十二支の動物に変身できる人々が住む森の中の家で暮らしながら生き延びなければならない。この仕掛けは、飯田晴子の『クレセントムーン』でも使われており、ヒロインのまひるは超自然的な存在のグループと出会い、若い天狗の鬼と恋に落ちたときに、自分も超自然的な祖先を持っていることを知る。^[76]

スーパーヒロインの登場により、少女漫画は女性の柔和さと従順さという新儒教の規範から脱却し続けた。^{[18] [49]} 武内直子の『美少女戦士セーラームーン』は、史上最も売れている少女漫画シリーズの1つであり、英雄的であると同時に内省的、活動的であると同時に感情的、そして義務感と野心を兼ね備えた若いヒロインたちを描いた18巻にわたる物語である。^{[77] [78]}この組み合わせは非常に成功し、セーラームーンは漫画とアニメの両方で世界的に人気を博した。^{[77] [79]}もう一つの例は、CLAMPの『魔法騎士レイアース』で、ヒカル、海未、フウの3人の若いヒロインが魔法によってセフィーロの世界に運ばれ、武装した魔法戦士となって内外の敵から守るというストーリーである。^[80]

スーパーヒロインのサブジャンルでは、少女たちがチームを組んで戦うという概念も広まりました。 ^{[81]これには『美少女戦士}セーラームーン』の「セーラー戦士」や『魔法騎士レイアース』の魔法騎士、生見愛瑠の『東京ミュウミュウ』のミュウミュウたちが含まれます。^[82]現在、スーパーヒロインの物語のテンプレートは、少女漫画の伝統の中で（例えば、矢沢奈緒の『ウェディングピーチ』 ^[83]や秋山珠代『ハイパールーン』^[84]）、またその外でも（例えば、ブロッコリーの『ギャラクシーエンジェル』のような美少女コメディ）広く使用され、パロディ化されています。^[85]

1980年代半ばから、 10代の頃に少女漫画を読んでいた女性が成長するにつれ、漫画家たちは読者層に合うようにサブジャンルを作り上げていった。^[60]この「レディースコミック」、または「女性」のサブジャンルは、仕事、性交の感情や問題、女性同士の友情や恋愛など、若者のテーマを扱っている。^{[86] [87] [88] [89]}

女性漫画（レディスとも呼ばれる）は、少女漫画の物語の文体の多くを保持しているが、主な違いは大人の女性によって（そして大人の女性のために）描かれていることである。^[90] レディス漫画やアートはしばしば（常にではないが）性的に露骨であるが、その内容は、感情的なリスクと組み合わされた快楽とエロティックな興奮をテーマにした物語に設定されているのが特徴である。^{[18] [86] [87]}例としては、ラミヤリョウの『ルミナスガールズ』^[91]、 ワタナベマサコの『金瓶梅』^{[92] 、}内田春菊の作品などがある。 ^[93]レディス漫画のサブジャンルの一つに、女性間の感情的・性的関係（百合）を扱ったものがあり、^[94]桜沢エリカ、^[95] 山路えびね、^[96]さいとうちほの作品にそれが表れている。^[97]レディス漫画の他のサブジャンルも開発されており、例えば、矢沢あいの『Paradise Kiss』のようなファッション（おしゃれ）漫画^{[98] [99]}や、ストリートファッションやコスチュームプレイと相互作用する、樋野まつりの『ヴァンパイア騎士』^{[100] 、}由貴香織里の『カイン・サーガ』^[101]、三原ミツカズの『DOLL』^[102]のようなホラー・ヴァンパイア・ゴシック漫画なども開発されている。 (「コスプレ」)、J-Pop音楽、ゴス系サブカルチャーなど様々なジャンル。^{[103] [104] [105]}

男性読者向けのマンガは、さまざまな方法で特徴付けることができます。1つは、対象とする読者の年齢によるもので、18歳までの男の子（少年マンガ）と18歳から30歳までの若い男性（青年マンガ）です。^[106]もう1つのアプローチは、その内容によるもので、男性のヒーロー、ドタバタコメディ、名誉のテーマ、時には露骨なセックスが含まれることが多いアクションアドベンチャーがその例です。^{[107] [注4]日本語では、「}青年」という漢字が2つの密接に関連した意味に使用されます。1つは「青年、若い男性」を意味する「青年」、もう1つは「大人、大多数」を意味する「成年」で、成人男性を対象としたポルノマンガを指し、成人マンガとも呼ばれます。 [ ^{108] [注5] [109]} 少年マンガ、青年マンガ、および青年マンガには、いくつかの共通点があります。

