アメリカのポピュラー音楽

アメリカのポピュラー音楽（「アメリカンポップ」とも呼ばれる）は、米国で制作されたポピュラー音楽であり、アメリカのポップカルチャーの一部です。アメリカのポピュラー音楽の独特のスタイルは 19 世紀初頭に登場し、20 世紀にはアメリカの音楽業界がブルースやその他のジャンルの要素を使用して一連の新しい形式の音楽を開発しました。これらの人気のあるスタイルには、カントリー、R&B、ジャズ、ロックが含まれます。1960 年代と 1970 年代には、ヘビーメタル、パンク、ソウル、ヒップホップなど、いくつかの新しいスタイルの発展を含む、アメリカのポピュラー音楽の重要な変化がいくつか見られました。

アメリカのポピュラー音楽は、ラグタイム、ブルース、ジャズ、スウィング、ロック、ブルーグラス、カントリー、R&B、ドゥーワップ、ゴスペル、ソウル、ファンク、ポップ、パンク、ディスコ、ハウス、テクノ、サルサ、グランジ、ヒップホップなど、信じられないほど多様です。さらに、アメリカの音楽業界は非常に多様で、ザディコ、クレズマー、スラックキーなど、多くの地域的なスタイルをサポートしています。これらのスタイルは常に主流という意味ではありませんでしたが、商業的に録音されたため、フォーク音楽やクラシック音楽とは対照的なポピュラー音楽の例です。

アメリカのポピュラー音楽のスタイルは世界の文化に大きな影響を与えてきました。

アメリカのフォークシンガー、ピート・シーガーは、ポップミュージックを「フォークミュージックと美術音楽の両方を取り入れたプロフェッショナルな音楽」と定義した。^{[1] 19世紀のポピュラー音楽は、主に}劇場音楽、バンド音楽、ダンス音楽、教会音楽などの以前の音楽の伝統から派生したものである。^[2]特定の地域や民族のポピュラー音楽とは対照的に、アメリカのポピュラー音楽と考えられる最も古い歌は、スティーブン・フォスターとその仲間による感傷的なパーラーソングや、ミンストレルショー（歌、ダンス、コメディパフォーマンスを特徴とする演劇）で使用するための歌であった。ミンストレルショーでは一般にアフリカの楽器とダンスが使用され、顔を黒く塗ったパフォーマーが登場する、ブラックフェイスと呼ばれる技法が用いられた。^[1] 19世紀半ばまでに、ツアー会社がこの音楽を米国各地だけでなく、英国、西ヨーロッパ、さらにはアフリカやアジアにも運んでいた。ミンストレルショーは、一般的にショーの音楽がアフリカ系アメリカ人のスタイルであるかのように宣伝されていたが、これはしばしば真実ではなかった。^[3]音楽史家のラリー・バーンバウムによると、ミンストレルショーの音楽は主にヨーロッパ起源であり、イギリス、アイルランド、スコットランドの 民俗音楽に基づいていた。^[4]同様に、作家のリチャード・カーリンは、ミンストレルショーはアフリカ起源の楽器であるバンジョーを使用し、黒人文化を普及させたが、ミンストレル音楽は主にヨーロッパのダンス曲の融合であったと述べている。^[5]アンドリュー・ストットは、「ブラックフェイス熱」を引き起こした曲の多くはヨーロッパ起源であったと述べている。^[6]

アメリカで私的消費のために出版された最初のポピュラー音楽は、1808年にアイルランドで出版されたトーマス・ムーアの『アイリッシュ・メロディーズ』である。これは主にアイルランドの民謡を私的演奏用に編曲した複数巻の本である。 ^[7]ムーアに触発されたジョン・ヒル・ヒューイットは、私的消費のためのポピュラー音楽のスタイルを作曲した最初のアメリカ人ソングライターとなり、彼の最も有名な作品「ミンストレルズ・リターン・フロム・ウォー」は国際的なヒットとなった。^{[7] [8]}黒人は南北戦争時代以前にもアメリカの大衆文化に参加しており、少なくとも1820年代のニューヨークのアフリカン・グローブ・シアターや、1818年に黒人作曲家フランシス・ジョンソンによる最初の音楽が出版されたときまで遡る。フィラデルフィアを拠点に、ジョンソンは1820年代から1840年代にかけてアメリカ史上初のプロのバンドの一つを率いた。^[9]しかし、これらの重要なマイルストーンはまだ完全にヨーロッパの音楽の慣習の範囲内で起こった。 1830年代と1840年代の著名なポピュラー音楽には、ヘンリー・ラッセルとハッチンソン・ファミリーによる出版物が含まれていた。^[10]

最初の大人気のミンストレルソングはトーマス・「ダディ」・ライスの「ジャンプ・ジム・クロウ」で、1832年に初演され、1836年にロンドンでライスが上演した際に大反響を呼んだ。ライスは、アイルランドのジグから取り入れた曲調で、厩務員の踊りを真似て踊った。ミンストレル音楽の人気白人パフォーマーには、スコットランドとアイルランドのメロディーを踏襲したジョージ・ワシントン・ディクソンやジョエル・スウィーニーなどがいた。 ^{[11]アフリカの要素には、西アフリカの弦楽器に由来すると考えられている}バンジョーの使用や、アクセントの付いたリズムや加算的なリズムなどがある。^[2] 1843年以降、バージニア・ミンストレルズがミンストレルショーの形式を普及させた最初のグループとなり、1850年までにミンストレルショーは米国全土に広まった。^[11]

ミンストレル ショーの歌の多くは、今日でも記憶に残っている。特にダニエル エメットとスティーブン フォスターの歌は、後者はデイビッド ユーエンによれば「アメリカ初の大作曲家であり、世界でも傑出した作詞家の一人」である。^[3]フォスターの歌は、そのあからさまな感傷性と奴隷制の容認において、ミンストレル時代の典型であった。しかし、フォスターは、妻を亡くした黒人男性を哀愁漂わせるメランコリックな歌「ネリーは淑女」など、作曲した黒人を人間らしく描く点で、当時のほとんどの作詞家よりも優れていた。^[4] 1851 年、フォスターの歌「Old Folks at Home」が全国的に大ヒットした。^[12]

ミンストレル ショーは、アフリカ系アメリカ人の音楽が一般の聴衆に流用される長い伝統の始まりを示し、19 世紀半ばに国際的な評価を得た最初のアメリカ特有の音楽形式となった。ドナルド クラークが指摘しているように、ミンストレル ショーには「本質的に黒人の音楽が含まれ、最も成功した演目は白人の演目であったため、黒人起源の歌や踊りが白人の演者によって模倣され、その後黒人の演者が取り入れ、その結果、ある程度は黒人自身も模倣することになった」。クラークは、ブラック フェイスの使用は、自由黒人と奴隷黒人の両方の残酷な生活を、彼らを幸せで気楽な個人として描写し、プランテーション生活と、白人の聴衆に簡単に受け入れられるシンプルで楽しい歌のパフォーマンスに最も適した人物として描写することで美化したいという白人アメリカ人の願望によるものだと考えている。^[5]白人の聴衆が本物のアフリカ系アメリカ人の音楽に初めて触れるようになったのは、南北戦争中のことだった。最初は1861年の奴隷霊歌 「ゴー・ダウン、モーゼス」 、次に1871年のアカペラグループのフィスク・ジュビリー・シンガーズの霊的パフォーマンスを通してだった。 ^[4]南北戦争後、実際の黒人一座によるミンストレルショーが国中に広まり、ジェームズ・A・ブランドなどの黒人作曲家は1870年代に「キャリー・ミー・バック・トゥ・オールド・ヴァージニー」や「オー、デム・ゴールデン・スリッパーズ」などの曲で全国的な成功を収めた。^{[4] [11]南北戦争後の時期には、}パトリック・ギルモアやジョン・フィリップ・スーザなどの指揮者によるプロのバンド音楽の人気も最高潮に達した。^[9]軍楽隊の作曲で知られるスーザは、米国海兵隊バンドで米国とヨーロッパで大きな名声を得た。^[9]

ブラックフェイスのミンストレルショーは19世紀後半を通じて人気を博し、20世紀初頭に徐々に衰退していった。その頃、チャールズ・M・バラスの『黒い悪魔』に始まる、エクストラヴァガンザと呼ばれる豪華で手の込んだ演劇が生まれた。^{[6]エクストラヴァガンザは、女性がほぼ透明な服を着て}卑猥な歌を歌うなど、性的に刺激的であると考えられていたため、当時の新聞や教会から批判された。デイヴィッド・ユーエンはこれを、アメリカのミュージカル劇場とポピュラーソングの「長く活発な性的搾取のキャリア」の始まりと表現した。^[7]その後、エクストラヴァガンザは、19世紀末に非常に人気があった風刺的でパロディ的な演出であるバーレスクパフォ​​ーマンスの要素を取り入れた。 ^[8]

エクストラヴァガンザやバーレスクと同様、バラエティショーは喜劇的で下品な演出で、19世紀中期から末にかけて人気があり、その頃にはボードビルへと進化していた。この形式は、女性や子供に自分のショーに来るよう勧めようとしたトニー・パストールのようなプロデューサーによって発明されたが、劇場は長い間、荒っぽく無秩序な群衆の領域であったため、女性や子供達は躊躇していた。^[9] 20世紀初頭までには、ボードビルは女性や子供達の尊敬される娯楽となり、ガス・エドワーズのような作詞家は国中で人気の曲を書いた。^[10]最も人気のあったボードビルショーは、ジーグフェルド・フォリーズのように、ブロードウェイミュージカルシアターのその後の発展に大きな影響を与えた一連の歌と寸劇やティン・パン・アレーの歌であった。^[13]

ティン・パン・アレーは、ニューヨーク市の西28番街とその周辺の地域でした。^{[14] 1890年代半ばまでに音楽出版の中心地になりました。この時代の作詞家は定型的な歌を書き、その多くは感傷的なバラードでした。 [11]この時代、特に}米西戦争後、米国が世界大国になるにつれて、国民意識が発達しました。鉄道と郵便サービスの利用可能性と効率性の向上は、ポピュラーソングを含むアイデアの普及に貢献しました。^[要出典]

ティン・パン・アレーの最も有名な出版者には、ウィリス・ウッドワード、M・ウィットマーク・アンド・サンズ、チャールズ・K・ハリス、エドワード・B・マークス、ジョセフ・W・スターンなどがいた。スターンとマークスはティン・パン・アレーの作詞家の中でも最もよく知られた存在であり、彼らは1894年にアマチュアとして一緒に曲を書き始めた。^[12]

人気のある主流のバラードや他のすっきりとした歌に加えて、ティン・パン・アレーの出版者の中には、荒々しくきわどい歌に力を入れた者もいた。ティン・パン・アレーのもう一つの重要な部分は、ミンストレル・ショーの薄められた歌から派生したもので、「ラグタイムのリズムの吸収」によってもたらされた「活気と熱気」があった。 ^{[13]最初の人気あるクーン・ソングは、1880年の}ジョセフ・P・スケリーの「ダンディ・クーンズ・パレード」と、1883年にJ・S・パットナムが発表した「ニュー・クーン・イン・タウン」であり、これに続いてアーネスト・ホーガンやメイ・アーウィンのようなクーン・シャウターの波が続いた。^{[4] [14]}クーン・ソングの有名な黒人作曲家には、バート・ウィリアムズ、ジョージ・W・ジョンソン、アーヴィング・ジョーンズがいる。^{[15] [4]さらに、「}ラグ」という言葉が楽譜に初めて登場するのは、アーネスト・ホーガンの1896年の歌「All Coons Look Alike to Me」の伴奏部分であり、この2つのジャンルのつながりを示している。^[4]

20世紀初頭には、ミュージカルを専門とする劇場群であるブロードウェイの成長も見られました。ブロードウェイは世界でも有​​数のミュージカル劇場となり、ドナルド・クラークがこの時代を作詞作曲の黄金時代と呼ぶほどの曲が数多く生まれました。劇場やストーリーの制約に楽しい曲を合わせる必要性から、作詞作曲の成長が可能になり、ジョージ・ガーシュイン、ヴィンセント・ユーマンス、アーヴィング・バーリン、ジェローム・カーンなどの作曲家が台頭しました。^{[15]これらのソングライターが書いた曲は現在でも人気があり、今日では}グレート・アメリカン・ソングブックとして知られています。^[16]

19世紀を通じて上流階級の間では外国のオペラが人気だったが、ミュージカルの他のスタイルとしてはオペレッタ、バラッドオペラ、オペラプフなどがあった。ギルバートとサリバンのイギリスのオペレッタは特に人気があったが、アメリカの作品は聴衆を見つけるのに苦労した。ジョージ・M・コーハンはミュージカルの最初の著名なアメリカ人作曲家であり、オペレッタから離れた最初の人物であり、作品の中で現地語を使ったことでも有名である。しかし20世紀初頭までには、ウィル・マリオン・クック、ジェームズ・リース・ヨーロッパ、ジェームズ・P・ジョンソンの作品に始まり、黒人の劇作家、作曲家、ミュージシャンがミュージカルに大きな影響を与えるようになった。最初の大ヒットした黒人ミュージカルは1921年の『シャッフル・アロング』^{だった。 [16]}

輸入されたオペレッタや、コーハンのような白人とクック、ヨーロッパ、ジョンソンのような黒人による国内作品はすべて、ブロードウェイに形成的な影響を与えた。ガーシュイン、ポーター、カーンのような作曲家は、ヨーロッパのモデルに依存しない、明らかにアメリカ的な感覚を持つ喜劇ミュージカルを国民的娯楽にした。これらの人々のほとんどはユダヤ人だったが、コール・ポーターだけが大きな例外だった。彼らはロシア帝国の迫害から逃れてきた19世紀の移民の子孫であり、ニューヨーク市のさまざまな地区に最も影響力を持って定住した。^{[17]初期のミュージカルの多くは黒人音楽の影響を受けており、} 「イン・ダオメー」など初期ジャズの要素が見られる。これらの作品のユダヤ人作曲家は、伝統的なアフリカ系アメリカ人のブルーノートと彼ら自身のユダヤの民俗音楽とのつながりを見出していたのかもしれない。^[17]

ブロードウェイの歌は世紀の変わり目頃に録音されたが、劇場以外で広く人気が出るのはずっと後になってからだった。ジェローム・カーンの「彼らは私を信じなかった」は全国的に人気となった初期の歌だった。カーンのその後の革新には、1927年のショウボートに始まる、初期の作品の歌を中心に構築されたかなり漠然とした物語よりも、より真実味のあるプロットが含まれていた。ジョージ・ガーシュウィンは、1919年の「スワニー」に始まり、後にジャズやオーケストラのための作品で、おそらくブロードウェイで最も影響力のある作曲家だった。彼の最も永続的な作品は、オペラ「ポーギーとベス」かもしれない。これは2人の黒人の物語で、ガーシュウィンはこれを一種の「フォークオペラ」として、アメリカの慣用句に基づいた新しいスタイルのアメリカのミュージカル劇場の創造として意図した。^[18]

ラグタイムはピアノをベースとしたダンス音楽のスタイルで、シンコペーションのリズムと半音階が使われていた。^[19]このジャンルの最も有名な演奏家および作曲家は、間違いなくスコット・ジョプリンである。ドナルド・クラークは、ラグタイムを、最初はミンストレル・ショーで、その後はヴォードヴィルで使われたアライグマの歌の集大成であり、ミンストレル・ショーのリズムが主流に浸透した結果であると考えている。また、ラグタイムの独特なサウンドは、キーボードを使ってアフリカ系アメリカ人のバンジョーを真似しようとしたことから生まれたのではないかとも示唆している。^{[20]音楽史家の}イライジャ・ウォルドによると、ラグタイムはアメリカで最初の真のポップ・ジャンルを構成しており、ミンストレル・ショーの音楽などの初期のアメリカ音楽は、独特のスタイルやサウンドがあるというよりも、ブラックフェイスやコメディとの関連で区別されていた。^[18]

ラグタイムは本質的にアフリカ系アメリカ人の性質を持つため、アメリカのポピュラー音楽で初めて真の黒人音楽となったスタイルであると考えられています。ラグタイムはポピュラー音楽にシンコペーションとより本物の黒人サウンドをもたらしました。人気のラグタイムの曲は楽譜として記譜され販売されていましたが、一般的なスタイルは全国でより非公式に演奏されていました。これらのアマチュア演奏者はより自由な形式のラグタイムを演奏し、それが最終的にジャズに大きな影響を与えました。^[21]

トーマス・エジソンの蓄音機シリンダーの発明は、録音音楽の誕生のきっかけとなった。最初に発売されたシリンダーは、米国海兵隊バンドによる「 Semper Fidelis」であった。当初、シリンダーの発売は控えめであったが、売上が伸びるにつれて、流通が増加した。これらの初期の録音曲は、ボードビル、バーバーショップカルテット、行進曲、オペラ、ノベルティソング、その他の人気曲のミックスであった。「The Good Old Summertime」、「Shine On Harvest Moon」、「Over There」など、多くの人気スタンダードはこの時代のものである。ジャズの分野でも、1917年のオリジナル・ディキシーランド・ジャズ・バンドの録音に始まり、その後、より本格的なニューオーリンズ・ジャズ・スタイルで演奏したキング・オリバーズ・クレオール・ジャズ・バンドが続いた。^[22]

ブルースは、アメリカの歴史上、録音されたポピュラー音楽が爆発的に増加した以前から存在していた。これは1920年代に起こり、マ・レイニー、ベッシー・スミス、メイミー・スミスといった女性ブルース歌手の人気が急上昇した。この分野の最初のヒット曲はメイミー・スミスの「クレイジー・ブルース」だった。これらの都会のブルース歌手は、ポピュラー音楽の概念を、誰でも簡単に演奏できる単純な曲から、主に個々の歌手と結びついた作品へと変えた。 「サム・オブ・ジー・デイズ」で知られるソフィー・タッカーのような歌手は、ヒット曲と密接に結びつき、彼女らの個性的な解釈は曲そのものと同じくらい重要になった。^[23]

同時に、パラマウントレコードやオーケーレコードなどのレコード会社が、アフリカ系アメリカ人の聴衆をターゲットにしたブルースを中心とした人種音楽の分野を立ち上げました。これらのアーティストの中で最も有名なのは、チャーリー・パットン、ロニー・ジョンソン、ロバート・ジョンソンなどであり、彼らはその後のブルースやブルース由来のジャンルの人気発展に大きな影響を与えました。^[19]

ジャズは、ブルーノート、シンコペーション、スウィング、コールアンドレスポンス、ポリリズム、即興演奏を特徴とする音楽の一種である。もともとダンスミュージックの一種であったが、現在では「長い間、ポピュラー音楽または土着音楽の一種と考えられており、コンサートホールの音楽と重要な関わりを持つ洗練された芸術形式にもなっている」。^[24]ジャズの発展は、現代のラグタイム、ブルース、ゴスペル、カントリーミュージックとほぼ同時期に起こった。これらはすべて、明確な境界線のない連続体の一部と見なすことができる。特にジャズはラグタイムと最も密接に関連しており、ラグタイムとは、暗黙のビートから離れた音符を配置するなど、より複雑なリズムの即興演奏を使用することで区別できる。初期のジャズバンドは、ベントノートやブルーノート、楽器の「グロウル」やスメアなど、ブルースの語彙の多くを採用した。^[要出典] ジャズ・アーティストのルディ・ヴァレーは、おそらく20世紀のマスメディア・ポップスターの最初の完全な例となった。^{[20]ヴァレーは最も著名な、そしておそらく新しいスタイルのポピュラー歌手、}クルーナーの最初の人物となった。^[20]