少年や若い男性は、第二次世界大戦後、最も早くマンガを読み始めた読者の中にいた。^[110] 1950年代以降、少年マンガは、典型的な少年が興味を持つと考えられるテーマ、すなわちロボットや宇宙旅行などの科学技術や、英雄的なアクションアドベンチャーに焦点を当てるようになった。^{[111] [112]}初期の少年マンガや青年マンガの物語では、主人公の能力、スキル、成熟度への挑戦が描かれることが多く、自己完成、厳格な自己規律、義務のための犠牲、社会、コミュニティ、家族、友人への名誉ある奉仕が強調された。^{[110] [113]}

スーパーマン、バットマン、スパイダーマンのような、コスチュームを着た孤独なスーパーヒーローが登場するマンガは、少年漫画のジャンルとしては人気がなかった。^[110]例外は、 2000年に講談社から日本で、 2003年にDCコミックスから米国で発売された麻宮騎亜の『バットマン：チャイルド・オブ・ドリームス』である。しかし、さいとう・たかをの『ゴルゴ13』や、小池一夫と小島剛夕の『子連れ狼』には、孤独なアンチヒーローが登場する。『ゴルゴ13』は、「ゴルゴ13」などの別名を持つ暗殺者が、世界平和やその他の社会的目標のために自分のスキルを駆使する物語である。 ^{[114]そして}子連れ狼の剣士ヒーローである大神一刀は、妻を殺した者たちへの復讐を企みながら息子の大五郎を養う未亡人である。しかし、ゴルゴと一刀は物語を通して人間であり、どちらも超能力を発揮することはない。その代わりに、これらの物語は人間の心理と動機の領域に留まることで「人間の心と精神に浸透する」のである。^[115]

多くの少年漫画にはSFやテクノロジーの要素がある。ロボットのサブジャンルの初期の例としては、手塚治虫の『鉄腕アトム』や、ロボット猫とそれと一緒に暮らす少年を描いた藤子不二雄の1969年の『ドラえもん』^{があり、後者は少年を対象としていた。 [116]}ロボットのテーマは、横山の1956年の『鉄人28号』から、主人公が敵を倒すだけでなく、自分自身を制御して制御するメカと協力することを学ばなければならないより複雑な物語へと大きく進化した。^[117]この新しい原型は、貞本義行の『新世紀エヴァンゲリオン』で示され、シンジは敵と父親と戦います。また、克・亜樹の『天空のエスカフローネ』でも繰り返され、ヴァンはドルンカーク帝国と戦うだけでなく、ヒロインのヒトミに対する複雑な感情に対処しなければなりません。

スポーツを題材にした漫画は、男性読者をターゲットにした人気がある。^[110]これらの物語は、スポーツ競技の興奮だけでなく、主人公が自分の限界を超えて勝利するために必要な性格特性も描き、自制心を強調している。^[110]例としては、ボクシング（ちばてつやの1968-1973年の『あしたのジョー』 ^[118]、高橋留美子の1987年の『1ポンドの福音』）やバスケットボール（井上雄彦の1990年の『スラムダンク』 ^[119]）などがある。

超自然的な設定は、少年漫画（および一部の少女漫画）におけるアクションアドベンチャーの筋書きの源泉であり、主人公は困難を乗り越えなければなりません。主人公が失敗することもあります。大場つぐみと小畑健の『DEATH NOTE』では、夜神月が死神から、名前を書かれた者を殺すというノートを受け取ります。少女漫画では、水木葉加瀬の『悪魔オロロン』があり、主人公は地獄の悪魔の王権を捨てて、地球で生きる（そして死ぬ）ことになります。主人公自身が超自然的な存在であることもあります。青年漫画の平野 耕太の『HELLSING 』では、吸血鬼の英雄アルカードが、イングランド征服に固執する生まれ変わったナチスと戦う物語です。しかし、主人公は人間である可能性もあり（または人間であった可能性があり）、エスカレートし続ける一連の超自然的な敵と戦っています（荒川弘の『鋼の錬金術師』、安西信行の『烈火の炎』、久保帯人の『BLEACH』）。

現代世界を舞台にした軍事アクションアドベンチャー（例えば第二次世界大戦）は、日本の帝国史を美化しているという疑いが持たれ続けており^{[110] 、}少年マンガのレパートリーの重要な一部にはなっていません。とはいえ、ファンタジーや歴史的な軍事冒険の物語が非難されることはなく、英雄的な戦士や武道家を扱ったマンガは非常に人気がありました。白土三平の『カムイ伝』や和月伸宏の『るろうに剣心』のようにシリアスなドラマもあれば、鳥山明の『ドラゴンボール』のようにユーモアの要素が強いものもあります。