ポール・ホワイトマンは 1920 年代に最も人気のあるバンドリーダーで、自らを「ジャズの王」と称しました。ホワイトマンは当時の他の最高の白人ジャズミュージシャンを多数雇用していたにもかかわらず、後の世代のジャズ愛好家はホワイトマンの音楽は本物のジャズとはほとんど関係がないと評価することがよくあります。しかし、ジャズと精巧なオーケストラを組み合わせるという彼の考えは、後の数十年間の作曲家や編曲家によって繰り返し取り上げられています。^{[引用が必要]}

ホワイトマンはガーシュインの「ラプソディ・イン・ブルー」を委嘱し、ホワイトマンのオーケストラが初演した。テッド・ルイスのバンドは1920年代にポール・ホワイトマンに次ぐ人気を誇り、特に1920年代後半のレコーディングではホワイトマンよりも気取らずに本物のジャズを演奏していたと言える。この10年間の他の「ジャズ」バンドには、ハリー・レザー、レオ・ライスマン、エイブ・ライマン、ナット・シルクレット、ジョージ・オルセン、ベン・バーニー、ボブ・ヘリング、ベン・セルヴィン、アール・バートネット、ガス・アーンハイム、ルディ・ヴァリー、ジーン・ゴールドケット、アイシャム・ジョーンズ、ロジャー・ウルフ・カーン、サム・ラニン、ヴィンセント・ロペス、ベン・ポラック、フレッド・ウォーリングらがいる。^[21]

1920 年代、これらのアーティストが演奏する音楽は大衆に非常に人気があり、一般的にジャズと呼ばれていました。しかし、今日では、この音楽は軽蔑され、ジャズ純粋主義者によって「甘い音楽」と呼ばれています。今日「ジャズ」と見なされる音楽は、少数派によって演奏される傾向がありました。しかし、1920 年代から 1930 年代初頭には、大多数の人々が今日「甘い音楽」と呼ぶものを聴いており、ハードコア ジャズは「ホット ミュージック」または「レース ミュージック」に分類されていました。^{[引用が必要]}

当時最大かつ最も影響力のあったレコードレーベル、ビクター・トーキング・マシーン（1928年以降はRCAビクター）は、 1926年10月にエディ・キングが脱退するまで、「スウィートジャズ」の発展を抑制する影響力を持っていました。キングは、当時のポピュラー音楽の基準で許容されるソロ以外では、仕事中の飲酒や楽譜からの大幅な逸脱を許さない権威主義者としてよく知られていました。これは、有名なトランペット奏者ビックス・バイダーベックを含む多くのビクタージャズアーティストを苛立たせました。 Sudhalter は、Lost Chords の中で、ミュージシャンにかなりの自由が認められた 1927 年のゴールドケット オーケストラの録音の例を挙げ、「もっと自由なナット シルクレットではなく、エディ キングが指揮していたら、この演奏はどうなっていただろう」と述べている。ビクターの台帳には、キングが実際にゴールドケット オーケストラを指揮した 1926 年 1 月と 2 月に 5 回以上の録音セッションが記録されているため、ゴールドケットとキングのアプローチの比較は容易に行える。^[要出典]

アメリカのポップミュージックの初期のジャンルは、20世紀初頭に人気のあったダンススタイルであるスウィングブームであった。 ^[22] 1935年、スウィングミュージックは大衆に人気を博し、すぐにジャズに取って代わり最も人気のある音楽となった（最初は抵抗もあったが）。スウィングミュージックは、通常ダブルベースとドラムで構成され、中速から高速のテンポで演奏される強力なリズムセクションと、スウィング音などのリズムデバイスが特徴である。スウィングは、主にブルースの要素とティン・パン・アレーのポップセンスが融合した1930年代のジャズの一種である。^[25]スウィングは他の種類のジャズよりも大きなバンドを使用し、素材をしっかりとアレンジするバンドリーダーが率いており、ジャズの不可欠な部分であった即興を抑制していた。デビッド・クラークはスウィングを「単にバックボーンを与えるのではなく、ポピュラーミュージックの中心となる最初のジャズ指向のスタイル」と呼んだ。^[26] 1930年代の終わりまでに、ボーカリストはますます目立つようになり、アメリカ音楽家連盟のストライキの後、大規模なバンドでのレコーディングが法外な費用がかかるようになり、最終的には中心的な舞台に立つようになりました。^{[27]スウィングは}スウィングダンスと呼ばれる人気のダンスを伴うようになり、米国全土で白人と黒人の両方の聴衆、特に若者の間で非常に人気がありました。^[要出典]

アメリカの主流派が聴いていた人気のジャズやスウィング音楽に加えて、少数民族や田舎の聴衆など、特定のグループの間で人気のジャンルが他にもいくつかありました。1920年代に始まり、1940年代に大きく加速したブルースは、幅広い新しいスタイルへと急速に多様化していきました。これらには、リズム・アンド・ブルース（R&B）と呼ばれるアップテンポでエネルギッシュなスタイル、カントリー・ミュージックと呼ばれるブルースとアングロ・ケルト音楽の融合、ゴスペル・ミュージックと呼ばれる賛美歌と霊歌とブルースの構造の融合などがありました。これらの他のスタイルよりも後の1940年代には、ブルース、R&B、カントリーの融合が生まれ、最終的にはロックンロールと呼ばれるようになり、1960年代初頭までにアメリカのポピュラー音楽を支配するようになりました。^[要出典]

カントリーミュージックは、主にアフリカ系アメリカ人のブルースや霊歌とアパラチア地方のフォークミュージックを融合したもので、ポップス愛好家向けにアレンジされ、1920年代から人気が高まってきました。特に重要だったのは、アイルランドやスコットランドの曲、ダンスミュージック、バラードやボーカルスタイル、^[28]のほか、ネイティブアメリカン、スペイン、ドイツ、フランス、メキシコの音楽でした。初期のカントリーの楽器編成は、ヨーロッパ由来のフィドルとアフリカ由来のバンジョーを中心に、後にギターが加わりました。カントリーミュージックの楽器編成では、コールアンドレスポンス形式、即興音楽、シンコペーションのリズムなど、アフリカの要素が取り入れられました。さらに後になって、 20世紀初頭のハワイアンミュージックの人気や、ソル・ホオピイやラニ・マッキンタイアなどのミュージシャンの影響により、ウクレレやスチールギターなどの弦楽器が一般的になりました。^[29]現代のカントリーミュージックのルーツは、一般的に1927年に音楽タレントスカウトのラルフ・ピアがジミー・ロジャースとカーター・ファミリーを録音したときに遡る。彼らの録音は現代のカントリーミュージックの基礎と考えられている。1927年以前にもカントリーとみなせるポピュラーミュージックは存在したが、エース・コリンズが指摘するように、これらの録音は国内の音楽市場に「ごくわずかで非常に一貫性のない」影響しか及ぼさず、当時ヒルビリーミュージックとして知られていたものと表面的にしか似ていなかった。^[30]ロジャースとカーターズに加えて、ボブ・ウィルスというミュージシャンは、1920年代と30年代に非常に人気があったウエスタンスウィングと呼ばれるスタイルで知られる影響力のある初期の演奏者であり、カントリーミュージックに顕著なジャズの影響をもたらした。^[要出典]

リズム アンド ブルース (R&B) は、1930 年代から 1940 年代に生まれたスタイルで、より複雑な楽器編成によるリズミカルでアップテンポなブルースです。作家のアミリ・バラカは、初期のR&Bを「ブルース歌手の叫び声の後ろで大音量で演奏される巨大なリズム隊（歌手は、さまざまな電化楽器の鳴り響く音やリズムセクションの激しい音にかき鳴らされる音にかき消されないように大声を出さなければならなかった）」と表現した。 ^[31] R&Bはこの時期に録音されたが、それほど多くはなく、レコード会社も、示唆に富んだ歌詞と疾走感あふれるリズムのため、ほとんどの聴衆、特に中流階級の白人には向かないと感じて、広く宣伝しなかった。^[32]ルイ・ジョーダンのようなバンドリーダーが、初期のR&Bのサウンドを革新した。ジョーダンのバンドは、小さなホーンセクションと目立つリズム楽器を特徴とし、ブルージーな歌詞のテーマを持つ曲を使用していた。1940年代の終わりまでに、彼は19の大ヒット曲を制作し、ワイノニー・ハリス、ジョン・リー・フッカー、ロイ・ミルトンなどの同時代のミュージシャンへの道を切り開いた。^[要出典]

キリスト教の霊歌と田舎のブルース音楽は、現在ゴスペル音楽として知られているものの起源である。1920年代頃から、アフリカ系アメリカ人の教会では、信者が即興でしばしば音楽的な方法で宗教的信仰を宣言する（証言する）という形で初期のゴスペルが演奏されていた。現代のゴスペルは、作曲家、特にトーマス・A・ドーシーの作品から始まった。彼は「馴染みのある霊歌や賛美歌をベースに、ブルースやジャズのリズムと融合した曲を作曲した」。^[33] 20世紀初頭のこれらの教会から、ゴスペル音楽は国中に広まった。ゴスペル音楽は、ほぼ完全にアフリカ系アメリカ人の教会と関連付けられており、通常は1人以上の名手ソリストと合唱団が演奏した。^[要出典]

ロックンロールは、カントリー、ブルース、R&B から発展したポピュラー音楽の一種です。世界中で最も人気のある音楽スタイルであるロックの正確な起源と初期の発展については、激しい議論が交わされてきました。音楽史家のロバート・パーマーは、このスタイルの影響は非常に多様で、アフロカリビアンの「ボ・ディドリー・ビート」、ビッグバンド・スウィングの要素、キューバのサンや「メキシカン・リズム」などのラテン音楽などが含まれていると述べています。^[34]別の著者であるジョージ・リプシッツは、ロックはアメリカの都市部で生まれ、そこで「多言語の労働者階級の文化が形成され、ブルース、カントリー、ポルカ、ザディコ、ラテン音楽がこれまで個別に伝えていた社会的意味が、都市環境に溶け込んで新しい表現が見出された」と主張しています。^[35]

20世紀半ば、アメリカのポピュラー音楽には、非常に重要な変化がいくつも起こった。この時期、ポップミュージックの分野は飛躍的に発展した。レコード音楽の価格がどんどん下がったことで、レコード業界の需要が刺激され、利益も増えたからである。その結果、音楽マーケティングがますます目立つようになり、それまで聞いたこともないほど人気の主流のポップスターが数多く誕生した。そのようなスターの第一人者の多くは、ディーン・マーティン、ルディ・ヴァレー、トニー・ベネット、ペリー・コモ、フランキー・レインといったイタリア系アメリカ人のクルーナーで、最も有名なのは「ファンの間で熱狂を巻き起こした最初のポップ歌手」フランク・シナトラである。^[36]最も成功したクルーナーの一人はビング・クロスビーである。クロスビーは、人気歌手のアル・ジョルソンを主な影響を受けた人物の一人として挙げている。ペリー・コモもクロスビーのことを次のように語っている。^{[23]クロスビーは}フランク・シナトラのこの歌唱にも影響を与えており、^[24]クロスビーとシナトラは1956年の映画『上流社会』で一緒に歌った。^[25]

しかし、現代のティーンポップスターの時代は1960年代に始まった。1960年代のアメリカのポップミュージックの例には、モンキーズがある。^[26] モンキーズのようなバブルガムポップグループは、音楽の才能よりも、見た目とレコードの売り上げ力だけで選ばれた。しかし、同じ時期には、ロック、ソウル、ポップフォークなど、アメリカのポピュラー音楽の分野でより永続的な存在感を獲得した新しい形式のポップミュージックも登場した。1960年代の終わりまでに、2つの展開がポピュラー音楽を完全に変えた。それは、主流の音楽に明確に反対し、しばしば政治的および社会的活動と連携したカウンターカルチャーの誕生と、プロの作曲家から歌手と作詞家の両方を兼ねるパフォーマーへの移行である。^[要出典]

ロックンロールが最初に主流のポピュラー音楽に登場したのは、ロカビリーと呼ばれるスタイルで、これは初期のロックサウンドとカントリーミュージックの要素を融合させたものである。黒人が演奏するロックンロールはそれまで主流の音楽ではあまり成功しておらず、当時の一部の観察者は、R&Bやカントリースタイルで信憑性のある歌唱ができる白人の演奏家が成功するだろうと考えていた。テネシー州メンフィスのサンレコードのサム・フィリップスは、エルビス・プレスリーにそのような演奏家を見出した。エルビス・プレスリーは歴史上最も売れたミュージシャンの一人となり、ロックンロールを世界中の聴衆に届けた。^[37]プレスリーの成功に先んじたのは、白人の演奏家ビル・ヘイリーで、彼の「ロック・アラウンド・ザ・クロック」はロック時代の始まりとされることもある。しかし、ヘイリーの音楽は、ロカビリーの「より緩いリズム」よりも「よりアレンジされ」、「より計算された」ものであり、またヘイリーとは異なり、サックスやコーラスも使用しなかった。^[38]

R&Bは1950年代を通じて黒人聴衆の間で非常に人気があったが、そのスタイルは挑発的な性質のため、白人や立派な中流階級の黒人にはふさわしくないと考えられていた。その代わりに、多くの人気のあるR&Bの曲は、より受け入れやすい主流のスタイルで、パット・ブーンのような白人ミュージシャンによって演奏され、ポップヒットとなった。 ^{[39]しかし、1950年代の終わりまでに、}ボ・ディドリーやチャック・ベリーなど、人気のある黒人のブルースロックやカントリーに影響を受けたR&Bパフォーマーが白人リスナーの間で前例のない名声を得る波が起こった。^{[40]時が経つにつれて、R&B分野のプロデューサーは徐々にリトル}・リチャードやファッツ・ドミノのようなロックをベースにしたアーティストに目を向けるようになった。^[27]

ドゥーワップは、1950年代に人気を博したグループによって演奏された、一種のボーカルハーモニー音楽である。^[28]ドゥーワップはロックの一種と見なされることもあるが、より正確には、ボーカルR&B、ゴスペル、ジャズとブルースやポップの構造の融合である。^[41]ただし、1960年代まで、ロックとドゥーワップ、R&B、その他の関連スタイルを分ける境界線は非常にあいまいであった。ドゥーワップは、R&Bから派生した音楽として「形を整え、人々が新しい、違う、奇妙で、自分たちのものだと認識するようになった」最初のスタイルとなった（強調は原文のまま）。^{[42]ドゥーワップの人気が高まるにつれて、}レイヴンズのジミー・リックスが始めたベースリードボーカルの使用など、より多くの革新が加えられた。^[43]ドゥーワップの演奏者は当初ほぼ全員が黒人だったが、少数の白人と混血のグループがすぐに人気を博した。これらにはディオン・アンド・ザ・ベルモンツのようなイタリア系アメリカ人のグループが数多く含まれ、一方で女性ボーカリストを加えたり、ほぼ男性ばかりだった分野に女性だけのグループを結成したりしたグループもあった。これにはクイーンズやシャンテルズなどがある。^[44]

1950 年代には、その後の音楽スタイルに大きな影響を与えることになる短い流行がいくつかありました。ピート・シーガーやザ・ウィーバーズなどのアーティストは、古き良きアングロ・アメリカン音楽の復活という形を普及させました。^[45] この分野は最終的に政治的左翼や共産主義と結び付けられるようになり、アーティストがブラックリストに載せられ批判されるようになるにつれて、受け入れられにくくなりました。しかし、このポップフォークの形態は、1950 年代のフォークロックや関連スタイルの形で大きな影響を与えました。普及したアングロ・フォーク音楽の散発的な成功と並行して、マンボ、ルンバ、チャチャチャ、ブーガルーなどのラテンダンスの流行が相次ぎました。その成功もまた散発的で短命でしたが、ラテン音楽はロック、ソウル、その他のスタイルに継続的な影響を与え続け、最終的には1970 年代にサルサ音楽へと進化しました。 ^[要出典]

1920年代後半から、南部や中西部の田舎で、最初は「オールドタイム」または「ヒルビリー」音楽と呼ばれた独特のスタイルが放送され、録音され始めた。初期のアーティストには、カーター・ファミリー、チャーリー・プールと彼のノースカロライナ・ランブラーズ、ジミー・ロジャースなどがいた。この音楽の演奏と普及は当初地域的なものであったが、第二次世界大戦による人口移動により、より広範囲に広まった。戦後、レースミュージックやヒルビリーミュージックとして知られていたものを含む、特殊なスタイルへの関心が高まり、これらのスタイルはそれぞれリズムアンドブルースとカントリーアンドウエスタンに改名された。^{[46]大手レコード会社は、2種類のカントリーミュージシャンのプロモーションにある程度成功していた。}テックス・ウィリアムズのような南部のノベルティパフォーマーと、ポップとカントリーを従来の感傷的なスタイルでミックスしたフランキー・レインのような歌手である。^[29]この時期には、アラバマ州北西部でティー・トットという黒人ストリートミュージシャンからブルースを学んだ白人カントリー歌手ハンク・ウィリアムズ[30]の台頭もありました。[ 47 ^{] 1953年に亡くなるまでに、ハンク・ウィリアムズは11枚のシングルを録音し、それぞれが少なくとも100万枚を売り上げ、}ナッシュビルサウンドの先駆者となりました。^[要出典]

ナッシュビル・サウンドは1950年代に生まれたカントリー・ミュージックのポピュラーな形式で、人気のビッグバンド・ジャズとスウィングにホンキートンク・カントリーのリリシズムを融合させたものだった。^[48]ハンク・ウィリアムズのレコーディングの人気により、レコード会社はカントリー・ミュージックが主流の聴衆を獲得できると確信した。その後、レコード会社はカントリー・ミュージックから荒々しいホンキートンクの要素を取り除き、ウィリアムズを有名にしたあからさまな田舎風のサウンドを排除しようとした。ナッシュビルの業界はロカビリー・パフォーマーのエルヴィス・プレスリーの台頭に反応して、カントリーとポップスの垣根を越えたパフォーマーを売り込んだ。^[31] RCAのカントリー・ミュージック部門の責任者であるチェット・アトキンス^[32]は、カントリーの荒々しい要素を捨てることでナッシュビル・サウンドの革新に最も貢献した。一方、オーウェン・ブラッドリーは洗練された制作技術と滑らかな楽器編成を使用し、最終的にはナッシュビル・サウンドの標準となり、弦楽器や合唱団も取り入れるようになった。^[33] 1960年代初頭までに、ナッシュビルサウンドは多くの伝統主義的な演奏家やファンから薄められたものとして認識され、その結果、ラボックサウンドや、最も影響力のあったベーカーズフィールドサウンドのような多くのローカルシーンが生まれました。^[要出典]

1950年代を通じて、カントリーミュージックで最も人気があったのは、洗練されたポップ志向のナッシュビルサウンドだった。多くのミュージシャンはより荒々しいサウンドを好み、ラボックサウンドやベーカーズフィールドサウンドが発展した。ベーカーズフィールドサウンドは、 1950年代半ばから後半にかけてカリフォルニア州ベーカーズフィールドで、ブレイクビーツなどのウエスタンスウィングやロックの要素とホンキートンクのボーカルスタイルを組み合わせたウィン・スチュワートなどの演奏者によって発明された。 ^{[49]その後、}バック・オーウェンズやマール・ハガードなど、このスタイルを普及させた演奏者の波が続いた。^[要出典]

ソウルミュージックは、1950年代後半にアメリカで始まったR&Bとゴスペルの融合である。ソウルミュージックは、ゴスペルの技法をボーカリストに重点を置き、世俗的なテーマを使用しているのが特徴である。1950年代のサム・クック、レイ・チャールズ、^[34]、ジェームス・ブラウンの録音は、一般的にソウルミュージックの始まりと考えられている。ソロモン・バークのアトランティック・レコードでの初期の録音は、このスタイルを体系化し、ピーター・グラルニックが書いているように、「バークとアトランティック・レコードが一緒になって初めて、ムーブメントに似たものが見られるようになった」^{[50] 。}