現代の戦争やその兵器を扱った物語も存在するが、それらは純粋なシューティングアドベンチャーよりも、戦争の心理的、道徳的問題を扱っていることが多い。^[110]例としては、1988年のアニメ映画でマンガという媒体を世界中に普及させたと考えられている大友克洋の 『AKIRA』や、ジョセフ・コンラッドの『闇の奥』を翻案し、第二次世界大戦中のビルマを舞台に反逆した日本軍大佐を描いた滝沢聖峰の『 Who Fighter』 、日本の原子力潜水艦を描いたかわぐちかいじの『沈黙の使者』、そしてベトナム戦争を動物のしゃべる形式で描いた青年漫画家小林源文の『 Cat Shit One』（米国では『Apocalypse Meow』として公開）などがある。その他の戦闘や格闘を題材とした漫画では、主人公が克服すべき犯罪やスパイの陰謀に焦点を当てることもある。例えば、小池一夫・池上遼一の『クライングフリーマン』、^[120]北条司の『シティーハンター』 、そして青池保子の少女漫画シリーズ『エロイカより愛をこめて』では、冒険、アクション、ユーモアを組み合わせた犯罪スパイストーリーが長く続いている（そして、これらのテーマがさまざまな年齢層でどのように存在するかを示すもう1つの例である）。

漫画評論家の相原コージと竹熊健太郎は、^[121]こうした戦闘物語は同じ無神経な暴力のテーマを延々と繰り返しており、皮肉を込めて「少年漫画のプロット シシカバブ」と呼んでいる。これは、串刺しにした肉のように、次から次へと戦いが続くというものだ。 ^{[122]他の評論家は、}漫画における戦闘シーンや暴力は、危険な衝動の社交的なはけ口になっていると示唆している。[ ^123] 少年漫画とその極端な戦士精神は、例えば吉崎観音のスクリューボール コメディ 『ケロロ軍曹』でパロディ化されている。これは、怠け者のエイリアン カエルの小隊が地球を侵略し、東京の日向家に居候することになるという話である。^[124]

初期の少年漫画では、主要な役割はすべて男性が演じ、女性は姉妹、母親、たまにガールフレンドなど補助的な役割しか担っていなかった。石ノ森章太郎の1964年の『サイボーグ009』に登場する9人のサイボーグのうち、女性は1人だけであり、その女性はすぐに物語から姿を消す。最近の少年漫画の中には、板垣恵介の格闘技物語『グラップラー刃牙』や鳥山明の超自然ファンタジー『サンドランド』など、女性が事実上省略されているものもある。しかし、1980年代までには、少女や女性が少年漫画でますます重要な役割を果たすようになり、例えば、鳥山明の『Dr.スランプ』（1980年）の主人公は、いたずら好きで力強い少女ロボット、則巻アラレである。

男性読者向けマンガにおける少女や女性の役割は、『アラレちゃん』以来かなり進化している。そのひとつが「美少女」である。 [^{注 6]}美少女は手の届かない存在であることもあるが、一般的には主人公の感情的・性的関心の対象である。例としては、藤島康介の『ああっ女神さまっ』のベルダンディーや、桜野みねねの『まもって守護月天』のシャオリンが挙げられる。^[125]他の物語では、主人公はそのような少女や女性に囲まれている。例としては、赤松健の『ネギま! 』や森繁の花右京メイド隊が挙げられる。^[126]男性主人公は必ずしも美少女との関係を築くことに成功するわけではない。例としては、桂正和の『シャドウレディ』でブライト本田と小森愛美が結ばれないことが挙げられる。場合によっては、真鍋譲治の『アウトランダーズ』のように、成功したカップルの性行為が描写または暗示されることもある。^[127]桂正和の『電影少女』のヨタ、原秀則の『電車男』の電車男、克・亜樹の『ふたりエッチ』のマコトのように、最初は世間知らずだった主人公が、その後、女性と感情的にも性的にもどう接し、どう生きるかを学んでいく物語もある。 [128] [129] エロティック・マンガ（米国ではヘンタイ・マンガと呼ばれる^ことが多い）では、性的な関係は当然のこととされ、油井俊貴の作品のように明示的に描かれている。 [ 130 ]他^の例としては、ちばじろうの『Were-Slut』や、五十嵐の『Slut Girl』がある。^[131]その結果、世間知らずから性的に非常に慣れたものまで、少年や男性の多様な描写が生まれる。