ミシガン州デトロイトのモータウン・レコード社は、ポップスの影響を強く受けた一連のソウル・レコードで成功を収めた。これらのレコードは白人リスナーにも受け入れられ、R&Bやソウルが主流の聴衆に受け入れられるほどだった。^[35]ソウル・ミュージックのレコーディングの重要な中心地は、 FAMEスタジオがあったアラバマ州フローレンスだった。ジミー・ヒューズ、パーシー・スレッジ、アーサー・アレキサンダーがFameでレコーディングした。1960年代後半には、アレサ・フランクリンもこの地域でレコーディングを行った。フローレンスの隣町にちなんでマッスル・ショールズと呼ばれることが多いFameスタジオは、スタックスと密接な関係にあり、メンフィスで活動していたミュージシャンやプロデューサーの多くがアラバマでのレコーディングにも貢献した。^[要出典]

メンフィスでは、スタックス・レコードがソウルの先駆者であるオーティス・レディング、ウィルソン・ピケット、^[36]、ドン・コヴェイのレコーディングをプロデュースした。エディ・フロイドやジョニー・テイラーなど、スタックスの他のアーティストもソウルミュージックに多大な貢献をした。1968年までに、ソウルミュージックのムーブメントは分裂し始め、ジェームス・ブラウンやスライ&ザ・ファミリー・ストーンがソウルとリズム&ブルースを他の形式に拡大し抽象化し始めた。グラルニックは「何よりも、ソウルの時代をひどく不安な形で停止させたのは、1968年4月のマーティン・ルーサー・キングの死だったように思う」と書いている。^[51]

1960年代に生まれた新しいロックのジャンルの先駆けの一つが、カリフォルニア出身のディック・デイルが開拓したサーフである。サーフは主にインストゥルメンタルとギターをベースとしたロックで、歪んだトゥワングサウンドが特徴で、南カリフォルニアのサーフィンをベースとした若者文化と結び付けられていた。デイルはレオ・フェンダーと共同で「ショーマンアンプと、サーフミュージックに独特のファジーなサウンドを与えるリバーブユニット」を開発した。^[52]

サーフィンの歌詞の焦点、あるいは音楽的基盤にインスピレーションを受けたビーチ・ボーイズは、 1961年に「サーフィンUSA」などのヒット曲を連発してキャリアをスタートさせた。彼らのサウンドはインストゥルメンタルでもギターベースでもなく、「豊かで濃密で、紛れもなく特別な」「浮遊感のあるボーカルと、ドローンで推進力のある重荷に乗ったフォー・フレッシュマン風のハーモニー」に満ちていた。 ^[53]ビーチ・ボーイズのソングライター、ブライアン・ウィルソンは次第に風変わりになり、台頭するカウンターカルチャーと関わるようになるにつれ、新しいスタジオ技術を試した。^[37]

カウンターカルチャーは、特にベトナム戦争反対などの政治活動や、さまざまなヒッピーの理想の推進を含む若者の運動であった。ヒッピーは主に2種類の音楽と結び付けられていた。ボブ・ディランやグラム・パーソンズのような人々のフォークロックやカントリーロック、そしてジェファーソン・エアプレインやドアーズのようなバンドのサイケデリックロックである。^[38]この運動は、1960年代の大半を通じて人気を博したイギリスのバンドの波であるブリティッシュ・インヴェイジョンと非常に密接に関係している。ブリティッシュ・インヴェイジョンには当初、ビートルズ、ローリング・ストーンズ、^[39]ゾンビーズなどのバンドが含まれ、後にムーディー・ブルースやザ・フーなどのバンドが加わった。^{[40]これらのバンドのサウンドはハードエッジなロックで、ビートルズは当初、}リトル・リチャード、チャック・ベリー、スモーキー・ロビンソン、シュレルズ、アイズレー・ブラザーズなどの古典的な黒人ロックの曲に似た曲で知られていた。^{[54]その後、カウンターカルチャーが発展するにつれて、ビートルズはより高度な技術や}シタールなどの珍しい楽器、そしてより独創的な歌詞を使い始めました。^[41]

フォーク・ロックはキングストン・トリオやアルマナック・シンガーズのようなグループの散発的な主流での成功に頼り、一方でウディ・ガスリーやピート・シーガーは田舎の白人フォーク音楽を政治的に急進的にするのを助けた。^[55]人気ミュージシャンのボブ・ディランは1960年代半ばにフォークとロックを融合させ、初期のシーンを公民権運動と密接に結びつけて有名になった。その後にザ・バーズやフライング・ブリトー・ブラザーズのようなカントリー・ロック・バンドや、ジョーン・バエズやカナダ人のジョニ・ミッチェルのようなフォーク志向のシンガーソングライターが続いた。しかし、10年の終わりまでに、ジェームス・テイラーやキャロル・キングのようなポップ・シンガーソングライターの歌詞には政治的または社会的意識はほとんど見られなくなり、彼ら自身の作詞は非常に個人的で感情的なものになった。^[要出典]

サイケデリック・ロックは、カリフォルニア州サンフランシスコ市と密接な関係のある、ギターをベースとしたハードで疾走感のあるロックである。ジェファーソン・エアプレインは、1967年の「Somebody to Love」と「White Rabbit」で全国的に大ヒットを記録した唯一のサンフランシスコのサイケデリック・バンドであったが、フォーク、カントリー、ブルーグラス風のジャムバンドであるグレイトフル・デッドは、「サンフランシスコのシーンのあらゆる要素を体現し、国の他の地域に対するカウンターカルチャーの代表となった」。グレイトフル・デッドはまた、ティモシー・リアリーのような人々の考え、特に精神的、哲学的な目的でのLSDなどの幻覚剤の使用を、カウンターカルチャーと国の他の地域に紹介したことでも知られるようになった。^[56]

1960年代から1970年代初頭にかけての政治的、社会的、音楽的な激動の変化を受けて、ロック音楽は多様化しました。かつてはロックンロールと呼ばれていた、比較的明確な音楽スタイルは、単にロック音楽と呼ばれる包括的なカテゴリーへと進化しました。この包括的な用語には、最終的にはヘビーメタル音楽、パンクロック、そして時にはヒップホップ音楽など、さまざまなスタイルが含まれます。しかし、1970年代には、これらのスタイルのほとんどは主流の音楽の一部ではなく、アンダーグラウンド音楽シーンで進化していました。^[要出典]

1970年代初頭には、1960年代のフォークロックの内省的で深い感情を込めた個人的な歌詞を引き継いだシンガーソングライターの波が押し寄せた。ジェイムス・テイラー、キャロル・キングなどがその例で、彼らは皆、パフォーマンスと同じくらい作詞能力でも知られていた。同時期には、オールマン・ブラザーズ・バンドやレーナード・スキナードなどのブルージーなサザンロックやカントリーロックのグループが台頭した。^[57] 1970年代には、ポップロックの一種でシンプルで控えめでメロウなソフトロックが発達し、アメリカやブレッドなどの多くのバンドがその代表例だが、そのほとんどは現在ではほとんど記憶に残っておらず、多くは一発屋だった。^[58]さらに、シカゴやスティックスなどのハードなアリーナロックバンドも大きな成功を収めた。^[要出典]

1970年代初頭には、荒々しくエッジの効いた新しいスタイルのカントリーミュージックが台頭し、すぐに最も人気のあるカントリーミュージックの形態となった。これはアウトローカントリーと呼ばれ、ウィリー・ネルソンやウェイロン・ジェニングスなどの主流スターが参加したスタイルである。^[59]アウトローカントリーは非常にロック志向で、歌詞は犯罪、特にドラッグやアルコール関連のパフォーマーのふるまいに焦点を当てており、髪を長く伸ばし、デニムやレザーを着て、ナッシュビルサウンドを推進していた清潔感のあるカントリーシンガーとは対照的にヒッピーのような外見をしていた。^[60]

1970年代半ばまでに、ダンスミュージックの一種であるディスコが人気を集め、アンダーグラウンドのダンスクラブからアメリカの主流へと進化しました。ディスコは、サタデーナイトフィーバーの公開と、その映画とビージーズのサウンドトラックをめぐる現象を受けて絶頂期を迎えました。しかし、ディスコの時代は短く、1980年までにすぐに、ニューウェイヴなど、パンクロックシーンから進化したいくつかのジャンルに取って代わられました。ブルース・スプリングスティーンは、最初は1970年代半ばから後半、そしてその後1980年代を通して、中流階級と下流階級の共感を呼ぶ濃密で不可解な歌詞とアンセミックな曲で大スターになりました。^[61]

1970年代初頭、ソウルミュージックはサイケデリックロックやその他のスタイルの影響を受けた。当時の社会的、政治的動揺に触発されて、マーヴィン・ゲイやカーティス・メイフィールドなどのアーティストは、アルバム1枚分に及ぶ、痛烈な社会批評を盛り込んだ声明を発表した。ジェームス・ブラウンなどのアーティストは、ソウルをよりダンス志向の音楽へと導き、それが最終的にファンクへと進化した。ファンクは、パーラメント・ファンカデリック、ザ・ミーターズ、ジェームス・ブラウン自身などの1970年代のバンドに代表されるが、ウォー、ザ・コモドアーズ、アース・ウィンド・アンド・ファイアーなどのより多才なグループも人気を博した。1970年代には、フィラデルフィアのホール＆オーツのような非常に洗練された商業的なブルーアイド・ソウルのバンドが主流の成功を収めたほか、ザ・デルフォニックスやハワード大学のユニフィクスのような新世代の街角のハーモニーやシティソウルのグループも登場した。^[要出典]

1970 年代の終わりまでに、フィラデルフィアのソウル、ファンク、ロック、その他ほとんどのジャンルはディスコの影響を受けたトラックに支配されました。この期間中、The O'JaysやThe Spinnersなどのファンク バンドはヒット曲を出し続けました。1980 年にディスコが消滅した後、ソウル ミュージックは短期間生き残り​​ましたが、その後、さらに別の変容を遂げました。エレクトロ ミュージックやファンクの影響が導入されると、ソウル ミュージックはより生々しさが薄れ、より巧妙に制作され、その結果、再びR&Bと呼ばれる音楽ジャンルが生まれました。これは通常、コンテンポラリー R&Bとして以前のリズム アンド ブルースと区別されます。^{[出典が必要]}

1960年代までに、リズム・アンド・ブルースという用語はもはや広く使われなくなり、代わりに、ソウル・ミュージックなどの用語が黒人アーティストによるポピュラー音楽を説明するために使われた。しかし、1980年代にリズム・アンド・ブルースは、ほとんどの場合R&Bの形で再び使われるようになり、現在までその用法が続いている。現代のR&Bは、プリンスのような官能的なファンク歌手が、マイケル・ジャクソンやマドンナのようなダンス志向のポップスターと並んで非常に人気になったときに生まれた。^[62]

1980年代の終わりまでに、ポップロックは主にラジオ向きのグラムメタルバンドで構成され、イギリスのグラムメタルムーブメントから派生したイメージをマッチョな歌詞と態度で使用し、ハードロック音楽とヘビーメタルの名人芸のソロを伴っていました。この時代のバンドには、デフ・レパードのような多くのイギリスのグループだけでなく、ヘビーメタルの影響を受けたアメリカのバンド、モトリー・クルー、ガンズ・アンド・ローゼズ、ボン・ジョヴィ、ヴァン・ヘイレンが含まれていました。^[63]

1980 年代半ばには、ゴスペル音楽の人気がピークを迎えた。コンテンポラリー クリスチャン ミュージック(CCM) と呼ばれる新しい形式のゴスペルが誕生した。CCM は 1960 年代後半から存在し、わずかに宗教的な歌詞を伴ったポップ/ロック サウンドで構成されていた。CCM は 1980 年代半ばまでに、特にエイミー グラント、マイケル W. スミス、キャシー トロッコリなどのアーティストによって最も人気のあるゴスペル形式となった。エイミー グラントは 1980 年代の最も人気のある CCM およびゴスペル歌手であり、CCM で前例のない成功を収めた後、1980 年代と 1990 年代に主流のポップに進出した。マイケル W. スミスも CCM でかなりの成功を収めた後、ポップ ミュージックでも成功したキャリアを歩んだ。グラントは後に CCM 初の No. 1 ポップ ヒット (「Baby Baby」) と CCM のベストセラー アルバム ( Heart in Motion ) をプロデュースした。^[要出典]

1980年代、カントリーミュージックのチャートは、カントリーミュージックからわずかな影響を受けただけのポップシンガーによって占められており、この傾向はその後も続いている。1980年代には、ドワイト・ヨーカムや新しい伝統主義者の エミルー・ハリスやリッキー・スカッグスなどの台頭により、ホンキートンクスタイルのカントリーが復活し、^[64]アンクル・テューペロのようなオルタナティブ・カントリーのパフォーマーも登場した。その後、ウィスキータウンのライアン・アダムスやウィルコのようなオルタナティブ・カントリーのパフォーマーが主流の成功を収めた。^[要出典]

1970年代には、主流のアメリカのポピュラー音楽とは全く対照的に、多様なスタイルが数多く登場した。これらのジャンルは、主流の聴衆に多くのレコードを売るという意味では広く普及していなかったが、フォーク音楽やクラシック音楽とは対照的なポピュラー音楽の例であった。 1970年代初頭、ニューヨーク市のアフリカ系アメリカ人とプエルトリコ人はヒップホップ文化を発展させ、ヒップホップとも呼ばれる音楽スタイルを生み出した。ほぼ同じ時期に、ニューヨークのラテン系、特にキューバ人とプエルトリコ人は、ラテン音楽の多くの形式をR&Bやロックと組み合わせたサルサ音楽も革新した。パンク・ロックやヘビーメタルのジャンルは、 1970年代にはイギリスと最も密接に関連していたが、10年後の1980年代にかけて、さまざまなアメリカの派生ジャンルが進化した。一方、デトロイトでは、後に世界中のポピュラー音楽の主要な部分となるハウスやテクノなどの一連のエレクトロニック音楽のジャンルがゆっくりと進化した。^[要出典]

ヒップホップは文化的運動であり、音楽はグラフィティやブレイクダンスと共にその一部である。この音楽は２つの部分、すなわちラップ（素早い、高度にリズミカルで叙情的な歌声）とDJ（サンプリング、インストゥルメンテーション、ターンテーブル、ビートボックスによる楽器演奏）から構成される。^[65]ヒップホップは1970年代初頭にニューヨーク市ブロンクス区で生まれた。ジャマイカ移民のDJクール・ハークはヒップホップの祖と広くみなされており、人気曲のリズムに乗せてトースティングする習慣を持ち込んだ。ニューヨークでは、クール・ハークのようなDJが人気のファンク、ディスコ、ロックの曲のレコードをプレイした。MCはもともと曲を紹介し、観衆を興奮させ、踊り続けさせるために登場した。時間が経つにつれて、DJ はパーカッション ブレイク (曲のリズミカルなクライマックス) を分離し始め、その結果、MC がラップする繰り返しのビートが生まれました。^[要出典]

ラップには、友人や敵への挨拶、ダンスへの激励、そして色彩豊かでユーモアに富んだ自慢話などが含まれていた。1980年代初頭までに、シュガーヒル・ギャングや、 LLクールJ、カーティス・ブロウなど、シーンの有名人による「ラッパーズ・ディライト」などの人気ヒップホップ曲が登場していた。他のアーティストは、政治的な歌詞や社会意識を試し、ジャズ、ヘビーメタル、テクノ、ファンク、ソウルとの融合を披露した。ヒップホップは1980年代後半に多様化し始めた。オルタナティブ・ヒップホップや、デ・ラ・ソウルやグルなどのラッパーが開拓した、密接に関連したジャズラップフュージョンなどの新しいスタイルが登場した。この時代にヒップホップを全国的に注目させるのに最も貢献したのは、パブリック・エネミーとNWAの2組で、前者は扇動的で政治的な歌詞で注目を集め、後者はギャングスタラップの最初の顕著な例となった。^[要出典]

サルサ音楽は、ラテンアメリカの多くの国で人気のある、多様で主にカリブ海のリズムです。サルサにはさまざまなスタイルとバリエーションが組み込まれており、この用語は、キューバ由来の人気のある音楽ジャンル（チャチャチャやマンボなど）のほとんどすべての形式を説明するために使用できます。ただし、最も具体的には、サルサは、1970年代半ばにニューヨーク市周辺のキューバ人とプエルトリコ人の米国移民のグループによって開発された特定のスタイル、および1980年代のサルサロマンティカなどのスタイルの後継者を指します。^[66]

サルサ音楽は常に4/4拍子である。音楽は2小節ごとにフレーズ化され、繰り返されるリズムパターンと、歌詞と楽器のフレーズの始まりが使用される。通常、パーカッションで演奏されるリズムパターンはかなり複雑で、多くの場合、いくつかの異なるパターンが同時に演奏される。クラーベのリズムはサルサの基礎を形成する重要な要素である。パーカッションとは別に、ギター、トランペット、トロンボーン、ピアノなど、演奏者に応じてさまざまなメロディ楽器が伴奏としてよく使用される。バンドは通常、ホーンセクションとリズムセクションに分かれ、1人以上の歌手（ソネロまたはサルセロ）が率いる。^[67]

パンクは、当時のポピュラー音楽、特に味気なく退屈だと見なされていたディスコに対する反発として1970年代に始まった、反抗的なロック音楽の一種である。パンクは、ヴェルヴェット・アンダーグラウンド、ストゥージズ、ニューヨーク・ドールズなどのアメリカのバンドに影響を受けた。^[68]パンクは騒々しく、攻撃的で、通常は非常にシンプルで、演奏するのに音楽の訓練をほとんど必要としなかった。70年代後半には、セックス・ピストルズやクラッシュなどのイギリスのバンドが、自国で、そしてそれほどではないにせよアメリカでも、かなりの名声を博した。この分野のアメリカのバンドには、最も有名なラモーンズや、最終的にはポップ・ニューウェイヴへと進化する前はパンクと密接に関連していた、より芸術的な種類の音楽を演奏したトーキング・ヘッズなどのグループがいた。^[69]他の主なアーティストには、ブロンディ、パティ・スミス、テレビジョンなどがある。これらのバンドのほとんどは、パンクロックの「震源地」^[42]とされるCBGBというクラブで活動を開始しました。ニューヨークのこの小さなクラブは1975年に「未録音のロックバンドトップ40」を披露するフェスティバルを開催しました。これらのバンドの中には、前述のラモーンズ、セックス・ピストルズ、ブロンディなどが含まれていました。^[要出典]

ハードコアパンクは、1970年代後半の世界的なパンクロックの爆発に対するアメリカの若者の反応でした。ハードコアはパンクロックとニューウェイヴからエリート主義や芸術的な傾向を取り除き、不満を抱く若者に訴える短くて速くて激しい曲を生み出しました。ハードコアはロサンゼルス、ワシントンDC、ニューヨーク、ボストンなどのアメリカの大都市で爆発的に広がり、1980年代末までにほとんどのアメリカの都市に独自のローカルシーンが生まれました。^[70]