重武装した女戦士（戦闘美少女）は、男性読者向け漫画において、別の種類の少女や女性を代表する。^{[注 7]}戦闘美少女の中には、木城ゆきとの『アリータと戦姫』のアリータ、士郎正宗の『攻殻機動隊』の草薙素子、高橋しんの『サイカノ』のチセのように戦闘サイボーグである者もいる。他には、うたたねひろゆきの『セラフィック・フェザー』のアティム・M・ザック、真鍋譲治の『ドラクーン』のカルラ・オルゼン、乾せきひこ『マーダープリンセス』のアリータ・フォーランド（ファリス）のように人間の者もいる。^[132]

2013年現在、日本では国の検閲法と地方条例が残っている。性的な内容やヌードの描写を含むマンガの出版に対する世間の反応はまちまちである。シリーズは読者を獲得し、売れ行きも好調だが、出版に対する反対も起きている。1990年代初頭、反対により有害マンガリストが作成され、出版業界に変化が起きた。この頃までに、大手出版社はマンガの一般的な需要を生み出していた。しかし、その結果、大手出版社も市場の世論の影響を受けやすくなっていた。一部の国民からの批判に直面し、業界団体から自主規制を求める圧力を受けて、大手出版社はAngelや1+2=Paradiseなどのシリーズを廃刊した。これらの影響を受けにくい小規模な出版社がその空白を埋めることができた。^{[7] [133]}

1990年代初頭以降、日本での検閲が緩和されると、男性読者向けのマンガに様々な形で性的な描写が登場し、英語に翻訳されたマンガにも同様の性描写が登場した。^[109]これらの描写は、部分的な裸から全裸、暗示的または明示的な性交、サドマゾヒズム（SM）、近親相姦、強姦、そして時には獣姦まで多岐にわたる。^[134]場合によっては、前田俊夫の『うろつき童子^』[135]や谷口けいの『青の触媒』（1994年）のように、強姦や肉欲殺人のテーマが前面に出てきた。 ^[136]しかし、これらの極端な要素はマンガでは一般的ではない。^[137]

劇画は 文字通り「劇的な絵」と翻訳され、漫画における美的リアリズムの一形態を指します^{。 [138] [139]} 劇画スタイルのストーリーテリングは、感情的に暗く、大人向けで、時には非常に暴力的であり、日々の生活の現実に焦点を当て、しばしばざらざらした方法で描かれます。 ^{[140] [141]}この芸術形式は、1950年代後半から1960年代にかけて、一部は左翼の学生と労働者階級の政治運動から、一部は辰己ヨシヒロのような若い漫画家が既存の漫画に対して抱いていた美的不満から生まれました。 ^{[138] [142] [143] [144]}一例としては、白土三平の『忍者武芸帳』（1959-1962）が挙げられます。これは、16世紀の農民反乱のリーダーである影丸の物語であり、抑圧と階級闘争を直接的に扱っています。 ^[145]もう一つの例は、平田弘史の『薩摩義士伝』で、徳川幕府に対する反乱を描いています。 ^[146]

劇画は、ヨーロッパ（ヒューゴ・プラット、ディディエ・コメス、ジャック・タルディ）、アメリカ（ウィル・アイズナーの『神との契約』、アート・シュピーゲルマンの『マウス』、ロバート・クラムの自伝的作品）、南米（アルベルト・ブレシア、エクトル・ヘルマン・オステルヘルド）で生まれたグラフィック・ノベル文化の日本版と見ることができる。そのため、Drawn & QuarterlyやFantagraphicsなどの代表的なグラフィック・ノベル出版社は、近年、 日本の劇画のハイライトの英語版を多数出版し始めた。

初期の社会的な抗議が弱まると、劇画の意味は社会意識の高い成熟したドラマや前衛的なものへと変化していった。^{[139] [144] [147]}例としては、小池と小島の『子連れ狼』 [ ^148]や、第二次世界大戦後数年にわたって沖縄に駐留していた米軍による毒ガスの貯​​蔵とおそらくは意図的な放出の余波を描いた苦い物語である手塚治虫の1976年の漫画『MW』などがある。^[149]劇画とそれが体現する社会意識は、現代の漫画にも生き続けている。一例としては、石田衣良と有藤せなによる『池袋ウエストゲートパーク』（2001年）があり、東京の裕福な池袋地区の社会的周縁を舞台にした、街のチンピラ、レイプ、復讐の物語である。 ^[150]

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