オルタナティヴ・ロックは、アメリカで 1980 年代の主流の音楽シーンとは対照的に、主にハードコア シーンから発展した多様なロック バンドのグループです。この 10 年間に発展したオルタナティヴ・ロックのサブジャンルには、インディー ロック、ゴシック ロック、ノイズ ロック、グランジ、カレッジ ロックなどがあります。ほとんどのオルタナティヴ バンドは、1970 年代のアンダーグラウンド ミュージックやオルタナティヴ ミュージックの基礎を築いたパンクへの集団的恩恵によって統一されていました。このジャンルはロックと見なされていますが、一部のスタイルはアメリカのフォーク、レゲエ、ジャズの影響を受けています。パンクやハードコアと同様に、オルタナティヴ ロックは 1980 年代のアメリカではほとんど主流の成功を収めませんでしたが、ツアー、カレッジ ラジオ、ファンジン、口コミを通じて草の根的にインディーシーンを確立し、オルタナティヴ バンドは次の 10 年間でこのジャンルがアメリカの一般大衆の意識に浸透するための基礎を築きました。^{[出典が必要]}

ヘビーメタルは、攻撃的で疾走感のあるリズムと、増幅された歪んだギターが特徴の音楽の一形態で、一般的には壮大な歌詞と巧みな楽器演奏を伴う。ヘビーメタルは、ブルース、ブルースロック、ロック、プログレッシブロックが発展したものである。その起源は、1967年から1974年の間にブルースとロックを取り入れ、ギターとドラムを中心とした重厚なサウンドのハイブリッドを生み出したイギリスのハードロックバンドにある。ブラックサバスなど、この分野の先駆者のほとんどはイギリス人だが、ブルーチアーやジミヘンドリックスなどのアメリカのパフォーマーに触発された者も多かった。^[要出典]

1970年代初頭、ブルー・オイスター・カルトやエアロスミスのような最初のメジャーなアメリカのバンドが登場し始め、エディ・ヴァン・ヘイレンのようなミュージシャンがキャリアをスタートさせた。しかし、ヘビーメタルは主にアンダーグラウンド現象のままであった。1980年代には、パーティ気分とグラムに影響された視覚的美学を備えたポップベースのハードロック（「ヘアメタル」と呼ばれることもある）が、ポイズン、ボン・ジョヴィ、モトリー・クルー、ラットなどのスーパースターに牽引されて音楽チャートを独占した。サンセットストリップの粗野な裏側を反映したイメージを持つハードロックバンド、ガンズ・アンド・ローゼズの1987年のデビューは、少なくとも部分的にはヘアメタルの過度に洗練されたイメージに対する反動であったが、このバンドの大成功は、多くの点でハードロックとメタルシーンの最後のあがきであった。 1980年代半ばまでに、「ヘビーメタル」という用語が多くの論争の的となり、そのスタイルはさまざまな方向に分岐したため、ファン、レコード会社、ファン雑誌によって新しい分類が作られましたが、さまざまなサブジャンルの違いは、特定のスタイルに属しているとされるアーティストにとっても不明瞭な場合がありました。1980年代の米国で最も注目されたメタルのサブジャンルは、アンスラックス、メガデス、メタリカ、スレイヤーなどのバンドによって開拓された、迅速で攻撃的なスラッシュメタルスタイルでした。^[要出典]

1990年代のアメリカのポピュラー音楽における最も重要な変化は、おそらくグランジの人気によるオルタナティヴ・ロックの台頭だろう。これは以前は明らかに反主流派のジャンルの集まりであったが、1990年代初頭から大きな名声を得た。このジャンルは初期には主に、ブルース・パヴィットとジョン・ポーンマンが設立した会社、サブ・ポップ・レコードに拠点を置いていた。このレーベルと契約した重要なグランジ・バンドには、グリーン・リヴァー（このバンドのメンバーの半数が後にパール・ジャムの創設メンバーとなる）、ソニック・ユース（グランジ・バンドではないが、グランジ・バンドに影響を与え、実際、キム・ゴードンの強い要望でデヴィッド・ゲフィン・カンパニーがニルヴァーナと契約した）、ニルヴァーナなどがある。グランジはオルタナティブロックのサブジャンルで、「暗く陰鬱なギターベースのスラッジ」サウンドを持ち、^[71]ヘビーメタル、パンク、ソニックユースなどのバンドの要素を取り入れ、「型破りなチューニングで、標準的なポップソングを完全に変形させる」^[72]音楽的要素が加わった。ニルヴァーナなどのバンドのサウンドに「メロディアスでビートルズ的な要素」が加わったことで、グランジはアメリカ全土で大人気となった。

^[73]グランジは1990年代初頭に商業的に成功し、1991年から1994年にかけてピークを迎えた。米国太平洋岸北西部の都市、特にワシントン州シアトルのバンドがグランジを生み出し、後に主流の聴衆に人気を博した。グランジ人気のピーク時に成人したばかりのいわゆるジェネレーションXは、グランジと密接な関係があり、そのサウンドは「（その）世代の絶望を定義する」のに役立った。^[74]フー・ファイターズやクリードなどのバンドは、ポスト・グランジとして知られるオルタナティヴ・ロックの一形態となり、音楽的に影響を受けたグランジ・バンドとは異なり、ラジオ向きであったため人気を博した。グリーン・デイやブリンク182などのポップ・パンク・バンドも人気を博した。1990年代後半には、リンキン・パーク、コーン、リンプ・ビズキット、スリップノットなどのバンドによりニューメタルが台頭した。インディペンデント文化は、ローファイ（ベック、スパークルホース、ガイデッド・バイ・ヴォイシズ）、マスロック（スリント、シェラック） 、ポストロック（エクスプロージョンズ・イン・ザ・スカイ、トータス）などの新しいジャンルとともに、アンダーグラウンドシーンで眠っていた。エモコアやポストハードコアは、アット・ザ・ドライブインやフガジなどのバンドによってさらに知られるようになった。^[要出典]

ギャングスタ ラップはヒップホップの一種で、最も重要な特徴は、歌詞がマッチョなセクシュアリティ、肉体、危険で犯罪的なイメージに焦点を当てていることである。ギャングスタ ラップの起源は、フィラデルフィアのスクールリーDや西海岸のアイス-Tによる 1980 年代半ばのラップにまで遡ることができるが、このスタイルは、トゥー ショート、NWAなどが名声を得たロサンゼルスやオークランド周辺で始まったと一般的に言われている。この西海岸のラップシーンは、1990 年代初頭のG-ファンクサウンドを生み出した。これは、ギャングスタ ラップの歌詞と、1970 年代のP-ファンクのサンプルを多く取り入れた、重厚でぼんやりとしたトーンを組み合わせたサウンドである。このサウンドの最も有名な支持者は、画期的なラッパーのドクター ドレーとスヌープ ドッグである。^[要出典]

1990年代末から2000年代初頭にかけて、ポップミュージックは主にポップヒップホップとR&B風ポップの組み合わせで構成され、多くのボーイズバンドも登場した。ビヨンセ（ソロ活動やデスティニーズ・チャイルドのリードシンガーとして活躍）、ブリトニー・スピアーズ、クリスティーナ・アギレラ、ケイティ・ペリー、レディー・ガガ、テイラー・スウィフトなど、著名な女性歌手もアメリカや世界中のポピュラーミュージックで地位を固めた。また、2000年代中盤から後半にかけてのポピュラーミュージックに対するヒップホッププロデューサーの影響も注目に値する。アッシャーの『Confessions』やネリー・ファータドの『Loose 』で初めて耳になったサウンドは、マドンナ、エイコン、レディー・ガガなどのアーティストによって人気ラジオで真似された。 2000年代後半から2010年代初頭にかけて、ポップミュージックはヨーロッパのエレクトロニックダンスミュージックシーンから大きな影響を受けるようになり、デヴィッド・ゲッタ、カルヴィン・ハリス、スウェディッシュ・ハウス・マフィア、スクリレックスなどのプロデューサーを通じて大学生の間で根付き始めました。^[要出典]

ヒップホップとポップの組み合わせも、2000年代から2010年代初頭にかけて主流になり始めました。2010年代初頭には、ブルーノ・マーズ、ドレイク、リル・ウェイン、2チェインズ、ケンドリック・ラマー、マシン・ガン・ケリー、マックルモアなどの著名なアーティストが主流の音楽シーンを席巻し始めました。^[要出典]

1990年代のカントリーミュージックの主流は、カントリーの要素がごく限られたポップスだった。これには、クリント・ブラック、シャナイア・トゥエイン、フェイス・ヒル、そしてクロスオーバースターの先駆けであるガース・ブルックスなど、1990年代のベストセラーアーティストの多くが含まれる。^[75]

その一方で、ギター・リバイバルが起こり、ポスト・パンク・リバイバルやガレージ・ロック・リバイバルとも呼ばれるオルタナティブ・ギター・バンドの新世代が誕生した。この世代の著名な米国バンドには、ホワイト・ストライプス、ザ・ストロークス、ザ・キラーズなどがある。

アメリカのポピュラー音楽は、国際的に非常に人気がある。ロック、ポップ、ヒップホップ、ジャズ、カントリーなどの音楽スタイルは、世界中にファンがいる。1960年代半ばから1970年代半ばにかけて、世界のポピュラー音楽とアメリカのポピュラー音楽の要素を組み合わせる試みがなされた。しかし、その統合の結果は、ほとんどが失敗に終わった。^{[43]たとえば、} BBCラジオのDJアンディ・カーショウは、カントリー音楽は事実上世界中で人気があると指摘している。^[76]確かに、「アメリカ人が世界文化にもたらしたすべての貢献のうち、（アメリカのポピュラー音楽は）全世界で（最も）重視されてきた」。^[77]西アフリカのアフロビートの基盤となったファンク、ジャマイカのレゲエの大きな源泉であるR&B、そして世界中のポピュラー音楽のほとんどすべてのジャンルに大きな影響を与えたロックなど、アメリカのポピュラー音楽の他のスタイルも、国際的に形成的な影響を及ぼしてきた。ロック、カントリー、ジャズ、ヒップホップは多くの国で定着しており、オーストラリアのカントリーミュージック、タンザニアのボンゴフラーヴァ、ロシアのロックなどの地域的な多様性を生み出しています。^[要出典]

ロックはポピュラー音楽に形成的な影響を与え、「ポピュラー音楽の概念そのもの」を変革する効果をもたらした。^[78]一方、チャーリー・ジレットは、ロックンロールは「都市生活の容赦ない鼓動と圧倒的なボリュームを音楽自体に取り入れた最初のポピュラージャンルだった」と主張している。^[79]

アメリカのポピュラー音楽の社会的影響は、米国内外で感じられてきた。19世紀後半の華やかなイベントの頃から、アメリカのポピュラー音楽は性的に刺激的すぎる、暴力、薬物乱用、一般的に不道徳な行為を助長する、と批判されてきた。^{[引用が必要]}

• ブラックフェイス
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• トラディショナルポップ

1. ^ ガロファロはティン・パン・アレーから始まる例であり、ラグタイムについても触れている。
2. ^ ユーエンはその一例で、国民的バラードや愛国歌、フォークミュージック、黒人の歌、ミンストレルショーとその歌、寄席芸までをカバーしている。
3. ^ Ewen、69 ページ。Ewen は、ダン・エメットが「ポピュラーソングの作曲家」であったと主張し、さらに、彼と同時代人で、アメリカ初の大作曲家であり、世界でも傑出した作詞家の 1 人であるスティーブン・フォスターについても言及しています。
4. ^ クラーク、28～29ページ。クラークは「主人は冷たい地面にいる」という歌が奴隷制を感傷的に表現する明らかな試みであると指摘しているが、多くの奴隷は主人を愛していたに違いなく、主人にすべてを依存していたとも指摘している。クラークはまた、「ネリーは淑女だった」などの歌は黒人の経験を普通の人間の感情として描写しており、彼らはシェイクスピアの登場人物と同じくらいリアルな人々であるとも指摘している。
5. ^ Ewen、81 ページ。ミリー・キャベンディッシュがフットライトの前に軽やかに歩み出て、観客の男性に挑発的な指を振り、甲高い赤ちゃんの声で「You Naughty, Naughty Men」（T. ケニックと G. ビックネル作）を歌ったとき、アメリカのミュージカル劇場とアメリカのポピュラーソングは、性的搾取における長く活発なキャリアをスタートさせた。
6. ^ Ewen、94 ページ。Ewen は、1890 年代までにニューヨークが国内の音楽出版の中心地になったと主張し、「出版業者は歌を迅速かつ迅速に制作できる方式を考案しました...歌は実用的な母型から制作され、大量に発行されるようになりました。外国の歌のステレオタイプ、黒人の歌、ユーモラスな小唄、そして最も重要な感傷的なバラードです。」と述べています。
7. ^ Ewen、101ページ。Ewenは「Drill Ye Tarriers」とアライグマの歌の性質の両方の出典です。
8. ^ Ewen、101ページ、およびClarke、62ページ。Ewenは「New Coon in Town」をポール・アレンの作品としているが、ClarkeはJ.S. Putnamの作品としている。両者とも1883年という年については一致している。
9. ^ クラーク、95ページ クラークは黄金時代を1914年から1950年頃としている。
10. ^ Clarke、pp. 56–57。クーン ソングはミンストレル ショーから生まれ、すでにヴォードヴィルで定着していましたが、そのすべてがラグタイムに集約されました...ラグタイムは、キーボードでバンジョーを模倣しようとする試みから始まった可能性があります。
11. ^ Ferris、228 ページ。ダンス音楽として考え出され、長い間ポピュラー音楽または土着音楽の一種と考えられてきたジャズは、コンサートホールの音楽と重要な形で相互作用する洗練された芸術形式になりました。
12. ^ Clarke、pp. 200–201。 1935年から第二次世界大戦後まで、ジャズ志向のスタイルは、単に音楽にバックボーンを与えるだけではなく、初めて（そして今のところ最後）ポピュラー音楽の中心にありました。
13. ^ Garofalo、45ページ。ウクレレとスチールギターは、1900年にハワイが米国領になった後に国内をツアーしたハワイの弦楽団によってこの国に紹介されました。
14. ^ コリンズ、11ページ。さらにコリンズは、ヴァーノン・ダルハートのような「カントリーミュージックの歌」を録音して名声を博した初期の似非カントリーミュージシャンは、丘陵地帯や平野部や谷間出身ではなかったと指摘している。これらのレコーディングスターは田舎の音楽と都会の音楽の両方を歌い、ほとんどがヒルビリーよりもブロードウェイのことをよく知っていた。彼らの田舎のイメージは、しばしば一時の気分と金儲けのために作られたものだった。対照的に、コリンズは後に、カーター一家とロジャースの両者が田舎のフォーク音楽で信頼を得ていたことが、ピアのレコーディングセッションをこれほど影響力のある成功に導いたと説明している。ラルク・ピアと丘陵地帯、失われた愛と見つけた信仰とのつながりはカーター一家だったが、カントリーミュージックの他の愛されるシンボルである列車と酒場、刑務所とブルースと出版社を結びつけたのはジミー・ロジャースだった。
15. ^ ビブ・ブロートン、ジェームズ・アトリー。「悪魔がビートを盗んだ」ラフ・ガイド・トゥ・ワールド・ミュージック第2巻、569ページ。その先駆者は、ピアニストで元ブルースミュージシャンのトーマス・A・ドーシー（1899年 - 1993年）で、ブルースとジャズのリズムに馴染みのある霊歌や賛美歌を融合させた曲を作り始めた。（強調は原文のまま）
16. ^ Garofalo、72 ページ。ファンの間で（単なる賞賛や崇拝ではなく）ヒステリーを引き起こした最初のポップ ボーカリストは、名前を英語化することを拒否したイタリア系アメリカ人、"Sultan of Swoon" フランク シナトラでした。
17. ^ ローリングストーン誌、99～100ページ。ウォード、ストークス、タッカーはカバーバージョンを、ますます豪華になるリズムアンドブルースのピクニックのアリと呼んでいます。
18. ^ Szatmary、pp. 69–70。 1960年に自身のレーベルから特徴のないシングルを数枚リリースしたギター愛好家でもあったデールは、最初の量産型ソリッドボディエレクトリックギターの製造者であり、フェンダーインストゥルメンツの社長でもあったレオフェンダーと密接に協力し、ショーマンアンプを改良し、サーフミュージックに独特のファジーなサウンドを与えるリバーブユニットを開発しました。
19. ^ ローリングストーン誌、251ページ。ビーチボーイズの楽器の音はしばしば痛々しいほどに薄っぺらいものだったが、浮遊感のあるボーカルと、4人のフレッシュマン風のハーモニーが、ドローンのような推進力のある音に乗って（「サーフィンUSA」の「インサイド・アウトサイド、USA」、「ビー・トゥルー・トゥ・ユア・スクール」の「ラー、ラー、ラー、ラー、シス・ブーム・バー」）、豊かで濃密で、疑いなく特別だった。
20. ^ Garofalo、201ページ。Garofaloは具体的に、チャック・ベリーの「Roll Over Beethoven」 、リトル・リチャードの「 Long Tall Sally 」、アイズレー・ブラザーズの「 Twist and Shout」 、バレット・ストロングの「Money」 、シュレルズの「Boys」と「 Baby It's You」、スモーキー・ロビンソン・アンド・ザ・ミラクルズの「 You've Really Got a Hold on Me」 、クッキーズの「Chains」を。
21. ^ Garofalo、218 ページ。グレイトフル・デッドは、白人中流階級の若者の反商業的傾向と、リセリン酸ジエチルアミド (LSD) の精神を変える性質を組み合わせた。
22. ^ Garofalo、448ページ。Garofaloは、 Sub Pop 200と呼ばれるサンプラーを、グランジとして知られるようになった暗く陰鬱なギターベースのスラッジの初期のアンソロジーであると
23. ^ Garofalo、451ページ。彼らはグレン・ブランカのグループから、型破りなチューニングを使って、標準的なポップソングを完全に変形させることを学んだ。これはソニック・ユースのトレードマークであり、シアトルでは彼らの音楽的ビジョンのダークサイドと同様に共感を呼んだ。
24. ^ Szatmary、285ページ。『ネヴァーマインド』となる曲を録音する際に、ニルヴァーナはコバーン、ノヴォセリック、そして新しいドラマーのデイヴ・グロールに影響を与えたメロディックでビートルズ的な要素を加えた。
25. ^ Szatmary、284ページ。独立系レコード会社サブ・ポップ・レコードのシアトル支社で生まれたグランジは、ハードコアとメタルを組み合わせてチャートのトップに躍り出て、世代の絶望感を表現するのに役立った。文脈上、これはおそらくジェネレーションXを指していると思われるが、その用語は特に使われていない。
26. ^ カーショウ、167ページ、『ラフ・ガイド・トゥ・ワールド・ミュージック』第2部「私たちの人生はまさに歌」より。167ページ。カーショウは、カントリーミュージックを一度も聞いたことがない国は北朝鮮だけであると特に述べている。
27. ^ Ewen、3 ページ。自動化と組立ライン、広告、無数の装置と機器、高層ビル、スーパーセールスマン、野球、ケチャップ、マスタード、ホットドッグ、ハンバーガーなど、アメリカ人が世界文化に貢献したすべてのものの中で、間違いなく世界中に根付いているものが 1 つあります。それはアメリカのポピュラー音楽です。
28. ^ Garofalo、94 ページ。歴史に埋もれないように言うと、ロックンロールと呼ばれるようになった音楽は、1950 年代に始まり、人口の多様であまり聞かれない層が主流文化で支配的な発言力を獲得し、ポピュラー音楽の概念そのものを変えた。
29. ^ ジレット、1 ページ、ガロファロ、4 ページからの引用。ガロファロはジレットの言葉を引用して、ロックンロールはおそらく、最も批判されてきた都市生活の特徴を遠慮なく称賛した最初の大衆文化の形態だった、としている。

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• ミドルテネシー州立大学ポピュラー音楽センター
• アメリカの歴史における人気曲のデータベース
• ピッツバーグ大学アメリカ音楽センター
• 南北戦争から冷戦までの人気曲